miércoles, 30 de junio de 2021

0181 The Shop Shop Song - Betty Everett


181 The Shop Shop Song - Betty Everett

Incluso cuando la primera era del rock and roll estaba llegando a su fin justo antes de la invasión británica de los años 1964, todavía había canciones que contenían elementos doo wop de la época dorada del Rock and Roll.  Una de ellas es la vieja y dorada canción de Betty Everett, "The Shoop Shoop Song", que originalmente se conocía como "It's In His Kiss".  Betty Everett fue una cantante de soul y pianista de R&B. 

Vee-Jay Records renombró "It’s In His Kiss" por "The Shoop Shoop Song" en honor a las convincentes "shoop shoops" proporcionadas por los cantantes de respaldo The Opals.  Eran Rose Addison, Nyra Tillison y Rose “Tootsie” Jackson de Chicago.  La canción fue escrita por Rudy Clark, cuyos éxitos incluyen "Got My Mind Set on You", "Good Lovin" y "Everybody Plays the Fool".  

El disco de Everett incluye una marimba, en deferencia a la explosión del sonido latino del '63 -'64 provocada por la popularidad de West Side Story y promovida por grupos como The Rocky Fellers en su gran éxito "Killer Joe".  En 1964, la canción alcanzó el puesto número 6 en el Billboard Hot 100 y el número 1 en la lista Cash Box R&B.

Esta canción tiene la distinción única de ser interpretada por muchos cantantes, incluidos The Swingin 'Blue Jeans, Cher, Lulu, The Nylons, Kate Taylor con James Taylor, The Searchers, The Hollies, The Newbeats, The Supremes y Aretha Franklin.  (Como "My Boyfriend’s Back", fue rechazada por las Shirelles, quienes tuvieron tantos éxitos que tuvieron que decir "no" de vez en cuando).


Quizás una de las versiones más populares de esta canción se produjo tras la participación de Cher en la película Mermaids, donde Cher hace una reversión "The Shoop Shoop Song (It's In His Kiss)", esta reversión del éxito de Betty Everett, puso a Cher en la cima nuevamente, esta canción llegó a los primeros lugares de Europa principalmente en Reino Unido, pero no alcanzó los primeros lugares en Norteamérica donde ocupó el puesto #33.

Daniel
Instagram Storyboy 

La música en historias: "La Tortuga" del #MesRosendo

 


A paso lento, sin prisa pero sin pausa, con la paciencia con la que la tortuga se plantea su camino, hemos llegado al final del #MesRosendo. Lo hemos hecho recreándonos en sus mejores discos, y al final de la larga travesía no había mejor disco para el cierre que precisamente "La tortuga" (1991), el sexto álbum de estudio en solitario de Rosendo Mercado.

La tortuga es un disco diferente y en cierto modo controvertido, dentro de la discografía del de Carabanchel, empezando por el hecho de elegir a ese parsimonioso animal para el título y la portada del álbum. No es éste un disco lento como una tortuga, ni mucho menos, pero sí es un álbum en el que el veterano rockero suena más limpio y producido que en otras obras de su colección. Injustamente, los temas de La tortuga no suelen aparecer en los conciertos de Rosendo, pese a que este disco contiene algunas de las letras y estribillos más divertidos y ocurrentes de su cancionero.

El disco arranca con No me apetece!, una de las mejores canciones de Rosendo y una pieza clave dentro del álbum. Estamos ante una canción muy elaborada y con cuidados arreglos, que va creciendo poco a poco y de principio a fin, desde el paso de tortuga al desenfreno guitarrístico. El ritmo no decae en Los de siempre, canción de billar y humareda, de salir de fiesta y estar con la gente, hasta que la autoridad competente arruine la noche. Cierra el triunfal trío inicial Majete!, el tema que salió como sencillo, dotado de un estribillo pegadizo pero con cierta falta de conexión en la letra. La canción funcionó muy bien a nivel de ventas, pero como el resto de partes del caparazón de la tortuga, fue condenada al destierro en los conciertos de los años posteriores.

La segunda parte del disco baja un peldaño en lo creativo, y hace sitio a temas menos destacables como Menú de la cuneta, que no termina de coger velocidad de crucero y se queda en un tema correcto y varado en la pista de despegue. Tras el curioso y agradecido paréntesis que supone Ah!, una agradable pieza instrumental salvo por los tarareos de Aurora Beltrán (que agradeció públicamente la generosidad de Rosendo al incluirla en los derechos de autor del tema por esa mínima aparición), llega el turno de Ahora pro nobis, otro tema correcto sin más.

La sensación de falta de chispa de este tramo del disco desaparece con la siguiente de las muchas canciones que en La tortuga tienen exclamaciones en el título. Con Yo también! el disco vuelve a remontar el vuelo, y lo mantiene con creces en la pegadiza Control?... memeces! y en la canción que da título al disco. La tortuga hecha canción tiene una letra extraña y divertida, se le ha escapado y no puede dormir pensando en ello, y sale a la calle asustado y temeroso de que el animal pueda atacarle.

Del surrealismo de La tortuga pasamos a la no menos extraña temática de M'enamorao, porque el amor no es por una mujer, sino por la "comanda". Entre su amor por la comida, y su alegato a estar tirado en el sofá en Andar por casa, nos queda claro que La tortuga está logrando influenciarle, y su calma y pereza están presente en estos últimos temas de un disco que quizá no sea el más representativo de Rosendo, pero que tenía todo el sentido que fuera el último en llegar a la meta, yendo como fue a lomos de esta simpática e irreverente tortuga, con la que despedimos el intenso y reconfortante #MesRosendo.

martes, 29 de junio de 2021

0180: You Really Got Me - The Kinks

 

You Really Got Me, The Kinks


     El 4 de agosto de 1964 en Reino Unido, bajo la discográfica Pye, y el 2 de septiembre de 1964 en Estados unidos, bajo el sello discográfico Reprise, The Kinks publican el sencillo You Really Got Me. Gracias al gran éxito que supuso el tema, fue incluido en el álbum debut del grupo, Kinks, que vería la luz en octubre en Reino Unido y en noviembre en Estados Unidos. Al mes de la publicación del sencillo llegó al puesto número 1 en las listas UK Singles Chart del Reino Unido, permaneciendo en ese puesto durante dos semanas.

El tema fue escrito por Ray Davis, guitarrista, vocalista y tecladista de la banda. La letra gira en torno a un chico que se encuentra en un club y está tan abrumado y encantado de lo bien que baila la chica que le guta que es incapaz de articular dos palabras seguidas. Ray Davis, en una entrevista concedida en el año 2016, afirmaba que se le ocurrió escribirla cuando se encontraba en un club en Picadilly y había una chica entre la gente que realmente le gustaba. Escribió You Really Got Me para una chica a la que nunca llegó a conocer. 

La canción es básicamente un riff ejecutado con acordes de quinta, clave para el desarrollo de géneros posteriores como el rock and roll, el hard rock o el punk rock. El efecto distorsionado de la guitarra fue una idea del guitarrista Dave Davis, que consiguió ese característico sonido sucio cortando el altavoz de su amplificador con una cuchilla de afeitar, y luego colocó alfileres. La vibración de la tela rasgada produjo un efecto conocido como fuzz, que se volvió común a medida que se creaban dispositivos electrónicos para distorsionar el sonido. Como en aquel momento no existía ningún dispositivo, Davis también solía maltratar su amplificador pateándolo para obtener el sonido deseado. Este amplificador fue apodado Little Green y fue fabricado por la compañía Elpico. La guitarra utilizada para la grabación fue una Harmony Meteor de 1962. al parecer la idea del amplificador surgió cuando Dave vivía en una habitación al norte de Londres cuando estaba furioso, su novia Sheehan se había quedado embarazada y sus padres no querían que se casaran. Dave Davis, para canalizar su rabia, usó una cuchilla para rasgar un amplificador que tenía en casa de la marca Elpico que le había estado dando problemas. 

Sobre este tema circuló un mito que afirmaba que el solo de guitarra de You Really Got Me fue realizado por Jimmy Page, quien por entonces era músico de sesión y trabajó en las sesiones de grabación. Pero es sólo eso, un mito, pues Page por aquel entonces era únicamente músico de sesión, y el solo fue realizado por Dave Davis.

Un país, un artista: Noruega, Turbonegro



Para el artista de Noruega, no puedo evitar recordar una visita a una tienda de discos del centro de Oslo, tarea obligada en todos y cada uno de los sitios en los que voy de vacaciones. Cuando le dije al chico de la tienda que buscaba discos de grupos de rock noruegos, no dudó un momento en ofrecerme en primer lugar el disco Apocalypse Dudes de Turbonegro. Y no solo me mostró el álbum, sino que lo puso en el equipo de sonido de la tienda para que pudiera escucharlo. Me bastaron sólo unas notas del tema de arranque (el épico Age of Pamparius) para que el disco dejara la tienda a buen recaudo en mis alforjas.

Turbonegro fue fundado precisamente en Oslo en 1989, con una primera formación en la que estaban el estadounidense Thomas Seltzer (conocido como Happy Tom) al bajo, Pål Erik Carlin (voz), Carlos Carrasco (batería) y Vegard Heskestad, Pål Bøttger Kjærnes (conocido como Pål Pot Pamparius) y Rune Grønn (conocido como Rune Rebellion) a las guitarras. Desde su nacimiento, y con una separación en 1998 que se prolongó hasta 2002, Turbonegro ha publicado una decena larga de discos de lo que ellos mismos denominan deathpunk, una mezcla de punk rock y hard rock con toques glam rock (no en vano en el disco Apocalypse Dudes rinden tributo a David Bowie con una potente versión de Suffragette City.

En 1989 graban su sencillo debut Route Zero, y en 1990, después de una gira por Estados Unidos, la banda sufre su primera reconversión con Thomas Seltzer pasando a la batería, Pål Bøttger y Rune Rebellion en las guitarras, Bengt Calmeyer (conocido como Bingo) al bajo y el fichaje de Harald Fossberg de la banda punk Hærverk como cantante. De esta nueva formación son el sencillo Vaya con Satan y el álbum Hot cars and spent contraceptives. La segunda formación durará hasta 1993, momento en el que el cantante abandona la banda aquejado de un cáncer, siendo reemplazado en el micrófono por Hans Erik Husby (conocido como Hank von Helvete).

En 1996 fichan al guitarrista Knut Schreiner (conocido como Euroboy) para sustituir temporalmente a Pål Pot Pamparius, y manteniéndose en la banda cuando éste retornó a Turbonegro un año después. Esta tercera formación es la que grabó Apocalypse dudes, considerado su obra cumbre, el disco que el dependiente de aquella tienda de discos de Oslo puso en mis manos y en el tocadiscos del local, descubriéndome a una banda de primer nivel, con influencias de grupos como AC/DC, Motorhead, Ramones, Iron Maiden e incluso el ya mencionado David Bowie.

Tras el mencionado adiós de 1998, deciden volver en 2002 y preparar el disco Scandinavian Leather que vería la luz en 2003. A partir de ahí, se suceden en igual medida los discos y las idas y venidas de miembros de la banda, y en 2010 hay un nuevo amago de disolución, pero acaban reflotándose una vez más en 2011, en una muestra más de que la nave Turbonegro sigue surcando los tempestuosos mares del hard rock, pese a estar más de una vez al borde del naufragio, llevando a bordo a los Colegas del Apocalipsis desde los tiempos remotos de la Era de Pamparius, preparados para la siguiente aventura que el destino les depare.

lunes, 28 de junio de 2021

0179: Oh Pretty Woman - Roy Orbison


Poco podía imaginar Roy Orbison que una canción compuesta en un momento en el que se lamentaba por la soledad, y en la que mostraba su admiración por una bella mujer a la que vio pasar caminando por la calle, preguntándose si ella estaría tan sola como él, se convertiría en una de las canciones más reconocidas de su carrera, siendo incluida por la revista Rolling Stone en su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

Grabada en los estudios Monument Records de Nashville en 1964, con el paso de los años el embrujo de aquella "bella mujer" fue creciendo cada vez más, hasta que una espectacular interpretación en directo para un programa de televisión (Roy Orbison and friends) le dio a Roy Orbison en 1991 un merecido Grammy a la mejor interpretación vocal pop masculina.

La canción inspiró el argumento de la película Pretty Woman, siendo además la pieza central de la banda sonora, y ha sido revisada por artistas tan diferentes como Al Green o Van Halen. Curiosas y destacables son la versión en japonés de Kaela Kimura o las versiones en castellano del mexicano Manolo Muñoz en los 60 ("Ay preciosa") y del rockero argentino Laureano Brizuela en los 80 ("Muchachita"), todas ellas distintas maneras de recordar a esa bella mujer que, cada vez que pongo de nuevo Oh Pretty Woman, vuelve a caminar con paso decidido y seductor por la acera de una calle cualquiera, mientras Roy le canta suavemente: "Bella mujer, detente un momento, charla conmigo un rato, dame tu sonrisa."

domingo, 27 de junio de 2021

0178 Where Did Our Love Go - The Supremes

0179 Where Did Our Love Go - The Supremes

El grupo estadounidense The Supremes grabo bajo el sello Motown la canción Where Did Our Love Go en el año 1964.

La producción fue hecha por Holland-Dozier-Holland, y fue el primer sencillo del grupo The Supremes en alcanzar el número 1 de la lista de singles pop de Billboard Hot 100 en los Estados Unidos, y la canción Where Did Our Love Go se mantuvo durante dos semanas en esa posición, en el año 1964, también es una de las cinco canciones de la banda en llegar al puesto número 1.

Si hablamos de estadísticas la versión de esta canción hecha por The Supremes ocupa el puesto 475 en las 500 mejores canciones de todos los tiempos de Rolling Stone, y la lista Billboard ha rankeado la canción en el puesto número 4 en su lista de las 100 mejores canciones de grupos femeninos de todos los tiempos. La BBC clasificó a Where Did Our Love Go en el puesto 59 en la lista The Top 100 Digital Motown Chart, que clasifica los lanzamientos de Motown por sus descargas y transmisiones de todos los tiempos en el Reino Unido.


Where Did Our Love Go fue lanzado como sencillo el 17 de junio de 1964 y entró en el Hot 100 en el puesto 77. Seis semanas después, mientras The Supremes estaban de gira como parte de American Bandstand Caravan of Stars de Dick Clark, la canción llegó al puesto número 1 durante dos semanas, pasando un total de 9 semanas en el Billboard Top Ten. Las chicas The Supremes comenzaron su recorrido al final de la lista, pero al finalizar la gira, estaban en la cima de los rankings. Interpretaron la canción en el programa de variedades de NBC, Hullabaloo! el martes 26 de enero de 1965, otra curiosidad de la canción, es que la canción se transmitió a los astronautas que orbitaban la Tierra en agosto de 1965 durante la misión Gemini 5.

Daniel
Instagram Storyboy

La música en historias: Veo, veo... mamoneo!! #MesRosendo

 

Veo, veo... mamoneo!!, Rosendo


     Si buscamos la palabra Picaporte en el diccionario, éste nos da dos definiciones, la primera nos dice que se trata de un dispositivo que se utiliza para abrir o cerrar una puerta o una ventana, que consiste en una pieza larga de hierro sujeta a la puerta o ventana, con una palanca para accionarla, que encaja en otra pieza que hay en el marco. La segunda definición nos dice que se trata de una palanca para abrir este dispositivo. ¿Por qué empiezo esta reseña hablando de esta palabra?, pues porque no es nada usual ni frecuente encontrarla insertada en la letra de una canción, y menos todavía si esta es la primera palabra que escuchas al poner el álbum. Pues Rosendo lo tuvo claro en su momento, y Picaporte no sólo es la primera palabra que abre la canción Masculino singular, también es la primera palabra que sale de su boca en éste disco. Sólo un genio como Rosendo es capaz de usar esta palabra tan poco usual, colocarla en un sitio tan estratégico, y además darle sentido.

      Para la grabación de su decimocuarto álbum de estudio en solitario, Veo, veo... mamoneo!!, Rosendo se marcha acompañado de Rafa J. Vegas (bajo) y Mariano Montero (batería y percusión)  a los estudios Du Manoir, situado en la pintoresca región de Las Landas en Francia. El disco es producido por Eugenio Muñoz, el integrante del grupo a la sombra, masterizado en Londres y publicado en 2002 bajo el sello discográfico DRO East West. El resultado de tanto empeño tanto de la productora como del artista es un disco impecable en cuanto a sonido y producción, con unas guitarras afiladas, y donde el formato de power trío consigue un sonido más crudo y directo, algo que se será de agradecer en directo.


 En este disco Rosendo, vuelve a mostrarse crítico y a denunciar temas del devenir diario de la gente normal, como el malestar de ver como se van deteriorando el medio y las relaciones humanas. y es que Rosendo es sinónimo de inconformismo, no en vano el mismo es la viva imagen de una generación desencantada, hecho que ha forjado su espíritu crítico.

     Nos encontramos con temas 10 temas marca de la casa, con unas letras que, como siempre, juegan a despistarnos con sus dobles sentidos. Abre el disco Masculino singular, donde la palabra picaporte cobra un inusual sentido. Estamos, en mi opinión, ante uno de los mejores temas que podemos encontrar en la carrera en solitario del Maestro de Carabanchel; En Que te acompañe la suerte, Rosendo hasta se atreve a con el Reggae, música por la que siente un profundo respeto; Quincalla, o no!, tema donde podemos disfrutar del excelente trabajo al bajo de Rafa J.Vegas; Para nadaotro de los momentos culminantes del disco, un tema lleno de energía y fuerza. Y es que Rosendo en este tema le da un toque más duro con con la guitarra al tema, lo que le da un plus de energía y fuerza a un tema que interpretado en directo gana más si cabe; Sufrido, tema que cierra la cara A y que es uno de los temas que más suele repetir el músico en los directos.

 



   Empieza la cara B con Para cuando desatino, una de las dos baladas del disco. Rosendo se atreve nada meno que con dos. Con el paso de los años ha empezado a sentirse a gusto con su voz y ha perdido el miedo a mostrarla sin el habitual acompañamiento de la potente instrumentación y guitarras afiladas; Veo, veo... mamoneo!!, tema que da título al disco; Entre dientes, donde los instrumentos van entrando uno por uno, primero la batería, luego el bajo y por último la guitarra; Ven y ve, muy destacable el cambio de ritmo cuando entra el repetitivo estribillo con un pesado y repetitivo también riff de guitarra; Todo lo que sigue, segunda balada y tema que sirve para cerrar un álbum que se vio recompensado en su momento con un disco de oro. 

     Rosendo repite en este disco la fórmula de trabajos anteriores, unas letras inconformistas que juegan al despiste con rimas curiosas y dobles sentidos, y donde cada cual, al escuchar, interpretará a su manera el sentido de las mismas. En cuanto al sonido, Rosendo rescata la fórmula del power trío, prescindiendo de lo teclados de discos anteriores. Un sonido más duro para unas letras más críticas si cabe que en trabajos anteriores.

sábado, 26 de junio de 2021

0177 Baby Love - The Supremes

 

Baby Love, The Supremes


     El 31 de agosto de 1964, el sello discográfico Motown, publica el segundo álbum de estudio del grupo vocal femenino de soul, doo-wop y R&B The Supremes, titulado Where Did Our Love Go. En el disco fueron incluidos varios sencillos y caras B del grupo que habían sido lanzados durante 1963 y 1964. El grupo estaba compuesto en aquel momento por Diana Ross, Florence Ballard y Mary Wilson.

Incluido en el álbum se encuentra el tema Baby Love. La canción fue grabada en el estudio A de Hitsville USA en sesión de grabación el 13 de agosto de 1964, y posteriormente a su lanzamiento en el álbum fue lanzada como sencillo el 17 de septiembre de 1964. Baby Love obtuvo un rotundo éxito, alcanzando el puesto número uno en la lista estadounidense Billboard Pop Singles desde el 25 de octubre hasta el 21 de noviembre de 1964. En 1965 la canción fue nominada al premio Grammy a la Mejor Canción de R&B, pero perdió ante How Glad I Am de Nancy Wilson. El tema fue considerado como uno de los temas más populares del siglo XX, y la revista Rolling Stone lo situó en el puesto número 324 de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. El tema fue reeditado 10 años después, en 1974, en Gran Bretaña, alcanzando el puesto número 12 en el Reino Unido.

Baby Love fue escrito y producido por el equipo de producción principal del sello Motown, Eddie Holland - Lamont Dozier - Brian Holland. La temática del tema es simple, Diana Ross nos relata lo mucho que ama al chico que la acaba de dejar y con el que le gustaría volver. Según Dozier, para escribir el tema se basó en su primer amor, el cual nunca superó. Muchas de las canciones que Dozier escribió para el sello Motown se inspiraron en aquel primer amor.

La música en historias: Yakety Sax y El Show de Benny Hill

 

Yakety Sax, Boots Randolph


     Los que tenemos cierta edad recordamos la mítica serie de comedia británica The Show Te Benny Hill, protagonizada por Benny Hill, el famoso comediante, actor, cantante, compositor y escrtor inglés. Dicho programa, realizado en formato de comedia, era una mezcla de payasadas, burlesque y humor de doble sentido. El Show de Benny Hill, como se conocía en España, se emitió en diferentes formas entre el año 1955 y 1989, alcanzando una gran popularidad mundial, llegando a más de 140 países durante su larga etapa. Basta comentar que fue uno de los programas más vistos en el Reino Unido llegando a alcanzar una audiencia de más de 21 millones de espectadores en 1971.

El Show de Benny Hill no se entiende ni concibe sin esa yá mítica música de saxofón que solía sonar en algunas escenas y que además era el tema musical de cierre del programa. El tema utilizado en el programa es Yakety Sax y fue compuesto por James Q. "Spider" Rich y Boots Randolph, famoso saxofonista que fue una pieza importante para el llamado Sonido de Nashville, como se conoció a un subgénero de la música country estadounidense que se originó a mediados de la década de los años 50. 

La composición incluye elementos de violín y fue escrita originalmente para el show de un local llamado "The Armory" en Hopkinsville, Kentucky (Estados Unidos). El tema también contiene un compás de la marcha militar "La entrada de los gladiadores" (1897) de Julius Fučík. Para la parte del saxofón, Randolph se inspiró en el sólo de saxofón del tema Yakety Yak, compuesto por la mítica pareja Jerry Lieber y Mike Stoller y grabada en 1958 por el grupo vocal estadounidense de R&B y rock & roll The Coasters, de ahí la similitud de ambas melodías. Randolph grabó por primera vez Yakety Sax en 1958 bajo el sello discográfico RCA Victor como cara B de un single donde la cara A fue el tema Percolator, pero habría de esperar hasta el año 1963 para alcanzar el éxito con este tema, cuando lo graba otra vez, esta vez para el sello discográfico Monument Records.

viernes, 25 de junio de 2021

0176.- Fly me to the moon - Frank Sinatra


 

Tiempo para uno de los clásicos de la voz, y sin duda cada uno de nosotros identificamos esta canción con Frank Sinatra, pero la realidad es que la canción fue escrita en 1954 por Bart Howard que según explicó, la escribió en tan sólo 20 minutos y fue cantada por primera vez en cabarets y grabada por Felicia Sanders en 1959, titulada originalmente "In Other Words". Pero todo el mundo conocía ese tema por "Fly me to the Moon" ya que es la frase con la que comienza el tema y tal fue la popularidad que transcurridos algunos años los editores cambiaron el título oficialmente. A partir de esta grabación la canción fue teniendo diferentes momentos en base a las interpretaciones que hicieron de ella distintos artistas, pero la verdadera popularidad del tema llegó cuando en 1964 la grabó Frank Sinatra para el álbum It Might as Well Be Swing que editó con el pianista de jazz Count Basie en una versión arreglada por Quincy Jones, donde el productor aceleró el ritmo del tema original y le dio un ritmo swing. Este Fly Me to the Moon de Sinatra se editaba en un momento álgido de la carrera espacial entre los Estados Unidos y la URSS, un contexto que, a raíz de la referencia de la llegada a la luna de su título, hizo que la canción quedó asociada a las misiones Apolo. Pero la vinculación de Fly Me to the Moon va más allá de la mera referencia temática de la pieza. Y es que esta canción tiene el honor de ser la primera cancion que sonó a la luna aquel 20 de julio de 1969 cuando el módulo del Apolo 11 llegó el Mar de la Tranquilidad. Así lo explicó Buzz Aldrin, el piloto que acompañaba Neil Armstrong en la misión, a Quincy Jones en 1987 en una fiesta donde coincidieron ambos. El astronauta, sabiendo que él había sido el productor de la versión de Frank Sinatra, le explicó que cuando ya estaban sobre la superficie de la luna, decidió coger el cassette que se había llevado con esta canción y hacerlo sonar.

 

Fly Me To The Moon nos habla de cómo lo relacionado con la persona que amas es lo que anhelas, veneras y adoras, y es normal porque cada vez que toma su mano le lleva volando a la Luna haciendo que le llene el corazón de música. La música empieza con ritmo de percusión y unas notas de piano que dan paso a la voz de perfecta dicción y entonación musical con la flauta que remata los versos. Al final de la primera estrofa entra la sección de viento con el saxo y las trompetas con sordina haciendo un interludio musical sublime. Y el final es una explosión musical que termina de la forma más dulce y suave.


Disco de la semana 231: A Rush of Blood to the Head - Coldplay


¿Alguna vez has pensado por qué odiamos a Coldplay? Mucha gente desprecia a la banda ... a pesar de que han hecho una música increíble, repasar sus primeros cuatro álbumes y dime que al menos son buenos. Hoy vamos a repasar a uno de estos cuatro: A Rush of Blood to the Head, uno de mis favoritos. Después de haber creado un disco íntimo con un sonido cálido e introspectivo, el cual los puso en el mapa musical, Coldplay regresó al estudio, desempolvó sus discos de Radiohead y de Pink Floyd, bucearon en ellos y crearon un disco con un sonido monumental y grandilocuente. Y de paso, empezaron el dominio mundial en su estilo musical. En términos generales, A Rush of Blood to the Head, podría describir como un álbum de rock alternativo que juta estilos tan dispares como el britpop y el rock progresivo, creando una atmósfera sumamente melódica que a veces es etérea y otras veces es fría y un poco oscura.

 

Abrimos con una de mis intros favoritas de un álbum con “Politik”. Es explosivo y crea el ambiente instantáneamente, este álbum va a ser muy diferente a Parachutes y estoy totalmente de acuerdo. Esos golpes de guitarra que abren la canción, te despiertan y te ponen la espalda al borde, suenan increíbles y lo consideraría la declaración principal de Martin, que nos dice que nos despertemos y miremos a nuestro alrededor y comprobemos el estado en el que se encuentra el mundo. Esta canción fue escrita poco después de los ataques del 11 de septiembre, esta es una canción sobre esos ataques y sobre cómo nosotros, como sociedad, podemos avanzar y reconstruir después, cómo podemos abrir los ojos y ver el mundo por lo que es, un desastre. La canción en sí misma es absolutamente hermosa y grandiosa después de la intro sigue una parte bastante deprimente y baja, pero termina en este grandioso solo de piano y guitarra similar a cómo comenzó la canción, pero ahora se siente mucho más positivo, mucho más edificante, se ha restaurado la esperanza. "In My Place" es simplemente hermosa o, maravillosamente simple, funciona en ambos sentidos. Si bien no hay una sola nota inesperada, no falta nada en esta canción, aparentemente la culminación de los esfuerzos de los discos anteriores de Coldplay, el sencillo y hermoso toque de guitarra de Jonny Buckland gira en torno a la rica y distintiva voz de Chris Martin, una voz que combina la duda y la dominación del mundo. Se respira la esperanza en la mayoría de las canciones de este álbum, aparte de un par, a las que llegaré. 


Canciones como "God Put a Smile Upon Your Face" son canciones que comienzan de forma poco esperanzadora, pero terminan con una nota positiva, me encanta el flujo y reflujo de la música, ese ritmo contundente, el riff de guitarra de cuatro notas invertido y luego la duplicación de las guitarras que disfrutamos más adelante en la canción… y la voz, otro de los fuertes de este tema. "The Scientist" es otra de las canciones que justifican un álbum, una canción que estoy seguro de que la mayoría de vosotros ya habéis escuchado, de hecho, es uno de los mayores éxitos de Coldplay, pero el tema de la canción es realmente increíblemente deprimente. Es una canción sobre un científico y su esposa, donde ella se sentía abandonada por él debido a su trabajo, al final su esposa muere y el científico se queda cantando sobre ella, y lo que debería y podría haber con ella durante su vida. "Clocks" es una prueba de cómo un buen riff no hace una canción clásica. Es una gran canción, pero ... desafortunadamente exagerada, no puede igualar la intensidad emocional de "The Scientist" y en cambio en la sabiduría popular es quizás la canción que más gusta del álbum. Este es el tema que tocaran en todos sus conciertos durante el resto de su carrera, y dentro de 20 años, si le preguntas a alguien sobre Coldplay, es probable que lo primero que le venga a la cabeza sea Clocks. Debo confesar que cuando escuché por primera vez la introducción al piano de esta canción quedé absolutamente deslumbrado. Tan simple, casi como palillos, pero mucho más profundos a medida que las notas se vuelven más intrincadas y concéntricas.

 



"Daylight", empieza muy bien y suena demasiado a "Dios puso una sonrisa en tu cara", acelera el tempo y trae uno de los motivos instrumentales favoritos en el álbum con su melodía ascendente de guitarra eléctrica / orquestal doblada. “Green Eyes” es una balada muy simple pero innegablemente buena. Sí, la letra puede parecer cursi para algunos, pero ¿alguna vez has escrito una canción de amor? ¿tan buena como esta? No, así que muestra algo de respeto y piensa antes de hablar. “Warning Sign” tiene una agradable sensación suave y una melodía memorable. "A Whisper" tiene la introducción más difícil del álbum y aporta algo de oscuridad al álbum, pero a la canción le falta algo, no es para nada redonda. “A Rush Of Blood To The Head” comienza lenta, pero se convierte en una gran melodía. Gran sentimiento y una guitarra muy agradable que agrega atmósfera. "Amsterdam" es una balada de piano arrastrando las palabras para mí la mejor canción de la segunda mitad del álbum, pero tampoco brilla a gran altura aunque es el final perfecto para un gran álbum. El amor nos libera, si es otra persona o simplemente nos amamos a nosotros mismos, podemos escapar de nuestros dolores y, en última instancia, finalmente escapar de nuestros dolores y ser felices, estar contentos.

jueves, 24 de junio de 2021

0175: It ain't me baby - Bob Dylan

 

"No soy yo, cariño" (It Ain't Me Babe) cantaba Bob Dylan en una de las canciones más celebradas de su cuarto disco, "Another side of Bob Dylan", lanzado en 1964 por Columbia Records. Dylan le cantaba a una chica (su ex novia Suze Rotolo según los más expertos "Dylanólogos"), a la que aconsejaba que buscara al hombre ideal en otra dirección, porque el la acabaría defraudando, en una canción intensa y emotiva que ni mucho menos defraudó a los seguidores del cantante de Minnesota.

Todo lo contrario, tan sólo un año después de su lanzamiento, It Ain't me, babe ya contaba con dos versiones de grupos como The Turtles o The Byrds. No serían las únicas versiones casi inmediatas, ya que el mismísimo Johnny Cash grabó la canción en 1965 para el disco Orange Blossom Special, a dúo con June Carter, que después se convertiría en su esposa.

Fue también versionada por Joan Baez e incluida en su álbum Joan Baez / 5, y la interpretó junto al propio Dylan en el Festival Folk de Newport el 24 de julio de 1964, en una versión también histórica, que nos sirve para cerrar el círculo y volver al artista que compuso la canción. Ese que decía no ser él, pero que fue el artífice de tantas y tantas grandes canciones, entre las que sin duda se encontrará siempre It Ain't Me Babe.

miércoles, 23 de junio de 2021

0174 My back pages, Bob Dylan

 


Nadie esperaba a finales del verano de 1964 que el siguiente álbum de Bob Dylan supondría un cambio tan radical en la temática de sus canciones después del marcadamente político The Times They Are A-Changing. Los movimientos de izquierda veían en Dylan uno de sus mayores divulgadores de sus ideas e incluso llegaron a apoyar su llegada a la música pero la publicación de Another Side of Bob Dylan les dejo completamente descolocados, ¿Dónde había quedado el mensaje? ¿Dónde estaba la protesta que tan bien había clamado en los anteriores discos? ¿Qué hace cantando al amor y a los sentimientos? La publicación de este álbum fue sin duda un salto al vacío mucho más arriesgado que el mero recurso estilístico de incluir una guitarra eléctrica. Puede que al electrificarse después gran parte de su público se sintiera traicionado, pero con Another Side Of Bob Dylan se arriesgaba a perder el apoyo de toda la maquinaria de izquierdas que lo había encumbrado a la fama. Las canciones del álbum fueron compuestas en distintos puntos de los Estados Unidos y Europa, especialmente en Italia y Grecia. A la vuelta, Columbia Records quería un nuevo álbum en cuanto fuera posible y Dylan les complació bastándose de seis horas en el estudio para registrar tan magna obra en la noche del 9 de junio de 1964. En varias ocasiones se escucha a Dylan sonreír mientras interpreta los temas y esa espontaneidad unida a la crudeza de la grabación sin retoque alguno es para mí uno de los principales encantos del álbum.

Hemos elegido My Back Pages porque es sin duda la canción que mejor refleja la tajante ruptura con la izquierda de la que ya hemos hablado, era la expresión del más grande cantante de protesta de los 60's dejando la política atrás mediante una balada que alterna sabiduría y desprecio en la que Dylan recuerda sus días como activista político y se toma el pelo a sí mismo acerca de su pasada seriedad en el coro de la canción: "Era mucho más viejo entonces, Ahora soy más joven". La canción guarda una línea melódica similar a la de The Lonesome Death Of Hattie Carroll y, según varios biógrafos, nació cuando Dylan recibió el premio Tom Paine por parte del Comité de Emergencia de las Libertades Civiles. Algo ebrio pronunció un discurso sin pelos en la lengua en el que arremetía ante una audiencia avejentada, el discurso de Dylan esa noche no fue lo que Estados Unidos esperaba. En un monólogo breve, incoherente y sin guión, el joven cantante de folk se refirió a Woody Guthrie, Lee Harvey Oswald, la raza, la calvicie y los extraños obsequios que recibió de los fanáticos. Dylan incluso sugirió que los jóvenes de la audiencia estarían mejor en otro lugar. “Estoy orgulloso de ser joven. Y sólo deseo que todos los que están sentados aquí hoy o esta noche no estuvieran aquí”, dijo Dylan. “Porque ustedes deberían estar en la playa. Debes estar ahí afuera, debes estar en la playa y debes estar simplemente relajándote en el tiempo que tienes para relajarte ".

Nunca podremos decir a ciencia cierta que quería decir Dylan con esta canción, aunque todas las interpretaciones apuntan a que se refería al abandono de las certezas de la juventud en blanco y negro por un pensamiento más maduro plagado de grises. Dylan habla además de esas verdades inamovibles que el pensamiento político da al militante (ya sea de izquierdas o derechas) abogando por un pensamiento propio que nazca de uno mismo sin intervención de nadie ajeno que lo guíe. Una canción cuya enseñanza debería ser obligatoria en las escuelas.


“Un prejuicio atormentado a medias me afloró: "destruye todo odio", grité
Mentiras como que la vida es en blanco y negro salieron de mi cráneo, 
soñé hechos románticos de mosqueteros que calaron en mi de algún modo
Ah, pero era mucho más viejo entonces, ahora soy más joven”

La música en historias: Siempre hay una historia… en directo #MesRosendo

Siempre hay una historia… en directo – Rosendo

Ya hemos dicho que Rosendo es un artista único en la escena del Rock Español, y como único es uno de los pocos artistas y músicos que se ha atrevido a grabar un álbum desde una cárcel, así que nuestro maestro Rosendo, vuelve a escoger su barrio como escenario para su nuevo álbum, pero no solo su barrio sino un lugar muy particular la antigua cárcel de Carabanchel que esta pronto a ser derrumbada.

Sera por eso que su nuevo disco en directo lleva el nombre de “Siempre hay una historia.”, acaso seguramente esos muros pronto a caer guardan cientos de historias por contar y otras que quizás nunca serán contadas.

Así que manos a la obra, y Rosendo graba en el año 1999 en el patio de la cárcel de Carabanche, donde apenas un pequeño aforo de 2.000 personas se encuentra en el patio central de la vieja cárcel, el evento se realizó el día 26 de marzo de 1999 en el patio central de la cárcel de Carabanchel, pero luego del espectáculo la producción del álbum se mezclaría en el estudio box de Madrid, masterizado por Ian Cooper y editado por Martin Grandville en los estudios metropolis de Londres. Bajo una producción de Eugenio Muñoz, la banda en directo estaría conformada por, Rafa J. Vegas (bajo y voces); Mariano Montero (batería y coros) y Rosendo (guitarra y voz). Además, contaban con una colaboración de lujo: Luz Casal (voz en “A la sombra de una mentira”).

Ese 26 de marzo de 1999, se oye rock and roll y del bueno detrás de las paredes de un lugar con cientos de historias, que logro paradójicamente encerrar en más de dos horas de espectáculo, un repaso de 20 años de carrera musical en 19 canciones y todas de una poética emblemática.


Se escucho a la gente eufórica al comenzar a sonar los primeros acordes de Vaya ejemplar de primavera, mientras Rosendo hacia sus inconfundibles riffs de guitarra, y el bajo de Rafa daba mucho juego.

Un paso de más, luego de la primera canción comenzaría a sonar esta demoledora composición, no podía faltar Aguanta el tipo la guitarra vuelve a sonar brillante, con unos riffs influenciados por el rock de los setenta. ¿De qué vas? Otra canción emblemática del repertorio de Rosendo. Dedicada a su hijo y enlazada con la rabia de la juventud, y sigue el repertorio con Mala vida, empieza a sonar los primeros acordes de esta extraordinaria composición blues rock, los coros del público se hacen oír en Hasta de Perfil, la banda suena con potencia con En agua caliente Rosendo a viva voz, sin que nadie lo calle.

Ahora vamos a retroceder unos cuantos años, cuando la banda Leño reinaba en el rock español, se escucha Cucarachas potente, llena de fuerza y energía. Siempre hay una historia tema que da nombre al álbum.

Las letras de Rosendo han puesto incomodo a más de uno y Listo para la reconversión, no es una excepción, como tampoco, Por cierto, otra composición que ruge como un león enfurecido, sin pelos en la lengua.

Luego de tanto Rock and Roll llega un momento tranquilo, y el maestro de Carabanchel trae a su escenario a Luz Casar para interpretar A la sombra de una mentira, que hace que esta composición suene más emotiva y conmovedora.

Flojos de pantalón, una de mis canciones favoritas, ya que lo conocí a Rosendo por ella, así que vuelve a estallar el rock como una estampida. Vuelven los temas sin tapujos, Puedo ser más eficaz, Pan de Higo, pero ya en las últimas canciones por venir Bailando al aire, Rosendo se relaja y tranquiliza con ritmos de reggae.

Y llegamos al momento más culmine de este show en vivo, cuando suena en el escenario Agradecido un himno para Rosendo y uno de los mejores temas del cancionero del rock español.

En los dos últimos temas de la noche Rosendo navega en un rock enérgico, intenso y contundente con Navegando, y para el final termina recuperando otro tema compuesto frente a Leño La Fina. Un final espectacular para un concierto memorable.

Siempre hay una historia, fue un éxito rotundo a nivel de críticas y opinión pública, tanto es así, que Rosendo consiguió su primer disco de oro. La cárcel de Carabanchel cerró sus puertas tras 55 años de funcionamiento. A Rosendo luego le vinieron más reconocimientos como, por ejemplo, en el año 2000, la ciudad de Leganés puso su nombre a una calle del municipio. Y es que Rosendo, ha sido, es y será, nuestro guitarrista, compositor y músico por excelencia.

Daniel
Instagram Storyboy

martes, 22 de junio de 2021

0173: No particular place to go - Chuck Berry


 

Este tema de Chuck Berry fue lanzado como single por el sello discográfico Chess Records en mayo de 1964. Posteriormente aparecería en el álbum St. Louis to Liverpool en noviembre de 1964. La canción fue compuesta por Berry cuando se encontraba en prisión (fue acusado de tráfico de personas tras ayudar a una niña de 14 años a cruzar la frontera) y no tenía, literalmente, “un lugar al que ir”. Pero No Particular Place huye de esa mala época de su vida y no es más que una oda vintage al simple placer de conducir con tu amada a tu lado y sin obligaciones en tu camino, la canción se convierte en una anécdota divertida cuando el protagonista no puede desabrochar el 'cinturón de seguridad' de la joven. En el fondo "No particular place to go" encarnaba la inquieta ociosidad de la juventud. La película American Graffiti construyó toda una historia en torno a un crucero. Por supuesto, Chuck Berry no era un adolescente cuando escribió la canción, pero realmente no tenía "ningún lugar en particular a donde ir". Chuck desarrolló una fórmula ganadora de su rock and roll, letras inteligentes e historias simples que atrajeron a un público mucho más amplio que el rhythm and blues con el que había crecido. Como Elvis, que mezclaba country y blues, Chuck Berry vino de la otra dirección. Su música tenía temas claramente rurales, y eso no era una casualidad. La canción fue la primera de sus grabaciones en saltar al estrellato después de la invasión británica, con los Beatles y los Rolling Stones. Musicalmente, es casi idéntico a “School Days” de 1957, pero la sección de batería suena más fuerte y Berry encuentra un nuevo y agradable gruñido vocal, y luego están sus solos de guitarra, que positivamente crepitan: el segundo corte cortante parece que está realmente enfadado, como si Berry estuviera dejando que sus verdaderos sentimientos tras su paso por la prisión se escapan a través de su amplificador.

Producido por Leonard y Phil Chess, y con el pianista Paul Williams, el baterista Odie Payne y un bajista desconocido. Ha contado con versiones de, entre otros, George Thorogood & The Destroyers, Status Quo, Eddy Mitchell, The Toy Dolls, Bo Diddley, Richard Clayderman, Jerry Lee Lewis, Little Feat, Cliff Richard, Mos Def o The Troggs.


Un pais, un artista: Mozambique

 



Afric Simone (nacido como Henrique Simone, el 17 de julio de 1956) es un cantante, músico de Mozambique que entró en las listas europeas con su primer éxito "Ramaya" en 1975, al que siguió otra conocida canción "Hafanana" (1975). Fue muy popular entre 1975 y 1980 en ambos lados del telón de acero. Simone realizó una gira por la URSS, Polonia, la RDA y Checoslovaquia en el Bloque del Este. Nació en Brasil, de padre brasileño y madre de origen mozambiqueño, pero a la edad de 9 años (después de la muerte de su padre) él y su madre tuvieron que mudarse a su tierra natal Mozambique en la costa este de África, en Xipamanine en el la capital Lourenço Marques, ahora Maputo. Una vez, cuando apareció en el escenario de Maputo, su manager le pidió que fuera a Londres. Con sus primeros pasos en el mundo del espectáculo en Londres, acumuló una experiencia para dar el salto a otras capitales europeas. En plena Guerra Fría y en países como en la antigua Unión Soviética, República Democrática Alemana y Checoslovaquia, se rumoreó que Simone era un agente secreto y que tenía ciertas conexiones con los servicios secretos occidentales que al final no fueron probados. Adquirió experiencia haciendo conciertos en toda Europa. Tuvo suerte de que Eddie Barclay, el magnate discográfico francés, fuera a ver un espectáculo en París. Inmediatamente firmaron el contrato.


Afric Simone habla alemán, inglés, portugués, francés, español y varios idiomas africanos, sin embargo sus canciones están escritas en una mezcla de swahili y pocas palabras de otros idiomas. Esta idea resultó en una mezcla de su propia lengua materna. También se dice que Simone fue pionero en las artes del Break Dancing y Beat Boxing, como se puede ver en sus presentaciones en vivo, por ejemplo, en la presentación televisada de su canción Playa Blanca c. 1975. Simone es uno de los músicos africanos más destacados, siendo uno de los pocos músicos de etnia mozambiqueña que agotó las entradas para espectáculos en los principales lugares internacionales como L'Olympia , The Royal Albert Hall y el Carnegie Hall. Recientemente se instaló en Alemania (en Berlín) con una esposa rusa a la que conoció hace unos años en el festival de música "Discoteque 80's" en Moscú, y ha aparecido en programas de televisión en Francia, Italia, Alemania y Lituania.

 

DISCOGRAFIA

Individual

1974 - "Barracuda" / cara B "Hûmbala" Ariola 1974

1975 - "Ramaya" / "Piranha" (Barclay, BRCNP 40066)

1976 - Hafanana / "Sahara" (Barclay, BRCNP 40072)

1976 - Aloha-Wamayeh / "Al Capone" (Hansa, 17 586 AT)

1977 - Maria Madalena / "Aloha" (Barclay)

1977 - Playa Blanca / "Que Pasa Mombasa" Musart, MI 30387

1978 - "Playa Blanca" / Marabu (Barclay)

1980 - China Girl / "Salomé" (Barclay)

lunes, 21 de junio de 2021

0172 Do Wah Diddy Diddy - Manfred Mann

 

Doo Wah Diddy Diddy, Mamfred Mann


     El 10 de julio de 1964, la banda de rock inglesa Manfred Mann, publica bajo el sello discográfico HMV en el Reino Unido y bajo el sello Ascot en Estados Unidos y Canadá, el tema Do Wah Diddy Diddy. El tema fue grabado durante unas sesiones de grabación que el grupo realizó los días 11 y 12 de junio de 1963.

El tema fue Compuesto por el compositor, cantante y productor estadounidense Jeff Barry y por la cantante, compositora y productora también estadounidense Ellie Greenwich. El tema es grabado, bajo el título Do Wah Diddy, por primera vez por el grupo femenino de R&B y música pop The Exciters en 1963, aunque sería precisamente la versión de Manfred Mann, bajo el título de Do Wah Diddy Diddy la que se haría internacionalmente famosa. La versión del grupo ingleś permaneció dos semanas en el puesto número uno de las listas de sencillos del Reino Unido y dos semanas en el número uno de las listas estadounidenses Billboard Hot 100

El tema fue incluido en el primer álbum de estudio de Manfred Mann para el mercado estadounidense, The Manfred Mann Album, lanzado bajo el sello discográfico Ascot el 17 de septiembre de 1964. Cuano Ellie Greenwich se enteró de que su canción había sido grabada por un grupo mascculino estadunidense, su primera reacción fue de desazón, pues estaba concebida para un grupo femenino, pero rápidamente acabaría reponiéndose al ver el tremendo éxito que alcanzó su tema con Manfred Mann

domingo, 20 de junio de 2021

0171: I get around, The beach boys



 

“I Get Around” fue lo primero que grabaron The Beach Boys después del ascenso de los Beatles. A Brian Wilson ni siquiera le gustaban los primeros Beatles; en su mente, su competencia era Phil Spector, con sus deslumbrantes capas orquestales. Más tarde, los Beatles y los Beach Boys, junto con bandas como los Rolling Stones, se lanzarían a una rivalidad increíblemente productiva, con todos tratando de superar a los demás. Pero en 1964, los Beatles representaban una amenaza clara y actual para The Beach boys que llevaban dos años haciendo éxitos y consiguiendo llegar a gran parte del público con un sonido muy particular que enseguida se convirtió en un sello propio, el surf, pero lamentablemente la moda de este tipo de música estaba desapareciendo y corrían el riesgo de que el grupo y la fama también desparecieran quedando en un lugar en la historia como lo más representativo de ese género pero lejos a lo que aspiraban, The Beatles habían llegado a eclipsar la música de surf por completo, así que The Beach Boys tendrían que dar un salto al vacío y crear algo distinto, pero Murry Wilson, el padre autoritario de Brian, Carl y Dennis estaba fuera de sí, no entraba en razones y seguía insistiendo que la línea que tenía que llevar el grupo era la que tenían hasta ahora que le estaba acercando a la cúspide, y no hacía más que despotricar sobre lo poco talentosos que eran sus hijos y que aquella chifladura de canción los iba a arruinar, aquella canción era basura y con él en el proyecto no iba a permitirlo…. En medio de la grabación, Brian Wilson tuvo una fuerte discusión y despidió a su padre, todo un acierto, The Beach Boys comenzaban a girar hacia la gloria.

Centrándonos en la canción, “I Get Around” suena muy parecido a los primeros sencillos de música de surf del grupo, pero también es una progresión, empezando por las letras, ya no son específicas de surf, sino que introducen una reflexión atemporal. "I Get Around" es una canción que trata sobre cómo ser un adolescente realmente bueno, "Siempre cogemos mi auto porque nunca ha sido vencido / Y nunca nos hemos perdido con las chicas que conocemos". El tema musicalmente también es más exuberante, más en línea a lo que estaba haciendo Spector. Las armonías se amontonan unas sobre otras con un aplomo vertiginoso, y hay un impulso real en esa guitarra vibrante y esos aplausos febriles. "I Get Around" significaría un comienzo, en ningún momento un punto final a lo que estaban haciendo, pero ni por asomo se acerca a la brillantez que la banda alcanzaría más tarde. (" Don't Worry Baby ", el lado B de "I Get Around", está mucho más cerca; podría ser la primera obra maestra de los Beach Boys). Durante la sesión en la que los Beach Boys estaban grabando "I Get Around", Murry Wilson estaba actuando como un idiota. Esto no era nada nuevo. Murry fue el padre autoritario de Brian, Carl y Dennis Wilson, y también fue, en los primeros años, el manager de la banda. Durante la sesión, Murry estaba despotricando sobre lo poco talentosos que eran sus hijos y lo horrible que era la canción, amenazando con cerrar la sesión. En medio de la sesión, Brian lo despidió. Brian Wilson no hizo demasiados juegos de poder como este, pero había demasiado en juego.

La música en historias: Lo malo es... ni darse cuenta #Mes Rosendo

En un lugar del centro de Madrid, de cuyo nombre no quiero acordarme, no ha mucho tiempo que trabajaba un ilustre oficinista que ahora se hace llamar Nevermind. Un día, y no uno cualquiera, porque era su aniversario de boda, de camino al metro de Sol para volver a casa se topó con un cartel en el escaparate de una tienda de regalos y discos hoy ya desaparecida: "Hoy firma discos Rosendo". Quiso el destino que Nevermind hiciera lo correcto y reparara en aquel cartel en lugar de seguir su camino, porque a veces lo malo es... ni darse cuenta de las oportunidades que el azar te brinda. Así que, pertrechado con su maletín y su corbata, y un gran ramo de rosas rojas que hacía de todo menos pasar desapercibido, Nevermind entró en la tienda y compró el entonces nuevo disco de Rosendo, el duodécimo de su carrera en solitario, antes de tomar posiciones en la fila de fans que esperaban a que el admirado músico les firmara aquella nueva entrega de su cancionero, bautizada como Lo malo es... ni darse cuenta (2005).

¿Y como no darse cuenta de la presencia de aquel singular personaje trajeado en medio de una larga fila de recios rockeros ataviados con las imprescindibles camisetas negras y las características melenas heavy, mientras se esforzaba en sostener el cada vez más incómodo y cantoso ramo de flores? Era imposible no hacerlo, pero haciendo gala de esa merecida fama que dice que no hay ser más pacífico y amable que un heavy de chupa de cuero y pelo largo, los comentarios siempre fueron hechos desde la lógica curiosidad y con el máximo de los respetos, así que más allá de la incomodidad física de sostener el maletín y el ramo durante la media hora larga que el atribulado oficinista tuvo que esperar hasta encontrarse cara a cara con Rosendo, la espera fue de lo más agradable.

Tan agradable como comprobar que el veterano músico de Carabanchel seguía en forma, entregando un disco de rock que no ahorraba en riffs de guitarra plagados de influencias del hard-rock de los años setenta, ni en tinta a la hora de escribir elaboradas letras que seguían supurando rock urbano. Para muestra bien valdría el efectivo arranque con Atajo de cobayas. Tras este intenso comienzo a base de hard rock incisivo y crítica social, lanza una segunda salva que es, si cabe, aún más efectiva, con Cada día, que incide en lo insoportable que resulta ver la cultura de sumisión y rebaño que se ha instaurado en nuestra vida colectiva. Un tema vibrante y con ciertos toques que recuerdan al Neil Young más guitarrero, el de discos como "Zuma" o “Ragged Glory”.

Con El acogote, el de Carabanchel hace su particular homenaje al quinto centenario de la publicación del Quijote, con un guiño clásico en el comienzo, que no tarda demasiado en desembocar de nuevo en el rock de guitarras abrasivas marca de la casa. Un tema brillante que es la antesala de otro que lo es aún más, porque con Duele más es con el que el disco alcanza uno de sus momentos más álgidos, con un ritmo que recuerda a los mejores temas de sus admirados AC/DC, en el que las letras no dejan títere político con cabeza.

En Periférico se sale del carril habitual y juega con cierto ritmo reggae, un experimento con gaseosa que, sin llegar a desentonar, es el primero de los pocos momentos "valle" del disco. Como si rápidamente se hubiera percatado (Lo malo habría sido... no hacerlo), en Darse cuenta vuelve a retomar el pulso firme del mejor rock, con un a la vez destacado toque melódico, y en Son máquinas vuelve a experimentar, pero esta vez con mucho más acierto y hacia sonidos más industriales, criticando a los que se comportan como frías máquinas sin sentimientos, mientras él es "tan sólo carne y hueso”. Y porque es humano y hecho tan solo de carne y hueso, le perdonamos que de nuevo quiera tropezar en la misma piedra del sendero que conduce al reggae en Todos los caminos. El tramo final del disco vuelve a la senda rockera y pegadiza en A mi no me duele ná, y explota terrenos más atmosféricos y ambientales en Salir de la maleza, en una canción en la que recita más que canta, hasta llegar al estribillo. El toque atmosférico lo ponen tanto el solo de guitarra inicial, como el gran crescendo final del tema, con toques de rock progresivo.

Todos estos temas sonaban sin cesar en el hilo musical de la tienda, mientras Nevermind y los heavies (parece el nombre de otro grupo rockero y suburbial) esperaban a que Rosendo les firmara el disco. Al llegarle por fin su turno, Nevermind le saludó educadamente y le extendió el cd recién comprado para que el músico pudiera firmárselo. La reacción de Rosendo fue mirar al ramo y, espontáneamente, decir sonriendo: "Anda, ¿y esto?" (que bien podría haber sido el título de una de sus canciones). Nevermind tuvo que aclarar el por qué de aquel ostentoso ramo, y dio pié con ello a que Rosendo acabara dedicando el disco no sólo a él, sino también a la destinataria de aquellas flores. "Y colorín, colorado", lo bueno de usar estas célebres palabras es que ya os habréis dado cuenta... Este cuento sobre Rosendo ya se ha acabado.

sábado, 19 de junio de 2021

0170 You never can tell - Chuck Berry

 

You Never Can Tell, Chuck Berry


     Cuando escuchamos You Never Can Tell, automáticamente nos viene a la mente la escena de la película Pulp Fiction, dirigida por Quentin Tarantino, y más concretamente esa maravillosa escena de la película donde Uma Thurman y John Travolta bailan en el concurso de baile del restaurante Jack Rabbit Slim y nos regalan uno de los bailes más famosos de la historia del cine.

Chuck Berry había salido de prisión en octubre de 1963, y su sello discográfico Chess Records y él deciden diseñar una estrategia para atraer a los compradores más jóvenes. el resultado es St. Louis to Liverpool, publicado en noviembre de 1964. El disco consigue alcanzar el puesto número 124 en la famosa lista estadounidense Billboard Album chart, y es considerado por algunos críticos como uno de los mejores discos de rock & roll jamás hechos. 

Incluido en el disco se encuentra el tema You Never Can Tell, también conocido como C'est la Vie o Teenage Wedding. El tema fue escrito por Chuck Berry mientras se encontraba en prisión por violar la Ley Mann, ley cuyo propósito era la de prohibía la esclavitud blanca, y  transformaba en delito el hecho de transportar mujeres de un estado a otro de país para propósitos inmorales. 

La letra del tema cuenta la historia de una joven pareja que se casa y se muda a vivir a un pequeño apartamento donde gozan de una relativa comodidad, y a medida que pasa el tiempo su amor se mantiene fuerte. Cada una de las estrofas de la canción acaba con la ya famosa frase "C'est la vie, say the old folks, 'it goes to show you never can tell." (Así es la vida, dicen los viejos, va a demostrar que nunca se sabe). Curiosamente en el tema hay muy poca guitarra y la base del tema está marcada por el piano y el saxofón. 

Canciones que nos emocionan: Red House - Jimi Hendrix

 

Red House, Jimi Hendrix


     En mayo de 1967 en Europa, y en agosto del mismo año en Estados Unidos, Jimi Hendrix, acompañado de Noel Redding al bajo y de Mitch Mitchell a la batería, o lo que es lo mismo, el trío llamado Jimi Hendrix Experience, publica su álbum debut, Are You Experienced, bajo el sello discográfico Track Records. El disco, con un sonido que va hacia el rock psicodélico y el hard rock y basado en la rompedora e innovadora forma de componer y de tocar la guitarra de Jimi Hendrix supuso un gran éxito comercial y tuvo unas excelentes críticas.

Incluido en el álbum debut del genio de Seattle se encuentra el tema Red House, escrito por Jimi Hendrix y grabado el 13 de diciembre de 1966 en los CBS estudios de Londres bajo la producción del mánager de este, Chas Chandler. Red House está compuesto bajo la fórmula de un blues tradicional de doce compases al que Hendrix incorpora su revolucionaria forma de entender y tocar la guitarra y que revolucionaría el panorama musical del rock posteriormente. 

En cuanto a la temática del tema, Hendrix canta sobre regresar a casa para ver a su chica, la cual vive en un casa roja. cuando llega a la casa, comprueba que la llave que tiene de la misma no funciona, y es cuando se da cuenta de que su chica ya no vive allí. En vez de entristecer decide darse una vuelta y visitar a la hermana de su novia. Sobre la inspiración que tuvo Hendrix para componerlo corren varias hipótesis, una defiende que Jimi la compuso cuando sobrevivía duras penas en Nueva York y mientras vivía en el apartamento de un amigo el cual estaba decorado completamente de rojo. Otra defiende que se inspiró en la casa de una de sus novias de Seattle, la cual estaba pintada de rojo. Y otra dice que se inspiró en una leyenda sobre una misteriosa ciudad roja. En cualquier caso, en lo que todos están de acuerdo es que Red House es uno de los grandes temas que nos dejó el guitarrista. 

El tema, que en estudio tiene una duración aproximada de tres minutos y cuarenta y cinco segundos, solía ser uno de los fijos de Hendrix en directo, y basándose en la grabación original, solía realizar largas improvisaciones que alargaban el tema más allá de los doce minutos.

viernes, 18 de junio de 2021

0169: Things we said today - The Beatles


Things We Said Today
fue escrita por Paul McCartney durante unas vacaciones en el Caribe junto a su novia Jane Asher. El idílico paraje en el que se encontraba no evitó que tanto la letra como la música de este tema tuvieran una fuerte carga de reflexión y melancolía. Acreditada a Lennon/McCartney como el resto de canciones de los Beatles, fue lanzada como cara B de A hard Day's Night en su versión para el Reino Unido, e incluida también en el LP del mismo nombre, publicado en 1964. 

McCartney piensa en Things we said today en el futuro de su relación de pareja, como lo haría después en When I'm sixty four, y se imagina que "Algún día, cuando estemos soñando, profundamente enamorados, y sin mucho que decir, entonces recordaremos las cosas que dijimos hoy". Un mensaje que seguía sonando fresco en 1989 y 1990, cuando rescató la canción para una gira mundial que acabó siendo inmortalizada en el disco en directo Trippin' the live fantastic, dándonos una nueva oportunidad de recordar todo lo bueno de las cosas que dijimos hoy.

Disco de la semana 230: 27 - Ciro y los persas


Disco de la semana 226: 27 - Ciro y los persas 

27 extraño nombre para un disco de Rock, pero Andres Ciro Martinez luego de dejar a Los Piojos, y continuar su carrera con Ciro y Los Persas, una carrera como solista que ha tenido ya su primer examen con Espejos, que ya tendremos la oportunidad de escuchar, Ciro edita este su segundo disco de estudio 27.

Un segundo disco de Ciro y Los Persas donde se ve una banda de rock dedicada exclusivamente para un solo artista, pero 27 viene a marcar una patente registrada del cantante (Ciro) en su estilo similar a Mike Jagger pero con una mezcla rioplatense, que lo llevo a ritmos canyengues y blue, todo un estilo ya aplicado en su paso por Los Piojos. Ciro se hace cada vez más poeta en su interpretaciones.


27 viene a traernos un conjunto de géneros posibles dentro de un solo álbum, del pop duro, metalizado, de la canción "Astros" al pop-canción de "La flor en la piedra", pasando por los remansos acústicos de "Me gusta" y la crepuscular "Tal vez", aires de reggae y el omnipresente rocanrol, pero no son solo esos ritmos que hacen tan especial este nuevo trabajo de Ciro, hay otros puntos de encuentro, ritmos "Murgueros", sobre todo, donde el clima instrumental y la voz viajan juntos, pero seguimos encontrando más estilos, un Funk, casi disco, con explosión montevideana (vuelve la murga) en el estribillo es un desvío en un disco pronunciadamente rockero, con una guitarra líder que sube el indicador del vúmetro al heavy metal más de una vez. El puente de variantes y estilos rankea en lo más alto en la producción discográfica de Ciro con y sin Los Piojos.

Entre "Murgueros", el music-hall "L.V.R." (larga vida al rock) y "Héroes de Malvinas" se ve un Ciro comprometido con aspectos más ideológicos, una vuelta a ese rock de post gobiernos militares donde tenían mucho que decir y sobre todo que expresar, "Héroes de Malvinas", en su literalidad, sin ambigüedades, es raro pensar en un revuelo de remeras al viento tras el estribillo "y por siempre serán héroes, por siempre serán héroes, por siempre nuestros héroes de Malvinas". Acaso no lo sea para quienes nacieron a considerable distancia del conflicto austral, el grueso del público que sigue a Ciro en 2012.

El tributo del ex Piojos a los combatientes (a los conscriptos, sobre todo) repite la arquitectura del hit "Maradó". Los primeros versos vienen recitados en un aire que recuerda al Hugo del Carril voz del tango, más campero. y esto no es de extrañar entonces que el bonus track "Tango del diablo", compuesto a cuatro manos con Charly García, en un cuarto de hotel, casualmente en la previa de un festival en Sunchales localidad Santafesina, sea un aire de vals en el que Ciro renueva su apuesta por el tango. Aunque por ahora sea eso: bonus track, capricho, rareza.

Aunque a Ciro en su esencia, en lo personal lo puedo ver siempre relacionado a Los Piojos, por su estilo, pero acaso el estilo de Los Piojos no es ni más ni menos la impronta que Ciro le a dado, pero sin desmerecer al resto de los artistas de la banda, Ciro llevara siempre ese sello Piojoso de sus comienzo, por ello no dejar pasar esta oportunidad para descubrir en 27 de Ciro y Los Persas todo esa historia y nueva etapa de este artista. 

Daniel 
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