Mes Gorillaz, hoy su álbum Humanz (mes Gorillaz)

Mes Gorillaz, hoy su álbum Humanz

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Cuando se habla de Gorillaz, la banda virtual liderada por Damon Albarn y Jamie Hewlett, el estándar está muy alto. Con álbumes como Demon Days y Plastic Beach, la banda no solo conquistó a su público, sino que redefinió los límites de lo que una colaboración artística y musical podía ser. En 2017, después de una pausa de siete años, Gorillaz regresó con Humanz, un álbum que se presentó como una celebración apocalíptica: un soundtrack para la fiesta del fin del mundo.

Con su característico enfoque colaborativo, Humanz reúne a una diversidad de voces e influencias en un viaje musical que mezcla hip hop, R&B, electrónica y pop experimental. Sin embargo, ¿logró estar a la altura de las expectativas? Acompáñanos en esta reseña para explorar los altibajos de este ambicioso proyecto.

El punto de partida para Humanz fue la agitación política y social que marcó el mundo en 2016, particularmente la elección presidencial de Estados Unidos. Damon Albarn pidió a los colaboradores que imaginaran un evento cataclísmico y la música que sonaría en una fiesta organizada durante el caos. Esta idea impregnó todo el álbum, que está diseñado como un collage sonoro de emociones: miedo, esperanza, frustración y euforia.

La temática es profundamente política, pero no de manera directa. En lugar de declaraciones explícitas, Humanz captura el zeitgeist, ese sentimiento colectivo de confusión y desasosiego frente a un mundo cambiante. Este enfoque hace que el álbum sea universal, aunque a veces le falta la contundencia de un mensaje claro.

Musicalmente, Humanz es un torbellino de estilos. Albarn se asoció con The Twilite Tone y Remi Kabaka Jr. para crear un sonido que rompe con los paisajes más melódicos de álbumes anteriores y se adentra en un territorio más abrasivo y digital. El resultado es una producción frenética, llena de sintetizadores pesados, beats electrónicos y una atmósfera de constante movimiento.

Sin embargo, este enfoque también es su mayor debilidad. La cohesión, un sello distintivo de álbumes como Plastic Beach, a menudo brilla por su ausencia. Aunque la energía es innegable, Humanz puede sentirse más como una lista de reproducción que como un álbum conceptual cohesivo.

Uno de los aspectos más notables de Humanz es su impresionante lista de colaboradores, que incluye a artistas como Vince Staples, Grace Jones, Mavis Staples, Pusha T, Jehnny Beth, Kali Uchis y muchos más. Estas voces traen frescura y diversidad al álbum, pero también contribuyen al problema de cohesión.

"Ascension" (con Vince Staples) abre el álbum con fuerza, combinando un beat vibrante con la energía cruda de Staples. Su letra plantea un grito desesperado en medio del caos, estableciendo el tono para lo que sigue.

"Strobelite" (con Peven Everett) cambia el ritmo con un groove funky que recuerda a las pistas de baile de los años 80. Es una de las canciones más accesibles y optimistas del álbum.

"Saturnz Barz" (con Popcaan) mezcla dancehall y electrónica en un track hipnótico y oscuro que captura perfectamente la esencia experimental de Gorillaz.

"Let Me Out" (con Mavis Staples y Pusha T) es uno de los puntos más altos del álbum. La desgarradora interpretación de Staples se combina con las reflexivas rimas de Pusha T para crear una pieza que encapsula la ansiedad y la esperanza en tiempos turbulentos.

A pesar de estos momentos destacados, no todas las colaboraciones funcionan tan bien. Algunas voces parecen desconectadas del contexto general del álbum, lo que contribuye a la sensación de que Humanz es más una colección de singles que una obra unificada.

En términos líricos, Humanz adopta un enfoque más abstracto que directo. Damon Albarn cede gran parte del protagonismo vocal a los colaboradores, lo que resulta en una perspectiva caleidoscópica sobre el apocalipsis moderno. Este enfoque funciona bien en canciones como "Andromeda", donde la melancolía se mezcla con la nostalgia, o en "Busted and Blue", uno de los pocos momentos en los que Albarn toma el control total.

Sin embargo, esta dispersión de voces también significa que el mensaje del álbum puede ser difícil de descifrar. Mientras que algunos temas son claros, como la ansiedad política y social, otros se pierden en metáforas vagas y producciones densas.

Cuando Humanz salió al mercado, recibió críticas mayormente positivas, pero no estuvo exento de controversia. Medios como The Guardian y Rolling Stone elogiaron la ambición del proyecto y su capacidad para capturar el espíritu de la época, mientras que otros, como Pitchfork, criticaron la falta de cohesión y la saturación de colaboraciones.

Entre los fans, la recepción fue igualmente polarizada. Muchos extrañaron el enfoque más melódico y emocional de trabajos anteriores, mientras que otros apreciaron la audacia de Albarn al explorar nuevos territorios sonoros.

El título del álbum, Humanz, sugiere que el enfoque está en la experiencia humana. A lo largo de las canciones, se exploran temas como la alienación, la incertidumbre y la resistencia. Sin embargo, el mensaje no es del todo pesimista; también hay momentos de esperanza y celebración. En este sentido, Humanz puede interpretarse como un reflejo de nuestra época: caótico, contradictorio, pero lleno de vida.

Humanz es, en muchos sentidos, el álbum más divisivo de Gorillaz. Por un lado, su energía, experimentación y enfoque colaborativo son un testimonio del espíritu innovador de la banda. Por otro, la falta de cohesión y el enfoque disperso pueden dificultar la conexión emocional con el oyente.

No es un álbum perfecto, ni pretende serlo. Es un retrato sonoro de una época caótica, lleno de momentos brillantes y otros más confusos. Para algunos, esto será suficiente; para otros, se quedará corto en comparación con las obras maestras anteriores de Gorillaz.

En última instancia, Humanz debe apreciarse como lo que es: un experimento audaz que captura un momento único en el tiempo. Es un recordatorio de que incluso en medio del caos, la música tiene el poder de unirnos, hacernos reflexionar y, tal vez, ayudarnos a encontrar algo de humanidad en el proceso.

Con Humanz, Gorillaz demostró que no tiene miedo de reinventarse, incluso si eso significa correr riesgos. Puede que no sea el álbum más querido de su discografía, pero sin duda es uno de los más intrigantes. ¿Es el álbum perfecto para una fiesta en el fin del mundo? Probablemente no, pero eso no lo hace menos fascinante.

Daniel 

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1417.- Hey Negrita - The Rolling Stones

En 1975 Mick Jagger, Keith Richards, Bill Wyman y Charlie Watts regresaron a Munich, Alemania, para grabar las canciones que formarían la base del álbum Black and Blue. Los Rolling Stones se habían reducido a un cuarteto con la deserción de Mick Taylor, varios guitarristas ocuparían su lugar en este álbum y, finalmente, el amigo de Keith, Ron Wood, se convertiría en su reemplazo permanente. Black and Blue sería el comienzo de la adaptación de los Rolling Stones a los estilos musicales de la época, en este álbum los encontramos girando hacia el rock clásico de los años 70. ¿Es un gran álbum? La respuesta es no. ¿Es este un mal álbum? Nuevamente, la respuesta es no. Es un álbum que no contiene cortes realmente débiles o fuertes y, en muchos sentidos, merece ser pasado por alto y olvidado en su catálogo, pero no deja de ser un disco de The Rolling Stones.

Uno de esos temas que sin ser una joya destaca es Hey negrita, que tiene un gran riff de guitarra y una letra que la sitúan junto a canciones como "Bitch" y "Brown Sugar", aunque en este tema encontramos estilos musicales latino, reggae y funk ya que Mick Jagger había estado pasando mucho tiempo en la ciudad de Nueva York y absorbiendo nuevos elementos de la música de baile, concretamente se intereso por los ritmos latinos. "Negrita", era el apodo que había acuñado para su esposa de entonces, Bianca, la canción, sin embargo, es innegablemente sexy, y Jagger está jugando con los enfoques estereotípicos de América Central y del Sur sobre la batalla de los sexos: "Solo un momentito, no tan rápido/Necesito dinero para mi dulce trasero/Digo, 'Escucha, soy un hombre pobre, mi salario es bajo/Aquí tienes un último dólar y luego nos vamos'/'¿Un último dólar?'/Ella dice 'Tengo mi orgullo/Te voy a cortar las pelotas, muchacho/Te voy a broncear el pellejo'". Aunque en su mayor parte, la letra está destinada a trasceder por encima de la música no quedado mas que como una excusa para lanzar algunas frases en español que suenen frescas. Una de las partes mas interesantes es la de Billy Preston que toca una parte de piano con un sonido afrocubano muy percusivo sobre el riff de "Hey Negrita", interpretada y aparentemente escrita por Ron Wood, el guitarrista de los Faces que estaba haciendo una audición informal para el puesto vacante de segundo guitarrista en los Stones. La canción también está gobernada por la percusión latina de Ollie Brown, un músico que luego haría una gira con la banda. Jagger nuevamente elige no eludir la polemica, provocada previamente en otras canciones de Sticky Fingers y que siguieron alimentando con este tema, ya que promocionaban Black and Blue con vallas publicitarias con la imagen sadomasoquista de una mujer atada a una silla con hematomas en todo el cuerpo. Black and Blue fue un disco con problemas sintomáticos de la banda en general a mediados de los 70. Jagger lo calificó de "malestar general", señalando que consumían demasiadas drogas, se dejaban llevar por su propia popularidad y no prestaban tanta atención a la música como deberían haber hecho. De hecho, canciones como "Hey Negrita" suenan más como melodías glorificadas que como canciones bien elaboradas. Black and Blue pasaría cuatro semanas en la cima de las listas estadounidenses y vendería rápidamente un millón de copias. Los Stones, sin embargo, vivían de éxitos pasados ya que el álbum tenía poco enfoque y, en su mayor parte, incluso menos pasión. Pasarían dos años antes de que The Rolling Stones lanzaran otro álbum de estudio.

1416.- Asturias - Victor Manuel

No hay fiesta de prao en Asturias en la que, llegado un momento de la noche, cuando la euforia alcanza su máxima plenitud, no brote de la muchedumbre un griterío de júbilo en cuanto la orquesta entona los primeros compases: “Asturias, si yo pudiera…”. Y el espíritu de camaradería y paisanaje, el canto torpe y desafinado, el abrazo efusivo a los amigos y vecinos, no decae hasta la última estrofa, esa en la que se dice de Asturias que está “sola en mitad de la Tierra” y que es “hija de mi misma madre”.

En 1976 publica dos discos, el primero es un directo grabado en el Teatro Monumental de Madrid, donde registra por vez primera Planta 14 o Asturias, el segundo, de marcado contenido político y titulado Canto para todos, ofrece una cara con temas como Camaradas, Al compañero Orlando Martínez o Socialismo en libertad y la otra cara con temas cantados en bable, como Danza del cuélebre, Xiringüelu o Yeren dos güajes. “Asturias”, que ejerce en la práctica de himno no oficial de la región y aunque todo el mundo se sabe la letra, muchos menos conocen cuál es el origen de este poema que un salmantino escribió durante la caída del frente republicano de Asturias en 1937. En sus versos el poeta rememora, oscilando entre la épica y la amargura, los sucesos de octubre del 34 y la posterior represión del movimiento revolucionario. Garfias, como buen marxista que era, sabía muy bien aquello de que la Historia se repite dos veces—primero como tragedia y luego como farsa—, y su poema sobre Asturias es en cierto modo una lamentación ante una nueva derrota, y esta definitiva, tres años más tarde: “Dos veces, dos, has tenido ocasión para jugarte la vida en una partida, y las dos te la jugaste”. Durante sus casi dos décadas de estancia en México, donde murió, Garfias ofreció numerosos recitales en centros asturianos y en el restaurante El Hórreo. “Asturias” era una de los poemas indispensables en estos actos de nostalgia y confraternización para los asturianos de la diáspora. Podemos a imaginar a Indalecio Prieto entre el público, quizás incómodo con los versos que celebraban la épica de la revolución, rumiando su arrepentimiento mientras a sus paisanos se les saltaban las lágrimas. Fue en ese mismo restaurante asturiano de D.F donde Víctor Manuel escuchó el poema por primera vez. Era 1970, Garfias llevaba ya unos años muerto, y el mierense cruzaba el chaco por primera vez y se encontró este texto que le llevaría a realizar una de las mejores canciones de su repertorio y de la tierra que nombra.

Aunque ya era canción, todavía iba a tardar más de una década en llegar a los oídos de sus destinatarios. No fue hasta cinco años más tarde, en 1976, cuando Víctor Manuel incluyó “Asturias” en un disco grabado en directo. Un disco, según sus palabras, “muy de barricada, con pocos medios”. Antes había sido imposible hacerlo, debido a la censura franquista, que quería suprimir de la canción el verso de los “millones de puños rotos”: “No lo toleraban. Eran inconmovibles, no se conmovían”. La única opción fue grabarlo en directo, y ya en 1978, con la dictadura en retirada, pudo grabar la canción en estudio e incluirla en el vinilo “Canto para todos”. Sin embargo, la versión que acabaría llegando a las masas y popularizando fue una grabada en Londres y publicada en “El Cobarde”, un disco de 1983. Casi 50 años después sigue cerrando todas las romerías de Asturias, y no parece que vaya a jubilarse pronto.

Disco de la semana 404: Talking Timbuktu - Ali Farka Touré With Ry Cooder

 

En la actualidad, el género del blues del desierto cuenta con uno de los movimientos musicales más excitantes del mundo. Las bandas y músicos que forman parte de este género provienen de una zona que se extiende por África occidental, desde Mali hasta Libia, y que reúne a personas de varios grupos étnicos. Artistas como Tinariwen , Terakaft, Boubakar Traore, Tamikrest, Bombino, Habib Koite, Vieux Farka Toure, Amadou y Miriam, por nombrar solo algunos, pueden verse y escucharse de gira por el mundo, actuando en prestigiosos festivales de música del mundo y produciendo grabaciones brillantes y populares. El sonido que forma la base de su música, aparte del sonido dominante de las guitarras, comparte el mismo anhelo y ritmo que el blues americano, y las sonoridades de las cuerdas resuenan de una manera que ya se ha escuchado en antiguas grabaciones de blues. La popularidad de este movimiento y de esta música se puede atribuir fácilmente a la música del gran artista maliense Ali Farka Toure , una figura musical imponente y un icono cultural. Fue él quien, sin ayuda de nadie, introdujo al mundo esta música y las culturas que la sustentan. La música de Toure fue el mejor ejemplo de blues del desierto que no se preocupaba por las fronteras. Durante años, antes de que el mundo conociera su música en los años 80, fusionó los sonidos y los ritmos de su Mali natal con los sonidos del blues, lo que inevitablemente provocó comparaciones con otro gran artista, la leyenda del blues John Lee Hooker. En ese momento, su música se estaba difundiendo ampliamente por toda África, cuando los casetes eran el medio elegido para el desierto y se usaban como principales canales de distribución tanto como hoy en día se usan las tarjetas de memoria de los teléfonos móviles en África occidental para distribuir música.

Ry Cooder se embarcó en este ambicioso e interesante proyecto, un viaje inverso hacia los orígenes del blues y otros sonidos de raíz, Cooder tuvo que cruzar el océano Atlántico ya que las células madre del blues no están en ninguna parte sino en África, en las orillas del río Níger, en Mali, y sin duda, uno de sus mayores, más bien el mayor representante es, fue, será por siempre Ali Farka Touré, y ves esa cooperación y no puedes mas que salivar y pensar en las maravillas que podían salir de allí, y así fue. Touré despliega sus habilidades de forma mágica, como la voz de generaciones de malienses pertenecientes a tan noble raza, y nos somete a una sesión de hipnosis en la que polirritmos, arabescos de cuerdas y su voz telúrica envían su mensaje claro y devastador. Un mensaje que, a la vez es, el misterio de un lenguaje que no conozco, y la repetición paciente y minuciosa lo convierten en una avalancha que inunda mis neuronas mientras no entiendo de qué se trata. ¡Así es África! Normalmente, es el artista menos conocido el que se beneficia de cualquier colaboración. En este caso, Touré se beneficia de la apertura del acceso al mundo occidental, pero Cooder se adelanta en esta relación porque este disco aumentó su halo de autenticidad, su prestigio, hasta niveles que antes no podía imaginar, supo traernos y captar la grandeza de un artista superlativo que no podia existir en el mundo civilizado. Por el bien de la integridad y la sabiduría, decir que está al mismo nivel que Robert Johnson, Charley Patton o John Lee Hooker es decir muy poco, quizás este no sea su mejor álbum, pero sí el más importante y es por eso que necesita una escucha por todo amante de la música y el blues.

Vamos a dejar una cosa clara desde el primer momento, este es un álbum de Ali Farka Toure con sus canciones y su música, Ry Cooder es un productor sumamente simpático, un acompañante sumamente simpático, modesto y alentador que no es poco. Toure toca con su equipo, son su gente, con los que graba este disco, mientras que la guitarra de Cooder es la típica de Cooder, controlada y flexible, es como un hábil conversador que nunca domina la conversación, pero siempre puede hacer un comentario inteligente y siempre anima a los demás a hacer sus contribuciones, y sin embargo, a pesar de mi admiración y respeto, no estoy seguro de si destacaría entre una multitud, lo que si tengo claro que no es el rey en la tabla de ajedrez. Como siempre, las canciones de Toure están estructuradas por ritmos suaves y melodías sensuales, pero mientras que en sus otras grabaciones la dureza de su voz y el golpe percusivo de su guitarra creaban una perturbación de la tranquilidad, una sensación de drama, en Talking Timbuktu todo es mucho light, hay menos sensación de drama. No hay duda de que Cooder, en lo que se refiere a la técnica, es un guitarrista mucho mejor que Touré, y su guitarra ondula sobre los ritmos y a través de ellos con una gracia sensual (y su forma de tocar es comparable a la de Barthelemy Attisso con la Orchestra Baobab), pero le falta la fuerza de la forma de tocar de Touré. Pero acepto que esto es una cuestión de gusto personal, hay ventajas y desventajas.  

En estas 11 pistas, hay una especie de interacción y comunicación entre estos dos artistas que es poco común en cualquier tipo de música, hay un serio respeto mutuo en funcionamiento en este encuentro histórico evidente desde el principio con el "Bondo" de apertura. Las melodías de la canción se arremolinan con emoción reforzada por voces de llamada y respuesta que, en conjunto, evocan mucho: los arroyos del río Níger, la inmensidad de un cielo desértico y la fuerza de un viento desértico. Además de la guitarra eléctrica, Toure toca el banjo aquí y, curiosamente, Cooder toca y lo complementa con un Cümbüş, una variante turca sin trastes del banjo (la palabra Cümbüş también es sinónimo de caos) en esta hermosa apertura. "Soukora", demuestra lo bueno que es Toure para equilibrar las sensaciones y el ritmo. Presenta una línea muy simple pero muy efectiva y memorable que va directo al corazón, como dijimos el papel de Cooder en este disco está más en la línea de fortalecer la visión de Toure (ya que Toure es el autor de todos los temas menos uno) y mejorar la música añadiendo sutilmente su impronta en lugar de imponerse en el centro de atención. "Gomni" se basa en capas de percusión delicada y se puede escuchar la guitarra de Cooder añadiendo más capas con su slide indeleble. Es una pista modal típica y con sus adornos, crea un espectro sutil pero más amplio de colores y texturas. "Sega" es un instrumental corto con el n'jarka con sonido de violín tomando la delantera. "Lasidan" es la pista más juguetona aquí, el ritmo es rápido-lento con percusión que se superpone gradualmente con palmas, congas y calabaza. "Amandrai" y "Au Du" son los lugares donde el Delta y el blues del desierto realmente se encuentran. Estas son canciones de blues largas, de ritmo lento y espontáneas donde Cooder y Toure intercambian riffs. Ambas pistas muestran la aguda sensibilidad melódica de la pareja.

Lo que es evidente en este disco, en primer lugar, es la alegría de tocar y la alegría de interactuar musicalmente. Por otro lado, por su génesis y estado de ánimo, es el sonido de un viaje emprendido. Este viaje lleva la cabeza desde los lugares rurales de Mali hasta los bares del Delta y viceversa. La mayoría de las veces, las canciones tienen esa sensación improvisada de una conversación y una sensación de que se capturó un momento que tenemos la suerte de tener. Los regalos de Mali al mundo de la música son pródigos y legendarios, y este disco es el que abrió las puertas al mundo a sus vastas riquezas. Estamos ante una grabación que define el género y que no solo recibió un premio Grammy, sino que durante mucho tiempo fue el disco de música del mundo más vendido de todos los tiempos. También se erige como uno de los documentos más importantes de la música africana moderna. Hay magia en los sonidos del desierto y Talking Timbuktu simplemente captura esa magia con una gracia asombrosa.

1415.- Tonight's the Night - Rod Stewart

 

"Tonight's the Night (Gonna Be Alright)", incluida en el disco "A Night on the Town" (1976),  es una de las canciones más famosas de Rod Stewart, y un tema que no estuvo exento de cierta polémica por su contenido sexual, especialmente en la frase: "Vamos, ángel, mi corazón está en llamas, no niegues el deseo de tu hombre, serías muy tonta si detuvieras esta marea, despliega tus alas y déjame entrar", censurada por algunas emisoras de radio. La canción fue prohibida por la BBC e incluso generó una protesta pública del célebre reverendo Jesse Jackson por su letra y los más que sugerentes susurros femeninos, a cargo de Britt Ekland, novia de Stewart en ese momento, que también aportó una parte vocal recitada en francés.

Rod Stewart se inspiró para la composición en el éxito del grupo America "Today's the Day". Al escucharla un día que Dan Peek (America) y Rod Stewart estaban tocando juntos en el estudio, Peek tocó la canción que había compuesto y Stewart comentó que le acababa de dar una idea para una canción nueva. Stewart se basó en esa idea y cambió el día por la noche, un momento mucho más interesante para ciertas cosas.

"Tonight's the Night" se convirtió en un gran éxito comercial en la carrera de Rod Stewart, pues con ella alcanzó por segunda vez el top del Billboard Hot 100 estadounidense, manteniéndose en lo más alto durante ocho semanas consecutivas, un récord personal que no volvió a repetir con ninguna otra de sus canciones. La canción fue también nº 1 en Canadá, y llegó al tercer puesto en Australia y a la quinta posición en las litas del Reino Unido. No sabemos si finalmente aquella noche fue "su noche", pero definitivamente "Tonight's the Night" si que fue "su canción" con mayúsculas, un éxito tan polémico como impresionante.

1414.- The First Cut is the Deepest - Rod Stewart

 

"The First Cut Is the Deepest" ("El primer corte es el más profundo") es una canción original de Cat Stevens, que la escribió y grabó en 1967, aunque su versión no saldría publicada hasta el mes de diciembre de ese año en el disco "New Masters" (1967), mientras que una versión grabada por P. P. Arnold salió a la venta en abril de 1967. No sería esa la única versión grabada de este popular tema, que fue un gran éxito de ventas en la voz de hasta seis artistas diferentes (Arnold y Stevens en 1967, Keith Hampshire en 1973, Rod Stewart en 1976, Papa Dee en 1995 y Sheryl Crow en 2003).

La versión de Rod Stewart de "The First Cut Is the Deepest" se grabó en los estudios Muscle Shoals Sound de Sheffield, Alabama (Estados Unidos), y fue publicada como single promocional del disco "A Night on the Town" (1976). La canción fue un éxito inmediato, manteniéndose en el puesto nº 1 del UK Singles Chart durante cuatro semanas, y alcanzando el puesto nº 21 del Billboard Hot 100 estadounidense.

La letra de "The First Cut Is the Deepest" describe las dudas del protagonista sobre si será capaz de volver a enamorarse, después de haber perdido su primer amor, teniendo en cuenta que "El primer corte es el más profundo", refiriéndose metafóricamente a la herida que la primera decepción amorosa deja para siempre en el corazón. Rod Stewart respetó la mayor parte de la letra, pero eliminó la frase final del estribillo del original de Cat Stevens ("Pero cuando se trata de ser amada, ella es la primera").

Plastic Beach - Gorillaz (Mes Gorillaz)

 

Plastic Beach, Gorillaz

Gorillaz es una banda virtual británica creada en 1998 por el músico Damon Albarn y el artista Jamie Hewlett. Los personajes de la banda fueron concebidos por Hewlett y diseñados por Hewlett y Martin Stokes. La banda se compone principalmente de cuatro miembros animados: 2-D, Murdoc Niccals, Noodle y Russel Hobbs. Su universo ficticio se presenta en vídeos musicales, entrevistas y dibujos animados cortos. En realidad, Albarn es el único colaborador musical permanente y a menudo colabora con una variedad de artistas. La música de la banda es a menudo una colaboración entre otros músicos y miembros animados. Con la introducción del concepto de la playa de plástico, Plastic Beach, en su tercer álbum, muchos músicos han abordado los problemas ambientales detrás de esta cuestión.

Plastic Beach fue número uno en varios países y es considerado uno de los mejores discos de la década. Un álbum ecléctico con una sólida propuesta que se evidencia en canciones como Stylo, Rhinestone Eyes, EmpireAnts o On Melancholy Hill. Fue una mezcla musical arriesgada que dio sus frutos. El disco fue lanzado por primera vez al mercado en Japón, el 3 de marzo de 2010. Más tarde, el 8 de marzo, se lanzó al mercado en el Reino Unido, donde consiguió vender más de 100.000 copias en su primera semana. El 9 de marzo debutaría en Estados Unidos, llegando a ocupar el puesto número 2 en la lisa Billboard 200, vendiendo en ese periodo más de 200.000 copias.

Damon Albarn

Los creadores de Gorillaz, Damon Albarn y Jamie Hewlett, comenzaron a trabajar en un nuevo proyecto del grupo en noviembre de 2007, llamado Carousel, que fue evolucionando con el tiempo hasta convertirse en Plastic Beach, el tercer álbum de estudio del grupo. Sobre este tercer proyecto, Hewlett afirmaba: "Es incluso más grande y más difícil que 'Monkey' , y no va a encajar en ningún sitio y a nadie le va a gustar, ¡ja, ja, ja! Hemos empezado a trabajar, he hecho un montón de imágenes y Damon ha hecho un montón de música, pero no hemos descubierto cómo van a encajar. No puedo decir mucho sobre ello todavía, pero es como una película, pero no con una historia narrativa. Hay muchas historias, contadas en torno a una historia más grande... Originalmente era una película, pero ahora creemos que es una película y también es una cosa de teatro y... mira, es básicamente que hacemos lo que queremos sin preocuparnos de si es para una compañía discográfica o una compañía cinematográfica o lo que sea. Así que no estoy seguro de cómo resultará, o incluso si sucederá. Pero Damon ha escrito alrededor de 70 canciones para el disco, y tengo grandes planes para lo visual, pero ahora mismo, en este momento, sigue siendo una muy buena idea". Carousel iba a tratar sobre los aspectos místicos de Gran Bretaña.

Jamie Hewlett

Damon Albarn tuvo la idea de Plastic Beach mientras estaba en una playa al lado de su casa recogiendo todo el plástico que había en la arena de la playa. El 17 de septiembre de 2008, Hewlett y Albarn anunciaban que habría un nuevo álbum de Gorillaz, y que serían los mismos personajes, pero un poco mayores y contados de una manera diferente. La primera vez que Albarn fue a Mali lo llevaron a un vertedero, y allí observó cómo se trataba la basura de forma diferente a como se hacía en Inglaterra; anteriormente había visitado un vertedero en las afueras de Londres para grabar el sonido de las gaviotas para el álbum.  En Mali, según Albarn, el vertedero tenía "más serpientes... como víboras, culebras de collar, lombrices de tierra, sapos, ranas, tritones, todo tipo de roedores, una cantidad enorme de ardillas, zorros y, obviamente, gaviotas. [...] Esto es parte de la nueva ecología. Y por primera vez vi el mundo de una manera nueva. Siempre he sentido, y estoy tratando de transmitir en este nuevo disco, la idea de que el plástico, lo vemos como algo en contra de la naturaleza, pero ha surgido de la naturaleza. No creamos el plástico, la naturaleza lo creó. Y simplemente ver a las serpientes viviendo en el calor de las bolsas de plástico en descomposición.. Les gusta. Fue un extraño tipo de optimismo el que sentí... pero tratar de llevar eso a la música pop es un desafío importante". 

Al igual que con los álbumes anteriores de Gorillaz, Plastic Beach presenta colaboraciones con varios artistas; cuenta con Snoop Dogg, Hypnotic Brass Ensemble, Kano, Bashy, Bobby Womack, Mos Def, Gruff Rhys, De La Soul, Little Dragon, Mark E. Smith, Lou Reed, Mick Jones, Paul Simonon, Sinfonia Viva y la Orquesta Nacional Siria de Música Árabe. Plastic Beach en un álbum de marcado carácter pop con un toque conceptual, una secuela explícita de su predecesor, su historia retoma aproximadamente en el futuro distópico donde se quedó el último álbum. su música gira a partir de su modelo repleto de colaboraciones. Estamos ante un disco esquivo, que pasa por debajo de la barrera de los géneros y reúne a distintas personalidades musicales que si no fuese por Gorillaz, jamás hubieran conectado entre ellas. El disco es un paisaje insaciable que combina pop con  hip hop, punk y música clásica de una forma muy armónica. 

En este tercer álbum Damon Albarn consiguió un logrado equilibrio entre la procedencia de sus invitados y la variación de géneros, pero siempre bajo una estampa reconocible y manteniendo la calidad de la obra. Si bien es cierto que podria acusarse a Gorillaz  de cierta dispersión en el disco, su finalidad final fue la de investigar en todos los ángulos posibles del pop, yendo más allá de un puñado de singles efectivos y la gracia de sus miembros animados. En esta ocasión, tanto él como su colaborador en el aspecto visual y argumental, Jamie Hewlett, consiguieron elaborar una obra más enfocada a transmitir claros mensajes de denuncia ecologista. Y todo ello utilizando como hilo conductor a "la primera banda virtual del mundo": Gorillaz.

1413.- Kid Charlemagne - Steely Dan

Escuchas " Kid Charlemagne " y puedes concentrarte en el clavinet funky de Paul Griffin, la línea de bajo vibrante de Chuck Rainey o el ritmo del legendario baterista Bernard Purdie y disfrutar de cuatro minutos y medio de felicidad. Y la canción puede ser más conocida por el brillante solo de guitarra jazzero de Larry Carlton en el medio de la canción, que por sí solo hace que valga la pena poner "Kid Charlemagne" en repetición. Sin embargo, esta canción es mucho más que el genio del jazz fusión de Steely Dan, cuando uno escucha las letras, escritas por el dúo central de Steely Dan, normalmente se encuentra con un elenco de personajes turbios, y "Kid Charlemagne" no es diferente. Pero, ¿quién era exactamente el personaje principal? ¿Era una persona real? Becker tardó 24 años en revelar las respuestas.

Con la mención en la canción a cordones, tubos de ensayo y balanzas, siempre estuvo claro que "Kid Charlemagne" tenía algo que ver con el propietario de un laboratorio de drogas, después de años de misterio y especulaciones sobre la identidad exacta del protagonista, Becker reveló la inspiración para la canción en una entrevista de 2000 con la BBC, dijo que el personaje estaba vagamente basado en Owsley Stanley, quien ganó notoriedad a mediados y fines de los años 60 como productor principal de LSD en el área de la Bahía de San Francisco. También proporcionó LSD a los íconos de la contracultura de los años 60 Ken Kesey y los Merry Pranksters, así como a The Beatles. Comparar a Stanley con el emperador europeo del siglo XIX da una idea de la magnitud de su dominio en la profesión que había elegido, a través de la letra de “Kid Charlemagne”, Becker y Fagen explican cómo su personaje (y en la vida real, Stanley) llegó a gobernar el mercado de LSD en el Área de la Bahía, con frases como: Eras el mejor de la ciudad y En la colina, la sustancia estaba mezclada con queroseno / Pero la tuya estaba limpia como una cocina. El legado de Stanley fue más allá de su ascenso y caída como químico de LSD, bien documentado. También fue el ingeniero de sonido de los Grateful Dead en sus shows en vivo. Stanley, junto con varios miembros de la banda, fueron arrestados por posesión de drogas después de un show en Nueva Orleans en 1970, un evento que fue inmortalizado en la canción de Grateful Dead " Truckin' ".

“Kid Charlemagne” se convirtió en una pieza básica de las listas de reproducción de rock orientadas a álbumes, y también cruzó al Billboard Hot 100, alcanzando el puesto número 82. Rolling Stone la colocó como la 80.ª mejor canción de guitarra de todos los tiempos en su clasificación Top 100. En 1977, tras The Royal Scam con Aja , Steely Dan alcanzó un nuevo nivel de popularidad, y cada uno de sus últimos cuatro álbumes llegó al Top 10 del Billboard 200. A medida que el colectivo de Becker y Fagen ganó más seguidores a lo largo de los años, "Kid Charlemagne" no hizo más que aumentar su reputación de ser una de las mejores canciones de Dan. Siempre ha sido un placer sumergirse en la sofisticada interacción musical de "Kid Charlemagne", pero, sabiendo la inspiración de la canción, también ofrece una fascinante instantánea de la cultura del LSD de los años 60.

1412.- The Jack - AC/DC

"The Jack", a veces titulada "(She's Got) The Jack", es una de las canciones principales de "T.N.T." (1975), el segundo álbum de estudio de la banda australiana AC/DC. Después del éxito del álbum de debut "High Voltage", "T.N.T." marcó un cambio de dirección con respecto a este disco, y por primera vez aparecen claramente los signos distintivos del hard rock basado en rock and roll y rhythm and blues que les hizo famosos a nivel mundial.

La letra de "The Jack" fue escrita principalmente por Bon Scott, basándose en el contenido de una carta que Malcolm Young había recibido de una mujer con la que había tenido un encuentro amoroso durante una gira por Adelaida. En la carta, la chica le acusaba de haberle contagiado una enfermedad venérea, algo que Malcolm Young negaba porque al hacerse la prueba le dio negativo.

Por la peculiar temática, no es de extrañar que la letra original fuera demasiado explícita, y que tuviera que ser radicalmente modificada para que la canción pudiera sonar en las emisoras de radio, hasta el punto de que la versión que finalmente se incluyó en "T.N.T." parece hablar de una gran jugadora de póker que le gana la partida al protagonista, y en el coro se repite insistentemente que "She's got the Jack" ("Ella tiene la Jota"), aludiendo a que tiene la carta ganadora, pero el origen de la canción sigue estando implícito, porque "The Jack" es también en la jerga australiana el modo de llamar a la gonorrea.

Canciones escondidas: Pale Movie - Saint Etienne (1994)

Saint Etienne es un trío de indie dance/indie pop que se formó en Croydon, Inglaterra, en 1990, fue fundada por el periodista Bob Stanley y Pete Wiggs en Croydon, Reino Unido, en enero de 1990. Después de grabar 2 sencillos con cantantes invitados, Sarah Cracknell se unió como miembro de pleno derecho. La banda lleva el nombre de un equipo de fútbol francés. El concepto del trío era fusionar los sonidos pop británicos de los años 60 en Londres con los ritmos y producciones de club/dance que definieron la Inglaterra post-acid house de principios de los 90, el grupo logró llevar a cabo su concepto y, en el proceso, Saint Etienne ayudó a hacer del indie dance un género visible dentro del Reino Unido. A lo largo de los primeros años de los 90, Saint Etienne acumuló una serie de sencillos de éxito indie que estaban impulsados por ritmos de club profundos, que abarcaban desde house y techno hasta hip-hop y disco, y superpuestos con melodías ligeras, producciones detalladas, letras inteligentes y la voz entrecortada de Cracknell. Revivieron los sonidos del swing londinense, así como el concepto del sencillo pop de tres minutos como pieza pegadiza y efímera para el oído, en la Gran Bretaña post-acid house, sentando así las bases para el brit-pop. Aunque la mayoría de las bandas de brit-pop rechazaron las inclinaciones bailables de Saint Etienne, adoptaron la estética del trío, que celebraba el sonido y el estilo del pop clásico de los 60.

En 1994 publicaron Tiger Bay su tercer album que marcó el comienzo de un St Etienne con un sonido más maduro; habían desaparecido los europopismos exagerados de temas como "You're In A Bad Way" para ser reemplazados por algo mucho más considerado y artístico. Detrás del exterior chicle de la cantante principal Sarah Cracknell, todas boas de plumas y aliento a chardonnay, se encontraban Bob Stanley, Pete Wiggs e Ian Catt haciendo música pop británica muy sofisticada y muy seria, que encajó gloriosamente en este álbum. Decidieron alejarse del sampling que habían usado en álbumes anteriores y por primera vez colaboraron con otros artistas. Este album cuestionó lo que significaba ser Saint Etienne cuando las cosas llegaron a un punto crítico, los gustos y las culturas en las que se hicieron sus primeros dos álbumes estaban cambiando, y Saint Etienne quería cambiar con los tiempos, Tiger Bay revela un enfoque más íntimo de su composición de canciones al tiempo que incluye un par de sencillos pop impactantes por si acaso (ninguno de los cuales tuvo demasiado éxito). Desafortunadamente, este álbum también marcó una era de inestabilidad para el trío, ya que Sarah Cracknell finalmente se desanimó un poco y se fue a probar suerte con un disco en solitario

De este álbum me gusta mucho Pale Movie una delicatesen que nos sumerge en un universo cinematográfico teñido de nostalgia y melancolía. La banda británica, conocida por sus letras evocadoras y melodías pop con tintes cinematográficos, logra con esta canción crear una atmósfera perfecta creando una pintura sonora de recuerdos desvanecidos. Ademas la música es una suave pincelada que evoca imágenes en blanco y negro, escenas de películas antiguas y momentos capturados en celuloide. Los arreglos delicados, con un piano melancólico como protagonista, se entrelazan con la voz etérea de Sarah Cracknell, creando una atmósfera onírica y evocadora. La letra es poética y llena de referencias cinematográficas y nos invita a un viaje introspectivo a través de recuerdos y emociones. La imagen de una "pale movie" (Esta frase central se refiere a una película antigua, descolorida y borrosa que simboliza los recuerdos que se desvanecen con el paso del tiempo y la dificultad de aferrarse a momentos pasados.) nos habla de momentos fugaces, de historias que se desvanecen con el tiempo, y de la nostalgia que sentimos por un pasado que ya no existe. Si te gusta el pop melancólico y atmosférico la música de Saint Etienne es perfecta para ti.

1411.- High Voltage - AC/DC

 

"High Voltage" ("Alto Voltaje") es una canción que suele generar confusión en aquellos que se acercan por primera vez a la música de la banda australiana de hard rock AC/DC, especialmente si quieren encontrarla en los primeros discos del grupo. La canción fue lanzada como sencillo promocional de "T.N.T" (1975), el segundo disco de la banda, y fue la primera canción escrita para ese álbum.

Sin embargo, "High Voltage" comparte también su nombre con el del primero de los álbumes que grabó AC/DC, publicado únicamente en Australia y Nueva Zelanda, un disco en el que no hay ninguna canción con ese nombre. Escrita por Angus Young, Malcolm Young, y Bon Scott, se convirtió desde el primer momento en uno de los grandes éxitos de la banda, que aún estaba dándose a conocer en el Reino Unido (dónde llegó a a alcanzar el puesto nº 48 del UK Singles Chart), pero la confusión sobre el álbum en el que estaba incluida provocó que las ventas del disco tardaran en dispararse.

Angus Young recuerda como fue la gestación de esta canción, con un título inspirado en el de su álbum anterior, que no había tenido tanta repercusión internacional: "Recuerdo estar sentado en casa una noche antes de entrar al estudio y jugar con algunos acordes, y de repente pensé, intentemos tocar... Un... C... D... C. Sonaba bien. Y entonces pensé AC/DC... potencia...¡Alto Voltaje!"

The Fall: Gorillaz y el experimento de lo inmediato (Mes Gorillaz)

The Fall: Gorillaz y el experimento de lo inmediato #mesGorillaz

En 2010, Gorillaz lanzó The Fall, un álbum que marcó un cambio notable en la forma de producción y distribución de música para la banda virtual liderada por Damon Albarn. No fue un álbum como cualquiera de sus anteriores producciones, llenas de colaboraciones estelares, cuidadosa producción y una narrativa visual que completaba la experiencia musical. En su lugar, The Fall se grabó en un mes, casi enteramente en la tablet iPad de Albarn mientras la banda estaba de gira por Estados Unidos. Este álbum es un experimento en todos los sentidos: una reflexión de lo que sucede cuando se capturan momentos en tiempo real, con una producción mínima y el objetivo de experimentar tanto con tecnología como con creatividad. A continuación, repasamos qué hace de The Fall un álbum interesante, aunque divisivo, dentro de la discografía de Gorillaz.

Contexto y proceso creativo

Durante la gira de Plastic Beach, Gorillaz se encontró con una nueva herramienta de producción musical: el iPad de Apple. Albarn quedó cautivado por las aplicaciones que permitían crear y manipular música de una forma accesible y portátil, y decidió usar este dispositivo para documentar sus impresiones y experiencias a medida que la gira avanzaba. Cada canción fue escrita y grabada en una ciudad diferente, lo que hace que el álbum funcione casi como un diario sonoro o una bitácora de viaje.

Este enfoque minimalista contrasta notablemente con la producción de álbumes anteriores de Gorillaz, como Demon Days o Plastic Beach, que requirieron meses de trabajo, múltiples colaboradores y sesiones en estudios de grabación de alta calidad. Albarn produjo casi todas las canciones por su cuenta, utilizando las limitadas herramientas de edición y producción disponibles en el iPad de la época. Lo que podría haber sido una restricción terminó siendo, para Albarn, una liberación creativa: cada canción nació de forma espontánea y sin sobreproducción, capturando la esencia del lugar y momento en que fue creada.

Análisis de las canciones

A nivel musical, The Fall es un trabajo experimental que se mueve en una variedad de géneros y atmósferas. Desde el ambiente etéreo de “Phoner to Arizona” hasta el enigmático “Amarillo”, el álbum varía en estilos y estados de ánimo, reflejando las diferentes ciudades en las que se grabaron las canciones.

1. "Phoner to Arizona" - El álbum abre con una instrumental oscura y algo críptica, probablemente influenciada por la experiencia de las autopistas en Arizona. La atmósfera es pesada y repetitiva, marcada por un ritmo que parece un viaje en carretera al anochecer. Esta introducción parece marcar el tono de lo que será un álbum introspectivo.

2. "Detroit" - Como su nombre indica, esta canción está inspirada en la ciudad de Detroit, famosa por su escena musical y su historia industrial. La pista tiene un toque robótico, con un sintetizador constante que evoca un pasado industrial. A diferencia de otras canciones del álbum, “Detroit” tiene una estructura más amigable, lo cual muestra la flexibilidad del iPad para trabajar en diferentes estilos.

3. "The Joplin Spider" - Este tema es un ejemplo de la experimentación de Albarn con el iPad. Con sonidos distorsionados y una estructura irregular, es una canción inquietante y discordante, muy diferente a la mayoría de los trabajos de Gorillaz. La inspiración viene de Joplin, Missouri, y refleja la oscuridad y el misticismo que Albarn parece haber experimentado en esta localidad.

4. "Amarillo" - Uno de los temas más destacados, “Amarillo” es probablemente el corte más accesible del álbum. La letra introspectiva y el tono melancólico capturan la sensación de soledad que puede surgir en una larga gira. Este tema muestra una faceta más emocional y lírica, y es quizás el más cercano a lo que tradicionalmente se consideraría una canción de Gorillaz.

5. "California and the Slipping of the Sun" - Aquí Albarn captura la vibra soleada de California, aunque con un toque nostálgico y crepuscular. La canción mezcla sonidos de sintetizadores con un ritmo suave y pulsante, creando un ambiente que evoca un atardecer en la costa oeste de Estados Unidos.

Recepción y crítica

Cuando The Fall se lanzó de forma gratuita para los miembros del club de fans de Gorillaz, la recepción fue mixta. Algunos fans y críticos apreciaron el concepto innovador y la espontaneidad del álbum, mientras que otros lo encontraron inconsistente y experimental en exceso. Si bien la calidad del sonido no es comparable con otros álbumes de Gorillaz, el carácter improvisado y las limitaciones técnicas se ven como parte de su encanto. Muchos lo consideraron un ejemplo de lo que puede lograrse con la tecnología portátil y, en ese sentido, el álbum fue visionario al adelantarse a la ola de producción de música digital en dispositivos móviles.

Además, la falta de colaboraciones en The Fall fue otra sorpresa. En álbumes anteriores, Gorillaz se caracterizaba por incluir voces y talentos de diferentes géneros y estilos, pero en esta ocasión, Damon Albarn se mantuvo solo, creando un proyecto más personal y menos orientado al pop que sus producciones anteriores. Esto fue, para algunos fans, una decepción, mientras que para otros, una ventana hacia el proceso creativo de Albarn sin influencias externas.

Temática y ambiente

Si bien no tiene una narrativa tan clara como Plastic Beach, el álbum explora temas de soledad, desplazamiento y reflexión personal. Escuchar The Fall es como mirar el paisaje desde la ventanilla de un autobús o un tren, experimentando fragmentos de la vida cotidiana que se mezclan con momentos de introspección. La música refleja el carácter fragmentado del álbum: cada pista es un fragmento de una ciudad diferente, una instantánea de un momento que probablemente nunca se repetirá. En este sentido, el álbum resuena en un nivel emocional distinto al de sus predecesores, creando una atmósfera introspectiva que muchos escuchas encuentran única y atrayente.

Entonces The Fall ¿Experimento o álbum completo?

The Fall es, en última instancia, un álbum experimental, que reta las convenciones no solo de la música de Gorillaz, sino de la producción musical en general. Aunque la calidad sonora y la estructura de las canciones no cumplen necesariamente con los estándares tradicionales, es importante recordar que esto es, en esencia, un experimento de Albarn y una obra de arte en el sentido más crudo de la palabra.

El álbum nos permite ver una faceta más íntima de Gorillaz, sin la estética pulida ni las colaboraciones de renombre que caracterizan a la banda. The Fall es una especie de viaje personal y una oda a la tecnología moderna, que permite capturar y compartir experiencias de una manera instantánea. Esto lo convierte en una pieza singular dentro de la discografía de Gorillaz, y aunque no sea el álbum favorito de muchos, su valor como experimento y como ventana a un proceso creativo distinto es innegable.

Así, para aquellos que buscan explorar una versión más personal e improvisada de Gorillaz, The Fall representa una oportunidad única. No es un álbum que vaya a llenar estadios ni a encabezar listas de éxitos, pero su valor radica en su autenticidad y su enfoque en el momento presente. Albarn demostró que la tecnología y la creatividad pueden unirse para producir algo genuino, algo que tal vez no se vuelva a repetir, pero que sin duda ha dejado una huella en el mundo de la música digital y en el legado de Gorillaz.

Daniel 

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1410 - The Isley Brothers - Easy

1414 - The Isley Brothers - Easy

“Easy” de The Isley Brothers es una de esas canciones que captura la esencia del soul y el funk de los años 70, mezclando a la perfección elementos de ambos géneros para crear un sonido distintivo y atemporal. Lanzada en su álbum Grand Slam de 1981, esta canción refleja la capacidad de la banda para evolucionar con los tiempos sin perder su esencia.

La pieza se caracteriza por un ritmo suave pero profundamente groovy, con una base de bajo que se entrelaza con guitarras delicadas y una batería relajada, generando una atmósfera envolvente. Los arreglos de instrumentos son refinados, algo típico del estilo de los Isley Brothers, quienes a lo largo de su carrera demostraron ser maestros en la fusión de géneros como el soul, el funk y el R&B. Esta canción no es la excepción, ya que presenta un equilibrio perfecto entre la sutileza y la energía, atrapando al oyente desde el primer acorde.

Las voces son, como es de esperar de los Isley Brothers, una de las mayores fortalezas de la canción. Ronald Isley, con su tono característico suave y seductor, entrega una interpretación vocal llena de sentimiento y emoción. Su capacidad para expresar vulnerabilidad y confianza en igual medida se evidencia a lo largo de la canción, haciendo que la letra cobre vida. La lírica de “Easy” habla sobre una relación que fluye sin esfuerzo, donde el amor y la conexión entre dos personas se siente natural y sin complicaciones. Esta temática resuena profundamente, ya que muchos buscan ese tipo de relación que no requiere esfuerzo ni luchas, sino que simplemente “es”.

El uso de armonías vocales es otra característica destacada de la canción. Los coros, ejecutados por los propios miembros de la banda, añaden capas de profundidad a la melodía, mientras que los interludios instrumentales, particularmente los solos de guitarra, aportan un toque de intensidad. Estos solos, tocados con precisión y sensibilidad, muestran la habilidad de los hermanos para no sobrecargar la canción, sino realzarla con los matices correctos.

En términos de producción, “Easy” tiene un sonido cálido y limpio, típico de las grabaciones de los Isley Brothers en esa época. La mezcla es equilibrada, lo que permite que cada instrumento y voz se escuche claramente, sin que uno domine sobre los demás. Este nivel de detalle en la producción refleja la experiencia de la banda, que para ese momento ya tenía más de dos décadas de carrera.

“Easy” es una canción que encapsula lo mejor de The Isley Brothers: una mezcla perfecta de soul, funk y R&B, con una producción impecable y voces emocionantes. Es una canción que, aunque no sea tan conocida como algunos de sus éxitos más grandes, merece un lugar destacado en su extenso catálogo por su musicalidad y emotividad.

Daniel 

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1409 - The Runaways - Cherry Boom

1409 - The Runaways  - Cherry Boom

Lanzada en 1976, "Cherry Bomb" es, sin duda, la canción más emblemática de The Runaways, la banda femenina pionera del punk rock y hard rock. Conformada por jóvenes rebeldes y talentosas, entre ellas Joan Jett y Cherie Currie, The Runaways rompió con las convenciones musicales de su tiempo, irrumpiendo en una industria predominantemente masculina. "Cherry Bomb" capturó la esencia de esa transgresión y libertad, convirtiéndose en un himno para una generación de mujeres jóvenes que buscaban romper los moldes de lo establecido.

La canción comienza con un explosivo riff de guitarra que de inmediato define el tono de lo que está por venir: una tormenta de energía pura y actitud desafiante. La voz agresiva y provocadora de Cherie Currie es el alma de la canción. Su interpretación vocal es cruda, directa y carente de filtros, lo que la convierte en la representación perfecta de la juventud rebelde. Con apenas 16 años, Currie encarna a la perfección el arquetipo de la adolescente indomable, y su entrega vocal le otorga a la canción una autenticidad arrolladora.

La letra de "Cherry Bomb" es igualmente poderosa. A lo largo de la canción, Currie se presenta como una chica desafiando las normas sociales: "Hello, world, I'm your wild girl" ("Hola, mundo, soy tu chica salvaje") se escucha en el estribillo, una declaración de autonomía que resuena con cualquiera que alguna vez haya sentido la necesidad de desafiar las expectativas impuestas. Este mensaje de empoderamiento, aunque se expresa a través de una actitud casi nihilista, tiene un trasfondo más profundo: el rechazo a conformarse y el derecho a decidir por uno mismo.

Musicalmente, la canción no solo es memorable por su energía desbordante, sino también por su estructura simple pero efectiva. Con menos de tres minutos de duración, "Cherry Bomb" es un ejemplo claro de cómo una canción corta y directa puede causar un impacto duradero. Las guitarras eléctricas rugen con fuerza, con un estilo que fusiona el punk y el hard rock, y la percusión, a cargo de la baterista Sandy West, mantiene un ritmo sólido que impulsa la canción hacia adelante sin pausa.

El legado de "Cherry Bomb" trasciende las décadas. Aunque en su tiempo The Runaways no alcanzó el reconocimiento comercial masivo en su país natal, la canción ha sido revalorada con el tiempo, en parte gracias al éxito posterior de Joan Jett. A día de hoy, "Cherry Bomb" sigue siendo un himno del rock feminista, inspirando a nuevas generaciones de mujeres en la música.

"Cherry Bomb" no es solo una canción; es una declaración de principios, un grito de independencia que encapsula la esencia misma del rock. The Runaways, con esta pista, dejaron una marca imborrable en la historia del rock y allanaron el camino para futuras bandas femeninas.

Daniel 

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Disco de la semana 403 - Álbum Obsesionario de Tan Biónica

Disco de la semana 403 - Álbum Obsesionario de Tan Biónica

Recientemente, la banda argentina Tan Biónica pasó por Madrid y ofreció un show memorable en la Sala La Riviera. Y fui al concierto gracias a una amiga fan de la banda, quien me convenció de acompañarla, y la experiencia valió la pena. En honor a su entusiasmo, esta semana quiero invitar a todos a escuchar el álbum Obsesionario de la banda Tan Biónica.

Obsesionario, el segundo álbum de estudio de Tan Biónica, es una pieza esencial del pop-rock argentino lanzada en 2010. La banda, liderada por el carismático Chano Moreno Charpentier, logró captar con este álbum una serie de emociones universales y urbanas, combinando letras profundas con sonidos pegajosos y arreglos innovadores. Obsesionario contiene 12 temas que exploran desde la nostalgia y el desamor hasta la esperanza y el optimismo, consolidando a Tan Biónica como uno de los referentes del género en Argentina.

El disco inicia con "Ella", un tema que encapsula el desamor y el desencuentro. La canción cuenta una historia de abandono y pérdida, en la que el protagonista se enfrenta al dolor de una relación rota. Con una melodía pegajosa y una producción pulida, "Ella" rápidamente se convirtió en una de las favoritas del público. La combinación de letras cargadas de nostalgia y una instrumentación que envuelve, hacen de este tema una apertura contundente que introduce al oyente en el tono melancólico y reflexivo que caracteriza a gran parte del álbum.

En "Beautiful", Tan Biónica opta por un sonido más ligero y esperanzador, aunque manteniendo una lírica introspectiva. La canción habla de la resiliencia y la capacidad de encontrar belleza en la vida a pesar de las adversidades. Es una oda a la positividad, invitando a sus oyentes a disfrutar de los momentos bellos de la vida y a no perder de vista las pequeñas alegrías, incluso en medio de las dificultades. Este tema le da al álbum un toque más luminoso y optimista, contrastando con las canciones más tristes y reflexivas.

"Obsesionario en la mayor", tema que da nombre al disco, es una de las canciones más icónicas del álbum. Con una balada poderosa y emotiva, Tan Biónica captura el sentimiento de obsesión que surge en una relación amorosa intensa. La canción se sumerge en el dolor de un amor no correspondido y en la dificultad de dejar atrás a alguien que ha dejado una marca profunda en el protagonista. La interpretación de Chano se siente particularmente sincera y vulnerable en este tema, lo que permite una conexión especial con quienes han vivido una relación similar.

"Loca" es uno de los temas más populares de Tan Biónica. Con un ritmo pegajoso y una letra que narra el frenesí de una noche urbana, la canción se convirtió en un himno para una generación. "Loca" explora la euforia y la adrenalina de una aventura nocturna, reflejando el deseo de desconexión y libertad. El tono festivo y dinámico del tema, junto con un estribillo memorable, logran captar la energía de una noche sin límites, haciendo de "Loca" una de las canciones más enérgicas y disfrutables del álbum.

Con "El duelo", el tono del álbum regresa a la melancolía. La canción explora el dolor de una separación y la lucha interna por superar a alguien importante. La lírica profundiza en la tristeza y la soledad, creando una atmósfera de introspección y añoranza. Este tema destaca por la sensibilidad con la que Tan Biónica aborda las emociones humanas, logrando transmitir la desolación de una ruptura amorosa y el proceso de duelo que implica dejar ir a alguien que fue importante.

"Dominguicidio" es un tema que se convierte en un reflejo de aquellos domingos solitarios, en los que el tiempo parece detenerse y el vacío emocional se intensifica. A través de una mezcla de melodía suave y letras poéticas, Tan Biónica capta el sentimiento de hastío y monotonía de esos días en los que uno se enfrenta a sí mismo. La letra es un retrato fiel de la melancolía que puede surgir en esos momentos, haciendo de "Dominguicidio" un tema al que muchos pueden identificarse.

"Pastillitas del olvido" es una de las canciones más populares y queridas de Tan Biónica. La canción habla de las maneras en las que intentamos olvidar un amor pasado, en un intento de llenar el vacío que deja esa persona especial. La melodía y el ritmo pegajoso crean un contraste interesante con la temática de la canción, logrando un equilibrio entre lo triste y lo alegre. La narrativa de olvidar y avanzar es universal, y la interpretación de Chano en este tema lo convierte en uno de los puntos más destacados del álbum.

"La suerte está echada" introduce una reflexión sobre el destino y la inevitabilidad de ciertos eventos en la vida. La canción invita a aceptar la realidad tal como es, sin resistirse al curso de las cosas. Con una mezcla de esperanza y resignación, Tan Biónica logra transmitir una sensación de paz en medio de la incertidumbre. Este tema destaca por su mensaje positivo y su invitación a aceptar el destino y vivir la vida con una actitud abierta y resiliente.

"La comunidad" es un himno de pertenencia y conexión. La canción reflexiona sobre la necesidad de encontrar un lugar en el mundo, una comunidad en la que se pueda ser uno mismo y sentirse aceptado. Con una mezcla de pop y rock, el tema invita a ser parte de algo más grande, un mensaje inspirador y emotivo que conecta con aquellos que buscan un sentido de pertenencia en un mundo cada vez más individualista.

"Perdida" explora el sentimiento de desorientación y vacío. Con una melodía calmada y una letra introspectiva, esta canción aborda el miedo a perderse en uno mismo y en la vida. La vulnerabilidad de Chano se refleja en cada verso, creando una atmósfera íntima y personal.

"El color del ayer" es un tema que evoca nostalgia y rememora los buenos momentos del pasado. Tan Biónica pinta con sus palabras y sonidos una imagen de recuerdos y añoranza, logrando que el oyente se sumerja en su propia memoria y reviva sus momentos más especiales.

Por último, "Pétalos" cierra el álbum con una mezcla de dulzura y melancolía. La canción utiliza metáforas florales para hablar de las relaciones y los sentimientos que permanecen, incluso después de que todo haya cambiado. Es una forma delicada y poética de concluir el disco, dejando al oyente con una sensación de paz.

Obsesionario es un álbum que encapsula una gama de emociones humanas universales, desde la euforia hasta la tristeza. Tan Biónica logra conectar con el público a través de letras sinceras y una producción musical que mezcla el pop-rock con toques electrónicos. Es un álbum que sigue siendo relevante y conmovedor, resonando en aquellos que han experimentado las emociones complejas que Tan Biónica describe tan bien.

Daniel 

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1408.- A Light in the Black - Rainbow

 

A Light in the Black - Rainbow

     Rainbow fue esencialmente la continuación de lo que Ritchie Blackmore había estado haciendo en Deep Purple. Excelente guitarrista, decidió diversificarse, tocar diferentes temas y utilizar diferentes talentos. En Rainbow era menos mecánico, menos pesado y tenía más potencial comercial. Hay muchas bandas de heavy metal, pero pocas con la musicalidad que mostró Blackmore en Rainbow. Con Rainbow ganó aún más impulso. Un álbum y un set en vivo habían sido grabados y lanzados. La banda se embarcó en una extensa gira que la llevó a muchas ciudades importantes. Tenían un público diverso, atraído por una música que tenía un gran atractivo. Deep Purple proporcionó la base del conjunto, pero había rastros distintivos del pasado de Blackmore en el trabajo, como por ejemplo su amor por la música medieval.

Nuevas canciones como A Light in the Black, le dieron a la banda la oportunidad de mostrar su diversidad musical. Ronnie James Dio fue en gran medida el catalizador, el hombre que le dio confianza a la banda y marcó el ritmo, el complemento que a Blackmore le faltaba. Incluida en el segundo álbum de estudio del grupo, Rising (1976), se encuentra precisamente A Light in the Black,  pieza de más de 8 minutos que instrumentalmente sabe mucho a Deep Purple, cosa que no le resta ni un ápice de mérito pues la descarga es brutal. El tema originalmente se llamaba Comin' Home, pero era igual al título de un tema que Deep Purple había sacado el año anterior en su disco Come Taste The Band, así que decidieron cambiarlo por A Light In The Black.

Gorillaz - D-Sides (Mes Gorillaz)

Cuando “Clint Eastwood” de Gorillaz arrasó en las listas de éxitos de ambos lados del charco, era obvio que Albarn estaba yendo más allá de los simples retratos de personajes que habían poblado tanto su trabajo con Blur. Muchos pensaron que esto se debía a su colaboración con el productor de ese álbum, Dan the Automator. Sin embargo, cuando Albarn dejó caer Automator como una piedra caliente para hacerse con el maestro de Grey Album, Danger Mouse, para el segundo trabajo de Gorillaz, era obvio que los simpáticos personajes de dibujos animados en las portadas de los álbumes eran solo una fachada para The Damon Albarn Travelling Hip-Hop Showcase. Los lados B son las canciones que no llegaron a triunfar, Gorillaz ya lo demostró con resultados mediocres en su compilación anterior, G Sides , que incluía solo un puñado de joyas entre "remixes" en su mayoría mediocres. Ahora en de D-Sides nos traen no de uno sino de dos discos, el primero de los cuales está compuesto por lados B y el segundo contiene una serie de remixes de las grabaciones de Demon Days. Es razonable la incertidumbre de este trabajo para el que acaba de llegar al mundo Gorillaz dado el espectro de sonido relativamente impredecible y aparentemente espontáneo que es Gorillaz, después de escucharlo unas cuantas veces empiezo a reconocer un marcado contraste entre lo bueno y lo malo... tomando forma como una división conveniente entre los dos discos, para ser específico.

En el disco uno sorprendentemente, las pistas se presentan de una manera que no solo es fácil de apreciar, sino que incluso cuenta con un mayor sentido de cohesión que el ofrecido en la montaña rusa de locura de ida y vuelta que es el debut homónimo de la banda, se erige como una Dare Part 2 con su similitud flagrante y, sin embargo, de alguna manera, se las arregla para ser igual de agradable. Aunque este no es un territorio inexplorado, otra rareza es cómo encaja el disco a pesar de que varias de las canciones que se ofrecen en este disco parecen orientadas más hacia un género u otro. 68 State, una canción bailable, cinética y serpenteante que suena perfecta para mirar por la ventana a altas horas de la noche mientras estás a bordo de un tren en movimiento o para reproducirla de fondo mientras destruyes a enemigos pixelados en algún videojuego de disparos de naves espaciales (aunque a Albarn probablemente no le importaría de ninguna manera) o Don't Get Lost in Heaven con un coro y suficiente reverberación de Beach Boys para matar a un caballo que pierde el espíritu de la versión demo original que ahora escuchamos en D-Sides, la canción es un himno de compañerismo de fumetas que Danger Mouse intentó romantizar en exceso. Es cierto que D-Sides no puede estar repleto de brillantez (como lo ilustra la canción de reggae completamente formada pero demasiado familiar “Bill Murray”), pero cuando los éxitos superan a los fracasos por un margen tan amplio, es difícil quejarse.

Por supuesto, como colección de caras B, es propensa a tener una serie de pistas que se destacan significativamente en comparación con las demás, pero las que se encuentran aquí brillan de manera bastante agradable. Como el nombre puede implicar, Murdoc is God es un fragmento implacable de golpes de bajos ultra distorsionados que precede y complementa el ritmo funky y considerablemente menos distorsionado de Spitting Out the Demons. En el lado más suave, Hong Kong, que actúa como la canción más larga del primer disco, captura la sutileza maravillosamente inquietante de la que Gorillaz es capaz en una medida que no se ha visto desde el disco homónimo. Aunque la pista de cierre, Stop the Dams, no logra el mismo efecto, sigue este ejemplo con más énfasis en la instrumentación en vivo y es un final agradable de algún modo. En general, el disco uno es un viaje variado pero divertido que da la impresión de que podría, con un poco de trabajo, tal vez pasar como algo más que caras B. Sí, hay algunos deslices en el camino... We Are Happy Landfill es algo así como un desastre ruidoso, y Rockit es como una extraña canción de new wave con letras exgtrañas. 

El disco 2 incluso para aquellos que disfrutan de las remezclas de canciones o son aficionados a Gorillaz se convertirá en uno que se escuche con moderación con el tiempo. De inmediato, el oyente se lanza a la extensión de doce minutos que es el remix de DFA de Dare, una mezcla larga y, sin embargo, escasamente interesante que pide ser saltada. Una buena parte de la pista no suena muy diferente a una licuadora configurada a varias velocidades y acompañada por un ritmo de batería repetitivo y un loop de bajo superpuesto por si acaso. Si logras escuchar la totalidad del remix de DFA (o si simplemente haces trampa y te saltas la pista), te encontrarás con otro representante del disco de remix. La mezcla de Stanton Warriors para Feel Good Inc dura aproximadamente lo mismo que dos Feel Good Inc y resulta la mitad de interesante. La mezcla de Metronomy de El Mañana continúa el tormento y parece un intento de síncopa interesante al colocar mal los doblajes vocales completamente contra el ritmo, pero realmente solo tiene éxito al resultar completamente ruidoso e irritante. En Dirty Harry la mezcla es casi idéntica al original... con una clara excepción: todo está en chino, incluido el "rap", que es, en el mejor de los casos, vergonzosamente gracioso. Kids With Guns incluso se arruina dos veces antes de que esto termine. La mezcla de Jamie T's Turns to Monsters es una mutación dolorosa que presenta lo que suena como un rapero británico adolescente con una tendencia desesperada a parecer una imitación realmente mala de Mike Skinner de The Streets. Afortunadamente, hay algunos casos en los que al menos dos de las mezclas de Demon Days están hechas de una manera que no es inevitablemente aburrida o insoportablemente irritante. El remix de Soulwax para Dare es un viaje oscuramente fascinante que podría rivalizar con el original, entrando tan suave como un suspiro y creciendo a través de fallas, pitidos y un siniestro sintetizador de bajo. El remix de Junior Sanchez va en la dirección opuesta por completo, actuando como un espejo enérgico de la versión inicial, con un toque de énfasis en instrumentos en vivo. Kids With Guns de Hot Chip incluso compensa las dos versiones mediocres con una mezcla que crece gradualmente y silenciosamente hasta un clímax y una conclusión de estilo techno.