sábado, 30 de noviembre de 2019

Canciones que nos emocionan: Mejores que el original (II)



Dejamos el primer artículo de "Mejores que el original" con el sabor de boca de "With a little help from my friends" en la versión de Joe Cocker, que les roba el tema a los mismísimos Beatles. Para consolar a John, Paul y compañía, comenzamos esta nueva entrega dándole al César lo que es del César. Ellos también superaron con su versión a un tema original de los Isley Brothers. Hablamos del "Twist and Shout" que los de Liverpool versionaron de manera brillante, quedando para siempre en nuestro recuerdo, mucho más que la versión original.


Viajamos hasta los años 90 para hablar de Nirvana, máximo exponente de la efímera pero intensa oleada "grunge". La repentina pérdida de Kurt Cobain nos privó de conocer hacia dónde habrían evolucionado los chicos de Nirvana, que sólo dejaron una pista de lo que podría haber sido un interesante camino (mucho más que el que tomaron los Foo Fighters), en forma de disco acústico grabado en directo para la MTV. En aquel disco aparecía una versión sublime de un viejo tema del maestro David Bowie, que no tuvo problema en comentar que la versión de Nirvana de "The man who sold the world" le había "volado la cabeza. Esa forma de cantar de Kurk Cobain... Claramente supera a la mía".



Cuando los chicos de la Creedance Clearwater Revival compusieron su Proud Mary ("Orgullosa Mary") seguramente no pensaban que hasta la propia Mary habría estado más orgullosa de la versión de Ike and Tina Turner que de la suya. Tina es un torrente difícil de contrarrestar y los arreglos de aire soul y funk rock se alejan de la versión más sureña de la Creedance. Esta canción es, además, la primera canción que aprendió a tocar Prince con la guitarra. Este dato corrobora que en mi caso, además de estar aprendiendo a tocar la guitarra tarde, ya estoy empezando mal, si comparamos la potencia del "Rolling...Rolling... Rolling on the river" con el apagado y más bien soso "Knock... Knock... Knockin' on heaven's door" de la versión de Dylan.


Cerramos esta entrega con la versión que Whitney Houston hizo del tema "I will always love you", que originariamente fue interpretado por Dolly Parton. Dejando aparte la edulcorada película sobre la relación amorosa entre una cantante y su guardaespaldas, la intensa interpretación vocal y en tono soul de Whitney está a años luz del toque a balada country que la Parton le da a su versión. Aunque siempre querremos a las dos, grande cada una en su género y en su momento. Con ellas bajamos el telón, hasta la próxima entrega de "Mejores que el original"

viernes, 29 de noviembre de 2019

El disco de la semana 154: Derechito al infierno, Nel.lo y la banda del zoco

Nel.lo y la banda del zoco


   
     Para hablar del disco que traemos en esta ocasión bajo el brazo, tenemos que hacerlo también de Daniel Nel.lo, el indiscutible lider de este proyecto.
Daniel Nel-lo nace en 1967 en Barcelona y contando apenas con 17 años comienza su carrera al mando del saxofón, y lo hace en 1985 uniéndose a la formación de Carlos Segarra y compañía, Rebeldes. Rebeldes con Nel-lo en sus filas publica en 1986 Rebeldes con causa, con el que se iniciaría la época dorada de este grupo. A éste álbum le seguirían Preferiblemente vivos (1987), Más allá del bien y del mal (1988), Héroes (1989), En cuerpo y alma (1990), Tiempos de Rock'N'Roll (1991), La rosa y la cruz (1993) y Básicamente Rebeldes (1995) que sería el último disco que graba Daniel con la formación de Rebeldes, ya que poco después, concretamente en 1997, decide dejar la formación para iniciar su carrera en solitario. Nel.lo se sumerge en la búsqueda de su propia seña de identidad, incorporando y trabajando con nuevos sonidos, como el rhythm and blues, el blues ó el jazz.

     Sumergido en dicha búsqueda, Nel-lo crea su propia banda Nel.lo y la banda del Zoco en 1997, grupo con el que grabará dos álbumes de estudio, Derechito al infierno (1997) y Crápula (1999).
El proyecto de Nel.lo y la banda del Zoco dura unos cuatro años, donde Nel.lo se rodea de músicos de la talla de Dani Baraldés (guitarrista), Enric "Nota" parés (batería) ó Jorge Rebenaque (teclados), y nos regalan estos dos discos donde los sonidos latinos se entremezclan brillantemente con el sabor mediterráneo del Rock & Roll.

Daniel Nel.lo con Los Mambo jambo


     Después de su aventura con la banda del Zoco, Nel-lo inicia el proyecto en forma de grupo, llamado Tandoori Le Noir, junto a varios de los mejores músicos de blues y jazz procedentes de la escena barcelonesa. El repertorio de la banda está basado en su mayoría en versiones de grandes guitarristas y saxofonistas de las déscadas de los años 40 y 50. Un proyecto que en 2003 publicaría su único álbum de estudio, de nombre Tandoori Le Noir.

     La actividad de Nel.lo es frenética, y en 2009 se une al proyecto del grupo Los Mambo Jambo, un grupo que mezcla el rock & Roll, el rhythm & blues, el surf y el swing. Con esta formación Nel.lo graba cinco álbumes, Los Mambo Jambo (2011), Impacto Inminente (2013),  La Maldición de los Rockers (2015), Jambology (2016) y El Hombre y la Tierra (2017).

     Por si no fuera pocos, Nel.lo también tiene tiempo, entre proyecto y proyecto, de publicar discos en solitario, Vértigo (2005), Noir (2010), Tesoro Recordings (2011), Saxorama (2016) y Los saxofonistas Salvajes (2017). También es capaz de compaginar toda esta actividad musical con la de compositor de bandas sonoras de cine y teatro, presentar y realizar la dirección artística desde 2010 a 2015 del programa televisivo de la cadena TV3 Jazz al estudi.
Durante su extensa y variada carrera musical a colaborado con artistas de la talla de la Barcelona Big Blues Band, Loquillo, Ariel Roth, Bunbury, Los Lobos ó Ray Gelato entre otros.

     En 7dias7notas tenemos muy claro y también muy presente que son músicos de la talla de Daniel Nel.lo los que engrandecen el noble arte de la música y queríamos dedicarle un espacio a modo de recomendación musical dentro de su extensa discografía repleta y rebosante de calidad. Y al final nos decidimos por su álbum Derechito al Infierno, grabado en 1997 con su banda Nel.lo y la banda del Zoco, un trabajo como comenté anteriormente repleto de buen rock & roll y mezlado brillantemente con el fino aroma y el sabor de los ritmos latinos. Para este disco Nel-lo cuenta con el batería Enric "Nota" Parés y con Jorge Rebenake al piano y teclados. Disco donde Nel-lo se encarga de la composición de los temas junto a Jorge Soto. Además de la excelente mezcla de sonidos, los temas tienen unas letras que no nos dejarán indiferentes, donde tratan temáticas cómo la violencia de género (Derechito al infierno), el inevitable paso del tiempo (Carta a Filippo), el desarraigo (La semilla), el suicidio (Blues ingrato) ó la doble moral (Casino Caín).
Derechito a mi biblioteca musical va este excelente disco de Nel.lo y la banda del Zoco, proyecto liderado por Daniel Nel.lo un gran saxofonista y compositor que ha hecho y que esperemos que siga haciendo lo que mejor sabe hacer, muy buena música.

Daniel Nel.lo

miércoles, 27 de noviembre de 2019

Canciones que nos emocionan: Mejores que el original (I)


Tal día como hoy, en 1942, nacía Jimi Hendrix, al que recordamos con una versión en la que mejoró el original


"Teniendo el original... no hacen falta marcas blancas". Esa frase se ha puesto de moda últimamente, en un contexto político en el que nos vamos a entrar. Este mundo sería mejor con más música y menos política, pero la frase en cuestión nos sirve para describir una tendencia en el universo de las 7 notas: Las versiones casi nunca superan al original, se quedan en marcas blancas por debajo del nivel y la relevancia de la canción del autor. Vamos a centrarnos en el "casi" de esta última frase, puesto a propósito y con todo el sentido, porque hay excepciones a esa tendencia, canciones que en la posterior revisión de otro artista han superado con creces a la versión original.



Para los que, por el contrario, creen que "nada se compara a la versión original", empezaremos a concencerles con la revisión que Sinead O'Connor hizo del "Nothing Compares 2U" de Prince. Las musas dieron al genio de Minneapolis una composición excelsa, pero nunca terminó de quedar contento con las versiones que ensayó de la canción, y terminó relegada a una versión a capella dentro de un disco de The Family, uno de los grupos satélites hacia los que desviaba parte del exceso de material que componía. La versión de la cantante irlandesa, más desnuda y descarnada que las versiones que Prince grabó previamente, demuestra de manera clara que ella sí que dio con la tecla de como grabar esa brillante composición.



Por afinidad geográfica, vamos a continuar en Minnesota con una canción que Bob Dylan creó para la banda sonora de la película "Pat Garrett & Billy the Kid", y a la que teniendo en cuenta que la mayoría de sus canciones tienen largas letras de gran profundidad literaria, no parece que Bob dedicara demasiado empeño. "Knocking on heaven's door"  tiene una estructura de acordes sencilla (hasta el punto de ser la primera canción que estoy intentando aprender en mis tardías clases de guitarra) y una letra con tan solo dos estrofas y un estribillo que repite simplemente el título de la canción. Lo que sí que tiene es la magia que sólo los genios pueden dar a una canción, y parte de esa magia está precisamente en su sencillez. Lo cuál no quita para que, cuando los Guns and Roses hicieron de aquel esqueleto de canción una obra eléctrica de rock de estadios con reminiscencias gospel en los coros, no podamos reconocer que mejoraron la canción y la llevaron a un nivel instrumental y vocal mucho más impactante.


No cambiamos de artista todavía, porque la de los Guns no era la primera vez que el bueno de Bob veía mejorar una de sus canciones en manos de otros. "All Along the Watchtower" es una canción mucho más elaborada que la anterior, y un clásico de su cancionero, pero la versión que de ella hizo Jimi Hendrix va también un paso más allá. El arranque de la canción, con el ritmo de la guitarra de Hendrix y el cortante solo que lo acompaña, es uno de los momentos estelares de la música rock. La interpretación vocal de Hendrix es mucho más potente y los lisérgicos solos de guitarra, marca de la casa, dejan poco terreno a la duda sobre qué versión es más eterna.

Dejamos tranquilo ya a nuestro querido Dylan, para hablar ni más ni menos que de los Beatles, y de una de las canciones del disco que muchos consideran el mejor de todos los tiempos. En el disco del famoso Sargento Pimienta, como en otros discos de los de Liverpool, se dejaba espacio a Ringo para que cantara una canción que no fuera muy exigente a nivel vocal. Así surgieron temas como Yellow Submarine, Octopus Garden y, en concreto para esta reseña, With a little help from my friends, que en la versión de Ringo se queda en una correcta y divertida canción, pero que tras pasar por las manos y la garganta de Joe Cocker adquirió su máxima expresión. Cocker ralentizó las estrofas y las convirtió en un dúo entre su voz y la de las coristas gospel que le acompañaron, y potenció la descarga vocal en el estribillo. La canción cambia totalmente de registro, y triunfa claramente en la comparación.


Esta es sólo una primera entrega, ya se que ahora mismo estaréis enumerando otras versiones que os parecen mejores que la canción original, pero como diría Jack el Destripador, "vayamos por partes". Seguiremos investigando para traer, próximamente, nuevas entregas de canciones "Mejores que el original".

lunes, 25 de noviembre de 2019

Grupos emergentes: KELEVEK Presenta Instinto



Nuevamente en Madrid un nuevo show de la banda KELEVEK, y allí estuvo 7dias7notas.

Café La Palma
La noche del sábado 16 de noviembre, el Café La Palma se preparaba para recibir en su escenario a Álvaro Sanz (guitarra y voz), Mikel Rodríguez (bajo y voz) y Carlos López (batería), los chicos de KELEVEK presenta su nuevo trabajo Instinto.

Este nuevo trabajo de la banda, que han llamado Instinto muestra un sonido renovado de la banda que gusta mucho, por la madurez que muestra la banda en este nuevo trabajo, podemos decir que KELEVEK, crece a pasos agigantados, porque no sólo por su sonido, sino que la estética de la banda mostrada en el Café La Palma, es otra de las muestras de esa madurez, que impone esta nueva etapa de la banda.  



Y no tienes más que escuchar uno de los nuevos corte Tigre, que demuestra que ese cambio que la banda este experimentado da resultados, no era más que ver a los fans en el Café La Palma, corear cada una de las canciones que la banda fue presentando esa noche. 

Las caras de los fans lo decían todo, pero también esperaban las viejas canciones de la banda, como un ritual necesario, no había más que mirarlos. 

Fans en pleno show

Y los chicos de KELEVEK lo han vuelto hacer, han entusiasmado a su publico, y debo decir que los que formamos parte de 7D7N, nos sentimos tan fans de ellos, que realmente estaremos a la espera de volverlos a ver nuevamente tocar en Madrid. 

Y a nuestros seguidores decirles que estén atentos en las redes sociales, porque no se los pueden perder, la próxima vez que hagan un show, así que animaros a seguirlos en las redes sociales. Instagram @somoskelevek. 

Y como siempre que no nos falten las palabras de agradecimiento a nuestra amiga Davinia, que nos comparte estos buenos momentos de buena música. 

Queridos amigos, ya nada más nos queda despedirnos y agradecer que podamos seguir difundiendo nuestra música, hasta la próxima. 

Daniel 
Instagram Storyboy   

domingo, 24 de noviembre de 2019

La música en historias: El doble bombo

Louie Bellson


     Que el doble bombo en la batería está asociado al mundo del rock y el metal es un hecho, pues los resultados explosivos le dan más caracter a sus temas. Podemos encontrar multitud de baterías que usan doble bombo, Keith Moon de The Who ó Ginger Baker de Cream ya lo usaban en los 70's, cómo también lo usaban dentro de la escena del hard rock Ian Paice de Deep Purple ó Les Binks de Judas Priest. ¿Pero quién fue el primer batería que uso doble bombo? Pues curiosamente no lo vamos a encontrar en el género rock ni el hard rock, nos tenemos que ir al jazz, y remontarnos mucho antes, concretamente al año 1939.

     Luigi Paulino Alfredo Francesco Antonio Balassoni, más conocido como Louie Bellson, nació en 1924 en Rock Falls, Illinois (Estados Unidos). Su padre era dueño de una tienda de música, por lo que desde muy pequeño y atraído por la música empieza a tocar la batería con tan sólo 3 años. a los 17 años consigue ganar el concurso que la marca de fabricación de instrumentos musicales Slingerlan había lanzado, consiguiendo imponerse a más de 40.000 bateristas que se habían presentado.

     En la década de los 40 ya tocaba en grandes bandas, trabajando con gente de la talla de Benny Goodman, Tommy Dorsey, Harry James ó Duke Ellington entre otros. En la década de los 50 también compaginó su frenética carrera como baterista con la de director musical, grabando también como lider para las discográficas Norgran Records y Verve Records. Ya en la década de los 60 Bellson regresaría a la orquesta de Duke Ellington. Es en esa etapa cuando escribiría el Centenario de la proclamación de la Emancipación, llamado A Concert of a Sacred Music.
A Concert o a Sacre Music son tres conciertos que compuso Bellson, el primero en 1965, el segundo en 1968 y el tercero y último en 1973, y según él estos conciertos fueron "Lo más importante que he hecho".
Estas composiciones tuvieron una gran recepción entre la crítica, siendo consideradas como históricas y como parte de un movimiento que surgió en los años 60 y que mezclaba jazz y música religiosa.

     A Louie Bellson se le atribuye el honor de ser el primer baterista en usar doble bombo, una innovación técnica que inventó en su clase de arte de la escuela secundaria, en 1939 cuando tenía sólo 15 años.
Louie Bellson, además de ser un gran baterista, compositor y tocar con los más grandes de la escena del jazz, también se preocupó de dar difusión a todo el aspecto educacional de dicho instrumento.

sábado, 23 de noviembre de 2019

La música en historias: La Cumbia Te Salva






Hace un tiempo hablando con una amiga, me contó que tenia un proyecto que se llamaba Oidoscopio, y siempre tuve la ilusión de poder hacer algo juntos, y esta semana hablando con ella, le he propuesto publicar algo en 7D7N.

Y ella me dio toda la libertad de buscar entre sus publicaciones y elegir una historia que me guste, y entre tantas historias, he encontrado una que realmente me ha hecho pensar mucho, porque habla de los sentimientos, de las personas perdidas y encontradas, de los recuerdos que vuelven solo con escuchar una nota musical, pero sobre todo te salva.

★ LA CUMBIA TE SALVA
La música tiene el fantástico poder de transportarme. No me hace falta ni cerrar los ojos, con solo escuchar una canción puedo sentir la presencia de la persona con la que la canté por primera vez o ver el paisaje que recorrí con esos acordes.

No tengo buena memoria pero de las canciones que me calaron hondo me sé toda la letra, y me encanta cantarla a los gritos mientras gesticulo mucho con las manos.

Cuando descubro una canción que me gusta, la escucho una y otra vez. Son como mantras para mí; y Charly y Spinetta son mis gurús favoritos.

De vez en cuando les comparto canciones a mis amigos y a mi familia porque, dicen por ahí, que “cuando las palabras fallan, la música habla”.

Tengo una playlist mental para cada persona que conocí y para cada lugar al que viajé.

Me gusta conocer música nueva, y puede que nunca me acuerde de la fecha de tu cumpleaños, pero si me compartís una canción que me guste mucho, la voy a asociar con vos para siempre, y cada vez que la escuche te voy a sentir cerca.

El problema de todo esto es que cuando la vida me sacude y hay cosas que prefiero no recordar, la música se puede convertir en el perfecto aliado para que me muera de nostalgia. Hay canciones que adoro que, aún hoy, no puedo escuchar. Hay momentos y personas que extraño tanto que prefiero no usar la magia de la teletransportación porque no soporto la idea de que sean solo un “holograma”.

Hubo una época de mi vida en la que autocensuré casi todas las canciones de mi Spotify. Tuve que empezar de cero, y mientras iba reconstruyendo el “mix tape” de mi nueva vida, recurrí a un ritmo que sólo me traía buenos recuerdos y ganas de bailar: la cumbia.

Canciones viejas y nuevas que me transportaban a noches de risas y juegos. Canciones que podía bailar alzando las manos y cantando despechada mientras,con mis amigas nos señalábamos con mirada cómplice (sí, mantras de cumbia).

La música me salvó. Mis amigos me salvaron. La Creciente, La Calandria, Glitter, El golf, las fiestas del SIC, Dj amoroso y las pistas de cachengue de todos los boliches a los que fui. Los recuerdos de esas noches alegres con ellos me salvaron.

Aún a la distancia, cuando estoy sola y me tomo una cerveza en el balcón, los puedo sentir cerca si suena Pablito Lescano; o caminando por la calle me siento acompañada si escucho Jambao.

Así que, cuando la vida te sacuda y hasta las canciones duelan, mandale cumbia y ponete a bailar, que todo pasa pero la música queda 💃🏻 !!

Tofi.

Entra en: https://oidoscopio.com/

viernes, 22 de noviembre de 2019

El disco de la semana 153: Huey Lewis & The News - Small World


Descubrí a Huey Lewis & The News sin escucharlos, leyendo el libro American Psycho de Bret Easton Ellis. Esta es la primera gran mentira de esta reseña, porque en realidad conocía previamente dos canciones suyas y las había escuchado hasta la saciedad, tantas veces como las más de 30 en las que habré puesto el DVD de Regreso al Futuro, en la que se incluían los temas "The power of love" y "Back in time", desafortunadamente no incluidos en este "Small World" de 1988.

En American Psycho, una brutal sátira sobre el impersonal y material mundo de los brokers y yuppies que pulularon, vacíos e insustanciales, por los finales de los 80 y principios de los 90, el protagonista es un ambicioso broker altivo y materialista que alterna su predilección por el lujo, el sexo con bellas modelos y los símbolos de status empresarial, con una afición desmedida por la violación, la tortura y el asesinato. Su enfermiza personalidad también incluye un gusto muy particular por la música, reflejado a través de comentarios y análisis en detalle sobre sus discos y artistas favoritos, que ocupan algunos capítulos enteros del libro.

Patrick Bateman, con su disco favorito de Huey Lewis
Como buen yuppie superficial, sus gustos van encaminados hacia el pop-rock y soul más suaves y comerciales, de grupos y artistas como Genesis (en la etapa liderada por Phil Collins), Whitney Houston y... Huey Lewis & The News, de los que por fin, para esta reseña, he escuchado un disco completo. Y aquí es donde viene la segunda gran mentira, porque para hablar de este disco que mejor que contar con la opinión y las palabras del mayor experto en Huey Lewis & The News, el despiadado y frío ejecutivo Patrick Bateman de American Psycho, entrevistado en su casa de Manhattan para la ocasión:


SMALL WORLD, SEGÚN PATRICK BATEMAN

Patrick nos recibe en el cuarto de estar de su apartamento, presidido por una gran chimenea de mármol blanco y granito sobre la que está colgado un enorme retrato de una mujer desnuda sentada en una tumbona y viendo vídeos musicales, mientras el fondo del cuadro es un apocalíptico desierto plagado de peces muertos y platos rotos. Está sentado en un gran sofá blanco, con un traje de Allan Flusser y y una corbata de seda roja de Valentino Coutere. En un extremo del cuarto, un sofisticado sistema estéreo con grandes bafles reproduce el disco "Small World" de Huey  Lewis & The News.

 Nos sentamos al otro lado del largo sofá, intimidados ante su curriculum de asesinatos, mirando siempre de reojo la puerta de salida de la sala de estar, y empezamos la entrevista (*):

¿Cuál es tu opinión sobre el disco "Small World" de Huey Lewis & The News?

PB: "Es el disco más ambicioso y artísticamente más logrado de los producidos nunca por Huey Lewis & The News". "Es una obra de transición evidente y el primero de sus álbumes que trata de tener sentido temático en su conjunto". "No es extraño que cuatro de las diez canciones del álbum lleven la palabra mundo en el título y que por primera vez no haya sólo uno, sino tres temas instrumentales"

Si bien es cierto que algunas canciones hacen referencia a la importancia de la comunicación global, nos cuesta ver este disco como una obra conceptual, es más bien el típico compendio comercial de canciones, pero al planteárselo frunce el ceño y, por nuestra propia seguridad, preferimos dejar para más adelante este tema, así como la errónea afirmación sobre las canciones instrumentales.

Cuéntanos un poco más en detalle sobre las canciones que componen "Small World" que ahora mismo estamos escuchando.

PB: "El CD arranca con un comienzo estimulante, el Small World (Part One) de Lewis/Hayes, que junto con su mensaje de armonía, tiene un intensísimo solo de Hayes en el centro. En "Old Antone's" uno puede percibir las influencias del zydeco de Louisiana que la banda ha adquirido durante sus giras por el país, lo que le da un sabor cajun que es único. Bruce Hornsby toca maravillosamente el acordeón y las letras proporcionan un sentido del auténtico espíritu de los Bayou".

Nos cuesta de nuevo ver el solo de la primera canción como "intensísimo" y de hecho la canción no pasa de ser un buen tema comercial para el arranque, pero no se asoma al territorio de las canciones brillantes. Las referencias a Hendrix, Santana, Steve Ray Vaughan y otros tantos guitarristas a cuyos solos sí que les valdría el calificativo de "intensísimos" tampoco parece hacerle mucha gracia, así que dejamos de caminar por el filo de la navaja y le damos la razón en que "Old Antone's" es un buen tema, algo repetitivo pero efectivo, y a estas alturas nos dejamos la leve crítica en el tintero.
Algo contrariado por la interrupción, sigue desgranando una a una las canciones del disco:

PB: "Nuevamente, en el hit en single Perfect World, los metales de Tower of Power se utilizan con un efecto extraordinario. Extrañamente va seguida por dos temas instrumentales: el mágico corte bailable de reggae con influencias africanas Bobo Tempo y la segunda parte de Small World. Pero aunque estas canciones no tengan letra, no por ello se pierde el mensaje global de comunicación, y no parecen de relleno debido a las implicaciones de las repeticiones temáticas..."

¿Pero qué me estás contando Patrick? Retomando la crítica no formulada al comentario del inicio de la entrevista, las dos canciones que comentas no son instrumentales. Que la letra sea escasa e insustancial (Bobo Tempo) o se reduzca al estribillo (Small World part Two) no las convierte en instrumentales. Y si las consideras instrumentales... ¿dónde está el claro mensaje global de comunicación y de repetición temática? ¿Qué profundidad de mensaje hay en una canción llamada "Tiempo Bobo"?

Esto último si que no le ha gustado nada de nada. Se excusa de manera cortés y se ausenta durante un minuto, volviendo con una bolsa de deporte negra que deja a los pies del sillón, antes de sentarse de nuevo. Tras disculparse de nuevo por el breve receso, comienza a desgranar el contenido de la cara B del disco:

PB: "La segunda cara se abre de modo aplastante con Walking with the kid, la primera canción de Huey en la que acepta las responsabilidades de la paternidad. La gran balada del álbum, World to me, es una perla soñadora, y aunque trata del mantenimiento de una relación, también hace alusiones a China, Alaska y Tennessee, apoyándose en el tema de Small World. Better be true también tiene algo de balada, pero no es una perla tan conseguida y su letra no es sobre el mantenimiento de una relación ni hace referencias sobre China o Alaska y la banda suena bien de verdad."

¿De verdad está diciendo que una balada de amor, por el mero hecho de contener irrelevantes referencias a China, Alaska y Tennessee, es parte del enfoque conceptual de la comunicación global? Y por el contrario. ¿podemos menospreciar un tema similar sólo porque su letra no contenga referencias a China o Alaska?

Nuestro desacuerdo con sus afirmaciones parece haber colmado algún vaso, o en un tremendo efecto mariposa, un batir de alas en Tennessee ha provocado que Patrick Bateman abra su mochila negra y saque una especie de chaquetón de plástico transparente, muy útil si quieres que las manchas de sangre no estropeen un traje caro. Se enfunda la chaqueta de plástico mientras suena Give me the keys (and I'll drive you crazy), por cierto uno de los temas con más ritmo del disco, de nuevo respaldados por la sección de vientos de Tower of Power.

Para rebajar la evidente tensión, le transmitimos nuestro entusiasmo (real) por Slammin, el último tema del disco, el que más se acerca a su concepto de tema instrumental (Huey sólo aparece repitiendo "Slammin" de vez en cuando) y en el que más sueltos e improvisados suenan como banda.
Tiene un aire funky que nos encanta, y se lo hacemos saber a un Patrick Bateman muy serio que nos mira muy fijamente, y que responde:

PB: "... No tiene letra y es solo la suma de muchos metales y que, francamente, si lo pones demasiado fuerte, pueden provocarte un dolor de cabeza bastante jodido y puede hasta que te sientas un poco mareado... De cualquier modo, hizo que surgiera algo maligno en mi interior que me duró. Y no se puede bailar muy bien"

Mientras dice esta última frase, se inclina hacia la bolsa de deporte para sacar algo que tiene un mango de madera y que, por el esfuerzo para sacarlo, termina en la otra punta en algo bastante pesado. No nos quedamos a comprobar si se trata de una de las piezas de su colección de hachas, y salimos corriendo del lujoso salón sin mirar atrás, con el temor de que Huey Lewis & The News tuvieran razón, y éste sea de verdad un "Mundo Pequeño" en el que exista una posibilidad de toparnos de nuevo con un Psicópata Americano.



Nota (*): En cursiva, fragmentos de la novela "American Psycho" de Bret Easton Ellis, en las que el protagonista describe el disco Small World y las canciones que lo componen.

miércoles, 20 de noviembre de 2019

La música en historias: El bote de pastillas





     El coricidin es un medicamento que se utiliza para el alivio temporal de la tos, estornudos ó secreción nasal causados por el resfriado común, la fiebre del heno u otras alergias del tracto respiratorio.
Este medicamento ha tenido una enorme importancia en el mundo de la música y no precisamente por sus propiedades medicinales, concretamente en el arte del slide guitar.

     El Slide o Bottleneck es una técnica de guitarra que consiste en tocar una nota, y luego deslizar el dedo a otro traste hacia arriba o hacia abajo del diapasón. El término slide se refiere al gesto de deslizamiento sobre las cuerdas, y el término bottleneck hace referencia al material original utilizado en dicha técnica que eran cuellos de botellas de vidrio. Antes de llegar a utilizar los cuellos de botella de vidrio, se solían usar utilensilios tan dispares como navajas, cuchillos o huesos de costillas de carne como hiciera es sus principios por ejemplo Mississippi Fred McDowell.
El slide ha evolucionado hasta llegar a los actuales, y podemos encontrarlos de diversos materiales fabricados, vidrio, cerámicos, cristal o híbridos.

     Al parecer el slide de vidrio cuando se utiliza, en el sonido que produce hay más presencia de sonidos armónicos. La particularidad que tiene el slide hibrido es que no es un tubo como los otros, sino una varilla que tiene un anillo en su extremo, lo que facilita la maniobra de usarlo y apartarlo sin dificultad y sin que se nos caiga.

     Como comenté anteriormente, el coricidin se hizo muy famoso en los
Duane Allman con un bote de Coricidin
años 70 en el ámbito musical y no precisamente por sus propiedades medicinales. Resulta que el producto venía presentado en un bote de cristal, y los guitarristas se dieron cuenta que ese bote era ideal para usarlo y hacer con él slide. Guitarristas de la talla de Duane Allman, el que fuera guitarrista de The Allman Brothers Band o Rory Gallagher, dos de los mejores especialistas en el arte del slide usaban el bote de coricidin. También Gary Rossington, guitarrista de Lynyrd Skynyrd se rindió al sonido que ese bote de cristal provocaba al contacto de una guitarra.
Dereck Trucks, sobrino de uno de los baterías de The Allaman Brothers Band, miembro actual de la banda y discípulo además de Duane Allman también lo usa actualmente. Aquel botecito de cristal caló hondo en la formación sureña, Warren Haynes, el que fuera miembro durante mucho tiempo también de The Allman Brothers Band y ahora lider del grupo Gov't Mule también usa este botecito.
Ray Wylie Hubbard, prestigioso cantautor estadounidense que durante cinco décadas se ha dedicado al folk, country, blues y R & R, y conocido por el famoso tema "Ups against the Wall (Redneck Mother)" es también un asiduo a utiliza este bote de cristal de dicha marca.

     Ya sabéis, si algún día os encontrais un viejo bote de cristal de coricidin, no olvidéis que además de las propiedades medicinales que alguna vez tuvo dentro, también tiene propiedades musicales.

lunes, 18 de noviembre de 2019

La música en historias: Guitarristas zurdos





     Si nos vamos a la Wikipedia y buscamos el término zurdo, viene definido como aquellas personas que tienen tendencia natural a utilizar el lado izquierdo de su cuerpo. Vivimos en un mundo donde todo está creado y concebido para los diestros, hecho que dificulta sobremanera y crea una clara desventaja a los zurdos. Casi todos los utensilios y herramientas están diseñados y creados para la gente diestra y en el mundo de la música no iba a ser menos. Si nos fijamos en la guitarra por ejemplo, este instrumento fue concebido y diseñado para los diestros, si bien con el tiempo se fueron ingeniando sistemas y modificaciones para que los zurdos pudieran tocar también dicho instrumento, hasta llegar a la guitarra para zurdos.

 
   Y dentro de ese minoritario elenco de músicos zurdos podemos encontrar brillantísimos guitarristas que han hecho, hacen y harán historia en el mundo de la música:

Jimi Hendrix
Uno de los primeros que irremediablemente nos viene a la mente cuando pensamos en guitarristas zurdos es Jimi Hendrix, el padre de Hendrix, Al intentó que su hijo tocara la guitarra como los diestros pues según él tocar la guitarra con la mano izquierda era señal de de algo diabólico. Este hecho marcaría a Hendrix, pues si bien nos regalaría temas maravillosos con esa zurda también aprendió a tocar la guitarra con la mano derecha en su juventud obligado por su padre, por lo que se puede considerar que con la guitarra era ambidiestro.

     Albert King, su caso es quizás de los más curiosos que se pueden dar, este bluesman lo que básicamente hizo fue coger una guitarra para diestros y darle la vuelta para tocar con la zurda, pero no se molestó ni en cambiar el cordaje, por lo que la cuerdas estaban en orden invertido, a él le funcionó, y de que manera. Si a Albert King le funcionó este complicado sistema, a Dick Dale también, el pionero y padre del surf-rock usaba la misma técnica que Albert, coger una guitarra para diestros y darle la vuelta sin más.
Otro al que no le ha ido nada mal este sistema, darle la vuelta simplemente y dejar el cordaje tal cuál, el orden de las cuerdas invertido es al guitarrista de Memphis (Estados Unidos) Eric Gales, unos de los dominadores de la escena del blues rock por derecho propio. Este guitarrista con influencias de los mismísimos Jimi Hendrix y Albert King entre otros empezó a tocar la guitarra a los 4 años, a los 11 ya estaba de gira, en 1991 fue nombrado el guitarrista con mayor proyección, en 1994 tocó en Woodstock junto a Carlos Santana, y es considerado por la crítica como el heredero de Jimi Hendrix.

Paul McCartney
     Paul McCartney, además de un magnífico bajista es un consumado y magnífico guitarrista, especializado también en las  cigar box guitar (guitarras caja de cigarros). Al parecer Paul cuando tocaba la guitarra lo hacía como diestro pero al parecer no se sentía cómodo y esto le impedía progresar por lo que se le ocurrió tocar como un zurdo, a partir de ahí empezó a encontrarse más cómodo y progresar como él quería. A Paul también se le puede considerar ambidiestro como a Hendrix.



     Tony Iommi es otro ilustre zurdo, zurdo de libro además, pues en su caso siempre ha tocado la guitarra como zurdo. Tony tuvo además que lidiar con el hecho de perder en su juventud cuando trabajaba en una fábrica dos apéndices de los dedos anular y corazón de su mano derecha, la mano que recorre el mástil de la guitarra. Con ingenio se fabricó unas prótesis de goma y bajó la afinación de su guitarra para que las cuerdas quedaran menos tensas y duras y así poder tocarlas con más facilidad. a la vista está el resultado, convirtiéndose en uno de los guitarristas más influyentes del heavy metal y padre de muchos de los riffs más famosos de este genero musical.

Kurt cobain
   Kurt Cobain, considerado uno de los padres del género grunge. En una entrevista hecha por la revista Guitar World en 1992 Kurt comentaba que solía tocar con guitarras baratas porque podía pagarlas, y como zurdo no era fácil encontrar guitarras de alta calidad para zurdos a precios razonables. Kurt además creció en una época en la que le virtuosismo y la técnica a la guitarra estaba de moda, el fue capaz de darle una vuelta de tuerca a su sonido alejándose de ese virtuosismo y creando en su sonido acordes, disonancias, suciedad ó incluso errores a posta, logrando que precisamente todo esto fuera su estilo característico y marcara una época dentro del género grunge.


     No quiero olvidarme de Tim Armstrong, guitarrista y compositor que formó parte del grupo de punk rock Rancid, considerada una de las mejores bandas de punk rock de todos los tiempos y  de la cuál ya hemos hablado aquí en 7dias7notas.

     Es difícil encontrar mujeres guitarristas zurdas, pero las hay, y una de ellas es Susan Santos, guitarrista blusera española que aprendió a tocar de forma completamente autodidacta, el hecho de ser zurda no la freno en absoluto y se ha creado un estilo y una forma de entender la música muy personal. Susan, con el trío que formó en el año 2009 y que lleva su propio nombre lleva ya 5 álbumes editados y su carrera no para de crecer.



Susan Santos



     También existen dentro de los guitarristas un numeroso grupo que a pesar de ser zurdos, por diversos motivos han preferido tocar con guitarras para diestros, ahí van algunos casos:

     Duane Allman, fundador de The Allman Brothers Band, reputadísimo músico de sesión, especialista en el arte del slide guitar. También grabó el único disco de la banda Derek and the Dominos como invitado en 1970. En el caso de Duane no sabría afirmar con certeza el motivo exacto de por qué toca la guitarra como diestro, lo que si está claro es que era zurdo y aprendió a tocar la guitarra para diestros.

Gary Moore
En el caso de Gary Moore, su caso podríamos decir que fue por desconocimiento, pues cuando era
joven aprendió a tocar guitarras para diestros y cuando ya dominaba el mástil con holgada soltura descubrió que había guitarras para zurdos, así que decidió seguir y quedarse como estaba.

     En los años 90 hubo una encarnizada rivalidad musical entre dos bandas por hacerse con el cetro del género musical britpop, Blur y Oasis, pues bien, es curioso que los guitaristas de ambas bandas sean zurdos y toquen como diestros., Noel Gallagher (Oasis) y Damon Albarn (Blur). En el caso de Noel influye que con 9 años su padre le dejara una guitarra normal, para diestros, y él ni corto ni perezoso aprendió a tocar con ella. Damon, vocalista y guitarrista de Blur y responsable de numerosos proyectos como Gorillaz además de guitarra también estudió piano, piano, violín, triángulo y tubófono xilofónico cromático.

     No puede faltar en esta lista Mark Nopfler, el que fuera guitarrista, vocalista y líder de Dire StraitsMark toca como un diestro, pero además lo hace con la técnica del fingerstyle, técnica que consiste en no rasgar las cuerdas con púa y tocar directamente las cuerdas con los dedos.
Joe Perry, el guitarrista de Aerosmith, se hizo con su primera guitarra cuando contaba 10 años, esa guitarra era para diestros y venía con unas instrucciones de uso que Joey siguió al pie de la letra, por lo que acabó tocando toda su carrera como un diestro.
Gustavo Cerati
Gustavo Cerati, el genial músico y compositor argentino, lider indiscutible de la mítica formación argentina Soda Estereo sabía que aunque su tendencia natural al coger una guitarra era como un zurdo tenía muy claro que aprendería a tocar como diestro pues a la hora de buscar guitarras, sería más difícil encontrar en las tiendas guitarras para zurdos.

     No quiero despedirme sin hacer mención también a todos esos músicos que sin ser su super virtuosos de la guitarra o siendo secundario para ellos y siendo zurdos tocan la guitarra como diestros. Quién no tiene grabada en la retina la imagen de Bob Dylan en el escenario con su inseparable guitarra tocándola como un diestro, algo que se ha venido repitiendo hasta hace no mucho tiempo debido a unos problemas de artritis en sus manos que han hecho que sustituya su guitarra en el escenario por un piano. A George Michael siempre le recordaremos en el ya inolvidable videoclip de uno de sus mayores éxitos, Faith. Sting además de ser conocido por su magnífico trabajo como vocalista y bajista de Police es también un gran multiinstrumentista, dominando guitarra, contrabajo, piano, laúd, armónica, saxofón y oboe. Nuestro querido y camaleónico David Bowie pasó de tocar con la zurda a hacerlo con la diestra por el simple hecho de que en la Inglaterra de la postguerra no había muchas guitarras donde escoger a la hora de comprar, y menos si eran para zurdos.

     Me despido no sin antes dejaros una cita que ví hace ya algún tiempo y que hace referencia al tema en cuestión: "Hay pocas personas perfectas en el mundo, las demás son diestras", lo mismo tiene razón.......



David Bowie

sábado, 16 de noviembre de 2019

Canciones que nos emocionan: The Boys Are Back In Town, Thin Lizzy

The Boys Are Back In Town, Thin Lizzy




     En septiembre de 1975 la banda irlandesa Thin Lizzy, compuesta por Phil Linott (bajo y voz), Brian Downey (batería), Brian Robertson y Scott Gorham (guitarras), habían publicado su quinto álbum de estudio, Fighting, un disco que supuso el primer y verdadero éxito de la banda y puso los cimientos de la época dorada del grupo. Además este disco fue el primero donde el grupo empezó a explotar el sonido de las guitarras gemelas, alcanzando el climax en temas como Suicide, una auténtica joya donde Robertson y Gorham explotaban y marcaban el camino de un sonido que acabaría influenciando a multitud de bandas en la posteridad.

     Animados por el hecho de empezar a recoger las mieles de tanto esfuerzo y trabajo el grupo publica en marzo de 1976 su sexto álbum de estudio, Jailbreak, disco que para mí conforma una de sus obras maestras junto con Black Rose (1979). Un disco que contiene magníficos temas como Running Back ó Cowboy Song, Emerald, donde el rock se fusiona con la música celta para regalarnos una obra maestra, ó The Boys Are Back In Town, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan y que se convirtió por derecho propio en el buque insignia de la banda, y es que los chicos habían regresado a la ciudad..... para dar mucha guerra.

Guess who just got back today

Them wild-eyed boys that had been away

Haven't changed that much to say
But man, I still think them cats are crazy
They were askin' if you were around

How you was, where you could be found

Told 'em you were livin' downtown
Drivin' all the old men crazy
The boys are back in town

(The boys are back in town)
The boys are back in town

(The boys are back in town again)
You know that chick that used to dance a lot

Every night she'd be on the floor, shakin' what she got

When I say she was cool she was red hot
I mean, she was steamin'
And that time over at Johnny's place,

Well, this chick got up and she slapped Johnny's face

Man, we just fell about the place
If that chick don't want to know, forget her
The boys are back in town

(The boys are back in town)
The boys are back in town

(The boys are back in town)
The boys are back in town

(The boys are back in town)

The boys are back in town
(The boys are back in town again)
Spread the word around

Guess who's back in town
Just spread the word around
Friday night they'll be dressed to kill

Down at Dino's Bar 'n' Grill

The drink will flow and the blood will spill
And if the boys want to fight, you better let 'em
That jukebox in the corner blastin' out my favorite song

The nights are getting warmer, it won't be long

Won't be long till the summer comes
Now that the boys are here again
The boys are back in town

(The boys are back in town)
The boys are back in town

(The boys are back in town)
The boys are back in town

(The boys are back in town)

Spread the word around
The boys are back in town
(The boys are back in town again)
The boys are back in town again

Been hangin' down at Dino's

The boys are back in town again

     The Boys Are Back In Town fue compuesta por Phil Linott en honor a los seguidores de la formación. Lynott se dió cuenta que en los conciertos del grupo había muchos jóvenes de clase media trabajadora que iban a verles con la intención de salir y divertirse, algo que también era una de las aficiones favoritas del grupo. Fue éste tema el que le dio al grupo el espaldarazo y proyección mundial que tanto habían estado esperando, de hecho fue el único tema del grupo que consiguió meterse dentro del Top 40 de las listas en Estados Unidos, no así en Reino Unido dónde consiguieron muchos más.
Sobre este tema Scott Gorham comentó en una entrevista que por aquella época el grupo se encontraba tocando en algún lugar de Estados Unidos y el mánager del grupo llegó todo excitado para comentarles que habían conseguido un éxito con un tema, y que ni por asomo se imaginaban que hubiera sido The Boys Are Back In Town. De hecho cuando el grupo publicó Jailbreak, tenían 15 canciones de las que tenían que elegir 10 y The Boys Are Back In Town no estaba entre las elegidas, pero fueron animados y aconsejados por la discográfica para que la incluyeran porque veían algo especial en ese tema, y no se equivocaron.

viernes, 15 de noviembre de 2019

100.000 visitas y una "Vynil's Champions League"



"Hoy dice el periódico, que ya nadie llega a 100.000 discos vendidos en España.
Que más de 100.000 personas acudieron este verano a los festivales musicales más relevantes.
Que en esos festivales se repartieron 100.000 preservativos gratuitos.
y que un evento de Fortnite repartirá 100.000 dólares en premios.

Hoy amor, como siempre...
El diario no hablaba de 7días7notas,
El diario no hablaba de 7días7notas,
El diario no hablaba de 7días7notas,
ni de las 100.000 visitas que ya hemos alcanzado".

Sirva esta adaptación libre de una canción de Joaquín Sabina para contar un hito que ni siquiera nos planteábamos cuando comenzamos esta andadura. Si la carretera más famosa del rock es la ruta 66, nosotros hemos ido construyendo paso a paso nuestra ruta 77, a golpe de 7 días y 7 notas. Un camino de baldosas amarillas, un largo y serpenteante camino, en el que hemos repartido tiburones amarillos, y nos hemos encontrado con pájaros azules y rinocerontes dorados.

Mirando al pasado, fueron los discos que conocíamos y queríamos compartir, los que nos empujaron a esta aventura, y mirando al presente son los discos que estamos descubriendo los que nos motivan a seguir. Discos que de no existir 7días7notas puede que nunca hubieran llegado a nuestras manos. Grandes discos como el "Your demons are real" de Eternal Psycho o el "Cuando todo explote" de SeñorNadye han sido los ejemplos más recientes. Así que hemos creído importante que sea con los discos con los que celebremos este momento, y lo vamos a hacer con una Champions muy especial, la de Los Vinilos de Nevermind:

32 vinilos seleccionados de entre mi colección de discos, y que se irán enfrentando de dos en dos en Instagram (@7dias7notas) en eliminatorias a vida o muerte, el Miércoles de cada semana (salvo el primer enfrentamiento que saldrá a la par que este artículo). Los goles que decidirán el triunfo de uno u otro disco serán los "likes" que deis a una u otra publicación hasta la publicación del siguiente partido. Y tranquilos que, si esto sale bien, haremos segunda edición con Los Vinilos de Jorky, cuya colección es mucho mayor y probablemente más afinada que la mía.

Tras la primera ronda quedaran 16 discos en liza, después quedarán 8 y de ahí pasarán 4 discos a semifinales, y por último 2 grandes finalistas entre los que saldrá el primer disco ganador de la Vynil's Champions League de 7días7notas. Venga, no te lo pierdas, cada Miércoles ponte la bufanda de tu grupo favorito y llévalo hasta la final con tu apoyo!!!

jueves, 14 de noviembre de 2019

Historia del rock and roll: 22.- The Motown


Es uno de los sellos fundamentales de finales de los años 60, surgido en la ciudad de Detroit, el nombre del sello viene por una contracción por cómo se conocía a esa ciudad plagada de fábrica de automóviles, de hecho, los tres grandes fabricantes estaban instalados y allí y es por eso que era conocía como “Motor town” que, en aquella época, era la cuarta ciudad de Estados Unidos en población negra. Fue con ese detalle con el que Berry Gordy decidió cumplir su sueño, y fundar una casa de discos buscando artistas y compradores en ese segmento de la población.





A finales de los años 50, Berry Gordy frecuentaba los clubes nocturnos negros de Detroit, estableciendo su presencia, vendiendo sus canciones y asesorando a otros compositores. Su gran oportunidad llegó cuando conoció a Jackie Wilson, una cantante extravagante con apariencia de ídolo matinal que acababa de lanzar una carrera en solitario. Gordy escribió varias canciones exitosas para Wilson, incluyendo "Reet Petite", "Lonely Teardrops" y "That is Why". Fue durante este tiempo que también conoció a William (Smokey) Robinson, un apuesto adolescente de ojos verdes con un tono suave. voz de falsete y un cuaderno lleno de canciones.
El primer paso que dio Berry Gordy es juntarse a su hermana y fundar Anna Records, donde tuvieron más de un éxito como es el caso de Money (That's What I Want) de Barrett Strong y que fue escrita por el mismo Berry Gordy. En 1959, Gordy obtuvo un préstamo de 800 dolares de su familia para comenzar una compañía discográfica. Motown empezó desde abajo, con oficinas administrativas y un estudio de grabación, comenzó en un momento en que la música pop experimentaba muchos cambios, y con Motown, pudo mezclar música afroamericana como gospel, soul, y rhythm and blues, con los nuevos sonidos del rock and roll.

Gordy estableció un método de control de calidad para garantizar que el producto más fuerte llegara a la cima, cada viernes se reunía con sus productores, cada uno de los cuales dejaba su mejor propuesta semanal, después discutían y votaban sobre ello en un proceso competitivo.
Pero otro elemento importante para el sonido de Motown fue su excelente banda conocida como Funk Brothers que estaba compuesto por músicos profesionales consumados que tocaban en bares, clubes nocturnos y otros lugares en Detroit negro.

La lista de estrellas de Motown Records se lee como un 'Quién es quién' del estrellato pop en los años sesenta y principios de los setenta. Los artistas incluyeron grupos e individuos como Diana Ross y los Supremes, Marvin Gaye, Smokey Robinson y los Milagros, The Jackson 5 y un joven Michael Jackson, Stevie Wonder, The Temptations, Gladys Knight and the Pips, y muchos, muchos más.

Otro gran grupo para Motown fue Diana Ross y los Supremes, quienes tuvieron siete éxitos número 1, incluyendo 'Baby Love' (1964), 'Stop! En nombre del amor '(1965) y' No puedes apresurarte amor '(1966). El éxito de los Supremes marcó más por venir, y Motown Records alcanzó su punto máximo entre 1965 y 1968, cuando la compañía ocupó cinco de los 10 primeros lugares en el Hot 100 Chart de la revista Billboard.



La espontaneidad y la locura creativa eran el leit-motiv en Motown. La casa de Hitsville, abierta todo el día, se convirtió en un lugar de reunión. Si un grupo necesitaba más voces de respaldo o más instrumentación durante una sesión de grabación, siempre había alguien disponible. Antes de que los Supremes lograran el éxito, a menudo se las llamaba para proporcionar el aplauso insistente que se escuchaba en muchos registros de Motown. Los fuertes golpes al comienzo de "Where Did Our Love Go" de Supremes es literalmente el juego de pies de los extras de Motown pisoteando tablones de madera. Las tintineantes notas principales de un disco de Temptations provienen de un piano de juguete. Se emplearon pequeñas campanas, cadenas pesadas, maracas y casi cualquier cosa que se sacudiera o sacudiera para acelerar el ritmo. Se instaló una cámara de eco en una habitación de arriba, pero de vez en cuando el micrófono captaba un efecto de sonido no intencionado: ruidosas tuberías del baño contiguo. En sus memorias, Diana Ross recuerda "cantando mi corazón al lado de la taza del inodoro" cuando le pusieron el micrófono para lograr un efecto de eco.

Con el sonido resbaladizo de los Supremes a la cabeza, Motown procedió a abrir un camino a la cima de las listas de éxitos, manteniendo el ritmo de los Beatles, los Rolling Stones y los Beach Boys. No importa que algunos fanáticos se quejaron de que la música de los Supremes era demasiado comercial y carecía de alma. Motown vendió más discos de 45 rpm a mediados de los 60 que cualquier otra compañía en la nación.

En 1968, Motown había superado todas las expectativas y seguía creciendo. Ese fue el año en que la compañía estableció su sede en un edificio de diez pisos en las afueras del centro de Detroit. Cuatro años más tarde, debutó la primera película de Motown, Lady Sings the Blues. La historia de Billie Holiday, interpretada por Diana Ross, recibió cinco nominaciones al Premio de la Academia. Con la intención de una mayor expansión en la industria del cine, Gordy trasladó la compañía a Los Ángeles. Robinson había tratado de disuadirlo con una pila de libros sobre la falla de San Andreas, sin éxito. Gordy tenía hambre de hacer su magia en Hollywood.



Pero el traslado a Los Ángeles fue el comienzo del fin de la era dorada de la música Motown. "Se convirtió en otra gran compañía en lugar de la pequeña compañía que pensaba que podía". Después de mudarse, Gordy encontró poco tiempo para crear música o escuchar discos. Mucho estaba cambiando. Los cantantes principales dejaron sus grupos para carreras en solitario. Algunos querían un control más creativo y financiero. Atrás quedaron la banda de la casa y el cuadro de jóvenes productores. En 1988 Gordy vendió la división de discos de Motown a los registros de MCA por $ 61 millones. Unos años más tarde se vendió nuevamente a Polygram Records. Finalmente, Motown se fusionó con Universal Records y hoy se conoce como Universal Motown. Entre los artistas de grabación de la compañía están Busta Rhymes, Erykah Badu y Stevie Wonder. La antigua casa de Hitsville USA en Detroit es ahora un museo y un popular destino turístico.


Terminamos con algunas de las imprescindibles de la compañía:

1961 The supremes – I want a guy
1961 The Marvelettes – Please Mr. Postman
1962 Stevie Wonder - I Call It Pretty Music 
1962 The Contours - Do You Love Me
1963 Martha Reeves & The Vandellas – (Love Is Like A) Heat Wave 
1964 The Supremes - Baby Love
1964 Mary Wells – My Guy     
1964 The Temptations – My girl
1965 Four Tops - I Can't Help Myself (Sugar Pie Honey Bunch)
1965 The supremes – Stop in the name of love,   
1966 The Temptations - Ain't Too Proud to Beg
1966 The supremes - You Can't Hurry Love
1967 Smokey Robinson & the Miracles - The Tears of a Clown
1968 War – Edwin Star
1970 The Jackson 5 – ABC
1970 The Jackson 5 – I want you back
1976 Thelma Houston – Don’y leave this way