Mostrando entradas con la etiqueta Funk.. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Funk.. Mostrar todas las entradas

domingo, 20 de agosto de 2023

0962 - King Heroin - James Brown



"King Heroin" (1972) es un poema musicado, escrito originalmente por Manny Rosen, que intenta concienciar sobre los devastadores efectos de las drogas. Fue el propio James Brown, junto con su arreglista habitual David Matthews y su manager Charles Bobbit, el que se encargó de componer la música que convirtiera el poema de Rosen en el quinto single que lanzó con Polydor Records, y en una de las canciones incluidas en su álbum There it is (1972).

Mencionada por muchos como una de las primeras precursoras de lo que después sería el rap en Estados Unidos, "King Heroin" tiene la particularidad de contar con una letra escrita desde el punto de vista de la droga en sí misma, explicando en primera persona, y con todo lujo de detalles, los nocivos efectos que produce y la fuerte adicción que es capaz de generar en quien la consume, jactándose de arruinar las carreras y las vidas de hombres y mujeres de todo tipo y condición, y convirtiéndoles en marionetas destrozadas por el "mono", siendo incluso capaces de cometer un crimen para poder tener su dosis.

Brown complementó el poema con una intro en la que se refería a la heroína como "uno de los mayores asesinos del momento", y en la portada del single incluyó una etiqueta con la leyenda "Pon esta canción. Son 3 minutos y 58 segundos. Para algunos oyentes puede suponer toda una vida". Fueron, sin duda, sabios consejos del "Padrino del funk", dentro de lo que fue una gran canción de concienciación social, que logró alcanzar el sexto puesto del U.S. Hot Soul Singles chart, pero que solo llegó al 40 del Billboard Hot 100 estadounidense.

martes, 27 de junio de 2023

0908- Sly and the Family Stone - Just like a baby


0909- Sly and the Family Stone - Just like a baby

"Just Like a Baby" es una canción icónica de la banda Sly and the Family Stone, que captura perfectamente su estilo único y su habilidad para fusionar géneros musicales de una manera innovadora. Lanzada en 1970 como parte de su álbum "Greatest Hits", la canción se destaca por su energía contagiosa y su mensaje optimista.

La canción comienza con un ritmo funk que de inmediato te atrapa y te invita a moverte al compás de la música. La combinación de las guitarras, los metales y la sección rítmica crea una base sólida sobre la cual se construye la canción. La voz de Sly Stone se eleva con su característico estilo lleno de alma y entrega, llevando consigo una dosis de positividad y alegría.

Las letras de "Just Like a Baby" hablan sobre el renacimiento y la transformación personal. Es un himno que celebra la capacidad de reinventarse y comenzar de nuevo, como un niño que experimenta el mundo con asombro y curiosidad. Sly Stone nos recuerda que siempre es posible dejar atrás los errores y las dificultades del pasado para abrirnos a nuevas oportunidades y perspectivas.

La canción se mueve entre secciones rítmicas pegajosas y coros enérgicos, creando una sensación de unidad y celebración. El mensaje de esperanza y redención se ve reforzado por la naturaleza expansiva y vibrante de la música de Sly and the Family Stone, que siempre se caracterizó por su capacidad para romper barreras y unir a las personas a través de su sonido.

"Just Like a Baby" es un claro ejemplo del talento y la influencia duradera de Sly and the Family Stone en la música. La banda fue pionera en fusionar el funk, el soul, el rock y el pop de una manera fresca y original, y esta canción encapsula todo lo que los hizo tan especiales. Su legado perdura en la historia de la música, y canciones como esta siguen siendo fuente de inspiración para generaciones posteriores de artistas.

"Just Like a Baby" es una canción brillante y optimista que muestra el talento y la originalidad de Sly and the Family Stone. Con su ritmo contagioso y letras esperanzadoras, la canción es un recordatorio de que siempre hay espacio para la transformación y la renovación en nuestras vidas. Es un clásico atemporal que sigue siendo tan vibrante y relevante hoy como lo fue en su lanzamiento.

Daniel
Instagram Storyboy

jueves, 4 de mayo de 2023

0854.- Can you get to that - Funkadelic

Maggot Brain de Funkadelic se lanzó en julio de 1971. Para tener un poco de perspectiva, Carole King y James Taylor dominaron las listas de éxitos durante la mayor parte del mes. Si bien los Isleys, Marvin Gaye e Isaac Hayes llegaron a las listas en julio de 1971, no estaban ni cerca de la cima. Lo más divertido que se encontró en el extremo superior de las listas ese mes fue probablemente "How Can You Mend A Broken Heart" de Bee Gee. Por lo tanto, probablemente sea perdonable que el público en general haya ignorado a Maggot Brain en el momento del lanzamiento, era demasiado para el público de aquellos años. Demasiado funk, demasiado rock, demasiado blues y demasiado soul. En 1971, la banda estaba al borde de la homogeneidad total y al borde de la locura musical, por lo tanto, eran propensos a lanzar uno de los discos de funk-rock más exitosos jamás concebidos. Con "Maggot Brain", Funkadelic abrió una dimensión trippy en un laberinto musical alucinógeno y entregó una colección desgarradora de canciones, increíblemente construidas y dirigidas por el encanto nativo de Clinton. Incluso si hoy el álbum puede parecer demasiado conectado con el sonido del rock clásico, "Maggot Brain" tiene una frescura inusual en su enfoque musical, lo que lo convierte en un viaje a través de una mente creativa conducido por algunos de los mejores músicos del género. Creo que el término "innovación innata" encaja mejor con la música porque Funkadelic provocó una revolución en el sonido y la textura sin desentrañar los ingredientes que constituían su centro musical. Aunque las individualidades vocales e instrumentales de la banda a menudo se encuentran en muchas bandas de funk, la música resultante sigue siendo distinta y no suena como ningún álbum hecho en su época (y después), demostrando un estilo musical maravilloso.


Can You Get To That trasmite unas sensaciones completamente diferente a Maggot Brain, tiene un sonido muy agradable, la música en sí misma te hace mover los pies y mover la cabeza al ritmo de la canción, mientras que el contenido de la letra es fácil de seguir, lo que hace que te atrape cuando la cantas en tu casa, en público, donde sea que estés, sin embargo, las voces en esta pista tienen el sabor que cada pista necesita, las armonías funcionan muy juntas, hay muchas cosas que suceden con ellas, pero se hacen de manera tan simple que no parece desordenado o demasiado potente. Si esta pista fuera una persona, qué buena persona sería. También tiene un coro monstruoso, con alguien con un barítono increíblemente bajo (¿el propio Clinton?) cantando el último verso y dirigiendo el coro preguntando continuamente "Quiero saber" mientras todos los demás preguntan "¿puedes llegar a eso?" El resultado final es una canción que no solo no suena como Funkadelic "normal", sino que realmente no suena como ninguna otra canción que haya escuchado de nadie más, y muy posiblemente la mejor canción de gospel secular jamás grabada, la pena es que no llega a los 3 minutos, necesitamos que el extasis dure mas tiempo!


miércoles, 3 de mayo de 2023

0853-. Maggot Brain - Funkadelic

 

Mggot Brain, Funkadelic


     Para hablar de Funkadelic inevitablemente tenemos que hablar de su fundador, George ClintonGeorge nace en 1941 en Kannapolis, Carolina del Norte (Estados Unidos). A finales de los años 50 George que era copropietario de una barbería en New Jersey, decide fundar en la parte de atrás de la misma un grupo de música para entretener a los clientes, en la parte de atrás de esa barbería nacería The Parliaments. Al principio hacían un sonido doo-woop (género que nació mezclando básicamente los géneros R&B y góspel), pero durante la década de los 60 van evolucionando en su forma de enender y hacer música hasta acabar desarrollando un sonido único basado en el soul y el funk. Además de hacer un sonido único, también se empiezan a inclinar por unas letras más ocuras.

Durante los 60, George encuentra empleo en la potente discográfica Motown records, empleo que compatibiliza con el grupo The parliaments. En 1967, con el sello discográfico Revilot Records graba su primer éxito con The parliaments, llamado (I Wanna) Testify, tema con el que consiguen una gran acogida en las listas de ventas. Con motivo del éxito del single George decide iniciar una gira, para la cuál se lleva a The Parliaments y además crea una banda de acompañamiento para que respalde al grupo durante dichas gira. Sin embargo justo en ese momento, cuando empieza a despegar George, se ve envuelto en una batalla contractual con Revilot Records y pierde los derechos del grupo. Lejos de desanimarse y para poder seguir en la brecha George cambia el nombre a toda aquella formación (The parliaments y la formación de apoyo) que había fichado para la gira y la llama Funkadelic.

 Y así nace Funkadelic, una banda que además se aleja del sonido doo-woop, que se inspira en Jimi Hendrix y Sly & the Family Stone, y mezclan en sus composiciones soul, funk y rock psicodélico. Posteriormente refundaría a los extintos The parliaments llamándolos Parliament, y así George grabaría y haría innumerables giras cons sus grupos parliament y su banda hermana Funkadelic. Todo esto daría lugar al denominado sonido P-funk, un sonido bailable a la vez que psicodélico y con tintes rockeros.

El 12 de julio de 1971, la banda de George Clinton, Funkadelic, publica su tercer álbum de estudio, Maggot brain. El disco fue grabado entre 1970 y 1971 en los estudios United Sound Systems de Detroit bajo la producción de George Clinton, y publicado el 12 de julio de 1971 por el sello dicsográfico Westbound Records. Este disco se mueve entre estilos como el funk psicodélico, funk rock, R&B, acid rock o soul progresivo. Maggot Brain llegó a alcanzar el puesto 108 en la list US Pop Chart y el top 20 en la lista R&B Charts, ambas de Estdos Unidos, sin embargo no llegó a alcanzar las listas del Reino Unido.      

Incluido en este álbum se encuentra una obra maestra, el tema que da título al disco, Maggot Brain, acreditado a George Clinton y Eddie Hazel, el guitarrista que se encarga de ponernos los sentimientos a flor de piel con su interpretación.
Después de esta breve introducción, el tema se sumerge en un instrumental de guitarra de más de 10 minutos espectacular, y  fue grabado por el grupo y por Gorge Clinton cuando todos se encontraban bajo los efectos del LSD. Según el propio George Clinton el título del tema Maggot Brain (cerebro de gusano) hace alusión a un estado mental al cuál se llega con la ayuda de las drogas. El guitarrista de este tema es Eddie Hazel, uno de los pioneros y más influyentes guitarristas del género funk. Para la grabación del tema George Clinton rodeó en el estudio de amplificadores a Eddie, dejando al resto de la banda en un segundo plano y le dijo: "Ahora quiero que toques como si te acabaras de enterar de que tu madre ha muerto", y en otro momento hacia la finalización del tema le dijo "Y ahora quiero que lo hagas como si te acabaras de enterar que esta viva". El tema se grabó en una sola sesión, lo que da una idea de la calidad del gran guitarrista que era Eddie. El resultado no puede ser otro que una obra maestra.



sábado, 29 de abril de 2023

0849 - James Brown - Super Bad


0849 - James Brown - Super Bad 

Super Bad es una canción de funk del famoso cantante y compositor James Brown, lanzada en 1970. La canción se caracteriza por su ritmo dinámico y energético, con un fuerte énfasis en la sección rítmica compuesta por la batería, el bajo y la guitarra eléctrica.

Super Bad es una de las canciones más emblemáticas del género funk, y ha sido considerada por muchos críticos como una de las obras maestras de James Brown. La canción fue grabada en 1970 en los estudios de grabación de King Records en Cincinnati, Ohio, con la colaboración de su banda de músicos altamente calificados, conocidos como The J.B.'s.

La canción comienza con un riff de guitarra funky y una línea de bajo pegadiza, que establecen el ritmo para el resto de la canción. El resto de la banda se une pronto, incluyendo la batería, los teclados y los vientos, creando un sonido lleno de energía y dinamismo.

La letra de Super Bad se centra en la autoafirmación y la celebración de la música como un medio para la expresión y el movimiento corporal. En ella, James Brown proclama su propio poder y habilidades como artista, afirmando que es "super malo" (super bad), y que puede hacer que la gente se mueva y baile al ritmo de su música.

La canción también presenta varias secciones de coros y vientos, que añaden un toque de complejidad y sofisticación a la estructura musical de la canción. En conjunto, estos elementos hacen que Super Bad sea una canción icónica del género funk y un ejemplo perfecto del estilo distintivo de James Brown como músico y compositor.

Daniel
Instagram storyboy

miércoles, 22 de marzo de 2023

0811.- Never can say goodbye - Jackson 5



Escrita por Clifton Davies y ofrecida originalmente a The Supremes, Never Can Say Goodbye ("Nunca puedo decir adiós"), finalmente fue grabada y publicada como single en 1971 por los Jackson 5, como primer single lanzado para la promoción del disco Maybe Tomorrow (1971), y en la voz del pequeño Michael Jackson se convirtió en uno de los mayores éxitos del grupo de hermanos más famoso de todos los tiempos.

Con tan solo 11 años, Michael Jackson le imprime a la interpretación del tema una profundidad sorprendente para su edad, y pese a ser una canción que algunos consideraban demasiado seria para un grupo adolescente, Never Can Say Goodbye llegó al nº 2 del Billboard estadounidense y al nº 33 de las listas británicas de singles.

Desde entonces, son muchas las versiones que se han grabado de este mítico tema de la Motown, siendo la más notable la de Gloria Gaynor en 1987, y la más recordada (al menos para los que crecimos en los ochenta) la del grupo británico The Communards en 1987. En ambas versiones optaron por modificar el estilo de Never Can Say Goodbye para transformar la seria balada original en una bailable canción disco. Y para los amantes de las curiosidades, existe una versión en castellano, grabada por Paloma San Basilio en 1975, bajo el título de "No puedes volver a mí".

domingo, 25 de diciembre de 2022

0724.- (Get up, I feel like being a) Sex Machine - James Brown



"Sex Machine" fue una de las primeras canciones que James Brown grabó con su por entonces nueva formación, "The J.B.'s". Consciente de que su nueva sección de vientos no tenía la misma experiencia que la anterior, Brown minimizó su presencia en favor de la poderosa sección rítmica (con Jabo Starks a la batería y Bootsy Collins al bajo) y el riff funky de guitarra de Catfish Collins, para vestir de ritmo una letra de "llamada y respuesta" entre la voz principal del propio Brown y la de acompañamiento, a cargo de Bobby Byrd.

Como la mayor parte de los éxitos de James Brown de los 60 y 70, se grabó en apenas dos tomas, y en la toma definitiva se producía un diálogo previo entre Brown y la banda, que se hizo tan popular que Brown la mantuvo en las interpretaciones en directo. También se mantuvo para la historia el guiño que, hacia el final de la canción, James Brown y Bobby Byrd hacen al clásico de blues de Elmore James "Shake your moneymaker" cantando a dúo el verso en repetidas ocasiones.

Para su publicación en single en 1970, la dividieron en dos partes que ocuparon ambas caras, y el sencillo alcanzó rápidamente el nº 2 de las listas de R&B, y el nº 15 del Billboard Hot 100. En la actualidad, es seguramente, y junto a "I feel good", la canción más recordada y pinchada del "Padrino del Funk". Para aquellos pocos que hayan estado hibernando todos estos años y no la conozcan, aquí va nuestro consejo: Si alguna vez, en la radio, escucháis a alguien decir: ¡Colegas! ¡Estoy preparado para hacer lo mío! ¡Quiero ponerme a ello, tío, ¿Sabes? ¡Como una máquina sexual, tío! ¡Moviéndome, dejándome llevar, haciéndolo, ¿Sabes?... Subid el volumen y esperad a que comience a contar ¡Uno, dos, tres, cuatro! y después de eso ya no podréis dejar de mover el cuerpo al ritmo funky de "(Get up, I feel like being a) Sex Machine".

domingo, 27 de noviembre de 2022

0696.- ABC - Jackson 5



ABC es uno de los grandes éxitos de los Jackson 5, el grupo de Michael Jackson y sus hermanos, que hasta que no se convirtieron en The Jacksons, con la salida de Motown en 1976, no lograron la plena autonomía musical con la que poder demostrar sus talentos. Hasta entonces, las canciones del grupo eran en su mayoría obras de compositores en nómina de la todopoderosa Motown, y salvo por la voz del talentoso y joven Michael, el resto de instrumentos fueron grabados por músicos de sesión de la compañía.

Con mayor o menor peso del resto del grupo, lo incontestable es que la canción se convirtió al instante en un gran éxito, desbancando al Let it be de The Beatles de lo más alto del Billboard estadounidense en 1970, y siendo además nº1 de la lista de singles de soul durante cuatro semanas consecutivas. La canción dio además título al segundo álbum de la banda, lo cual da una idea de la importancia que este tema tenía ne el objetivo de Motown y los Jackson 5 de mantener el éxito de las primeras publicaciones del grupo.

La letra compara el momento de aprender lo que es el amor, con el aprendizaje de las letras del alfabeto o las notas musicales, así que es un buen guiño para todos los que sentimos un amor especial por la música, y nos dedicamos además a combinar las letras del alfabeto para contar cuánto nos gusta. Es lo que hacemos a diario en 7días7notas, para que la buena música siga saliendo a la luz. Como debieron hacerlo los músicos que participaron en la grabación de este tema, y que en su momento no fueron acreditados, hasta un año después. Así que cerramos el repaso a ABC mencionando a David T. Walker, Louis Shelton y Don Peake (guitarras), Wilton Felder (bajo), Gene Pello (batería), Freddie Perren (teclados) Sandra Crouch (tambourine) y un músico desconocido al que nunca se le pudo reconocer su labor con los bongos de esta gran canción.

sábado, 26 de noviembre de 2022

0695 - The Jackson 5 - The love you save

0695 - The Jackson 5 - The love you save

The Love You Save es una canción grabada por Jackson 5 para Motown Records. Fue lanzado como sencillo el 13 de mayo de 1970 y ocupó el puesto número uno en la lista de sencillos de soul en los EE. UU. durante seis semanas y el puesto número uno en la lista de sencillos Billboard Hot 100 durante dos semanas, desde el 27 de junio. al 4 de julio de 1970. En la lista de los 40 principales del Reino Unido, alcanzó el puesto número 7 en agosto de 1970. 

La canción es el tercero de los cuatro números uno de los Jackson 5, que produjeron en fila, los otros éxitos fueron "I Want You Atrás", "ABC" y "I'll Be There". Billboard clasificó la canción en el número 16 del ranking de año 1970, un lugar por detrás de "ABC" de los Jackson 5.

The Love You Save presenta las voces secundarias de Jermaine Jackson cantando junto a Michael en el final "¡Stop! The love you save may be your own", junto a Marlon, Tito y Jackie. La letra de la canción presenta a Michael y Jermaine advirtiendo a una chica que se "¡detenga!", Porque "¡el amor que salvas puede ser el tuyo!" La letra también es inusual debido a las referencias históricas, según su letra, la niña estaba debajo del manzano con "Isaac" que es una referencia a Isaac Newton; sintió electricidad con "Benjie" que es una referencia a Benjamin Franklin; "Alexander" por referencia a Alexander Graham Bell, que la llamó y "hizo sonar sus campanadas"; y "Cristóbal" y por último una referencia a Cristóbal Colón "descubrió" que estaba "muy adelantada a su tiempo".

La exclamación de apertura, "¡Alto!", y los pisotones que complementan el ritmo durante la última parte de la canción son alusiones al sencillo número uno de Motown de 1965 de las Supremes, "¡Alto! En el nombre del amor". Otros afirman que Bobby Taylor, quien produjo el primer álbum de los Jackson 5 en Motown y fue el cantante principal de Bobby Taylor & the Vancouvers, descubrió a los Jackson 5 y llamó la atención de Berry Gordy sobre ellos. Taylor los había guiado a través de su primer par de éxitos en Los Ángeles, pero Gordy según Taylor, sintió que el material era demasiado adulto dada la edad de los artistas, y como el resto de los primeros éxitos de Jackson 5, The Love You Save fue escrito y producido en Detroit por The Corporation, un equipo integrado por el jefe de Motown, Berry Gordy, Freddie Perren, Alphonzo Mizell y Deke Richards, y grabado en Los Ángeles, lejos del antiguo estudio de Motown en Hitsville USA en Detroit, Michigan.

The Love You Save fue el segundo sencillo del segundo álbum de Jackson 5, ABC. La canción fue remezclada por DJ Cassidy para el lanzamiento de 2009 The Remix Suite.

Daniel 
Instagram storyboy 

domingo, 13 de noviembre de 2022

0682: Funky Drummer - James Brown



James Brown es uno de los artistas que más veces ha sido sampleado por DJ's y músicos de rap o de hip hop, y buena parte de la culpa de este "récord" honorífico la tiene el tema Funky Drummer, publicado como single en 1970, y en concreto su espectacular ritmo de batería, surgido de una improvisación del baterista Clyde Stubblefield.

De hecho, la mayor parte de la canción se basa en la improvisación, no solo de la batería, sino también de las guitarras, teclados y saxofones, formando una enérgica base que Brown iba dirigiendo con sus característicos gritos y declamaciones vocales, con los que arengaba al grupo y daba las indicaciones sobre hacia dónde quería que fuera la música. En el caso de Stubblefield, en un momento determinado Brown pide "darle algo al baterista", en clara referencia a que el resto de la banda le deje solo, para después indicarle que "No tienes que hacer ningún solo, hermano, solo quédate con lo que tienes ... No lo sueltes, porque es una madre".

Stubblefield mantuvo el ritmo mientras el resto de instrumentos le dejaban solo, y Brown quedó tan impresionado con el tramo de batería, que decidió llamar a la canción "Funky Drummer", y publicarla como sencillo, separada en dos partes para cubrir las dos caras del single. La canción cosechó cierto éxito (llegó al 20 en la lista de R&B y al 51 en la lista pop de Estados Unidos), pero sus números no hacían imaginar que, años después, hablaríamos de una de las canciones más sampleadas de la historia de la música.

domingo, 9 de octubre de 2022

0647.- I want you back - Jackson 5



I Want You Back ("Quiero que vuelvas"), que formaba parte del disco de debut de The Jackson 5 con Motown (Diana Ross Presents The Jackson 5, 1969) fue el primero de una larga serie de éxitos del grupo de Michael Jackson y sus hermanos.

La canción se publicó como single con la versión del tema de Smokey Robinson & the Miracles Who's Lovin' You en la cara B, y se convirtió en un éxito inmediato que alcanzaría la primera posición de la lista de singles Billboard Hot 100 en enero de 1970. Hasta la fecha, se han vendido más de seis millones de copias de I want you back en todo el mundo, tanto en formato físico como en descargas digitales, y la revista Rolling Stone la situó en el puesto 12 de las 500 Mejores Canciones de Todos los Tiempos, y el noveno de la lista de las 100 mejores canciones pop.

La voz de un Michael Jackson de tan solo 11 años destaca absolutamente en ambos temas, I want you back es un auténtico hit de pop rotundo y pegadizo, y la versión del tema de Robinson es sencillamente perfecta. Para Michael Jackson era solo el principio de una exitosa carrera, primero como The Jackson 5, después como The Jacksons, y por último en solitario con discos de la talla de Thriller o Bad, pero ya desde pequeño impartía auténticas masterclass de como cantar.​

lunes, 25 de julio de 2022

0571.- Stand! - Sly & The Family Stone

 

Stand!, Sly & The Family Stone


     Entra en escena una de las primeras bandas que se adentraron en el mundo de la psicodelia dentro del género funk, Sly & The Family Stone.

Sly Stone, al frente de su formación clásica, no entendía de razas ni sexo, entendía de música, por lo que estaba integrada por blancos y negros y mujeres y hombres por igual. La banda, liderada por el mítico Sylvester Stewart, más conocido como Sly Stone, surge en 1966 de la fusión del grupo liderado por SlySly & The Stoners y el grupo del hermano de SlyFreddie Stone, llamada Freddie & The Stone Souls. La fusión más alguna incorporación a la recien creada banda dio como resultado una formación compuesta por Sly Stone (teclados y voz), Freddie Stone (guitarra y voz), Gregg Erico (batería), Cynthia Robinson (trompeta) y Larry Graham (bajo). Al grupo se unen los componentes de un grupo de gospel que se hacían llamar Little Sister, compuesto por la hermana de los Stone, Vaetta StoneMary McCreary Y Elva Mouton, que se suman al proyecto como coristas. Acababa de nacer Sly & The Family Stone, una de las bandas más influyentes del género funk, una banda que se movía como pez en el agua con géneros como el funk, soul, soul psicodélico ó rock psicodélico entre otros.

En mayo de 1969, publican bajo el sello Epic Records, su cuarto álbum de estudio, Stand!, disco que supone el lanzamiento definitivo del grupo hacia el estrellato vendiendo más de tres millones de copias. Stand! era un álbum lanzado por un grupo compuesto por músicos de todas las razas y sexos, en una época donde imperaban los mensajes de paz, amor y tolerancia, y donde sus músicos derrochaban soul y funk de muchos kilates, aderezado con altas dosis de rock, blues, pop ó jazz, siendo capaces de envolverlo todo en un aire de psicodelia. Sly & The Family Stone estaban rompiendo moldes.

Incluido en el álbum se encuentra el tema que da título al álbum, Stand!, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan, un medio tiempo donde los coros a modo de gospel nos acompañan durante todo el tema. El tema fue compuesto por Sly Stone, un alegato que nos anima a afrontar los obstaculos y defender nuestros derechos, todos somos libres y nadie debe decirnos que hacer ni como pensar, y si queremos algo debemos ir a por ello.

martes, 12 de julio de 2022

0558 - Isley Brothers - It’s Your Thing

0558 - Isley Brothers - It’s Your Thing 

It's Your Thing es un influyente sencillo funk de los Isley Brothers. Lanzado en 1969, el himno funk (y feminista) fue una respuesta artística al exigente control del jefe de Motown, Berry Gordy, sobre sus artistas después de que los Isley abandonaran el sello a fines de 1968. 
La letra del coro, que también sirve como primer verso, dice: "Es lo tuyo / Haz lo que quieras hacer / No puedo decirte / A quién pegarle".
La canción ocupa el puesto 420 en la lista de la revista Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

Otros éxito popular que la banda logrará editar con el sello, fue con la canción "This Old Heart of Mine (Is Weak for You)", The Isley Brothers se sintieron encasillados en el papel como un acto de segundo nivel, mientras que los bien establecidos Detroit actúan como The Temptations, The Miracles y los Four Tops obtuvieron más promoción del sello Motown.

La decisión de los hermanos de dejar Motown se produjo después de una exitosa gira británica, donde tenían una base de fans más grande que en Estados Unidos. Un relanzamiento de This Old Heart había alcanzado el número tres en la lista de singles del Reino Unido. Un éxito similar llegó con dos sencillos más de su catálogo de Motown que fueron éxitos mucho después de su salida de Motown.

Berry Gordy permitió que los hermanos dejaran el sello y los Isley reactivaron su propio sello, T-Neck Records, que originalmente habían fundado unos años antes de firmar con Motown. Para Buddah Records, los Isley grabaron It's Your Thing, que Ronald escribió al llegar a casa después de llevar a su hija Tawana a la escuela. El cantante principal dijo que pensó en la melodía y algunas de las letras en su cabeza. Sus hermanos mayores O'Kelly y Rudolph ayudaron a componer más letras.

La canción se reproduce en la película de 1999 Muppets from Space cuando sus parientes alienígenas sacan a Gonzo de un cañón, celebrando su enfoque único de la vida.

Daniel 
Instagram storyboy 

domingo, 26 de junio de 2022

0542.- Say it loud! I'm black and I'm proud - James Brown



Say It Loud – I'm Black and I'm Proud, publicada inicialmente en 1968 como single con la canción dividida en dos partes repartidas en cada una de las dos caras, alcanzó el nº1 de las listas de R&B y el nº10 del Billboard. Posteriormente, fue incluida en los álbumes A Soulful Christmas (1968) Say It Loud – I'm Black and I'm Proud (1969).

La canción escrita por Alfred "Pee Wee" Ellis se convirtió en un auténtico himno para el movimiento "Black Power", con Brown denunciando el racismo de la sociedad estadounidense e instando a la gente a sentirse orgullosa del color de su piel y manifestarlo con orgullo (Dilo bien alto, soy negro y estoy orgulloso). La famosa frase del título esta repartida entre la voz de Brown, pidiéndole al coro que lo proclame a voz en grito ("Say it loud") y el coro (formado por un grupo de niños) le sigue y clama en alto ("I'm black and I'm proud!"). Desafortunadamente, el nombre de los chicos que participaron en el coro no quedó registrado, por lo que no pudieron pasear su orgullo por las calles de su barrio cuando la canción se convirtió en un éxito.  

Los ecos de una canción tan carismática y reivindicativa van mucho más allá del movimiento que la tomó como himno. La revista Rolling Stone la incluyó en las 500 mejores canciones de todos los tiempos, y es innegable la influencia que ha tenido en otros artistas, ya sea versionándola como hicieron, entre otros, el saxofonista Lou Donaldson, Bob Marley o Miles Davis (que incluyó una parte de la canción en su tema "Yesternow"), o mencionándola de manera más o menos explícita en sus propias composiciones (The Temptations hacen una referencia a la canción en su tema "Message From a Black Man", y es evidente el guiño de Funkadelic en "Let's Take it to the Stage" proclamando "Say it loud, I'm funky and I'm proud.")

domingo, 27 de marzo de 2022

0451.- I got the feelin' - James Brown



El giro estilístico que James Brown dio del soul al funk tiene en I Got the Feelin' uno de sus momentos cumbre. El cambio dio sus frutos en muchas otras canciones, pero como el propio James Brown reconoce en el título de la canción, es aquí cuando se dio cuenta de que realmente estaba consiguiendo ese "feeling" sonoro que tanto había estado buscando, y es por canciones como ésta o la archiconocida Sex Machine por lo que se le recuerda como el "Padrino del funk".

Grabada en 1968 en Los Angeles, en los días posteriores a uno de sus celebrados conciertos de finales de los sesenta, y apoyada en la inclusión en el disco de la fiera sección rítmica que le acompañaba en vivo (con músicos tan relevantes como el saxofonista Maceo Parker o el guitarrista Jimmy Nolan, fue lanzada como sencillo y también como canción principal del disco del mismo nombre, alcanzando el primer puesto de las listas de R&B estadounidenses, y una no menos meritoria sexta posición en las listas de pop más comercial y predominante.

Una de las curiosidades que se recuerdan sobre la influencia de esta canción en las generaciones posteriores de músicos que admiraron la figura y la obra del Padrino del Funk, es que unos imberbes Jackson 5 la interpretaron ese mismo año durante su primera prueba para Berry Gordy, fundador de Motown, con un Michael Jackson de tan solo diez años de edad, clavando las inflexiones vocales y los movimientos de baile del que era uno de sus grandes ídolos.

lunes, 17 de enero de 2022

0382.- Cold sweat - James Brown

 


Interpretada por James Brown, y escrita por un miembro de su banda (Alfred "Pee Wee" Ellis), Cold Sweat vio la luz en dos versiones diferentes. Una versión editada y cortada en dos partes fue publicada como sencillo, alcanzando el primer puesto de las listas de R&B estadounidenses. La versión completa, de más de siete minutos de duración, fue incluida en el álbum Cold Sweat.

La canción se basaba, a su vez, en una canción anterior de James Brown titulada I Don't Care, que tenía una melodía más lenta y con toques de blues, en la que ya estaba la letra sobre un hombre que, al ver lo sexy que es su pareja, siente como un "sudor frío" le recorre todo el cuerpo. La nueva canción se gestó tras un concierto cuando, entre bastidores, Brown le cantó a Pee Wee Ellis una línea de bajo en la que quería que trabajara. Ellis se basó en el tema So What de Miles Davis para construir la línea de vientos, y practicó después el ritmo con el resto de la banda. En ese momento apareció James Brown en el estudio y, tras escucharles, cambió las partes de guitarra para hacerla más funky e incluyó la ya mencionada letra.

Cold Sweat es una de las canciones pioneras de la música funk, y gran parte de la frescura del sonido del tema se debela tiene que se grabara en una sola toma en vivo en el estudio, con la banda tocando juntos en un semicírculo alrededor de un micrófono, y sin añadidos o arreglos posteriores. Tiene además la particularidad de que todos los instrumentos de la banda (a excepción del excelso solo de saxofón de Maceo Parker) son interpretados desde un esquema de percusión y no de melodía, lo que le aporta un sonido funk cortante y rotundo. La mentalidad percusiva de este tema era tal, que incluye un solo de batería en el tramo central. "Dadle algo al baterista" gritaba Brown para dar paso a Clyde Stubblefied, que con su ritmo dejaba a todos boquiabiertos, y bañados en un inexplicable sudor frío.

lunes, 1 de noviembre de 2021

0305.- It’s a Man’s Man’s Man’s World - James Brown

 


El título de esta canción es un juego de palabras inspirado la comedia de 1963, It’s a Mad, Mad, Mad, Mad World, la canción fue incluida en la lista las 500 mejores canciones de todos los tiempos según Rolling Stone (en el puesto 123) y además de James Brown, fue interpretada por artistas como Etta James, Cher, Seal, Christina Aguilera (mención especial su versión ya que la interpretación realizada en homenaje a Brown en los Grammy de 2007 se considera una de las mejores actuaciones de los Premios Grammy de todos los tiempos), Seal y Joss Stone.

La canción fue grabada primero por Tammy Montgomery, de 18 años, quien había sido cantante de respaldo con James Brown durante sus conciertos, pero solo llego al puesto 99 en el Billboard (dos años después, Montgomery fue descubierta por Berry Gordy Jr. . de Motown Records, Gordy firmó con un contrato discográfico y cambió su nombre a Tammi Terrell).

Esta balada demuestra el lado romántico y sentimental de Brown y fue un gran éxito, puede sorprender este aspecto de su personalidad, es menos conocida que su explosiva y extravagante personalidad en el escenario donde todo es excesivo, rápido y por momento revolucionado. En la canción pesa que nunca fue lanzado como single, es difícil de entender dado el nivel de la canción, pero fue debido a una disputa que había entre King Records, el sello al que pertenecía James Brown en ese momento, y Mercury Records , quien poseía los derechos de algunas de sus primeras grabaciones, pero nada podría frenarla, dada la majestuosidad que se mostraba en las actuaciones de Brown y el emotivo acompañamiento instrumental, la canción fue un éxito. Alcanzó el puesto número 1 en la lista de R&B. Mostrando el humor característico de Brown, el título era una obra de teatro con el título de la película de comedia de 1963 It's a Mad, Mad, Mad, Mad World . Si bien el significado de la canción es muy controvertido, las facetas de la civilización mencionadas en la letra "no significan nada sin una mujer o una niña" para el maestro del funk. Esta canción fue grabada como si fuera un sermón. Enumera las invenciones que han mejorado la vida del hombre, Brown atribuye todas las obras de la civilización moderna: el coche, el tren, el barco - "Como Noé hizo el arca", y la luz eléctrica - a los logros de los hombres, además, los hombres son quienes, con su poder adquisitivo económico por sus sueldos, son capaces de comprar juguetes para sus "niñas y ... niños". El mundo pintado en la canción es un mundo donde los hombres son los creadores y los que participan en el comercio entre ellos, en la esfera pública descrita en la canción, las mujeres son invisibles, pero el cantante afirma que nada de esto tiene sentido sin la compañía de una mujer. James Brown escribió esta balada a partir de algunas letras escritas por una mujer: Betty Newsome. Muchas de sus palabras fueron retomadas de la Biblia y sus experiencias con algunos de sus ex-novios, incluyendo al mismo "padrino del soul".

jueves, 28 de octubre de 2021

0301: Land of 1000 dances - Wilson Pickett


El single Land of 1000 dances de Wilson Pickett fue todo un éxito de 1966, y aunque no era una grabación original, se convirtió en la versión más inmortal de este tema. Curiosamente, una de las partes de la canción que más culpa tuvo en el éxito de la versión de Pickett (el famoso “naaa, nanananaaaa, nanananaaaa, nanana, nananaaaa, nanananaaaaaaaa”) no estaba presente en la primera versión de la canción, lanzada por el músico de Nueva Orleans Chris Kenner en 1962. Kenner quiso que fuera Fats Domino el intérprete de su canción, y éste aceptó a cambio de aparecer como compositor y recibir la mitad de los derechos de autor. Pese al nivel del cantante elegido, aquel primer Land of 1000 dances no tuvo ningún éxito.

La segunda versión del tema corrió a cargo de los rockeros Cannibal And The Headhunters, llegando hasta el número 30 de las listas estadounidenses. ¿Y qué aparecía en esta canción, que no estaba en la versión original, y que hizo del tema un éxito?  Pues precisamente los famosos "naaa, nanananaaaa, nanananaaaa, nanana, nananaaaa, nanananaaaaaaaa” aparecieron por primera vez. Lo curioso es que su presencia no fue una premeditada aportación de los integrantes del grupo de Los Angeles sino que, simple y llanamente, al cantante se le olvidó la letra, e improvisó tarareando.

La canción se hizo bastante popular en el circuito de bares y a nivel local, hasta llegar a manos de Wilson Pickett, que 1000 danzas después de la canción de Kenner y Domino, grabó una nueva versión con tarareo incluido. Su Land of 1000 dances arrasó en las listas hasta llegar al nº 1 de R&B. Su éxito y relevancia llegan hasta nuestros días, y el mítico tema ha sido interpretado por artistas como Ted Nugent, y sampleado por Devo o Public Enemy, además de haber puesto ritmo a películas como Forrest Gump o Full Monty.

miércoles, 27 de octubre de 2021

0300.- This old heart of mine - The Isley Brothers

 


The Isley brothers llevaban una carrera con algún que otro éxito durante 6 años de carrera que llevaban con el sello RCA, su comienzo fue fulgurante con canciones como “Shout” o una gran versión de “Twist and shout”, pero el éxito se estaba desvaneciendo y sus últimos sencillos apenas tenían repercusión, aunque hubieran renunciado a su estilo original y cantaran temas más parecidos a The Beatles y la ola Britanica que estaba arrasando con todos, el éxito se les resistia. 1966 sería un punto de inflexión, cansados de que RCA no fuera capaz de ayudarles en su vuelta al éxito, rompen con su compañía de siempre y firman con MOTOWN, que ya tenía en su catálogo a distintas estrellas de la música negra.

 

Uno de los primeros temas que les cedieron fue este “This old heart of mine” que en un principio había sido escrita para el grupo femenino THE SUPREMES, (más tarde grabarían su propia versión). Este tema se convertiría en el único éxito del grupo a su paso por el sello Motown y es que estamos ante una de esas canciones de Motown con una melodía alegre pero letras desgarradoras sobre un chico que está devastado por la pérdida de su chica. El pobre no puede seguir adelante, y como el cantante de " Ain't Too Proud To Beg ", ha abandonado su orgullo: "Si me dejas cien veces, cien veces te llevaré de regreso. soy tuyo siempre que me quieras ". El sentimiento de angustia que se palpa en la forma de cantar le da  una dimensión completamente nueva a la canción, los anhelos emocionales expresados ​​en las letras se hacen aún más intensos por la forma en que se trasmiten, y es quwe esa angustia agridulce había sido uno de los puntos fuertes en la larga carrera de The Isley Brothers antes de firmar con Motown, un aprendizaje que tenía sus raíces en música gospel negra, complomentado por doo-wop y rock'n'roll temprano, por lo que esos matices musicales se incorporan sutilmente en las actuaciones, con un gran efecto positivo. La unión de los talentos vocales individuales de The Isley Brothers, combinado con el sonido altamente distintivo de Motown y el posicionamiento de la compañía, debería haber garantizado un éxito masivo durante la permanencia del grupo en el sello, pero no iba a ser asi, las interpretaciones de los Isley Brothers de estas canciones, canciones que originalmente eran solo poptunes muy bailables para los adolescentes de la década de 1960, las transformaban en algo mucho más maduro, más adulto, algo que quizás era demasiado sofisticado para los adolescentes, audiencia principal de Motown. Así que la banda y el sello pronto se separaron, y debido a que Motown se percibía más como una fábrica de sencillos de éxito, en lugar de un sello de álbumes, este lanzamiento se convirtió en una especie de clásico perdido, una variante 'progresiva' del sonido de Motown, que desafortunadamente nunca tuvo ninguna posibilidad realista de ser reconocido como tal en el momento de su lanzamiento.

Rod Stewart, un gran fan de Motown y The Isley Brothers, grabó su propia versión en 1975 y la lanzó como single. Su interpretación fue un gran éxito en el Reino Unido, subiendo al n. ° 4, pero solo llegó al n. ° 83 en Estados Unidos. Lo hizo mucho mejor en Estados Unidos cuando grabó la canción a dúo con Ronald Isley en 1989. Esta versión llegó al número 10 en los Estados Unidos.

domingo, 26 de septiembre de 2021

0269: I Got You (I Feel Good) - James Brown

0269: I Got You (I Feel Good) - James Brown

I Got You (I Feel Good) es una canción del artista James Brown con un arreglo instrumental muy marcado, similar a otros anteriores éxitos del artista, pero no solo eso sino una característica del estilo funk que supo muy bien aprovechar James Brown

El artista James Brown refleja en la letra de la canción un regocijo de lo bien que se siente "nice, like sugar and spice" ahora que tiene a la persona que ama, y su voz está salpicada de gritos y chillidos, pero eso no es todo, la canción incluye un solo de saxo que marca la diferencia.

En la carrera musical de Jame Brown alcanzo llevar a la lista Billboard Hot 100 cerca de 100 éxitos, pero I Got You (I Feed Good) es la canción de Jame Brown que más alto en la lista de éxitos del artista logro alcanzar, alcanzando el número tres de la lista Billboard Hot 100

En cambio en la lista Billboard Rhythm and Blues Singles lograría alcanzar el puesto número uno, y mantenerse en esa posición durante seis semanas consecutivas, después que otro de su éxitos el sencillo, "Papa's Got a Brand New Bag", ocupara el número uno durante ocho semanas, el característico sonido del grito de James Brown al comienzo y al final de la canción es motivo de su particular estilo que lo llevo a que otros artistas del hip hop y dance samplearan y utilizaran en otras canciones y que se incluyeran eventos deportivos.

La primera versión realizada por James Brown, fue grabada en el año 1964, esta versión contenía un arreglo diferente a las versiones que el artista posteriormente editaría, la versión de 1964 incluía un ritmo tartamudo y un prominente sonido de saxo, esta primera versión fue incluida en el álbum Out of Sight de Smash Records y en la película Ski Party de 1965.

En el año 2000, I Got You (I Feel Good), alcanzó el número 21 en la lista de las 100 mejores canciones de Rock and Roll de VH1 y el número 75 en la lista de las 100 mejores canciones de baile de Rock and Roll de VH1, siendo una de las únicas siete canciones que entraron en ambas listas. Posteriormente en 2004, I Got You (I Feel Good) ocupó el número 78 en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.

Daniel
Instagram Storyboy