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miércoles, 27 de marzo de 2024

Red Hot Chili Peppers - The Getaway (Mes Red Hot Chili Peppers)

 


"I'm With You" de 2011, marcó un cambio importante para Red Hot Chili Peppers, fue el primer álbum lanzado después de la segunda salida del guitarrista John Frusciante, en su lugar se unio a la banda el guitarrista de respaldo de gira y protegido de Frusciante, Josh Klinghoffer. Desafortunadamente, muchos consideraron que el álbum fue una decepción, personalmente, pensé que era bastante decente, ciertamente más divertido que su inflado disco doble "Stadium Arcadium". El siguiente álbum de los Chili Peppers, "The Getaway", también marca un cambio importante para la banda: es su primer álbum sin el productor Rick Rubin, quien ha producido todos sus discos a partir de su éxito de 1991 "Blood, Sugar, Sexo, Magik." En su lugar estaría Danger Mouse, una elección interesante, porque el trabajo de Danger Mouse ha sido muy interesante para mí, ha sido responsable de uno de mis álbumes favoritos "Demon Days" de Gorillaz. Resulta que en "The Getaway" lo que la banda hace es experimentar y hace que este álbum suene fresco, si bien el último álbum definitivamente "sonó" como un álbum de Chili Peppers, este arroja algunos cambios.

 

Comienza el álbum con The Getaway, y es un comienzo bastante decente, con riffs de guitarra apagados, pero que en el fondo se muestran interesante, he leído a algunas personas compararlo con Coldplay, de hecho, suena notablemente similar a su sencillo "Adventure of a Lifetime", especialmente en el coro. A continuación, llega el sencillo principal "Dark Necessities" que fue una elección perfecta para reintroducir a los Chili Peppers, y puedes ver por qué Danger Mouse se empeñó tanto para que este fuera el sencillo, te vuelve a conectar. La mejor línea base de Flea desde 2006 marca el comienzo de esta densa pieza musical que podría merecer una revisión propia y de Anthony Kiedis, quien suena mucho más rejuvenecido a lo largo del tema, atrae al oyente con una melodía que habría sonado como en casa en By the Way. El coro llega con un sentimiento edificante y une la canción de una manera impresionante. 

El funky "We Turn Red" es una ocasión para volver a su estilo anterior, pero con un giro: ambos tienen estribillos melódicos más lentos, después llega “The Longest Wave” y estas dos canciones juntas presentan la peor parte del álbum, el sentimentalismo es completamente exagerado. Lo más destacado del álbum, sin embargo, tiene que ser “Goodbye Angels”, es la canción, así es exactamente como suenan los Chili Peppers cuando aprovechan sus puntos fuertes. Kiedis ofrece una interpretación vocal apasionante, mientras que Klinghoffer sabiamente deja que Flea, el ladrón frecuente de espectáculos, sea la piedra de la composición para que pueda comenzar con algunas notas geniales tocadas en lo alto. Pero ni siquiera hemos tocado el final de la canción. ¡Dios mío, esta canción termina con uno de los mejores momentos musicales en la historia de Peppers! Flea arranca con un riff de bajo que haría que Les Claypool se pusiera verde de envidia y luego se lanza a un final monstruoso en llamas que no puedo describir adecuadamente sin usar un lenguaje que podrían censurar. Si no escuchas nada más de este álbum, escucha el último minuto de esta canción. Vale la pena el precio del disco completo por sí solo. "Sick Love" es otro de los sencillos interesantes, una suave balada pop que presenta a Elton John al piano, un movimiento irónico teniendo en cuenta que, como otros ya han señalado, la melodía está algo inspirada en "Bennie and the Jets".

 

"Go Robot", inspirado en Prince, es puro funk disco de los 80 y definitivamente podría ser un éxito en la era de "Get Lucky" y "Uptown Funk". Llega “Feasting on the Flowers” donde el sentimentalismo es muy exagerado, incluso en canciones más funky como la banda cede a coros accesibles y letras de cartas de amor sobre varios aspectos de la vida. "Detroit" definitivamente destaca, un tributo al estado natal de Kiedes cuyo nombre incluye a artistas como The Stooges, J Dilla y Henry Ford sobre un pesado riff al estilo Hendrix, ofrece justo ese giro de la era de los 90 que la banda necesitaba desesperadamente recuperar. Aunque algunas de las canciones pueden ir en direcciones curiosas a veces, sus mejores momentos son al menos suficientes para mantener la atención del oyente y recordarle que esta banda aún puede ser capaz de hacer grandes cosas. Otro tema defectuoso es "This Ticonderoga", la canción comienza con un furioso riff de guitarra con sonido punk que crea una de sus músicas más pesadas en años, pero la banda simplemente no parece resistirse a detener la canción en seco para poder agregar un bajo y un piano extraños y nerviosos. El otro ejemplo de canción floja es "Encore", donde Kiedes se pone nostálgico sobre las líneas melódicas de la guitarra. "The Hunter" es un tributo lento y melancólico a la paternidad, con Klinghoffer al bajo en lugar de Flea, quien en cambio toca un triste solo de trompeta. Te golpea en todos los lugares correctos. Pero aún mejor es la extensa epopeya de seis minutos "Dreams of a Samurai", una intensa meditación sobre una relación fallida, un tema que tocan muchas de estas canciones. La canción tiene una sensación más pesada y alucinante que el resto del álbum; de hecho, parece que habría encajado perfectamente en "One Hot Minute".


Si bien los fanáticos incondicionales de Peppers pueden sentirse decepcionados por la sobreabundancia de melodías más pop, no te preocupes, aquí también hay algunas cosas para ti. Pero lo que realmente se destaca son los números más experimentales del álbum, los cuales cierran el álbum. Sin embargo, no todo lo que hay en este álbum es digno de elogio. Si bien las melodías con infusión de pop melódico han sido el pan de cada día de los Chili Peppers desde finales de los 90, algunas de ellas aquí realmente no se sostienen. Dicho y hecho, este álbum puede no ser un éxito total, pero cuando lo logra puede llevarte de regreso a la cima creativa de la banda. Con las alteraciones sonoras de Danger Mouse y el continuo desarrollo de Klinghoffer hasta convertirse en un músico plenamente consumado, la banda logra dejar mucho por qué estar entusiasmado. Si bien todavía queda un camino bastante decente que la banda debe recorrer si realmente quieren regresar a las alturas de sus períodos más creativos, un álbum como The Getaway es exactamente el tipo necesario para infundir fe en el grupo una vez más. y esperar con ansias lo que liberen más adelante en el camino.

domingo, 24 de marzo de 2024

Red Hot Chili Peppers - Stadium Arcadium (Mes Red Hot Chili Peppers)



"Stadium Arcadium" (2006) es el noveno álbum de estudio de los Red Hot Chili Peppers, publicado por la discográfica Warner Bros Records, y el último antes de la marcha del guitarrista John Frusciante, que dejó la banda en 2009, aunque acabaría regresando diez años después. Tras el éxito del disco "By the way" (2002) y la publicación de la recopilación "Greatest Hits" (2003), en 2004 los Red Hot Chili Peppers se reunieron para grabar material para un nuevo disco, que en principio querían que fuera una "obra de arte pequeña y digerible" al estilo de discos como el Meet The Beatles!, con no más de 12 canciones y en un tono más tranquilo del habitual.

Sin embargo, y fruto del buen rollo y la compenetración de todos los miembros del grupo durante las sesiones en "The Mansion" (una casa en la que había vivido Harry Houdini y en la que ya habían grabado en 1991 el mítico "Blood Sugar Sex Magik"), grabaron junto al productor Rick Rubin un total de 38 canciones. Con tanto material, planearon lanzar una trilogía de álbumes que se irían publicando con un margen de solo seis meses de diferencia, pero finalmente abandonaron esa idea y se decantaron por publicar un extenso álbum en formato de doble CD con 28 canciones, destinando las restantes a las caras B de los cinco singles que se extrajeron del disco. Con tantas canciones, es el disco de Red Hot Chili Peppers que más variedad de estilos ofrece, y aunque en general recibió buenas críticas, el entusiasmo fue mayor entre los nuevos seguidores, que lo consideraron el mejor disco de la banda y alabaron la versatilidad y los nuevos rumbos musicales, mientras los seguidores más antiguos lo consideraron demasiado relajado para ser un álbum de Red Hot Chili Peppers.

El primer disco (denominado "Júpiter") comienza con uno de los singles principales, "Dani California", un tema que ya es un clásico de su discografía, construida a partir de un ritmo que recuerda al “Sweet Home Alabama” de Lynyrd Skynyrd, y una melodía cercana al “Mary Jane’s Last Dance” de Tom Petty, pero creando con la extraña mezcla un tema que en su conjunto es puro Red Hot Chili Peppers. Le sigue "Snow (Hey Oh)", que también fue publicada como single, y que es un buen ejemplo del tipo de música relajada con el que estaban experimentando, con un tono más pausado y un cálido y agradable estribillo.

El rítmico funk típico de la banda vuelve en “Charlie”, aunque algo más melódico que en discos anteriores, y marca la transición entre los primeros temas y la canción titular "Stadium Arcadium", melódica y evocadora canción en la que la voz de Kiedis y la guitarra de Frusciante tienen una delicadeza especial. Es una de las canciones que mejor plasma y representa el cambio y el sonido que buscaban para este disco, aunque para los singles se decantaran por canciones de línea pegadiza y funk como "Hump de Bump", en la que la guitarra funk de Frusciante brilla por sí sola. Otros temas reseñables del primer disco serían “Torture Me”, con impactantes arreglos de viento y con Flea dando una auténtica lección de ritmo con el bajo y "Especially in Michigan" con Kiedis regalando una intensa interpretación vocal, y la dupla John Frusciante - Omar Rodríguez (de Mars Volta) arropándole con generosas guitarras.

De "Júpiter" volamos a Marte ("Mars") en el segundo disco, que comienza con "Desecration Smile" otro de los singles del disco y que, junto con la ya mencionada "Hump de Bump" se remonta a las sesiones del recopilatorio de "Greatest hits", quizá pensadas ambas como temas inéditos para aquel disco, pero que finalmente terminaron en "Stadium Arcadium". Le sigue "Tell me baby" que también fue publicada como single, y aunque hay que decir que en Marte la atmósfera en conjunto no es tan brillante como lo fue en Júpiter, en el planeta rojo encontramos también momentos destacables en el funk de "21st Century", el pop amable de "She Looks to Me", los riffs "zeppelianos" de la rockera "Readymade" o el pop rock pegadizo de "Make You Feel Better".

Todo termina con la "muerte de un marciano" ("Death of a martian"), destacable solo por la conexión entre el título del disco y el de la canción, pero tanto su temática como sus espaciales teclados de videojuego vintage son perfectos para cerrar el más marciano y psicodélico de los discos de Red Hot Chili Peppers, una obra heterogénea y compleja que entró directamente al primer puesto del Billboard 200 en el momento de su lanzamiento, y se hizo con cinco premios Grammy en 2007, incluyendo el de Mejor Canción de Rock ("Dani California") y Mejor Álbum de Rock. Un disco así merecía un sitio destacado en el #MesRedHotChiliPeppers de 7días7notas.

miércoles, 20 de marzo de 2024

Red Hot Chili Peppers - By the Way (Mes Red Hot Chili Peppers)

 

By the Way, Red Hot Chili Peppers


By the Way es el octavo álbum de estudio de la banda estadounidense Red Hot Chili Peppers. Estamos ante un canto a la vida y al amor, todo un ejercicio optimista de un renacido Frusciante que por fín había visto la luz después de sus adicciones. Se notaba que la alegría había vuelto en el seno de la banda. Fue grabado entre noviembre de 2001 y mayo de 2002 en Los Angeles, California, bajo la producción de Rick Rubin, y publicado el 9 de julio de 2002 por el sello discográfico Warner Bros. Records. Fue un éxito rotundo desde el primer momento, pues ya en la primera semana había vendido más de 285.000 copias, y llegó a alcanzar el puesto número 2 en la lista estadounidense Billboard 200.

By the Way supuso una desviación sobre el sonido y estilo de la banda en discos anteriores debido a los tenues y melódicos sonidos transmitidos por la banda en este álbum. John Frusciante escribió la mayoría de las melodías del disco, arreglos vocales, líneas de bajo y progresiones de guitarra, lo que cambió la dirección de la grabación, y Kiedis adoptó un enfoque más sincero y reflexivo en las letras de este trabajo. Por otro lado, la banda sacrificó ese sonido fusionado de funk y metal, una de sus grandes señas de identidad. 



La preparación del álbum comenzó justo después de la finalización de la gira mundial de Californication en la primavera del año 2001, y gran parte del trabajo se realizó en las casas de los miembros de la banda y en estudios de grabación. Frusciante y Kiedis colaboraron durante días, discutiendo progresiones de guitarra y compartiendo letras, algo que valoraba muy positivamente Kiedis: "escribir las canciones fue una experiencia completamente diferente a Californication. John volvió a ser el mismo y rebosaba confianza". El elegido para la producción fue finalmente Rick Rubin, pues era una persona que solía dejar espacio y libertad creativa, y eso era esencial para el grupo. En cuanto al álbum, Frusciante tenía la intención de que tuviera dos tipos diferentes de canciones, unas que sonaran más "inglesas" y melódicas, y otras que estuvieran más influenciadas por el punk rock. El productor Rubin no estaba familiarizado ni con las bandas ni con el sonido punk rock, y pensó que las canciones melódicas eran originales y más emocionantes por lo que se acabó apostando por el material más melódico en este trabajo. 

Por otro lado, Flea quería que la banda volviera a su anterior sonido influenciado por el funk, y Frusciante pensaba que ya habían explorado a fondo el funk y estaba más interesado en crear algo nuevo para el grupo. Esto empezó a alejar a Flea, quien pensó que su voz no era escuchada y consideró muy en serio el hecho de dejar la banda. El conjunto de guitarra y bajo fue dictado principalmente por Frusciante y el disco tomó una dirección diferente a cualquier álbum anterior, pues Frusciante había buscado crear un paisaje sonoro emociona y conmovedor a lo largo de las grabaciones. Ante todo esto, Flea consideraba que no tenía nada que ofrecer. Frusciante no tenía idea de como se sentía Flea y no tenía intención de hacerse cargo ni de dejar que se marchara, por lo que finalmente se juntaron para resolver sus diferencias, ayudados los dos por el ejercicio de la meditación. En cuanto a las letras, Kiedis mostró las influencia que tenía en aquel momento por el amor, su novia y las emociones que se expresan cuando uno se enamora. Las drogas también tuvieron su espacio en las letras, sus relaciones con ellas, los efectos nocivos que estos le provocaron, el peligro constante de una recaída, y el recuerdo de su amigo y fundador del grupo, el guitarrista Hillel Slovak



Entramos en materia, la cual comienza con el tema que da título al álbum, By the Way, donde gran parte de la letra se basa en un divertido juego de palabras de Anthony Kiedis. También hace mención a una chica llamada Dani, que también había aparecido en el álbum Californication (1999). Sobre la citada chica, Kiedis afirmaba que era una representación de cada chica con la que se había cruzado en la vida. En cuanto a la música, se utilizaron varios dispositivos para alterar secuencias de guitarra y voz. Universally Speaking es una de las que abordan las drogas, concretamente el consumo de heroína. Se grabó un vídeo de esta canción donde se muestra a un taxista recorriendo un largo camino hasta llegar a un concierto de Red hot Chili Peppers solo para darle Kiedis una revista que dejó olvidada en el taxi. This Is the Place aborda la adicción a las drogas de Kiedis y menciona las calles donde solía ir a conseguirlas. También hace referencia en la letra a Hillel Slovak: "El día en que murió mi mejor amigo". Dosed, a través de la temática del muerte y la pérdida de alguien cercano a tí, es todo un tributo a Hilll slovak. Don't Forget Me sigue la temática de las canciones anteriores, la adicción a las drogas, en este caso del vocalista Kiedis, donde habla de su rehabilitación y de cómo estuvo encerrado en una celda durante dos semanas para superarlas. En la canción se usó un mellotron, un pedal wah y técnicas de eco para transmitir una atmósfera emotiva. The Zephyr Song emana una ligera ráfaga de aire cálido. Kiedis evoca con sus letras el cortejo a una hermosa chica y le pide que se "vaya volando" con él para ser siempre feliz. Puede que la canción se refiera en parte a una de sus ex novias, la cual solía tomar cocaína con él, y de la euforia que sentían cuando estaban juntos y consumían. la letra de Can't Stop se escribió en torno a la música ya compuesta, y es una colección de pensamientos un tanto aleatoria, con algunas rimas creativas para adaptarse al ritmo de la canción. Esta canción anima al oyente a vivir con pasión e individualidad, algo que los Red Hot Chili Peppers han hecho durante toda su carrera. Es una de las canciones, junto a By the Way, donde el grupo vuelve a su famoso estilo basado en el funk, con versos cortos y rapeados. El vídeo musical que se hizo de esta canción se inspiró en las obras del artista austriaco Erwin Wurm llamadas "One Minute Sculptures", las cuales son una serie de esculturas realizadas de una manera muy creativa, utilizando e cuerpo humano como parte de la composición. I Could Die for You trata sobre el amor verdadero de una persona, tan apasionado que es capaz de arriesgar su propia vida por la otra persona a la que ama. Kiedis la escribió para su novia en aquel momento.



Abre la cara B Midnight, una atmosférica pista con sonidos etéreos y ambientales que sirve como interludio entre canciones. Throw Away Your Television, con su ritmo funky, critica la influencia negativa de los medios de comunicación en la sociedad. Muy destacable la línea de bajo funky de Flea en una canción que se asoma al rock experimental gracias al uso de la distorsión en todo el verso y el estribillo. El título Cabron se inspiró precisamente en la palabra española, y en la letra abordan el hecho de tener una relación en un barrio controlado por pandillas. Es la única pista del álbum que se reproduce de forma completamente acústica. Frusciante afirmaba que para las partes de guitarra se inspiró en la forma en que el guitarrista Martin Barre tocaba en el disco Aqualung de Jethro Tull, y las partes de Kiedis y Smith contribuyeron a darle un toque latino. Tear es una emotiva balada donde Kiedis nos expresa sentimientos de dolor y deseo de sanación. Musicalmente la canción se basa más en el teclado que en el bajo o la guitarras. On Mercury es una enérgica canción con un fulgurante ritmo y unas surrealistas letras que evocan imágenes de viajes intergalácticos. Minor Thing es todo un alegato, una oda a la vida. Con su ritmo funky la letras reflexionan sobre la naturaleza efímera de la vida y la importancia de vivir en el momento presente. Warm Tape es una canción atmosférica con elementos electrónicos y letras introspectivas que exploran temas como la autoaceptación y la transformación personal. Venice Queen es la canción que cierra el álbum. Kiedis escribió la canción sobre Gloria Scott, una famosa consejera sobre drogas que trabajaba en Cri-Help en North Hollywood, California, y que vivió en Venecia. Gloria, con su trabajo en Cri-Help, ayudó durante su vida a miles de personas a recuperarse de la adicción a las drogas. Gloria falleció de cáncer, y ella y Kiedis se hicieron amigos mientras el era adicto y se recuperaba de su adicciones.

By the Way fue un gran éxito comercial, alcanzando el puesto número dos en la lista estadounidense Billboard 200. el disco marcó un cambio en el sonido de Red Hot Chili Peppers hacia un enfoque más melódico y experimental, alejándose del funk rock que caracterizaba sus trabajos anteriores, incorporando una variedad de estilos musicales, como el pop, el rock alternativo o el punk, lo que mostró su versatilidad y madurez como músicos. Las letras eran más introspectivas y reflexivas, abordando temas como el amor, la pérdida, la redención, la adicción y la autoaceptación. Todo esto hizo que el disco tuviera un impacto muy significativo, consolidando al grupo como uno de los más importantes, en aquel momento, de la escena del rock alternativo de la época.

domingo, 17 de marzo de 2024

Red Hot Chili Peppers - Californication (Mes Red Hot Chili Peppers)


En 1999, Red Hot Chili Peppers lanzó su séptimo álbum de estudio, Californication, este se convertiría en el álbum de mayor éxito del grupo a nivel internacional, vendiendo más de 15 millones de copias en todo el mundo. Líricamente, este disco ofrece una mirada crítica a muchos aspectos del estado natal del grupo, California, aunque musicalmente, presentaba menos melodías basadas en rap y, en cambio, se centraba más en las líneas de bajo y los riffs de guitarra melódicos y texturizados de John Frusciante, quien regresó al grupo después de una pausa de varios años. Frusciante se sintió incómodo con el nivel de fama que resultó después del éxito de taquilla del grupo, Blood Sugar Sex Magik, ganador del Grammy en 1991, y abandonó abruptamente Red Hot Chili Peppers durante una gira por Japón en mayo de 1992. Los guitarristas Arik Marshall y Jesse Tobias fueron contratados como temporales reemplazos antes de que Dave Navarro, formalmente de Jane's Addiction, se convirtiera en el guitarrista permanente del grupo a mediados de los noventa, incluido el álbum de 1995 One Hot Minute. A principios de 1998, Navarro dejó la banda por diferencias creativas, casi al mismo tiempo, Frusciante comenzó a recuperarse de una grave adicción a la heroína, debido en parte al apoyo del bajista Flea y finalmente fue invitado a regresar a la banda. El material para Californication fue escrito en el verano de 1998, con Frusciante y el vocalista Anthony Kiedis a la cabeza en la formulación de riffs de guitarra y contenido lírico, respectivamente. A continuación, los aspectos rítmicos del disco fueron elaborados por Flea y el baterista Chad Smith antes de que el grupo entrara al estudio y grabara con el productor Rick Rubin durante el invierno de 1998-99. Aunque Rubin había producido los dos álbumes de estudio anteriores del grupo, no fue su primera opción, ya que primero habían buscado sin éxito a David Bowie como productor.

Red Hot Chili Peppers

El tema de apertura, “Around the World”, comienza con un frenesí de bajo salvaje y distorsionado de Flea antes de convertirse en un rap funk para los versos, alternando con un coro melódico, la forma en que los versos de bajo contrastan con el coro es asombrosa después de 13 años. “Parallel Universe” fue lanzado como single y su estructura está construida por un arpegio de bajo rápido y una melodía vocal lenta, lo que hace que todo suene un poco hueco sin graves reales ni guitarra hasta más tarde en un crescendo final salvaje de Frusciante. El solo final es magistral, sí, y muy influenciado por Hendrix, pero el hecho de que hayan subido tanto el volumen me distrae y, en última instancia, hace que el solo no tenga sentido. Dicho esto, algunas de las pistas más suaves del álbum son mis favoritas debido a este defecto que se repite en muchas canciones. El funk/rap/pop melódico de “Scar Tissue” es resaltada por interludios de guitarra de surf lento, fue el sencillo principal del álbum, y estuvo dieciséis semanas consecutivas en la cima de la lista Modern Rock Tracks, mientras alcanzaba su punto máximo en el Top 10 de la lista pop estadounidense, mostró a RHCP tomando una nueva dirección en la composición de canciones y centrándose por completo más en la melodía que en el ritmo. “Otherside” es el rock/pop más sencillo hasta ahora del álbum, aunque rinde un gran homenaje al rock grunge de principios de los noventa con guitarras entrecortadas y penetrantes, un riff de bajo característico y un ritmo constante de batería de Smith, esta canción sobre las batallas que enfrentan los adictos fue otro éxito menor para el grupo. Luego viene el rap funk descarado de “Get on Top”, que bien puede ser divertido en vivo pero que está un poco fuera de lugar en esta posición del álbum, Frusciante utiliza hábilmente dos acordes para acompañar la gran voz de Kiedis en los versos.


Red Hot Chili Peppers

Llegamos a la canción que dio título al álbum “Californication” una canción sobre el deterioro de la sociedad, que refleja cómo el mundo se está volviendo muy superficial y plástico, muy parecido a California. Los Red Hot Chili Peppers se formaron en Hollywood y están bastante familiarizados con la peculiar naturaleza de la vida en Los Ángeles, incluye algunas referencias a la cultura pop: Kurt Cobain, el álbum Station To Station de David Bowie y Alderaan o la princesa Leia de Star Wars. “Easily” sigue como una buena y sólida canción de rock con excelentes guitarras en capas, mientras que “Porcelain” es una balada psicodélica increíblemente lenta de finales de los sesenta, una canción sobre una madre soltera alcohólica que Anthony conoció en un YMCA. Es sin duda su mejor interpretación vocal del álbum y Flea demuestra que no siempre intenta exprimir todas las notas posibles en un compás. La batería de Chad se usa con moderación en la pista, pero cuando lo hacen, conduce a los hermosos interludios de guitarra de John que hacen que la pista sea tan grandiosa. El tema cargado de retroalimentación “Emit Remmus” (“hora de verano” escrito al revés) chirría a lo largo de la introducción y los versos sobre un simple ritmo de bajo y batería, esta categorizado como uno de los peores temas del álbum por los fans. La última parte del álbum se adentra en un territorio musical más diverso, “I Like Dirt” pasa del funk rudimentario a un ritmo rápido y tampoco es una canción muy lograda, “This Velvet Glove” que es otro tema genial penalizado por una mala mezcla, el funk sigue vivo y lo han infundido con el rock melódico, y “Savior” con ritmos fuertes y penetrantes, un intento de hacer una canción alternativa y deslumbrante, usando mucha distorsión y dinámicas variables, es un gran intento y la dinámica suave todavía me deja sin aliento, pero 5 minutos fueron demasiado largos y la canción finalmente se vuelve repetitiva. “Purple Stain” es un funk/rap con muchas palabras y cánticos, con una sección de improvisación posterior que es algo competente, quedó como la canción más divertida, John regresando a su antigua técnica de guitarra que era tan funky y misteriosa, con Flea y Chad dirigiendo la canción y demostrando continuamente que no pueden ser superados como sección rítmica. Anthony ofrece una increíble interpretación vocal en la canción antes de que el resto de la banda la retome con una sesión improvisada de 90 segundos. “Right on Time” alterna extrañamente un estilo punk funks con un poco de disco, es una canción muy interesante que no supieron aprovechar ya que termina abruptamente justo cuando crees que está a punto de mejorar y eso me enfada. Y finalizamos con “Road Trippin'”, un folk acústico con ricas armonías y cuerdas sobregrabadas, que aborda por última vez el lado oscuro y sórdido de Hollywood y su cultura, es el segundo intento de los Peppers de hacer una balada en el disco, y queda bastante repetitiva y estúpida. Chad está completamente ausente, y aunque apenas hizo nada en Porcelain, cuando hizo algo añadió una dimensión completamente nueva a la canción. Las letras son trilladas y aburridas y han sido escritas innumerables veces antes, la progresión de la guitarra nunca cambia y, en total, son solo 3 1/2 minutos de aburrimiento.

Red Hot Chili Peppers

 Si bien hay varias canciones que tienen problemas que le impiden ser el clásico absoluto que podría haber sido, Californication sigue siendo el esfuerzo más fuerte de la banda. Al centrarse más en su lado de rock alternativo y pop, la banda puede haber perdido algo de credibilidad entre los fanáticos del funk rock, pero desde que Frusciante se unió a la banda, esta es el área en la que se han destacado, y es genial verlos entregarse a este estilo. En el momento de su lanzamiento, era fácil cansarse de algunas de estas canciones, y eso hace que sea fácil descartar Californication como una tontería pop. Esa fue mi perspectiva durante más de 20 años, pero ahora que la reproducción en la radio finalmente se ha calmado, es más fácil apreciar cuán geniales son realmente algunas de estas canciones y cuánto la banda había perfeccionado su estilo. Como banda de funk rock, en general habían sido un poco mediocres con algunos destellos de brillantez. Como banda nostálgica de rock alternativo, no eran necesariamente originales ni únicos, pero eran geniales.

miércoles, 13 de marzo de 2024

Red Hot Chili Peppers - One Hot Minute (Mes Red Hot Chili Peppers)

La banda del mes: Red Hot Chili Peppers y su álbum One Hot Minute #mesRedHotChiliPeppers

"One Hot Minute" es el sexto álbum de estudio de la icónica banda de rock alternativo Red Hot Chili Peppers, lanzado en 1995. Este álbum marcó un momento significativo en la carrera de la banda, ya que presentó al guitarrista Dave Navarro, quien se unió temporalmente al grupo durante ese período. La producción estuvo a cargo del renombrado productor musical Rick Rubin, conocido por su colaboración a lo largo del tiempo con los Chili Peppers.

Antes de profundizar en el álbum en sí, es esencial contextualizar el momento en que se lanzó "One Hot Minute". La banda venía de un gran éxito con su álbum anterior, "Blood Sugar Sex Magik" (1991), que consolidó su estatus en la escena musical. Sin embargo, a pesar del éxito, la banda experimentó cambios internos. El guitarrista John Frusciante dejó la banda debido a tensiones internas y problemas personales, lo que llevó a la llegada de Dave Navarro como su reemplazo.

"One Hot Minute" lleva la firma musical distintiva de Red Hot Chili Peppers, fusionando elementos de rock, funk y punk con letras que a menudo exploran temas como el amor, la lucha y la adicción. Este álbum, sin embargo, muestra una evolución en el sonido de la banda debido a la influencia de Navarro. La guitarra de Navarro aporta una dimensión adicional, introduciendo un tono más oscuro y experimental a la mezcla, lo que se refleja en canciones como "Warped" y "My Friends".

"Warped" Esta canción sirve como la pista de apertura del álbum y establece inmediatamente un tono enérgico y experimental. La guitarra de Navarro destaca aquí, mostrando una nueva dirección musical para la banda.

"My Friends"Una de las pistas más conocidas del álbum, "My Friends" presenta una melodía más melancólica y reflexiva. La letra, escrita por el vocalista Anthony Kiedis, aborda temas de pérdida y amistad.

"Aeroplane" Esta canción es conocida por su ritmo animado y su estribillo pegajoso. Explora la idea de mantenerse en movimiento y enfrentar los desafíos de la vida con una actitud positiva.

La recepción crítica de "One Hot Minute" fue mixta. Algunos elogiaron la experimentación y la evolución en el sonido de la banda, mientras que otros extrañaron la presencia distintiva de Frusciante. La naturaleza ecléctica del álbum lo hizo un tanto polarizador entre los fanáticos y los críticos. 

A pesar de las opiniones divididas en el momento de su lanzamiento, "One Hot Minute" ha ganado con el tiempo un estatus de culto entre los seguidores de Red Hot Chili Peppers. Las canciones del álbum todavía se interpretan en vivo en conciertos de la banda, y muchas han perdurado en la memoria de los fanáticos como parte integral de la discografía de los Chili Peppers.

"One Hot Minute" representa un capítulo único en la rica historia de Red Hot Chili Peppers. La llegada de Dave Navarro aportó una nueva dinámica al sonido de la banda, explorando territorios musicales menos convencionales. Aunque puede no haber alcanzado el mismo nivel de éxito comercial que algunos de sus álbumes anteriores, "One Hot Minute" sigue siendo una pieza fascinante en la evolución artística de los Red Hot Chili Peppers.

Daniel 
Instagram storyboy 

domingo, 10 de marzo de 2024

Red Hot Chili Peppers - Mother's Milk (Mes Red Hot Chili Peppers)

 

Mother's Milk, Red Hot Chili Peppers


     Tendrían que esperar Red Hot Chili Peppers hasta su cuarto álbum de estudio para recibir la atención de la crítica y del público. Sería con Mother's Milk, con el que llegarían a alcanzar el puesto número 52 en la lista estadounidense Billboard 200, siendo además su primer disco en alcanzar el Disco de Oro. Fue grabado entre noviembre de 1988 y marzo de 1989 en los Ocean Way and Image Studios de Hollywood bajo la producción Michael Beinhorm, y publicado el 16 de agosto de 1989 por el sello discográfico EMI Records.

Después de la muerte del guitarrista fundador Hillel Slovak y la posterior salida del baterista Jack Irons, el vocalista Anthony Kiedis y el bajista Flea se hicieron con los servicios del guitarrista John Frusciante y el baterista Chad Smith. La influencia de Frusciante en el grupo será fundamental a partir de aquí, pues además de tocar la guitarra compone, y en este álbum el sonido de la banda empieza a sufrir variaciones, poniendo más énfasis en la melodía que en el ritmo, el cual había predominado hasta entonces. La llegada del productor Michael Bienhorm favoreció un sonido con riffs de guitarra orientados hacia el heavy metal y las sobregrabaciones, hecho que produjo contínuas confrontaciones entre el productor y el grupo, espcialmente John Frusciante, quien consideraba excesivo el gusto de Bienhorm por las capas y las sobregrabaciones. 



Hasta la grabación de este disco, el grupo tuvo que recorrer un tortuoso camino. Slovak había muerto por sobredosis de heroína y el resto de la banda se encontraba en shock. A raíz de este hecho, el baterista Jack Irons, desolado e incapaz de afrontarlo, decide renunciar. Kiedis y Flea se encontraban devastados también, pero deciden continuar a pesar de la pérdida de Slovak y de la renuncia de Irons. En septiembre de 1988 eligen al guitarritsa DeWayne "Blackbyrd" McNight, amigo de George Clinton y ex miembro del grupo Parliament, para sustituir a Slovak, y para sustituir a Irons se decantan por el baterista DH Peligro, ex miembro del grupo de punk rock Dead Kennedys. Esta nueva formación no cuaja, ya que después de tres conciertos deciden despedir a McNight ya que no encaja en la banda. McNigiht no se lo tomó muy bien, pues amenazó con quemar la casa de Kiedis. En octubre de 1988 Kiedis y Flea deciden apostar por un joven adolescente llamado John Frusciante, quien ya había coincidido anteriormente con Flea. Flea lo había dirigido en una audiión para la banda Thelonius Monster. Frusciante era un gran fan de Red Hot Chili Peppers y era  muy disciplinado, pero hasta entonces no había tocado nada de funk. Será Flea quien le enseñe todo lo que necesite saber sobre el género a parte de estudiar la forma de tocar de Slovak.

Con Frusciante ya en la banda el grupo se embarca en una pequeña gira y empieza a trabajar en el siguiente album. Sin embargo deciden prescindir de Peligro, quien hasta el momento ha ayudado a coescribir Stone Cold Bush, Taste the Pain y Sexy Mexican Maid para el nuevo disco. Kiedis y Flea consideraban a Peligro un buen amigo, pero sus numerosos problemas, entre los que se encuentran las drogas, pesaron en la decisión. El grupo se decanta para el puesto de baterista por el último músico que audicionan, un alto baterista llamado Chad Smith que proviene de un mundo diferente a sus tres compañeros de grupo. Mientras que Kiedis, Flea y Frusciante están más interesados en la escena punk-rock, a Smith le gusta más el rock clásico y el heavy metal. Smith es contratado en diciembre de 1988. 

Las sesiones de grabación no estuvieron exentas de problemas y estrés, pues existieron constantes conflictos durante las sesiones de grabación de Mother's Milk, gracias, en gran medida, al incesante deseo del productor Beinhorn de crear un éxito. Frusciante chocaba constantemente con el productor por los efectos de guitarra. En cuanto al estilo musical, la llegada de Frusciante va a hacer que este se desarrolle y evolucione. A parte de su estilo con la guitarra, las aportaciones de Frusciante en la composición van a convertir al guitarrista en una figura fundamental en el seno de la banda. El guitarrista alteró el sonido de la banda introduciendo melodías, armonías y estructuras más complejas que en sus discos anteriores, los cuales presentaban composiciones más simples basadas en ritmos y ritmos.



Entramos en materia, y la canción que abre el álbum es Good Time Boys, la cual contiene extractos de las canciones "Bonin' in the Boneyard" de Fishbone, "Try" de Thelonious Monster y "White Girl" de X. En los coros aparece el guitarrista Jack Sherman, quien había sido despedido de la banda en 1985. No fue lanzada nunca como single, pero sin embargo se filmó y lanzó un video de la misma en 1989 para promocionar el disco. Se decantaron por la versión de Higher Ground, originalmente escrita y grabada por el cantante Stevie Wonder. El grupo tuvo que reelaborarla y adaptarla para una banda más pequeña que la que solía grabar con Stevie Wonder. La parte de teclado fue reemplazada por el potente bajo de Flea, y John Frusciante se marca un popurrí con la guitarra diferente del tema original. Esta versión se ha convertido en una de las preferidas de los bajistas debido a su prominente línea de bajo slap. Turno para Subway to Venus, que nos invita al movimiento y la diversión gracias a su frenético ritmo y a su estilo único. Las letras exploran temas como el amor y el deseo con metáforas extravagantes que añaden un toque de misterio y fantasía a la canción. Magic Johnon es una canción que escribieron sobre el jugador de baloncesto y estrella de Los Angeles Lakers, Magic Johnson. Kiedis y Flea eran grandes fans de los Lakers y a menudo se podía encontrar a Flea jugando partidos informales por las calles de la ciudad. Kedis tenía una particular afinidad por Johnson, pues ambos se habían criado en Michigan antes de establecerse en Los Ángeles. Nobody Weird Like Me tiene un distintio riff de guitarra que es capaz de capturar la esencia funk rock del grupo. Las letras hablan sobre la individualidad y la singularidad de cada persona, alabando precisamente esas diferencias que los hacen únicos. Cierra la cara A Knock Me Down, que se convirtió en una canción con uno de los cambios de estilo más radicales del grupo. Las letras introspectivas analizan la muerte de Slovak y el efecto devastador que las drogas pueden tener en la vida. Sin embargo Kiedis no quería que se asociara como una canción antidrogas, afirmando que "trata sobre hacerles saber a tus amigos que necesitas ayuda y luego estar dispuesto a aceptar la ayuda de los demás cando la necesitas. Ya sea por las drogas o por una serie de otros problemas personales". Musicalmente la canción tiene las influencias punk típicas del grupo, pero aporta un mayor énfasis en la melodía y las armonías que conducen hcia un sonido más alternativo.  



La cara B comienza con Taste the Pain, donde Frusciante introduce progresiones de guitarra psicodélicas en el verso, mientras que la letra aborda temas de amor y pérdida. Fue el tercer y último sencillo del álbum, y se grabó un video musical donde la banda tocaba en una sala de arte donde los artistas estaban pintando una obra de arte en un mural. Kiedis estaba conmocionado por la muerte de Slovak y además tenía su propia lucha contra la adicción a las drogas en ese momento. Alquiló un cobertizo para botes y se encerró allí durante tres meses mientras trataba de dejar la heroína. Allí es donde escribió esta canción, donde expresaba su sentir y dolor sobre la muerte de Slovak y su propia adicción a las drogas. Curiosidad, el verso al revés al comienzo de la canción es Anthony Kiedis cantando el coro. Stone Cold Bush destaca por un ritmo frenético y unas letras crudas que exploran temas sociales como la prostitución y temas políticos. Las letras critican el sistema y la injusticia social, con un mensaje de rebeldía y resistencia ante la opresión. Todos conocemos el ejercicio de soul y Rock psicodélico que Jimi Hendrix se marcó en Fire. El grupo había comenzado a tocar este tema en 1983 y la grabaron como cara B de su sencillo "Fight Like a Brave" de 1987, y un año después la lanzaron en el EP The Abbey Road. Fue incluida posteriormente en este álbum como un tributo al guitarrista fundador Hillel Slovak. Esta versión del disco presenta algunas variaciones en la letras. Llega el turno para la instrumental Pretty Littl Ditty es una de las únicas canciones que no presentaba capas de guitarra, y contiene además unos dulces y hábiles solos de Frusciante entrelazados con toques de trompeta de Flea. Es uno de los mejores ejemplos del eclecticismo que estaba aflorando en el grupo. Punk Rock Classic contiene una improvisación del "Sweet Child o' Mine" de Guns N' Roses. También es una emulación de canciones típicas de punk rock de Black Flag y The Germs, bandas que habían influido en los RHCP. En cuanto a la letra de esta sencilla canción, la banda pedía simplemente que los pusieran en la MTV. Sexy Mexican Maid destaca por su ritmo funk y sus letras picantes que juegan con estereotipos culturales, la cuales exploran temas como el deseo y la atracción, y todo ccon un toque de humor y sensualidad. Johnny, Kick a Hol in the Sky es la canción que se encarga de cerrar el disco. Combina elementos de rock y funk con unas letras introspectivas y enérgicas que nos hablan sobre la búsqueda de significado y propósto en la vida, con un mensaje de esperanza y determinación ante los desafíos del mundo.

Mother's Milk marcó un punto de inflexión para Red Hot Chili Peppers al consolidar su sonido funk rock característico y establecerlos como una de las bandas más influyentes de la escena musical alternativa de los años 90. La incorporación de John Frusciante y Chad Smith fue todo un acierto, y revitalizó una banda que fue capaz de fusionar, con mucho acierto, su estilo punk con el funk y el rock, dando como resultado un sonido fresco y enérgico. con este álbum, Red Hot Chili Peppers habían llegado para quedarse y dominar la década de los 90, dejando una huella perdurable en la historia del rock.

miércoles, 6 de marzo de 2024

Red Hot Chili Peppers - Freaky Styley (Mes Red Hot Chili Peppers)



Comenzamos el #MesRedHotChiliPeppers con "Freaky Styley" (1985), el que fuera su segundo disco de estudio, publicado por la discográfica EMI America Records. Fue el disco en el que debutó el guitarrista Hillel Slovak, ausente en el primer disco de la banda porque por entonces aún la consideraba uno de sus proyectos menores, y también el último disco en el que tocó el batería Cliff Martinez. Para su segundo asalto al éxito, la banda contó en la producción con George Clinton, líder de bandas funk de la talla de Parliament o Funkadelic, lo que le dio al álbum un marcado acento funky y claras influencias del rock psicodélico, que hicieron de "Freaky Styley" una rara gema de la discografía de los Peppers.

Curiosamente, la banda pensó en primer lugar en ofrecerle la producción de "Freaky Styley" a Malcolm McLaren, polémico productor de The Sex Pistols y Bow Wow Wow, pero éste propuso un radical cambio de estilo hacia el rock and roll de los 50 y un sonido mucho más simple, y lo que fue radical fue la respuesta negativa del grupo a semejante proposición, y la decisión de llamar a George Clinton, que aceptó a condición de que la banda al completo se mudara a su casa para iniciar el proceso creativo y de convivencia que consideraba necesario antes de iniciar la grabación, para la que se aseguró la participación de una sección de vientos de la talla de Benny Cowan (trompeta), Maceo Parker (saxofón) y Fred Wesley (trombón) en varios de los cortes del álbum.

La química entre grupo y productor fue muy fuerte desde el principio, y también la "química" de la que dispusieron durante ese proceso creativo en la casa de Clinton en la localidad de Brooklyn (Michigan), y en la posterior grabación en los United Sound Studios en Detroit. Tanto fue así, que la banda salió muy perjudicada físicamente de aquellas sesiones. Anthony Kiedis intentó dejar la cocaína durante dos semanas para tener bien la voz en las grabaciones, en una decisión que después describiría como "decidir ser célibe y vivir en un burdel". Fue tal la cantidad de cocaína que consumieron, que Clinton tuvo que darle a su camello una participación en los beneficios del disco, al no tener dinero suficiente para pagarle, y en la canción "Yertle the Turtle" que cierra el disco comienza con las palabras "Look at that turtle go bro," ("Mira esa tortuga marchándose, hermano") con las que el camello amenazaba a Clinton con cerrarle el grifo si no pagaba.

Quizá ese clima de libertad creativa y desenfreno fuera lo que hizo de las sesiones de "Freaky Styley" una auténtica experimentación de estilos y géneros musicales, empezando por el rock psicodélico de ritmo dance del tema de arranque "Jungle Man", dedicada a Flea, o el toque funk de "Hollywood (Africa)", una acertada versión de un tema de The Meters con la letra cambiada por Kiedis, en la que George Clinton se encargó de los arreglos vocales y participó en los coros. Otros temas destacados son "If You Want Me to Stay", la versión del popular tema de Sly & the Family Stone, "Blackeyed Blonde" (una hábil mezcla de rock y funk que interpretaron en la película de skateboard Thrashin' de 1985) y "Catholic School Girls Rule" (pieza en tono punk rock inspirada en una relación de Kiedis con una estudiante de un colegio católico de New Orleans).

"Jungle Man" y "Hollywood (Africa)" fueron publicados como singles, y se filmaron videos promocionales de "Catholic School Girls Rule" y la propia "Jungle Man", pero a pesar del esfuerzo creativo y de la variedad y brillantez de la propuesta sonora, con las que la crítica reconoció la evidente mejora respecto al disco anterior, "Freaky Styley" no consiguió entrar en la lista del Billboard 200. Según Flea, hicieron un disco "demasiado funky para la radio blanca, y demasiado punk rock para la negra". Quizá en ese momento les resultó frustrante quedarse en esa tierra de nadie, pero a día de hoy esa es la mayor virtud del disco: Plantear una propuesta de estilo tan friki como inclasificable, tan brillante que difícilmente encajaba en las listas mainstream de entonces, ni sería seleccionada por ningún algoritmo automático de los tiempos actuales, pero que brilla por si sola en su bendita diferencia y su increíble particularidad. 

lunes, 21 de noviembre de 2022

Hail to the thief - #MesRadiohead



Seguimos con el #MesRadiohead, y yo en concreto con mi particular cruzada de escucha de un grupo al que nunca le he llegado a encontrar los atributos por los tanta gente les venera. Más allá del excelso OK Computer (1997) y de cosas sueltas, nunca he pensado que la cosa fuera para tanto. Y al enfrentarme al #MesRadiohead y escuchar Amnesiac (2001) me encontré con un disco que era mucho mejor de lo que me esperaba, así que he afrontado la escucha de Hail to the Thief (2003), el tercer disco de Radiohead que he escuchado entero, con mucha mejor actitud y una mente mucho más abierta, y me ha sorprendido gratamente que en este disco se acercaran de nuevo al rock, y que las guitarras vuelvan a estar más presentes que en discos anteriores, más experimentales y electrónicos.

Se nota que Hail to the Thief es un disco de un grupo consolidado, que ha exprimido una productiva etapa de experimentación y que aun regresando a algunos patrones de un pasado más guitarrero, sigue mirando hacia adelante, cuidando al máximo la producción de sus discos y planteando una propuesta diferente a las anteriores. Dado mi desconocimiento general sobre su trayectoria, no juzgaré este disco en comparación con otros del pasado, prefiero hacerlo como si fuera el primer y único disco de una banda que acabo de conocer, y si lo hago así, debo decir que el arranque de 2+2=5 es más que prometedor. La combinación de sonidos electrónicos con guitarras, y los acertados cambios de ritmo, la sitúan directamente en lo más alto. Dicen que este tema, junto con Go To Sleep tienen un sonido y planteamiento más cercanos  a los de sus dos primeros discos, y eso me hace pensar que, quizá, tenga que escucharlos.

Leo entonces que esos discos no son los más valorados de la banda, y de nuevo no entiendo nada, por lo que decido de nuevo abstraerme y seguir escuchando. Sit down, Stand up pasa sin hacer mucho ruido y sin captar mi atención, y la que sí que consigue captarla es la bella Sail To The Moon, que me recuerda a ese otro gran tema que es Subterranean Homesick Alien de, como no, mi venerado OK Computer. Perdón, dije que no iba a comparar, así que sigamos avanzando. Backdrifts vuelve a la electrónica que se suponía habían dejado algo de lado en esta obra, y la mencionada Go to Sleep mantiene mi interés por el disco, que no decae durante la escucha de Where I end and you begin y su poderosa línea de bajo.

We suck young blood no termina de despegar, demasiado quejumbrosa y minimalista, es el tipo de canciones de Radiohead que me disuaden de escuchar discos enteros. Perdón de nuevo si con esto hiero la sensibilidad de los que valoran la sensibilidad de este tipo de canciones tan intimistas y experimentales. Para gustos los colores, y yo no vuelvo a encontrar los que más me gustan hasta que, tras un nuevo episodio de fría electrónica en The Gloaming, me topo con la enorme There There. ¡Así sí, Thom Yorke y compañía! Puede que esté ante la mejor canción del disco, pero como aún me quedan otras cinco, voy a ser prudente y a esperar al resto. Y cuál será mi sorpresa, cuando en I will encuentro un tema dramático e intenso, que al parecer quedó fuera de Amnesiac. Se les olvidaría, claro, pero afortunadamente la acabaron repescando, porque es tan breve y tan desnuda, y con un ejercicio vocal tan cuidado, que junto a 2+2=5 pasa a formar parte del podio de este disco.

A punch at the wedding es otro tema asequible y directo, sin excesivas tristuras o minimalismos, y en este punto ya me decanto definitivamente por las canciones de guitarra de esta banda, por encima de los flirteos electrónicos que tanto gustan a la mayor parte de sus seguidores. Como minoría absoluta, le pongo un notable a este tema. Y otro a Myxomatosis, el tema más duro del disco. Scatterbrain recupera la línea de There There y A punch... con un toque más melancólico pero no por eso menos llevadero, y la gran sorpresa llega con A wolf at the door, con versos que incluso diría que tienen cierto toque a Beck o a Red Hot Chili Peppers (sin pasarse, pero queda curioso, en un tema intenso y que actúa de gran cierre). Y para acabar este singular "cuento del lobo", incumplo de nuevo mi promesa de no compararlo con los otros dos discos que he escuchado de ellos, pero lo hago para decir que me parece que Hail to the Thief, estando en un escalón por debajo de Amnesiac, y dos por debajo de OK Computer, es en conjunto un gran disco.

Y ahí llega mi gran duda... Si he escuchado tres discos de Radiohead, y en todos he encontrado cosas buenas... ¿Tendrán razón los que tan desproporcionadamente les veneran y les consideran la banda más grande del planeta? Mucho me temo que sigo sin estar de acuerdo, pero tendré que escuchar un cuarto disco, para salir de dudas. ¿Cuál me recomendáis?

martes, 20 de septiembre de 2022

Grandes éxitos y tropiezos - Red Hot Chili Peppers

Red Hot Chili Peppers


     Como ya sabéis, en la sección de Grandes éxitos y tropiezos solemos profundizar un poco más en el artista elegir, hablando de su obra y por qué discos empezar, algo que te puede venir muy bien si estás empezando a escuchar al artista de turno, y así tener una ayuda para saber por donde ir empezando. También hablamos sobre que discos dejar para el final, pues además de sus grandes trabajos, en 7dias7notas no somos ajenos a aquellos trabajos que no tuvieron el impacto deseado o simplemente no llegaron a estar a la altura del resto de su obra. El grupo que proponemos en esta ocasión es Red Hot Chilli Peppers:

Estás tardando en comprarlo: 



Blood Sugar Sex Magic
(1991), si no el mejor, sin duda uno de sus mejores trabajos. 
El grupo quería grabar un álbum diferente, algo que se saliera de lo convencional, y para ello decidieron encerrarse en una mansión en la que vivió un tiempo el mago Harry Houdini y acordaron que no saldrían hasta que el disco estuviera terminado. En este disco se atreven a ir más allá y aparte de los ritmos punk, rock o funk que estaban acostumbrados a tocar, deciden meter también riffs más duros, coqueteando también con el Heavy metal. Un disco que no deja indiferente pues la tematica que emplearon en los temas fueron el sexo, las drogas, la muerte o la lujuria. El disco les catapultó al super estrellato mundial, vendiendo sólo en Estados Unidos más de 7 millones de copias. El disco fue editado por la discográfica Warner Bros, y para tal aventura contaron con el productor Rick Rubin, el cual había trabajado entre otros para Beastie Boys, un tipo de mente abierta, algo que iba a necesitar para trabajar con Kiedis, Flea y compañía. Mother's Milk (1989) es otro disco que no puedes dejar de llevarte. Era su cuarto álbum de estudio, y tiene el honor de ser el primero en conseguir el primer disco de oro para el grupo. Casi un año antes del lanzamiento de este disco, el guitarrista Hillel Slovak fallecía por sobredosis, lo que causó que el batería Jack Irons abandonase el grupo. John Frusciante y Chad Smith llegaban para suplirlos. La llegada de Frusciante se nota de inmediato, pues alterará en gran medida el sonido de la banda, poniendo más énfasis en sonidos melódicos. Un disco muy funk, pero con poderosos toques metaleros. También te recomendamos Californication (1999). Es cierto que es un disco bastante controvertido entre los fans de la banda, pues hay a quienes le resultan un gran disco y hay a quienes le parece insufrible. A nosotros nos parece un gran trabajo. Un disco que volvía a poner a California en el mapa del rock. Un disco que contiene temazos como Around the World, Otherside, Californication o Scar Tissue.

Si te queda pasta, llévate también:




One Hot Minute
(1995), disco que fue grabado con Dave Navarro, el antiguo guitarrista de Jane's Addiction. Con la presencia de Dave Navarro el grupo recuperó ese estilo arrollador de sus comienzos. La presencia del guitarrista altera el sonido del grupo en un disco que contiene menos temas sexuales que en albumes anteriores y explora asuntos más oscuros como las drogas, la depresión, la angustia o el dolor. By the Way (2002) suponía un disco diferente a sus anteriores trabajos. Este disco es un acercamiento más sincero y reflexivo por parte de Anthony Kiedis en las letras, y se caracteriza por unas melodías menos animadas a las que nos tienen acostumbrados, dando un cambio de dirección en la grabación. Un trabjo muy interesante.

Vuelve a dejarlo en el expositor:



Si te has quedado sin dinero, o simplemente quieres ir poco a poco y tomártelo con calma, deja para el final I'm With You (2011). Este disco, el décimo de la banda, era el primero del guitarrista Josh Klinghoffer, que sustituía a John Frusciante. Se nota demasiado la marcha de John Frusciante, y el grupo se muestra por momentos perdido. El estilo y el sonido que John Frusciante había aportado al grupo eran algo único, además de la gran química que había entre Kiedis y Frusciante en la parte compositora. Los resultados ya no serían lo mismo sin Frusciante. The Red Hot Chili Peppers (1984), el album debut del grupo. La grabción del disco no fue fácil, pues se produjeron constantes desacuerdos entre la banda y el productor del álbum, el guitarrista de Gang of Four, Andy Gill. Gill quería llevar  la banda a un lado más pop. Al final el disco fue lanzado con el título The Red Hot Chili Peppers, algo con lo que también estuvo el grupo en desacuerdo, pues querían llamarlo True Men Don't Kill Coyotes. Entusiasmo y ganas no les faltan, pero los problemas y desacuerdos en la producción se notan, aunque es cierto que por momentos nos muestran pequeños destellos de la gran banda en que se iban a convertir.

Si lo que buscas son canciones sueltas, este es nuestro Top 5 de Red Hot Chili Peppers:

1.- Can't Stop

2.- Give It Away

3.- Under The Bridge

4.- Dani California

5.- Otherside




 






 

lunes, 15 de junio de 2020

Canciones que nos emocionan: Californication, Red Hot Chili Peppers

Californication, RHCP


     Principios de 1998, Red Hot Chili Peppers se encuentran sin guitarrista tras la salida de la misma de Dave Navarro al ser despedido por la banda. En ese momento Flea se empieza a cuestionar el futuro del grupo y si merece la pena seguir en la brecha, y aunque piensa en la separación decide hacer un último intento por mantener vivo el proyecto. Para ello decide volver a llamar a John Frusciante quien ya había completado un programa de rehabilitación por su adicción a la heroína y se encontraba limpio. John, emocionado acepta la llamada de inmediato pues su adicción le ha dejado literalmente en la ruina. Así se gestaba la vuelta de John Frusciante a la banda en abril de 1998.

     una vez juntos otra vez Anthony Kiedis (voz), John Frusciante (guitarra y coros), Flea (bajo y coros) y Chad Smith (batería), comienzan a trabajar en lo que será su próximo álbum, Californication, que supondrá el séptimo trabajo en estudio de la banda. El disco es concebido en las casas de los miembros del grupo, donde Kiedis y Frusciante como antaño, cogen la batuta compositora del disco.

     Con el material ya preparado, en diciembre de 1998 se meten en los Estudios Cello de Los Ángeles, California, donde graban el material de su nuevo disco, acabando el proceso de grabación en marzo de 1999. El resultado es Californication, publicado en junio de 1999, disco que contiene 15 temas donde en la temática del grupo además de las habituales insinuaciones sexuales también tienen cabida la muerte, la lujuria, el suicido ó las drogas.

     Incluido en el álbum nos encontramos con el tema que da título al mismo, Californication, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan. Acreditada la composición a los cuatro componentes de la banda, es un tema donde se habla de la parte oscura de Hollywood, del deterioro de la sociedad y como las drogas hacen mella en ésta, donde la pornografía y la cirugía plástica están a la orden del día. También tienen menciones hacia Kurt Cobain, hacia iconos de la cultura pop como el álbum Station To station de David Bowie ó la revista Celebrity Skin, y también hacen referencia al planeta Alderaan, el ficticio planeta del que es originaria la princesa Leia de Stars Wars, planeta que fue destruido por El Imperio, al igual que el nuestro que está siendo abocado a la destrucción. En definitiva es un tema donde el grupo quiso dejar patente el deterioro de la sociedad, el cual se está volviendo superficial al igual que California que no iba a ser menos, lugar que ellos conocen muy bien.

Psychic spies from China try to steal your mind's elation

And little girls from Sweden dream of silver screen quotation

And if you want these kind of dreams it's Californication
It's the edge of the world and all of western civilization

The sun may rise in the East at least it's settled in a final location

It's understood that Hollywood sells Californication
Pay your surgeon very well to break the spell of aging

Celebrity skin is this your chin or is that war you're waging?
Firstborn unicorn

Hardcore soft porn

Dream of Californication

Dream of Californication

Dream of Californication

Dream of Californication
Marry me girl, be my fairy to the world, be my very own constellation

A teenage bride with a baby inside getting high on information

And buy me a star on the boulevard, it's Californication
Space may be the final frontier but it's made in a Hollywood basement

And Cobain can you hear the spheres singing songs off Station To Station?

And Alderaan's not far away, it's Californication
Born and raised by those who praise, control of population

Everybody's been there and I don't mean on vacation
Firstborn unicorn

Hardcore soft porn

Dream of Californication

Dream of Californication

Dream of Californication

Dream of Californication
Destruction leads to a very rough road but it also breeds creation

And earthquakes are to a girl's guitar, they're just another good vibration

And tidal waves couldn't save the world from Californication
Pay your surgeon very well to break the spell of aging

Sicker than the rest, there is no test but this is what you're craving?
Firstborn unicorn

Hardcore soft porn

Dream of Californication

Dream of Californication

Dream of Californication

Dream of Californication