1803 - Sara - Fleetwood Mac

Sara - Fleetwood Mac

“Sara”, uno de los temas más emblemáticos del álbum Tusk (1979), representa quizá mejor que ninguna otra canción el delicado equilibrio emocional que atravesaba Fleetwood Mac en pleno auge creativo y conflicto interno. Escrita por Stevie Nicks, la pieza funciona como un espejo íntimo que refleja heridas sentimentales, nostalgia, culpa y el intento de encontrar paz en medio del caos que rodeaba a la banda tras el enorme éxito de Rumours. Pero, lejos de repetirse, Nicks crea aquí un paisaje sonoro más etéreo y narrativo, donde los significados se superponen y se diluyen como si formaran parte de un sueño.

Musicalmente, “Sara” es una balada de tempo medio que se desarrolla con una suavidad envolvente. El piano marca una estructura cíclica, casi hipnótica, sobre la que se suman las armonías características del grupo y una batería discreta pero efectiva de Mick Fleetwood. El bajo de John McVie sostiene la canción con una simpleza elegante, mientras que la producción de Lindsey Buckingham introduce matices y capas que, aunque sutiles, complejizan el ambiente emocional. El resultado final es un sonido cálido y flotante, donde cada instrumento parece dejar espacio al otro, permitiendo que la voz de Nicks se convierta en el verdadero eje.

Y es precisamente la interpretación vocal lo que hace que “Sara” sea una de las obras más memorables del repertorio de Nicks. Ella canta con una mezcla de fragilidad y firmeza, como alguien que aún carga con el peso de una historia que no termina de resolverse. La letra —difusa, simbólica, cargada de imágenes poéticas— ha sido objeto de numerosas interpretaciones. Muchos la leen como una referencia a su relación con Mick Fleetwood, a la amistad rota con Sara Recor, o incluso a una maternidad perdida. Nicks nunca ha ofrecido una explicación definitiva, lo que mantiene la canción en un terreno de misterio emocional. Sin embargo, la ambigüedad no genera distancia; al contrario, acerca al oyente y lo invita a conectar desde su propia experiencia.

“Sara” destaca también por la manera en que fusiona melancolía y esperanza. No es una canción triste en el sentido clásico, sino una contemplación del pasado desde una mirada suave, casi resignada. En vez de estallar en un clímax dramático, avanza con calma y se desvanece como una conversación interrumpida. Esa sutileza, ese no dicho, es lo que le da su poder duradero: “Sara” se siente viva, cambiante, como un recuerdo que sigue hablándonos con el tiempo.

“Sara” es una de las piezas más profundas y sensibles de Fleetwood Mac, y un testimonio precioso del talento de Stevie Nicks para transformar sus vivencias en arte. Una canción que no solo se escucha: se siente, se habita y permanece.

Daniel 

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1503.- Go Your Own Way - Fleetwood Mac

 

Go Your Own Way, Fleetwood Mac

     Aunque han tenido varias formaciones a lo largo de los años, la versión de Fleetwood Mac que alcanzó lo que entonces era su nivel más alto de fama también estuvo plagada de los desafíos internos más estimulados por las relaciones personales. Esa formación estaba compuesta por los miembros "clásicos": Stevie Nicks, Christine McVie, Lindsey Buckingham, Mick Fleetwood y John McVie. Los músicos de la banda durante esta fase jugaron con sus relaciones personales entre sí: salieron, se casaron, se pelearon, se divorciaron y tocaron juntos de la misma manera. Plasmaron brillantemente todas estas vivencias personales en Rumours, publicado en 1977.

Incluido en este álbum se encuentra Go Your Own Way, compuesta por el guitarrista, cantante y compositor Lindsey Buckingham, una de esas miradas a sus experiencias.  Buckingham escribió la canción sobre su entonces novia Stevie Nicks y su complicada separación. La canción fue lanzada como su primer sencillo del álbum en diciembre de 1977 a través de la discográfica Warner Bros. Records. Obtuvo el puesto 10 en la lista Billboard Hot 100 de los Estados Unidos, mientras que en el Reino Unido alcanzó la posición 38 en la lista UK Singles Chart. 

Mentras se grababa Rumours, el matrimonio de John y Christine McVie, ambos miembros de la banda, estaba llegando a su fín al igual que la relación entre Buckinham y Nicks. Con dos parejas que seestaban separando durante las sesiones, la grabación del álbum podía intuirse bastante tensa, pero gracias en gran parte a los productores Richard Dashut y Ken Caillat, consiguieron que el grupo canalizara todo los sentimientos y resentimientos y los canalizaran a través de las canciones. En ese contexto escribió Buckingham Go Your Own Way y describía su ruptura, con frases como "Empacar y vivir juntos es todo lo que quieres hacer". y concluía: "él está mejor sin ella - ella puede seguir su propio camino en lo que a él respecta". Stevie Nicks siempre insistió en que ella nunca había mantenido una relación con nadie más mientras salían y quería que Lindsey Buckingham quitara la frase, pero él se negó. Sobre la canción, en el año 2009 Nicks afrimó a la revisyta Q: "Ciertamente era un mensaje dentro de una canción, y no muy agradable, por cierto".

1500.- Dreams - Fleetwood Mac

 

"Dreams" es uno de los platos fuertes del icónico disco de la banda británica Fleetwood Mac "Rumours" (Warner Records, 1977), y el segundo single que se lanzó para su promoción tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido. Como sencillo, fue el único de la banda que logró alcanzar el primer puesto del Billboard Hot 100 estadounidense.

Escrita por la vocalista Stevie Nicks en 1976 mientras estaban grabando temas en los estudios Record Plant de California, es una de las canciones más famosas y reconocidas del grupo. La inspiración le llegó a Stevie en aquel momento, y de una manera tan clara que tuvo una primera versión de la letra en tan solo diez minutos. El grupo vio en "Dreams" un filón dorado, y al día siguiente ya grabaron en el estudio una versión con batería y sintetizadores, que completaron días después con el bajo y las guitarras.

Muchos años después, y tras ser versionada por diversos grupos de generaciones posteriores (es especialmente destacable la versión que The Coors realizó en 1998), en 2020 tuvo un gran repunte de popularidad gracias a su utilización en publicaciones de TikTok, lo que provocó que volviera a entrar en las listas de ventas de muchos países, y en plataformas más actuales como Spotify o Apple Music. Y desde hoy, para los que formamos 7dias7notas.net, "Dreams" tendrá para ya para siempre un lugar especial en nuestros corazones, ya que es la canción 1500 que reseñamos en esta sección de "Historia de la Música en Canciones"​.

1499- Fleetwood Mac - Don't Stop

1502- Fleetwood Mac - Don't Stop

Fleetwood Mac, una banda conocida por su capacidad para fusionar estilos y emociones, nos entregó en 1977 una canción que ha dejado una huella imborrable en la música: "Don't Stop". Este tema, incluido en su álbum Rumours, no solo destaca por su calidad musical, sino también por el contexto emocional en el que fue creado. Escrita principalmente por Christine McVie, la canción es un mensaje de esperanza y un llamado a mirar hacia adelante, incluso cuando el pasado parece querer retenernos.

Desde sus primeros compases, "Don't Stop"* atrapa al oyente con un ritmo vibrante y una melodía que irradia positividad. La voz de Christine McVie, cálida y llena de convicción, se combina con los arreglos de guitarra de Lindsey Buckingham y la base rítmica sólida de Mick Fleetwood y John McVie. La producción, característica del sonido pulido y equilibrado de Rumours, permite que cada elemento musical tenga su espacio, creando una atmósfera que es a la vez energizante y reconfortante.

La letra de la canción es un reflejo de la resiliencia. Frases como "Don't stop thinking about tomorrow, don't stop, it'll soon be here" resuenan como un recordatorio de que, por más difíciles que sean los momentos, siempre hay un futuro por delante. En el caso de Fleetwood Mac, este mensaje adquiere un significado especial. Durante la grabación de Rumours, la banda enfrentaba tensiones internas: rupturas amorosas, desacuerdos creativos y egos en conflicto. Sin embargo, "Don't Stop" emerge como un destello de luz, una invitación a dejar atrás lo negativo y abrazar lo que está por venir.

Años después, la canción trascendió el ámbito musical para convertirse en un símbolo de cambio. En 1992, Bill Clinton la adoptó como parte de su campaña presidencial, asociando su mensaje de renovación con su visión política. Este hecho no solo revitalizó la popularidad de la canción, sino que también demostró su capacidad para inspirar a personas en distintos contextos.

Musicalmente, "Don't Stop" es un ejemplo destacado del soft rock de los 70. Su coro pegajoso, el puente que eleva la energía y las armonías vocales entre McVie y Buckingham son elementos que la hacen memorable. La interpretación de McVie transmite una autenticidad que conecta directamente con el oyente, mientras que la colaboración entre los miembros de la banda refleja, a pesar de las dificultades, un espíritu de unidad.

"Don't Stop" es una canción que trasciende el tiempo, no solo por su calidad musical, sino por su mensaje universal. En un mundo donde las adversidades son inevitables, su llamado a pensar en el mañana sigue siendo tan relevante como lo fue en 1977. Fleetwood Mac logró capturar en esta canción un sentimiento que resuena con cualquiera que haya enfrentado desafíos, recordándonos que siempre hay motivos para seguir adelante.

Daniel 

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1498.- The Chain - Fleetwood Mac

 

The Chain, Fleetwood Mac

     El 4 de febrero de 1977 la banda de rock británica Fleetwood Mac publica su undécimo álbum de estudio, Rumors. Fue grabdo entre febrero y agosto de 1976 en los Criteria Studios de Miami, los Record Plant Studios de Los Angeles, En el Zellerbach Auditorium de Berkeley y en Wally Heider's Studio 3 de Hollywood. El disco fue producido por el grupo y por Ken Caillat y Richard Dashut, y publicado bajo el sello discográfico Warner Bros. Records. Las sesiones de grabación se llevaron a cabo mientras los miembros de la banda lidiaban con rupturas amorosas y luchaban contra el consumo excesivo de drogas, los cuales dieron forma a la dirección y las letras del álbum. La idea era hacer "un álbum pop" que ampliara el éxito comercial del álbum Fleetwood Mac de 1975. Rumours contiene una mezcla de instrumentación eléctrica y acústica, así como ritmos acentuados, guitarras y teclados. Sus letras tratan sobre relaciones personales y a menudo problemáticas. Su lanzamiento se pospuso por demoras en el proceso de mezcla del material del disco. El álbum se convirtió en el primer álbum número uno de la banda en la lista de álbumes del Reino Unido y también encabezó el Billboard 200 de Estados Unidos. Recibió certificaciones multiplatino en Australia, Canadá, Dinamarca, Nueva Zelanda, el Reino Unido y los Estados Unidos.

Fruto de estos problemas y tensipones en el seno de la banda nace The Chain, que además es la única canción del disco en la que todos los miembros, colaboraron y aprecen acreditados, Stevie Nicks, Lindsey Buckingham, Christine McVie, John McVie y Mick Fleetwood. La canción tiene una estructura básica de rock, aunque tiene dos partes distintas: la estrofa principal y el estribillo. También podmeos apreciar influencias del hard rock , el folk y el country. Stevie Nicks escribió la letra sobre Lindsey Buckingham cuando su relación se estaba desmoronando. Buckingham y Nicks comparten la voz principal en la canción. Se juntaron fragmentos de distintas tomas de estudio para formar la canción. La línea de bajo que suena aproximadamente a los 3 minutos de la canción fue escrita de forma independiente por John McVie, quien originalmente planeaba usarla en una canción diferente. Originalmente esta canción comenzó como una canción completamente diferente de Christine McVie llamada Butter Cookie (Keep Me There)", que está disponible en la edición ampliada de Rumours . El comienzo de la canción no funcionaba, pero a la banda le encantó el final de Mick Fleetwood y John McVie, que ahora estaba grabado. Entonces, contaron hacia atrás desde la línea de bajo, usaron el bombo como metrónomo, Nicks accedió a dar las letras de los versos, Buckinghan y Christine McVie escribieron la música y la letra del estribillo y Lindsey agregó la guitarra sobre el final. Así nació The Chain como la conocemos.

1321.- Rhiannon - Fleetwood Mac

Rhiannon, Fleetwood Mac

     A finales de los años 60, Fleetwood Mac era una importante banda de blues en la que el guitarrista Peter Green estaba en plena carrera como solista. Cuando Peter Green dejó Fleetwood Mac, sus fans los abandonaron y la banda empezó a incorporar diferentes estilos musicales, inclinándose por el rock y el pop, con cambios en la formación que incluían nuevos vocalistas. Mick Fleetwood, cofundador de la banda, regresó de los EE. UU. y encontró a la banda sin dirección, contratos ni dinero. 

En 1974, Fleetwood se enteró de la existencia de los Sound City Studios de Keith Olsen en Los Ángeles. Mick estaba convencido con entusiasmo de la calidad del estudio y Fleetwood escribió un artículo de cuatro páginas sobre la banda para la revista Rolling Stone, ofreciendo la dirección del estudio. En 1974, el resto de la banda abandonó el Reino Unido para intentar triunfar en Estados Unidos, y Mick Fleetwood organizó acuerdos con Warner Bros. Records (sello discográfico estadounidense) e intentó conseguir contratos estadounidenses para los miembros de la banda que vivían en el Reino Unido.  Rápidamente fueron fichados por el sello discográfico de Estados Unidos y comenzaron a grabar el álbum Fleetwood Mac en septiembre de 1974. Experimentaron con diferentes estilos de música para encontrar el que mejor se adaptaba a ellos como grupo y terminaron con un álbum con un estilo que era único para ellos. Este estilo musical recordó a algunas personas el sonido de California, que se asociaba con los Eagles y algunas otras bandas que habían emigrado a la zona.

En ese contesto nace Fleetwood Mac, el décimo álbum de estudio de la banda, lanzado el 11 de julio de 1975 en los Estados Unidos y el 1 de agosto de 1975 en el Reino Unido por Reprise Records, propiedad de Warner Bros. Es el segundo álbum homónimo de la banda después de su disco debut, y los fanáticos a veces se refieren a él como el Álbum Blanco . Supuso el primer álbum de la banda con Lindsey Bucingham como guitarrista y Stevie Nicks como vocalista, después de que Bob Welch abandonara la banda a fines de 1974. También fue el último álbum de la banda en ser lanzado en el sello Reprise Records hasta The Dance (1997), los álbumes posteriores de la banda hasta entonces fueron lanzados a través de Warner Bros. Records, la compañía matriz de Reprise.

Incluido en este álbum se encuentra la canción Rhiannon, escrita por Stevie Nicks. Fue lanzada como sencillo en 1976. La canción alcanzó el puesto número 11 en la lista Billboard Hot 100 en Estados Unidos y el número 46 en el Reino Unido tras su re-lanzamiento en 1978. Stevie Nicks se inspiró para escribirla después de leer la novela "Triad" de Mary Bartlet Leader, que menciona a una bruja galesa llamada Rhiannon. Nicks descubrió más tarde que Rhiannon es también una diosa de la mitología galesa, lo que añadió más mística a la canción. La canción es conocida por sus intensas interpretaciones en vivo, donde Nicks a menudo la presentaba diciendo: "Esta es una canción sobre una vieja bruja galesa". Durante los conciertos, la interpretación de Nicks de Rhiannon era tan apasionada que el baterista Mick Fleetwood llegó a describirla como "una especie de exorcismo".

0708.- Jewel Eyed Judy - Fleetwood Mac

Kiln House fue el primer álbum que lanzó Fleetwood Mac después de la partida de Green, el artífice de lo que fue en esos primero años Fleetwood Mac y su ausencia aparentemente creó un vacío que la banda no pudo o no quiso llenar, por eso optaron por modificar su sonido, una evolución que sería solo el primero de varios cambios a medida que el grupo avanzaba durante la década de 1970. El grupo parecía haber quemado gran parte de su influencia del blues para forjar un sonido de rock and roll más convencional, cuyo camino fue un enamoramiento de Buddy Holly.

Kiln House , como su antecesor Then Play On, es una mezcla ecléctica de estilos y géneros, las notas ligeras de ritmo y blues aparecen en pistas como "Blood on the Floor", el rockabilly domina "Buddy's Song" (un tributo mediocre al mismísimo Buddy Holly), y retrocesos como el instrumental "Earl Grey" que intenta mantener la naturaleza expresiva. de sus primeros cortes de blues rock (sin éxito), es uno álbum cuyo objetivo parace ser un doloroso recordatorio de una banda de blues rock moribunda y de una escena de blues moribunda en general. Kirwan y Spencer aportan lo que pueden en guitarras y voces, pero el fallo principal radica en sus esfuerzos combinados de composición que no logran impresionar en ningún momento, penalizados por ese recorrido que hacen sin saber con qué género comprometerse, estas pistas suenan dispersas, desconectadas y mal ensambladas. Fleetwood Mac hace muchas cosas en Kiln House, pero nada de lo que hacen es magistral y ese es el principal inconveniente del disco ya que resulta a menudo aburrido y nunca consiguen encontrar la emocion. Cada uno de los álbumes anteriores de Fleetwood Mac tiene algo especial, algo único, en cambio este álbum no lo hace y suena suave, conservador y vacilante. Este trabajo es un gran paso atrás para el grupo, un disco corto, bastante desordenado y lo suficientemente brumoso casi por descuido como para emitir su propio olor a cannabis, pero es un álbum agradable, y excelente para relajarse sin convertirse en simple música de fondo, un disco de 'marcar el tiempo', un momento breve, extraño, pero musicalmente documentado en la carrera de Fleetwood Mac.

Me gustaría destacar un tema, porque de esto va esta sección de canciones, y después de un par de escuchas Station Man me ha impresionado pero sin duda me quedo con Jewel Eyed Judy que comienza como una canción suave típicamente kirwanesca antes de transformarse en un estribillo extrañamente violento, que me encanta, quizás es la canción más cercana que se acerca al sonido de blues del clásico Fleetwood Mac, pero no es tanto un escaparate de pirotecnia de guitarra como lo era el material verde de antaño, aquí es mucho más sutil lo que lo convierte en una pista que tal vez no impacta tanto  como lo mejor de Green, pero sin duda es una escucha muy apetecible.

0513.- Black Magic Woman - Fleetwood Mac

 

Black Magic Woman, Fleetwood Mac 

     En 1969 Peter Green (voz, guitarra, armónia), Jeremy Spencer (voz, slide), Danny Kirwan (guitarra eléctrica, coros), John McVie (bajo) y Mick Fleetwood (batería), o lo que es lo mismo, Fleetwood Mac, publican English Rose, un álbum recopilatorio de la banda británica. El álbum es publicado a través del sello discográfico Epic Records únicamente para el mercado estadounidense. Este recopilatorio contiene seis temas extraídos de su primer disco de estudio, Mr. Wonderful, el cual no fue publicado en el mercado estadounidense, tres sencillos que solo habían sido publicados en el Reino Unido, dos canciones que habían sido grabadas para el futuro, y una pista escrita exclusivamente para este recopilatorio. El disco fue grabado en 1968 y publicado en enero de 1969.

El recopilatorio obtuvo el puesto número 184 en la lista estadounidense Billboard 200, convirtiéndose en el primer disco de la banda británica en entrar en las listas del citado país. English rose fue lanzado apenas unos meses antes del recopilatorio The Pious Bird of Good Omen, el cual sólo fue lanzado en el mercado británico y que contenía algunas canciones iguales.

Incluido en el recopilatorio se encuentra Black Magic Woman, canción que fue escrita por Peter Green y fue publicada en 1968 como sencillo a través del sello discográfico Blue Horizon Records para el Reino Unido y en 1969 por el sello Epic Records para Estados Unidos. La canción alcanzó el puesto número 37 en los UK Singles Charts del Reino Unido, convirtiéndose en el primer tema del grupo en conseguir entrar en dicha lista. Black Magic Woman tiene la misma estructura y pausas de guitarra, y una melodía similar a la canción I Loved Another Woman, incluida en el álbum debut de la banda británica, llamado también Fleetwood Mac. Peter Green se basó en esta canción para escribirla. También reconocería en posteriores entrevistas que la canción está también influenciada en All Your Love, escrita por Otis Rush, y que había sido grabada dos años antes, en 1966, por John Mayall & the Bluesbreakers with Eric Clapton.

Disco de la semana 263: Live at the Boston Tea Party - Fleetwood Mac

 

Grabadas durante un legendario fin de semana en 1970, vamos a intentar condensar estas grabaciones en vivo de la formación de tres guitarras de Fleetwood Mac. Por primera vez en la historia del rock británico habría una banda con tres guitarristas permanentes sobre un escenario y serían muy bien recibido tanto por el público europeo como por el americano gracias al gran espaldarazo que recibieron por parte de Carlos Santana al versionar “Black Magic Woman". En abril del setenta recalaron en la ciudad de Boston para grabar un álbum en vivo y durante tres noches desplegaron todo su arsenal de buen blues mamado desde los días en que la juventud inglesa se agolpaba en los puertos en búsqueda de discos de los dioses del Mississippi. Por ese entonces la banda no pasaba por su mejor momento, aunque este detalle no hacia mella en lo artístico. Esta grabación permaneció celosamente guardada por muchos años sin conocer motivo alguno hasta su aparición en formato digital en 1998, aunque  tuvimos un adelanto en 1985 con solo siete canciones del concierto bajo los nombres de Live In Boston. Hoy te queremos acercar las tres noches completas en que los Fleetwood Mac demostraron porque fueron tan importantes para el blues anglosajón, al galope de sus temas clásicos, versiones de sus maestros (Elmore James, BB King) y alguna rareza como el Tutti Frutti de Little Richard o el Great Balls Of Fire del indomable Jerry Lee Lewis. Este encuentro tuvo como único invitado al siempre recordado Joe Walsh a la guitarra en el tema "Encore Jam" ya que los James Gang oficiaron el acto de apertura durante las tres

 

El Vol.1 comienza fuerte con "Black Magic Woman", luego entretejiendo sus líneas de guitarra líquidas se marcan una brutal y desgarradora versión lenta de "Jumping at Shadows" de Duster Bennett, para desencadenar en una versión de 25 minutos que antes no estaba disponible de "Rattlesnake Shake", Green canta y toca con una autoridad estremecedora esta versión extendida y demuestra que Green era un maestro de la improvisación, haciendo referencia a sus raíces de blues incluso cuando volaba por otros caminos al menos igual de fascinantes como las de Allman Brothers o Grateful Dead, lo que tenemos se puede resumir como una excelente oda a la masturbación y podría ser la mejor improvisación de Fleetwood Mac jamás realizada en su historia. Jeremy Spencer toma la delantera en dos divertidas versiones de Elmore James, "I Can't Hold Out" y "Got to Move", esta última viendo la luz del día después de estar escondida durante 29 años. Este primer volumen se cierra con el proto-metal de "The Green Manalishi" en una versión desenfrenada de 13 minutos que deja el single original de cuatro minutos como una curiosidad, con un solo de batería serpenteante y desenfocado. Sin duda este primer volumen es el más compacto y variado de los tres álbumes, y se recomienda para los recién llegados que no están interesados ​​en el conjunto completo.

 

El Vol.2 del concierto comienza fuerte con un “World in Harmony” flotante, la única pista coescrita por Peter Green/Danny Kirwin en el catálogo de Mac, y que, curiosamente, nunca apareció en un álbum de estudio. Un "Oh Well" abreviado pero agresivo (solo la apertura oscilante) da paso a un "Rattlesnake Shake" de media hora que es más estridente, impulsor e intenso que la versión de tono más bajo y ligeramente más rígida que en el Vol. 1. La interacción entre Kirwin y Green aquí es asombrosa, ya que se empujan mutuamente más allá de los límites anteriores, impulsados ​​por la contundente sección rítmica de John McVie y Mick Fleetwood. Jeremy Spencer recorre concisas versiones de "Stranger Blues" y "Red Hot Mama", dos versiones candentes y nerviosas de Elmore James. Pero el espectáculo se vuelve descuidado con su tributo al doo wop de los años 50 "Teenage Darling, la banda trota a través de algunas versiones de Little Richard aceleradas, entusiastas, pero no esenciales, redimidas por los tambores de Fleetwood que se entrelazan a lo largo de diez minutos de "Jenny Jenny". Puede que suene genial, pero las pistas no logran trasmitir lo que era el  impacto visual de los tres guitarristas contorneándose. Este vol 2 termina con un jam de 12 minutos nunca antes escuchado simplemente titulado "Encore", donde Joe Walsh de la banda de apertura The James Gang, se une para tener en el escenario una cuarta guitarra. Intermitentemente interesante, las guitarras cuádruples que intercambian pistas y riffs crean una música predeciblemente desordenada y desenfocada. Los seguidores de la banda durante estos primeros años pueden encontrarlo como una curiosidad pasajera, pero para la mayoría de la gente que estuvo en el concierto fue algo increíble.

 

El Vol.3 es una mina de oro para los fanáticos de esta línea de Mac, ya que presenta la increíble cantidad de seis pistas (más de 35 minutos) de material recién descubierto. Lo más importante es que casi toda esta música es de una calidad excepcional. Desafortunadamente, la pieza central del álbum, una intensa versión de blues lento de once minutos de "If You Let Me Love You" de BB King, está estropeada por el micrófono muerto de Peter Green, lo que le da a su voz una calidad hueca.

Pero su guitarra ataca con una claridad sorprendente, mientras empuja y se relaja alternativamente con estilo y moderación. Green masajea hábilmente su solo, y la banda le da mucho espacio para navegar, haciendo de esta una de las actuaciones más apasionantes de los tres discos. Una versión instrumental de "Coming Your Way" de Danny Kirwin es otra incorporación reciente y, a lo largo de sus siete minutos, las guitarras en duelo de Kirwin y Green pelean con los tambores tribales de Mick Fleetwood creando un torbellino rítmico que frustrantemente se desvanece antes de que termine. Jeremy Spencer saca cuatro versiones de Elmore James con una versión descubierta recientemente de "The Sun is Shining" como punto culminante. Surgen algunas viejas canciones de Little Richard, y una versión deshilachada pero propulsora de "Tutti Frutti", donde la banda se relaja y rockea con clase y moderación, muestra cuán innovadores podrían ser incluso trabajando con el material de tres acordes. Un cierre notablemente sutil, "On We Jam" de ocho minutos demuestra que incluso con tres guitarristas talentosos compartiendo pistas, las habilidades de improvisación de esta banda eran insuperables. No es el álbum más cohesionado del trío, seguramente tampoco será el más fácil de escuchar, lo que está claro que es algo que el amante de la música tiene que escuchar… sí o sí.

Canciones que nos emocionan: Albatross, Fleetwood Mac

Fleetwood Mac

     En el año 1967 en Londres (Inglaterra) nace la mítica banda Fleetwood Mac de la mano de Peter Green (guitarra y voces), Jeremy Spencer (guitarra y voces), Bob Brunning (bajo) y Mick Fleetwood (batería). 

En 1968 publican su primer disco de estudio, titulado Fleetwood Mac, un disco con el que consiguen un rotundo éxito, colocándose en el puesto número 4 de las listas de ventas Uk Albums Chart del Reino Unido. Poco después del lanzamiento de dicho disco, lanzan dos sencillos, Need Your Love So Bad y el mítico Black Magic Woman (éste último popularizado posteriormente por el genial guitarrista Carlos Santana). 

1968 fue un año muy movido para el grupo pues en noviembre de ese mismo año publican su segundo disco de estudio, Mr. Wonderful, el cuál sigue la buena tónica generada por el disco debut del grupo en cuanto a popularidad y ventas.

     En septiembre de 1968 el grupo había decidido fichar a un tercer guitarrista, de nombre Danny Kirwan, y con él en sus filas el grupo decide grabar el sencillo llamado Albatross, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan, un bellísimo tema instrumental de poco más de 3 minutos escrita por el Peter Green.

Este tema fue el primer sencillo del grupo que alcanzó el puesto número 1 en las listas de ventas del Reino Unido.

     Hay quien dice que el tema fue compuesto por Green a raíz de un poema que éste leyó cuando era niño, The Rhyme of the Ancient Mariner escrito por Samuel Taylor Coleridge, un poema donde se hace referencia al Albatros como un ave que según los marineros da mala suerte, de ahí la famosa expresión "Un albatros alrededor de tu cuello".

Sobre este hecho Mick Fleetwood llegó a decir que no sabía realmente por qué Green llamó Albatros a este tema.

     Alguna curiosidad más sobre este tema, en 1957 Chuck Berry compuso un tema instrumental llamado Deep Feeling, el cuál tiene muchas similitudes en cuanto al sonido de la guitarra y del bajo con Albatross. Según alguna que otra biografía editada del grupo se dice que este tema fue compuesto por Green inspirándose en otro tema instrumental llamado Sleep Walk, compuesta por un dúo estadounidense llamado Santo y Johnny en 1959.

En este tema también se inspirarían los mismísimos Beatles, concretamente John Lennon para componer la canción Sun King incluida en el disco Abbey Road y publicado en 1969.

     La verdad es que no se si Green se inspiró en el citado poema de Coleridge al componerlo, tampoco se en que estaría pensando al llamarlo Albatross, pero lo que sí se es que cada vez que me pongo este tema y cierro los ojos me produce una sensación maravillosa que hace que durante poco más de 3 minutos me olvide de todo y sencillamente disfrute de esta maravillosa pieza compuesta por el magnífico Peter Green.

Peter Green