El disco de la semana 217: The Waterboys - Fisherman´s Blues

 

Fisherman's blues es un álbum fantástico, es una colección de piezas bien elaboradas de un genio, con una gran banda donde no encuentras nada fuera de sitio ni que dé la talla en el álbum entre otras cosas por la fantástica fluidez que tiene el disco en conjunto, hay que disfrutar nota a nota este increíble esfuerzo de folk-rock tan redondo que mezcla violines increíbles con fases de guitarra y piano un álbum que elimina toda producción y brillo y se regocija en las raíces celtas de la música folclórica y simplemente te transporta a su puro e innegable amor por la música. Para muchos Fisherman's Blues es el punto más álgido de la banda, no soy yo quien para afirmarlo, pero lo que sí puedo asegurar es que encuentro en el álbum una gran profundidad musical, lírica y emocional que hace de este uno de los mejores (y desconocidos) discos de los años 80. 

Abre el álbum la canción que da título al disco Fisherman's blues y rápidamente tomamos conciencia de lo antes explicado, en el momento que empieza a sonar la música y la voz de Mike Scott empieza a recitar una especie de oración épica te acaba de llevar a su tierra, a su zona y a imaginarte como protagonista de una historia que nunca creíste que encontrarías, confiesa que con sus acordes te has visto rodeado de mar en un pequeño bote cuando el sol está a punto de aparecer, en busca del sustento de tu día a día mientras en tu cabeza rondan los grandes momentos vividos la noche anterior. Probablemente sigue siendo la canción más querida de The Waterboys, y lejos de nuestras fantasías, en ella podemos escuchar a Mike hablando en primera persona, describiendo su propio renacimiento espiritual desde adentro. Ya no es el poeta-profeta de “This Is the Sea”, es un hombre con el coraje de ser él mismo. Seguimos con We will not be lovers donde encontramos una gran canción anti-romance, construida en clave de rock, pero con su esencia de folk impulsada por el ritmo de los violines, combinándolos de forma brillante entregandonos una hermosa y frenética explosión de melancolía irlandesa. Stranger to Me parece un ejercicio para aprender a escribir una canción country (la melodía vocal huele a tradición country), la letra se inclina hacia el trascendental, Mike canta sobre una relación en decadencia, canta desde dentro, encontrando lo universal a través de la experiencia personal, su escucha con atención puede resultar una experiencia inquietante. World Party es una gran canción de rock que suena como si Mike Scott se enfrentara a Karl Wallinger por su salida de la banda. La canción, sin embargo, fue coescrita por Wallinger y la separación fue en buenos términos. Sweet Thing es una maravillosa versión del clásico de Van Morrison. Esta versión de la canción agrega a la perfección la letra de "Blackbird" de Lennon y McCartney, y el arreglo de Waterboys es único, a pesar de sus largos 7 minutos en ningún momento la canción decae y se deja llevar por la vulgaridad. Jimmy Hickey's Waltz es el primer tema instrumental, en poco más de dos minutos nos dejan una canción tradicional que nos tranquiliza y nos prepara para el resto del álbum

La segunda parte del álbum se abre con And a Bang on the Ear es un pequeño cuento donde escuchamos la historia de varias chicas que a las que Mike recuerda con cariño, con una melodía preciosista donde notamos el compás de los violines. La canción es larga y deja espacio para que la letra y la música interactúen y podemos encontrar el mejor trabajo de órgano de la grabación mientras Scott reflexiona con amor sobre las relaciones pasadas. Has Anybody Here Seen Hank es otro tema impregnado de melancolía y épica a la vez, con una letra que homenajea a Hank Williams, el cantante de folk estadounidense al que Mike Scott siempre le ha profesado una gran admiración. When Will We Be Married contiene una melódica épica de cuentos de hadas y aventuras místicas donde la tradición toma el control del tema. Entramos en una de las canciones más hermosas y románticas del disco con When Ye Go Away, es casi imposible estremecerse con esta pequeña canción impregnada de melancolía, una canción cuya progresión de acordes extraña, simple, hermosa y casi modal siempre me ha fascinado, y demuestra cómo la elección de un solo de violín puede cambiar el significado de una canción. Una dolorosa canción de pérdida, sincera y triste sin ser sensiblera, la voz tranquila de Scott es magnífica, así como el impresionante telón de fondo musical. Dunford`s Fancy es un pequeño preludio instrumental antes de la llegada de otro de las grandes canciones del álbum, me estoy refiriendo a The Stolen Child, basada en un poema de William Butler Yeats, donde podemos disfrutar de uno de los pianos más hermoso que he escuchado en mi vida y tiene momentos hablados que no desentonan en el conjunto ya que lo hace de una manera apropiada y sin pretensiones. El poema está inspirado en una de las leyendas celtas que describe el seductor canto de las hadas, que intentan raptar a los niños para llevarlos a su reino mágico, dejando como sustituto a los temibles Changelings: hijos de las hadas criados por mujeres humanas. W.B. Yeats le da una voz única a las hadas, quienes ocupan la totalidad del poema tratando de persuadir a un niño de que abandone para siempre el mundo de los mortales, representado en el crepitar del fuego en el hogar, el caldero que hierve, el mugido de los terneros, para internarse con ellas en ese universo poblado de seres fantásticos conocido como Reino de las Hadas. Cerramos con This Land Is Your Land, haciendo honor a la típica canción de taberna que todos hemos cantado rodeados de amigos y diversión.

 

 

0077: Hoochie Coochie Man - Muddy Waters

 

At Newport 1960, Muddy Waters

     El 15 de noviembre de 1960, el sello discográfico Chess Records publica el primer álbum en directo del bluesman Muddy Waters. El disco no es ni más ni menos que la grabación de la actuación de Muddy Waters con su banda en el Festival de Jazz de Newport, en Rhode Island (Estados Unidos), celebrado el 3 de julio de 1960. 

La banda que acompaña a Muddy en aquella época está compuesta por Otis Spann (piano, voz), Pat Hare (guitarra), James Cotton (armónica), Andrew Stephens (bajo) y Francis Clay (batería). Incluido en el repertorio del álbum se encuentra el tema Hoochie Coochie Man, Origianalmente titulado I'm Your Hoochie Coochie Man. Aunque en esta edición y en algunas posteriores el tema aparece acreditado a Muddy Waters (McKinley Morganfield), el tema fue compuesto por Willie Dixon. 

El tema de Dixon fue grabado y publicado por primera vez por Muddy Waters en 1954, y además de convertirse en uno de los temas más populares de Muddy Waters, ayudó a consolidar el papel de Willie Dixon como compositor principal del sello Chess Records. Hoochi Coochie Man es un clásico del blues de Chicago, y la letra, además de tener algunas referencias sexuales, también trata de la mística. El término Hoochie Coochie es un eufemismo para referirse a la vagina, y también se llamaba así a un baile provocativo aparecido a finales del siglo XIX. En su autobiografía I Am The Blues, Dixon decía que Hoochie Coochie Man era un ejemplo de las conexiones que existían entre los videntes y clarividentes con el folclore del sur de estados Unidos. Dixon, en una entrevista en 1988 también declaró sobre este tema que "...La gente cree en cosas místicas, en la astrología, etc. Eso ha estado sucediendo durante generaciones desde los días bíblicos. Gente de todo el mundo ha estado creyendo en esto incluso antes de que Jesús naciera. Los sabios vieron las estrellas del Este y fueron capaces de predecir cosas. Todo esto se basa en cosas místicas, igual que los hombres Hoochie Coochie ó también llamados hombre vudú, que están adivinando el futuro..." 

0076: It's now or never - Elvis Presley

Elvis Presley es un habitual entre los artistas con canciones históricas de finales de los 50 y principios de los 60, ya sea con temas compuestos para él, o versionando canciones de otros para hacerlas propias, dotándolas de su particular y característico estilo. Es el caso de, por ejemplo, It's Now or Never, grabada por "El Rey" y lanzada como single en 1960. Poco podía imaginar el de Memphis que esta versión de "O Sole mío", la popular canción napolitana, se convertiría en su sencillo de mayor éxito, con más de veinticinco millones de copias vendidas en todo el mundo. 

It's Now or Never fue un éxito absoluto, tanto en Estados Unidos como internacionalmente. La canción ya era un hit internacional en su versión italiana, popularizada por Mario Lanza, fallecido tan solo un año atrás, pero este más que probable homenaje de Elvis a la figura de su malogrado compañero de profesión fue catapultado a lo más alto de las listas de ventas de todo el mundo al estar interpretado en inglés.

La traducción y adaptación de la letra fue encargada a los compositores Aaron Schroeder y Wally Gold, que tuvieron lista la nueva letra en un tiempo récord. No sabemos los honorarios que percibieron por aquel breve encargo, pero en tan solo media hora tuvieron listo el que, a la postre, sería el mayor éxito de la carrera de Elvis Presley.

Extremoduro - Agila (Mes Extremoduro)

 

En "Agila" podemos encontrar un sonido brillante gracias entre otro a Iñaki “Uoho” Antón, que era el guitarrista de Platero Y Tú, a esto le tenemos que sumar de que su discográfica, iba aportar a Álex de la Iglesia dos temas para, “El día de la bestia”, banda sonora fabulosa en la que también participaron, y de qué manera, Def Con Dos. Pues bien, con todos esos mimbres, unas canciones cojonudas y rodeado de Iñaki Setién a la guitarra, Ramón al bajo, y Capi a la batería, con Roberto Iniesta, El Rey de Extremadura a la voz, entran en el estudio para grabar su sexto trabajo tras “Pedrá”; el que a la postre sería la obra que les llevaría a las más altas cotas de popularidad, “Agila”. Todas y cada una de las 13 canciones de este disco se han convertido en himnos, de obligada escucha para todos aquellos que no odien a Iniesta, que haberlos hay los, y conforman un disco 10, sin fisuras, sin temas que sobren, con calidad a raudales y con una mala ostia que solo “el Robe” sabe escupir.

 

Yendo a lo que es el disco en sí, este ya incorpora una sección de vientos y otras instrumentaciones poco habituales, cuando no, inexistentes, en los trabajos anteriores e incluso los temas son más complejos en su desarrollo. Cuenta además con varias colaboraciones que iremos desgranando, y entre las que se encuentran, como no, las del propio “Uoho” o “Fito”. A nivel letrístico, nos encontramos con retales de famosísimos poemas de no menos famosísimos autores como Neruda, Machado o Miguel Hernández, así como de otros menos conocidos como Sor Kampana.

 

El primer tema es la espectacular Buscando una luna, y es que es maravilloso empezar un disco de esta categoría con frases sacadas de un poema de Antonio Machado, y primera gran sorpresa un saxo hace un contrapunto magnifico al tema. Robe se atreve a ir mas allá y la verdad le sale muy bien, entre guitarra, batería, bajo y saxofón crearon una melodía redonda que fue acompañada por una letra sincera donde Robe escupió todos sus pensamientos más verdaderos. Con Prometeo vamos de poeta en poeta y es que ahora es el turno de los versos de Miguel Hernandez, que abre paso a su seña de identidad, la guitarra que pulula alrededor de una de esas historias de amor tan particular. Con Sucede consigue una de sus canciones más aclamadas del grupo con una letra desgarradora y directa, donde nos retrotrae a las primeras andanzas de Extremoduro y todo gracias a esa gran capacidad vocal de transmitir que tiene Robe Iniesta acentuado en un final apoteósico. So payaso es quizás uno de los grandes himnos del grupo, una canción que ha traspasado fronteras del género, ¿la gran responsable del éxito del disco? Quizás… el hecho de haber rebajado la dureza instrumental sin renunciar a esas letras tan particulares, le abrió otros caminos, pero sin perder la esencia, entregaros a esta poesía tan particular sobre lo que significa estar enamorado la convierte una de las canciones más conocidas del rock español, con eso está todo dicho. Y no nos bajamos del carro del éxito, porque llega, El día de la bestia que apareció en la película del mismo título de Alex de la Iglesia, y es que esas letras del grupo eran ideales para esa película y a fe que es verdad, una auténtica delicia y un trallazo absoluto para todos. Tiempo para Tomas, un tema en el que se hace acompañar de Fito Cabrales y el maestro reverendo, un tema muy simpático y que pone un poco de tregua a mitad de disco.

 

Porque es tiempo de otra de esas joyas imperecerederas, en Sonrisa tan rara! encontramos un duo brutal entre Robe Iniesta y Albert Pla con una letra tan ácida que solo podía salir de la boca de estos dos amigos. Con Cabezabajo rinde un homenaje al género Heavy, porque dentro de este rock tan particular que llevan haciendo hay un espacio para el genero duro por excelencia. En Ábreme el pecho y registra cuenta de nuevo con Ratanera, se trata de un muy buen tema, quizá un poco más intimista, en el que Robe incluye retazos de un poema de Sor Kampana (Antonio Belarte Aliaga). Todos me dicen sigue la línea anterior, porque Extremoduro también es intimismo, quizás un poquito más festiva sobre todo por el comienzo, pero como dice el refrán, no es como comienza sino como termina, y en esta ocasión terminamos entregados a un estilo de funk. Y como si la canción anterior sirviera de transición, es tiempo de sacar la juerga que llevas dentro y disfrutar en plan festivo de Correcaminos estate al loro, donde te puedes reír y sobre todo bailar, para continuar con la punkarra La carrera una canción que compuso en sus inicios con “Dosis Letal”, y acabar versionando un tema de los malagueños Tabletom, Me estoy quitando, el fin de fiesta por flamenco de Plasencia y esa voz lejísimos del flamenco pero que da igual, imposible no pensar en Robe, vestido de traje un tablao flamenco lleno de su “purista” gente dando brincos y sin parar de corear.

 

0075: Chuck Berry - Let it rock

 

Let It Rock, Chuck Berry

     En diciembre de 1959 Chuck Berry tiene que hacer frente a unas acusaciones muy graves. Chuck conoce en Juárez, Texas, a una joven apache llamada Janice Norine Escalanti, quién procedía de Yuma, Arizona y que al parecer había dicho a Berry que tenía 21 años, cuando en realidad tenía 14. Berry le ofreció trabajo de camarera en su club Bandstand, por lo que la llevó a Saint Louis con él. Unas semanas después Janice fue arrestada por ejercer la prostitución en un hotel de la ciudad, hecho que hizo que Berry fuera arrestado por infringir la Ley Mann, una ley que penaba transportar a una menor de edad a través de la frontera del estado para fines inmorales. El guitarrista fue condenado en principio a cinco años  de prisión, pero la sentencia fue apelada debido a los comentarios racistas efectuados por el juez del caso durante el juicio, y finalmente su condena fue rebajada a tres años.

Mientras se encuentra en prisión, su sello discográfico, Chess Records, publica el que supone el cuarto álbum de estudio del artista, Rockin 'at The Hops, un álbum en el que todos los temas que contiene menos cuatro (Down the Road a Piece, Confessin' the blues, Betty Jean y Driftin Blues) ya habían sido lanzados anteriormente como sencillos. 

Incluido en este álbum encontramos uno de esos temas que había sido lanzado con anterioridad, Let It Rock. El tema, como single, alcanza el puesto número 64 en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos, lo que fue aprovechado por Chess Records para incluirlo en el álbum Rockin 'at the Hops. Posteriormente el sello Pye Records lanzaría el sencillo en 1963 en el Reino Unido, donde alcanzaría el puesto número 6 en las listas de ventas de aquel país. 

El tema fue grabado en unas sesiones de Chuck Berry para Chess Records en Chicago, en julio de 1959, y contó con la colaboración de Johnnie Johnson al piano, Willie Dixon al contrabajo y Fred Bellow a la batería. El tema fue compuesto por Chuck Berry, y nos relata la historia contada desde la perspectiva de un trabajador del ferrocarril de Alabama que intenta pasar lo mejor posible la jornada laboral y ganar unos dólares. Al final de la jornada los trabajadores se encuentran jugando a los dados en las vías del tren hasta que son advertidos por el capataz de que se acerca un tren. 

Un país, un artista: Haití - Emeline Michel

Las condiciones actuales de Haití en el mundo no son ideales, una tierra sacudida por múltiples catástrofes, tanto naturales y humanas, donde su población es golpeada una y otra vez, pero aún tiene energías, ganas y valor de poner la música en el foco y regalarnos su música. La encargada en esta ocasión es la llamada "Joni Mitchell de Haití", Emeline Michel que se ha convertido en la reina de la canción haitiana. Sus canciones fusionan a la perfección los ritmos de su nativa Haití con jazz, pop, bossa nova y samba. Añadamos a esa mezcla que nos encontramos ante una intérprete cautivadora, una excepcional bailarina, además de componer y producir su música. Emeline se basa en las raíces y la historia de Haití de muchas maneras. Los ritmos entrelazados del manman tanbou, boula y katabou (tambores haitianos) proporcionan la base para letras originales salpicadas de proverbios haitianos y mensajes positivos.

 

Nacida en 1966 en Gonaives, una ciudad en el norte de Haití, al igual que muchos cantantes antes de su consagración, Emeline Michel solía cantar en el coro de la iglesia de su tío en Gonaives. Tras el golpe de 1986 y la posterior salida del país del dictador represivo Jean-Claude Duvalier, Haití fue testigo de una explosión de producción creativa, particularmente en forma de música tradicional haitiana. Durante este tiempo, Michel se inspiró en artistas pioneros como Boukman Eksperyans, un grupo nominado al Grammy cuyo estilo, conocido como mizik rasin (o “música de raíces”), combina instrumentos vudú con rock n 'roll. En ese momento dejó su ciudad natal para continuar su educación secundaria en Puerto Príncipe, casi inmediatamente después de mudarse a la capital, Emeline Michel fue descubierta y en un par de meses lanzó su primer sencillo, Akai Kao; las melodías pegadizas de la canción la convirtieron en un éxito internacional instantáneo mientras aún estaba en la escuela secundaria. Después de terminar la escuela secundaria, Emeline recibió una beca para estudiar música en el Detroit Jazz Center en los Estados Unidos al ganar un concurso de talentos. Recibió su licenciatura en estudios musicales, luego regresó a Haití como músico profesional y se estableció como una de las mejores artistas de Haití, recorriendo gran parte del Caribe.

Emeline sigue siendo una de las pocas mujeres líderes en la música caribeña. "Al vivir fuera de tu propio país, sientes que has defraudado a tu país, especialmente mientras el país se hunde políticamente. Llevas tanto amor y tantas cosas hermosas de tu país que quieres publicar en el mundo, Todo el mundo sabe que Haití está en problemas", dice. "¡A veces siento que debería estar allí ayudando! Este álbum es mi manera de estar allí. Es mi oportunidad de mostrar un lado positivo de la cultura haitiana". Y es que Emeline ha vivido en Francia y Canadá, aunque actualmente reside en Nueva York, ha realizado giras por los cinco continentes (incluidas apariciones en New Carnegie Hall de York, Naciones Unidas, Ontario Festival Luminato, Festival Internacional de Jazz de Montreal, Festival de Jazz de Nueva Orleans, Diez días en Tasmania Island, Festival Internacional de Arte de Harare e Zimbabwe), y se ha convertido en una de las artistas haitianas más vendidas en todo el mundo. Michel ha utilizado su reconocimiento internacional para llamar la atención sobre problemas sociales como la pobreza, el abuso doméstico y los abusos de los derechos de las mujeres dentro y fuera de su Haití natal. Estos temas aparecen en canciones como "Viejo", la inquietante historia de dos trabajadores de la caña de azúcar haitianos que viven en la República Dominicana, y "Djonnie", una canción que aborda directamente a las víctimas de abuso doméstico con líneas como "Lanmou se lonè, se respè ”: el amor es honor, respeto. Como cantante y activista, Michel ha actuado en el teletón “Hope for Haiti Now: A Global Benefit for Earthquake Relief” de las Naciones Unidas y MTV, y ha hablado en paneles como “Voices from Haití: Artists as Activists” de Brooklyn College. Continúa inspirando a las nuevas generaciones de músicos de la diáspora haitiana y haitiana, así como a artistas y oyentes de todo el mundo.

La discografía de Emeline es bastante amplia, pronto lanzó su primer álbum Douvanjou ka leve (Puede que amanezca) que incluía el éxito "Plezi Mize" (museo de la diversion) escrito por Beethova Obas. Al que le siguió Flanm Cobalt (Llama de cobalto). Pa Gen Manti Nan Sa (No hay mentira en eso) donde destaca “akiko”, uno de los primeros éxitos de Michel en forma de pop caribeño. Temas como "Tankou melodi" (Como melodias) y "Flanm" (Fuego) donde encontramos ritmos muy pegadizos, la establecieron como una de las mejores artistas en Haití y las Antillas francesas (las islas cercanas de Martinica y Guadalupe) y pronto fue aclamada como la "nueva diosa de la música criolla”. En el álbum Rasin Kreyol, encontramos una música arraigada, espiritual, cadenciosa y con la percusión katabou de Haití a destacar los temas “Beni-yo”, otra joya en un ritmo y ritmo similar; “La Karidad”, hermosa melodía y el más dulce de los acompañamientos instrumentales. O la espléndida “Vente signature” de su último disco de estudio Quintessence (Quinta esencia).

0074: The Twist - Chubby Checker

 

The Twist, Chubby Checker

     Quién le iba a decir a Ernest Evans que se iba a convetir en el Rey del Twist con la publicación de un tema que había sido grabado un año antes. En 7dias7notas ya hablamos anteriormente del tema, The Twist, el cual originó y revolucionó el baile del twist.

El 11 de noviembre de 1958 Hank Ballard graba con su grupo, The Midnighters, The Twist con la discográfica Cameo-Parkway records. El tema aparece publicado en 1959. Hank Ballard tuvo la idea del tema al fijarse en como se movía su grupo, The Minighters, en el escenario, pues bailaban como si estuvieran tratando de apagar un cigarrillo. La canción obtuvo un éxito moderado, alcanzando el puesto 28 en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos.

La canción se había hecho popular en un programa de televisión de Baltimore, presentado por Buddy Deane. Éste presentador recomendó la canción al famoso presentador del programa musical American Bandstand, Dirk clark. A Clark, que tenía intereses en varias discográficas (no directos, pues legalmente no le estaba permitido), le encantaba la canción, pero entre que no se fiaba demasiado de Hank Ballard, por su historial de canciones obscenas, y que en ese momento no estaba disponible, decide buscar a alguien con un registro de voz similar al de Hank para interprete el tema en su programa. 

Y aquí entra en acción Ernest Evans, un joven nacido en Spring Gully, Carolina del Sur (Estados Unidos), que había tomado lecciones de piano y que tenía un grupo de armonía que se ganaba la vida en las calles versionando temas de Jerry Lee Lweis, Fats Domino y Elvis Presley. Ernest después de la escuela, se ganaba la vida con diversos trabajos, y uno de ellos era en el mercado de productos agrícolas donde trabaja desplumando pollos. En dicho mercado solía cantar y hacer imitaciones con lo que conseguía divertir y hacer reír a todo el mundo allí. El por entonces jefe de Ernest, Tony A., queda tan impresionado por las actuaciones del joven en el mercado que se pone en contacto con su amigo Kal Mann, quien trabajaba como compositor en Cameo-Parkway Records, y juntos consiguen que Ernest realice una audición para Dirk Clark que está buscando un joven talentoso para grabar The Twist en su programa. Clark quedó impresionado con el chico y lo contrató.

En junio de 1960, bajo el pseudónimo de Chubby Checker (puesto por la mujer de Dirk Clark, es un juego de palabras del nombre del artista Fats Domino), Ernest graba The Twist. Básicamente lo que hacen en esa sesión de grabación es duplicar el tema original para que Chubby lo grabe en la misma tonalidad, consiguiendo que el joven suene como el mismo Hank Ballard. Ese mismo mes Cameo-Parkway Records publica el tema, y un mes después, en julio, Chubby lo interpreta por primera vez en vivo en el Rainbow Club de Wildwood, Nueva Jersey. La canción tiene tanto éxito que el 6 de agosto de 1960 lo está interpretando en vivo en el programa Amercan Bandstand, resultando ser todo un éxito el plan de Dirk Clark.

Como ya comentamos anteriormente, el tema de Chubby es prácticamente un clon de la versión original, incluso Hank Ballard pensó que era el mismo la primera vez que lo escuchó. Este tema originó aquel singular baile, un baile que no requería ninguna habilidad especial, pues podía ser practicado por cualquier tipo de público, desde niños hasta ancianos, y ahí es donde radicaba el secreto del éxito de éste baile. 

The Twist catapultó al éxito a Chubby Checker, pero también le condenó en cierto modo, pues como el mismo reconocería más adelante: "...de alguna manera The Twist realmente arruinó mi vida. Tuve la posibilidad de ser un gran artista de club nocturno y The Twist lo aniquiló. Nadie creyó nunca que realmente tuviera talento." Interiormente pensaba que el tema le había arruinado en parte su reputación y su carrera, pero también le catapultó hasta el éxito, pues fue el único artista discográfico en tener 5 de sus albumes dentro del Top 12 de popularidad al mismo tiempo. Tambien sufrió críticas por cierto sector de crítica y público por haber cambiado de golpe la manera de entender y bailar la música.

La musica en canciones: Canciones reseñadas de 1959

La música es como el amor, bueno, es amor, todos tenemos el nuestro y no a todos nos tiene que gustar lo mismo, esta lista no son las mejores canciones, ni siquiera tus favoritas o nuestras favoritas (bueno eso casi que si), simplemente nuestras elegidas, y a modo de índice os dejamos una lista de todas las canciones de 1959 reseñadas para que puedas conocer mas sobre la canción además de una lista creada en Spotify con todos los temas para escucharlos.

Clickea sobre el titulo de la canción y te llevara al articulo de cada una de las 17 canciones reseñadas de 1959. Disfrútenlas

Come softly to me - The Fleetwoods

Don´t let the sun catch you crying - Ray Charles

How many more years - Howlin Wolf

I got Stripes - Johnny Cash

Mack the Knife - Bobby Darin

Maybellene - Chuck Berry

Money (That's What I Want) - Barrett Strong

My Baby Just Cares for Me - Nina Simone

Ne me quitte pas - Jacques Brel

Oh! Carol - Neil Sedaka

Put Your Head on My Shoulder - Paul Anka

Shout - The Isley Brothers

So what - Miles Davis

Summer place - Percy Faith

That´s all right - Elvis Presley

Venus - Frankie Avalon

What I'd say - Ray Charles

0073: Brenda Lee - I´m sorry

 

Brenda Lee es una verdadera reina de la música country, tras de sí una carrera de más de 60 años, de hecho, está catalogada como la tercera intérprete estadounidense más exitosa de la década de 1960, después Elvis y Ray Charles. Cuenta con 47 canciones que alcanzaron la cima de las listas de éxitos solo en esa década. Su primer éxito fue una canción que escribió y grabó cuando tenía tan solo 15 años; 'I'm Sorry' y alcanzó el número uno en la lista "Billboard Hot 100". Una de las cosas que más llama la atención al escuchar este tema es comprobar la edad en la que fue grabada, es difícil creer que una voz tan poderosa pueda provenir de alguien tan joven, a la edad hay que sumar su figura, con apenas 150 cm y ese chorro de voz que rápidamente te impacta, algo que le valió el apodo de "Little Dynamite" (pequeña dinamita), después de grabar su primera canción, "Dynamite", a la tierna edad de 12 años.

Nacida en Atlanta empezó a mostrar su capacidad vocal con tan sólo 3 años, ganó su primer concurso como cantante a los 5 y a partir de los 7 ya actuaba regularmente en la emisora local. Por esas fechas fue cuando un productor de televisión la presentó por primera vez con su nombre artístico, Brenda Lee. El cantante de country Red Foley la oyó cuando tenía alrededor de 10 años y maravillado con su voz la invitó a participar con él en un popular espacio de televisión. En 1956, ya con 12 años, Brenda fichó por Decca Records grabando su primer sencillo pop, pero "sólo" alcanzó un modesto puesto 43 en las listas estadounidenses. No fue hasta 1960 cuando Brenda consiguió su primer top 10 con un número 4 gracias a Sweet Nothin's, lo que ya hizo que definitivamente se ganará el conocimiento y el favor por parte del gran público. I'm sorry fue grabada a principios del año 1960 pero la discográfica tenía muchas reticencias para publicar la canción por esas cosas del puritanismo estadounidense. Una canción que hablaba de amor no parecía apropiada para una niña de tan sólo 15 años. De esta manera pasaron muchos meses antes de que el sencillo viera la luz y fue bajo la estrategia de montar I'm sorry en la cara B y promocionando principalmente la otra cara titulada That's all you gotta do. Pero, aunque esta brilló con luz propia llegando a un puesto 6, I'm sorry fue definitivamente la que pegó más fuerte consiguiendo el ya mencionado número 1 y desmontando definitivamente los prejuicios de los de de Decca.

"I'm Sorry" es un ejemplo temprano del estilo countrypolitan de Nashville, con sus coros dulces y sus cuerdas suspirantes, el suave drama de ese arreglo sirvió muy bien a la canción, que se ha convertido en un clásico y ha sido versionada por otros cantantes y reconocida alrededor de todo el mundo.

Extremoduro - Pedrá (Mes Extremoduro)

 

Pedrá - Extremoduro

     Cuando en 7dias7notas nos sentamos para hablar del artista al que ibamos a dedicar el mes de marzo, y una vez decidido éste, Extremoduro, nuestro querido Nevermind, experto en lo que a Extremoduro y Robe se refiere y autor del reparto de turno, tuvo muy claro que Pedrá debía de formar parte del material seleccionado, y que debía ser yo quien lo reseñara, pues consideraba que me iba como un guante, y no se equivocaba...

Durante la grabación de Deltoya y durante los conciertos que Robe y Extremoduro dan por todo el país, el artista extremeño había fijado su residencia en Madrid. Será a comienzos de 1993, tras un concierto dado en Barcelona, cuando Robe decida instalarse en el municipio barcelonés de Rubí. Es en tierras catalanas donde decide crear un proyecto paralelo a Extremoduro, llamado Q3, el cual queda formado por el propio Robe, Eugenio Ortíz "Uge" (guitarra), Ramón sogas "Mon" (bajo) y Jorge Pérez "el Moja" (batería). La intención de Robe no era ni mucho menos dejar de la lado Extremoduro, pero si era cierto que por aquel entonces la banda no pasaba por su mejor momento y la separación geográfica no ayudaba precisamente. Q3 era una forma para Robe de mantenerse en forma ensayando de forma regular y dando conciertos por la zona de Cataluña, también le servía para experimentar con otros sonidos y texturas. 

Durante esta etapa el batería Luis "Von Fanta" y el bajista Carlos "El sucio" deciden bajarse del carro de Extremoduro, la distancia pudo más que las ganas. Mientras, Robe seguía componiendo y tenía ya material de sobra para entrar al estudio a grabar, por lo que propone a la discográfica DRO hacer un álbum en solitario, pero la compañía lo que quería era sacar una recopilación de temas antiguos remezclados, y no es que a Robe no le apeteciera aquello también, simplemente lo que la compañía le ofreció no le cuadro en absoluto y acabó desechándolo.

Una vez desechada la idea de hacer algo paralelo, Robe decide centrar sus esfuerzos en grabar un disco nuevo con Extremoduro, pues material tiene de sobra. Ahora tenía que centrar sus esfuerzos en recomponer la banda tras la marcha de Von Fanta y el Sucio, y que mejor manera de hacerlo que fichando a Moja (batería) y Mon (bajo), con los que haabía estado tocando en Q3. A esta formación se les acaba uniendo Miguel Ferreras, quien se ocupa del bajo de cinco cuerdas, algo que para Robe no presentaba en absoluto un problema, el tener dos bajistas. 

Y nos plantamos en mayo de 1993, justo después de un concierto donde Extremoduro compartía escenario con Reincidentes (ambas bandas llevaban un año aproximadamente compartiendo escenario en una especie de gira discontínua), cuando el saxofonista de Reincidentes José Luís Nieto "Selu", le propone a Robe llevar a cabo una curiosa propuesta, un álbum de un único tema, un disco conceptual, algo que para la época y en un país como España iba a resultar rompedor, y Robe, culo inquieto, se siente atraído de inmediato por aquella propuesta.

Ahora había que definir la formación de la banda Pedrá, que así se iba a llamar. Dicha formación quedaría compuesta por Selu (saxo), Robe (guitarras, voz), Iñaki "Uoho" Antón de Platero y Tú (guitarra, percusión, teclados, trombón), Diego Garay de Quemando Ruedas (bajo) y Gari de Quattro Clavos (batería). El álbum, de título homónimo, constaba de una única composición de casi 30 minutos concebida por Robe, el padre de la criatura. Pedrá es grabado en los estudios Lorentzo Records de Berritz, Vizcaya, en agosto de 1993, y el resultado es una obra fuera de lo común, un único tema de carácter experimental repleto de matices, con multitud de cambios de ritmo, y donde se entremezclan con maestría sonido como rock duro, flamenco, jazz y hasta otras músicas como el cabaret. Es Pedrá un disco que hay que escuchar muchas veces para captar la infinidad de matices y sonidos que esconde y que iremos descubriendo cuanto más lo escuchemos. El tema contiene una letra brillante, con un Robe que durante casi media hora vuelve a hacernos partícipes de  obsesiones que le atrapan, como el amor y la guerra, nos hará sentir un cúmulo de sensaciones opuestas como si de una montaña rusa se tratase y nos deja claro que es él el auténtico rey del rock trangresivo. Es por tanto Pedrá una auténtica joya, una única canción que, como si de una madre se tratase, contiene dentro de sí otros muchos retoños en forma de canciones. 

Una vez grabado Pedrá, al grupo se le planteó otro problema, qué discográfica les publicaría aquel proyecto tan rompedor para la época, de hecho no se publicaría hasta pasados casi dos años de su grabación. La arriesgada propuesta no encontró discográfica alguna que quisiera publicarla, bueno una sí, DRO, la discográfica con la que Extremoduro tenía contrato. DRO puso una condición para la publicación del álbum, tenía que ser como un trabajo de Extremoduro, por lo que Robe, Uoho, Selu, Gary y Dieguillo tenían que renunciar a llamarse Pedrá si querían ver publicado el disco. El 17 de febrero de 1995 se publicaba bajo el sello discográfico DRO, Pedrá, considerado como el quinto álbum de estudio de Extremoduro, aunque esto no era del todo cierto, y Robe, Uoho, Selu, Gary y Dieguillo, los padres de la criatura y componentes del "semi vetado" proyecto de Pedrá, lo sabían.

0072: Only the lonely - Roy Orbison

Only the lonely fue uno de los primeros éxitos del cantante estadounidense Roy Orbison, y en ella encontramos todas las características que distinguieron a este artista, prolífico en la creación de sentidas y a la vez oscuras canciones sobre amores perdidos, afectadas por el derroche de una voz privilegiada que llegaba a las tres octavas, con la que abanderó una forma de cantar tan peculiar como apasionada, con registros e inflexiones que rozaban lo operístico, y que le hicieron ganarse el sobrenombre de "El Caruso del rock".

Los problemas oculares que padeció desde la infancia (que explican sus omnipresentes y míticas gafas) no impidieron que Orbison viera claramente el camino que quería seguir en su vida. Ya desde la escuela secundaria, comenzó a cantar en una banda de música country y rockabilly. Poco después, en 1956, firmaría con Sun Records, pero no saborearía las mieles del éxito hasta su etapa en Monument Records, con la que en 1960 lanzó el sencillo de Only the lonely ("Sólo los solitarios"), escrita por el propio Orbison y Joe Melson. La canción combinaba esquemas del rock and roll y el doo-wop, pero que al contrario que la mayoría de canciones de la época, se alejaba del optimismo y la ligereza de ambos estilos, creando un sonido oscuro y melodramático que resultó absolutamente pionero en el mundo de tipos duros (y tupés engrasados) que imperaba en aquellos tiempos.

Además de los efectivos coros doo-wop, que el ingeniero de sonido dejó en un primer plano, Orbison incluyó una sección de cuerdas, y utilizó el falsete para que su voz sonara aún más poderosa. La sección rítmica quedó de fondo, en un leve segundo plano, y dándole a la canción un sonido muy particular y característico, que Orbison replicaría en muchas canciones a lo largo de su carrera, convirtiéndolo en su marca y estilo personales. Dicen que el mismísimo Elvis Presley, al escuchar Only the lonely, encargó una caja de sencillos de la canción para regalárselos a sus amigos. Y debía de tener muchos amigos, porque la canción llegó al nº 2 en Estados Unidos y al nº1 en el Reino Unido, lugares de privilegio a los que suelen llegar "sólo los solitarios" como Roy Orbison, para emocionarnos desde lo más alto con la infinita sensibilidad de sus historias de desamor y soledad.

La música en el cine: Big Empty (Stone Temple Pilots) - El cuervo

 

Big Empty, Stone Tempple Pilots

     En 1994 se estrenaba la película estadounidense El Cuervo. La película se basó en una sere de comics llamados también El cuervo, personaje creado por James O'Barr. Para su estreno en la gran pantalla, la película fue adaptada por David J. Schow y John Shirley, y dirigida por Alex Proyas. 

La película fue protagonizada por Brandon Lee, Ernie Hudson y Rochelle Davis entre otros, y alcanzó bastante notoriedad antes incluso de su estreno debido a que durante el rodaje, el protagonista Brandon Lee murió tras ser tiroteado en una escena de la película por accidente a manos de uno de los actores secundarios, Michael Massee. Se pensó en abandonar el proyecto al suceder tan fatal accidente, pero al final se decidió seguir adelante utiliando un doble, escenas oscurecidas y retoques por ordenador. De ahí la dedicatora final de la película: "Para Brandon y Elisa".

Incluido en la banda sonora de la película podemos escuchar Big Empty, canción de Stone Temple Pilots, que fue publicado como sencillo en mayo de 1994 por Atlantic Records, para promocionar la película El cuervo, en cuya banda sonora aparecía. Posteriormente sería incluida en su segundo álbum de estudio, titulado Purple, y publicado en junio de 1994 también por Atlantic Records.

Musicalmente, Big Empty fue compuesta utilizando un formato similar a otro sencillo del grupo, Creep, comenzando con un verso acústico lento y suave que daba paso a un fuerte coro con un riff de guitarra distorsionada. En cuanto a la temática de la canción, el cantante Scott Weiland presentaba una serie de imágenes que formaban un historia donde aparecían un coche, un cigarrillo y una conversación. Sobre esto, su autor, el propio Scott Weiland, afirmaba que al igual que muchas de sus letras, este tema fue compuesto a partir de varias imagenes que le habían venido a la mente, y que era labor del oyente juntar las imágenes e interpretarlas.

Driving faster in my car

Falling farther from just what we are

Smoke a cigarette and lie some more

These conversations kill

Falling faster in my car

Time to take her home,

Her dizzy head is conscience laden

Time to take a ride it leaves today

No conversation

Time to take her home her dizzy head is

Conscience laden

Time to wait too long, to wait too long

To wait too long

Too much walking shoes worn thin

Too much trippin' and my soul's worn thin

Time to catch her ride it leaves today

Her name is what it means

Too much walking shoe worn thin

Time to take her home

Her dizzy head is conscience laden

Time to take a ride it leaves today

No conversation

Time to take her home her dizzy head is

Conscience laden

Time to wait too long, to wait too long

To wait too long

Conversations kill

Conversations kill

Conversations kill

Time to take her home,

Her dizzy head is conscience laden

Time to take a ride it leaves today

No conversation

Time to take her home her dizzy head is

Conscience laden

Time to wait too long, to wait too long

To wait too long

Conversations kill

Conversations kill

Conversations kill

0071: (What a) Wonderful World - Sam Cooke

 

Wonderful World, Sam Cooke

     En 1960 se publica el temazo Wonderfoul World, de la mano de uno de los padres del soul, Sam Cooke, tema que nada tiene que ver y no debemos confundir con el temazo de Louis Armstrong.

El tema es escrito por el famoso mánager, compositor y productor discográfico Lou Adler y el cantante y trompetista Herb Alpert, y los arreglos musicales corren a cargo del compositor, pianista, arreglista, director de orquesta y productor Belford Hendricks. La canción en un principio trata de como ni la educación ni el conocimiento pueden dictar los sentimientos, y de como el amor puede vencerlo todo y hacer del mundo un lugar maravilloso. Sin embargo Sam Cooke que quiere orientar la canción hacia el tema de la escolarización, decide revisarla y retocar la letra. 

El tema aparece acreditado al trío Adler, Alpert y Cooke bajo el pseudónimo Barbara Campbell (así se llamaba su segunda esposa de Cooke), y es grabado en una sesión de grabación el 2 de marzo de 1959 en los estudios Radio Recorders de Los Ángeles, y publicado por el sello discográfico Keen Records. Éste tema es grabado por Sam Cooke poco antes de abandonar dicho sello discográfico por una disputa por los derechos de autor surgidos en 1959. Sam cooke ya había fichado por RCA Records cuando Keen Records lanzó en abril de 1960 el sencillo Wonderful World al poseer los derechos de autor del tema. El tema fue uno de los 29 sencillos de cooke que a lo largo de su carrera alcanzaron el top 40 en las listas de éxitos estadounidenses, alcanzando el puesto número 2 en la lista Billboard R&B de Estados Unidos, el número 12 en la lista Billboard Hot 100 también de Estados Unidos, y el puesto número 27 en las listas de sencillos del Reino Unido. 

El disco de la semana 216 - Black Pumas - Black Pumas

 

El puma es un mamífero carnívoro nativo de América, que a pesar de su gran tamaño, está más emparentado con los pequeños felinos ya que, a diferencia de los grandes felinos, no puede rugir, ya que carecen de la laringe especializada de otros felinos. Algo así le ocurría al guitarrista y productor Adrián Quesada, que tras una exitosa etapa a bordo de la banda de funk latino Grupo Fantasma, con la que ganó el Grammy al mejor álbum de rock alternativo latino por el disco "El Existencial" en 2010, en 2017 andaba buscando una nueva colaboración que le proporcionara una voz a la altura de las pistas de retro-funk y R&B en las que había estado trabajando.

La empresa era complicada, ya que los avistamientos de pumas son más bien raros, pues se trata de un felino solitario y crepuscular, que normalmente evita el contacto con las personas. Sin embargo, ​y a través de un amigo en común, Quesada entró en 2018 en contacto con Eric Burton, cantante y compositor que, tras un tiempo cantando y tocando música en las calles y el muelle de Santa Mónica (California), realizó una peregrinación por el Oeste de Estados Unidos, hasta establecerse en Austin, Texas. Los pumas no rugen, pero sus gritos y ronroneos son muy característicos, como lo es la voz de Eric Burton, que encajaba perfectamente con los esbozos de canciones de Quesada. Acababan de nacer los Black Pumas, y con ellos los primeros sencillos de la banda, Black Moon Rising y Fire. Ambos temas fueron después parte de lo que sería su primer y, de momento, único álbum de estudio.

El álbum  Black Pumas (2019) abre precisamente con Black Moon Rising, dónde Burton despliega todos los matices de su voz, falsetes incluidos, mientras Quesada construye alrededor de ella un manto sonoro de de ritmos sincopados e influencias retro-soul que recuerdan a bandas sonoras de películas de los 60 y 70. Como buen depredador, el puma busca cazar una amplia variedad de presas, y éstos dos pumas no se conforman con los dos sencillos anteriores. En el segundo tema del disco, desnudan su sonido en la gospeliana Colors, el siguiente sencillo de la banda, con un efectivo ritmo de guitarra acústica y piano acompañando a las excelencias vocales de Burton. La fe de que Black Pumas enfilaban ya la senda del éxito la dan los más de 63 millones de visitas del vídeo de esta canción en Youtube.

Know you better es soul sureño de muchos quilates, un tema con reminiscencias a Marvin Gaye o Al Green, y ritmo de teclado a lo Black Keys, que explota rotundo en el estribillo. Otro certero ataque de puma, una más de las eléctricas chispas que anteceden al fuego de Fire, una de esas canciones que queman con solo escucharlas y a las que ya no puedes después resistirte. Tiene el regusto clásico en la interpretación y la música, y suena al mismo tiempo moderna y rompedora, como el graffiti de la portada del disco, que en el vídeo promocional de esta canción vemos pintar a cámara rápida sobre una pared negra.

El pelaje del puma es generalmente dorado, pero también puede ser de color gris plateado o rojizo. Los Black Pumas también cambian la paleta de colores de su variado pelaje, poniéndose más melódicos en temas como Oct 33, con esos arreglos de viento que tan bien sientan a los buenos temas soul, o en Stay Gold, dónde a Burton le acompañan unos coros muy del estilo Motown y la sempiterna distorsión de guitarra retro con la que aderezan la mayor parte de los temas. Y aunque realmente no se haya documentado nunca la existencia de "pumas negros" como los del título del álbum, y sea ese un color más asociado a las panteras, en Old man su música suena negra e intensa, y nos traslada a otras décadas prodigiosas a la misma velocidad que el Delorean de Marty Mcfly.

Los pumas pueden dar grandes saltos, gracias a sus fuertes patas traseras. Confines es otro salto en la calidad vocal de Burton, más cercano aquí a los registros de un Smokey Robinson, jugando con el falsete mientras la música juega con el oyente, envolviéndole en la experiencia de la escucha. Quizá no puedan saltar tan alto como para tocar el cielo (Touch the Sky) pero sí para mantener el listón de la calidad del disco constante y equilibrado sin derribarlo en ningún momento. Como expertos escaladores, saben que no hay nada como una sección de vientos para darle a un tema la bocanada de aire extra para no desfallecer y alcanzar la cima.

Y una vez en ella, toca descansar sentados sobre una roca y contemplar satisfechos las vistas panorámicas. Es tiempo para dulces conversaciones (Sweet Conversations), apenas una letanía ambiental con un suave ritmo de guitarra de fondo. Un tema que se entiende desde la perspectiva de la calma del final, de querer cerrar el disco desde la sencillez y la bruma que acompaña al descenso de la montaña, pero que al escuchar los temas que quedaron fuera del disco, rescatados para la versión deluxe, no se entiende que ocupe el lugar que podrían haber ocupado temas tan rotundos como I'm Ready, Black Cat o las brillantes versiones del Fast Car de Tracy Chapman o del Eleanor Rigby de los Beatles, zarpazos de puma mucho más efectivos y que habrían sumado aún más fuerza a su inesperado y felino ataque.

0070: Elvis - The girl of my best friend

 

¡Elvis Is Back!

     ¡Elvis ha vuelto!, así se titulaba el cuarto álbum de estudio de Elvis Presley, ¡Elvis Is Back!, lo cual era cierto, pues desde 1957 con la publicación de su tercer disco de estudio, Elvis' Christmas Album, en 1957, no había vuelto a saberse nada de él. El motivo: sus compromisos con el servicio militar prestados en Alemania.

¡Elvis Is Back! es grabado en el RCA Studio B, de Nashville, Tennessee, entre los meses de marzo y abril de 1960, y publicado el 8 de abril de ese mismo año bajo el sello RCA Victor. Era el nuevo material que veía la luz desde que Elvis interrumpiera su carrera discográfica para cumplir con sus obligaciones con el servicio militar de Estados Unidos. Este disco fue el primero de Elvis en ser grabado y publicado en formato de sonido estereofónico. Para la grabación de este nuevo material Elvis cuenta  con la colaboración de su guitarrista de confianza Scotty Moore, su habitual baterista DJ Fontana, el pianista Floyd Cramer, el guitarrista Hank Garland, el bajista Bobby Moore, el percusionista Buddy Harman, y el cuarteto vocal The Jordanaires. 

Este disco representaba un nuevo sonido al que Elvis nos tenía acostumbrados, acercándose más si cabe a la música pop, aunque en este trabajo están presentes además otros sonidos como el rock, el rythm and blues y las baladas. A pesar del fuerte empeño de la discográfica el disco resulto ser un fracaso comercial, llegando apenas a unas 300.000 copias vendidas en Estado Unidos. 

Incluido en este disco podemos encontrar el tema The Girl Of My Best Friend, tema que había sido escrito y compuesto por Sam Bobrick y Beverly Ross, y grabado y publicado por primera vez por Charlie Blackwell en 1959. Sería la grabación de Elvis Presley en 1960 la que da impulso y populariza el tema.

Elvis, en The Girl Of My Best Friend, acompañado de los coros doo-wop de The Jordanaires, nos relata como se encuentra loca y perdidamente enamorado de la chica de su mejor amigo, y aunque le gustaría que ella supiera lo que él siente por ella, tiene miedo a decírselo por temor aque ella se sienta ofendida, y tampoco quiere hacer daño a su amigo. Decide esperar a que su maltrecho corazón se recupere algún día, y a conocer a su propio amor, una chica con las mismas características y atributos que la novia de su mejor amigo.

Canciones que nos emocionan: Dust in the Wind - Kansas

 

Dust in the Wind, Kansas

     La banda Kansas, integrada por Steve Walsh, Kerry Livgren, Robby Steinhardt, Rich Williams, Dave Hope y Phil Ehart, graban el que supondrá su quinto álbum de estudio, Point of Know Return, entre los Studio in the Country, de Bogalusa, Louisiana, en junio de 1977, y los Woodland Studios, de Nashville, Tennessee, en julio de 1977. El disco es publicado el 11 de octubre de 1977 y se convertiría en el álbum más extoso de la banda hasta el momento, llegando al puesto número 4 de las listas de ventas en Estados Unidos, y vendiendo alrededor de 4 millones de copias en el país norteamericano.

El disco estuvo a punto de no ser acabado, pues Steve Walsh tuvo problemas con los demás miembros de la banda durante las sesiones de grabación. Unas sesiones que abandonó, ya que en un impulso de delirios de grandeza se llegó a sentir atraído por la posibilidad de iniciar una carrera en solitario. Tres días después regresó y el grupo pudo continuar con las sesiones de grabación con normalidad.

Incluido en el disco se encuentra otro de esos temas que a mí tanto me emocionan, Dust in the Wind, compuesto por Kerry Livgren. Kerry se inspiró para escribir la letra en un libro que había leído de poesía nativa americana, y una de las frases que llamó su atención fue "For wall we are dust in the wind / Porque todo lo que somos es polvo en el viento", de la cual salió el título de la canción. Aquella frase era un referencia bíblica parafraseando a Eclesiastés, quien reflexionaba sobre la mortalidad y la inevitabilidad de la muerte. Esto hizo pensar a Kerry en el verdadero valor de las cosas materiales y el significado del éxito. En aquellos momentos las cosas marchaban muy bien para Kansas, y Kerry se dió cuenta de que al final, por muchas cosas y logros que consiguiera, moriría como todos lo demás. 

El tema se gestó mientras Kerry Livgren se encontraba realizando ejercicios de guitarra acústica. Mientras estaba realizando los ejercicios, su mujer Vicci escuchó lo que hacía y le animó a poner letra a aquello, pues le gustó aquello que su marido estaba tocando. Kansas tenía prácticamente grabado el material que compondría Point of Know Return a falta de algunos flecos, y el productor del disco, Jeff Glixman preguntó si tenían más canciones, momento en el cual Kerry enseñó la canción a sus compañeros de banda, consciente de que muy probablemente no les iba a gustar, pues el tema suponía una desviación de lo que era el estilo característico de la banda. No podía estar más equivocado, a sus compañeros les encantó Dust in the Wind, y el tema fue grabado, y no sólo eso, pues con el tiempo el tema se convertiría en el mayor éxito de la banda.

I close my eyes

Only for a moment, and the moment's gone

All my dreams

Pass before my eyes, a curiosity

Dust in the wind

All they are is dust in the wind

Same old song

Just a drop of water in an endless sea

All we do

Crumbles to the ground, though we refuse to see

Dust in the wind

All we are is dust in the wind

Oh

Now, don't hang on

Nothin' lasts forever but the earth and sky

It slips away

And all your money won't another minute buy

Dust in the wind

All we are is dust in the wind

(All we are is dust in the wind)

Dust in the wind

(Everything is dust in the wind)

Everything is dust in the wind

The wind

0069: Percy Faith - A summer place

 

Pensamos que en el mundo del cine también hay infinidad de melodías y canciones (unas con mas rock que otras) realmente buenas, por eso poco a poco intentaremos meter temas que tengan relación con el mundo del séptimo arte. Para empezar nada mejor que esta A summer place, una pieza musical que suena tan atemporal que es difícil creer que fuera escrita en 1959. A todo eso le sumamos que pasó 9 semanas consecutivas en el número 1 del billboard siendo un tema completamente instrumental y tenemos la excusa perfecta para meternos en ella.

 

 “A Summer Place”, pertenece a la banda sonora de la película del mismo título y que en España se conoció como “En una isla tranquila al sol” y el responsable de la misma es Percy Faith, un aclamado arreglista y director de orquesta canadiense, es posiblemente la más conocida de cuantas se hicieron tras el estreno de la película, sus padres lo empujaron a tomar clases del violín y el piano, instrumentos que le habían labrado un nombre dentro del mundo de la música clásica, pero sus manos se quemaron gravemente en un incendio y derivo su carrera a la dirección, y su orquesta se convirtió en un elemento básico en la radio CBC durante la década de 1930. Pronto el cine puso sus ojos sobre él y recibió una oferta para componer la música de la siguiente película de los rompecorazones Troy Donahue y Sandra Dee. Al final puso su granito de arena pero ni siquiera fue el tema principal de la película que resultó ser un gran éxito entre los adolescentes de todo Estados Unidos, que acudían en masa a los cines para babear por la escandalosa aventura romántica de sus ídolos, y esa fue la chispa que desencadeno la gran demanda de la banda sonora y que fuera uno de los discos más vendidos de aquel año, que aunque ya estábamos en plena explosión del rock and roll y nuevos subestilos como el Twist, el Doo Wap lo cierto es que esta melodía caló entre el público no solo Americano ya que en Europa también fue un gran éxito.

Extremoduro - Dónde Están Mis Amigos (Mes Extremoduro)

 

Dónde están mis amigos, Extremoduro

Una vez acabada la aventura de la grabación del proyecto Pedrá en Vizcaya, Robe regresa a su residencia barcelonesa en Rubí con la intención de poner en marcha el cuarto álbum de Extremoduro. Nos encontramos en agosto de 1993, y Robe ya tiene el material que conformará el disco, sólo hay que grabarlo y testar el producto con algunas actuaciones en vivo. En medio de todo esto, el guitarrista Salo, al igual que ya hicieran antes el baterista Luis Von Fanta y el bajista Carlos El sucio, decide apearse del barco. Robe, lejos de desanimarse, decide tirar del único conocido del antiguo proyecto Q3 que todavía no se ha sumado a la banda, Eugenio "Uge", y la banda queda conformada por el propio Robe, por Uge a la guitarra, Jorge "El Moja" y Miguel Ferreras al bajo, y Ramón "Mon" Sogas a la batería.

Esta nueva etapa de Extremoduro será conocida como la "Era del caos", una época donde el desmadre y el desparrame se apropian de una banda que cuando se sube al escenario nunca se sabe que puede pasar, para bien o para mal. La formación se dirige destino a Madrid para grabar los temas que formarán parte de este cuarto álbum de estudio, Dónde están mis amigos, título que está sacado de un fragmento de una de las canciones que lo integran, Pepe Botika, a la postre una de las canciones que se han convertido en uno de los himnos de la banda por derecho propio. 

Dicho material es grabado en los ya extintos estudios Box de Madrid, y cuenta con la producción de Ventura Rico y de Extremoduro. El disco se publica el 17 de septiembre de 1993 bajo el sello discográfico DRO. Robe sabe que el material que compone este disco es de mucho nivel, y por primera vez el grupo abre las puertas de la producción a un profesional ajeno a la banda, Ventura Rico. Quiere que el producto final sea de la calidad que se merece, y así lo fue. El disco contó además con la colaboración de gente como Selu de Reincidentes, que tocó el saxo en varios temas, de Fernando Madina, también de Reincidentes, Iñaki "Uoho" Antón de Platero y Tú y su guitarra, o de Belén Pérez a los coros.

 

De la portada, en la cual se ve a un hombre tras unos barrotes, privado de libertad, se ocupó el ilustrador Cachotio, y de la contraportada, un fotomontaje que muestra a una parte de los asistentes a un concierto de Extremoduro, y a un Robe con la barba muy poblada, se ocupó María Arqore. En el interior, en una carpeta, se incluía una nota sobre Salo, que se bajó del proyecto cuando ya estaba en marcha, y reza: "No ha estado presente, tampoco ausente, sino más bien, disperso entre el ambiente".

El disco contiene once temas donde Robe da rienda suelta y saca a relucir fuertes sentimientos como el desarraigo, el desapego y el sentimiento de soledad, sufridos por el extremeño en una época difícil para el artista. A lo largo de los temas del disco, Robe nos ira haciendo partícipes de todos esos sentimientos. Un álbum con temazos como El duende del parque, un canto a la libertad y la vida errante que lleva por aquel entonces; No me calientes que me hundo, que cuenta con la colaboración de Fernando Madina y Selu, de Reincidentes, y donde nos relata como de la alegría se pasa a la tristeza, y luego a la resignación y al hastío por tener que volver a empezar de nuevo; El ya imperecedero himno de Pepe Botika (¿Dónde están mis amigos?), que cuenta con la colaboración de Fernando Madina otra vez y de Belén Pérez en los coros, y donde Robe se cuestiona las penas de cárcel por tráfico de drogas y manda ánimos a todos esos amigos que están en el talego; Bribriblibli, otro de los grandes clásicos de la banda, donde Belén se vuelve a encargar de los coros; y Los tengo todos, donde cuenta con la colaboración de Iñaki "Uoho Antón, que más adelante se convertiría en miembro de la banda. Un tema donde la terrorífica voz de Robe y la vertiginosa guitarra de Uoho dan al tema un empaque brutal. 

Dónde están mis amigos es un trabajo que a pesar de ver la  luz en una época difícil para Robe Iniesta y la banda, rebosaba calidad por todos los lados, contenía canciones emblemáticas, y confirmaba que Extremoduro se estaba convertido en una de las bandas más importantes del panorama nacional, y eso que lo mejor estaba por llegar...