viernes, 26 de abril de 2024
1212 - Supertramp - Bloody Well Right
jueves, 25 de abril de 2024
1211.- Dreamer - Supertramp
martes, 23 de abril de 2024
1209.- Lover lover lover - Lonard Cohen
Lover lover lover, Leonard Cohen |
New Skin for the Old Ceremony es el cuarto álbum de estudio de Leonard Cohen. Fue grabado durante el mes de febrero de 1974 en el Sound Ideas Studio de Nueva York bajo la producción de Leonard Cohen y John Lissauer, y publicado el 30 de agosto de 1974 por el sello discográfico Columbia Records. En este disco el artista empieza a evolucionar alejándose del sonido más crudo de sus trabajos anteriores, incluyendo el sonido de violas, mandolinas, banjos, guitarras, percusión y otros instrumentos que dotan al disco de un sonido más orquestado pero a la vez manteniendo la sobriedad que caracteriza a Cohen. En Reino Unido consiguió la certificación de plata merced a sus ventas, sin embargo en Estados Unidos ni siquiera llegó a entrar la lista Billboard 200.
La portada original del álbum estuvo rodeada de cierta polémica. Originalmente era una imagen del texto del tratado alquímico Rosarium Philosophorum, que data del sigo XVI. En la portada aparecen dos seres alados y fundidos en un abrazo sexual que hicieron que el sello discográfico Columbia Records imprimiera una de las primeras ediciones del disco sin la imagen y sustituyéndola por una foto de Cohen. Otra de las alternativas iniciales para "adecentar" la portada original fue la de presentar un collage adicional de alas de ángel que cubrían las figuras representadas y fundidas en el citado abrazo sexual.
incluido en este álbum se encuentra Lover, lover lover, una joya poética que brilla dentro del vasto repertorio de Leonard Cohen. Esta canción se destaca por su profunda exploración de temas como el amor, la redención y la espiritualidad. Cohen es de sobra conocido por su habilidad para combinar letras introspectivas con melodías cautivadoras. La canción comienza con una introducción suave de guitarra acústica, estableciendo un ambiente íntimo y melancólico, y entonces la voz profunda y melódica de Cohen entra en juego, transmitiendo una sensación de nostalgia y anhelo, y a medida que avanza, la instrumentación se intensifica con la incorporación de cuerdas y coros que añaden una dimensión adicional a la canción.
Las letras de Lover lover lover son un testimonio del genio poético del artista. En ellas, Cohen reflexiona sobre su búsqueda de redención y amor, expresando un profundo deseo de ser perdonado por sus pecados pasados. Las palabras están imbuidas de una intensa pasión y una sincera vulnerabilidad, lo que hace que la canción resuene en un nivel emocional profundo con el oyente. Otro de los aspectos más destacados de la canción es la habilidad de Cohen para crear imágenes vívidas a través de su escritura. Las letras pintan un retrato evocador de un viaje espiritual, lleno de simbolismo y metáforas. Cohen utiliza la metáfora del "campo de batalla" para representar la lucha interna del narrador, mientras que la imagen del "amor como un fuego" evoca una sensación de pasión ardiente y deseo incontrolable. La canción alcanza su clímax con el coro emotivo y poderoso, donde Cohen repite el estribillo "Lover, lover, lover, come back to me" con una intensidad palpable. Esta repetición crea un efecto hipnótico que envuelve al oyente, invitándolo a sumergirse completamente en la experiencia musical.
lunes, 22 de abril de 2024
1208.- Dancing Machine - The Jackson 5
"Dancing Machine" fue la canción estrella y que dio título al que fuera noveno disco de estudio de los hermanos Jackson, aunque ya había sido grabada en una versión previa para el álbum "G.I.T.: Get It Together" (1973). Como single principal del disco de mismo nombre, se convirtió en un gran éxito que vendió tres millones de copias, y popularizó además el robótico baile de Michael Jackson para la canción, que lo interpretó por primera vez en televisión durante una actuación en el programa "Soul Train" en noviembre de 1973.
Aún no se había convertido en la "máquina de bailar" que sería en solitario, pero en "Dancing Machine" Michael Jackson ya anticipaba de algún modo lo que estaba por venir, con un baile eléctrico y que acompañaba a una de las canciones más funk y disco de la época Motown de los Jackson 5, un género que explotarían mucho más cuando dejaron la gran factoría de éxitos de Berry Gordy para pasar de ser The Jacksons.
Como curiosidad, y como algo que era habitual en las grabaciones de los Jackson 5 para Motown Records, y a la postre una de las razones por las que los hermanos Jackson dieron la espantada de la discográfica, ninguno de ellos tocó ningún instrumento en la canción. Michael Jackson y Jermaine Jackson se encargaron de las voces principales, y los Jackson 5 al completo participaron de los coros, pero la instrumentación corrió a cargo de músicos de sesión, que le pusieron el ritmo a lo que fue una auténtica y arrolladora máquina de bailar.
domingo, 21 de abril de 2024
1207 - Barry White - My First My Last My Everything
viernes, 19 de abril de 2024
1205.- Sea Song - Robert Wyatt
jueves, 18 de abril de 2024
1204.- I Want to See the Bright Lights Tonight - Richard and Linda Thompson
I Want to See the Bright Lights Tonight |
I want to See the Bright Lights Tonight es el segundo álbum de estudio lanzado por Richard Thompson, y el primero que incluye a su por entonces esposa, Linda Thompson. Fue grabado en los Sound Techniques Studios de Chelsea, Londres, bajo la producción de Richard Thompson y John Wood, y publicado el 30 de abril de 1974 por el sello discográfico Island Records para Reino Unido, y por el sello Hannibal Records en 1983 para Estados Unidos y Canadá. Aunque el disco no se vendió apenas y fue ignorado por la critica (no fue lanzado hasta 1983 fuera del Reino Unido), ha sido considerado como "una obra maestra atemporal" y considerado como uno de los mejores lanzamientos de los dos cantantes, ya sea trabajando juntos o en solitario.
Después del fracaso de su primer trabajo, Henry the Human Fly, el cantautor y guitarrista británico Richard Thompson inició una relación personal y profesional con Linda Peters, una cantante de sesión. Fruto de esa relación nació I Want to See the Bright Lights Tonight, que fue titulado provisionalmente Hokey Pokey, y se grabó con un reducido presupuesto de 2.500 libras esterlinas. Este segundo trabajo de Richard, y primero con su mujer, fue considerado por la crítica como una obra maestra, un clásico del folk rock inglés.
Incluido en este álbum se encuentra la canción que da título al mismo, una canción que con su melodía melancólica y letras evocadoras, se ha convertido en un himno para aquellos que anhelan escapar de la monotonía de la vida cotidiana y sumergirse en la promesa de la noche. La canción comienza con una introducción atmosférica de guitarra acústica, que establece de inmediato un ambiente íntimo y contemplativo. A medida que avanza, la voz distintiva de Richard Thompson entra en juego, transmitiendo una sensación de anhelo y urgencia. Su estilo de canto directo y emocional se combina perfectamente con la letra, que narra el deseo de escapar de la rutina y buscar la emoción de la vida nocturna. Las letras pintan vívidamente imágenes de la ciudad iluminada por luces brillantes, evocando una sensación de fascinación y asombro. Richard y Linda Thompson logran capturar la dualidad de la noche, mostrando tanto su atractivo seductor como su aura de misterio. A medida que la canción avanza, la intensidad aumenta, con arreglos de guitarra eléctrica que añaden un toque de energía y emoción.
Uno de los aspectos más destacados de I Want to See the Bright Lights Tonight es la armonía vocal entre Richard y Linda Thompson. Sus voces se entrelazan de manera hipnótica, creando una sensación de unidad y complicidad que eleva la canción a nuevas alturas. Esta colaboración única entre marido y mujer añade una capa adicional de profundidad emocional a la canción, haciendo que resuene aún más en el corazón del oyente. A lo largo de la canción, se exploran temas universales como el deseo de escapar, la búsqueda de la felicidad y la tentación de lo desconocido. Es una canción que trasciende el tiempo y el espacio, transportando al oyente a un lugar donde los sueños y la realidad se entrelazan en la oscuridad de la noche.
miércoles, 17 de abril de 2024
1203.- Boogie On Reggae Woman - Stevie Wonder
Boggie On Reggae Woman, Stevie Wonder |
En 1974 Stevie Wonder publica su decimoséptimo álbum de estudio, Fulfilllingness' First Finale. Es grabado en los Record Plant y los Westlake Studios de Los Angeles, y en los Mediasound y lo Electric Lady Studios de Nueva York, bajo la producción de Robert Margouleff, Malcolm Cecil y del propio Stevie Wonder, y publicado el 22 de julio de 1974 por el sello discográfico Tamla Records, subsidiario de Motown Records.
Este disco fue el segundo del artista en encabezar la lista estadounidense Billboard Top LPs & Tapes, permaneciendo dos semanas, y también alcanzó el puesto número 1 en la lista Billboard Soul LPs, donde estuvo instalado durante nueve semanas, anunque no consecutivas. Tuvo su culminación en la entrega anunal de los Premios Grammy de 1975, donde ganó en tres categorías: "Álbum del año", "Mejor Voz Pop Masculina" y "Mejor Interpretación Vocal Masculina de Rythm and Blues".
Incluído en este álbum se encuentra Boogie On Reggae Woman. Fue lanzada además como sencillo y continuó con la exitosa racha de Wonder en las listas de ventas. De hecho, con esta canción fue con la que ganó el premio Grammy a la "Mejor intepreetacón vocal masculina de R&B". En este punto de su carrera, Wonder se había ganado el derecho a negociar un contrato con Motown Records que le daba prácticamente el control total de sus grabaciones. Aprovechó para hacer algunas cancones de corte muy político, pero también grabó algún material más ligero, como Boogie On Reggae Woman. El éxito de Johnny Nash de 1972 con la canción "I Can See Clearly Now" demostró que el reggae podía tener hueco en las listas de éxitos, y Wonder apostó por utilizar este rirmo para esta canción.
Stevie Wonder grabó la canción en un momento muy prolíficio en su carrera. Tenía 21 años y había conseguido ya un más que prometedor contrato con Motown records. Con la ayuda de los ingenieros Margouleff y Cecil grababa constantemente, reservando tiempo en el estudio dondequiera que estuviera. Boogie On Reggae Woman fue una de esas muchas canciones que se grabron en aquel periodo, la cual estaba originalmente programada para su álbum Innervisions (1973), pero Margouleff logró convencerle de que encajaba mejor con su disco siguiente, Fulfillingness First Finale.
lunes, 15 de abril de 2024
1201 - Neil Young - Walk on
domingo, 14 de abril de 2024
1200.- It ain't no use - The Meters
viernes, 12 de abril de 2024
1198.- Don't let the sun go down on me - Elton John
miércoles, 10 de abril de 2024
1196 - Eric Clapton - Motherless Children
martes, 9 de abril de 2024
1195.- I Shot the Sheriff - Eric Clapton
I Shot the Sheriff, Eric Clapton |
461 Ocean Boulevard es el segundo álbum de estudio en solitario de Eric Clapton. Fue grabado entre los meses de abril y mayo de 1974 en los Criteria Studios de Miami, bajo la producción de Tom Dowd, y publicado en julio de 1974 por el sello discográfico RSO Records. Su regreso, después de sus problemas con la heroína, con este disco se saldó encabezando muchas listas de países y vendiendo más de dos millones de copias. El título del disco hace referencia a la dirección en Ocean Boulevard, en Golden Beach, Florida, donde Clapton estuvo viviendo mientras grababa el álbum.
Después de superar sus adicciones a la heroína, Clapton se dio cuenta de que había desperdiciado tres años de su vida, donde lo único que había hecho es estar tirado y ver televisión. Cuando el guitarrista buscó ayuda, se puso a trabajar en una granja y comenzó a escuchar mucha música nueva y viejos discos de blues que había traído consigo, además comenzó a tocar la guitarra de nuevo, escribiendo incluso canciones enteras a partir de ideas simples. Con estas ideas en mente, Clapton recibió una cinta de demostración del ex bajista de Dereck and the Dominos Carl Radle, con canciones interpretadas por el propio Radle, con el tecladista Dick Sims y el baterista Jamie Oldaker. A Clapton le encantaron estas grabaciones, las cuales le parecieron simplemente magníficas.
Cuando Clapton se puso a escribir material para su nuevo disco, quería dejar sus canciones lo más incompletas posible, para que los músicos que fueran a grabar con él, tuvieran la oportunidad de colaborar y hacerlas suyas. El músico estaba ciertamente preocupado por el éxito comercial y artístico que el disco pudiera tener. Tenía la certeza de que sólo funcionaría si había química entre los músicos. Para tal empresa fichó a Carl Radle (bajo), Jamie Oldaker (batería), Dick Sims (teclados), Albhy Galuten (piano) y George Terry (guitarra, coros).
Incluido en este álbum se encuentra una versión de una canción de Bob Marley, titulada I Shot the Sheriff. Dicha canción había sido lanzada por Marley con su banda The Wailers en 1973. Sobre el significado de la canción, Marley llegó a afirmar: "Quería decir 'le disparé a la policía' pero el gobierno habría montado un escándalo, así que dije 'le disparé al sheriff' en su lugar... pero la idea es la misma: justicia". Clapton no estaba muy seguro de publicar su versión porque pensaba que podría parecer una falta de respeto para Bob Marley. Los miembros de su banda y su mánager lo convencieron de que no solo debía ir en el disco, sino que también debía lanzarse como sencillo. Más tarde Clapton llegó a Hablar con Marley sobre la canción: "Traté de preguntarle de qué se trataba la canción, pero no pude entender mucho su respuesta. Me sentí aliviado de que le gustara lo que habíamos hecho". Clapton mantuvo el timo reggae de la canción original, pero le metió un estilo más rockero, con órgano y guitarra marcando el ritmo. En Estados Unidos, por aquella época el reggae no era muy grande, pero Clapton, con su toque de reggae mezclado con rock dio en el clavo.
lunes, 8 de abril de 2024
1194 - Grateful Dead - Scarlet Begonias
domingo, 7 de abril de 2024
1193 - Aerosmith - Lord of the things
sábado, 6 de abril de 2024
1192 - Robin Trower - Bridge of sighs
miércoles, 3 de abril de 2024
1189.- Bad Company - Bad Company
Bad Company, Bad Company |
En 1973, Paul Rodgers (vocalista y pianista) y Simon Kirke (batería) que acababan de dejar el grupo Free, se juntan con Mick Ralphs (guitarra) ex miembro de Mott the Hopple, y con Boz Burrel (bajo) ex miembro de King Crimson, y fundan el grupo llamado Bad Company, llamado así por la obsesión de Paul Rodgers por una película del genero western también llamada así. En 1974 debutan con el disco titulado como la formación Bad Company, publicado por la compañía propiedad de Led Zeppelin Swan Song. Nos encontramos con un disco rockero con marcadas influencias bluseras.
martes, 2 de abril de 2024
1188.- Can't Get Enough - Bad Company
Can't Get Enough, Bad company |
Bad Company es el álbum debut de la banda de rock inglesa Bad company, compuesta por Paul Rodgers (voz), Mick Ralphs (guitarra), Boz Burrell (bajo) y Simon Kirke (batería). Fue grabado durante el mes de noviembre de 1973 en el Mobile Studio de Ronnie Lane, en Headley Grange, Inglaterra, bajo la producción del propio grupo, y publicado en mayo de 1974 bajo el sello discográfico Swan Song Records, propiedad de Led Zeppelin, en Estados Unidos, y de Island Records en el Reino Unido.
Incluido en este álbum se encuentra la canción Can't Get Enough, donde se entremezclan un refinado sonido hard rock con un excelente toque blusero imprimido por la genial voz de Paul Rodgers. Esta canción fue el mayor éxito del grupo en las listas de ventas, alcanzando el puesto número 5 en la lista estadounidense Billboard Hot 100, y el número 1 en la lista de los 100 mejores sencillos de la revista Cashbox. Está acreditada al guitarrista Mike Ralphs, quien utilizó una afinación diferente de su guitarra para la grabación. Fue escrita cuando el guitarrista todavía estaba con el grupo Mott the Hopple, pero la banda no mostró interés en ella y la descartó.
Can't Get Enough se ha convertido por derecho propio en una de esas canciones icónicas que perduran en el tiempo, cautivando a generaciones con su poderosa mezcla de rock y blues. Desde sus primeros acordes de guitarra hasta la voz distintiva de Paul rodgers, hacen que la canción se haya convertido en un himno atemporal que encapsula la esencia del rock. La letra de la canción gira en torno a un tema universal: El deseo ardiente y la obsesión por un amor inalcanzable. Con líneas como "I can't get enough of your love" (No puedo tener suficiente de tu amor), la canción transmite la intensidad de la pasión y el anhelo que consume al protagonista. La sección rítmica de la batería de Simon Kirke y el bajo de Boz Burrell, se fusionan perfectamente con las guitarras de Ralphs y la voz de Rodgers para regalarnos uno de los grandes momentos del rock.
lunes, 1 de abril de 2024
1187 - Aquelarre - Silencio marginal
"Silencio Marginal" es una joya musical que encapsula el talento y la profundidad artística de Aquelarre, una influyente banda argentina que emergió en la década de 1970. Formada por músicos virtuosos como Héctor Starc en la guitarra, Hugo González Neira en el bajo, y Rodolfo García en la batería, junto con la voz inconfundible de Carlos Cutaia, Aquelarre dejó una huella indeleble en la escena del rock argentino.
A lo largo de su carrera, Aquelarre se destacó por su habilidad para fusionar elementos de rock progresivo, blues y música folclórica argentina, creando un sonido distintivo que resonó con una amplia audiencia. "Silencio Marginal" es un ejemplo perfecto de esta fusión de estilos, con sus guitarras eléctricas hipnóticas, ritmos cautivadores y letras profundas que exploran temas universales como la soledad y la búsqueda de significado.
Aquelarre no solo fue una fuerza innovadora en el ámbito musical, sino que también desafiaron las convenciones sociales y culturales de su tiempo. En un momento de agitación política y social en Argentina, su música se convirtió en una voz para aquellos marginados y alienados por la sociedad. Canciones como "Silencio Marginal" sirvieron como un reflejo de las luchas y las esperanzas de toda una generación.
Además de su impacto en la escena local, Aquelarre también ganó reconocimiento internacional, llevando su música a audiencias de todo el mundo. Su legado perdura hasta el día de hoy, y canciones como "Silencio Marginal" continúan siendo celebradas como ejemplos sobresalientes del talento y la creatividad de esta icónica banda argentina.
"Silencio Marginal" no solo es una canción excepcional en términos musicales y líricos, sino que también es un testimonio del impacto perdurable de Aquelarre en la historia del rock argentino. Su habilidad para combinar diferentes influencias musicales con una profundidad emocional y social lo convierte en un hito en la música latinoamericana y en un recordatorio del poder transformador del arte.
Daniel
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