Grupos emergentes: DAPHNE en la sala Maravillas

 Creo que no había estado nunca antes en la Sala Maravillas, una pequeña sala de conciertos en el centro de Madrid, perfecta para la ocasión de ver también por primera vez a DAPHNE en concierto, y de disfrutar del directo de tan solo dos músicos con la energía suficiente para sonar como si fueran cuatro.

El concierto empezó puntual a las diez de la noche, tal y como nos había comentado Davinia, siempre pendiente de que todo fuera a la perfección durante la velada. A la izquierda el set de batería de Jesús, y a la derecha el micro y los pedales para Marcos, en un espacio que se le quedaba pequeño para su derroche de movimientos al mando del bajo.

Empezaron a caer los primeros temas, abriendo con "El círculo", "Al otro lado" y "Arañas", de su último EP. Nos habíamos buscado un hueco en la primera fila, después de pillar un par de cervezas para disfrutar del concierto. Gran error porque cerveza en mano fue más complicado aplaudir el talento de DAPHNE al final de cada canción, y merecieron con creces tanto el aplauso de 7dias7notas como de los asistentes al concierto.

Hubo también espacio para nuevas canciones, como "Alfileres", y para temas como "Pennywise" o "Born to be wild" que continuaron calentando el ambiente. Terminaron el repaso completo de su EP con "Lilas en tu Piel", no sin antes hacer referencia a la ola de frío que se cernía sobre Madrid en los próximos días antes de atacar "La tormenta" o "Huracán" (la presentaron con un nombre diferente al que estaba en la setlist que amablemente nos facilitaron).


No son DAPHNE un par de músicos temerosos al frío, aunque les guste sentir el calor de su público. El último tema fue una locura de improvisación eléctrica, acompañados de sus fans más allegados, a los que invitaron a subir al escenario. Final a lo grande y en el calor de la mejor compañía.




Y después de vuelta al frío una vez finalizado el concierto. Ya relajados tras el deber cumplido, mientras en la sala tocaban sus amigos de "Zisne Blanco",  al salir del local pudimos tener con ellos una distendida conversación sobre los duros comienzos, los planes de futuro y simplemente charlar y compartir gustos y referencias musicales.

Mencionaron a Jack White, Primus, Rage against the Machine y una larga lista de influencias de músicos a los que pacientemente han estudiado, en su constante obsesión por crecer y avanzar en el camino, que de momento les ha llevado a dar buenos conciertos como el que os hemos contado.

La noche seguía cayendo en la puerta del Maravillas, y con ella el frío iba en aumento, así que nos despedimos de ellos deseándoles suerte para el futuro.
Volvieron al local para ver la actuación de "Zisne Blanco", y nosotros emprendimos el camino de vuelta a casa, llevando con nosotros unos CD's de su último EP y un puñado de buenas canciones en directo en el recuerdo.

¡¡¡Gracias DAPHNE y hasta la próxima!!! 

Canciones que no soporto: Still of the Night, Whitesnake

Whitesnake, Whitesnake (1987)

     Whitesnake, es un grupo británico liderado por el genial vocalista David Coverdale, el cuál lo forma a finales de los años 70 al abandonar Deep Purple. En 1987 edita el que sería su séptimo álbum de estudio, titulado con el nombre del grupo, Whitesnake.
El disco en cuestión fue un gran éxito de ventas tanto en el viejo continente cómo en Estados Unidos. Para hacernos una idea, solamente en Estados Unidos vendieron más de ocho millones de copias.

     En el disco podemos encontrar temas cómo Here I Go Again y Is This Love, que alcanzaron los puestos numero 1 y 2 respectivamente dentro de la famosa lista Top 10 de Billboard.  El disco alcanzaría la certificación de disco doble de platino.

     Este disco vino a certificar la línea ascendente de popularidad y ventas de la banda en el mercado americano. Un mercado que desde principios de los años ochenta se había propuesto conquistar David Coverdale.

     En dicho disco también podemos encontrar el tema titulado Still of The Night, con el que alcanzaron el puesto numero 18 en las listas de ventas en Estados Unidos y el 16 en el reino Unido. En el año 2009 fue nombrada en el puesto nº 27 de la lista a la mejor canción de todos los tiempos por la cadena VH1.

     El problema que tengo con este tema en particular es porque representa y define perfectamente el cambio de sonido que el grupo comenzó a experimentar progresivamente desde comienzos de los años 80, pues como comenté anteriormente, uno de los objetivos del grupo era triunfar en Estados Unidos. Y lo consiguieron, a base de sacrificar el sonido de los primeros discos, que era un sonido más basado en el blues, el soul y el rock por un sonido mucho más contundente, un sonido más pesado, basado casi exclusivamente en el Hard Rock que imperaba en la época, un sonido que vendía discos como rosquillas.

     Está claro que el objetivo fundamental de un grupo que se precie es vender discos, porque también tienen la fea costumbre de pagar facturas, alimentarse y vivir, pero donde quedó ese sonido que Whitesnike imprimió en discos como Trouble ó  Love Hunter.

El disco de la semana 113: Nina Persson - Animal Heart

Hay discos para casi todas las situaciones de la vida. Discos para agitar cabezas, para chasquear los dedos, discos a todo volumen mientras pasas la aspiradora, discos que suenan insulsos de fondo en un ascensor, discos para escuchar en los discos en rojo, discos para poner la mente en blanco, discos a los que poner verde,  discos de oro y de platino, discos grandes y pequeños, y discos bellos y contradictorios como el "Animal Heart" de Nina Persson.


Y es que a Nina Persson le gustan las contradicciones. Lo leí en alguna entrevista hace tiempo, precisamente durante la promoción de este "Animal Heart". Empezando por su etiqueta de "disco de debut" en solitario, cuando en realidad cuenta con la colaboración de su marido Nathan Larsson en la parte instrumental. El hecho es que ambos ya trabajaron juntos previamente en los dos discos del proyecto "A Camp" que se desarrolló en paralelo a los discos de "The Cardigans" y que podrían considerarse como proyectos previos en solitario de la artista sueca.



Otro ejemplo lo encontramos en el título del disco y de la canción que lo inicia. Su  "Animal Heart" (Corazón Animal) nos haría esperar un disco más rápido y eléctrico, que dejara salir al animal salvaje que lleva dentro, cuando en realidad nos encontramos ante una obra reflexiva y taciturna, cargada de baladas y medios tiempos capaces de emocionarnos gracias a la calidad de las composiciones y, sobre todo, al talento de una voz que te cala hasta los huesos.

Eso es lo que ocurre en "Burning Bridges for Fuel". El trabajo que realiza en este tema con su voz llega a momentos de auténtica excelencia. Quemar los puentes para conseguir combustible no parece la mejor de las soluciones, pero llega a convencernos si nos lo cuenta en la que probablemente es la mejor canción del disco.

Del sueño de escapar corriendo, salta sin previo aviso al lado opuesto en "Dreaming of houses", en la que el placer está en quedarse en casa tranquilamente. Su voz es tan intensa y peculiar que, tanto si quiere huir por la autopista como si propone tomar una taza de chocolate junto a la chimenea, nos parecerá buena idea mientras sea ella la que suene por los altavoces del coche o del equipo de música.

"Clip Your Wings" es junto a "Animal Heart" uno de los temas más pop y con toques más electrónicos, en ambos se nota que la producción ha sido cuidada para que fueran las banderas del disco, pero el resto de temas no les desmerecen.

Los momentos más animados llegan también con "Food for the beast" y "Catch me crying", leves incrementos de intensidad que no rompen el ambiente sosegado que transmite el disco en conjunto.


Ella conoce bien sus armas y las despliega a su antojo. Puede estar hipnotizándonos con su dulzura en "Forgot to tell you" y cantar después en "The Grand Destruction Game" con la actitud folkie y el poso de una mujer a la que ya no le pillan de sorpresa los baches del camino, aunque reconozca que cada vez se hace más duro esconderse en la jungla en la que vivimos ("Jungle").

El disco cierra con "This is heavy metal", la canción más minimalista y desnuda del disco, todo un ejercicio de contradicción en sí misma, apenas un piano y un ejercicio vocal impresionante para una balada en la que Nina canta desde muy adentro. En las antípodas del heavy metal, y al mismo tiempo emocionalmente es material del duro.

¿Y cuál es la situación en la que mejor encaja este disco? Lo mejor es que lo decidáis después de escucharlo. En mi caso, me encanta este disco para escucharlo por la noche y dejar que Nina Persson me cante al oído hasta que el sueño me venza. En realidad puedes dormirte ayudado por cualquier disco, pero pocos discos hay que hagan que te duermas feliz.

En esta categoría está este "Animal Heart", pero ahora que lo pienso también lo he escuchado chasqueando los dedos, a todo volumen mientras pasaba la aspiradora, en la tensa espera de un semáforo y en la calma del desayuno de un sábado. Que gran contradicción.

Grupos emergentes: Entrevista a "SeñorNadye"

Hoy os traemos a nuestras entrevistas a Grupos Emergentes una banda de estilo Indie rock alternativo, con el particular nombre de SeñorNadye fundada en 2016, ellos vienen de la Alcarria con muchas ganas de disfrutar de lo que hacen, con un camino recorrido y con la sinceridad y la espontaneidad por bandera. Sus componentes son: Daniel Díaz (compositor, cantante y guitarra acústica), Eduardo Pérez (guitarra eléctrica y segundas voces), Virginia del Moral (guitarra eléctrica), Efrén Gordillo (Bajo), Pablo Igualada (teclados) y Nerea Platero (batería). Con mucho esfuerzo y después de alguna presencia en festivales han dado el salto, y en verano de 2018 grabaron su disco debut que contiene 10 temas propios de la mano de Rock CD Records.
Hemos estado con ellos y sus palabras y su tono dejan a las claras que saben cual es el camino y es esfuerzo que requiere, y sin duda con ese puntito de suerte que todos necesitamos en la vida seguramente darán mucho que hablar, desde 7dias7notas nosotros nos gustaría, pero sino llegara seguro que van a disfrutar de este viaje tengan o no tengan éxito, porque cuando uno se siente satisfecho creando música el resto muchas veces es accesorio.... pero vamos a ir conociéndolos.

- ¿Cuándo os conocisteis y empezasteis a tocar juntos?

Uff, somos de la misma pandilla, vivimos en un pueblo no demasiado grande y los raros tendemos a juntarnos jejeje, hemos tocado en diferentes proyectos juntos. 

- ¿De dónde viene el nombre del grupo?

Dani, el cantante, se llamaba así cuando estaba en solitario, porque es muy disléxico y es un juego con las letras de su nombre. Al resto nos hacía gracia y decidimos continuar como grupo bajo ese nombre.

- En “ojitos tristes” hacéis referencias a Robe y su “buitre no come alpiste”, pero vuestro estilo musical es completamente diferente de Robe y Extremoduro, hasta el punto de que os definís como un grupo de Rock indie y alternativo. ¿Qué grupos os han influenciado?

La lista es interminable, pero sobretodo escuchamos mucho rock de aquí; Calamaro, Barricada, Marea, Héroes del silencio, Vetusta Morla, Lori Meyers, Sidonie, Viva Suecia, Rufus, Boza…

- En “El día de la Navidad” habláis de la nostalgia por la infancia perdida, ¿Os gustaría poder encontrarla o se vive mejor como un adulto, disfrutando de la carretera, los conciertos, las grabaciones…?

No esperamos encontrarla, porque las cosas se viven solo una vez y el resto son fotocopias que se van quedando sin tinta progresivamente, de mayorcitos no estamos mal tampoco.

- ¿Cuál es vuestra canción favorita del disco?

Eso depende del día. 

- Participasteis en la II edición del Carrefest Music talenten el año 2017, donde había inscritas unas 650 bandas, y os llevasteis el premio Ganador del público con vuestro tema Hermano. ¿Que se siente al ver vuestro trabajo recompensado y ser los más votados delante de tantos grupos? 

Pues se siente uno muy agradecido a su público, el nuestro no destaca por su cantidad sino por su calidad.  Toda la gente se involucró muchisimo haciendo suya la victoria, y es que en realidad la victoria fue suya, ese concurso lo ganaron ellos, no nosotros.

- Hace poco os presentasteis al concurso de bandas emergentes de la ciudad de Porcuna (Jaén), en la que había 166 bandas inscritas, y habéis sido seleccionados entre los ocho semifinalistas. El tema de los concursos de grupos es una de las vías que habéis decidido utilizar para abriros camino en duro mundo de la música?

Si, es un buen sitio por donde empezar, si bien es cierto que tu ves los comienzos de las bandas que ahora son cabezas de cartel y todas empezaron ganando algún concurso en sus inicios; Vetusta Morla, Viva Suecia,Lori Meyers… 

- Los comienzos son duros, ¿Qué es lo que os anima a seguir trabajando duro, a no desfallecer y tirar la toalla? Hombre… pues no sé, en realidad no sabemos hacer mucho mas que canciones y música, el no tener un plan B demasiado claro ayuda a que esto sea una especie de huida hacia delante muy agradable y llevadera. 

- ¿Qué opináis de la situación en que se encuentra el panorama musical en nuestro país actualmente?

Yo siempre que he oído hablar de la “industria musical" era para decir que estaba en crisis, desde que tengo uso de razón, no recuerdo otra cosa. Si hablamos del nivel musical creemos que llevamos una temporadita en los que se están haciendo cosas acojonantemente buenas.

- En nuestro blog tenemos una sección de “Canciones que no soporto”, ¿Os atreveríais a nombrar justo lo contrario, a confesar esa canción que nadie soporta pero que en silencio tarareáis?  Por eso llegaba con la carita empapada esperando con rosas (mil rosas para ti)…De la oreja de Van Gogh… ¡¡que TEMAZO joder!!

- ¿Qué planes tenéis a corto plazo, hasta dónde le gustaría llegar a Señornadye?

Con ver la luz de un nuevo día nos conformamos, no está la cosa para andarse con exigencias.

Agradecidos y emocionados por haber podido conocer un poquito mas a estos "SeñorNadye", no nos queda otro deseo de que el disco que publicaron sea el exito que ellos se merecen y que os acerqueis por cualquier via que han puesto a vuestra disposicon a escuchar su musica porque realmente merece la pena.

PAGINA OFICIAL DEL GRUPO: https://senornadye.blogspot.com/

La música en historias: Ian Gillan y el bar

Ian Gillan y Ritchie Blackmore

     Ian Gillan, junto a Ritchie Blackmore, Roger Glover, Ian Paice y John Lord vivió unas de las etapas doradas del grupo Deep Purple. Una etapa dorada donde no todo fue de color de rosas, pues la relación de Gillan con ritchie Blackmore nunca fue buena, ¿cuestión de egos?

     Una relación que está llena de anécdotas y curiosidades. Cómo la que nos ocupa en este post, revelada por Ian Gillan en la que admitía que cuando estaban tocando en directo, le encantaban los solos de Ritchie Blackmore. Y le gustaban porque según él, cuando tocaban por Inglaterra, cerca del escenario casi siempre solía haber pubs, hecho que era aprovechado por éste para abandonar el escenario, y mientras Ritchie se marcaba esos solos interminables marca de la casa, Ian se tomaba algo tranquilamente en el pub de turno.

     Pero claro, la fama de Deep Purple creció exponencialmente y de repente se vieron tocando en escenarios mucho más grandes, estadios, etc. Como es lógico Ian ya no podía abandonar el edificio, pero eso no le impedía meterse entre los bastidores del escenario y ponerse a jugar a las cartas con el personal del grupo.

     Una anécdota revelada de primera mano por Ian Gillan que nos da una idea bastante aproximada de la relación que tenía con Ritchie Blackmore. Una relación que convirtió en un hervidero continuo  el seno de uno de los grupos de Rock más grandes de la historia.

Canciones que nos emocionan: While Your Lips Are Still Red, Tuomas Holopainen

Lieksa! (2007)

     Con esta publicación estrenamos una sección nueva en 7dias7notas. Si bien tenemos una sección en la que hablamos de canciones que por uno u otro motivo no soportamos, todos tenemos temas que producen en nosotros el efecto contrario, nos ponen los pelos de punta, nos emocionan, nos hacen llorar, etc. En esta sección que arrancamos hoy vamos a hablar de esos temas que precisamente nos producen ese efecto, emocionarnos.


     Corría el año 2007 y Tuomas Holopainen (Teclista, compositor y líder del grupo Nightwish) y Marco Hietala (Bajo del grupo Nightwish) coescriben y componen un tema que se convierte en el tema principal de la banda sonora de la película finlandesa llamada Lieksa!, escrita y dirigida por el director de cine también finlandés Markku Pölönen. Película que tiene como hilo conductor a la familia Koppelo, una familia que vive de forma ambulante, y que tiene una forma de ganarse la vida un tanto peculiar. Un día intentando robar un vehículo a un hombre la cosa se tuerce y acaban secuestrándole. Película de la que no cuento más para no estropearos el argumento por si os apetece verla.


     El caso es que el tema principal de la banda sonora, como comenté anteriormente es un tema que Tuomas y Marko, ambos del grupo Nightwish escribieron para esta película. El tema está interpretado por estos dos músicos y por Jukka Nevalainen, batería también de Nightwish. Este tema está incluido en la discografía de Nightwish por deseo de Tuomas, que comentaba que no se sentía a gusto atribuyéndose la autoría personal del tema, de hecho es tocado por la banda habitualmente en sus conciertos.

Sweet little words made for silence
Not talk
Young heart for love
Not heartache
Dark hair for catching the wind
Not to veil the sight of a cold world

Kiss while your lips are still red
While he`s still silent
Rest while bosom is still untouched, unveiled
Hold another hand while the hand`s still without a tool
Drown into eyes while they`re still blind
Love while the night still hides the withering dawn

First day of love never comes back
A passionate hour`s never a wasted one
The violin, the poet`s hand,
Every thawing heart plays your theme with care

Kiss while your lips are still red
While he`s still silent
Rest while bosom is still untouched, unveiled
Hold another hand while the hand`s still without a tool
Drown into eyes while they`re still blind
Love while the night
still hides the withering dawn.





     El tema comienza con una introducción de teclado que ya desde el comienzo aventura que algo grande va a pasar, y entonces Marco Hietala empieza a susurrarnos el tema mientras se suceden imágenes de la película alternadas con imágenes de Marco cantando acompañado por detrás de Tuomas y actores de la película. Tema que va poco a poco creciendo para acabar atrapándonos y que va acompañado de un violín que le da al tema un toque espectacular.


     Para mí es un tema maravilloso, lo he escuchado miles de veces y siempre que lo vuelvo a escuchar me sigue produciendo las mismas sensaciones que me produjo la primera vez que lo escuche. Un tema además que desde la primera vez que se lo descubrí a mi mujer lo hizo suyo, su tema favorito. Buen momento para volver a escucharlo si ya lo conocéis, y si no para descubrirlo....

La música en historias: Los Bastardos Codiciosos

The Greedy Bastards

     Corría el año 1978, y Thin Lizzy por fín se habían consolidado en el panorama rockero gracias a sus magníficos discos Jailbreak (1976) y Johnny the Fox (1977).  En ese año, y en plena ebullición del Punk, a Phil Lynott, lider de Thin Lizzy que era culo inquieto y siempre estaba pensando en ampliar miras se le ocurre formar una banda paralela junto a los dos integrantes de los Sex Pistols Steve Jones y Paul Cook. Este proyecto fue llamado The Greedy Bastards.

     Más tarde, a este trío se le sumaría un cuarto integrante, Johnny Thunders, guitarrista de los New York Dolls. A este cuarteto durante aquella época era habitual verle tocar asiduamente por los locales de Londres.

     Uno de los puntos álgidos de esta formación llegaría el 29 de julio de 1978, cuando este cuarteto tocaría en el Electric Ballroom de Londres. Y esa noche Los Greedy Bastards, compuestos por Lynnot, Cook y Jones tocaron acompañados de Scott Groham y Brian Downey, los dos componentes en Thin Lizzy, Jimmy Bain (Rainbow), y los guitarristas Chris Spedding y Gary moore. Aquella noche todos los presentes regalaron al público una memorable y atronadora sesión musical.

     Thin Lizzy después de aquella actuación se marcharon a realizar la memorable gira que se marcaron por Estados Unidos como teloneros del grupo Queen. Acabada dicha gira, Lynott se vuelve a juntar con Cook y Jones para realizar otra actuación, esta vez acompañados de Brian Downey, Scott Gorham y Gary Moore (toda la formacion de Thin Lizzy en ese momento junto con Lynott), a los que se le suman Bob Geldoff y Johnnie Fingers (Componentes por entonces de los Boomtown Rats). Todos juntos volvieron a deleitar a todos con otro memorable y estruendoso concierto.

     La última vez que tocaron los Greedy Bastards, Lynott, Cook y Jones fue para hacer su propia versión del Merry Jingles. Esa sería la última vez que tocarían juntos. 

En cierto modo, aunque lo negaran, quizás daban igual las pretensiones de futuro que pudieran tener todos estos músicos, ya que igual simplemente significó una válvula de escape para todos ellos, ya que por encima de todo, lo que querían era divertirse y pasárselo bien, después de tanta presión soportada en sus respectivos grupos de origen, que es justamente lo que hicieron, quizás.

El disco de la semana 112: Helloween - Keeper of the Seven Keys part I

Helloween

Keeper of the Seven Keys part I

(1987)

     Para esta ocasión traemos bajo el brazo a uno de los padres del género Power Metal, Helloween. Si bien es cierto que ya habia algún que otro grupo que ya había hecho sus pinitos con aquel por entonces nuevo sonido, Helloween fue uno de los que acabaron por darle un empujón defintivo convirtiéndose en unos de los padres del género.
El disco elegido es Keeper of the Seven Keys part I, publicado en 1987 y considerado una de las obras maestras del género Power Metal.

     Corría el año 1986, y Helloween ya tenían publicados un EP titulado Helloween (1985), y un LP, Walls of Jericó (1985), disco donde el grupo ya empieza a dejar muestras del sonido Power, con unas composiciones con mucha más melodía de lo normal para lo que imperaba en la época.
      Como dato comentar que debido al éxito que alcanzaron después, en 1988, por motivos estratégicos decidieron editar ese primer EP y Walls of Jericó juntos en formato compilatorio.

     Como comentaba, nos encontramos en 1986, y el grupo se encuentra formado por Ingo Schwichtenberg a la batería, Markus Grosskopf al bajo, Michael Weikath a la guitarra y Kai Hansen a la guitarra y las voces. Pero el grupo tiene un problema, Kai Hansen, es el hombre que lleva la gran parte de composición de los temas, además de tocar la guitarra y ocuparse de la parte vocal. Todo esto generaba problemas para Kai, que tenía problemas para cantar y tocar la guitarra a la vez, por lo que deciden contratar a un vocalista, y después de darle vueltas y alguna que otra negativa de vocalistas contrastados a unirse al grupo acaban fichando a un joven de 18 años llamado Michael Kiske, el cual cantaba en una desconocida banda local llamadaIII Prophecy.

     El fichaje de Kiske, magnífico vocalista con influencias de Dickinson entre otros, unido al magnífico grupo y a las grandes composiciones del genial guitarrista Kai (que por fín se podía centrar en las composiciones y los arreglos) darían como resultado una auténtica joya, dónde las melodías se suceden tocadas por los dos guitarristas al unísono y a una velocidad endiablada y donde Kiske el jovenzuelo nos pone los pelos de punta desde el primer momento que abre la boca.

     En un principio, los planes del grupo eran sacar un disco doble Keeper of the Seven Keys  part I y Keeper of the Seven Keys part II, pero su discográfica, Noise Records se negó y al final no les quedó otra que sacarlos por separado.

     Comienza el disco con Initation, una breve apertura de poco más de un minuto en plan banda sonora, que empalma directamente con el segundo tema I'm Alive, donde el tema se sucede a una velocidad endiablada, donde empezamos a descubrir una sucesión de solos que van alternados con otros solos pero doblados por los dos guitarristas, brutal. Y Michael Kiske hace demostración de su gran poderío vocal.

     A Little Time, uno de los grandes clásicos de la banda, curiosamente compuesto por Kiske (y es que el chaval también compone). Tema en una línea más clásica, hasta que empiezan a sucederse los endemoniados solos, y empiezan a sonar relojes, sí, relojes con su característico tic-tac, momento que acaba con el sonido de un despertador y entonces el tema vuelve a romper con el estribillo cantado a dúo, una verdadera joya.

     Twilight of the Gods, tema compuesto por Kai, donde se pueden comprobar el estilo épico de sus temas, donde vuelve el lucimiento vocal de Kiske en la primera parte del tema, que narra la perfección de sus Dioses y cómo les protegen en el campo de batalla. En la segunda parte volvemos a deleitarnos con esas guitarras dobladas que nos acompañan durante todo el disco. Como dato comentar que Kai introduce una novedad en este tema con las guitarras, convirtiéndose en el primer tema en la historia del Power Metal donde se introduce la técnica del barrido (Sweep Picking), técnica que consiste en barrer con la púa tres o más cuerdas en el mismo sentido haciendo que suene una sola nota, consiguiendo así dos cosas, economizar y conseguir más velocidad.

     A Tale That Wasn't Right, balada del disco, compuesta por el otro guitarrista, Weikath, donde demuestran que si pueden tocar a una velocidad brutal, también saben jugar con los tiempos y hacer baladas igual de buenas. Que más puedo decir del jovencísimo vocalista, porque siempre que escucho este tema me pone los pelos de punta.

     Y llegamos a otro de los temas buque insignia del grupo, Future World, un tema compuesto por Kai que es ya todo un himno del Metal. Sentaros y disfrutad.

     Helloween, obra de Kai, tema de más de 13 minutos de duración, donde los cambios de ritmo se suceden sin fín, un tema donde las guitarras dobladas parece que nos hablan, donde el grupo juega con el tempo, ralentizando o acelerando el tema a su antojo, y donde nos encontramos con más de 15 solos de guitarra durante todo el tema, algo impensable para la época y rara vez superado.

     Cierra el disco Follow the Sign, compuesto por Kai y Weikath. Tema que no llega a dos minutos, y mientras Kiske nos va susurrando el adiós, Kai se marca un sólo al estilo clásico que nos recuerda al mismísimo Gary Moore (¿influencia?). Un tema final que nos deja con ganas de más, que llegaría con la segunda parte.
     En definitiva, un álbum magnífico, un álbum mágico.

Grupos emergentes: Entrevista a "Daphne"

DAPHNE, "Nacidos para ser salvajes"

En la sección de grupos emergentes arrancamos una nueva modalidad en la que publicamos entrevistas con grupos que están intentando abrirse camino y que ofrecen propuestas de calidad y talento. Así que intentaremos estar a su altura con entrevistas interesantes.

¿Y qué hace a una entrevista interesante?
En nuestra humilde opinión, en esta primera entrevista tenemos que conseguir:

Descubrir cosas, sorprendernos...

Cuando mis compañeros me dijeron que íbamos a entrevistar a DAPHNE pensé en una chica, quizá una cantautora joven haciendo un viaje con su guitarra acústica y su maleta llena de canciones como único equipaje.

Para preparar la entrevista escuchamos su flamante EP, y ahí descubrí que la primera impresión a la que me había llevado el nombre era totalmente errónea, se trataba de un grupo de dos miembros, bajo y batería y ganas de comerse el mundo con su buena música. Con ese comienzo, la primera pregunta era obligada:


¿De dónde viene el nombre del grupo? ¿Es por la planta, por una chica (quizá una cantautora joven haciendo un viaje con su guitarra acústica y sus canciones como único equipaje)…?

 "No tiene un significado simbólico en realidad, cuando decidimos llamar al grupo de alguna manera pensamos varios nombres y todos nos parecieron o muy largos o muy horteras y de repente nos surgió esté viendo una película y pensamos que era muy bonito y delicado; el juego de contraste con la música que hacemos nos pareció original."

¿Cómo os conocísteis?

"Hace ya casi 5 años que Jesús y yo nos conocemos, fue en los locales de ensayo de ESMUVA en Vallecas. Otros chicos y yo estábamos haciendo un casting a baterías para otro proyecto y Jesús fue el primero en probar y lo tuve claro desde que le conocí."

 
¿Cómo surge la idea de este proyecto?

"Cuando teníamos la anterior formación, que era con más miembros y con un corte más de rock clásico, aprovechamos las horas muertas de los ensayos para probar efectos raros y combinaciones imposibles, experimentando un poco pero sin buscar un resultado concreto; pero tras la disolución de esta otra banda decidimos tomarnos en serio lo que veníamos probando los dos solos, y no queríamos tener más músicos en el proyecto debido a la mala experiencia de colaborar con más integrantes, que hizo difícil la organización de ensayos y trabajo compositivo."

Atrevimiento...

Si leéis nuestro blog, habréis descubierto que tuvimos la osadía de cantar "Let’s go Crazy" de Prince en un concurso de flamenco, pero nunca hemos cantado "Born to be Wild",¿que se siente al cantar este temazo delante del público?

"Es un tema con el que sabes que no vas a fallar en un concierto de rock, es un himno y la gente siempre responde cantando a pulmón el estribillo. Es un clásico tan grande del rock and roll y la guitarra que tocarlo con bajo y batería es como perpetrarlo y esa gamberrada nos encanta."


En las grabaciones del EP sólo tocáis vosotros, ¿habéis contado con algún músico-instrumento de apoyo?

"Ninguno, solo nuestras voces, bajo y batería."



Tocar sólo con batería y bajo es una de las cosas que os hace especiales, ¿Cómo surgió?, ¿lo teníais claro desde el principio?, ha sido Royal Blood una influencia para vosotros o simplemente fue porque discutísteis con el guitarrista?

"Jajaja yo siempre he sido el guitarrista en todas las bandas que he tenido, en principio lo queríamos hacer solo con guitarra y batería, al estilo The White Stripes, pero siempre que probábamos nos faltaba la fuerza de la base del bajo. Y entonces descubrimos a Royal Blood y nos abrió la mente. Para no hablar de aspectos muy técnicos y resumirlo, fue como descubrir que podía tocar el bajo como una guitarra y solucionar el problema que veníamos teniendo."

Polivalencia...

Nombráis cómo influencia el sonido Stoner, entendemos que vuestras influencias son de grupos de Rock progresivo y psicodélico. Contadnos... ¿cuáles son los grupos que os han marcado e influencian en vuestro sonido?

"Nosotros tenemos influencias de muchas bandas del rock clásico como Led Zeppelin, Black Sabbath, AC/DC, Rolling Stones, Metallica… pero también otras más modernas como Jack White, Muse, Rage Against the Machine, Queens of the stone age, System of a Down … El sonido de distorsión con bajo te lleva casi por obligación a un estilo más contundente y por eso también bebemos del stoner y la música progresiva como Tool, Deaftones, Primus… De todas maneras Jesús y yo escuchamos mucha música distinta y eso de algún modo nos influencia tambíen, desde rap como DMX, Nikone o Eminem, a música pop rock nacional como Sabina, Rosendo, Fito o La Oreja de Van Gogh."

Humildad...

Todo el mundo dice que estamos viviendo una época triste musicalmente hablando, y la realidad es que cada día los grupos emergentes tienen cada vez menos oportunidades, ¿Cómo lo veis vosotros?

"Supongo que hay que estar en el sitio adecuado, en el momento adecuado pero que también hay que estar preparado, por si algún día llega esa mínima oportunidad. Nosotros nos conformaríamos con poder vivir de esto, no pretendemos hacernos millonarios, solo que nos escuchen y nos vengan a ver
jajaja"

Llevamos meses trabajando con mucha ilusión en este blog, pero lo cierto es que es increíble poder hablar de discos míticos que tanto han influenciado en nuestras vidas, pero poco a poco hemos descubierto que enterradas hay multitud de bandas que pegan fuerte... ¿Os atreveríais a recomendar alguna otra banda emergente? 

"Hace unos meses tuvimos la oportunidad de tocar en la sala Barracudas con algunos grupos y nos dejó fascinados una banda estilo Metallica llamada The River Crown, acaban de sacar disco y son unas bestias, de verdad buenísimos y una puesta en escena brutal.

También estuvimos hace poco en la sala Moby Dick y descubrí a The Royal Falsh que están este año pegando fuerte en todos lados y si esos chicos no triunfan significa que los demás no tenemos oportunidad jajaja. Recomiendo mucho ir a un directo de ellos, porque lo pasareis genial. En realidad hay muchísimas bandas que son geniales, hay mucha calidad. Si quieres escuchar rock urbano “Dependel día” es tu banda. Si quieres un concierto intenso de emociones: “Beluga”. Rock alternativo: “Psicología Inversa”, “Red Apple”, "Zisne Blanco" … Tal vez más conocidos y experimentales son “Kitai”. ¡La lista es interminable y todas con muchísima calidad en directo y temazos!"

Negocio, o visión del mismo en tiempos difíciles...

Es muy duro el panorama musical actual, hacerse un hueco es misión casi imposible, amén del gasto de dinero, tiempo, ilusiones... ¿Cómo mejoraríais o qué mecanismos implantaríais para que toda esa gente como vosotros que tanto se lo está currando tuviera más oportunidades?
 
"El panorama está mal, no soy un experto en esto porque yo me limito a tocar pero si te puedo comentar los aspectos que veo precarios; la música es un hobby o profesión muy cara de mantener y que no está pagada en absoluto bien a un nivel emergente, el nivel profesional lo desconozco aún. Las salas y festivales o bien no pagan o lo poco que pagan da para la gasolina de trasportar el equipo y a los músicos; y cenar algo normalito la noche del concierto.

La promoción de los conciertos es prácticamente inexistente, las salas pretenden que pagues normalmente un alquiler y que encima lleves a un número mínimo de gente para cubrir gastos y que ganen ellos con la venta de copas, cuando ni siquiera la propia sala tiene una afluencia pasiva de público, es decir, clientes que vayan a ese local en concreto porque la sala haya conseguido fidelizarlos por su ambiente, buena selección de bandas y atención.

Esto no ocurre en todos los estilos, si tú vas por Madrid al Café Central o al Bogui (Salas de Jazz), siempre verás gente justo por este motivo, “han fidelizado a su público”. ¿Te da un día el venazo y quieres escuchar jazz tomandote una copa tranquilo? ve a una de estas salas y aunque no sepas quien toca, encontrarás lo que buscas. Eso no significa que los músicos de rock no tengamos que vender entradas y llevar público, pero no ayuda tampoco que no te conozcan personas fuera de tu entorno. Los dueños de salas tienen un negocio y deben ganar dinero y queda claro que en muchas
ocasiones no les importa quien toque esa noche o si te van a ver o no, pero es la realidad por desgracia.

La solución de mejorar el panorama actual la desconozco, en resumen es más caro
tocar y más difícil planear hacer varios conciertos seguidos sin que te arruines jajaja."

Y dentro de este mundo y aparte del sacrificio ¿A qué personas o figuras (manager, salas, discotecas, fans incondicionales, etc) tenéis que agradecer los empujoncitos que os van acercando a vuestro objetivo?

"Nosotros tenemos la ayuda de una manager, que es amiga del grupo y nos ayuda muchísimo a buscar salas y entrevistas sin casi ánimo de lucro, es la gente que de verdad apuesta por ti, porque son fans del proyecto y se involucran discutiendo con las salas para rascar 20€ o difundiendo tu música."

Expectativas para el futuro...

 

Y para finalizar ¿Cuáles son vuestro planes a corto-medio plazo? Grabaciones, giras, etc...

"Seguir promocionando el EP que hemos grabado, tocando por todas las salas de España que nos dejen, que nos conozca más gente y posiblemente a finales del año que viene volver al estudio para grabar un segundo EP con todo lo que hemos estado trabajando."


¿Cuál es la canción del EP de la que os sentís más orgullosos, la que decís “Ésta si que lo va a petar”? 

"Ahora mismo estamos muy enamorados de los temas nuevos que estamos componiendo y que aún no están grabados, pero de lo que si tenemos grabado: “Arañas” o “Al otro lado”, es difícil escoger."


Escuchando las canciones que comentas y el resto que componen el EP, hemos podido comprobar que tenéis unas letras muy potentes, ¿Cuál es vuestra inspiración? ¿Las letras las preparáis juntos o cada uno tiene la libertad de expresar lo que le apetece? 

"Ese es uno de los secretos de Daphne, un tercer integrante a las sombras. Mi pareja que siempre me ha apoyado en la música es la encargada de hacer los diseños de discos, carteles y además las letras del grupo. Jesús y yo componemos todo, música y línea vocal y luego Ángela crea una letra, habla de lo que le inspira la canción o de temas personales nuestros. Estoy de acuerdo contigo en que las letras son muy potentes aunque quede mal decirlo jajaja, el grupo tendría menos valor si ella no nos aportará su talento."


No iba entonces tan desencaminado en mi impresión inicial, después de todo la chica de la maleta llena de canciones es real, y les acompaña en lo que esperamos sea un camino ascendente hacia el reconocimiento musical que sus temas y su talento merecen.

No es que lo diga yo, es que podéis comprobarlo vosotros mismos el próximo día 1 de Febrero en la Sala Maravillas de Madrid. Si decidís corroborarlo allí nos vemos, porque 7dias7notas no va a perdérselo. Pondremos el motor en marcha, nos meteremos en la autopista, buscaremos aventuras y lo que se cruce en nuestro camino, mientras los DAPHNE cantan a voz en grito que han nacido para ser salvajes.

La música en historias: La entrada número uno

Rory Gallagher, Live Madrid (1975)

     Marzo, año 1975, día 7 para ser exactos, Las Ventas. Aquella fecha Rory Gallagher dió un concierto memorable para todos los allí presentes. Pero cómo puede ser posible que un artista internacional de dicha talla tuviera los arrestos suficientes como para venir a tocar a España, inmersa en una época convulsa?

Critica de prensa del 

Concierto de Rory en

Las Ventas

  Rory Gallagher, irlandés de pura cepa, estaba mas que acostumbrado a lidiar en terrenos así, pues no en vano fue de los pocos artistas de dicha talla que seguía acudiendo a tocar a lugares de su tierra en conflicto permanente como Belfast. Cuando acudía a tocar a Belfast, la gente que iba a verle, por un momento olvidaba si era de esta ideología o aquella otra, y simplemente disfrutaban de su ídolo. Curioso el poder de la música, ¿verdad?.
     Por eso no era extraño ver a Rory, toda una estrella tocar ese día en Las Ventas, al menos para él no. Rory se debía a su público, sin más.

     En ese mítico concierto, entre el público se encontraba un joven de apenas 21 años, el cuál había estado esperando en la cola como un C..... para hacerse con la primera entrada que se puso a la venta para ese concierto. Este joven, declarado fan número uno de Rory Gallagher al enterarse que Rory, su ídolo venía a Madrid no se lo pensó dos veces y decidió que el honor de tener la primera entrada, y así poder pisar el tendido de Las Ventas el primero debía ser suyo. Y eso es lo que hizo este joven, y es que cuando al Maestro Rosendo se le mete algo en la cabeza.....

Rosendo

     Sirva este post cómo nuestro pequeño homenaje a uno de los músicos más grandes que ha dado este país. Gracias Maestro.

     

El disco de la semana 111: Bob Dylan - Tempest

Sobre un artista de la talla de Bob Dylan se han escrito ríos de tinta, se han hecho miles de reseñas de sus discos, se han analizado hasta la saciedad los textos de sus canciones, se ha discutido sobre su carácter uraño, sus virtudes como músico o su capacidad de autoversionarse en directo, por lo que la tarea de hablar sobre Dylan sin caer en la repetición se me antojó empinada como el ascenso al Kilimanjaro.

Como dijo Sabina, uno de tantos grandes músicos que no disimulan su veneración por el genio de Minnesotta, "a punto de rendirme estaba, a un paso de quemar las naves", cuando caí en la cuenta de que tenía un as en la manga, la mejor definición de Dylan que jamás he escuchado, breve, aguda y al grano, diferente de todas las demás y, lo más importante, nunca antes difundida:

Estaba un día cualquiera deambulando por la sección de discos de la FNAC, uno de los últimos sitios en los que puedes todavía sentirte como si estuvieras dentro de una tienda de discos (sensación solo superada por la de estar realmente en una tienda de discos, pero esa es cada vez más dificil de experimentar en el mundo real), y en la pantalla de televisión y la megafonía estaban reproduciendo un concierto de Bob Dylan.

Me acerqué a la pantalla de televisión, atraido por la música como una abeja ensimismada por el olor de las flores. Allí estaba un adolescente de no más de 15 años, mirando absorto a un Dylan guitarra acústica en mano. Me quedé viendo el concierto junto a el a una respetuosa distancia, y los éxitos de Dylan fueron cayendo uno tras otro.

Habrían transcurrido dos o tres canciones cuando se produjo el momento mágico de esta historia. Otro adolescente, amigo del primero, se acercó y entró en escena. El chico que escuchaba a Dylan, sin dejar de mirar la pantalla, inició una conversación mítica que reproduzco a continuación:

-"¿Este es Bob Dylan?" preguntó.
-"Sí", contestó el otro chico, parco en palabras como buen adolescente que se precie.

Y entonces, el adolescente ensimismado por el polen de las canciones de Dylan respondió con la mejor descripción de Dylan que jamás he escuchado:

-"Canta como una cabra, pero hace unas canciones increíbles"

Aquello me dejó en estado de shock. Una definición tan simple y concisa, y a la vez tan sincera y brillante. No se puede decir más, ni tan ajustado, con tanta sencillez y en tan pocas palabras. Después de tantos análisis sesudos de sus canciones y sus significados, de tantas comparativas profundas sobre sus discos y la evolución de su música a lo largo de décadas, todo quedó en un segundo plano ante la demoledora definición de un adolescente que se acercaba a Dylan por primera vez con oídos completamente limpios.

Y así es como he intentado acercarme a "Tempest" (2012), liberado de prejuicios y expectativas, sin esperar encontrarme con un Dylan u otro, simplemente disfrutando de la escucha y, eso sí, con la esperanza de que el hombre de la voz de cabra me regalara un buen puñado de canciones increíbles.
Y así me encontré con algo que no me esperaba, un disco de Dylan que no había escuchado y del que puedo decir que está entre sus mejores trabajos.


Como en cada disco de su dilatada carrera, las letras cobran gran protagonismo y las canciones se alargan hasta donde lleguen la inspiración y la creatividad del genio literario. En esta ocasión tienen un toque más sombrío y oscuro que en albumes anteriores. Musicalmente, el disco aporta además una fusión de estilos en la que tienen cabida el blues, el country y el folk "marca de la casa" entre otros.

A los músicos habituales que colaboraban con el y le acompañaban en sus giras, se unió en esta ocasión el guitarrista de Los Lobos, David Hidalgo, para aportar su toque distintivo a "Duquesne Whistle", una interesante combinación de country y swing. El disco alterna temas más rápidos con momentos más intimistas como "Soon After Midnight" o "Long and Wasted Years", pero los momentos más álgidos llegan con "Scarlet Town", con sus referencias a versos abolicionistas del siglo XIX o a la búsqueda del oro en las minas, y "Tempest", esa maravilla de melodía con aires irlandeses que te engancha y te lleva a lo largo de sus 14 minutos.

Mucho que escuchar y disfrutar, y poco más que decir. Ha sido una grata sorpresa comprobar que, como casi siempre, la cabra tira al monte y en el monte siempre hay flores, abejas y sobre todo un puñado de buenas canciones.

Canciones que no soporto: Viva la vida, Coldplay

Viva la Vida (Coldplay)

     Corría el año 2008 y el grupo Coldplay saca a la luz su cuarto álbum de estudio titulado Viva la Vida or Death and All His Friends, Producido por el famoso productor Brian Eno (Conocido por sus trabajos con U2 y Ultravox entre otros). Este disco se convirtió en el disco más vendido en el campo de las ventas digitales de pago, llegando a vender cerca de 1.300.000 copias sólo en Estados Unidos.

Este disco también se convirtió en el disco más vendido de ese año, estando también entre los más vendidos también al año siguiente, 2009. como se puede apreciar, éste disco fue un auténtico pelotazo para Coldplay.


     Dentro de éste álbum  podemos encontrar el sencillo titulado Viva la Vida, tema que desde el primer momento que salió alcanzó el puesto nº 1 en la lista iTunes top 100,consiguiendo además colarse en tre los diez primeros puestos de la famosa lista americana Billboard 100.
En el año 2009 Viva la Vida se alza con el premio Grammy a la canción del año.

    

     Todo iba sobre ruedas para el grupo Coldplay, con un disco que estaba generando un sinfín de ingresos y un sencillo que además de resultar un auténtico pelotazo consiguió el tan ansiado premio Grammy para cualquier músico que se precie. Pero hubo un hecho que rodeó de cierta polémica el citado tema.


     A finales del año 2008, coincidiendo con la presentación de los nominados a los premios Grammy de ese año (Premio que alcanzó Coldplay posteriormente), en la corte Federal de Los Ángeles, Joe Satriani presenta una demanda por supuesto plagio, argumentando que el tema Viva la Vida era un plagio des su tema 'If I Could Fly, integrado dentro del álbum Is There Love In Space, del año 2008

'If  I Could Fly, (Joe Satriani)

     Evidentemente el grupo Coldplay negó estas acusaciones y se defendió diciendo que su canción la habían escrito mucho antes del año 2004, año en el que Satriani lanza al mercado 'If I Could Fly. La otra parte, Joe Satriani manifestaba que había intentado mantener un diálogo con la otra parte, y ante la negativa a dialogar de Coldplay se había visto forzado a presentar dicha demanda y que decidiera un juez sobre la supuesta coincidencia.


     Al final la sangre no llegó al río, poco después Coldplay y Joe Satriani llegarían a un acuerdo extrajudicial, dándose amabas partes por satisfechas .


    Dentro de todo el proceso, como es lógico salieron vertientes en defensa tanto de una parte como de la otra, que si el ritmo es tan común y  característico que ha sido usado en más ocasiones por otros artistas, que si es una copia un tema del otro, etc......; Podemos seguir especulando sobre la verdad de todo esto, una verdad que morirá con los implicados. Yo os recomiendo que escuchéis ambos temas y saquéis vuestras propias conclusiones, pues yo así lo hice. Simplemente por la polémica que rodeó al tema ya no me gusta, no soy capaz de escucharlo ni verlo con buenos ojos. También es cierto que la polémica surgió con uno de mis guitarristas fetiches, lo que hace que yo tampoco sea imparcial en todo éste asunto, supongo.











La música en historias: Lucille

B. B. King

     Finales del año 1949, invierno, Arkansas (Estados Unidos), un modesto salón de baile de la localidad de Twist y B. B. King que por aquél entonces contaba con unos 24 años se disponía a tocar en aquella sala.
   
     En aquellos tiempos la gente solía poner en los locales para combatir el frío barriles de queroseno, y en esta ocasión no iba a ser menos, los responsables de aquel local habían preparado un barril con el citado combustible para paliar el frío de los presentes aquella gélida noche que había acudido a ver la actuación de B. B. King.

     Comenzó la actuación de B. B. King, y éste empezó deleitando al público presente con su actuación. Durante su actuación, en un momento dado, dos hombres de los allí presentes comenzaron a discutir y comenzaron a pelearse, durante aquella pelea el barril de queroseno que allí se encontraba en mitad de la sala cayó al suelo, el queroseno ardiente se vertió en el suelo y esto originó un incendio, por lo que inmediatamente tanto el público, como el personal y los músicos tuvieron que abandonar el local a la carrera.

     B. B. King, como no podía ser de otra forma, abandonó el local como todo el mundo, pero una vez fuera se dió cuenta que su guitarra acústica, marca Gibson, se había quedado dentro del local, por lo que en un acto reflejo e inconsciente volvió a la carrera jugándose el tipo y consiguió salvar su preciada guitarra. En aquel incendio fallecieron dos personas.

     B. B. King al día siguiente se enteró de que la pelea que se había originado en el local mientras el daba el concierto se había debido a una discusión por una mujer llamada Lucille. A partir de aquel momento B. B. decidió llamar a su guitarra Lucille, nombre que usaría para llamar a aquella primera guitarra y a todas las demás que tuvo a lo largo de su extensa carrera musical, y para recordarse a sí mísmo que no debía hacer algo tan estúpido como correr hacia un edificio en llamas y jugarse la vida.

La música en historias: El funky de Elton y James

The Isley Brothers

     Corría el año 1964, y The Isley Brothers desde su creación en 1954 sólo habían cosechado un par de éxitos, la canción shout! en 1959 y la versión del tema Twist and shout, del grupo The Top Notes que realizaron en 1962. Al éxito de Twist and Shout también ayudó que este tema lo grabarían posteriormente tambien los Beatles, lo que dió a la versión de los Isley un buen empujón.

     Ante esta situación, The Isley Brothers decide crear su propio sello discográfico llamado T-Neck records. 

Con el sello ya creado el grupo decide contratar a un joven guitarrista orginario de Seattle llamado Jimmy James, y con él graban en estudio dos temas, Testify y Move Along & Let Me Dance. 

     Además el grupo decide llevarse a ese joven como guitarrista solista para todas las giras que tienen programadas. pero en octubre de ese año Jimy James, el joven guitarrista deja la formación porque estaba cansado de tocar lo mismo durante todas las noches. Al abandonar los Isley este joven se cambiaría el nombre por el de Jimi Hendrix. Si os fijais en la foto de cabecera se pueden apreciar los Isley Brothers con un jovencísimo Hendrix a la izquierda de la foto.

     Para la gira de ese mismo año que The Isley Brothers hicieron en Reino Unido ficharon como pianista a un joven llamado Elton John, Casi nada. Lo que hubiera dado por estar ahí...........

Canciones que no soporto: Walk This way, aerosmith & Run DMC

Aerosmith & Run DMC

     Walk This Way  es un tema que el grupo de Rock Aerosmith incluyó en su álbum Toys in the Artic (1975). Esta canción fue compuesta por Steven Tyler y Joe Perry. En 1977 llegó a situarse en el puesto nº 10 de las listas de los sencillos más vendidos de Estados Unidos. Este tema también fue clave para que el grupo se fuera haciendo más grande durante la década de los años 70.

     En el año 1986 esta canción es grabada por Aerosmith y el grupo de Rap Run-DMC, realizando una versión Rap-Rock del tema original. Esta versión es incluida ese año en el tercer disco del grupo Run-Dmc, titulado Raising Hell. Este tema resultó ser una de las primeras en fusionar los estilos Rap y Rock (Ya había alguna que otra antes), supuso un exitazo de ventas para Run-DMC que consiguió el Triple Disco de platino en ventas, y un sinfín de premios.

     Este tema también ayudó a Aerosmith a volver a posicionarse en la primera plana del panorama rockero, pues entre sus escarceos con las drogas, malos rollos de algunos integrantes y las idas y venidas de otros no lo estaban pasando demasiado bien.

     Walk this Way ayudó en cierta manera a que los raperos vieran de otra manera el Rock y a que los Rockeros también vieran de otra manera el Rap. Fue un tema que contribuyó de una manera decisiva tanto en la carrera de Aerosmith como la de los raperos Run-Dmc.

     Todo esto hace que el tema original, que fue grabado en 1975 pase desapercibido, como si nunca hubiera existido, engullido por la popularidad del cover de 1986 grabado por sus creadores junto con Run-Dmc. Es indudable que es un tema histórico, de vital importancia para los dos grupos involucrados, pues ayudó y de que manera en la carrera de ambos, pero si tengo que elegir, siempre me quedaré con la magia de la grabación original de 1975. Llamarme nostálgico.............

El disco de la semana 110.- Glenn Miller - The best of

Nunca hasta ahora habíamos retrocedido tanto en el tiempo en 7dias7notas, pero aunque nuestro leitmotiv es el rock en todas sus extensiones, no queremos dar la espalda otros géneros, otros tiempos que nos hacen sentir la pasión por la música de la misma manera. Es el caso que nos ocupa con el disco que hemos elegido para esta semana y el viaje nos retrotrae 80 años atrás en el tiempo y nos traslada a Estados Unidos, concretamente a 1938 donde el swing y las orquestas triunfaban plenamente en aquel país. El artista elegido es Glenn Miller, quizás uno de los mas representativos de aquella época.

Glenn Miller nació en 1904 y tras fracasar en sus estudios decidió dedicarse con total intensidad a su pasión desde niño, la música, y se convierte en trombonista, uniéndose a la banda del entonces

célebre Ben Pollack, en esa banda años mas tarde, el clarinetista, Benny Goodman, era proclamado "rey del swing". Una vez que la banda llega a Nueva York, Glenn decide dejar la formación pasando a tocar por distintos locales y clubs hasta que en 1935, recibe el encargo de formar una banda Swing que le catapulta al éxito y la fama, pasan dos años y es cuando decide montar su propia banda, "Glen Miller Orchesta", que sera un referente en el mundo de la música, mas si cabe cuando sus recitales empezaron a radiarse de costa a costa. A partir de entonces cada grabación era esperada por entusiastas fans, la orquesta seguía su senda del éxito hasta que en 1942 Glenn Miller decidió alistarse a las fuerzas armadas y acudir a la segunda Guerra Mundial, con la intención de dar concierto a los soldados americanos allí desplazados. Así estuvo durante 2 años hasta que el 15 de Diciembre de 1944 subió a un avión mono-motor en Londres con la intención de acudir a dar un concierto para celebrar la liberación de París, el avión desapareció, sin que se haya encontrado ninguno de los cuerpos de los integrantes que viajaban en él. Glenn Miller fue muy querido en su país, y su desaparición fue un verdadero shock para la sociedad.

Ademas de ser músico Glenn Miller llevo una filosofía de vida muy marcada por el amor a su país y a la música, que fue el centro de su vida hasta el punto de que la combinación de ambas fue la que a la postre desencadenó su muerte, pero ademas de eso era un estudioso de la música. Fueron celebres algunas de sus frases y a mi me gustaría destacar un par de ellas, la primera de ellas “No tengo una gran banda de jazz y no la quiero. Algunos críticos nos acusan de renunciar al verdadero jazz. Quizás sí o quizás no. Todo depende de lo que usted entienda como verdadero jazz.” o aquella que decía “Los duros años de estudios con profesores reconocidos me permiten escribir ricas armonías con arreglos poco comunes, muchas de ellas nunca antes usadas por una banda.”. Siempre con la música en la cabeza y conscientemente realista de lo que era él en el mundo de la música. En 1953 el gran director de cine Anthony Mann realizo en Hollywood una biografía sobre el autor titulada "Música y Lagrimas", y protagonizada por James Stewart .

El álbum que hemos elegido para esta semana es un grandes éxitos de todo el recorrido de la Orquesta y en él podemos encontrar muchos de sus grandes éxitos empezando por "Moonlight Serenade" el tema iconico de la orquesta, un tema que se ha interpretado y versionado multitud de veces y que es considerado casi como un himno de la época en Estados Unidos, una canción muy seductora en la que el cantante acompaña a su amante a la luz de la luna en una noche de Junio. "The old black magic" otro de los temas multitud de veces versionado, desde Ella Fitzgerald hasta Robbie Williams y que sirvió como canción estrella del musical "Fantasía de estrellas". También podemos deleitarnos con "Chattanooga Choo Choo"que de nuevo sirvió como canción estrella para una película musical de Hollywood titulada "Tu seras mi marido". Para crearla se inspiró en una locomotora de vapor de leña propiedad de Cincinnati Southern Railway que viajaba de Cincinnati a Chattanooga. Letra de esta canción cuenta la historia de un hombre que viaja hacia el sur en un tren desde la estación de Pensilvania en Nueva York, a través de Baltimore y llegando a Chattanooga, Tennessee, donde se reunirá con su chica. Es una canción muy alegre que repasa todos los aspectos del viaje en tren, una delicia, incluso el silbato suena durante la canción. "In the mood" es otro de los grandes éxitos, y el titulo hace referencia a una expresión que indica un deseo de tener relaciones sexuales. Es bastante inocente ahora, pero era un bastante atrevido en ese momento, como curiosidaa el productor de los Beatles, George Martin, hizo que la orquesta tocara un poco esta canción al final de All You Need Is Love.