Un país, un artista: Australia - Radio Birdman

Lo primero que, probablemente, nos venga a todos a la cabeza al oír hablar de Australia es “canguros” o “cocodrilos (Dundee)”. Pero si de lo que oímos hablar es de música australiana, lo primero que pensaremos será en AC/DC, INXS, Crowded House, Nick Cave and the Bad Seeds e, incluso, los Midnight Oil de aquel “Beds are burning” que tanto bailamos en los ochenta. Escarbando un poco más allá de la superficie, nos saldrían grupos interesantes como los pioneros Easybeats, o los más recientes Wolfmother, pero para elegir al representante de Australia en esta sección, decidí buscar en otras frecuencias del dial, hasta dar con una emisora llamada Radio Birdman.

Radio Birdman es un grupo de rock australiano, fundado en Sidney a finales de 1974 por Deniz Tek (guitarra), Rob Younger (voz), Ron Keeley (batería) y Phillip 'Pip' Hoyle (piano y teclados). El nombre del grupo lo tomaron de una canción de The Stooges, de los que eran seguidores. Los comienzos no fueron fáciles, y pese a los esfuerzos y la calidad de la banda, no consiguieron pasar del circuito underground. El porvenir de la banda daría un giro importante cuando ganaron el “Punk Band Thriller”, un festival de bandas punk organizado por la revista "Rock Australia Magazine". Esto les proporcionó cierta publicidad, a través de algunas apariciones en los medios musicales del país, y lo más importante, la posibilidad de grabar un single, el primer paso hacia lo que sería Radios Appear, su primer álbum. El nombre del disco provenía de una frase de la canción “Dominance and Submission” de Blue Oyster Cult, otro de sus grupos de referencia, y su primer corte era una acertada versión del “TV Eye” de The Stooges.

Un segundo disco, titulado Living Eyes fue grabado en un estudio de Gales, pero con el disco prácticamente terminado, la discográfica decidió prescindir de ellos y cancelar la publicación del álbum. Este revés, y el hecho de no haber logrado la repercusión que el primer disco habría merecido, les llevó a la separación en 1978. Deniz se hizo con una copia de los temas grabados, y el segundo disco de Radio Birdman se publicó finalmente en 1981, a comienzos de una década en la que fueron por fin reconocidos como pioneros del punk australiano y precursores de la entonces floreciente escena rock aussie. Radios Appear volvió a estar de actualidad, y mostró el camino a seguir para muchas bandas de punk rock australianas.

 

 

Ya en los noventa, la banda se reunió de nuevo para una serie de conciertos, y tras posteriores idas y venidas, en el dial de Radio Birdman aún pudimos escuchar el álbum Zeno Beach (2006), que nos trajo nuevo material de estudio de la banda. Directos y recopilaciones aparte, eso es por el momento todo lo que podemos escuchar de ellos, pero para el que quiera acercarse todavía más a esta gran banda australiana, es de obligado visionado el documental “Descent into the Maelstrom”, que nos muestra como fueron sus primeros primeros años, en el contexto de la escena rock australiana del momento.

Nina Simone.- Silk & Soul (Mes Nina Simone)

 

Nina Simone comenzó su contrato de grabación de siete años con RCA con Nina Simone Sings the Blues en 1967, y lo siguió en el mismo año con Silk & Soul, grabado para RCA Victor en el Studio B del sello en la ciudad de Nueva York en cuatro sesiones en junio de 1967.

En el momento de la grabación, Simone, de 34 años, ya se había establecido como una artista muy diversa, cómoda con una variedad de estilos y géneros, con las canciones populares de la época, así como con himnos o estándares tradicionales. con piezas de piano-vocales y números de banda completa o instrumentales, con temas clásicos o con melodías "pop". Con Silk & Soul,el título sugiere un movimiento hacia el soul.

La primera sesión, el 13 de junio, produjo tres de las cinco canciones del Side Two de Silk & Soul."Turn Me On" de JD Loudermilk es el número más sensual, furtivo y seductor del disco, con su ritmo lento de blues, un lecho de éxito para la rica voz chocolate de Simone. "Turning Point" de Martha Holmes es una inclusión extraña, en desacuerdo con la influencia del blues / soul / R & B del resto del álbum; comenzando con un arreglo de cuerdas que regresa para el segundo verso, se transforma en una 'canción de cuna para niños' sobre una niña que conoce a una "niña morena" que "parece chocolate". Simone da su mejor voz infantil, sin vibrato, pero lo que originalmente parecía una canción infantil bastante suave finalmente se convierte en una canción sobre el racismo, como la narradora infantil, a través de la palabra hablada de Simone, se entera de que su madre no dejará que su hija juegue con la niña morena, presumiblemente por el color de su piel. El cierre épico del álbum, y el único original de Simone aquí, es "Consummation", que se basa en un arreglo de cuerda y viento de madera; está basado en un tema de Bach, el compositor favorito de Simone, y tiene una melodía similar a "For All We Know", que Simone grabó en 1957 durante sus primeras sesiones de grabación de estudio. "Consummation" presenta la interpretación vocal más emotiva y emotiva en Silk & Soul, es una actuación imponente y espectacular, donde Simone parece apasionada, segura y conmovedora en otros temas, realmente deja que la emoción se transmita en su propia canción de amor, mientras canta, "durante miles de años / mi alma ha vagado por el Tierra / en busca de ti ".

 

La segunda sesión, el 15 de junio, arroja tres de los números más estridentes. Abre con "It Be's That Way Sometime" un estridente soul escrito por el hermano de Simone, Samuel Waymon; Simone ofrece una interpretación vocal impresionante y apasionada mientras la sección de trompas, guitarras y ritmo se acumula a su alrededor. "I Wish I Knew How It would Feel To Be Free" de Billy Taylor sigue siendo una de las canciones más famosas de Nina Simone y continúa con su serie de himnos con temas de derechos civiles. La voz de Simone crece gradualmente en pasión a medida que la disposición de las guitarras eléctricas y los cuernos crean un acompañamiento rítmico y conmovedor. Su esposo y manager en ese momento, Andy Stroud, compuso la voz de piano solista "Love O 'Love", la canción más inspirada en el gospel / blues del disco.

La tercera sesión, a partir del 21 de junio, produce tres temas musicalmente no relacionados, que solo sirven para enfatizar la admirable habilidad de Simone para deslizarse en diferentes formas con facilidad. "Cherish", que cierra Side One (escrito por Terry Kirkman y lanzado por primera vez en 1966 por el grupo de "sunshine pop" The Association), es un tema hermoso y delicado en el que Simone realiza varias pistas de su propia entrega suave para crear armonías dulces y bonitas . La canción se convierte en un número más apasionado y contundente alrededor de la marca de dos minutos, mientras Simone sube la apuesta en su voz y aumenta el arreglo de la trompeta. Luego, la canción vuelve a sumergirse en su ensueño suave y elegante. "Some Day" y "Go to Hell" son canciones de soul más optimistas y de ritmo rápido. El primero, escrito por Charles Reuben, es un tema bañado en trompeta con otra interpretación vocal apasionada, mientras que este último, que incorpora trompas y vientos de madera en su arreglo, es un punto culminante conmovedor y rítmico de vals.

La sesión final, el 29 de junio, produjo la lectura delicada de Simone de la composición de Bacharach-David "The Look of Love", que, cuando Simone la grabó en 1967, todavía era una canción nueva, recién grabada para la película de James Bond.Casino Royale. La versión de Simone es adecuadamente romántica, con su arreglo satinado de suaves cuernos y flautas, la encarnación del espíritu de la "seda" en comparación con el "alma" de algunos de los otros números.

Silk & Soul tiene poco más de treinta minutos de duración, pero abarca una gama más amplia de estilos, sonidos y texturas de lo que sugiere su título. Hay una división entre los números de "seda" ("The Look of Love", "Cherish") y los de "soul" ("It Be's That Way Sometime", "Some Say"), pero las canciones, sin embargo, encajan muy bien. . Simone se siente igualmente cómoda con las canciones de protesta con temas de derechos civiles ("I Wish I Knew How It would Feel To Be Free") como con las sencillas canciones de amor ("Consummation"), y su interpretación vocal es magníficamente diversa y capaz de varios tonos y estilos.

 

La música en historias: Los músicos de sesión IX

 

     Continuamos con la novena entrega dedicada a los músicos de sesión, y cuánto más indagamos más cuenta nos damos de la enorme importancia que han tenido para el desarrollo y evolución de éste noble arte. Unos músicos tan virtuosos que son capaces de moverse con una facilidad pasmosa por varios estilos musicales.

Algunas veces además llegaron a convertirse en grandes estrellas, como es el caso de Marvin Pentz  Gaye Ir., más conocido cómo Marvin Gaye. Poco podemos decir del que fuera cantante, músico, productor, uno de los exponentes del movimiento Blaxplotation y uno de los máximos representantes fundamentales del sonido Motown. Marvin nace en Washington D. C. (Estados Unidos)  en 1939, su padre era predicador en una congregación cristiana con elementos de pentecostalismo y judaísmo ortodoxo, por lo que no es de extrañar que en su niñez empezara cantando en el coro de la iglesia. Años más tarde reconocería que gracias a la iglesia aprendió la alegría de la música, sin embargo en casa debía soportar las estrictas normas morales y los ataques de ira de sus padre, el cual entre otras cosas le obligó a renunciar al atletismo en su infancia. En aquellos años aprende a tocar el piano y la batería, con 17 años Marvin abandona la escuela y se alista en la Fuerza Aérea de Estados Unidos como aviador básico , pero pronto se decepciona al serle encomendadas únicamente tareas domésticas, por lo que finge una enfermedad mental y abandona el ejército. Antes de ingresar en el ejercito ya había probado suerte en varios grupos locales de doo-wop entre los que se encontraban The Dippers y DC Tones, y decide seguir intentándolo. Llega incluso a fundar su propio sello discográfico y se alía y fusiona con Gwen Berry, quien regentaba otro pequeño sello discográfico, el resultado de la fusión es el sello Tri Phi Records. En 1961 Tri Phi Records es absorbido por el sello Tamla Motown, más conocido como Motown Records, y Marvin comienza trabajando para el sello tocando la batería para otros grupos y artistas y realizando acompañamiento vocales cómo músico de sesión. Marvin Gaye debuta en 1961 como solista con el tema The Soulful Moods Of Marvin Gaye sin demasiado éxito, durante los siguientes años graba algunos sencillos más, hasta que en 1967 graba algunos duetos con Tammi Terrell, lo que viene a continuación y hasta dónde es capaz de llegar es de sobra conocido.

Clarence Joseph Leblanc, más conocido como Clarence White, cantante y guitarrista de Bluegrass y country nacido en 1944 en Lewiston, Maine, Estados Unidos. Su familia era francocanadiense y emigra a New Brunswick (Canadá), dónde se cambia el nombre por White. Su padre tocaba la guitarra, el banjo, el violín y la armónica, por lo que Clarence se cría en un entorno musical, comenzando a tocar la guitarra con 6 años, si bien la cambia por el ukelele al ser éste más pequeño y se adapta mejor a él a esa corta edad. Con 10 años, en 1954 su familia se muda a California y junto a sus dos hermanos funda un trío musical llamado The Little Country Boys, grupo al que a veces se suma su hermana con el contrabajo. En 1957 al grupo, que ya ha llamado la atención y consigue aparecer hasta en televisión, se suman dos componentes más y pasan a llamarse The Country Boys. En 1962 el grupo graba para el sello discográfico Briar International su álbum debut. La compañía les sugiere que se cambien el nombre y pasan a llamarse Kentucky Colonels. En 1963 sale publicado ese trabajo bajo el título The New Sound of Bluegrass America. En 1964 después de publicar su segundo disco, el grupo empiezan a trabajar como músicos de sesión. El grupo ha ganado una gran reputación dentro del bluegrass pero apenas puede vivir de ello. A finales de 1965 Clarence cambia su guitarra acústica por una Fender Telecaster con la idea de convertirse en músico de sesión y adentrarse también en el rock & roll y el country.  A comienzos de 1966 empieza a trabajar como músico de sesión en multitud de proyectos hasta que en 1968 debido a la marcha del cantante y guitarrista del grupo The Byrds es invitado a unirse a la banda. Clarence permanece en la misma hasta la disolución de la misma en 1973. Mientras permanece en The Byrds sigue sacando tiempo para seguir grabando como músico de estudio para muchos artistas. En julio de 1973 se produce un fatal accidente donde un conductor ebrio atropella a Clarence y a consecuencia del mismo fallece. Junto con el también músico y productor Gene Parsons inventó el B-Bender, un artilugio que permitía doblar la cuerda si un tono y así emular el sonido de un Pedal Steel Guitar. 

Alejandro Neciosup Acuña, más conocido como Álex Acuña, baterista y percusionista peruano nacido en 1944 en Pativilca, Perú. Álex es un músico completamente autodidacta, a los 4 años comenzó a tocar la batería y la percusión,  y a los 10 comienza a tocar en la orquesta de su padre y sus hermanos, la Tropical Boys de los Hermanos Neciosup. Con 16 años ya era uno de los músicos peruanos más solicitados como músico de sesión para programas de televisión, teatro, películas y grabaciones de discos. A los 18 años se une a la banda de Pérez Prado, el músico, compsitor y arreglista cubano, y en 1974 viaja a Las Vegas por motivos de trabajo acompañando a artistas como Diana Ross y Elvis Presley. En 1975 se une al grupo de jazz-fusión Weather Report con el que llega a ganar un premio Grammy. En 1978 se muda a California donde fija su residencia, y ejerce una productiva y laboriosa carrera como músico de sesión, y graba con artistas con muy diversos estilos musicales, entre los que se encuentran Paul McCartney, Joni Mitchell, Ella Fitzgerald, Chick Corea, whitney Houston, Plácido Domingo, Sam Phillips, Carlos Santana, Roy Orbison, U2, Al Jarreau, Peter Gabriel, Johnny Clegg, Jackson Browne y Blondie entre otros. Álex además ha trabajado como profesor en la Universidad de California y en la prestigiosa Berklee College of Music. 

Dennis James Coffey, más conocido como Dennis Coffey, nacido en 1940 en Detroit, Michigan (Estados Unidos), guitarrista que hizo carrera realizando grabaciones de soul, R & B y funky. Aprende a tocar la guitara a la edad de 13 años, y a los 15 años mientras se encuentra en la escuela secundaria realiza ya su primera sesión para la discográfica Gondola tocando para el músico Vic Gallon. A comienzos de la década de los 60 se une al grupo The Royaltones, grupo que solía realizar sesiones para otros artistas. A finales de los 60 y como miembro del grupo The Funk Brothers participa en multitud de grabaciones para el sello Motown Records. En aquella serie de grabaciones para Motown, Dennis introduce un sonido de guitarra más duro, jugando con la distorsión y el sonido wah-wah. En 1971 se permite el lujo de grabar el sencillo instrumental Scorpio, con el que llega a vender más de 1 millón de copias y alcanza el puesto número 9 el la lista Billboard Hot Soul Singles y el puesto número 6 en la Billboard Hot 100. También contribuye en el emergente sonido Blaxplotation grabando la banda sonora de la película Black Belt Jones de 1974. Dennis también tocó la guitarra solista en el primer álbum de Sixto Rodríguez, y se le considera descubridor de éste cantante junto al músico Mike Theodore. Además de una más que brillante y extensa carrera como músico de sesión, ha cuidado su carrera en solitario grabando más de 15 álbumes y ha producido a también a varios artistas y grupos.

Nicholas Christian Hopkins, tecladista más conocido como Nicky Hopkins, nace en 1944 en Perivale, Londres (Reino Unido). comienza a tocar el piano a los 3 años y siendo adolescente consigue una beca de la Real Academia de Música de Londres. Desde pequeño sufre la enfermedad de Crohn, una enfermedad crónica que afecta principalmente al tracto intestinal, lo que hace que tenga una salud delicada además de sufrir frecuentes operaciones. Esta enfermedad marca al músico ya que decide concentrar casi todo su trabajo en el estudio como músico de sesión sin realizar apenas giras. Comienza a principios de los 60 tocando el piano en un grupo llamado Screaming Lord Sutch's Savages, donde coincide con Ritchie Blackmore. Posteriormente se une a la banda de R&B inglesa The Cyril Davies All Stars, pero al poco tiempo tiene que abandonar el grupo por sus problemas de salud, ya que a causa de una serie de operaciones casi pierde la vida y tiene que estar 19 meses convaleciente. A partir de ahí concentra su trabajo como músico de sesión, convirtiéndose rápidamente en uno de los más reputados y solicitados de la escena londinense. Colabora en todos los discos de los Rolling stones desde Between The Buttons (1967) hasta Tattoo You (1981), a excepción de Some Girls (1978). Con The Kinks graba 4 álbumes de estudio, The Kink Kontorversy (1965), Face To Face (1966), Something Else By The Kinks (1967) y The Kinks Are The Village Green Preservation Society (1968). Con The Who graba My Generation y posteriormente Who's Next (1971) y The Who By Numbers (1975), además de participar en la banda sonora de la película Tommy (1875). Nicky forma parte del proyecto The Jeff Beck Group junto a Jeff Beck, Rod Stewart, Ronnie Wood y Micky Waller, y permanece en la banda hasta su disolución en 1969. También fue miembro de Quicksilver Messenger Service, y colabora con los Beatles convirtiéndose en uno de los pocos músicos que aparece acreditado en un tema de ellos, concretamente en Revolution (1968). The Move, Jefferson Airplane, Steve Miller Band, John Lennon, George Harrison, Joe Cocker, Marc Bolan, Peter Framptom, Art Garfunkel, Badfinger, Rod Stewart, Paul McCartney, Ronnie Wood, Belinda Carlisle, Bill Wyman, Dusty Springfield, Ringo Starr, Joe Walsh ó Izzy Stradlin and the Ju Ju Honds son sólo algunos de los artistas que pudieron disfrutar del trabajo del genial Nicky Hopkins.

El disco de la semana 199: Björk.- Homogenic (Mes Björk)

 

Una obra maestra formal y también mi álbum favorito de Björk, aunque este último hecho honestamente me pone un poco nervioso. Homogenic es, después de todo, la gran trascendencia en una máscara operística y una "madurez" de la que nunca volvería.

Puede sonar raro pero nunca encontré este álbum particularmente difícil de digerir. Quizás para las personas que prefieren Debut o Post, pero hay algo en estas gélidas texturas electrónicas para las que la portada del álbum de Nick Knight y especialmente el título del álbum son la combinación perfecta. Este es un intento de alejarnos de la música 'humana', y me atrevería a decir que si realmente queremos mantener todo esto del 'arte' en marcha. Me he pasado, por supuesto, no es como si nos hiciéramos completamente inconscientes de la presencia de un corazón que late detrás de esta voz. Es solo que la fuente de esa voz y corazón se ha convertido en una reina intocable, mostrando sus tubos destrozados tan grandiosamente como siempre y combinando dichos tubos con una variedad de texturas electrónicas, cortesía de Mark que muelen y chisporrotean ("Jóga", "5 years", "Pluto") tan poderosamente como se desvanecen y curan ("Unravel", "Immature ", "All is full of love"). En todos los casos, el efecto es como una ópera digital psicodélica, y todo el álbum es un logro bastante impresionante., también; con la excepción de "All Neon Like", que es un poco aburrido y repetitivo con ese bucle de batería, no hay un segundo desperdiciado en este álbum.

 

Todo el mundo habla de Homogenic inspirándose en los paisajes de la Islandia natal de Björk, como señaló Alex Ross, Björk es probablemente el ciudadano de Islandia más famoso desde Leif Erikson, y aunque no pensaría que una música con tantas capas y textura electrónica podría evocar lava negra y glaciares y todo eso, ella y Bell programan estos sonidos de manera tan evocadora que probablemente asociaría esta música con tales imágenes incluso si Björk viniera de Ecuador. El todopoderoso "Jóga" es la prueba en este sentido, una verdadera balada zen para un amigo que combina un arreglo de cuerdas desmayado con una programación de batería burbujeante que se hincha hacia adentro y hacia afuera que realmente se siente como lava burbujeante, o al mismo tiempo. al menos, como bucles acelerados de olas que golpean la costa. Mucha gente dice que "Jóga" es la mejor canción de Björk de todos los tiempos pero quizás yo elegiría "Hunter" como su mejor canción, es una pieza musical deslumbrante. Desde esa primera pista, está claro que Björk ahora es una soldado-asesina con a la que no se debe joder. Aparecen señales en bucle del teclado con bucles de caja marciales recortados que se elevan y luego se desvanecen cuando las cuerdas comienzan a agitarse en la mezcla ... y luego vuelven a subir para que nuestra heroína cambie a una sección de ondulaciones vocales, alcanzando un pico con un puente de lo que suena como docenas de Björks ondulando dentro y fuera de sus propias formas.

 

"Bachelorette" es un trabajo aún más ambicioso, realmente la pieza central del álbum y sigue siendo una de las canciones más populares de Björk a pesar de que (¿por qué?). Esta es una canción GRANDE, la más grande y grandiosa del álbum, y podría haber caído con fuerza en manos inferiores, pero ella lo logra y de alguna manera logra convencerme de que va a hacerlo desde la primera línea: "Soy una fuente de sangre con forma de niña". Esta es la música de la diosa griega, tan absorbente con sus intensas cuerdas sinfónicas y los estallidos entrecortados de tambores industriales, sin mencionar esa pequeña y brillante ejecución de piano jazz que continuamente se compensa con el retumbar del piano que se retira, que es casi incomprensible que ella realmente lo hiciera. conseguir sacarlo todo. ¡Pero lo hizo! La canción suena bastante similar a "Isobel" de Post , pero esta es "Isobel" interpretada como una tormenta inminente de una diosa vengativa.

 

"Pluto" es verdaderamente agresivo y deslumbrante del álbum, extrañamente ubicado cerca del final. Me encanta, personalmente, especialmente cuando Björk comienza a aullar-gruñir en el medio de la canción para volverse cada vez más. Especialmente extraño que llegue directamente después de "Alarm Call", que es casi cosmopolita en sus vibraciones más 'optimistas' es casi como una versión Björk de un puntal, y de alguna manera hace letras incluso potencialmente vergonzosas, o ese poco absurdo de armonía de fondo donde literalmente imita una alarma al hacer 'bip-bip, bip-bip-bip- bip '- funciona. ¡Los felices 90 otra vez! ¡No me asusta en absoluto!

"All Is Full of Love" cierra el álbum como si estuviéramos literalmente trascendiendo a un plano más alto y más iluminado, flotando su melodía (y nosotros) alrededor de sus volutas de electrónica como si la melodía fuera una de esas criaturas que encontrarás en la parte inferior. de la Fosa de las Marianas que parecen una tira de gasa viva. La canción presenta uno de los mejores videos musicales jamás hechos, ¿un sintetizador apenas audible contra aleteo descendente del arpa?. Suena como una receta para el desastre. Pero la forma en que Björk habla-canta todo es bastante conmovedora, porque parece que te está transmitiendo con confianza verdades zen en susurros. todo meditativo mientras su voz se eleva y oscila de un canal a otro en un relajante descenso. Es una pieza musical tan impresionante que es fácil pasar por alto las otras canciones más suaves e íntimas del álbum que le precedieron. Pero no lo hagas. "Immature" lleva bastante bien a las últimas pistas: sintetizadores aireados y una hermosa voz dentro de otra canción electro-pop de los 90 que evoca el pitido de un automóvil vacío en un estacionamiento desierto, y el anhelo "Unravel", que al principio parece una repetición de las ideas de las dos primeras canciones, se anima con los toques inventivos de un órgano de tubos en su último medio minuto.

Tal vez sea porque Björk de los 90 es una de las pocas personas en el mundo que podría hacer una canción para abroncarte (está enojada y frustrada con los cobardes indecisos que 'no pueden manejar el amor'), eso me anima en lugar de simplemente a idolatrarla, tal vez sea porque Björk es alguien a quien desesperadamente no quiero aburrir. Tal vez sea porque la forma en que sigue cantando las palabras (arrancándolas, aplastándolas, cantando), yendo con toda su garganta y agallas, tal vez sea la programación de la batería, que suena como placas tectónicas rechinando y chocando entre sí a una hipervelocidad tartamudeante. Sea lo que sea, ese último minuto y medio de "5 años", con ese arreglo de cuerdas ascendente que va más alto, más alto, más alto, más alto y en su punto máximo, es como recorrer lentamente una ciudad futurista que por una vez no son las tierras baldías distópicas de la mayoría de la ciencia ficción, sino más bien una utopía organizada de equipos zumbantes y gaviotas chillonas; como trazar los ojos a lo largo de un árbol muy alto que acaba de comenzar a doblarse en la parte superior. O no, no lo sé. Tus imágenes pueden variar. Paisajes emocionales.

Canciones que nos emocionan: Green Onions, Booker T & The MG's

 

Green Onions

     En 7dias7notas ya hemos dedicado espacio a la brillante formación Booker T & The MG's, grupo de apoyo de los estudios Stax Records y responsable de infinidad de éxitos respaldando a innumerables artistas. Pero además de tener tiempo para trabajar respaldando a todo artista que pasase por los estudios Stax, también tuvieron tiempo de labrarse una carrera propia, grabando 13 álbumes de estudio y publicando más de 10 en directo.

Mediados de 1962, Booker T & the MG's son la banda de respaldo de los estudios Stax Records y se encuentran en el estudio respaldando a Billy Lee Riley, por entonces estrella del Sun Records, con el que estaban grabando. En aquel momento se encontraban en el estudio el joven tecladista de 17 años Booker T. Jones, el guitarrista de 20 años Steve Cropper, el bajista Lewis Steinberg y el baterista Al Jackson Jr. 

Durante uno de esos ratos de inactividad y mientras se encuentran esperando a Billy Lee comenzaron a improvisar sobre unos acordes de blues que Booker tocaba  con un órgano Hammond M3. Jim Stewart, uno de los propietarios junto a su hermana de los estudios,  que era además productor e ingeniero de aquella sesión de grabación, se encontraba en la cabina de control y aquello que estaban tocando Booker y compañía le gustó tanto que decidió grabarlo. El tema es una instrumental melodía, un blues de 12 compases, simple pero inusual, de hecho Booker T. Jones comentaba al respecto que a pesar de ser un tema aparentemente sencillo siempre que la toca tiene que prestar mucha atención pues tiene que recordar constantemente el orden de las teclas ya que no es tan simple como parece.

Jim Stewart decide lanzar Green Onions como cara B del single Behave Yourself, tema que surge en aquella misma sesión al recordar Cropper un riff que Booker T. había ideado unas semanas antes. Así es como ve la luz Green Onions por primera vez, como cara B de otro sencillo en mayo de 1962, pero el tema resulta ser un auténtico pelotazo y obtiene un gran éxito, por lo que es reeditado como single y publicado en septiembre de 1962. Finalmente el tema aparece publicado en el primer álbum de Booker T & The MG's y que además se titulará como el tema, Green Onions en octubre de 1962.

 Según Booker T. El tema iba a ser llamado en un principio Funky Onions, pero Estelle Axton, la hermana de Jim Stewart y copropietaria de los estudios pensaba que el título sonaba como una palabrota, por lo que acabó llamándose Green Onions. Según Steve Cropper el título del tema no hacía referencia a la marihuana en absoluto y fue sacado del gato llamado Green Onions, el gato de una conocida marca de productos para gatos llamada  Green Gadget. Por otro lado y según Booker T., Jim Stewart le pregunta a éste como se llama el tema a lo que responde Green Onions, y al preguntarle el porqué del tema Booker le reponde que es lo más desagradable que se le había ocurrido en aquel momento ya que es algo que desechas y tiras. Al parecer en un principio, al escuchar la grabación del tema por primera vez Booker y compañía no habían quedado tan impresionados como Jim. En esta ocasocasión Jim no se equivocaba...

Nina Simone.- High Priestess Of Soul (Mes Nina Simone)

Higb Priestess Of Soul

 

Mediada la decada de los años 60 Nina Simone sigue con sus actos y su música luchando por los Derechos Civiles y la iguadad del pueblo afroamericano. Entre 1965 y 1966 graba en Nueva York el material que aparece publicado en su álbum High Priestess Of Soul, publicado posteriormente en 1967, y será precisamente así como sera conocida a partir de entonces Nina Simone, como la Suma Sacerdotisa del Soul, un apodo que por el contrario no le gustaba porque consideraba que la encasillaba como artista. 

High Soul Priestess Of Soul es uno de los discos donde tienen espacio el jazz, el folk, el gospel,el soul ó el pop, siendo precisamente uno de los discos donde más se acerca al género pop. Este disco también supuso el último trabajo para la discográfica Philips, pues se marcharía posteriormente a RCA. Muy destacable el trabajo de la sección de viento con una magnífica trompeta y los coros de acompañamiento. 

Nina cuenta con el acompañamiento de una banda orquestal dirigida por Hal Mooney, quien también se encarga de los arreglos y de la producción del disco. Hal trabajaba por entonces para el sello Mercury el cual pertenecía a Philips Records. Hal Mooney fue un importante compositor y arreglista de la época que trabajó con gente como Bing Crosby, Frank Sinatra, Juddy Garland, Peggy Lee, Sara Vaughan, Dinah Washington ó la propia Nina Simone. 

El disco arranca con Don't You Pay Them No Mind, compuesta por Richard Ahlert y Bobby Scott. Es uno de los temas del disco donde Nina más de acerca al pop. I'm Gonna Leave You, compuesta por el guitarrista de jazz Rudy Stevenson, siendo éste genero el que cobra protagonismo con esos magníficos arreglos de Hal Mooney. En Brown Eyed Handsome Man nos regala una gran versión de este rock & roll compuesto y escrito por el gran Chuck Berry y que lanzaría por primera vez en 1956. La letra el tema hace referencia a las minoría raciales, Chuck se inspiró para grabarla después de visitar varias zonas afroamericanas e hispanas de california y presenciar allí un episodio donde un policía trataba de arrestar a un hombre hispano, y durante la intervención se acercó una joven pidiendo que no lo hiciera y lo dejara ir. Keeper Of The Flame, uno de los temas donde la voz de Nina adquiere más sentimiento y dramatismo si cabe. El tema está Compuesto por Charles Derringer y el acompañamiento orquestal es sencillamente magnífico. Si además le sumamos la sentida y conmovedora interpretación de Nina el resultado es uno de los momentos más íntimos y mágicos del disco. The Gal From Joe's, es otro de los momentos más jazzísticos del disco, no en vano el tema es una composición de Duke Ellington e Irving Mills. Más que destacable la sección de viento con la trompeta y el saxo. Take Me To The Water, tema que cierra la cara A y donde Nina abraza el gospel acompañada de su piano y un coro gospel nos regala otro de los momentos más personales de disco. El tema fue escrito por la propia Nina Simone.

Abrimos la cara B con I'm Going Back Home, si la cara A la cierra con una sentida y triste pieza gospel, la cara B abre llena de fuerza con otra pieza gospel, pero en este caso llena de alegría y donde acompañada de el coro a base de palmas nos invita a levantarnos de la silla y bailar como posesos. Tema compuesto por Rudy Stevenson. Recordemos que Rudy fue un brillante guitarrista de jazz que acompañó a Nina en la década de los 60, y en este tema se luce con ese acompañamiento guitarrero que da al tema una gran vitalidad y energía. I hold No Grudge, compuesto por Angelo Badalamenti (compositor conocido por su trabajo en la composición de películas para David Lynch) y John Clifford. Es otro de los temas, junto a Keeper Of The Flame, donde la voz de Nina Simone adquiere prácticamente todo el protagonismo con esa sentida interpretación, por encima de todos los arreglos musicales. Llegamos a otra de las joyas del disco, Come Ye, compuesta por Nina Simone, otro claro guiño al gospel, pero en este caso acompañada sólo por la percusión, una percusión con claras influencias a la musica africana. He Ain't Comin' Home No More, otro de los temas del álbum más orientados al pop y compuesto por Andy Badale y John Clifford. Work Song, compuesto en 1960 por Nat Adderley, famoso trompetista de jazz, quien compone la música del tema, siendo la letra escrita por el cantante Oscar Brown Jr. El tema originalmente se convirtió en todo un éxito y en uno de los estándares de jazz. Cierra la cara B y el disco I Love My baby, otro de los grandes momentos de este magnífico y más que recomendabe disco con esa memorable interpretación de Nina. El tema fue compuesto por el por entonces esposo de Nina, Andy Stroud.

Un país, un artista: Argentina - Luis Alberto Spinetta

Un país, un artista: Argentina - Luis Alberto Spinetta

En esta nueva sección que hemos incorporado en 7Días7Notas, ha recaído en mi hablar de un exponente de la música en Argentina como país elegido, y mucha gente en las redes sociales, fue generando debate de quien debería ser ese exponente que representara a la Argentina, pero ese exponente debería ser tan facetico que abarcara la esencia de un país, y Argentina debo decir que no es fácil de describir.

Por ello debía ser un artista que tuviera tatuada ese ser nacional, y representara al Rock Argentino, y tras recordar a muchos artistas, que por respeto o comparación no diré, me he decidido por uno de ellos, no es un desvelo de intriga ya que el titulo de este post, desvela toda intriga de quien se trata, pero porque no darle esa presentación merecida a un artista que lo ha tenido todo, su multifacética visión permitió al El Flaco (porque no llamarlo como sus amigos) ser cantante, guitarrista, poeta, escritor, intelectual, dibujante, compositor y productor musical, y ahí lo tienen amigos, un exponente tan multifacética, que me atrevería a decir (con miedo a equivocarme ya que no soy un experto, sino un simple fans de la música, como en muchas ocasiones lo he dicho), que todos los Argentinos tenemos el gen del Flaco.

Se que suena algo exagerado, pero la exageración es parte de ese gen de ser argentino, acaso de seguro te diría otro argentino, todas las virtudes de ser argentino, pero no hemos venido aquí a exagerar, porque no es necesario, Luis Alberto Spinetta “El Flaco” ya lo hemos dicho lo era todo.

Y esa complejidad en sus obras, que nos entregaba este artista de carrera le valió el reconocimiento mundial, y en 1997 la revista Billboard lo definió como el “Icono del Rock Argentino”, pero vamos a comenzar por el principio.

Luis Alberto Spinetta nació en 1950, nació en una familia que de muy pequeño lo influencio con la música, su padre un cantante de tango aficionado, impulso al artista en sus primeros pasos a cantar tango, promovido por sus tíos, tanto su padre como sus tíos serán los encargados de darle al artista esa influencia tanguera en su obra.

Pero por la década del '50 no era época de rock en argentina, aunque en el mundo se estaba transformado de la mano de Elvis Presley, la revolución del rock llegaría un poco más tarde, pero esa demora se debía, a mi entender que aun su creador no había acabado el colegio.

Pero ya llegaría la hora del rock, los vientos de cambio nacerían con los sonidos de Los Gatos, una de las primeras bandas de rock argentino en cantar en español, y finales de los 60 un joven Luis Alberto (Spinetta) conformaría junto a Rodolfo Garcia la banda Almendra.

Spinetta con Almendra propondría un estilo de música única, por su sonido y sobre todo por su interpretación, un sonido muy característico del artista, junto a Almendra el artista conseguiría una de sus mejores canciones Muchacha ojo de papel, que por los medios especialistas (Revista Rolling Stone y la cadena MTV) se encuentra en el puesto nro. dos de las canciones más influyentes del rock argentino, pero con Almendra un Spinetta prometedor no solo seria el autor de muchas de sus canciones, sino su multifacética expresión artística le daría la ilustración de su portada en su primer álbum de estudio, un dibujo hecho por el propio Luis Alberto (Spinetta) que encierra un código que destaca cada una de las canciones del disco.

El tiempo de Almendra había pasado, la separación de la banda se puede definir como muy compleja, debido a que los integrantes habían comenzado a crecer mucho en sus carreras y fueron derivando a proyectos diferentes.

Y comenzaría una etapa donde el artista se uniría, y sin querer en este artículo, sumaremos a escena a otro exponente de nuestra música, Norberto Aníbal Napolitano conocido como Pappo, Luis Alberto conformarían una relación de admiración y afecto por Pappo, que nuevamente permitiría influenciar en su música, pero esta unión no terminaría del todo bien.

Ya en la década del '70 llegaría Pescado Rabioso, esta nueva propuesta del artista, le permitiría estar entre las bandas más destacadas del que hacer popular argentino, nuevamente Luis Alberto compartiría escena con hoy grandes artistas reconocidos, un David Lebón que lo acompañaría en Pescado Rabioso, pero que pasaría por bandas como Pappo’s Blues, Sui Generis, Serú Girán entre otras bandas, nuevamente sin querer se entrelazan nuevos exponentes de la música argentina.

Pescado Rabioso, no era más que una expresión del artista de un movimiento punk, también se correspondía con el momento social que atravesaba el país y en especial los jóvenes, la banda grabo dos álbumes. Ambos discos de carácter diferencial un Desatormentándonos, es un álbum con un sonido a psicodelia, blues y rock pesado. En cambio, Pescado 2, sería un disco doble de la banda, donde este segundo álbum aporta un nuevo sonido al rock latino, en tanto que las letras de Spinetta adoptan abiertamente el contenido poético-filosófico que se volvería característico en sus obras. Luego de este segundo álbum la banda se separaría, y Luis Alberto comenzaría una experiencia como solista.

Con esta nueva aventura en la carrera del artista, surge el álbum Artaud, una obra cúspide del artista, aunque en diferentes foros, este álbum se menciona como de Pescado Rabioso, esta obra será pura y exclusivamente una obra del artista, quien invita a diferentes artistas a participar de la obra. El disco está compuesto en un momento crucial de la historia sudamericana, ya lo hemos dicho la corriente del rock en argentina no solo representaba a los jóvenes y su rebeldía, sino que era una expresión política en ocasiones.

Y un nuevo proyecto traería entre manos el artista conformando la banda Invisible, pero esta nueva tapa de su vida también llegaría con su paternidad.

El sonido de Invisible se destacará por un rock progresivo y jazz fusión, y la banda lograría editar tres álbumes de estudio, Invisible (1974), Durazno sangrando (1975) y El jardín de los presentes (1976), pero esta banda se separará al principio de 1977, en plena popularidad de la banda, y ofrecerá dos conciertos en los meses de agosto y diciembre de ese año en el mítico estadio Luna Park.

La separación de la banda coincide con el nacimiento del primer hijo de los cuatro que tendría el artista, cuya relación también estaría unida a la música.

La popularidad del artista, le permite en los años siguientes crear diferentes bandas, incluso mostrarse como solista, el sin fin de artistas que este exponente de la música logra unir incluyen artistas de la talla de Charly Garcia, interpretando el tema “Rezo por vos”.

Creo que El Flaco (Luis Alberto Spinetta) nunca se imagino en sus comienzo hasta donde llegaría, pero la talla de artistas de su nivel no tienen techo, y marcan la escena popular de un país como es Argentina, en el año 2011 se dio a conocer que el musico tenía un cáncer de pulmón, y su perdida fue muy rápida, el artista fallece el 8 de Febrero de 2012 a causa de la enfermedad, pero los artistas nunca mueren, son seres inmortales que trascienden a nosotros los simples mortales. Spinetta no es la excepción vivió abocado a su arte, tan multifacética como musico, escritor y todos los adjetivos que pudiéramos dar, así que como una simbiosis única este artista estará unido en su representatividad con la Argentina.

Daniel
Instagram Storyboy

7dias7notas: Colaboración de "El Blues de los Gatos Callejeros"

 

Durante el confinamiento, la única vía de escape para el cuerpo, y en realidad mucho más para el alma, fueron las terrazas, las ventanas, los tejados... Territorios que, hasta entonces, habían pertenecido a las palomas (de la paz o mensajeras) y los gatos callejeros. Fueron momentos de agradecimiento, en los que los gatos nos miraban extrañados, y en forma de emotivos aplausos, que asustaban a las palomas y las hacían retomar el vuelo hacia el horizonte del atardecer de la gran ciudad. En esas horas inciertas, un gato callejero llamado Luis J. De La Torre decidió escribir un estudio sobre la historia del rock and roll. Lo hizo inspirándose en la lectura de diferentes blogs de música entre los que, según comenta en la reseña de su e-book, 7dias7notas aportó su pequeño grano de arena. En la nota que nos hizo llegar, nos proponía realizar algún tipo de colaboración entre su blog y el nuestro. Y que mejor manera de empezar, que siendo las palomas mensajeras de su capítulo sobre la música de los años cincuenta o, mejor dicho, sobre el blues de aquellos primeros gatos callejeros.

Nevermind
@7dias7notas

 

El blues de los gatos callejeros

Los 50. Los inicios del Rock & Roll.

Nuevo e-book en Amazon Kindle. Reseña del Autor.

                                                                             Por Luis J. de la Torre

“El blues de los gatos callejeros” pretende ser un estudio sobre la historia del Rock desde otra perspectiva. Relaciona el nacimiento y desarrollo del Rock con su marco histórico, social y cultural, como parte de un todo. En este volumen, en concreto, trata los 50., El Big Bang.

Para mí, el Rock refleja, como pocas expresiones artísticas, la historia desde la segunda mitad del siglo XX. No tanto la historia oficial de las efemérides, pero si la real, la que vivió la gente. Y las posiciones que tomaban muchos de ellos ante cada encrucijada. Sensible a las pulsaciones que agitan el mundo, y a veces catalizador, describe con gran claridad lo que piensan y sienten grandes grupos de personas. Ahí reside su magia. Por eso conecta con tanta fuerza con muchos de nosotros.

El blues de los gatos callejeros es un proyecto en construcción, y como tal, surgió durante el reciente confinamiento. Me encanta un libro escrito por  Greil Marcus, llamado “Mistery train”, que relaciona la historia de EEUU con el Rock.  empleando capítulos dedicados a un artista como hilo para tratar muchos más temas colaterales. Recuerdo que tiene uno sobre el bluesman Robert Johnson, otro sobre The Band y uno muy largo sobre Elvis Presley.

Desde hace años estoy enganchado a blogs sobre música, como 7días7notas, que suelo mirar antes de dormir. Me encantan secciones como “El disco de la semana” , “Las canciones que me emocionan” y “Las canciones que no soporto”.

Decidí unir los 2 formatos, y tras años sin escribir, abrí un blog temático. El concepto del blog me obligaba a tener una regularidad a la hora de escribir. Lo movía por redes sociales, eso creaba un feed con el lector que iba depurando los próximos artículos. Es como cuando los grupos tocan sus canciones en concierto antes de incluirlas en un disco. Van recogiendo la reacción del público. Las acciones en las redes y los grupos donde los compartía los artículos iban perfilando el contenido y la forma que iba tomando el proyecto. Observaba si la gente me demandaba más datos sobre un artista, si tenía que recurrir a contar una historia, si debía esforzarme por relacionar el contenido con menciones a películas. En cierta medida, aunque la idea de lo que busco está muy clara, el libro ha sido orientado por la opinión de los seguidores del blog. Evidentemente hay temas que no tuvieron mucho seguimiento pero que sentía que debían estar ahí. Como los inicios del Rock en México, que es un fenómeno impresionante. Cuando terminé los 50 cubrí una etapa y recopilé todos los artículos de este década revisados en un e-book.

El libro habla de Elvis Presley, Chuck Berry, Little Richard, pero también de las películas que rodaba Hollywood en aquella época para criminalizar a la juventud rebelde, como “Rebeldes sin causa” o “Semilla de maldad” que provocaban el efecto opuesto al que perseguían, convirtendose en un imán que acercaba a jóvenes de todo el mundo al naciente Rock & Roll. Habla de la generación Beat, un movimiento literario de poetas y novelistas malditos en una búsqueda incesante de la libertad. Trata de Johnny Cash y Ray Charles, que sin ser estrictamente roqueros comparten con sus cohetéanos, con los que estaban muy relacionados, el mismo espíritu transgresor .

Relata el siniestro en el que la avioneta en la que viajaban Buddy Holly, Ritchie Valens y Big Bopper se estrella en mitad de una gira, llegando muchos a pensar que aquello era el final del Rock & Roll, cuando no había hecho más que dejar las brasas. Bastaba que volviera a soplar el viento para avivar el fuego.

En fin. La historia del Rock, contada de una forma diferente.

Capítulos.

Los orígenes del Rock & Roll. El Big Bang.

Elvis Presley.

         - Si no hubiera nacido habría que inventarlo.

         - El cuarteto de un millón de dólares.

        - El retorno del Ave Fénix.

Chuck Berry. El blues tuvo hijos.

Ray Charles. El transgresor.

Johnny Cash. El hombre de negro.

Little Richard. El góspel en el Rock.

Jerry Lee Lewis. La gran bola de fuego.

RoyRoy Orbison. El otro Rockabilly.

Eddie Cochran, Genne Vicent y los greasers. Los primeros Rockers.

The Ronettes. Llegan las chicas.

El Surf-Rock. El refugio de la guitarra de los 50.

Los inicios del Rock mejicano. Una historia en español.

Buddy Holly.  El día que la murió la música.

“El Blues de los gatos callejeros. Los 50. El origen del Rock & Roll”. Un e-book disponible en Amazon Kindle.

Puedes seguir mi trabajo en https://elbluesdelosgatoscallejerosblog.blogspot.com/. Ahora, los 60.

Nina Simone - Pastel Blues (Mes Nina Simone)

Pastel Blues, Nina Simone

     En 1964 Nina Simone abandona el sello discográfico Colpix Records. Dicho sello había cedido todo el control creativo sobre su música a cambio de que firmara un contrato con ellos. Nina graba con el sello varios álbumes en estudio y en directo y se dedica a tocar música pop para costearse sus estudios de música clásica. Durante aquella época, en 1961 se casa con un detective de la policía de Nueva York llamado Andrew Stroud y tiene una hija, Lisa, quien se convierte en su mánager y llega a maltratar a Nina física y psicológicamente. 

Algo cambia en Nina, lo que provoca que realice una serie de cambios en 1964 e inicie la etapa más productiva y comprometida de la artista. Para empezar firma con el sello discográfico Philips Records. Un cambio que ya notamos en su debut con la discográfica holandesa, el álbum en vivo Nina Simone In Concert (1964), donde aborda el tema de la desigualdad racial en Estados Unidos con la grabación del tema Mississippi Goddam, donde abordaba el asesinato de Medgar Evers y el bombardeo de una Iglesia Bautista, y que ya reseñamos en 7dias7notas en la reseña "Medgar Evers y el bombardeo de la iglesia". A este disco le seguirán Broadway Blues Ballads (1964), disco que ya reseñamos también en 7dias7notas y I Put A Spell On You (1965), disco que ha reseñado recientemente nuestro querido Nevermind en el ciclo que estamos dedicando a Nina Simone en el mes de noviembre.

La actividad de Nina durante esta época es frenética, publicando varios discos año, y su compromiso en pro de los Derechos Civiles es total, dejando muestra en cada álbum que publica y participando y actuando en eventos, manifestaciones y reuniones, como las famosas marchas no violentas de Selma a Montgomery en marzo de 1965 en favor de que los ciudadanos afroamericanos pudieran ejercer el derecho constitucional al voto. Unos meses después, concretamente en octubre de 1965 publica su siguiente álbum de estudio, Pastel Blues, el disco en el que nos centraremos a continuación con Motivo del mes dedicado a la genial artista. 

Nina graba Pastel Blues bajo la producción de Hal Mooney, destacado compositor y arreglista de la época que había trabajado para artistas de la época de la talla de Dinah Washington, Sarah vaughan ó Judy Garland. Pastel Blues es grabado en una época muy prolífica de Nina donde concibe I Put A Spell On You y Wild Is The Wind, quizás más conocidos, pero no tiene nada que envidiar a éstos. Para la composición y grabación de los temas, Nina se centra más en su piano y dotes vocales dejando en un segundo plano los arreglos de la banda. El resultado es un magnífico disco donde el blues, el jazz y el soul ponen voz a los magníficos arreglos de piano de Nina, no olvidemos que Nina era una excelente pianista.

El disco comienza con el tema Be My Husband, interpretado prácticamente  a capella, solamente acompañada de una ligera percusión, no le hace falta nada más para captar nuestra atención y dejarnos hipnotizados por este maravilloso lamento vocal. El tema fue compuesto por Andy Stroud, quien por entonces era todavía su marido. Nobody Knows You When You're Down And Out, blues clásico compuesto por Jimmy Cox en 1923. Nina nos habla de lo fugaz que pueden ser las riquezas y bienes materiales y lo fugaces que son las amistades que vienen y se van con ellas. End Of The Line, vuelve la Nina más intima y personal donde nos regala una delicada pieza compuesta por el arreglista, compositor, pianista y trompetista John B. Edmondson y Chyntia Medley. Trouble In Mind, Nina no se olvida del blues vodevil (estilo que vienen a mezclar el blues tradicional con el teatro) e interpreta esta pieza compuesta por el pianista de jazz Richard M. Jones, y que fue grabada por primera vez en 1924 y popularizada en 1926 por Bertha "Chippie" Hill y Louis Armstrong. Tell Me More And More And Then Some, Para mí una de las grandes delicias del disco, con ese aire íntimo y personal que Nina sabe transmitir. Compuesta por la gran cantante estadounidense de jazz Billie Holiday. Nina sabe versionar y estar a la altura del tema y su autora. Chilly Winds Don't Blow, tema compuesto por el productor estadounidene Hermann Krasnow y por el compositor inglés William Lovelock. Éste tema Nina ya lo había grabado y publicado en 1959 en formato single para Colpix Records. Ain't No Use, compuesta por el guitarrista de jazz Rudy stevenson, quien estuvo tocando durante 5 años en la banda de acompañamiento de Nina Simone durante la década de los 60, siendo éste uno de los 9 discos que grabó durante esa época. Strange Fruit, otro de los momentazo del disco, con Nina todo sensibilidad y sentimiento acompañada únicamente de su piano. Tema compuesto y escrito por Abel Meeropol en 1937 y grabado por Billie Holiday en 1939. Tema protesta por el linchamiento de ciudadanos afroamericanos. Este tema fue considerado como una Declaración de guerra y el principio del movimiento de los Derechos Civiles. Y llegamos al último tema del disco, Sinnerman, tema tradicional espiritual afroamericano del cual Nina se saca de la manga una versión de más de 10 minutos, uno de los grandes temas de la carrera de Nina, ligado a su batalla en pro de los Derechos civiles. Esta canción está inspirada en el libro del Éxodo, donde Moisés y su grupo de gente, en su huída de Egipto es perseguido por una serie de plagas. El tema tradicional lo aprendió Nina cuando era pequeña y tocaba el piano en la iglesia donde su madre ejercía de ministra metodista, el tema era usado para llevar al altar a los pecadores. El tema es sin duda la joya absoluta de Pastel Blues, un disco imprescindible en la carrera de Nina Simone. 

La música en historias: Los músicos de sesión VIII - The Nashville A-Team

 

     Para esta octava entrega de los músicos de sesión vamos a rendir tributo músicos  pertenecientes al llamado The Nashville A-Team, grupo del que ya hemos hablado en alguna ocasión al referirnos a alguno de sus músicos.  Este fue un importante grupo de músicos que surge en Nashville, Tennessee, y tuvo una gran repercusión en las décadas de los 50, 60 y principios de los 70 respaldando a infinidad de artistas populares. Si bien el fuerte de este nutrido grupo era la música country eran muy versátiles y tocaban muchísimos más géneros. 

Abrimos con Charlie McCoy, versátil músico que tocaba teclados, percusión y guitarra, pero su fuerte era la armónica. Charlie nace en 1941 en Oak Hill, Virginia Occidental (Estados Unidos), y siendo pequeño tras pasar por la localidad de Fayetteville acaba mudándonse con su familia a Miami, Florida. Con 8 años comienza a tocar una armónica que su madre le compra por 8 centavos de dólar, pero no sólo aprende a tocar dicho instrumento en su adolescencia, también aprende a tocar la guitarra, el bajo y la trompeta. Mientras se encuentra en la escuela secundaria forma una banda de rock años roll llamada Charlie McCoy And The Agendas. Con 16 años un amigo le convence para que le acompañe a un conocido programa de radio de Bailes campestres de Miami llamado Old South Jamboree, y éste amigo habla con el presentador del programa y le convence para que Charlie suba al escenario a cantar, gracias a ese gesto Charlie firma un contrato para actuar en el programa. En 1959 Charlie intenta conseguir una oportunidades alguna discográfica pero no lo consigue por lo que decide matricularse en la Universidad de Miami en Educación Musical. Lo llega a intentar hasta tocando la batería en un grupo, pero su gran oportunidad no llegará hasta 1961 cuandk Chet Atkins escucha unas cintas de demostración de Charlie. Se iniciaba una más que exitosa carrera para Charlie en la que llegaría a grabar con artistas de la talla de Bob Dylan, Nacy Sinatra, Elvis Presley, Al Kooper, Joan Baez,   Willie Nelson, Paul Simon, JJ Cale, Leon Russell o Bob Seger entre otros, llegando a ganar incluso un premio Grammy en 1972 por su álbum The Real McCoy.

El saxofonista Homer Louis "Boots" Randolph III, más conocido como Boots Randolph, nace en 1927 en Paducah, Kentucky (Estados Unidos), y de pequeño aprende a tocar música con la banda que su família tenía. Comienza tocando el ukelele y el trombón hasta que su padre un día llega a casa con un saxofón tenor y se interesa por él y aprende a tocarlo. Al final de la II Guerra Mundial Boots toca el saxo, el trombón y vibráfono en la banda de la Armada de los Estados Unidos, y después de su servicio en la Armada, comienza en 1948 a tocar para otros artistas a la vez que comienza con sus propios proyectos. Durante su extensa carrera Boots toca con infinidad de artistas de pop, rock, jazz y country además de tocar en varias bandas sonoras de películas de Elvis Presley. Quizás su tema más famoso sea Yakety Sax, de 1963, pues este tema se convirtió en la melodía característica del famoso programa de Benny Hill. Elvis Presley, Brenda Lee, Roy Orbison, Jerry Lee Lewis y Chet Atkins son algunos de los que pudieron disfrutar de su saxofón. 

 

Bob Loyce Moore, más conocido como Bob Moore, que además de bajista y músico de sesión es un reputadisimo director de orquesta. Bob nace en Nashville, Tennessee (Estados Unidos) en 1932. Comienza desarrollándose como músico ya desde niño y a los 15 años ya toca el contrabajo girando con un grupo musical. A los 18 años ya toca girando con Little Jimmy Dickens, y a los 23 es contratado para tocar en el famoso programa de televisión Orzak Jubilee, de la cadena de televisión ABC . Bob alterna su trabajo como músico de sesión del Nashville A-Team con su desempeño como director de orquesta, llegando a formar su propia orquesta (Bob Moore Orchestra) en 1960. Bob fue uno de los miembros clave del equipo de Nashville y  tiene acreditada su colaboración en más de 17.000 grabaciones. Colaboró con gente tan variada como Elvis Presley, Roy Orbison, Bob Dylan, Jery Lee Lewis, Sammy Davis Ir., Roger Miller, Julie Andrews, Johnny Hallyday y Quincy Jones entre otros.

Jerry Kirby Carrigan, más conocido como Jerry Carrigan, nacido en 1943 en Florence, Alabama (Estados Unidos). Antes de hacer carrera como músico del A-Team de Nashville logró una gran reputación formando parte de la famosa Sección de Ritmo de Muscle Shoals, de Alabama. Con su estilo de percusión fusionó la música country con un toque de R&B y ayudó  a desarrollar el famoso sonido de Nashville, más conocido cómo música Countrypolitan . Su padre era contratista de pintura y apoya el hobbie de su hijo, hasta el punto de que es él quien le compra su primera batería, y cuando tiene 15 años es él quien recluta niños para la banda de su hijo Jerry para que toquen en fiestas universitarias. Es así como Jerry conoce al tecladista David Briggs y al bajista Norbert Putnam, y juntos forman el grupo Mark V y desarrollan sus habilidades mientras el padre de Jerry les lleva a tocar de una universidad a otra. Jerry conoce a Rom Stafford, quien tenía un rudimentario estudio de grabación llamado SPAR, y estaba asociado a Rick Hall y Billy Sherrill. Posteriormente Rick Hall es despedido por sus socios y pide dinero prestado y forma al otro lado del río un primitivo estudio al que llama FAME (Florence Alabama Music Enterprises). Jerry Carrigan iniciaría en esos estudios una más que productiva carrera como músico de sesión  junto con Rick Hall, Norbet Putnam y David Briggs, o lo que es lo mismo la famosa Sección Ritmo de Muscle Shoals. Durante la década de los 70 y consciente del crecimiento musical en Nashville, Jerry se muda allí y con la vitola de ser una de los pioneros de la sección de ritmo de Muscle Shoals no le cuesta encontrar trabajo como miembro del A-Team de Nashville. Jenny Rogers, Jerry Lee Lewis, Tommy Roe, Ray Stevens, Dolly Parton, Willie Nelson, Elvis Presley, Joan Baez, Paul Anka o John Denver son algunos de los artistas con los que ha colaborado durante su carrera.

Cerramos el capítulo dedicado al A-Team de Nashville con Mr. Guitar o The Country Gentelman, como se conoce a Chet Atkins, otro de los más importantes músicos del grupo y que ayudó a crear el estilo de música country que llegó  a conocerse como Sonido Nashville. Además de  músico de sesión fue cantante, compositor y productor de discos. Chet nace en 1924 en Luttrell, Tennessee (Estados Unidos), y con 6 años sus padres se divorcian y es criado por su madre. Empieza de niño tocando el ukelele para luego pasar al violín, y finalmente a una guitarra que adquiere al cambiarsela a su hermano por otros artículos suyos. Posteriormente se ve obligado a mudarse con sus padre a Fortson, Georgia debido a sus problemas de asma. Es a causa de esa enfermad que se ve obligado a dormir en una silla para poder respirar mejor, y durante las noches toca la guitarra hasta quedarse dormido. En la escuela secundaria Chet ya es un consumado guitarrista y utiliza el baño de la escuela como lugar de ensayo por su excelente acústica. En 1942 consigue trabajo en la estación de radio WNOX-AM de Knoxville donde toca la guitarra y el violín para el cantante Bill Carlisle y el cómico Archie Campbell. Su inquietud le lleva a viajar a Chicago a probar suerte, una suerte que le llega a mediados de los años 40 cuando consigue un contrato con la potente discográfica RCA Victor, si bien al principio le cuesta obtener éxitos su fama, pero su prestigio como guitarrista va creciendo. Ya no pararía la carrera de uno de los guitarristas de sesión más influyentes de la historia de la música y uno de los principales artífices del sonido de Nashville.  Fue ganador de 14 premios Grammy y algunos de los artistas que trabajaron con él durante su extensa carrera como músico y productor fueron Mark Knopfler, Jery Reed, Norma Jean, Dolly Parton, Elvis Presley, Jim Reeves ó los Everly Brothers entre otros .