Disco de la semana 372: Tim - The Replacements

 

La próxima vez que escuches este álbum, presta mucha atención a la letra. Si bien Let it Be capturó perfectamente lo que es ser un adolescente, Tim habla de quien llega a la edad de veintitantos años, cuando te das cuenta de que todo lo que aprendiste sobre ser un adulto estaba mal. Cuando cumples dieciocho años te entregan todas estas responsabilidades, pero lo que no te dicen es la forma correcta de cumplirlas, porque la verdad es que ellos tampoco lo saben. No tienen ni idea. Incluso los momentos más optimistas del álbum, como el ridículamente encantador "Kiss Me on the Bus", tienen un toque amargo y angustiante, y suenan como el trabajo de alguien que intenta desesperadamente recuperar los momentos de la vida en los que todo parecía más simple. ¿Recuerdas esa última semana de la escuela secundaria, cuando amabas todo lo que sucedía a tu alrededor simplemente porque estabas a punto de salir disparado de allí? ¿Y el verano siguiente, cuando estabas lleno de optimismo y feliz de estar vivo y listo para afrontar cualquier desafío que la vida te ofreciera? ¿Y tu primer semestre en la universidad, cuando finalmente pudiste deshacerte de esas viejas limitaciones y vivir un poco? Sí, se trata de darte cuenta de que las cosas nunca volverán a ser tan buenas. En ningún otro lugar esto queda más claro que en el magnífico final "Here Comes a Regular", el momento en el que te das cuenta de que, maldita sea, ya no eres un niño, que todos tus intentos de ser un adulto te han fallado y que no hay nada Queda por hacer en este punto, salvo bebertelo todo noche tras noche. Hasta ahora, Tim puede parecer el álbum más deprimente de todos los tiempos, y lo es cuando realmente lo digieres y piensas en ello. No es que haya mucha felicidad en "Swingin' Party" o "Little Mascara", dos canciones que transmiten perfectamente la sensación de decepción de la que hablo aquí, pero también tiene un par de momentos edificantes. En particular, "Left of the Dial" simplemente se dispara, es una oda alegremente edificante a la radio universitaria, construida alrededor de un riff tremendamente pegadizo e infundida con algo que honestamente se parece al drama real y convincente, particularmente en el puente. Es una maldita balada poderosa, pero no te lo reproches; en lo que respecta a ese tipo de cosas, no hay nada mejor que eso. Mientras tanto, "Waitress in the Sky" es una canción maravillosamente sarcástica con influencia country,

 Empieza el álbum con Hold My Life, su letra se define como poesía posmoderna: no tiene mucho sentido racional (al menos en la superficie), pero crea un ambiente definido de alienación y desesperación. El único lugar donde su significado se hace evidente alto y claro es en el estribillo:

Y mantén mi vida

hasta que esté listo para usarla

Mantén mi vida

Porque podría perderla

Porque podría perderla

Porque podría perderla

 

Es una clara advertencia de lo que vamos a encontrar aquí, le sigue I'll Buy aunque está lejos de ser excelente, sigue siendo un buen rock, reconociendo sus raíces punk rock, y Kiss Me on the Bus continúa con este estilo de vida de alegría de vivir, una canción gana puntos líricamente cuando reconoce la yuxtaposición de alegría que se convierte en madurez cuando el cantante pide un beso en un vehículo público abarrotado, musicalmente, es un poco un retroceso, casi un estilo aleatorio de los años 60, guitarras vibrando por todos lados, tempo acelerado, pero ni remotamente alto. No es que la canción sea mala, pero comparada con el resto del álbum Dose of Thunder parece de relleno, suena como si Westerberg entrara corriendo al bar/salón de billar buscando meterse en tantos problemas como pudiera, y ese final abrupto sugiere que no ha encontrado nada (especialmente con ese horrible grito). Llega Waitress in the Sky lo que los oyentes quizás no se den cuenta es que la canción no es una queja sobre el mal servicio: viajar en avión no era un lujo que los 'Mats normalmente pudieran permitirse, y ciertamente no habrían esperado que les sirvieran champán sí volaran. (Es posible que hayan intentado robarlo en primera clase), Bob Mehr explica que la canción en realidad se inspiró en las historias que el compositor Paul Westerberg escuchó de su hermana Julie, una azafata. "Yo estaba interpretando el personaje del canalla que exige ser tratado como un rey", dijo Westerberg a Mehr. "Había escuchado todas las historias de mi hermana sobre cómo los pasajeros les gritaban a las azafatas y luego cómo 'accidentalmente' les derramaban algo". Finaliza la cara A (y la más floja del álbum) con el falso optimismo de Swingin Party que trata sobre el peligro de beber, interpretadas por chicos que se dan cuenta de que están viviendo vidas insatisfechas (“dejar la escuela y ir a trabajar y nunca ir a pescar”) y pasar demasiado tiempo en la taberna del vecindario (“una tonto que desperdicia su vida, que en paz descanse sus entrañas”). La bravuconería que se encontró en “Hold My Life” ha sido reemplazada por melancolía y desesperanza, de acuerdo con el estado de ánimo, la dura música rock que se reproduce en la mayor parte del álbum ha desaparecido por una melodía fácil y lenta que te hechiza.

Abre la cara B un de sus obras maestras Bastards of Young es la llamada a las armas de esta generación y es un puto himno. En realidad, tacha eso. Llamado a las armas es un nombre inapropiado, es más bien una aceptación de la nada que parecía caracterizar su futuro, una llamada a la apatía parece más apropiado. "¡No somos hijos de nadie!" - una generación abandonada por sus padres, muchos de estos niños tuvieron que resolver las cosas por sí mismos. "Sueños incumplidos, graduados no calificados": una versión más descriptiva de los gritos de los Sex Pistols de ¡No hay futuro!, "La falta de voluntad para reclamarnos, ya no tienes guerra para nombrarnos" siempre ha sido una letra interesante para mí, es cierto que la generación de Westerberg fue la primera en mucho tiempo sin una guerra masiva que la caracterizara. "Los que más nos aman son aquellos a quienes dejaremos descansar / Y visitaremos sus tumbas durante las vacaciones en el mejor de los casos / Los que menos nos aman son aquellos por quienes moriremos por complacer / Si te sirve de consuelo, no lo hago". No empiezo a entenderlos" - Bastards of Young sigue siendo una canción punk en el fondo, solo una que está dispuesta a abrazar la melancolía más que el punk promedio. Es una puta mierda trabajar para gente que odias. Hay agudas observaciones sobre perder el primer peldaño en la escalera del éxito, sueños incumplidos y graduados no calificados.

 

Los que más nos aman son aquellos a quienes dejaremos descansar

Visitamos sus tumbas durante las vacaciones en el mejor de los casos

Los que menos nos aman son los que moriremos por complacernos.

Si te sirve de consuelo, no empiezo a entenderlos.

 

Westerberg parece indicar que damos por sentado a quienes nos muestran más afecto, ya sean jóvenes amigos o viejos abuelos. Sin embargo, hacemos todo lo posible para impresionar a quienes no se preocupan por nosotros, ya sean familiares indiferentes o los fríos jefes corporativos. Lay It Down Clown es una relativa caída en el álbum, Let's Help Bob se refiere al guitarrista principal de REM, Peter Buck, una broma interna si alguna vez hubo una. Afortunadamente, es sólo una distracción de poco más de dos minutos que conduce a la muy superior “Left of the Dial”, una pista más lenta y atmosférica que aún conserva la energía del power pop, cuenta la historia de la radio universitaria durante la década de 1980, las estaciones que tocaban bandas como The Replacements solían estar a la izquierda de la mayoría de las estaciones de radio convencionales, tanto literalmente en términos de radio física como en un sentido más ideológico en el sentido de que la música. Sus protagonistas, probablemente la propia banda, están de gira, recorriendo América y escuchando diferentes estaciones de radio a medida que avanzan, cogiendo gusto por las bandas alternativas locales. Es interesante la perspectiva que toma LOTD, siempre me ha parecido un arma de doble filo, por un lado, es triste, las bandas que están de gira intentan desesperadamente abrirse camino en la escena, envejeciendo en los bares. Pero, por otro lado, hay vitalidad en la forma en que Westerberg cuenta la historia. Me recuerda a All My Friends de LCD Soundsystem , momentos pasados luchando en el camino que, mirando hacia atrás, parecen el mejor momento de tu vida. El verso final siempre me emociona por alguna razón. Westerberg canta "Y si no te veo, dentro de mucho, mucho tiempo / Intentaré encontrarte / A la izquierda del dial". tradicional La penúltima canción Little Mascara tiene un gancho de guitarra alegre y pegadizo, pero no dejes que eso te engañe: el tema es muy pesado, en un juego de palabras westerbergiano, el estribillo de la canción dice que lo único que pierde el protagonista es un poco de rímel. Dado que desde el principio se estableció que dicha protagonista es madre y esposa, entendemos que esto significa que a cambio de los beneficios del matrimonio debe renunciar a su felicidad. Esta sensación de matrimonio tradicional que aprisiona a la mujer se explora a lo largo de toda la canción, la obligación percibida de un individuo hacia su familia supera su deseo de edificación personal y llega a arrepentirse de esta decisión. Ciertamente, el sexismo no es un tema ajeno a Westerberg, ya que antes exploró el desprecio que los hombres tienen por las mujeres de servicio en Waitress In The Sky y el abuso crónico de las actrices en Hollwood en Grandpaboy's Silent Film Star. La descripción que hace Little Mascara del encarcelamiento que experimentan las mujeres y las madres convierte a esta en su canción más desoladora, un reflejo frente al alcoholismo, la depresión y una vida insatisfecha y desperdiciada, o el desamparo y la melancolía de los bares de los pueblos pequeños. Here Comes A Regular es, con diferencia, la pista más lenta y atmosférica de Tim. Sobre una guitarra acústica de cuerdas agudas y sintetizadores silenciosos y melancólicos, cuenta la historia de un individuo, probablemente un hombre, cuya triste vida consiste en el odio a sí mismo, el aburrimiento y la bebida. Abordando nuevamente un motivo de Westerberg en el alcoholismo, el protagonista de la canción encuentra su única felicidad en ir al bar local todas las noches, pero incluso esto se vuelve vacío y deprimente para él. Honestamente, podría elegir cualquier letra de esta canción para ejemplificar la habilidad de Westerberg para invocar el desamor, pero quizás el mejor ejemplo de esto es el cierre del primer verso. Solía vivir en casa, ahora me quedo en casa. Nuevamente utilizando juegos de palabras, Westerberg juega con la vieja figura retórica “el hogar es donde está el corazón”. Lógicamente, “vivir en casa” y “quedarse en casa” significan lo mismo, pero como “hogar” y “casa” generalmente tienen connotaciones diferentes, la línea logra comentar el cambio en la vida del protagonista cuando todo comienza a cambiar. perder significado. Vivir en casa significa que su hogar y su vida todavía tienen significado para él, pero quedarse en casa significa que lo único que significa para él es protegerse del mundo exterior. Se ha disuelto con cualquier recuerdo o amor que solía asociar con su casa, como ha sucedido con su vida a medida que se hunde cada vez más en el alcoholismo, pinta una imagen tan cruda y desnuda de la depresión que es casi imposible alejarse de ella sin una lágrima en los ojos. Ya nada en la vida de este hombre ofrece consuelo; a medida que pasan los años, se da cuenta cada vez más de que está viviendo una vida vacía. Ya no quiere "ocupar mi lugar atrás con los charlatanes", pero su dependencia del alcohol le hace imposible evitar el bar al que es habitual. "Todo lo que sé es que estoy harto de todo lo que mi dinero puede comprar / Un tonto que desperdicia su vida, que Dios le descanse", la canción es muy explícita en lo que está sucediendo.

Tim termina con una nota deprimente y creo que es bueno que así sea. Westerberg mira fría y duramente la juventud desperdiciada y no le gusta lo que ve, la pregunta que plantea es hacia dónde ir a partir de ahora con su vida personal. ¿Continúa uno la espiral descendente o intenta liberarse del ciclo? Esa pregunta no se responde aquí, pero descubrir el problema es un primer paso saludable. Tim debería haber sido el álbum que llevó a The Remplacements a una audiencia más amplia, pero el desprecio de la banda por los videos musicales, junto con un infame concierto de borrachos en Saturday Night Live, echo por la borda cualquier impulso, aunque el álbum recibiera enormes elogios críticos. Sin embargo, Tim está en medio de la santa trinidad de álbumes del grupo, después de Let it Be y antes de Complated to Meet Me, (discos que sin duda merecen ser disco de la semana en el blog) como discos inspiradores que la próxima generación de bandas alternativas imitaría y convertiría en oro comercial.

1191.- Irish Jig - Gwendal

 

Gwendal es una banda de música celta que ha dejado una marca única en el panorama musical francés y mundial desde su fundación en 1972. Formada por músicos de una gran calidad y talento que compartían una pasión por la música tradicional celta, la banda ha sabido traspasar y dar un toque único a su música al traspasar límites del género y fusionar elementos celtas con influencias de rock progresivo y música del mundo. La trayectoria de Gwendal está marcada por una serie de álbumes aclamados por la crítica y exitosas giras internacionales que han llevado su música a audiencias de todo el mundo. Desde sus primeros días, la banda cautivó a los oyentes con un enfoque fresco y dinámico de la música celta, incorporando instrumentos tradicionales como la gaita, la flauta y el violín con instrumentos modernos como la guitarra eléctrica y la batería. Pero además han sabido evolucionas ya que a lo largo de los años, Gwendal ha experimentado con una amplia gama de estilos musicales, desde piezas tradicionales hasta composiciones originales que exploran nuevas sonoridades y ritmos. Su habilidad para mezclar lo antiguo con lo nuevo ha sido fundamental para su longevidad y su éxito comercial y de critica, Gwendal ha sido elogiado por su virtuosismo musical y su habilidad para transmitir la rica herencia cultural de la música celta de una manera accesible, sus actuaciones en vivo son conocidas por su energía contagiosa y su capacidad para hacer que el público se sumerja en la magia de la música celta. A lo largo de su trayectoria, la formación de la banda ha experimentado cambios, pero su compromiso con la excelencia artística y la exploración musical ha permanecido constante.

 

Su álbum de debut llevó por nombre Gwendal y dentro de ese disco tenemos dos piezas que fueron la punta de lanza para su reconocimiento, la primera Sopo Song, y en la que nos vamos a detener y que abria el disco es Irish Jig, una pieza emblemática que encapsula el espíritu vibrante y enérgico de la música celta y que fusiona elementos tradicionales irlandeses con influencias contemporáneas, desde sus primeros compases, invita al oyente a sumergirse en un mundo de ritmos animados y melodías exuberantes. La pieza comienza con la icónica combinación de la gaita y la flauta, dos instrumentos emblemáticos de la música celta que establecen de inmediato el tono festivo y emocionante de la composición. A medida que la melodía avanza, se incorporan otros instrumentos, como el violín y la guitarra y la interacción entre los diferentes instrumentos es fluida y dinámica, creando esa sensación de movimiento y vitalidad tan importante en la música celta, convirtiéndola en un tema contagioso y con una clara estructura de baile, que te invitan a danzar, la habilidaosa técnica y el virtuosismo de los músicos de Gwendal son evidentes en cada nota, demostrando su dominio del género y su profundo respeto por la tradición celta. Aunque Irish Jig es una pieza instrumental, su poder evocador y su riqueza emocional trascienden las barreras del lenguaje y la cultura. Es una celebración de la alegría y la camaradería que se encuentra en la música celta, y un recordatorio de la capacidad de la música para unir a las personas y trascender fronteras.

1190.- She - Charles Aznavour

 

Charles Aznavour fue un cantante, compositor y actor francés de origen armenio, conocido por su voz única y sus emotivas interpretaciones. Una de sus canciones más emblemáticas es "She" ("Ella" en español), lanzada en 1974. Esta canción, escrita por Aznavour y Herbert Kretzmer, ha sido versionada por varios artistas y ha perdurado en el tiempo debido a su belleza y profundidad emocional.

She de Charles Aznavour es una canción que trasciende las barreras del tiempo y del idioma, llegando al corazón de quienes la escuchan con un mensaje atemporal de amor y admiración. La habilidad de Charles Aznavour para transmitir emociones a través de su voz y su interpretación magistral hacen de esta canción un tema inolvidable e imprescidible para aquellos que degustamos la música romántica y es que la letra de "She" está llena de metáforas poéticas que pintan un retrato vívido de la relación entre el narrador y la mujer a la que se refiere. Aznavour logra capturar la esencia misma del amor en sus palabras, deteniéndose en temas como la gratitud, la pasión y la devoción de una manera profundamente conmovedora, a lo largo de la canción, el narrador reflexiona sobre la influencia duradera que esta mujer ha tenido en él, describiendo cómo su presencia ha moldeado su mundo y su percepción del amor, las letra evoca imágenes de momentos compartidos, recuerdos preciados y el deseo de mantener viva esa conexión especial, además la música acompaña perfectamente el tono melancólico y reflexivo de la letra, con una melodía suave y envolvente que intensifica la emotividad de la canción, con unos magnificos arreglos instrumentales sutiles que crean una atmósfera íntima y evocadora que transporta al oyente a un estado de contemplación y nostalgia y convirtiendo a She en mucho más que una simple canción, un testimonio perdurable del poder del amor para inspirar, conmover y trascender las barreras del tiempo y del espacio.

A lo largo de los años, "She" ha sido reinterpretada por numerosos artistas, cada uno aportando su propio estilo y sensibilidad a la canción. Sin embargo, ninguna versión puede igualar la emoción cruda y la autenticidad de la interpretación original de Charles Aznavour, que sigue siendo la referencia definitiva para esta pieza icónica. La universalidad de la temática de "She" ha resonado con audiencias de todas las edades y culturas, convirtiéndola en una de las canciones más queridas y recordadas de Charles Aznavour.

 

1189.- Bad Company - Bad Company

Bad Company, Bad Company

     En 1973, Paul Rodgers (vocalista y pianista) y Simon Kirke (batería) que acababan de dejar el grupo Free, se juntan con Mick Ralphs (guitarra) ex miembro de Mott the Hopple, y con Boz Burrel (bajo) ex miembro de King Crimson, y fundan el grupo llamado Bad Company, llamado así por la obsesión de Paul Rodgers por una película del genero western también llamada así. En 1974 debutan con el disco titulado como la formación Bad Company, publicado por la compañía propiedad de Led Zeppelin Swan Song. Nos encontramos con un disco rockero con marcadas influencias bluseras. 

Incluído en este álbum encontramos la canción que da título al mismo, Bad company, tema que comienza con Paul Rodgers al piano, y que va creciendo por momentos hasta acabar desplegando todo el potencial de la banda. Según casi todas la biografías de la banda, esta canción y el nombre del grupo provienen de Bad company, un western aclamado por la crítica y protagonizado por Jeff Bridges que fue estrenado en 1972. Según Paul Rodgers, decidieron usar una canción con el mismo nombre: "Creo que porque nunca se había hecho, hasta donde yo sabía. Pensé que era interesante salir como una banda nueva con su propio tema musical". Para conseguir el sonido de la pista y su atmósfera especial, Rodgers grabó su voz en el silencio de la noche en medio de un campo bajo la luz de la luna. "Nos llevó unas tres horas configurarlo todo... pero cuando llegó el momento, lo hicimos y lo hicimos en una sola toma". 

La canción comienza con un distintivo toque de piano a manos de Paul rodgers, que establece el oscuro y melancólico ambiente de la canción, creando una atmósfera envolvente que perdura a lo largo de todo el tema. Mientras, las letras narran la historia de un hombre que ha vivido un vida de delitos y violencia, buscando la redención y un nuevo comienzo. Con líneas como "I was born, six.gun in my hand" (Nací, pistola en mano), la canción evoca imágenes de un individuo atormentado por su pasado y decidido a cambiar su destino. La voz única y llena de matices de Paul Rodgers añade un extra de emoción y autenticidad a este excelso tema, capturando brillantemente la angustia y el anhelo del protagonista. El ritmo pausado y melódico de la canción crea un genial contraste con la intensidad lírica que transmite el cantante, y la guitarra de Ralphs y la sección rítmica de Kirke (batería) y Burrell (bajo) complementan perfectamente la voz de Rodgers, creando una experiencia sonora y auditiva conmovedora y fascinante.

Madonna - Madonna (Mes Madonna)

Hay dos álbumes que se lanzaron en 1984 con los que flipo y que fueron el desencadenante de lo que soy ahora musicalmente, uno de ellos es Thriller de Michael Jackson, el otro álbum es Madonna, mis 12 años sucumbieron a esos sonidos sin saber muy bien las razones…. Quizás porque a su manera son dos obras maestras. Sin duda esto es el comienzo de algo nuevo, "Madonna" es el álbum de estudio debut homónimo de la cantante y compositora Madonna, grabado en Nueva York después de haber firmado con Sire Records debido al éxito de su sencillo debut "Everybody". Madonna grabó el álbum con el productor Reggie Lucas, pero no quedó satisfecha con el sonido que le dio a algunas de las canciones, por lo que llamó al productor Jellybean Benítez quien remezcló las canciones “Lucky Star”, “Burning Up” y “Physical Atracción” y produjo el canción “Vacaciones”. Madonna escribió ella misma cinco de las pistas del álbum, otras dos canciones (“Borderline” y “Physical Appeal”) escritas por Reggie Lucas y una (“Holiday”) escrita por Curtis Hudson y Lisa Stevens del grupo disco Pure Energy. Musicalmente es un álbum dance-pop con elementos de disco, synthpop y funk, y muchas de las canciones se centran en las líneas de bajo de Anthony Jackson y los teclados de Fred Zarr (además de la voz de Madonna, por supuesto), quienes hacen un trabajo fantástico. Este es uno de mis álbumes favoritos de Madonna y creo que es un comienzo increíblemente fuerte para su carrera.

El álbum comienza con el brillo electrónico reluciente de "Lucky Star" e inmediatamente rebota en una maraña de bajos y ritmos de sintetizador, respaldado por un platillo panorámico de semicorcheas que suena casi como estática de radio porque está muy enterrado en la mezcla. La entrega vocal no alcanza cada nota y apenas llega, y las voces del coro de gospel que apoyan a Madonna el coro no inspiran mucha más esperanza que talento vocal de Madonna……... Pero imagina este sonido desatado sobre un público desprevenido... imagina una serenata lujuriosa por la luz de una estrella personificada como un chico mágico y perfecto que simplemente refleja la copiosa iluminación de Madonna hacia ella, con cada conjunto de letras, todo mezclado tan espeso que no hay ningún instrumento para distinguir…. Es música celestial. A pesar de las posibilidades de que este álbum sea una maravilla de un solo éxito gracias a la fuerza de esa primera canción (completamente escrita por la propia Madonna), cada melodía sucesiva de estos ocho temas ofrece otra dimensión de la música pop que logra una velocidad de escape de la música disco. "Borderline" es dulce como un chicle con un bajo gomoso y teclados resonantes, y nos presenta el mismo estilo disco de fondo. Aquí el coro de gospel reforma sus coros para que sean como un maremoto con Madonna precariamente encaramada en la cima. ¿Es el sujeto el mismo chico que su estrella de la suerte, sólo que ahora absorbe todo lo que ella tiene para dar en lugar de reflejárselo? Incluso sus ojos se burlan de ella mientras ella se ahoga en su abrazo, y ella sólo quiere que él entienda que no tiene nada más que darle…. muy triste y otro éxito rotundo de oro macizo. 

  Un éxito que la gente tiende a olvidar es el sencillo principal "Burning Up", pero su video fue tan definitorio como los dos últimos éxitos de Immaculate Collection, mientras que su tono musical y lírico lo convierten en una mejor representación del clima de la radio pop. En Burning Up, Madonna pasa de la adoración a ser desgarrada y a arrojarse sobre su hombre y ella se lamenta "a diferencia de los demás, haría cualquier cosa, no soy la misma, no tengo vergüenza", y uno podría preguntarse si esto es una súplica dirigida a un hombre inalcanzable o a un público que escucha algo desconocido. "I Know It" podría reemplazar perfectamente cualquier pista de True Blue. Sin embargo, ocultos debajo se encuentran sintetizadores revoloteantes y un saxofón inquietantemente claro, y si debemos creer en los créditos del álbum, ambos toques se debieron, al menos en parte, a la propia Madonna. "I Know It" es un débil reflejo de "Borderline" cuando se ve simplemente como la cara más cercana de un disco, pero su contexto es más evidente cuando lo ves como parte de la carrera de Madonna como parte de su habilidad para fusionar sus impulsos musicales con lo que la radio puede reproducir.

Si bien Borderline es creíblemente una melodía de Madonna a pesar de que no aparece su nombre en los créditos de escritura, su antiguo pilar “Holiday" obviamente no tiene nada que ver con su imagen, salvo por su voz gutural que insinúa la gimnasia vocal de Like a Prayer. Holiday casi suena como una reescritura de Celebrate con sus sintetizadores listos y su ritmo amortiguado de cencerro. Me veo obligado a ver "Holiday" no como un fragmento que los compositores de Warner Brothers le arrojaron a Madonna, sino como su momento decisivo de camaleón pop: la ha interpretado en todas las giras y siempre conserva su indiferente tono original mientras agrega cualquier cosa que incluya la actual bolsa de trucos musicales de Madonna. Escuchar la canción tal como fue concebida originalmente en lugar de la ultraedición ajustada en Immaculate simplemente hace que su transformación continua sea más evidente y encantadora. "Think of Me" es una joya perdida que fácilmente podría haber reemplazado a "Borderline" para crear una cara A del disco totalmente escrito por Madonna, ya que presenta el mismo bajo retumbante y gomoso y la misma pista de batería sintetizada. Think es tan maduro y realizado como Burning Up dejando de lado todos los impulsos juveniles de I Know It. La voz de Madonna es poderosa y clara, el coro de gospel está prácticamente ausente en su papel secundario, la canción tiene credibilidad en la pista de baile, así como impulsos de rock'n'roll.

Sospecho que la razón por la que se grabó Think en la cara dos es que hace que "Physical Appeal", demasiado larga pero bien arreglada, parezca mucho más parte del álbum de lo que sería de otra manera. Para crédito del productor John "Jellybean" Benítez, ninguna de las canciones aquí suena vagamente fuera de lugar, a pesar de que sólo la mitad son composiciones de Madonna. Se le atribuye un remix de "Physical Appeal", así como "Lucky Star" y "Burning Up", que seguramente es responsable de la cohesión del disco. "Everybody" completa el álbum con su increíble rebote disco de baja fidelidad y sus sensuales voces iniciales susurradas. No sólo remata claramente la cara dos del disco orientado al baile, sino que centra con precisión la representación del sonido de Madonna después de que fue ligeramente empujado por el resto del disco. El fuerte apoyo de las notas graves, el aullido abierto de las agudas, el potente rebote del bajo, los suaves versos seguidos de coros efervescentes y la presencia de algún tipo de sonido electrónico son elementos básicos del catálogo de Madonna de Lucky Star hasta Like a Prayer y "Ray of Light". Todo esto es totalmente apropiado, ya que "Everybody" fue la canción que le dio a Madonna su primera actuación en un club, así como su contrato discográfico.

 

Al final del álbum, el oyente realmente no ha llegado a ninguna parte, excepto tal vez a la pista de baile. Los impulsos musicales aquí son más dance que rock'n'roll, las letras son sin excepción tan genéricas como vigorosas, y las voces son deslumbrantes, pero no especialmente talentosas. Pero la carrera de Madonna nunca se ha centrado tanto en esas cosas como en hacer música que pueda gustar a cualquiera sin diluirla hasta el mínimo común denominador de insipidez que gran parte de las décadas intermedias de La música pop ha incluido. La mayoría de los críticos nombrarían Like a Virgin o True Blue como la primera obra maestra de Madonna, pero todos sus logros futuros eran una predicción fácil basada únicamente en este disco.

1188.- Can't Get Enough - Bad Company

 

Can't Get Enough, Bad company

     Bad Company es el álbum debut de la banda de rock inglesa Bad company, compuesta por Paul Rodgers (voz), Mick Ralphs (guitarra), Boz Burrell (bajo) y Simon Kirke (batería). Fue grabado durante el mes de noviembre de 1973 en el Mobile Studio de Ronnie Lane, en Headley Grange, Inglaterra, bajo la producción del propio grupo, y publicado en mayo de 1974 bajo el sello discográfico Swan Song Records, propiedad de Led Zeppelin, en Estados Unidos, y de Island Records en el Reino Unido. 

Incluido en este álbum se encuentra la canción Can't Get Enough, donde se entremezclan un refinado sonido hard rock con un excelente toque blusero imprimido por la genial voz de Paul Rodgers. Esta canción fue el mayor éxito del grupo en las listas de ventas, alcanzando el puesto número 5 en la lista estadounidense Billboard Hot 100, y el número 1 en la lista de los 100 mejores sencillos de la revista Cashbox. Está acreditada al guitarrista Mike Ralphs, quien utilizó una afinación diferente de su guitarra para la grabación. Fue escrita cuando el guitarrista todavía estaba con el grupo Mott the Hopple, pero la banda no mostró interés en ella y la descartó. 

Can't Get Enough se ha convertido por derecho propio en una de esas canciones icónicas que perduran en el tiempo, cautivando a generaciones con su poderosa mezcla de rock y blues. Desde sus primeros acordes de guitarra hasta la voz distintiva de Paul rodgers, hacen que la canción se haya convertido en un himno atemporal que encapsula la esencia del rock. La letra de la canción gira en torno a un tema universal: El deseo ardiente y la obsesión por un amor inalcanzable. Con líneas como "I can't get enough of your love" (No puedo tener suficiente de tu amor), la canción transmite la intensidad de la pasión y el anhelo que consume al protagonista. La sección rítmica de la batería de Simon Kirke y el bajo de Boz Burrell, se fusionan perfectamente con las guitarras de Ralphs y la voz de Rodgers para regalarnos uno de los grandes momentos del rock.

1187 - Aquelarre - Silencio marginal

1187 - Aquelarre - Silencio marginal

"Silencio Marginal" es una joya musical que encapsula el talento y la profundidad artística de Aquelarre, una influyente banda argentina que emergió en la década de 1970. Formada por músicos virtuosos como Héctor Starc en la guitarra, Hugo González Neira en el bajo, y Rodolfo García en la batería, junto con la voz inconfundible de Carlos Cutaia, Aquelarre dejó una huella indeleble en la escena del rock argentino.

A lo largo de su carrera, Aquelarre se destacó por su habilidad para fusionar elementos de rock progresivo, blues y música folclórica argentina, creando un sonido distintivo que resonó con una amplia audiencia. "Silencio Marginal" es un ejemplo perfecto de esta fusión de estilos, con sus guitarras eléctricas hipnóticas, ritmos cautivadores y letras profundas que exploran temas universales como la soledad y la búsqueda de significado.

Aquelarre no solo fue una fuerza innovadora en el ámbito musical, sino que también desafiaron las convenciones sociales y culturales de su tiempo. En un momento de agitación política y social en Argentina, su música se convirtió en una voz para aquellos marginados y alienados por la sociedad. Canciones como "Silencio Marginal" sirvieron como un reflejo de las luchas y las esperanzas de toda una generación.

Además de su impacto en la escena local, Aquelarre también ganó reconocimiento internacional, llevando su música a audiencias de todo el mundo. Su legado perdura hasta el día de hoy, y canciones como "Silencio Marginal" continúan siendo celebradas como ejemplos sobresalientes del talento y la creatividad de esta icónica banda argentina.

"Silencio Marginal" no solo es una canción excepcional en términos musicales y líricos, sino que también es un testimonio del impacto perdurable de Aquelarre en la historia del rock argentino. Su habilidad para combinar diferentes influencias musicales con una profundidad emocional y social lo convierte en un hito en la música latinoamericana y en un recordatorio del poder transformador del arte.

Daniel
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Unlimited Love - Red Hot Chili Peppers (Mes Red Hot Chili Peppers)

"Unlimited Love" de Red Hot Chili Peppers #mesRedHotChiliPeppers

Desde su nacimiento en las calles de Los Ángeles en 1983, los Red Hot Chili Peppers han sido una fuerza imparable en el mundo del rock. Su estilo único, fusionando el funk, el punk y el rock, ha cautivado a generaciones de fans y les ha llevado a la cima de la industria musical. Con su último álbum, "Unlimited Love", la banda demuestra una vez más por qué son considerados leyendas vivas.

"Unlimited Love" es el primer álbum de estudio de los Red Hot Chili Peppers desde "The Getaway" en 2016, y marca su regreso triunfal después de un período de descanso y cambio. Con la salida del guitarrista Josh Klinghoffer y el retorno de John Frusciante, quien había sido miembro de la banda en el pasado, las expectativas para este álbum eran enormes. Afortunadamente, los Chili Peppers no decepcionan.

Desde el momento en que comienza el álbum con "Black Summer", queda claro que los Red Hot Chili Peppers están aquí para hacer una declaración. La canción es una explosión de energía cruda y pura, con el característico slap bass de Flea, los ritmos frenéticos de Chad Smith y la voz inconfundible de Anthony Kiedis, todo respaldado por los virtuosos riffs de Frusciante. Es una introducción perfecta que establece el tono para el resto del álbum.

A lo largo de "Unlimited Love", los Chili Peppers exploran una amplia gama de estilos y emociones, manteniendo al mismo tiempo una cohesión que es verdaderamente impresionante. Canciones como "Sick Love" y "Always on the Run" son himnos de funk-rock que te hacen mover la cabeza al ritmo de la música, mientras que baladas como "Beautiful Little Stories" y "Brave from Afar" te hacen detenerte y reflexionar sobre la belleza y la fragilidad de la vida.

Una de las mayores fortalezas de "Unlimited Love" es su capacidad para evocar una sensación de nostalgia sin sentirse anticuado. Los Chili Peppers han sido una presencia constante en la escena musical durante décadas, y su habilidad para reinventarse y mantenerse relevantes es impresionante. Canciones como "Parallel Universe" y "California Dreamin'" capturan la esencia del sonido clásico de los Chili Peppers, mientras que aún logran sonar frescas y emocionantes.

La producción del álbum es impecable, gracias al trabajo del aclamado productor Rick Rubin, quien ha colaborado con la banda en numerosas ocasiones en el pasado. Cada instrumento se destaca de manera clara y nítida, permitiendo que cada elemento contribuya al conjunto sin abrumar al resto. El resultado es un sonido que es al mismo tiempo potente y refinado, capturando la intensidad cruda de la música de los Chili Peppers sin sacrificar la calidad.

Las letras de "Unlimited Love" son otro punto destacado del álbum. Anthony Kiedis es conocido por su habilidad para escribir letras que son tanto personales como universales, y este álbum no es una excepción. Temas como el amor, la pérdida, la esperanza y la redención se entrelazan a lo largo de las canciones, creando una experiencia emocionalmente resonante para el oyente.

Si hay algún punto débil en "Unlimited Love", es que a veces puede sentirse un poco disperso. Con dieciséis canciones en el álbum, hay momentos en los que la cohesión se ve comprometida en aras de la variedad. Sin embargo, esto es más una cuestión de preferencia personal que una falla real, ya que cada canción por sí sola es sólida y bien ejecutada.

"Unlimited Love" es otro triunfo para los Red Hot Chili Peppers. Con su energía implacable, su evolución musical y sus letras conmovedoras, el álbum demuestra por qué la banda sigue siendo una de las más influyentes en el mundo del rock. Es un testimonio de la pasión y el talento de los Chili Peppers, así como de su capacidad para mantenerse relevantes en un paisaje musical en constante cambio. Para los fans de toda la vida y para aquellos que recién están descubriendo la magia de los Chili Peppers, "Unlimited Love" es una experiencia auditiva que no deben perderse.

Daniel
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1186.- Annie's Song - John Denver

"Annie's Song", también conocida como "Annie's Song (You Fill Up My Senses)" fue el single principal de "Back home again" (1974), el octavo disco de estudio del cantante y compositor estadounidense John Denver. Fue el segundo tema de Denver en llegar al primer puesto de las listas de ventas en Estados Unidos, puesto que también alcanzó en el Reino Unido.

Fue escrita en su mayor parte en un telesquí que se dirigía a la cima de una montaña en Aspen, Colorado, en un momento en el que la euforia tras un intenso día de esquí y lo impresionante de las vistas le hicieron pensar en su esposa. La estructura básica de la canción le vino entonces a la cabeza, y tras esquiar de vuelta se fue a su casa y la escribió en un papel.

John Denver tocó una primera versión de la canción al arreglista y productor Milt Okun, que vio en ella la misma melodía del segundo movimiento de la "Quinta Sinfonía" de Tchaikovsky, lo que empujó a Denver sentarse al piano durante una hora y reformular la música hasta que de la coincidencia entre su emotiva canción de amor y la pieza clásica de Tchaikovsky solo quedaron las primeras cinco notas.

1185.- Lovin' You - Minnie Riperton

 

Loving You, Minnie Riperton

     Minnie Riperton fue una cantante y compositora de soul estadounidense conocida por su rango vocal del cinco octavas, y más conocida aún por su exitoso sencillo Lovin' you, grabado en su segundo álbum de estudio, Perfect Angel. Este segundo trabajo de Minnie Riperton fue grabado entre 1973 y 1974 en los Record Plant Studios de Los Angeles bajo la producción de su marido Richard Rudolph y de Stevie Wonder, y publicado el 9 de agosto de 1974 por el sello discográfico Epic Records.

Tras un fallido primer álbum, titulado Come to My Garden (1970), Minnie se había convertido en ama de casa y madre de dos hijos en Florida. Pero un universitario que trabajaba para Epic Records la redescubrió, y después de escuchar una demostración suya de la canción "Lie In The World", se la hizo llegar a Grace Allen, quien era una alto cargo de Epic Records. Poco después Minnie firmaba con Epic y se mudaba con su familia a Los Angeles. El marido de Minnie, Richard Rudolph, dijo que poco después de que ella firmara con Epic, fue preguntada por quien quería que produjera el disco, ella pidió a Stevie Wonder, y se dio la casualidad de que Wonder era un gran admirador de su trabajo, pero puso una condición: el acababa de firmar con Motown Records y le preocupaba que no le dejaran trabajar en el proyecto, por lo que apareció en el álbum bajo el seudónimo "Black Bull" (Toro Negro).

Al final de la producción, había ocho canciones completas, pero Wonder quería una canción más para que el disco se acercara a los estándares de la industria con una duración de unos 40 minutos. Fue entonces cuando le pidió a ella y a su marido, quien era también compositor y solía componer con ella, que idearan una melodía que consideraran su "canción más vergonzosa". Minnie mencionó entonces una canción de cuna que le solía cantar a su hija Maya para que se durmiera por las noches, y así tener ratos de intimidad con su marido Rudolph. Así es como con la ayuda de su marido creó Lovin' you a partir de esa canción de cuna. La canción fue grabada rápidamente con Wonder en el piano eléctrico y sintetizadores, y Rudolph proporcionó el canto de los pájaros desde un carrete de efectos de sonido. Realmente la canción tuvo sus comienzos en 1971, cuando Rudolph comenzó a componer la canción mientras vivían en Chicago, y sería aquí en Los Angeles cuando le acabarían de dar forma, Minnie desarrollando la melodía final y Rudolph escribiendo la letra y el puente de la canción.

La ventas comenzaron bastante lentas y Epic había decidido pasar al siguiente proyecto, sin embargo algunas estaciones de radio estaban reproduciendo Lovin' You como un corte el álbum. Minnie y Rudolph al enterarse de esto pidieron a la discográfica que dieran una oportunidad a la canción como sencillo. Epic acertó y la canción llegó a conquistar el puesto número 1 en las listas de ventas Pop de Estados Unidos y el puesto número 3 en las de R&B. El disco, gracias a esta canción, llegó a conseguir la certificación de Disco de oro, el único en toda la carrera de la artista.

1184.- Rock your baby - George McRae

George McCrae debutó a lo grande con el single "Rock Your Baby", tema precursor de los grandes himnos dance de los setenta, que fue escrito y producido por Harry Wayne Casey y Richard Finch de KC and the Sunshine Band. Fue un éxito absoluto de ventas en 1974, alcanzando el primer puesto tanto del "Hot 100" como del R&B chart en Estados Unidos, y llegando también a lo más alto del UK Singles Chart.

El aluvión de ventas y popularidad de "Rock Your Baby" fue totalmente inesperado tratándose de una canción destinada originalmente a la KC and the Sunshine Band, cuya base musical fue grabada en tan solo 45 minutos como una demo con Jerome Smith a la guitarra, los teclados de Harry Wayne Casey y con Richard Finch en el bajo y la batería programada. Casualmente, George McCrae andaba por el estudio y añadió la parte vocal, y la curiosa mezcla entre el ritmo pegadizo de la base y la suavidad y calidez de su interpretación vocal resultó ser mágica.

"Rock Your Baby" despertó a la vez admiración y sana envidia entre otros músicos de su generación. Por ejemplo, el popular grupo sueco ABBA la usó como inspiración para la base rítmica de su célebre "Dancing Queen" de 1976, y el mismísimo John Lennon declaró que "habría dado uno de sus dientes por haber escrito esa canción", y se basó en ella para la progresión de acordes de su éxito "Whatever Gets You thru the Night", grabada solo unos meses después que "Rock Your Baby".

Disco de la semana 371 - Talk Talk Talk - The Psychedelic Furs

Tras un primer disco homónimo publicado en 1980, la banda de rock británica The Psychedelic Furs publicó en 1981 “Talk Talk Talk”, su segundo álbum de estudio. Producido por Steve Lillywhite, esta segunda entrega de los Psychedelic Furs muestra su lado más brillante, tanto en la lírica de las composiciones como en el áspero sonido underground y post punk que impregna al disco, que los críticos definieron como "hermoso caos" o "extraordinaria basura".

Buena muestra de ello es el sonido distópico y decadente de guitarras y saxofón de "Dumb Waiters", la canción con la que da comienzo “Talk Talk Talk”. Más luminosa es "Pretty in Pink", el poderoso single de lanzamiento del disco, que llegó hasta el número 43 de las listas de éxitos británicas en 1982, y que cuatro años después, en una versión regrabada, experimentó un renacer que la llevó al puesto 13, de la mano del cineasta John Hughes, que la convirtió en el título y tema central de su película "Pretty in Pink" (1986).

El disco consigue una apreciable unidad de sonido, comparable en cierta medida al "muro de sonido" característico de Phil Spector pero desde una perspectiva más "destartalada" y minimalista de cinco muchachos entregando un himno post punk tras otro. "I wanna sleep with you" es uno de los temas más potentes, con abrasivas líneas de guitarra y ese toque a canción apocalíptica y oscura que se desmarca de cualquier romanticismo new wave ("No quiero darte flores, solo quiero dormir contigo"). "No Tears" es menos áspero y con un toque más melódico y taciturno, pero sin dejar por ello de pisar el acelerador, y "Mr. Jones", segundo single del disco, es una ondeante bandera de post punk y uno de los momentos más acelerados e intensos del álbum.

En "Into You Like a Train" ("entrando en ti como un tren") vuelven a dejar claro que lo suyo no es el romanticismo ni el lamento por el amor correspondido de grupos coetáneos como Joy Division. No en vano, habían decidido formar un grupo tras ver un concierto de The Sex Pistols en el 100 Club Punk Festival, y ese toque punk se mantiene en cierta medida en la rudeza y el nihilismo de las letras de "Talk Talk Talk", sin dejar por ello de lado otras tendencias e influencias musicales de grupos y artistas como David Bowie, The Stranglers, Roxy Music o The Velvet Underground. La canción surgió de una improvisación en el estudio, de la que les vino la idea para la directa y carnal letra.

Así surgieron también otras canciones como "It Goes On", "So Run Down" o "All of This and Nothing", temas que, como el resto del álbum, venían medio escritos en blocs o en servilletas y que con la música que iba surgiendo en los ensayos se les iba completando la letra hasta darles el toque final. Y ya que hablamos de final, el del disco llega con "She is mine", un medio tiempo de destacados arreglos de saxofón, que es lo más parecido a una balada que se puede encontrar dentro de un disco que captura el aura de The Psychedelic Furs en su mejor momento creativo, con el que buscaron llegar al público masivo con una propuesta robusta y que no cayó en las concesiones estilísticas con las que habrían podido encontrar un atajo en su largo camino hacia el éxito.

1183.- Until you come back to me - Aretha Franklin

En 1967, Stevie Wonder grabó "Until You Come Back to Me (That's What I'm Gonna Do)", una agradable y melódica balada de soul y coros góspel al típico estilo "Motown", que había escrito él mismo junto a Morris Broadnax y Clarence Paul, pero no consideró que la canción tuviera el potencial suficiente como para ser publicada como single, y tampoco la llegó a incluir en ninguno de sus discos hasta 1977, cuando fue parte de la antología de canciones "Looking Back".

Sin embargo, en 1973 Aretha Franklin se topó con la canción  y vio en ella el potencial que Wonder no le había otorgado, y grabó "Until You Come Back to Me (That's What I'm Gonna Do)" como single, con el tema "If You Don't Think" en la cara B, y no tardó en recoger los frutos de tan acertada decisión, porque el sencillo llegó  al primer puesto de las listas de ventas de R&B, y al tercero de la lista general del Billboard Hot 100 en 1974.

Con el éxito de "Until You Come Back to Me (That's What I'm Gonna Do)", Aretha Franklin se convirtió además en la primera artista en la historia que logró tener en la lista "Hot 100" una canción que estuviera en los de diez primeros puestos de la lista durante su recorrido comercial, algo que después solo lograron repetir Marvin Gaye en 1983, Madonna in 1996, Drake en 2013 y Taylor Swift en 2015.

1182.- Ni mas ni menos - Los Chichos

Julio, Jero y Emilio fueron la primera formación de Los Chichos en sus comienzos, un trío musical gitano que tuvo su evolución en los primeros años setenta surgidos en Madrid en la barriada El Pozo del Tío Raimundo, sin quererlo se convirtieron en la banda sonora de la transición, unos chavales que con unas letras sencillas, lograron llevar el sentimiento de la calle a sus canciones y desde las gasolineras a los primeros puestos de listas de éxitos. Su primer disco compuesto por 12 canciones se publicó en 1974 y viene precedido de la mano de Juan A. Jiménez que se convertiría en protagonista indiscutible de la mayoría de los grandes éxitos de Los Chichos. Con Ni más ni menos y Quiero ser libre (primer single publicado en 1973) alcanzan las listas de éxitos gracias al boca a boca de sus seguidores, pero no todo era "aquí gloria y después paz", ya que también sufrieron el rechazo de los medios públicos como televisiones, radios o prensa e incluso censuras en sus canciones por ser considerados provocativos e inmorales. La temática de Los Chichos se halla en la sociedad marginal donde vivían y veían injusticias que algunos familiares, amigos o vecinos tenían, pero no solo tocaban las injusticias, el trío abarcaba todo tipo de índoles como era la infidelidad, el maltrato o el amor. Es por todo esto que sus "CHICHEROS" se sienten identificados por el realismo de sus letras y los consideran auténticos ídolos, sobre todo los que estaban privados de libertad. Cada uno de ellos en su puesto, Jero en medio, Julio a la izquierda y Emilio a la derecha, forman el grupo perfecto.

Antonio Sánchez, padre de Paco y Pepe de Lucía, los llevó a la discográfica donde grababan el mismo Paco y también el mítico Camarón de la Isla. En 1974, publicaron su primer disco, «Ni más, ni menos» (Philips), donde se encontraba la canción del mismo nombre que resultó un éxito sin precedentes en el mundo de la rumba y se codeó con los hits de la música pop de la época. Con su característica mezcla de palmas, guitarras flamencas y letras emotivas, «Ni Más Ni Menos» supo combinar la esencia del flamenco con un enfoque más contemporáneo. Sus rumbas eran callejeras, fuera de lo común y cantando en sus letras en caló, algo inaudito que nunca nadie se le había ocurrido, gusta mucho y entran muy bien en el pueblo gitano. Ni mas ni menos no solo fue un éxito comercial, sino que dejo una huella indeleble en la música española al ser pioneros en fusionar el flamenco con otros generos, allanando el camino para muchas bandas posteriores, además de su capacidad para conecta con la gente común a través de sus letras honestas y emotivas que los convirtió en iconos culturales. El primer álbum de Los Chichos es un tesoro en la historia de la música española, con su fusión única de flamenco, rumba y pop, la banda dejo una marca imborrable en la escena musical. Las canciones de este disco siguen siendo amadas y escuchadas por generaciones de fanáticos y el legado de Los Chichos perdura como uno de los mas importantes de la música contemporánea. Este álbum es un recordatorio de que la música puede unir culturas y estilos de vida de manera inesperada y hermosa

Red Hot Chili Peppers - The Getaway (Mes Red Hot Chili Peppers)

 

"I'm With You" de 2011, marcó un cambio importante para Red Hot Chili Peppers, fue el primer álbum lanzado después de la segunda salida del guitarrista John Frusciante, en su lugar se unio a la banda el guitarrista de respaldo de gira y protegido de Frusciante, Josh Klinghoffer. Desafortunadamente, muchos consideraron que el álbum fue una decepción, personalmente, pensé que era bastante decente, ciertamente más divertido que su inflado disco doble "Stadium Arcadium". El siguiente álbum de los Chili Peppers, "The Getaway", también marca un cambio importante para la banda: es su primer álbum sin el productor Rick Rubin, quien ha producido todos sus discos a partir de su éxito de 1991 "Blood, Sugar, Sexo, Magik." En su lugar estaría Danger Mouse, una elección interesante, porque el trabajo de Danger Mouse ha sido muy interesante para mí, ha sido responsable de uno de mis álbumes favoritos "Demon Days" de Gorillaz. Resulta que en "The Getaway" lo que la banda hace es experimentar y hace que este álbum suene fresco, si bien el último álbum definitivamente "sonó" como un álbum de Chili Peppers, este arroja algunos cambios.

 

Comienza el álbum con The Getaway, y es un comienzo bastante decente, con riffs de guitarra apagados, pero que en el fondo se muestran interesante, he leído a algunas personas compararlo con Coldplay, de hecho, suena notablemente similar a su sencillo "Adventure of a Lifetime", especialmente en el coro. A continuación, llega el sencillo principal "Dark Necessities" que fue una elección perfecta para reintroducir a los Chili Peppers, y puedes ver por qué Danger Mouse se empeñó tanto para que este fuera el sencillo, te vuelve a conectar. La mejor línea base de Flea desde 2006 marca el comienzo de esta densa pieza musical que podría merecer una revisión propia y de Anthony Kiedis, quien suena mucho más rejuvenecido a lo largo del tema, atrae al oyente con una melodía que habría sonado como en casa en By the Way. El coro llega con un sentimiento edificante y une la canción de una manera impresionante. 

El funky "We Turn Red" es una ocasión para volver a su estilo anterior, pero con un giro: ambos tienen estribillos melódicos más lentos, después llega “The Longest Wave” y estas dos canciones juntas presentan la peor parte del álbum, el sentimentalismo es completamente exagerado. Lo más destacado del álbum, sin embargo, tiene que ser “Goodbye Angels”, es la canción, así es exactamente como suenan los Chili Peppers cuando aprovechan sus puntos fuertes. Kiedis ofrece una interpretación vocal apasionante, mientras que Klinghoffer sabiamente deja que Flea, el ladrón frecuente de espectáculos, sea la piedra de la composición para que pueda comenzar con algunas notas geniales tocadas en lo alto. Pero ni siquiera hemos tocado el final de la canción. ¡Dios mío, esta canción termina con uno de los mejores momentos musicales en la historia de Peppers! Flea arranca con un riff de bajo que haría que Les Claypool se pusiera verde de envidia y luego se lanza a un final monstruoso en llamas que no puedo describir adecuadamente sin usar un lenguaje que podrían censurar. Si no escuchas nada más de este álbum, escucha el último minuto de esta canción. Vale la pena el precio del disco completo por sí solo. "Sick Love" es otro de los sencillos interesantes, una suave balada pop que presenta a Elton John al piano, un movimiento irónico teniendo en cuenta que, como otros ya han señalado, la melodía está algo inspirada en "Bennie and the Jets".

 

"Go Robot", inspirado en Prince, es puro funk disco de los 80 y definitivamente podría ser un éxito en la era de "Get Lucky" y "Uptown Funk". Llega “Feasting on the Flowers” donde el sentimentalismo es muy exagerado, incluso en canciones más funky como la banda cede a coros accesibles y letras de cartas de amor sobre varios aspectos de la vida. "Detroit" definitivamente destaca, un tributo al estado natal de Kiedes cuyo nombre incluye a artistas como The Stooges, J Dilla y Henry Ford sobre un pesado riff al estilo Hendrix, ofrece justo ese giro de la era de los 90 que la banda necesitaba desesperadamente recuperar. Aunque algunas de las canciones pueden ir en direcciones curiosas a veces, sus mejores momentos son al menos suficientes para mantener la atención del oyente y recordarle que esta banda aún puede ser capaz de hacer grandes cosas. Otro tema defectuoso es "This Ticonderoga", la canción comienza con un furioso riff de guitarra con sonido punk que crea una de sus músicas más pesadas en años, pero la banda simplemente no parece resistirse a detener la canción en seco para poder agregar un bajo y un piano extraños y nerviosos. El otro ejemplo de canción floja es "Encore", donde Kiedes se pone nostálgico sobre las líneas melódicas de la guitarra. "The Hunter" es un tributo lento y melancólico a la paternidad, con Klinghoffer al bajo en lugar de Flea, quien en cambio toca un triste solo de trompeta. Te golpea en todos los lugares correctos. Pero aún mejor es la extensa epopeya de seis minutos "Dreams of a Samurai", una intensa meditación sobre una relación fallida, un tema que tocan muchas de estas canciones. La canción tiene una sensación más pesada y alucinante que el resto del álbum; de hecho, parece que habría encajado perfectamente en "One Hot Minute".

Si bien los fanáticos incondicionales de Peppers pueden sentirse decepcionados por la sobreabundancia de melodías más pop, no te preocupes, aquí también hay algunas cosas para ti. Pero lo que realmente se destaca son los números más experimentales del álbum, los cuales cierran el álbum. Sin embargo, no todo lo que hay en este álbum es digno de elogio. Si bien las melodías con infusión de pop melódico han sido el pan de cada día de los Chili Peppers desde finales de los 90, algunas de ellas aquí realmente no se sostienen. Dicho y hecho, este álbum puede no ser un éxito total, pero cuando lo logra puede llevarte de regreso a la cima creativa de la banda. Con las alteraciones sonoras de Danger Mouse y el continuo desarrollo de Klinghoffer hasta convertirse en un músico plenamente consumado, la banda logra dejar mucho por qué estar entusiasmado. Si bien todavía queda un camino bastante decente que la banda debe recorrer si realmente quieren regresar a las alturas de sus períodos más creativos, un álbum como The Getaway es exactamente el tipo necesario para infundir fe en el grupo una vez más. y esperar con ansias lo que liberen más adelante en el camino.

1181.- Anda - Luis Eduardo Aute

 

Luis Eduardo Aute fue un artista polifacético como pocos, capaz de ponerse detrás de una cámara para rodar, pintar lienzos o enamorarnos con sus poemas, es su labor de cantautor por la cual es internacionalmente conocido. En sus propios versos, «seamos un cuerpo enamorado» derretiría al instante a su musa, su lírica es una extrasensorial experiencia. Anda" es una joya musical creada por el legendario cantautor español Luis Eduardo Aute. Esta canción, perteneciente a su álbum "Espuma" lanzado en 1974, es un magnífico ejemplo de su habilidad para combinar poesía profunda con melodías cautivadoras. Un LP en que Aute investiga en la física y en la química del amor, esa euforia que nos hace sentirnos inmortales.

Anda comienza con una introducción suave de guitarra, estableciendo una atmósfera melancólica y reflexiva, Aute, con su voz emotiva y distintiva, entra con la letra que invita a un encuentro lleno de pasión, deseo sin fin, un encuentro que todos tendríamos que tener, sin cadenas y sin trabas, simplemente el deseo de dos personas, ademas Aute teje una narrativa emocionante que evoca imágenes vívidas y sentimientos profundos, pero además la letra de "Anda" es una reflexión sobre el paso del tiempo y la inevitable marcha hacia adelante de la vida. Aute canta sobre la necesidad del amor, de entregar y entregarse, de disfrutar cada paso en el encuentro amoroso a pesar de los obstáculos y las dificultades que puedan surgir en el camino. Su voz transmite una sensación de esperanza y determinación, animando al oyente a seguir caminando a pesar de las adversidades acompañada de una melodía conmovedora, con acordes de guitarra delicadamente entrelazados que complementan a la perfección la emotividad de la letra. La música fluye con una gracia tranquila, creando un ambiente íntimo que envuelve al oyente y lo transporta a un estado de contemplación serena. La instrumentación sutil pero efectiva de la canción, que incluye cuerdas suaves y percusión discreta, añade una capa adicional de profundidad y textura a la composición, cada elemento musical se combina armoniosamente para crear una experiencia auditiva completa y conmovedora, regalándonos una canción para todas las edades y trasfondos, su mensaje atemporal y su belleza lírica la convierten en una obra maestra que sigue siendo relevante décadas después de su lanzamiento inicial.

Disfruten de "Anda" una canción excepcional que encapsula la genialidad artística de Luis Eduardo Aute, una canción que perdura como un testamento eterno del talento inigualable de uno de los más grandes cantautores de España.

1180.- Rebel Rebel - David Bowie

"Rebel Rebel" fue el single de lanzamiento del disco "Diamond Dogs" (1974) de David Bowie, publicado el 15 de Febrero de 1974 por RCA Records, con "Queen Bitch" en la cara B. El sencillo fue un gran éxito comercial, llegando al quinto puesto del chart del Reino Unido y al nº 64 del Billboard Hot 100 estadounidense, cumpliendo además su objetivo de impulsar las ventas del disco. Dos fueron las versiones que se grabaron de "Rebel Rebel", una (la más conocida) para el single del Reino Unido, y otra (más corta y con diferentes arreglos) para su publicación como sencillo en USA en Mayo de 1974, con "Lady Grinning Soul" en la cara B.

Escrita y producida por Bowie, y planeada originalmente como uno de los temas de un musical sobre Ziggy Stardust que Bowie acabó abandonando, esta canción de aire proto-punk es probablemente su canción más versionada por otros artistas a lo largo de los años, y el gran culpable de su éxito, y la base central en la que todo el tema se basa de principio a fin, es un pegadizo y stoniano riff de guitarra, que potenció sobremanera una letra considerada como uno de sus últimos himnos glam rock.

"Rebel Rebel" se grabó en una sola sesión de trabajo en los Trident Studios de Londres en las navidades de 1973. Bowie indicó a los músicos que quería que la canción sonara como los grandes temas de The Rolling Stones, e interpretó el riff al guitarrista invitado Alan Parker para que lo ensayaran juntos y le ayudara a perfeccionarlo. Parker lo tocó al completo cuando estuvo terminado, y siempre sospechó que su interpretación del riff durante aquellos ensayos fue la que acabó sonando en la canción final, pero nunca fue acreditado por, presumiblemente, haber tocado uno de los riffs más gloriosos y reconocibles de la historia del rock.

1179.- Diamond Dogs - David Bowie

"Diamond Dogs" es la canción que da título al octavo disco de estudio de David Bowie, ya sin el apoyo de su célebre banda de acompañamiento de The Spiders from Mars con la que había facturado sus mejores discos de glam rock, y aunque también produjo el álbum él mismo, contó de nuevo con la presencia de Tony Visconti para los arreglos de cuerda y para la mezcla del disco. Al no contar por primera vez con Mick Ronson, Bowie asumió la mayor parte de las guitarras del disco, practicando exhaustivamente cada día hasta llegar al nivel de calidad necesario para la grabación.

La temática apocalíptica de la canción y del disco se basa en la novela "1984" de George Orwell, las obras de Willian S. Burroughs, y un proyecto de musical basado en el personaje de Ziggy Stardust que finalmente Bowie abandonó. Dentro del universo de personajes de Bowie, en "Diamond Dogs" aparece un nuevo alter ego llamado "Halloween Jack", "un gato molón" que lidera a los "perros diamante", una banda de niños salvajes que acampan en los tejados de los rascacielos, con la estética y la actitud que adoptaron grupos punk posteriores como The Sex Pistols, y de hecho Bowie los describió como "pequeños Johnny Rottens y Sid Vicious, pandillas de viciosos encapuchados, con cuchillos y pieles, flacos por no comer suficiente, y con el pelo de colores divertidos".

Publicada en junio de 1974 como segundo single del álbum tras "Rebel Rebel", con una regrabación del tema de 1971 "Holy Holy" en la cara B, fue el single de menos éxito del disco al alcanzar solo el puesto 21 de la lista de ventas del Reino Unido, y no lograr entrar en las listas del Billboard estadounidense. Este pequeño traspiés de los "perros diamante" no le quita relevancia a una canción que está entre las más imaginativas y extrañas del universo creativo del gran David Bowie.

Red Hot Chili Peppers - Stadium Arcadium (Mes Red Hot Chili Peppers)

"Stadium Arcadium" (2006) es el noveno álbum de estudio de los Red Hot Chili Peppers, publicado por la discográfica Warner Bros Records, y el último antes de la marcha del guitarrista John Frusciante, que dejó la banda en 2009, aunque acabaría regresando diez años después. Tras el éxito del disco "By the way" (2002) y la publicación de la recopilación "Greatest Hits" (2003), en 2004 los Red Hot Chili Peppers se reunieron para grabar material para un nuevo disco, que en principio querían que fuera una "obra de arte pequeña y digerible" al estilo de discos como el Meet The Beatles!, con no más de 12 canciones y en un tono más tranquilo del habitual.

Sin embargo, y fruto del buen rollo y la compenetración de todos los miembros del grupo durante las sesiones en "The Mansion" (una casa en la que había vivido Harry Houdini y en la que ya habían grabado en 1991 el mítico "Blood Sugar Sex Magik"), grabaron junto al productor Rick Rubin un total de 38 canciones. Con tanto material, planearon lanzar una trilogía de álbumes que se irían publicando con un margen de solo seis meses de diferencia, pero finalmente abandonaron esa idea y se decantaron por publicar un extenso álbum en formato de doble CD con 28 canciones, destinando las restantes a las caras B de los cinco singles que se extrajeron del disco. Con tantas canciones, es el disco de Red Hot Chili Peppers que más variedad de estilos ofrece, y aunque en general recibió buenas críticas, el entusiasmo fue mayor entre los nuevos seguidores, que lo consideraron el mejor disco de la banda y alabaron la versatilidad y los nuevos rumbos musicales, mientras los seguidores más antiguos lo consideraron demasiado relajado para ser un álbum de Red Hot Chili Peppers.

El primer disco (denominado "Júpiter") comienza con uno de los singles principales, "Dani California", un tema que ya es un clásico de su discografía, construida a partir de un ritmo que recuerda al “Sweet Home Alabama” de Lynyrd Skynyrd, y una melodía cercana al “Mary Jane’s Last Dance” de Tom Petty, pero creando con la extraña mezcla un tema que en su conjunto es puro Red Hot Chili Peppers. Le sigue "Snow (Hey Oh)", que también fue publicada como single, y que es un buen ejemplo del tipo de música relajada con el que estaban experimentando, con un tono más pausado y un cálido y agradable estribillo.

El rítmico funk típico de la banda vuelve en “Charlie”, aunque algo más melódico que en discos anteriores, y marca la transición entre los primeros temas y la canción titular "Stadium Arcadium", melódica y evocadora canción en la que la voz de Kiedis y la guitarra de Frusciante tienen una delicadeza especial. Es una de las canciones que mejor plasma y representa el cambio y el sonido que buscaban para este disco, aunque para los singles se decantaran por canciones de línea pegadiza y funk como "Hump de Bump", en la que la guitarra funk de Frusciante brilla por sí sola. Otros temas reseñables del primer disco serían “Torture Me”, con impactantes arreglos de viento y con Flea dando una auténtica lección de ritmo con el bajo y "Especially in Michigan" con Kiedis regalando una intensa interpretación vocal, y la dupla John Frusciante - Omar Rodríguez (de Mars Volta) arropándole con generosas guitarras.

De "Júpiter" volamos a Marte ("Mars") en el segundo disco, que comienza con "Desecration Smile" otro de los singles del disco y que, junto con la ya mencionada "Hump de Bump" se remonta a las sesiones del recopilatorio de "Greatest hits", quizá pensadas ambas como temas inéditos para aquel disco, pero que finalmente terminaron en "Stadium Arcadium". Le sigue "Tell me baby" que también fue publicada como single, y aunque hay que decir que en Marte la atmósfera en conjunto no es tan brillante como lo fue en Júpiter, en el planeta rojo encontramos también momentos destacables en el funk de "21st Century", el pop amable de "She Looks to Me", los riffs "zeppelianos" de la rockera "Readymade" o el pop rock pegadizo de "Make You Feel Better".

Todo termina con la "muerte de un marciano" ("Death of a martian"), destacable solo por la conexión entre el título del disco y el de la canción, pero tanto su temática como sus espaciales teclados de videojuego vintage son perfectos para cerrar el más marciano y psicodélico de los discos de Red Hot Chili Peppers, una obra heterogénea y compleja que entró directamente al primer puesto del Billboard 200 en el momento de su lanzamiento, y se hizo con cinco premios Grammy en 2007, incluyendo el de Mejor Canción de Rock ("Dani California") y Mejor Álbum de Rock. Un disco así merecía un sitio destacado en el #MesRedHotChiliPeppers de 7días7notas.

1178.- Tattler - Ry Cooder

 

Tattler, Ry Cooder

     Paradise and Lunch es el cuarto álbum de estudio del músico de raíces estadounidense Ry Cooder. Fue grabado en los Warner Brothers Studios de North Hollywood y los CA and The Burbank Studios de Burbank, Los Angeles, bajo la producción de Russ Titelman y Lenny Waronker, y publicado en junio de 1974 por el ello discográfico Reprise Records. Este trabajo contenía versiones de jazz, blues y estándares de música de raíces americana. El disco llegó a alcanzar el puesto 167 en la lista estadounidense Billboard 200.

Incluido en este álbum se encuentra Tattler, un arreglo de Ry Cooder junto con Russ Titelman del clásico You Can't Stop a Tattler. Este clásico es una canción de blues - gospel que fue escrita por Washington Phillips (1880-1954) y fue grabada por él en 1929 para el sello discográfico Columbia records. La canción original constaba de dos partes, destinadas a ocupar ambas caras de un vinilo de 10 pulgadas y 78 rpm. Sin embargo, permaneció inédito durante muchos años. Estamos ante una canción rara e inusual porque los versos están separados por un estribillo tarareado sin palabras. Este recurso, similar a la vocalización, ya lo había utilizado anteriormente Phillips en la canción I Had a Good Father and Mother (1929).

La canción llamó la atención por primera vez cuando Ry Cooder incluyó una versión de la parte 2, titulada Tattler, en el álbum Paradise and Lunch. La versión de Cooder es relajada y conmovedora, típica del estilo de blues y folk que lo caracteriza. La letra de la canción narra la historia de alguien que traiciona la confianza de un amigo al revelar secretos a su pareja, lo que provoca problemas en su relación. La música acompaña perfectamente con su relajado ritmo y una melodía que transmite la sensación de arrepentimiento, y la interpretación vocal de Cooder agrega profundidad emocional a la canción.