1351.- Dreamer Deceiver - Judas Priest

 

Dreamer Deceiver, Judas Priest

     Dreamer Deceiver es una de las primeras canciones donde Rob Halford contribuyó escribiendo la letra en 1973. El tema principal de la canción podría ser el de la traición y también muestra el espectacular rango vocal de Rob Halford. Incluída en su segundo disco de estudio, Sad Wings of Destiny (1976), tiene una duración de cinco minutos y es la tercera canción del álbum. Judas Priest ha sido frecuentemente clasificado como una de las mejores bandas de metal de todos los tiempos, la revista The Guardian los ha descrito como "la banda de metal clásico". A pesar de un trabajo innovador y pionero en la segunda mitad de la década de 1970, la banda luchó con una producción discográfica indiferente y la falta de éxito comercial o atención hasta 1980, decantándose po un material más clásico. La canción es una balada mixta, la primera de corte tradicional clásico que será la marca de nacimiento de Judas Priest, pero !ojo!, que también tiene un lado funk con un agradable estribillo de hard rock. Judas Priest se formó en Birmingham, Inglaterra, en 1969, en un periodo en el que el heavy metal estaba en sus primeras etapas de desarrollo. Bandas como Black Sabbath y Led Zeppelin ya habían sentado las bases del género, y Judas Priest se presentó como una de las bandas que llevarían este sonido más allá. El álbum Sad Wings of Destiny es considerado uno de los puntos de inflexión en la carrera de la banda y en la evolución del heavy metal. Lanzado en 1976, este álbum marcó una transición en el estilo de Judas Priest, consolidando su reputación como pioneros del género.

Dreamer Deceiver es una de las canciones más enigmáticas del repertorio de Judas Priest. Esta pista destaca por su mezcla de rock progresivo y heavy metal, un rasgo distintivo que marcó el sonido de la banda en sus primeros años. La canción es una balada de más de cinco minutos que se caracteriza por su inicio suave y melódico, contrastando con un final poderoso, intenso y electrizante. La canción es un ejemplo claro del enfoque experimental que Judas Priest adoptó en sus primeras producciones. La canción comienza con una introducción de guitarra acústica acompañada por la voz de Rob Halford, quien exhibe su amplio rango vocal, desde un tono bajo y suave hasta agudos impresionantes. La primera parte de la canción es lenta y melódica, con un ambiente casi onírico que es subrayado por los efectos de eco y reverberación. A medida que la canción avanza, la intensidad aumenta, preparando al oyente para la transición a la siguiente pista, "Deceiver", que es mucho más agresiva y rápida. 

Glenn Tipton y K.K. Downing, los guitarristas de la banda, ofrecen una mezcla única de riffs suaves y solos emotivos, Ian Hill en el bajo y Alan Moore en la batería proporcionan una base rítmica estable, que aunque es sutil en la primera parte de la canción, se vuelve más prominente en el clímax, y Rob Halford hace gala de su impresionante rango vocal completo, desde un canto suave y tranquilo hasta unos impresionantes chillidos agudos. Las letras de la canción son enigmáticas y abiertas a la interpretación. A lo largo de la canción, se describe la experiencia de un soñador que es seducido por un ser sobrenatural, un "Deceiver" (engañador), que lo lleva en un viaje más allá de las limitaciones de la realidad. Podría interpretarse como una alegoría sobre la búsqueda de significado y trascendencia, temas recurrentes en la música de Judas Priest. La figura del "Deceiver" podría simbolizar las tentaciones o las ilusiones que desvían al soñador de su verdadero propósito, una temática que resuena con la idea de enfrentarse a las propias sombras internas.

Dreamer Deceiver es un ejemplo temprano del potencial que tenía el heavy metal para incorporar elementos progresivos y atmosféricos, expandiendo los límites del género. Aunque Judas Priest es más conocido por su influencia en el desarrollo del sonido clásico del heavy metal, con canciones más rápidas y agresivas, Dreamer Deceiver muestra su capacidad, sobre todo al inicio de su carrera, para explorar territorios más experimentales.

Something Else - The Kinks (Mes The Kinks)

Something Else ilustra la época en la que los Kinks se convertían cada vez más en una excepción entre las excepciones. Para entenderlo, el comienzo de la era de los años revolucionarios, que se extendió de 1966 a 1969, daría origen a un gran número de artistas/grupos lógicamente importantes en el desarrollo de la música. Un movimiento originalmente vinculado a 3 factores muy importantes, la Invasión Británica, la popularidad del Pop Rock y la transformación social y societaria gracias a la contracultura. Cuando estudiamos su carrera en retrospectiva, es difícil comprender realmente la situación de los Kinks, actores principales de la Invasión Británica, que pasaron de estrella mundial a nacional por diversos azares si nos basamos solo en el maravilloso contenido que ofrecieron todos los años hasta los años 70. De hecho, hay que tener en cuenta que los Kinks estuvieron prohibidos en el mercado estadounidense desde 1965, lo que explica por qué desde el single Waterloo Sunset (1967) hasta Lola en 1970, los Kinks no colocaron ningún single en las listas americanas. Es por eso que los Kinks se encuentran en una situación particular, basada en un mercado más nacional, aunque eso no significa que no tengan audiencia internacional.

Este es uno de los discos más perfectos que se han hecho jamás... No cambiaría ni una sola nota de este disco, de principio a fin, absolutamente nada. Me encanta cada nota, cada matiz y me sorprende lo rápido que Ray dio el salto, ya que Face to Face demostró que algo estaba por venir, pero Something Else lo cumplió todo, me encanta el sarcasmo del título. Estoy seguro de que Ray sabía que tenía algo cocinándose en este punto, había tenido un montón de éxitos en Inglaterra, y estaba empezando a escribir canciones para Cher, etc. en ese momento convirtiéndolas en éxitos, y estaba en la cima de sus poderes. Ray Davies afronta su depresión por la vía de la salida, sin tener miedo de deplorar lo más oscuro de sus pensamientos, los elementos más dolorosos de su dolor. Por eso, Someting Else va totalmente a contracorriente de la contracultura y de la tendencia de los temas espirituales del momento. Musicalmente, Something Else nunca ha sonado tan a lo Kinks como a partir de este momento, aunque bastante convencional en comparación con la época, sobre todo porque el grupo amplificará su fórmula para consolidar una experimentación con arreglos intimistas, más barrocos, de cámara, folclóricos, acústicos. Incluso multiplicarán la inspiración y la aportación del Music Hall, ya incorporado en Face To Face, que por otra parte probablemente habrá influido en los Beatles para Sgt Peppers. Los métodos abordados en Something Else intentarán, pues, lógicamente, apoyar al máximo la introspección y la intimidad que quiere ser la narración de Ray Davies, como artista cantautor en disposición de grupo. 

Ni una sola nota o pizca fuera de lugar. Cada canción es un clásico de las perversiones, David Watts tiene el estilo de britpop punk. ¿Quién no conoció a un personaje tipo David Watts cuando crecía? Ray Davies ofrece una narración atrevida para la época, contando personalmente los celos que Ray tenía hacia un tal David Watts, un homosexual atraído por su hermano Dave y cuya vida parecía envidiarlo e irritarlo de alguna manera. Finalmente, Ray Davies describe fantásticamente una situación loca que puede sentir un humano cuando está celoso de algo, dividido entre el deseo y el odio. También encontramos el típico riff de los Kinks en realidad es la típica canción de los Kinks en realidad. Death Of A Clown se la reservó Dave Davies que también quería algunas pistas en este álbum, mientras Ray Davies vivía principalmente en la autarquía de la banda, los Kinks seguían actuando en el escenario, liderados por su hermano Dave. Lo que representa Death Of A Clown es, en primer lugar, el florecimiento personal de Dave Davies como compositor, empujándolo a ocupar un lugar más importante en el contenido de los Kinks. En este caso, Dave Davies ofrecerá una sátira a la manera de un Bob Dylan inglés, exponiendo un agotamiento/descontento de encadenar conciertos como animales de feria. Es fascinante cómo el enfrentamiento de personalidades fraternales estuvo omnipresente en el comienzo de este álbum.  Two Sisters, wow, la vida de casada es perfecta, unisex para dos, es la respuesta definitiva de Ray Davies. Además de la belleza infernal de esta canción, una balada pop barroca divina para la época, Two Sisters es una narración que pone en escena a 2 hermanas que representan de hecho a los 2 hermanos Ray y Dave, una es ama de casa y la otra es más volátil. Es decir, en ese punto se alcanza un nivel de escritura y matices absolutamente irresistibles, articulados en torno a 2 hermanos que se pelean por medio de canciones interpuestas. El clavicémbalo toca acordes que realmente se inventaron para el clavicémbalo y suena realmente genial, fijaros en el pequeño recorrido que hace el clavicémbalo después de "She threw away her dirty dish, just to be free again". Por cierto, Ray realmente canta esta canción a la perfección. Convence totalmente la forma en que canta "solo para ser libre de nuevo". No Return, es una canción flojita, la verdad, no te puedes meter en esta canción, y no puedes escuchar ni una maldita palabra de lo que dice, una balada bossa nova muy personal en la que Ray Davies expresa sus preocupaciones a través de su ansiedad. No sabemos realmente si esta canción trata sobre el amor o si, como se encuentra a menudo en el álbum, Ray prefiere dejar hablar la nostalgia de un tiempo que parecía desaparecido. Más caricaturesca, Harry Rag es una canción que combina el pop rock y el music hall en una sátira social que apunta a un hombre desesperado que encuentra consuelo en sus pequeños placeres personales. este si es una canción realmente genial. Estilo polka, sin sonar falso ni nada. Cantas ese estribillo el resto del día... belleza de music hall. Tin Soldier Man, es lo mismo que Harry Rag con ese riff brillante seguirá por siempre en tu cabeza, tengo arena en los zapatos cada vez que pienso en Tin Soldier Man... pero, ¿hay una canción más pegadiza en el rock and roll? ¿Especialmente una canción más pegadiza que sea tan ridículamente increíble como Tin Soldier Man? No lo creo, la mayoría de las veces las canciones súper pegadizas se vuelven ridículamente molestas después de unos meses... Tin Soldier Man simplemente mejora con los años. Situation Vacant es otra canción en la que realmente no me puedo meter, la introducción de piano suena muy dulce, pero el resto, bueno, es demasiado extraño como para encajar con ese comienzo, las letras también son otra vida de casado a la perfección. 

La otra cara del vinilo comienza con el arrasador garage rock Love Me Till The Sun Shines, la cara B de Death Of The Clown, que muestra una vez más el progreso de Dave Davies en su escritura, gran riff de introducción, pero no tan brillante, hermoso y perfecto como el resto, deja de lado la acústica por unos riffs mezquinos. Una canción rockera al estilo de Hendrix, que podría tener algún tipo de puente o variación en su estructura. Lazy Old Sun es a menudo considerada como una canción mala y aburrida... no les creas, es simplemente hermosa, la línea "you make the rainbows..." sobre esa guitarra acústica es uno de los mejores momentos de los Kinks. Nuevamente, esta es una especie de melodía de espectáculo, sin sonar falsa. Realmente melancólica y hermosa, es la mejor canción psicodélica de Ray, un estilo que no utilizó mucho a pesar de ser posiblemente uno de los padres fundadores. Afternoon Tea es otra de las canciones más flojitas, pero de todos modos muy decente. La forma de cantar de Ray en End of the Season es otra de esas melodías que él hace clásicas y que nadie o muy pocos podrían versionar para obtener el mismo efecto, una auténtica joya. La introducción es una de las mejores de la historia, Ray canta tan hermoso como siempre y el resto de la canción es realmente convincente, como el tipo de melodía de espectáculo que parece. Hermosos acordes, una melodía muy agradable y lenta. Por supuesto, es la introducción Waterloo Sunset la que se lleva casi toda la atención, porque para mucha gente es la canción favorita del repertorio de los Kinks. A riesgo de escandalizar a alguien, no es mi opinión, aunque es obvio que es una de las más hermosas. En Waterloo Sunset, Ray Davies hace hablar todo su genio, una melodía imparable, una escritura pegadiza y profundamente sincera, los arreglos y la contribución del resto de la banda también son cruciales, porque es una canción perfecta que describe a los Kinks como banda. Diré incluso que las líneas de guitarra y bajo son únicas, atemporales incluso hoy en día. Por eso entiendo completamente las opiniones sobre esta maravilla.

 

Este álbum es pura genialidad de principio a fin, pero el LP fue un fracaso sin paliativos en ventas a ambos lados del Atlántico. Una maravilla que no se vendió bien. No pasó del 35 en Inglaterra y no entró siquiera en listas USA. Aun siendo difícil de entender, su mejor disco fue su mayor fracaso hasta el momento. Esto sirvió para que Ray se radicalizara en su estilo. Los Davies ya no mirarán a las listas. La batalla con los Beatles y los Stones es inútil. Serían ellos pesara a quien pesara.

1350 - KISS - Beth

1350 - KISS - Beth

"Beth" es una de las baladas más emblemáticas de la banda de rock estadounidense KISS, y representa un hito en su carrera musical. Lanzada en 1976 como parte de su álbum Destroyer, esta canción destaca no solo por su melodía y lirismo, sino también por su contraste con el estilo característico de la banda.

KISS, conocida por sus actuaciones enérgicas, maquillajes icónicos y un sonido duro y agresivo, sorprendió al mundo del rock al incluir "Beth" en uno de sus álbumes más exitosos. Esta balada, escrita principalmente por el baterista Peter Criss junto a Stan Penridge y Bob Ezrin, muestra una faceta más suave y emocional de la banda. A lo largo de la canción, KISS cambia los potentes riffs de guitarra y la estridencia que los caracteriza por una instrumentación más delicada, dominada por el piano, cuerdas y un sutil acompañamiento orquestal.

La letra de "Beth" es simple pero cargada de emotividad. Narra la historia de un músico que se dirige a su pareja, Beth, disculpándose porque no puede regresar a casa debido a los compromisos con su banda. En un tono melancólico, el narrador expresa su pesar por no poder estar con ella, pero también deja claro que su amor por la música y el deber hacia su banda son inevitables. La canción captura la lucha interna entre el amor y la responsabilidad, un tema que resuena con muchos músicos y artistas que se enfrentan a las tensiones entre su vida personal y profesional.

La interpretación vocal de Peter Criss es uno de los aspectos más destacados de la canción. Su voz rasposa pero suave transmite una vulnerabilidad que difiere del habitual despliegue de energía de KISS. Esta interpretación emocionalmente cargada añadió una nueva dimensión al perfil de la banda, mostrando que también podían ofrecer música introspectiva y conmovedora.

El éxito de "Beth" fue inesperado pero impresionante. Se convirtió en uno de los sencillos más vendidos de KISS, alcanzando el puesto número 7 en el Billboard Hot 100, y ayudó a consolidar la popularidad de Destroyer. La canción recibió críticas favorables por su sinceridad y por la habilidad de la banda para diversificar su sonido.

"Beth" no es solo una balada más en la discografía de KISS, sino una pieza que ayudó a redefinir la percepción pública de la banda. Es un recordatorio de que incluso los grupos más ruidosos y audaces tienen una capacidad para la vulnerabilidad y la introspección. Este tema sigue siendo un clásico, demostrando que KISS no solo era capaz de incendiar el escenario, sino también de tocar los corazones de su audiencia.

Daniel 

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1349.- Shout It Out Loud - KISS

1971, una desconocida banda neoyorquina llamada Rainbow decide cambiar su nombre a Wicked Lester. Este grupo se formó en 1970 cuando el bajista Gene Klein y el teclista Brooke Ostrander reclutan al guitarra solista Stephen Coronel, amigo de la niñez de Klein, quien a su vez recomendó la inclusión del guitarra rítmica Stanley Eisen. En la breve existencia de la banda sólo dieron dos conciertos: el primero en el Teatro Rivoli de New York el 23 de abril de 1971, y el segundo (y último) en Atlantic City, New Jersey en el verano de ese año. Poco después les robarían todos sus instrumentos. Cuando todo parecía desmoronarse conocen al ingeniero de grabación de los estudios Electric Lady Ron Johnsen, quien les da la oportunidad de grabar algunas demos. La grabación inició en noviembre de 1971, finalizando en julio del año siguiente, contando con un nuevo guitarrista, Ron Leejack, el resultado de las sesiones no gustó en la discográfica. Tras el rechazo del álbum, Klein y Eisen abandonan el grupo, con la intención de reinventarse a todo nivel. Gene Simmons (Klein) y Paul Stanley (Eisen) sumarían al batería Peter Criss y al guitarrista Ace Frehley, para el nuevo proyecto: Kiss. Del material ya grabado recuperarían tres temas para el futuro grupo, tomando incluso del título de un cover de The Hollies (We Want To Shout It Out Loud) la inspiración para un futuro himno-rock: Shout It Out Loud.

Vamos varios años adelante. Shout It Out Loud tuvo su génesis (tal como la conocemos) durante los ensayos para el álbum Destroyer, en agosto de 1975, mientras el grupo estaba en la gira promocional para el disco en directo Alive!. El productor Bob Ezrin estaba a los mandos por el expreso deseo de la banda de crecer como músicos y llevar su sonido al siguiente nivel, manteniendo el éxito comercial alcanzado hasta ese momento. Ese mismo mes de agosto (antes de juntarse con Ezrin) el grupo había escrito y grabado quince canciones en los Estudios Magna Graphics, pero fueron rechazadas casi todas, rescatando sólo fragmentos aislados que luego se convertirían en God of Thunder, Flaming Youth, Sweet Pain, Detroit Rock City y Shout It Out Loud, además de futuras composiciones para el disco Rock and Roll Over (1976) y el álbum solista de Simmons (1978). Durante las sesiones de grabación, Ezrin impuso una férrea disciplina para aumentar la calidad de la música que Kiss grababa. Debido a que ninguno de los cuatro integrantes eran músicos entrenados, el productor detuvo las sesiones temporalmente para darles lecciones de teoría musical básica. Incluso, Ezrin llegó a utilizar un silbato alrededor del cuello y les arengaba con frases como: “Campistas, ¡vamos a trabajar!”. Uno de los más afectados por esta forma de trabajo fue Gene Simmons (por su ego desbordante) y lo refleja la anécdota cuando Gene, en un momento dado, dejó de tocar durante la grabación de un outro y recibió la severa reprimenda de Ezrin: “¡Nunca dejes de tocar a menos que yo te lo diga!”. Este suceso no influiría en la posterior opinión del ‘Demonio’ sobre la experiencia: “Era exactamente lo que necesitábamos”. Por otro lado Paul Stanley comparó más tarde el trabajar con Bob Ezrin como un “campamento de entrenamiento musical”.  Shout It Out Loud" tomó su título e inspiración original de la canción de los Hollies de 1970 "I Wanna Shout", que Stanley y Gene Simmons habían reinterpretado previamente como "We Want to Shout It Out Loud" en el álbum homónimo inédito de 1972 de su banda anterior a Kiss, Wicked Lester. "Siempre pensé que la idea era más grande que lo que intentaban decir con ella", dijo Simmons sobre el original de los Hollies en Behind the Mask . "Siempre pensé, al igual que ese comercial [no especificado] en la televisión, que era simplemente 'Grítalo'. Cuando tienes algo, quieres gritarlo al mundo, y no importa lo que sea. Bob y Paul seguían diciendo: '¿Gritar qué?'. Yo dije: '¡A quién le importa!' Ya sea fervor nacional o que mi equipo sea mejor... es una manifestación del equipo. Y luego a Paul se le ocurrió el verso". Stanley y Simmons escribieron la canción una mañana mientras tocaban el piano en la casa de Ezrin antes de una sesión de grabación, con la música de Motown inspirando los coros de la canción. "Recuerdo que lo más destacado de la canción fue la línea de bajo descendente", recordó Ezrin. "Una vez que la escuché, supe exactamente cómo quería tratar la canción".

Shout It Out Loud se lanzó como el sencillo principal del álbum Destroyer el 1 de marzo de 1976, convirtiéndose en el segundo single de Kiss en entrar en el Top 40, después de Rock and Roll All Nite. También fue el primer tema del cuarteto en encabezar las listas, ya que alcanzó el número 1 en Canadá el 22 de mayo de 1976. Shout It Out Loud se ha tocado en casi todas las giras durante muchos años, y es una de las canciones más reproducidas del catálogo de Kiss, habiendo sido tocada más de mil cuatrocientas veces hasta el año 2014, apareciendo además en Greatest Hits, discos en vivo, videojuegos, series de televisión, films y verrionda por muchos artistas.

1348.- Detroit Rock City - Kiss

Escrita por Paul Stanley y el productor Bob Ezrin, "Detroit Rock City" es una de las canciones más populares de la banda estadounidense de heavy metal Kiss. Incluida en el disco Destroyer (1976), está considerada una de las canciones más técnicas y elaboradas del grupo, con momentos en los que el duelo de guitarras entre Paul Stanley y Ace Frehley alcanza cotas memorables.

Sin embargo, su publicación como tercer single promocional del álbum no alcanzó los resultados comerciales esperados, y para sorpresa de toda la banda, la balada "Beth" que ocupaba la cara B le robó todo el protagonismo y el éxito en las emisoras de radio estadounidenses, lo que a la postre provocó que el single fuera editado de nuevo, con "Beth" como canción principal y con "Detroit Rock City" desterrada a la cara B.

Como curiosidad, las versiones del disco y el single eran diferentes, ya que mientras en "Destroyer" la canción estaba entrelazada con el siguiente tema ("King of the Night Time World") con el ruido de un coche estrellándose, en la versión editada como single se suprimió la intro de la canción y el ruido del coche fue insertado hacia la mitad del tema. Poco importan en realidad estas diferencias porque, en cualquiera de las dos versiones, "Detroit Rock City" brilla como uno de los más grandes himnos de la discografía de Kiss.

The Kinks - Face to Face (Mes The Kinks)

 

Face to Face, The Kinks

     The Kinks fueron una de las bandas más importantes de los inicios de la Invasión Británica, lanzando varios singles exitosos que siempre parecieron atender al estado de ánimo adolescente de la época. Con el nacimiento del llamado "The Summer of Love", la banda se vio incapaz de alcanzar el Top 40 en los Estados Unidos. Este hecho, sumado a las disputas entre los hermanos Davies, harían que la banda se viera aislada en el Reino Unido sin poder llegar a los Estados Unidos. Entonces decidieron desarrollar una pieza teatral para el teatro británico y un álbum conceptual que vería la luz del día en Village Green Preservation Society (1968). Antes de ese álbum vendría Face to Face, un álbum lanzado en 1966 cuando la banda estaba en su apogeo creativo absoluto con un Ray Davies desatado.

Para los seguidores de los primeros grandes éxitos de The Kinks, la música de Face to Face les cogería por sorpresa. Ray Davies demostró que podía escribir mucho más que aullidos de tres acordes, incorporando elementos del Music Hall inglés, las melodías de Broadway y el pop puro. Estas canciones tomaron por sorpresa al público británico, ya que muy pocas bandas, durante esta gran ola de experimentación musical que se extendió más allá de mediados de los años 60, lograrían lanzar un álbum o canciones individuales que abrazaron tan fervientemente una gama tan amplia de temas.

Face to Face fue entre mediados de abril y el 21 de junio de 1966 bajo la producción de Shel Tamy, y publicado el 28 de octubre de 1996 por el sello discográfico Pye Records en el Reino Unido y por el sello discográfico Reprise Records en Estados Unidos. El disco marcó un cambio de estilo en la música del grupo, del puro estilo beat que catapultó al grupo a la fama internacional pasaron a marcarse un álbum conceptual en toda regla, con elementos de music hall, rock psicodélico o rock art entremezclados con el pop puro.

Ray Davies había sufrido una crisis nerviosa antes de las sesiones principales de grabación del disco. El grupo, paso del sonido "obsceno" de sus anteriores trabajos para acercarse a un estilo de composición de canciones más suave. El avance del disco con el sencillo Sunny Afternoon, alcanzando el puesto número 1 en Reino Unido, demostró que el grupo había acertado con este nuevo estilo de composición. La crítica especializada del mundillo del rock llegó a acreditar este trabajo como uno de los primeros álbumes conceptuales de pop/rock que dedicaba la temática del mismo a la observación social. Originalmente, Ray Davies intentó unir las canciones con efectos de sonido, pero se vio obligado por la compañía Pye Records a volver al formato del álbum estándar antes del lanzamiento del mismo. Se llegaron a mantener algunos de aquellos efectos sonoros, como en temas como Party Line, Holiday in Waikiki o Rainy Day in June.

El álbum consta de 14 canciones, cada una con su propia identidad y enfoque temático, comenzando con Party Line, que a través de un tono ligero y humorístico nos describe la frustración de compartir una línea telefónica con extraños, algo que solía ser habitual en la década de 1960. La voz de Ray Davies alterna entre la narración y la interpretación del propio personaje atrapado en esta situación. Rosy Won't You Please Come Home es una lenta pieza donde Davies nos relata la tristeza de unos padres que añoran el regreso de su hija. Dandy se convirtió un éxito en Europa, especialmente en Alemania. Es una sátira relatada en tono humorístico sobre la despreocupada vida de un joven mujeriego. Too Much on My Mind es una introspectiva balada que nos habla sobre la ansiedad y las preocupaciones. Session Man rinde homenaje a los músicos de sesión, al trabajo que suelen hacer a la sombra y al poco o nulo reconocimiento que suelen recibir por ello. Rainy Day in June a través de una melancólica melodía nos describe un día lluvioso que parece reflejar el estado emocional del protagonista en ese momento. Cierra la cara A A House in the Country, que a través de su irónico tono, critica a los ricos que se alejan de las preocupaciones cotidianas de la mayoría de las personas para irse a vivir al campo.

La cara B comienza con Holiday in Waikiki, otra canción con mensaje, toda una crítica contra el turismo de masas hacia destinos exóticos como Hawai. Most Exclusive Residence for Sale critica el materialismo y las falsas apariencias. El protagonista de la canción se ve obligado a vender su lujosa casa por no poder hacerse cargo de ella. En  Fancy Davies y compañía experimentaron con el sonido, fusionando elementos del rock psicodélico y de la música india. Little Miss Queen of Darkness presenta un fuerte contraste entre su alegre ritmo y la tristeza de la letra, que trata sobre una joven atrapada en una vida de la que desea escapar. You're Looking Fine es una de las canciones más rockeras del álbum, con un ritmo acelerado y lleno de energía, y una letra directa que nos habla sobre la atracción física. Sunny Afternoon es la canción más famosa del disco, toda una crítica en toda regla del sistema impositivo británico y la decadencia de la clase alta. I'll Remember cierra la cara B, y por tanto este interesante álbum. La canción, con un tono nostálgico y reflexivo, aborda el tema del paso del tiempo y la importancia de los recuerdos.

Como podemos comprobar, Face to Face es un disco con una extensa variedad de estilos y temáticas, que abordan desde las críticas sociales hasta las complejas reflexiones y emociones personales. Todo un reflejo del talento compositivo de Ray Davies y la capacidad de The Kinks para evolucionar musicalmente. Problemas contractuales retrasaron el lanzamiento del álbum durante varios meses después de que se completara su grabación. La portada del disco también tuvo su polémica, pues el tema psicodélico de la misma originó un conflicto con la discográfica Pye Records, que la veía como inapropiada. A esto hay que sumar los problemas internos del grupo, como los del bajista Pete Quaife, que se lesionó, renunció al grupo, y posteriormente se reincorporó. El disco fue bien recibido por la crítica, pero no se vendió demasiado bien en el momento de su lanzamiento, especialmente en Estados Unidos, lo que hizo que estuviera agotado durante muchos años debido a la falta de reediciones. Face to Face llegó a ser incluído en el libro "1001 álbumes que debes escuchar antes de morir".

1347.- God of Thunder - KISS

God of Thunder, Kiss

     No fue hasta los años 70, cuando el maquillaje, los atuendos llamativos, los peinados voluminosos y las acrobacias escénicas extrañas hicieron su entrada espectacular y caótica en la corriente principal de la música rock.  El ambiente siempre estuvo ahí, pero el veneno nunca había estado tan presente antes. El maquillaje, los atuendos extravagantes y los enormes efectos de escenario y la generosa cantidad de accesorios se combinaron para formar una amalgama única que pocas veces se había visto en el mundo de la música rock. La idea de KISS era despertar al niño rebelde y divertido que todos llevamos dentro y transportarnos lejos de nuestros aburridos problemas cotidianos a un entorno más feliz con canciones inspiradoras y un espectáculo de diversión y fantasía. La banda responsable de este terremoto de emoción surgió en la escena del rock a mediados de los años 70. Desarrollaron su maquillaje, vestuario, personajes y efectos especiales en un espectáculo itinerante de rock, recorriendo el mundo para regalarnos dicho espectáculo, La banda demostró que debajo de esa oscura fachada se escondía un grupo con una personalidad encantadoramente musical. KISS demostró que si una banda tiene los ingredientes adecuados, no sólo será escuchada, sino también vista y adorada. A mediados de la década de 1990 muchos de los fans originales se dieron cuenta de que estas preciosas imágenes de visiones completas de rock glam-metal difícilmente se repetirían. 

En 1976 KISS publica su cuarto álbum de estudio, titulado Destroyer. Incluido en dicho álbum se encuentra God of Thunder. Estamos ante una de las canciones más emblemáticas de la banda, conocida por su sonido oscuro y su relación con la imagen de Gene Simmons como el "Demonio" de la banda. La canción fue escrita por el guitarrista y vocalista de la banda, Paul Stanley, pero fue adaptada y cantada por el bajista Gene Simmons. Originalmente, Stanley había compuesto la canción con un ritmo más energético y rápido, pero el productor Bob Ezrin sugirió que sería más apropiada para Simmons, dada su imagen escénica. Ezrin ralentizó la canción y la dotó de un sonido más pesado y siniestro, que encajaba perfectamente con la personalidad de "Demonio" que Simmons representaba en el escenario. La versión final de God of Thunder presentaba efectos sonoros inquietantes, como voces de niños gritando y efectos de sonido, que fueron añadidos por Ezrin para dar una atmósfera más aterradora y dramática. Las voces de los niños de fondo son los hijos del productor Bob Ezrin, David y Josh, a quienes grabó haciendo ruidos espeluznantes a través de un walkie-talkie barato. Tres años antes, Ezrin ya había utilizado a sus hijos en la canción de Lou Reed The Kids. La canción no fue lanzada como sencillo, pero consiguió ser considerada como una de las canciones más emblemáticas debido la representación  teatral y el potente estilo de la banda en su representación.

1346 - Boz Scaggs - Lowdown

1346 - Boz Scaggs - Lowdown

"Lowdown," una de las canciones más emblemáticas de Boz Scaggs, se lanzó en 1976 como parte de su exitoso álbum Silk Degrees. Esta pieza se ha convertido en un clásico del género "blue-eyed soul," un término utilizado para describir a artistas blancos que interpretan soul y R&B. La canción, que combina elementos de rock, jazz, funk y soul, es una muestra del estilo distintivo de Boz Scaggs y su habilidad para fusionar géneros musicales de manera fluida y natural.

Desde los primeros compases de "Lowdown," la canción capta la atención del oyente con su ritmo funky y suave, impulsado por una línea de bajo penetrante y un groove contagioso. El bajo, interpretado por David Hungate (quien más tarde se unió a Toto), es el corazón del tema, proporcionando una base sólida sobre la cual se construye el resto de la composición. El ritmo relajado pero seguro invita a moverse al compás, mientras que la batería y los teclados crean una atmósfera envolvente y casi hipnótica.

La voz de Boz Scaggs, con su tono suave y ligeramente rasgado, añade una capa de sofisticación y emoción al tema. Boz Scaggs canta sobre la desilusión en una relación, explorando los altibajos emocionales que conlleva. La lírica, aunque simple, es efectiva y resonante, capturando ese sentimiento de traición y la inevitabilidad de la verdad que sale a la luz, lo que el título sugiere como un "lowdown", o "verdad amarga". La interpretación vocal de Boz Scaggs es tanto melancólica como cautivadora, transmitiendo un aire de resignación y aceptación.

Además del bajo y la voz, el uso del teclado y la guitarra es crucial en "Lowdown". El teclado, a cargo de David Paich, se mueve entre acordes suaves y sutiles, y momentos de mayor protagonismo, especialmente durante el puente instrumental. La guitarra de Les Dudek añade textura y profundidad, con riffs que complementan la línea de bajo y la voz, sin opacar el resto de los elementos musicales. El resultado es una composición equilibrada, donde cada instrumento tiene su espacio y función clara dentro del arreglo.

"Lowdown" no solo fue un éxito comercial, alcanzando el puesto número 3 en el Billboard Hot 100, sino que también ayudó a definir el sonido de la década de 1970. Fue reconocida con un premio Grammy por Mejor Interpretación de R&B por un Grupo o Dúo, lo que refleja su aceptación en ambos mundos, el del rock y el del R&B.

"Lowdown" es un testimonio de la capacidad de Boz Scaggs para crear música que trasciende las barreras de género y tiempo. Es una canción que no solo captura la esencia de una época, sino que también sigue siendo relevante y apreciada décadas después de su lanzamiento.

Daniel 

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Disco de la semana 394: No Name - Jack White

 

Little Room no es, quizás, la canción más celebrada del catálogo de The White Stripes, aparece a mitad de White Blood Cells (2001 ), dura apenas 50 segundos y consiste principalmente en Jack White tocando sobre los ritmos más rudimentarios de Meg White. Sin embargo, los 20 segundos de letra resumen de manera efectiva una paradoja con la que White ha estado lidiando, afortunadamente, durante unas buenas dos décadas. La canción, si no la recuerdas muy bien, es un retrato del artista lo-fi que “trabaja en algo bueno” en la pequeña habitación que le da nombre al disco, pero, a unos meses de alcanzar una fama inimaginable, contempla lo que sucederá después cuando “si es realmente bueno/ vas a necesitar una habitación más grande”. Las habitaciones más grandes, por supuesto, traen consigo sus propios desafíos. En ellos, White aconseja: “Puede que no sepas qué hacer/ puede que tengas que pensar en cómo empezaste/ sentado en tu pequeña habitación”. Cuando The White Stripes se convirtió en un fenómeno global a principios de los años 2000, White inicialmente se mantuvo firme en su postura de grabar en los entornos más primitivos. “En ese momento, lo más punk contra lo que podía rebelarme era contra este nuevo mundo digital donde todo está hecho de plástico y todo parecía tan falso y desechable”, le recordó a Andrew Male de MOJO en 2018.

 

En el fondo soy un gran fan de Jack White, los White Stripes siempre han sido la cumbre creativa de su música desde mi punto de vista. En los cinco discos principales en solitario que White ha publicado, ha habido muchos más fracasos que éxitos, "Blunderbuss" tiene algunas canciones realmente geniales y otras que realmente son vulgares, "Hip (Eponymous) Poor Boy"). "Lazarretto" se apoya mucho en la peculiaridad establecida en el disco anterior para peor, se nota sobreproducido y los momentos que son directamente flojos superan a los momentos que suenan geniales o interesantes demasiadas veces. Quizás su mejor logró fue con el experimental y extraño “Boarding House Reach”, aunque lejos de ser perfecto, creo que este disco es fácilmente el mejor proyecto que ha lanzado desde su época en The White Stripes. Es Jack apoyándose en sus conceptos raros, que rompen con el género y son artísticos sin reservas de una manera que se sintió sorprendentemente fresca e increíblemente original. Ni siquiera voy a detenerme en el díptico dolorosamente mediocre de “Fear Of The Dawn” y “Entering Heaven Alive”, pero lo que predomina en todos estos lanzamientos en solitario parece ser un exceso de experimentación, teatralidad y producción, incluso cuando funciona, como en “Boarding House Reach”. Hace unas semanas, un misterioso álbum sin nombre de Jack White circulaba en tiendas selectas de Third Man Records en todo el mundo, aquellos que tuvieron en sus manos el disco lo alabaron y lo llamaron su mejor trabajo en años, tenían razón, White y su equipo hicieron un asombroso disco de rock de garaje que es la banda sonora perfecta de un mundo en llamas. “No Name”, es todo lo contrario de “Boarding House Reach”, y en el mejor sentido posible. Es Jack White entregando un montón de éxitos rockeros de garaje contundentes y directos. Es un ejemplo perfecto de lo gratificante que puede ser ir a lo seguro en las circunstancias adecuadas. Todo suena sudoroso, ansioso y eléctrico como si hubiera sido grabado en un sótano muy húmedo con un equipo rudimentario. Estas canciones están impulsadas por la desilusión de White con el mundo que lo rodea y la necesidad de canalizar su frustración en una música rock genial, lo deja todo en sus partes más básicas, lo que lo convierte en uno de los retrocesos más emocionantes de los últimos tiempos. Pocos podrían haberlo logrado tan bien como lo hizo White. Incluso con ese enfoque crudo, su comprensión de cómo crear una gran canción se muestra plenamente aquí. Como no hay lista de canciones ni etiquetas además de los títulos de cada lado del disco, es un poco más difícil de lo habitual entrar en detalles sobre ciertas canciones de este disco, prácticamente todo destaca por igual. No por ser extraordinario o alucinante, sino simplemente por estar bien escrito y ser un rock and roll rudo y despojado de todo.

Cada canción rezuma tensión, sabes que habrá un momento en el que todo se descontrolará. “That's How I'm Feeling” comienza a medio tiempo antes de despegar y la guitarra de Jack es tan melódica en la canción que es una de sus favoritas. En "Archbishop Harold Holmes", White hace su mejor imitación de un predicador paranoico que intenta frenéticamente llevar a la gente a la salvación con algunos de los riffs más abrasadores del álbum. A esto le sigue el éxito de punk de garaje "Bombing Out", que es irresistiblemente catártico. No se puede decir lo suficiente de las actuaciones de White aquí, tanto en voz como en guitarra, que son algunas de las mejores de su carrera. Su voz en el tema de apertura "Old Scratch Blues" se siente tan apasionada, como si estuviera luchando para que lo escuches. Le da a estas canciones la cantidad perfecta de energía que requieren, están tan completamente realizadas de una manera muy poco convencional. Algunas de las cosas que hace en la guitarra aquí son simplemente geniales, simples y sencillas. Como hace que su guitarra suene como un tono de marcado en "That's How I'm Feeling" o los riffs mareados en el pre-estribillo de "It's Rough On Rats", es simplemente increíble. Aparte de los trucos ocasionales, cada riff aquí tiene mucho peso, diablos, cada instrumento aquí tiene un peso considerable. Sientes todo, es envolvente. Hay una urgencia aquí que no ha estado presente en su trabajo en mucho tiempo emparejado con algunas de las canciones más emocionantes que ha escrito. El álbum termina con una canción rockera de ritmo rápido, “Missionary”, seguida de una pista atmosférica que es lo más cercano a una balada que se puede encontrar en el álbum, “Terminal Archenemy Ending”, que es un título fabuloso. Después de que el álbum termine, no puedo esperar a ponerme de pie y dirigirme al tocadiscos para comenzar de nuevo. Este es un rock n roll glorioso y divertido y Dios, lo necesitamos ahora mismo.

No Name es sin duda uno de los mejores discos de rock del año. Es infinitamente emocionante a un grado casi embriagador, nunca te decepciona ni un solo segundo. Simplemente no puedo tener suficiente de él. Uno de esos álbumes que salió en el momento justo. Hay tanta mierda sucediendo todo el tiempo, a veces todo lo que necesitas es un disco de rock de garaje estridente para sumergirte. ¡Pulsa play en esta cosa y tócala a todo volumen! Puede haber belleza en la simplicidad, pero Jack White se deleita en la fealdad. Realmente no hay mucho más que decir sobre este disco. El tono de guitarra en todo momento es asombroso. Escuchar a Jack hacer música punk es asombroso. La consistencia que se muestra aquí no solo es asombrosa, sino que parece un milagro en comparación con otros lanzamientos en solitario de Jack. Estoy muy feliz de que esto exista y estoy emocionado de ver cómo me va gustando.

1345.- I never cry - Alice Cooper

I Never Cry, Alice Cooper

     Alice Cooper es un artista musical e intérprete influenciado por la música heavy. A menudo se le considera un pionero del hard rock teatral y del heavy metal. La primera banda de Cooper, The Spiders, comenzó en 1964 cuando tenía solo 16 años. Durante los años siguientes, cambiaron de nombre varias veces. Como el éxito aún se les escapaba, en 1969 cambiaron su nombre a Alice Cooper, llamado así por una supuesta bruja que querían sacrificar en el escenario. La banda finalmente llegó a las listas ese mismo año, con el sencillo I'm Eighteen y el álbum Love It to Death. La combinación de una voz que contradecía su género y payasadas exageradas en el escenario atrajo la atención del público. Después de una serie de sencillos de éxito, el grupo lanzó su trabajo de mayor éxito comercial en 1971 en forma de álbum conceptual, llamado School's Out. Pero en esta ocasión, lo que vamos a hacer es centrarnos en el año 1976 y su éxito I Never Cry.

Alice Cooper, la banda, se separó en 1974, y Alice Cooper, el hombre, encontró el éxito nuevamente ese mismo año con su álbum Alice Cooper Goes To Hell.  I Never Cry fue lanzada en 1976 como parte de dicho álbum. La canción fue escrita por Alice Cooper y Dick Wagner, y es conocida por su estilo más suave en comparación con otras canciones de Cooper, lo que la clasifica dentro del género soft rock. Estamos ante una balada reflexiva caracterizada por acordes de piano melancólicos y letras tristes pronunciadas en un tono emotivo pero resignado. Trata sobre sufrir dolor físico y emocional sin expresar dichos sentimientos. En general, detalla las desventajas de un estilo de vida hedonista a través de imágenes de lágrimas y arrepentimiento. La canción aborda las luchas personales de Alice Cooper con el alcoholismo. Cooper ha descrito I Never Cry como una "confesión alcohólica", reflejando su batalla con la adicción que eventualmente lo llevó a rehabilitación un año después del lanzamiento de la canción. Esta sinceridad en la letra le dio un toque personal y emotivo, diferenciándola de sus trabajos más teatrales y oscuros. I Never Cry tuvo un buen desempeño en las listas de éxitos, alcanzando el puesto número 12 en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos y el número 9 en Cash Box en enero de 1977. En Canadá, la canción llegó al número 5 y permaneció en esa posición durante dos semanas. Este éxito comercial hizo que I Never Cry fuera uno de los dos únicos sencillos de oro de Cooper en los Estados Unidos, junto con Poison, publicada en 1989. 

I Never Cry ha sido interpretada en varias giras de Alice Cooper, sin embargo no siempre fue una constante en sus setlists. Después de su regreso a los escenarios tras superar su adicción, la canción volvió a ser parte regular de sus conciertos durante las giras "Dirty Diamonds" (2005-06) y "Theatre of Death" (2009-10). Y por último y como curiosidad, la canción ha sido versionada por varios artistas, como la banda de glam metal Poison, que grabó una versión para su álbum de covers Poison'd! en 2007, o el grupo español Hombres G, que hizo una versión en español titulada No lloraré, incluida en su álbum debut de 1985. 

1344.- Charley's Girl - Lou Reed

"Charley's Girl" es una canción de Lou Reed incluida en su disco "Coney Island Baby" (1976), el sexto álbum de estudio en solitario del músico estadounidense. "Coney Island Baby" es posiblemente el disco más romántico publicado por Lou Reed en toda su carrera discográfica, y las ocho canciones que lo componen se inspiraron y fueron dedicadas a su novia y musa de entonces, Rachel Humphreys.

Eso incluye también a "La chica de Charley", en cuya letra Reed explora las complejidades que acompañan a las relaciones sentimentales, a través de un protagonista que lamenta no haber escuchado las advertencias sobre lo complicado que sería enredarse en una relación con ella ("Y ahora mira el problema en el que estoy metido. Sabes, será mejor que tengas cuidado con la chica de Charley").

Para la grabación de "Charley's Girl" y del resto de temas de "Coney Island Baby", Reed reunió al mejor grupo de músicos con el que había grabado desde la Velvet Underground, y eso se nota muy especialmente en una instrumentación más melodiosa y elaborada de lo habitual, potenciando el distintivo estilo de guitarras soft rock de Lou Reed, que abandona su fría pose vocal de antaño para darle un tono más cálido y emotivo a su interpretación vocal.

Artista del mes The Kinks: Álbum The Kinks Kontroversy (Mes The Kinks)

Artista del mes The Kinks: Álbum The Kinks Kontroversy #mesTheKinks

"The Kinks Kontroversy," lanzado en 1965, es el tercer álbum de estudio de The Kinks, una banda británica que se destacó por ser pionera en el desarrollo del rock británico de la década de 1960. Este álbum representa un punto de inflexión en la carrera del grupo, ya que captura el final de su fase más temprana, marcada por su característico sonido de rock crudo y directo, y comienza a esbozar la sofisticación y madurez lírica que caracterizaría sus trabajos posteriores.

"The Kink Kontroversy" llega en un momento crítico para The Kinks. Tras el éxito de sencillos como "You Really Got Me" y "All Day and All of the Night", que definieron el sonido del rock pesado y agresivo, la banda enfrentaba la necesidad de evolucionar más allá de los riffs contundentes y las letras simples que les habían ganado fama. Este álbum es un reflejo de esa evolución, con Ray Davies, el líder y principal compositor de la banda, comenzando a explorar temas más personales y sociales en sus letras.

La recepción del álbum fue positiva, aunque no tan entusiasta como la de sus primeros éxitos. Los críticos reconocieron la creciente habilidad de Davies para escribir canciones con contenido lírico más profundo, aunque la banda aún estaba lejos de alcanzar el estatus de icono cultural que lograrían con discos como "The Village Green Preservation Society" o "Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire)".

1. "Milk Cow Blues"

El álbum comienza con "Milk Cow Blues", una versión de un clásico del blues que originalmente fue popularizado por Sleepy John Estes. La interpretación de The Kinks es feroz y energética, con guitarras distorsionadas y una interpretación vocal agresiva por parte de Ray Davies. Este tema conecta con las raíces del rock and roll y el blues, pero también anticipa el enfoque más crudo y directo que la banda adoptaría en su posterior trabajo. Aunque es un cover, muestra la habilidad de The Kinks para apropiarse de una canción y hacerla suya, añadiendo su marca distintiva.

2. "Ring the Bells"

Esta canción marca un contraste significativo con la apertura del álbum. "Ring the Bells" es una balada más suave y melódica, con una lírica introspectiva que refleja la habilidad de Davies para escribir canciones emocionales y personales. La melodía es conmovedora y destaca la versatilidad de la banda, capaces de moverse entre el rock pesado y las baladas melancólicas con facilidad.

3. "Gotta Get the First Plane Home"

Con un ritmo más rápido y un enfoque más enérgico, "Gotta Get the First Plane Home" vuelve al estilo rockero que caracteriza a gran parte del álbum. Las letras expresan un deseo de escapar, un tema recurrente en la música de The Kinks, y la interpretación es urgente y apasionada. La canción es un buen ejemplo de cómo The Kinks podían combinar letras significativas con música rockera accesible.

4. "When I See That Girl of Mine"

Este tema continúa con la energía del anterior, pero con una estructura más cercana al pop. La letra, que describe el amor juvenil y la devoción, es sencilla pero efectiva, y la melodía pegajosa hace que sea una de las canciones más accesibles del álbum. Aunque no es tan compleja como otras composiciones de Davies, "When I See That Girl of Mine" funciona bien dentro del contexto del álbum como una pieza ligera y agradable.

5. "I Am Free'

"I Am Free" es una de las pocas canciones del álbum escritas por Dave Davies, el hermano de Ray y guitarrista principal de la banda. La canción tiene un aire optimista y celebra la libertad personal, tanto lírica como musicalmente. Dave Davies aporta una frescura a la composición, con un estilo que difiere ligeramente del enfoque más introspectivo de su hermano. Es una pieza destacada que añade variedad al álbum.

6. "Till the End of the Day"

Uno de los sencillos más exitosos del álbum, "Till the End of the Day" es un ejemplo perfecto del sonido característico de The Kinks en esta época. Con un riff de guitarra potente y una estructura simple pero efectiva, la canción captura la energía y el espíritu rebelde de la banda. Las letras, que hablan de vivir la vida al máximo, resuenan con el optimismo juvenil y la despreocupación de la época.

7. "The World Keeps Going Round"

Aquí, Ray Davies muestra una madurez lírica, explorando temas de resignación y la inevitabilidad del cambio. "The World Keeps Going Round" es una canción más reflexiva que destaca por su estructura menos convencional y su tono sombrío. Este tema es un precursor de las composiciones más elaboradas y temáticamente complejas que Davies escribiría en los próximos años.

8. "I'm On an Island"

Con un ritmo relajado y una atmósfera que evoca el aislamiento y la soledad, "I'm On an Island" es una canción que destaca por su simplicidad y sinceridad. La letra expresa un deseo de desconexión, tanto física como emocional, lo que la convierte en una de las piezas más introspectivas del álbum. La melodía suave y el acompañamiento mínimo refuerzan el sentimiento de aislamiento que transmite la canción.

9. "Where Have All the Good Times Gone"

Esta es una de las canciones más conocidas del álbum y una de las primeras en mostrar el estilo nostálgico y crítico que definiría gran parte del trabajo posterior de Ray Davies. La canción lamenta la pérdida de la inocencia y los buenos tiempos pasados, con una mezcla de cinismo y melancolía que se convertiría en una firma del estilo de Davies. Musicalmente, es un rock contundente con un riff de guitarra memorable que le da una sensación de urgencia.

10. "It's Too Late"

Con una melodía simple y letras directas, "It's Too Late" es una canción que aborda la decepción y la pérdida. Aunque es una de las piezas más cortas y menos complejas del álbum, su sencillez le otorga una efectividad que la hace destacar. La interpretación vocal de Ray Davies es particularmente emotiva, capturando el sentimiento de resignación que impregna la letra.

11. "What's in Store for Me"

Esta canción retoma el ritmo rápido y la energía del rock que caracteriza al álbum. "What's in Store for Me" trata sobre la incertidumbre y la búsqueda de propósito, temas que resonarán en la audiencia joven de la época. Aunque musicalmente no es tan innovadora, sigue siendo una pieza sólida que complementa bien el resto del álbum.

12. "You Can't Win"

El álbum cierra con "You Can't Win", una canción que encapsula el tono ambivalente y resignado de gran parte del álbum. Las letras reflejan una lucha constante contra las adversidades, con un tono pesimista que se equilibra con la melodía pegajosa y el ritmo animado. Es un cierre adecuado para un álbum que explora tanto las altas como las bajas de la vida juvenil.

"The Kink Kontroversy" es un álbum que, aunque a menudo se pasa por alto en comparación con los trabajos más aclamados de The Kinks, es fundamental para entender la evolución de la banda. Es un punto de transición que muestra a Ray Davies desarrollando su voz como compositor y a la banda comenzando a explorar un rango más amplio de temas y estilos musicales. Aunque no es un álbum perfecto, su mezcla de rock directo, baladas introspectivas y letras cada vez más sofisticadas lo convierten en una obra significativa en la discografía de The Kinks. Es un testimonio del talento de la banda para capturar tanto la energía cruda del rock como la complejidad emocional de la experiencia humana.

Daniel 

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1343.- Coney Island Baby - Lou Reed

1343 - Lou Reed - Coney Island Baby

"Coney Island Baby", lanzada en 1975 como parte del álbum del mismo nombre, es una de las canciones más icónicas y conmovedoras de Lou Reed. Este tema destaca por su combinación de vulnerabilidad emocional, lirismo evocador y un enfoque musical que mezcla la sencillez del rock con la poesía urbana que siempre caracterizó a Lou Reed.

La canción comienza con un riff de guitarra suave y melódico que establece un tono nostálgico. A medida que avanza, la instrumentación minimalista, con la guitarra y un bajo pulsante, crea un ambiente íntimo que permite que la voz de Lou Reed sea el centro de atención. Su interpretación vocal es, como siempre, única: un poco áspera, pero profundamente sincera, lo que le da al tema un carácter confesional.

Líricamente, "Coney Island Baby" es un viaje introspectivo a través de los recuerdos y las emociones de Lou Reed. La canción, dedicada a alguien llamado "Little Joe", quien se cree que podría ser una referencia a su amigo y compañero de banda en The Velvet Underground, Joe Dallesandro, o una referencia más personal, mezcla elementos autobiográficos con un sentido de anhelo y redención. Lou Reed habla de su juventud, de sus sueños y de cómo ha cambiado su perspectiva a lo largo de los años. Hay una tensión palpable entre su pasado como joven rebelde y su deseo de encontrar un lugar de paz y aceptación en su vida adulta.

Una de las líneas más memorables de la canción es cuando Lou Reed canta: "I’d like to send this one out for Lou and Rachel". Esta línea, aparentemente sencilla, lleva un peso emocional considerable, ya que Rachel era la pareja de Reed en ese momento, una figura importante en su vida que lo ayudó a superar muchos de sus demonios personales. Este tipo de menciones personales y directas son raras en la música de Lou Reed, lo que hace que "Coney Island Baby" se sienta como una confesión sincera y vulnerable.

Musicalmente, la canción no es complicada, pero eso es parte de su belleza. Reed siempre fue más un poeta que un músico técnico, y en "Coney Island Baby", esta faceta brilla con fuerza. La simplicidad de la melodía permite que la narrativa de la canción sea el enfoque principal, logrando una conexión profunda con el oyente.

"Coney Island Baby" es una de las obras más personales y emocionales de Lou Reed. Es un reflejo de su capacidad para capturar la esencia de la experiencia humana, llena de nostalgia, arrepentimiento y esperanza. Es un testimonio de su talento como narrador y de su habilidad para transformar lo mundano en algo profundamente significativo.

Daniel 

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Canciones escondidas: Punch Brothers - Julep (2005)

Punch Brothers es un grupo de Bluegrass & Folk con sede en Brooklyn formado por Chris Thile, Chris Eldridge, Noam Pikelny, Gabe Witcher y Paul Kowert. Su música es difícilmente clasificable, un crossover entre bluegrass, pop, americana, clásica y de todo, tocado con instrumentos clásicos de bluegrass (mandolina, guitarra, violín, banjo, bajo) y voces. Entre sus reconocimientos se incluye un Grammy® al Mejor Álbum de Folk por su lanzamiento de 2018, All Ashore, y los elogios de los medios de comunicación, incluido The Washington Post, que dijo: "Con entusiasmo y experimentación, los Punch Brothers llevan el bluegrass a su siguiente etapa evolutiva, inspirándose a partes iguales en el cerebro y el corazón". Y en muchos sentidos, Punch Brothers ha derribado muros entre géneros como el bluegrass y el folk y en este álbum, casi diría que están intentando derribar otro muro, esta vez hacia el Indie Folk/Indie Rock.

Podéis empezar escuchando The Phosphorescent Blues es su cuarto LP de larga duración y estamos ante un disco que te llega como como una tarde soleada en un cálido día de primavera: el primer amanecer después de la dureza del invierno, las hermosas flores en los campos, el aumento general de humor que todos parecen experimentar es lo que te va a trasmitir y empezaras a sentir en el momento que empieces a escucharlo. Voy a detenerme en “Julep”, esta podría ser la mejor canción que hayan escrito los Punch Brothers, no sólo es la canción de amor más pura que hayan publicado, sino que también tiene una madurez que viene con la edad y la experiencia, hay algo maravillosamente simple en la línea de base de Paul Kowert, se necesitan años para llegar a esa simplicidad. Parte de la culpa es que se basa en la relación de Chris Thile con su ahora esposa Claire Coffee, en la fiesta donde se conocieron Claire hizo julepes (cóctel alcohólico típico del sur de Estados Unidos que se hace tradicionalmente con cuatro ingredientes: menta, bourbon, azúcar y agua, los julepes se sirven en copas de plata o peltre que se sostienen solo por la base y los bordes superiores), sin embargo, no se trata sólo del momento que se conocen y se enamoran, también hay una visión del tiempo, “Morí feliz mientras dormía”, comienza la canción, e incluso dada la exuberancia juvenil de la banda, sabes que esto es otra cosa. Por extraño que parezca, la narración nunca se vuelve fantasmal, persiste en la belleza de la memoria y en esos momentos puros y perfectos en los que miras a alguien y de repente sabes que cada centímetro de ellos quedará grabado en tu cerebro por el resto de tus días porque lo amas. Esta canción es inquietante, pero nunca está embrujada, el narrador muere feliz, recordando “amor para siempre”, y el oyente siente lo mismo: maldita sea, qué canción, qué vida….. Que todos aspiremos a este nivel.

1342.- Baby I love your way - Peter Frampton

"Baby, I Love Your Way" fue escrita por Peter Frampton para su disco de 1975 "Frampton", y fue además publicada como single en septiembre de 1975, en una versión recortada y con la canción "(I'll Give You) Money" en la cara B, pero desafortunadamente la canción, que destacaba por su agradable tono acústico y melódico, no consiguió unos buenos resultados comerciales.

Sin embargo, y solo un año después, Peter Frampton la incluyó entre las pistas de su celebrado disco en directo "Frampton Comes Alive!" (1976), un exitoso álbum que alcanzó el puesto 12 del Billboard Hot 100 estadounidense. La versión en directo era más rockera y animada que la versión original, y tras su nueva publicación en single, esta vez con "It's a Plain Shame" en la cara B, el estribillo de esta nueva entrega no tardó en hacerse extraordinariamente popular.

En 2017, Peter Frampton se defendió de lo que consideraba un trato injusto por parte de las grandes plataformas digitales, por la forma en la que pagaban por el número de reproducciones de las canciones, y lo hizo poniendo sobre la mesa un dato demoledor: Por 55 millones de reproducciones de "Baby I Love Your Way" había recibido la ridícula cantidad de 1.700 dólares. Sin duda son "Malos tiempos para la lírica", pero esa es otra canción a la que seguramente llegaremos más adelante.

1341.- Sara - Bob Dylan

Sara, Bob Dylan

     Desire es el decimoséptimo álbum de estudio de Bob Dylan. Fue grabado entre julio y octubre de 1975 en los Studio E y los Columbia Recording Studios de Nueva York, bajo la producción de Don DeVito, y publicado el 5 de enero de 1976 por el sello discográfico Columbia Records. Este trabajo requirió de un gran esfuerzo colaborativo, pues incluyó el mismo personal que participó en la gira de Dylan "Rolling Thunder Revue", entre otoño de 1975 y la primavera de 1976. Además, dos de sus canciones generaron cierta controversia, Joey, vista como una alegoría del gangster Crazy Joe, y Hurricane, que narra la acusación de homicidio contra el boxeador Rubin Carter, a quien Dylan defendió en esta canción. Desire fue concebido entre dos etapas de la gira de Dylan Rolling Thuner Revue. Corría el año 1975, y el artista tenía ya una amplia experiencia en tocar con otras bandas, pero estos grupos se reunieron con otros. En el caso de The Hawks, posteriormente conocidos como The Band, el grupo había tocado durante varios años antes de conocer a Dylan. La idea de Dylan de formar su popia banda, más tarde conocida como The Rolling Thunder Revue, surgió cuando vio a Patti Smith y a su grupo tocando en el local The Other End el 26 de junio de 1975. Por aquella época Smith aún no había grabado todavía un disco, pero estaba atrayendo la atención de la prensa y de la industria musical. Dylan quedó impresionado por la química entre Smith y la banda, y de ahí su idea de estar con una única banda.

El disco fue bien recibido por la críticia musical, llegando a alcanzar el primer puesto en la lista estadounidense Billboard 200 durante cinco semanas, convirtiéndose además en uno de los álbumes más exitosos en ventas de Dylan. La revista Rolling Stone llegó a situar a Desire en el puesto 174 de la lista de los "500 mejores álbumes de todos los tiempos". Incluído en este álbum se encuentra Sara, la canción que se encarga de cerrar la cara B. Esta canción fue una de las muestras más públicas de afecto de Dylan por su entonces esposa, Sara, con quien se casó en 1965. La canción fue un ambicioso homenaje que resultó ser una de las pocas canciones de Dylan en las que sale de su personaje público y se dirige directamente a una persona real. En el momento de escribirla, la pareja se encontraba al borde del divorcio, y este fue el intento de Dylan de reconciliarse con su "radiante joya mítica esposa". A pesar los intentos por salvar la relación, Dylan y Sara finalmente se divorciarían un año después, en 1977.

1340.- One More Cup of Coffee - Bob Dylan

Una de las cosas que más extraño por la mañana es una taza de café decente (tengo una cafetería local que hace un excelente café con leche), con esto en mente, inmediatamente me puse a escuchar “ One More Cup of Coffee” de Bob Dylan, de su clásico álbum “ Desire” de 1975. Esta balada melancólica, con sabor a Oriente Medio, es una canción fascinante y mística que narra una historia desde el punto de vista de un hombre que debe abandonar a una bella mujer con ojos “como dos joyas en el cielo” y “un corazón como un océano, misterioso y oscuro” porque su amor por ella no es correspondido. El protagonista masculino le dice a su compañera femenina, cuyo padre es un proscrito, que tomará: " Una taza más de café antes de ir al valle de abajo". Es una canción maravillosamente atmosférica, gracias en gran parte a la inquietante interpretación del violín gitano de Scarlet Rivera, pero también a la rica imaginería de Dylan y los inquietantes coros de Emmylou Harris, que la revista Rolling Stone describió brillantemente como un "ángel asustado". Según Dylan, “One More Cup of Coffee” fue escrita “durante un festival gitano en el sur de Francia un verano” –el pintor David Oppenheim lo había llevado allí. Mientras estaba en el festival, que coincidió con su cumpleaños, Dylan conoció a un rey gitano que tenía “16 esposas y 125 hijos”. Cuando llegó el momento de irse, pidió una taza más de café para el camino –los gitanos se la dieron en una bolsa, la cogió y “se fue”. La canción desarrolla su estilo “gitano” a través del uso de la escala menor armónica (un concepto muy occidental y que no tiene nada que ver con la música romaní), en la que Dylan utiliza los acordes que surgen de la versión descendente de la escala (la menor, sol, fa, mi). No es una escala romaní en el verdadero sentido de la palabra (como la escala gitana húngara o la escala dominante frigia). El bajista Rob Stoner le dijo a la revista Mojo en octubre de 2012: “El comienzo de 'One More Cup of Coffee'… no estaba preparado para que yo hiciera un solo de bajo. Scarlet no estaba lista. Bob comienza a tocar su guitarra, no pasa nada. Alguien debería tocar algo, así que comienzo a tocar un solo de bajo. Básicamente, los ensayos se convirtieron en las primeras tomas”.

Hay una excelente versión en vivo, ralentizada, de " One More Cup of Coffee" de la gira Rolling Thunder Revue de 1975, con congas, lo que le suma la sensación exótica; está disponible en el álbum " Bob Dylan Live 1975" , que es el volumen cinco de la " Bootleg Series". Los White Stripes versionaron la canción para su álbum debut homónimo de 1999, convirtiéndola en un blues crudo, primario y metálico, mientras que Roger McGuinn de The Byrds, que tocó en la banda Rolling Thunder Revue de Dylan, se asoció con Calexico para grabar una versión Tex-Mex para la banda sonora de la película biográfica de Todd Haynes sobre Dylan, I'm Not There. En 2005, Dylan causó controversia y fue acusado de traición cuando firmó un contrato exclusivo con Starbucks para el lanzamiento de su álbum "Live At The Gaslight 1962". Para algunos de sus seguidores, esta fue una taza de café de más.

1339.- Melina - Camilo Sesto

Como ocurre con Mónica Naranjo, donde la unanimidad es apabullante, no hay cantante de heavy metal español que no alabe y elogie las capacidades vocales de este cantautor y productor, Una bestia escénica de incuestionables méritos que, por desgracia, acabo siendo fagocitado por su propio personaje en un ‘envejecimiento artístico’ que no estuvo a la altura de su época estelar o de otros compañeros de generación como pueden serlo Raphael o Miguel Ríos.

 En el año 1975 sale Amor libre, disco en el que Camilo sigue jugando, como los grandes de la canción melódica, con pequeños devaneos estilísticos, dentro de la canción romántica. Un poco de clásico, un poco de ritmos brasileros, otra de folclore griego, un poco de funk disco, góspel, y, siempre, con unos pulmones y una tesitura y registro vocal infinito. De ahí la barba. Curiosamente, Gillette pagó una campaña publicitaria para que se afeitara con una de sus cuchillas. Camilo accedió, pero donó el dinero a un orfanato. Estuvo producido por el propio Camilo y se publicó el 27 de octubre de 1975, lanzado meses antes que Sesto estrenara su propia adaptación de Jesucristo Superstar, contiene no solo algunas de las canciones más hermosas compuestas por el español, sino que nos encontramos en su punto de interpretación más alto. “Jamás” y “Adiós” muestran al cantante llegando a las notas con total tranquilidad, en medio de arreglos de cuerda que adornan y elevan de forma majestuosa el ambiente del disco. con un título libertario valiente, puesto que todavía quedaban unas semanas para que se muriera el dictador. No solo nos habla de un tipo de amor que no se relaciona con los típicos clichés de la época, evidenciado en el tema que da título a esta producción que explora un lado más erótico, 

La canción principal del disco y quizás la mejor canción de Camilos Sesto rescata la figura de Melina Mercouri, en un tema titulado con su nombre, y que tiene uno de los versos que caracterizan tanto el legado de la artista, como el suyo propio: “La fuerza de tu canto echó raíces”. Camilo Sesto le cantaba a una mujer real, a la actriz, cantante y política Melina Mercouri, a la que le dedicó versos como éstos: "Has vuelto, Melina, alza tus manos hacia Dios, que Él escuche tu voz" o "la huella de tu canto echó raíces". Maria Amalia Merkoúri, más conocida como Melina Mercouri, fue una cantante, actriz, política y activista griega nacida en 1920. Entre sus películas, rodadas entre 1955 y 1978, destacan “Stella”, “Fedra”, “Topkapi” o “Nunca en domingo”. Su faceta como cantante se desarrolló, principalmente, durante el tiempo que estuvo viviendo en Francia, donde grabó varios álbumes. Hija, nieta y sobrina de políticos y mandatarios griegos, fue una de las más firmes opositoras a la dictadura militar griega instaurada en 1967, conocida como “Dictadura de los coroneles”. Organizó conciertos y marchas contra la Dictadura, y se reunió con intelectuales y políticos de renombre internacional, eso sí, siempre desde Francia, país donde residió durante los siete años que duró la Dictadura (1967-1974). La Junta de los coroneles confiscó sus bienes, censuró sus discos y películas, y también retiró su ciudadanía, a lo que ella debió responder con una frase que ya forma parte de la leyenda que envuelve a Melina Mercouri: “Nací griega y moriré griega. Stylanos Pattakos nació fascista y morirá fascista”. Regresó a su país tan pronto se reinstauró la democracia; ya en Grecia, fue parlamentaria por el Movimiento Socialista Panhelénico (PASOK) y, en 1981, se convirtió en la primera mujer griega en ocupar el cargo de ministra de Cultura, puesto que desempeñó entre 1981 y 1989 y, posteriormente, entre 1993 y 1994. Fumadora empedernida, falleció en 1994, a los setenta y tres años, víctima de un cáncer de pulmón; parece que, cuando murió, su tumba se llenó de cientos de cajetillas de tabaco de la marca que fumaba, puestas allí por sus seguidores.