Resultados canciones favoritas extranjeras de 1974.

Un año de una calidad extrema este que se nos presenta en 1974, donde multitud de grupos y cantantes sacan a relucir toda su creatividad y en el mundo de la música no dejan de bullir nuevos talento e ideas para sumar y nunca restar. Ante toda la magnitud del talento sobresale David Bowie que ha colocado 3 temas en el TOP 10, pero como veremos a continuación la nómina de artistas es variopinta y sobresaliente

10.- Barry White - You Are The First, My Last, My Everything. Empezamos con Barry White, al artista nacido en Texas pero que desarrollo su carrera en Los Angeles. Encarcelado de adolescente descubrió a Elvis Presley y tuvo la convicción de que quería dedicarse a la música, aunque si estilo esta bastante alejado del de Elvis. Tras su paso por varios grupos, en 1973 inició su carrera en solitario y basto un solo año para editar esta magnífica pieza que en un principio fue escrita 20 años como una pieza Country pero que Barry White le dio su toque personal y genuino convirtiéndola en un éxito absoluto en las discotecas.

9.- Leonard Cohen - Chelsea Hotel nº2. El poeta de la ciudad, el Canadiense que emigro a Estados Unidos seguro de su potencial como escritor, se encontró realizando una música que era idolatrada en aquellos años 70, quiso idolatrar con este tema a las mujeres en general, con la particularidad de que esta dedicada a Janis Joplin a la que conoció y con la que tuvo un breve romance precisamente en el hotel que hace referencia el título. Ojo a esta frase demoledora que podemos escuchar en la canción… "Te arreglaste, dijiste: 'Bueno, no importa. Somos feos, pero tenemos la música'". La cancion es otra de las grandes baladas que se marca Cohen, recitando su texto de amor con una leve guitarra gira a su alrededor.

8.-Queen - Killer Queen. El grupo ya se había hecho un hueco en el panorama musical británico, empezaban a ser venerados y su tercer álbum iba a ser el del despegue final y como cancion de presentación esta Reina asesina, que no deja de ser en palabras del propio Mercury todo aquel que se cree clase alta que mira por encima del hombro a los demás y que al final no dejan de ser una prostituta asesina con el resto de la gente. Esta cancion esta catalogada como la que provoco el giro absoluto y acertado de Queen en su estilo musical, habían pasado de ser una banda de rock duro a hacer algo cargado pero de otro estilo. Personalmente me parece uno de los temas mas teatrales de la banda, con ese cambio en el registro vocal de Mercury.

7.- Aerosmith - Train kept a rolling. A pesar de que Steve Tyler llevaba dando bandazos en el mundo de la musica varios años, la banda se formo 2 años antes, y a principios de 1973 editaron un álbum producido y grabado de manera precipitada que no tuvo casi eco en el mundo musical, a pesar de que tuvo una gran recpecion critica. Para su segundo álbum tenían que preparar algo mejor y contaron con la colaboración de Jack Douglas que les ayudo a redefinir ese sonido tan característico del grupo. El álbum incluia esta versión de la cancion original del grupo británico The Yardbirds y que convierten a su sonido resultando una de las canciones más representativas de Aerosmith. Un buen tema.

6.- David Bowie - Rock and roll suicide. Los primeros versos de la canción están inspirados en un poema de Manuel Machado, cuyo primer verso es «La vida es un cigarrillo...». Perteneciente al álbum de 1972 titulado The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, el gran éxito del álbum provoco que se sacaron multiples del álbum llegando a sonar este tema en 1974, donde tuvo su carrera popular. Concebida en términos de chanson Francesa. Una cancion muy estimada por el autor ya que según él pudo jugar con distintos estilos musicales. La cancion es de una grandiosa intensidad a medida que va sonando, otra gran obra de Bowie

5.- Bob Dylan - Forever Young. Incluida en el álbum Planet Waves un disco grabado con The band, el grupo que había acompañado durante los primeros años a Bob Dylan cuando el estilo del cantautor se tornó en eléctrico, eran los últimos años de The Band y Bob Dylan recirrio de nuevo a ellos y creo esta cancion sobre la paternidad convirtiéndose en uno de los buques insignia del cantante y versioneada posteriormente por muchos artistas como Joan Baez (1976), Diana Ross (1984), The Pretenders (1994), o Meat Loaf (2003). Chrissie Hynde de The Pretenders dijo sobre la canción: "Tiene una letra tan hermosa. Me encanta. Es el orgullo de nuestra generación. La canción es genial".

4.- Bad Company - Can´t get enought. Estamos ante la canción que más alto a llegado del grupo y ese merito se multiplica cuando esta incluida en su primer álbum, que lleva el mismo titulo que el grupo. La cancion es una buena muestra de lo que podía dar de si el sonido del grupo, el tema fue escrito por el guitarrista Mick Ralphs, quien no se daba saciado con el amor/sexo que le ofrecía su pareja. Curiosamente Mick ya había escrito el tema cuando se encontraba en su anterior grupo Mott The Hoople, pero éste fue rechazado bien por el grupo o la discográfica, cuando lo mostró a su nueva banda, a Paul Rodgers y compañía le encantó y la grabaron. Este tema fue grabado en el famoso Ronnie Lane Mobile Studio (LMS), que fue uno de los primeros estudios de grabación sobre ruedas que hubo.

3.- David Bowie - Diamond Dog. El octavo álbum de David Bowie fue lanzado en este año, justo detrás de su exitoso The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, la portada del álbum era una pintura de Bowie como mitad hombre, mitad perro. Esta canción nos presenta al personaje posterior a Ziggy Stardust, Halloween Jack, un gato realmente genial que vive en la cima de un rascacielos abandonado de Manhattan en una ciudad post-apocaliptica. Una cancion muy influenciada por las guitarras de The Rolling Stones. Es una cancion bastante complicada y un sonido bastante alejado de lo que nos tenia acostumbrado Bowie, de hecho, el tema pasó prácticamente desapercibido, fue pasado el tiempo cuando la cancion tomo la fama y el aprecio del que ahora tiene.

2.- Lynyrd Skynyrd.- Sweet home Alabama. Estamos sin duda ante una de las canciones del grupo y uno de los temas que mejor representan el rock sureño que esta banda tan bien ha sabido crear a lo largo de los años. La banda de Florida, escribió este tema, sobre sus impresiones de Alabama y como un homenaje a los músicos de estudio en Muscle Shoals Sound Studios , donde grabaron desde 1970 hasta 1972, también fue como respuesta a dos composiciones de Neil Young: "Southern Man" y "Alabama", las cuales incluyen los temas del racismo y la esclavitud en el sur de los Estados Unidos, donde le contestaban al señor Young que en Alabama también había cosas buenas. De hecho, Neil Youg y Los chicos de Lynyrd Skynyrd acabaron haciéndose amigos y llegaron a compartir escenario. Estamos ante un himno al que en clave local la banda Siniestro Total realizó una versión dedicada a Galicia, Miña terra galega.

1.- David Bowie.- Rebel Rebel. Incluida en el álbum Diamond Dogs, esta cancion trata sobre un niño que se rebela contra sus padres usando maquillaje y ropa de mujer pegajosa. Fue una canción definitoria de la era "Glam Rock". Caracterizado por la ropa femenina y los espectáculos de teatro escandalosos, Glam era grande en Inglaterra a principios de los años 70. Bowie tuvo el mayor éxito de los glam rockeros.

El disco de la semana 165: Izzy Stradlin and the Ju Ju Hounds - Izzy Stradlin and the Ju Ju Hounds

Dicen que no hay nada cómo unas cuántas cañas entre amigos para tomar decisiones arriesgadas. En algún momento de la cuarta o quinta caña, alguno de ellos dirá aquello de: "A que no hay bemoles a hacer esto", golpeando la barra del bar con el vaso. Inevitablemente, alguno del resto acabará recogiendo ese guante, con otro sonoro golpe a la barra del bar. Alguien podría pensar que eso debió ser lo que ocurrió con Izzy Stradlin, guitarrista de la formación clásica de Guns and Roses, y compositor de muchos de los temas de la banda, cuando tomó la decisión de abandonar el transatlántico en el que viajaba junto a Axl Rose, Slash y Duff McKagan, para embarcarse en un proyecto en solitario que le haría empezar prácticamente de cero.

Sin embargo, en un análisis más profundo, salen a la luz razones de más peso, como la difícil convivencia con los grandes egos de la banda, el desigual reparto de las ganancias que le plantearon al llegar a la cresta de la ola, un estilo de vida excesiva que empezaba a querer dejar de lado y, sobre todo, sentir que sus contribuciones con la guitarra quedaban siempre enterradas bajo las capas de guitarras de Slash. Teniendo en cuenta todo esto, se entiende que no fue una decisión impulsiva dar el brillante salto al vacío que es "Izzy Stradlin and the Ju Ju Hounds", su disco de debut en solitario.



IZZY STRADLIN AND THE JU JU HOUNDS (1992)


Una vez Izzy saltó por la borda, remó hasta la orilla más cercana y puso rumbo a su localidad natal (Lafayette, Indiana), dónde se aisló por un tiempo, para componer un puñado de temas con los que conformar un álbum. Una vez los tuvo, comenzó a enrolar a la tripulación del que iba a ser su nuevo barco. Y así, se fueron uniendo el bajista Jimmy Ashhrust (Broken Home, Buckcherry), Charlie Quintana (Batería de Cruzados y otros grupos punk, que había colaborado también con Bob Dylan), Ian McLagan (teclista de The Faces) y el guitarrista Rick Richards (Georgia Satellites), que junto a Izzy dieron al disco un marcado sabor a blues y rock and roll stoniano. No tuvo la repercusión comercial que hubiera merecido ésta cuidada colección de enérgicos temas de rock, y pasó de las multitudinarias giras de los Guns a defender su disco en pequeños locales, pero en términos de calidad superó por varios cuerpos de diferencia a la práctica mayoría de los discos posteriores facturados por sus ex-compañeros.

El disco comienza con Somebody Knockin', un tema con cierto parecido al "Somebody put something in my drink" de los Ramones, pero llevado a terrenos más rockeros y elaborados. La voz y la guitarra de Stradlin nos recuerdan, en éste y en muchos de los temas, a su admirado Keith Richards, no en vano los Rolling Stones ya eran una influencia importante para la mayoría de los miembros de los Guns. Como curiosidad, en este tema aparece como invitado especial Craig Ross, el guitarrista y mano derecha habitual de Lenny Kravitz.


Pressure Drop arranca como una pieza de afilado e inmediato punk rock, para virar después hacia un final instrumental de más pausa y de sorprendente cadencia reggae. Le sigue Time Gone By, uno de los temas lentos del disco, con aires del Bob Dylan de la época más folk y acústica, y aderezado con arreglos de palmas y mandolinas. Pero es a partir de Shuffle it all cuando este Ju Ju Hounds despega y, en líneas generales, cada tema irá elevando cada vez más el nivel. Todas las piezas encajan en este tema de manera armoniosa, pero si hay que destacar algo por encima del resto me decantaría por el poso que el órgano Hammond deja en este brillante pieza de blues rock. La voz de Stradlin de nuevo nos traslada al Keith Richards más clásico. 

Bucket O’ Trouble se queda en un tema algo anecdótico, por su corta duración y su marcado carácter punk. De nuevo las influencias del punk de los 70, que tanto gustaban a los Guns, hacen aquí aparición. Un buen tema, pero si consideramos este disco como un clásico injustamente olvidado, es más por las canciones que juegan con el blues rock, el uso del Hammond y el slide en las guitarras. Temas como la soberbia Train Tracks, una de las mejores piezas del disco, y probablemente la canción en la que las guitarras mejor muestran el talento y actitud de estos músicos.

El segundo tema lento llega con How Will It Go,  trayendo de nuevo bajo el brazo la cuidada combinación de guitarra acústica y eléctrica, y el aderezo de la mandolina. Es apenas un breve respiro, para pasar a Cuttin' the Rug, otro de los bombazos del álbum, pieza de puro rock clásico y heredera de las grandes canciones de guitarras gemelas. La banda sigue en todo lo alto en Take A Look At The Guy, versión de un tema de Ron Wood, y segunda colaboración especial del disco, ya que el propio Wood canta y toca la guitarra junto a Izzy y los Ju Ju Hounds. La segunda parte del tema es musicalmente brillante, uno de los momentos más álgidos del disco.

El cierre del álbum llega con Come On Now Inside, pieza de blues en el que guitarra y piano llevan la voz cantante. En este tema, los teclados son a cargo de Nicky Hopkins, el último invitado en unirse a la fiesta. La segunda parte de la canción lleva el nombre de Morning Tea, una jam de percusión con aires étnicos que funciona como "tema escondido" para dar un pintoresco cierre a un disco muy completo, pero que no aporta realmente a una canción que ya ha brillado previamente con el slide de las guitarras y el toque sureño de los teclados.

Resumiendo, Izzy Stradlin entregó, en el ya lejano 1992, un primer disco en solitario en el que mostró todo el talento que permanecía oculto tras la enorme maquinaria de caos y egos encontrados de los Guns and Roses. Cuentan que a Stradlin, además de los motivos ya comentados, le empujó a dejar el grupo despertarse un día en el sillón de una casa desconocida, y no recordar dónde estaba y cómo había llegado allí. Quizá ese día, en algún momento de soledad, abrió una cerveza y golpeó con fuerza la botella contra la mesa, diciéndose a si mismo: "¿A que no hay bemoles a hacer un disco de rock clásico de calidad, en el que pueda hacer lo que me de la gana?". Izzy aceptó su propio reto, y el siguiente golpe sobre la mesa fue el disco Izzy Stradlin and the Ju Ju Hounds.

Historia del rock and roll: 32.- Otis Redding y Sam Cooke

OTIS READING

Otis Ray Redding Jr. (9 de septiembre de 1941 - 10 de diciembre de 1967) nació en Dawson, Georgia, y fue el cuarto de seis hijos. Canto en la escuela secundaria Ballard-Hudson mientras que los domingos ganaba dinero interpretando canciones góspel para la emisora de radio Macon WIBB, donde ganó un premio de 5 dólares durante 15 semanas consecutivas. A los 15 años, Redding dejó la escuela para ayudar económicamente a su familia; su padre había contraído tuberculosis y a menudo era hospitalizado, dejando a su madre como la principal fuente de ingresos de la familia. Trabajó como cavador de pozos, como asistente de estación de gasolina y ocasionalmente como músico. El despegue de Redding se produjo en 1958 en "The Teenage Party", del disc jockey Hamp Swain, un concurso de talentos en los teatros locales Roxy y Douglass. Johnny Jenkins, un guitarrista prominente localmente, estaba en la audiencia y, se dio cuenta que la banda de acompañamiento carecía de habilidades musicales. Redding cantó "Heebie Jeebies" de Little Richard y pronto fue invitado a reemplazar a Willie Jones como líder de Pat T. Cake y los Mighty Panthers, con Johnny Jenkins. Redding fue contratado por los Upsetters cuando Little Richard abandonó el rock and roll en favor de la música góspel. A los 19 años, Redding conoció a Zelma Atwood, de 15 años, en The Teenage Party. Dio a luz a su hijo Dexter en el verano de 1960 y se casó con Redding en agosto de 1961. A mediados de 1960, Otis se mudó a Los Ángeles con su hermana, Deborah, mientras que los hijos de Zelma y Otis se quedaron en Macon, Georgia. En Los Ángeles, Redding escribió sus primeras canciones, incluyendo "She's Allright", "Tuff Enuff", "I'm Gettin 'Hip" y "Gamma Lamma" (que grabó como single en 1962, bajo el título "Shout Bamalama" )

Miembro de Pat T. Cake y los Mighty Panthers, Redding recorrió el sur de los Estados Unidos en una serie de escenarios que aceptaban músicos afroamericanos durante la era de la segregación racial, que se prolongó hasta principios de la década de 1960. Johnny Jenkins dejó la banda para convertirse en el artista destacado de los Pinetoppers, el representante de Atlantic Records Joe Galkin mostró interés y alrededor de 1962 le dijo que fuera al estudio Stax en Memphis. Redding condujo a Jenkins a la sesión, ya que este último no tenía carnet de conducir. La sesión con Jenkins, acompañado por Booker T. & the MG's, fue improductiva y terminó temprano, a Redding se le permitió entonces interpretar dos canciones. La primera fue "Hey Hey Baby", y el jefe de estudio Jim Stewart pensó que se parecía demasiado a Little Richard. La segunda fue "These Arms of Mine", con Jenkins en el piano y Steve Cropper en la guitarra. Más tarde, Stewart elogió la actuación de Redding y dijo: "Todos estaban preparándose para irse a casa, pero Joe Galkin insistió en que le escucháramos a Otis. Había algo diferente en su balada, realmente vertió su alma en ella. "These Arms of Mine" y otras canciones de las sesiones de 1962-1963 se incluyeron en el álbum debut de Redding, Pain in My Heart, " That's What My Heart Needs " y "Mary's Little Lamb" se grabaron en junio de 1963. Posteriormente Cropper y Redding escribieron "Chained and Bound", "Come to Me" y "That's How Strong My Love Is" que se incluyeron en el segundo álbum de estudio de Redding, The Great Otis Redding Sings Soul Ballads., lanzado en marzo de 1965. Ese verano, Redding y el equipo del estudio arreglaron nuevas canciones para su próximo álbum. Diez de las once canciones fueron escritas en un período de 24 horas el 9 y 10 de julio en Memphis. El álbum, titulado Otis Blue: Otis Redding Sings Soul, fue lanzado en septiembre de 1965.

Redding fue uno de los primeros artistas de soul en actuar para el público del rock en el oeste de los Estados Unidos. Su actuación recibió elogios de la crítica, incluido Los Angeles Times , y se hizo un hueco en la cultura popular. Bob Dylan asistió a la presentación y le ofreció a Redding una versión alterada de una de sus canciones, "Just Like a Woman". A finales de 1966, Redding regresó al estudio Stax y grabó varias pistas, incluyendo "Try a Little Tenderness”, esta canción había sido previamente interpretada por Bing Crosby y Frank Sinatra, y los editores intentaron sin éxito evitar que Redding grabara la canción desde una "perspectiva negra".

En 1967, Redding actuó en el influyente Festival Pop de Monterey como acto de clausura fue invitado gracias a los esfuerzos del promotor Jerry Wexler. Hasta ese momento, Redding todavía actuaba principalmente para audiencias negras. En ese momento, "no se lo había considerado un artista comercialmente viable en el mercado blanco estadounidense", sin embargo ofreció una de las actuaciones más eléctricas de la noche y la actuación que más disfruto el publico, "su actuación en Monterey Pop fue, por lo tanto, el paso natural de la aclamación local a la nacional, ... el punto decisivo en la carrera de Otis Redding ”. Su interpretación incluyó su propia canción "Respect" y una versión de "Satisfaction" de los Rolling Stones.  Redding volvió a grabar en Stax una nueva canción fue "(Sittin 'On) The Dock of the Bay", que fue escrita con Cropper mientras estaban con su amigo, Earl "Speedo" Simms, en una casa flotante en Sausalito. A su esposa Zelma no le gustaba su melodía atípica. El equipo de Stax también estaba insatisfecho con el nuevo sonido; Stewart pensó que no era R&B, mientras que el bajista Donald "Duck" Dunn temía que dañara la reputación de Stax. Sin embargo, Redding quería reivindicar su estilo musical y pensaba que era su mejor canción, intuía que podía ser un verdadero éxito y termino la canción con el característico silbido que todos conocemos.

En 1967, la banda viajaba de gira en el avión Beechcraft H18 de Redding. Aunque el clima era malo, con fuertes lluvias y niebla, y a pesar de las advertencias, el avión despegó. A cuatro millas (6.4 km) de su destino en Truax Field en Madison, el piloto llamó por radio para pedir permiso para aterrizar. Poco después, el avión se estrelló contra el lago Monona. El miembro de Bar-Kays, Ben Cauley, el único sobreviviente del accidente, estaba durmiendo y se despertó justo antes del impacto, dijo que lo último que recordaba antes del choque era desabrocharse el cinturón de seguridad, con lo que salió despedido cayendo en el agua helada, donde pudo agarrar cojín del asiento para mantenerse a flote. Al no saber nadar, no pudo rescatar a los demás. La causa del accidente nunca fue determinada. Las otras víctimas del accidente fueron cuatro miembros de los Bar-Kays: el guitarrista Jimmy King, el saxofonista tenor Phalon Jones, el organista Ronnie Caldwell y el baterista Carl Cunningham; su ayuda de cámara, Matthew Kelly; y el piloto, Richard Fraser. El cuerpo de Redding fue recuperado al día siguiente cuando se buscó en el lago. La familia pospuso el funeral del 15 al 18 de diciembre para que más personas pudieran asistir. El servicio tuvo lugar en el Auditorio de la Ciudad de Macon. Más de 4.500 personas vinieron al funeral, desbordando la sala de 3.000 asientos. Lanzamientos póstumos y grabaciones propuestas y apariciones en televisión.

"(Sittin 'On) The Dock of the Bay" fue lanzado en enero de 1968. Se convirtió en el único sencillo de Redding en alcanzar el número uno en el Billboard Hot 100 y el primer sencillo número uno póstumo en la historia de las listas estadounidenses. Vendió aproximadamente cuatro millones de copias en todo el mundo y recibió más de ocho millones de aviones. El álbum The Dock of the Bay fue el primer álbum póstumo en alcanzar el primer lugar en la lista de álbumes del Reino Unido.

SAM COOKE

Nacido como Samuel Cook en Clarksdale, Mississippi, en 1931 es por todos conocido como Sam Cooke ya que en 1957 agregó una "e" al final de su nombre símbolo de un nuevo comienzo en su vida. Fue el quinto de ocho hijos del reverendo Charles Cook y su esposa, Annie Mae. Se mudó a Chicago en 1933. Comenzó su carrera con sus hermanos en un grupo llamado Singing Children a la edad de seis años. Se hizo conocido por primera vez como cantante principal de Highway QC cuando contaba con 14 años. En 1950, Cooke reemplazó a RH Harris como cantante principal del grupo de The Soul Stirrers. Su primera con él de cantante fue en 1951,"Jesus Gave Me Water", su primer sencillo pop / soul fue "Lovable" (1956), una nueva versión de la canción gospel "Wonderful". Había un estigma considerable contra los cantantes de gospel que tocaban música secular y trataron de disimular su nombre. sin embargo, no engañó a nadie: la voz única de Cooke se reconocio fácilmente. En 1957, Cooke apareció en The Guy Mitchell Show de ABC. Ese mismo año, firmó con Keen Records. Su primer éxito, "You Send Me", y pasó seis semanas en el número 1 en la lista Billboard R&B.

En 1961, Cooke comenzó en su propio sello discográfico, SAR Records, la discográfica pronto incluyó a los Simms Twins, los Valentinos (que eran Bobby Womack y sus hermanos), Bobby Womack y Johnnie Taylor . Como la mayoría de los artistas de R&B de su tiempo, Cooke se centró en los singles, fue un prolífico compositor y escribió la mayoría de las canciones que grabó. A pesar de lanzar en su mayoría sencillos, lanzó un muy bien recibido LP con toques de blues en 1963, Night Beat , y su álbum de estudio más aclamado por la crítica, Ain't That Good News, en 1964. En 1963, Cooke firmó un contrato de cinco años con Allen Klein para administrar Kags Music y SAR Records y lo convirtió en su gerente. Klein negoció un acuerdo de cinco años (tres años más dos años de opción) con RCA en el que una compañía holding, Tracey, Ltd, nombrada en honor a la hija de Cooke, propiedad de Klein y administrada por JW Alexander, produciría y poseería las grabaciones de Cooke. RCA obtendría derechos de distribución exclusivos a cambio una comisión y pagos por las sesiones de grabación.

Cooke murió a la edad de 33 años el 11 de diciembre de 1964, en el Hotel Hacienda, en 9137 South Figueroa Street, en Los Ángeles, California. Según los informes la causa fue un tiroteo durante un secuestro en el motel, la policía encontró el cuerpo de Cooke, vestido solo con una chaqueta deportiva y zapatos, pero sin camisa, pantalones o ropa interior. Había sufrido una herida de bala en el pecho, que luego se determinó que le había perforado el corazón. La gerente del motel, Bertha Franklin, dijo que le disparó en defensa propia después de que irrumpió en su oficina y la atacara. El registro oficial de la policía indica que Franklin le disparó mortalmente, ella dijo que Cooke había entrado furioso en la oficina, llevando puesto nada más que un zapato y una chaqueta deportiva y exigiendo saber el paradero de una mujer que lo había acompañado al hotel, Franklin dijo que la mujer no estaba en la oficina, pero Cooke, enfurecido, no la creyó y la agarró violentamente, exigiéndole nuevamente saber el paradero de la mujer. Según Franklin, ella forcejeó con Cooke, los dos cayeron al suelo, se levantó rápido y corrió a buscar un arma, disparando contra el cantante en defensa propia porque temía por su vida. Otra testigo llamada Elisa Boyer le dijo a la policía que había conocido a Cooke esa noche y que había pasado la tarde en su compañía. Ella dijo que después de que salieron juntos de un club nocturno local, ella le había pedido repetidamente que la llevara a su casa, pero él la llevó en contra de su voluntad al Motel donde en una de las habitaciones del motel, Cooke la obligo a pasar la noche, y que estaba segura de que la iba a violar. Según Boyer, cuando Cooke entró al baño por un momento, rápidamente agarró su ropa y salió corriendo de la habitación, con los nervios, también había recogido la mayor parte de la ropa de Cooke por error huyendo del motel, dijo que fuera y lejos del Motel se volvió a poner la ropa, escondió la ropa de Cooke y fue a una cabina telefónica y llamó a la policía. Tras estas declaraciones se declaró que la muerte fue accidental y en defensa propia sin ser acusada de homicidio ninguna de las dos mujeres

Coque Malla - Canta a Ruben Blades (Mes Coque Malla)

Coque Malla es un rockero, es un rebelde, le ha dicho adiós a papa e incluso nos ha llamado Idiota, parece estar mas cercano al punk antisistema que al angelito que podíamos ver en algunas de sus interpretaciones en el cine, pero a este hombre de corazón duro, de guitarra y batería, de alarido y sentencia, hubo un momento que le hizo click cierto tipo de imagen, cierto tipo de música que en ningún momento hubiéramos pensado que lo podíamos emparejar con él.

Nos encontramos en la segunda década del siglo XXI, Los Ronaldos hicieron su última aparición a finales de la década anterior y Coque Malla ha decidido labrarse una carrera en solitario, con algunos conceptos que dejo abandonados en el grupo de su vida, pero con nuevos sonidos e ideas que le bullían en la cabeza, ha publicado 3 discos en solitarios, de una calidad musical incuestionable, pero quizás, pero aparentemente no con el éxito de fama que había tenido con su grupo anteriormente, pero él sigue adelante, es feliz con lo que hace, nada le impide entregarse a nuevas sensaciones. Pero el tenía una sensación que le bullía por dentro desde hace muchos años, concretamente desde 1990 cuando pudo ver en concierto a Ruben Blades, desde entonces la admiración por el cantautor Panameño ha ido creciendo, ha seguido sus pasos, se ha machacado toda su discografía, pero el click salta en 2011, Blades se encontraba de gira por Madrid y no iba a perder la oportunidad de disfrutarlo y es allí donde se le ocurre que él tiene que hacer algo al menos que se parezca, y que tiene que darle las gracias de alguna manera, y empieza a buscar músicos que conozcan ese estilo y a embaucarlos en un proyecto que difícilmente tendrá una salida comercial pero si de satisfacción personal, artística y espiritual, no necesita más, los valientes, Pablo Navarro al contrabajo, Luis Guerra al piano, Juan Viera en la conga, Yuvisnei Aguilar con el timbal y Roberto Pacheco y Santiago Cañada con los metales. Y es así como se dedica durante el verano de 2012 a realizar una serie de actuaciones en el café Gijon de Madrid y para satisfacción propia realizan sus grabaciones, un sueño hecho realidad, un pasito mas que su corazón cumple.

Fue tres años después cuando decide publicar esas grabaciones, con el título de “Canta a Ruben Blades” una buena muestra de aquellos conciertos en los que recorrió la discografía del autor panameño, desde sus inicios, hasta sus éxitos más sonados. Escuchar el álbum es una delicia absoluta, empezando por “El cantante” de la que Andres Calamaro ya hizo su versión, es de admirar el tono tan sentimental que Coque le da en su versión, la reivindicativa “Camaleón”, nos embelesa con la historia tan divertida y picaresca de “Decisiones”, una especie de rap “GDBD” muy social, disfruta de los primeros ecos de la salsa intelectual con “Pablo Pueblo”, estremecerse con el homenaje a su país titulado “Patria”, esa maravilla titulada “Ligia Elena” una historia de amor que rompe con los prejuicios sociales que rondaban la época en la que fue escrita, para llegar al éxtasis al escuchar “Pedro Navaja” con ese toque tan Coque Malla que le da en la vocalización. Un disco para disfrutar de una faceta nueva del bueno de Coque Malla.

Coque Malla - Sueños (Mes Coque Malla)

Dentro del #MesCoqueMalla, en el que estamos haciendo reseñas de discos, documentales, películas y conciertos, faltaba una dedicatoria en el apartado de "Canciones que nos emocionan". Puestos a solucionar "faltas", cuando surgió la idea de dedicar un mes a un artista lo primero que pensamos fue que cada uno haría la reseña de uno de sus discos, pero en 7días7notas somos 4, por lo que un disco suyo quedaría sin reseñar.

El descartado fue "Sueños", segundo disco de Coque Malla en solitario, hoy en día una rareza descatalogada del que puedo presumir de tener un CD original en formato disco-libro. Y por aquello de matar dos pájaros de un tiro, hoy la canción que nos emociona nos da pie a hablar de aquel disco, una mirada introspectiva y de difícil primera escucha, basada en los sueños y pensamientos del artista madrileño, en retazos de subconsciente convertidos en canciones (las 9 del disco) o poemas (los que conforman el libro). La música que acompaña a las letras del disco es igualmente introspectiva, y según el productor Suso Sáiz, crearon un disco al que algún día le gustaría darle una revisión y un lavado de cara, porque esconde mucho más de lo que muestra.

"Sueños" es, en definitiva, un puñado de canciones al buen nivel compositivo habitual, pero que conforman un disco que, salvo en puntuales momentos más enérgicos o eléctricos (canciones como "Mi asesina" "El faro" o "El sombrero" son brillantes), no consigue escapar de la dificultad de su carácter onírico y taciturno. Y es así hasta que llega "El final", un tema de cierre que musicalmente es totalmente diferente al conjunto del disco. Si tengo que describir "El final" en el contexto de un disco enfocado en los sueños, diría que es el primer café de la mañana. La noche ha podido ser prolífica en ideas, sueños y pensamientos, y Coque los reflejó perfectamente en este particular disco, pero "El final" es el necesario subidón de la cafeína y de la reparadora ducha, el despertar enérgico al nuevo día.

Es también la esperanza del resurgir, de una salida de las sombras de la noche, y Coque hace ese tránsito en la letra de manera brillante. De los descorazonadores mensajes iniciales: "No he vivido nunca un duelo, pero he cruzado los espejos, y ya se que no hay nada que encontrar", a la contradicción entre la letra del estribillo: "Se parece mucho al final" y los esperanzadores coros que la acompañan en el último tramo: "¡Y ahora vamos a empezar!" Como si de una premonición se tratase, el nuevo comienzo y la luz al final del camino llegaron justo después en forma de resurgimiento comercial ("No puedo vivir sin tí") y con la entrega de un tercer disco sobresaliente ("La hora de los gigantes").

Tengo la sensación de que Coque no se ha prodigado demasiado en directo con esta canción. Quizá considere que, como ocurre con el café, no es bueno abusar de su repetida ingesta, pero yo personalmente echo de menos el sabor de una canción que es amarga y dulce a la vez. En el concierto final de la gira de "Mujeres" en el Circo Price, después de tocar ese disco al completo con todas las artistas que participaron en él, dedicó media hora final a tocar algunos temas escogidos de otros discos. Cuál sería mi sorpresa, cuando la banda atacó las notas de "El final", y aquel momento se convirtió en inolvidable, como si en una agradable conversación con buenos amigos, alguien apareciera con una inesperada y humeante taza de buen café.

Coque Malla: El último hombre en la tierra (Mes Coque Malla)

El último hombre en la tierra

Si vamos al diccionario y buscamos la definición de la palabra Prejuicio, éste nos dirá que es una "opinión preconcebida, generalmente negativa hacia algo o alguien. Si realizamos la misma operación para la palabra Preconcebida, el diccionario nos dirá que significa "que ha sido pensado o analizado de antemano". Cuando tenemos algún tipo de prejuicio, debemos haber analizado antes los motivos por los que lo tenemos. El problema surge cuando ese prejuicio lo tenemos sin haber analizado los motivos, es decir cuando lo hacemos a la ligera. Eso es lo que me ha pasado a mí, durante mucho tiempo, con Coque Malla. Hace años ya, y habiendo escuchado más bien poco material de su discografía, basándome en las canciones que conocía de Los Ronaldos, decidí que aquello no me gustaba y que no lo escucharía aunque Coque fuera el último hombre en la Tierra que se dedicara a hacer discos.

Vivía con esa idea (falsamente) preconcebida sobre Coque Malla hasta que, allá por noviembre de 2018, dentro de nuestra sección del Disco de la semana (tenemos la obligación inexorable de escuchar religiosamente todos los discos de esa sección), Nevermind propuso el disco La hora de los gigantes, publicado en 2009. He de decir que mi concepto erróneamente preconcebido sobre Coque empezó a hacer aguas con la escucha de este disco, y me gustó lo suficiente como para seguir escuchando material suyo. Y la oportunidad me ha llegado ahora, con motivo del mes dedicado a Coque Malla, ya que en el reparto me ha tocado escuchar y reseñar su disco El último hombre en la tierra, publicado en 2016.

Mi primera impresión, nada más escuchar el disco, no puede ser más positiva. Me encuentro ante un disco más íntimo y personal, con unos arreglos orquestales magníficos, donde la temática gira en torno al amor, aunque también hay espacio para abordar la crítica y la incitación a luchar y no rendirnos por el cambio hacia un mundo mejor. Un disco donde las letras son excelentes y cobran más protagonismo, aún si cabe, que en anteriores trabajos.

Abre el disco La señal, tema que ya nos da una clara idea de lo que nos vamos a encontrar, una maravillosa sección de vientos y cuerdas, donde Coque nos habla del sentimiento de haber perdido un amor, de haber cometido errores que no debería haber cometido, y entonces ella no se habría ido. Le sigue Santo Santo, tema donde deja la temática del amor para hacer una plegaria en toda regla, a quien corresponda, para que haga un cambio en este mundo que se va al garete, en definitiva una oda a la lucha y a no rendirse. En Lo hago por tí Coque se marca quizás el tema más comercial del disco, donde recupera unos riffs y un sonido más popero y donde nos vuelve a sumergir en la temática del amor. El último hombre en la tierra es para mí una de las joyas del disco, en la que destacan sobremanera y de una forma exquisita esos arreglos orquestales tan bien preparados por su hermano Miguel Malla, y donde Coque nos sumerge con sus letras en un ambiente de romanticismo y nostalgia por lo bello que es amar. Cachorro de león, un tema que es imposible que no te sobrecoja, es la historia de una mujer que es capaz de sobrevivir a todo tipo de circunstancias adversas y oscuras, a relaciones con hombres que no la convenían, y que al final sale adelante y encuentra la felicidad y la estabilidad en pareja. Es sencillamente magnífica: "Ella por fín maduró, dejó las drogas y el alcohol y ahora es artista..." "No más desilusiones......sólo calma y claridad...".
En Escúchame, tema apoyado en una sección de metales que recuerda a las canciones de estilo Big Band, Coque le dice a un amor o amig@ que deje de mirarse su propio ombligo, todo un toque de atención a esa persona que está perdiendo el rumbo. En Me dejó marchar vuelven los magníficos arreglos orquestales, combinados con una letra compleja que podría referirse tanto a un amor perdido como a un episodio onírico con la propia muerte, que finalmente le dejó marchar.  
Todo el mundo arde, un blues en toda regla con una letra que de nuevo parece basada en un extraño sueño, y es que según Coque este tema es uno de los más complejos que ha escrito. Y se nota. ¿Un alegato a no rendirse cuando todo va mal? Quizás.
Pétalos, sonrisas y desastres, otra canción de amor con una letra buenísima, y no me cansaré de repetir y remarcar los arreglos orquestales tan buenos del tema y del disco, lo merecen. Casi llegamos al final con El cambio interior, tema donde Coque critica sin tapujos a todos aquellos que llaman al cambio y la revolución de cara a la galería y luego no son capaces de salir de la triste rutina y el ensimismamiento con la "caja tonta". Y llegamos al cierre del disco con Duerme, una hermosa nana para poner el broche de oro a un disco redondo, íntimo, personal y, simplemente, magnífico.

Ruta 77: Los 7 de @Docaparicio

Llega la tercera entrega de la Ruta 77, la sección que dedicamos a todos los amigos que hemos hecho a través del día a día en nuestro blog. La siguiente persona a la que hemos pedido colaboración se llama Santiago, es asiduo a las charlas y debates musicales que tenemos en el canal de Telegram, y tiene en Twitter la cuenta @Docaparicio.

DIARIO DE VIAJE

Después de despedir a @Raquiglam y darle las gracias por ese magnífico rato que hemos pasado, nos dirigimos al taller donde, después de pagar religiosamente, nos hacen entrega del coche ya reparado. Nuestra siguiente parada en el camino es un local de conciertos en la Ruta 77, llamado La Coquette. Nos apresuramos a emprender el camino, no queremos llegar tarde pues hoy precisamente hay concierto, y le hemos prometido a nuestro querido amigo Santiago que no nos perderíamos por nada del mundo la actuación que va a dar con su banda.

Después de varias horas de ruta, por fin llegamos a nuestro destino, La Coquette, una nave gigantesca que hay pegada a la carretera, justo al lado de una gasolinera, un restaurante y un motel de carretera. La noche ya ha caído, y aunque el viaje ha sido largo, la excitación del concierto que vamos a presenciar puede más que el cansancio. Quedan cinco minutos para el concierto, tiempo más que de sobra para entrar, coger sitio y pedirnos algo de beber para refrescarnos. El local es grande, tendrá aforo para unas 500 personas, con dos grandes barras a los lados, y en la parte trasera un buen número de mesas convenientemente dispuestas, con sus sillas orientadas hacia el escenario.



Nos hemos aprovisionado con bebidas, y preferimos irnos cerca del escenario, a pie de pista para disfrutar mejor del concierto. El local está bastante lleno pero no hay apreturas, lo que nos permite situarnos a pie del escenario, y apenas nos hemos situado sale a escena nuestro querido amigo Santiago con su inseparable Fender Stratocaster y sus compañeros de la banda, el bajo, el batería y el órgano hammond. Santiago y su gente saludan al público antes de empezar, y durante ese saludo hace un recorrido visual por la sala hasta encontrarnos, y nos dedica una sonrisa y un guiño de complicidad. Nosotros le correspondemos levantando nuestras cervezas hacia el escenario en un improvisado brindis. Se apagan las luces y Santiago se arranca con su banda.

Durante hora y media Santiago y su banda lo dan todo, rock y blues rock de alto voltaje, toda la sala disfruta del concierto y tararea los temas, ¡cómo sabe ganarse al público!. Pero, como todo lo bueno, el concierto llega a su fin después de los correspondientes bises (tienen que salir hasta tres veces por el clamor de la gente enfervorecida con la actuación que han dado). La noche está avanzada, y recién finalizado el concierto, Santiago y su grupo se aproximan al escenario a saludar al público para agradecerle a éste su presencia, acto seguido las luces del local se encienden, pues es tarde y éste va a cerrar. Nada más acabar de saludar al público, Santiago da un bote del escenario y se planta delante nuestro, nos saludamos y le felicitamos por el magnífico directo que nos ha regalado. Santiago nos implora que no nos vayamos, que nos quedemos por allí mientras recoge los equipos y luego tomemos algo para ponernos al día, y que no nos preocupemos por el local, porque aunque esté cerrado el dueño es amigo suyo y accederá encantado a que nos quedemos por allí. Le decimos a Santiago que solo nos quedaremos si nos permite ayudarle a él y la banda a recoger todo los equipos y material de sonido, a lo que accede pero antes nos pide que esperemos un momento, pues siempre después de un concierto tiene un ritual, acercarse a la cabina de sonido para poner un CD de los que suele llevar encima, y que es la banda sonora perfecta para recoger el equipo después de los conciertos, pues esa música le relaja. Dicho esto se acerca a la cabina y le entrega un CD al pincha del local, que lo pone en el acto y la música empieza a sonar.

Por los altavoces del local, en el cual sólo nos encontramos ya sólo Santiago, sus compañeros de banda, el dueño y el personal del local, empieza a sonar Layla, del grupo Derek And The Dominos. Me viene a la mente el momento en el que se le ocurrió a Duane Allman el riff de guitarra y se lo mostró a Eric Clapton, juntos harían uno de los riffs más famosos de la historia del rock. Los créditos de composición corresponden a Eric Clapton y Jim Gordon, y para el riff se basaron en el famoso tema compuesto por Deadric Malone e interpetado por Albert King As The Years Go Passing By pero tocado a una velocidad considerablemente mayor. Tema que además tiene historia, pues Clapton se basó en el amor no correspondido en un primer momento de Patty Boyd, la que era por entonces esposa de George Harrison. Clapton al final conseguiría que ese amor fuera correspondido consiguiendo que Patty dejara a Harrison y se casara con él.

Suenan los últimos acordes de Layla y cuando me quiero dar cuenta, estoy apoyado en un amplificador sin hacer nada y observo cómo a un par de metros están Chema y Storyboy mirándome con gestos de desaprobación, inmediatamente me disculpo y me pongo a hacer la tarea encomendada mientras empieza sonar Go your Own Way de Fleetwood Mac, incluido en su undécimo álbum de estudio, Rumours, que fue publicado en febrero de 1977, aunque este tema salió publicado como sencillo y adelanto del disco en diciembre de 1976. Tema compuesto por Lindsey Buckingham con la idea de describir la ruptura que acababa de sufrir precisamente con la también integrante de Fleetwood Mac Stevie Nicks. Cuanto sentimiento hay en este temazo.


Hemos terminado de ayudar a recoger todo el equipo, Santiago nos reúne y nos invita a sentarnos en una de las mesas, lleva consigo unos vasos y una botella de un buen wishky escocés, le comentamos que es algo tarde ya y no queremos molestar, además tenemos que gestionar algún alojamiento. Nada se le escapa a Santiago pues en el momento que se ha enterado de nuestra visita ya nos ha gestionado alojamiento en el motel que hay al lado, donde él y su gente también se encuentran alojados. Por lo tanto,  con sitio para dormir y sin tener que conducir no tenemos excusa para no acompañarle, y la verdad es que no, así que nos sentamos en una mesa Santiago, Chema, Storyboy, Nevermind y yo y comenzamos una agradable charla mientras sigue sonando buena música de fondo. Ahora está sonando Anything You Like de Phil Carmen, el magnífico catante suizo de origen canadiense. Un tema que publicó en su cuarto álbum de estudio Wise Monkeys, aunque la versión que suena por los altavoces es la que aparecería en su álbum en vivo Live in Montreux en 1987, maravillosa.

Estamos todos muy a gusto, charlando de mil cosas y poniéndonos al día, la cara de mis amigos y de Santiago lo dice todo, y más con la música que nos acompaña, en este momento es el británico Chris Rea con su The road To Hell, incluido en su décimo disco de estudio de titulo también The Road To Hell, grabado en los Miraval Studios de Francia y publicado en 1989. El tema, que se divide en dos partes, se le ocurrió a Chris en medio de uno de esos y habituales e insufribles atascos que se producían en la autopista británica M4, conocida también como la autopista de Londres - Gales del sur. En el tema también hace alusión a cómo su madre, fallecida en 1983, se le acerca como un fantasma para advertirle que se está adentrando en "El camino al infierno", refiriéndose a la infernal autopista. No en vano es conocida la gran afición de Chris Rea por la conducción y los coches antiguos y su inverso y proporcional odio a los atascos.

 

Es uno de esos momentos que uno no desea que acaben, pues una buena charla rodeado de buena compañía no está pagado, además la selección musical no puede estar mejor, como el tema que suena ahora, Tattoo'd Lady de Rory Gallagher, temazo del genial guitarrista irlandés, compuesta por él mismo y publicado en noviembre de 1973 en su cuarto disco de estudio en solitario, Tattoo. Esos primeros 20 segundos de hipnóticos sonidos te enganchan y dejan prendado. Un tema donde Rory nos confiesa su amor y admiración por la vida de feriante.



No me he repuesto todavía con el magnífico tema del genio irlandés cuando reconozco los primeros acordes de Asylum de Supertramp, la genial formación británica. Ese piano me pone los pelos de punta. compuesto por Rick Davis y Roger Hodgson, fue incluida en el tercer álbum de estudio de la banda, Crime of the Century, y lanzado al mercado en septiembre de 1974. Este aĺbum supondría el espaldarzao definitivo del grupo y su primer éxito considerable al alcanzar el puesto número 4 en las listas del ventas del Reino Unido además de conseguir reconocimento en Estados Unidos al entrar el el puesto número 38 de la famosa lista Billboard 200.


Pero como todo lo bueno, este magnífico rato que estamos pasando en compañía de Santiago llega a su fin, parece que llevamos un ratillo, pero la verdad es que está amaneciendo. Mientras suena el magnífico Comfortably Numb de Pink Floyd, compuesto por Roger Waters y David Gilmour, e incluido en el undécimo álbum de estudio del grupo, The Wall, el famoso disco publicado en 1979 donde nos relatan las aventuras de la estrella del rock Pink y sus traumas a causa de la muerte de su padre en la II Guerra Mundial, la sobreprotección de su madre, la opresión educativa británica o los fracasos sentimentales. Los dos solos de guitarra que Gilmour se marca en Comfortably Numb están considerados por la crítica como los mejores solos de la banda y unos de los mejores solos de la historia del rock. Este tema también sería el último tema que la banda tocaría en directo con la formación Waters / Gilmour / Mason / Wright.

Mientras sigue sonando Comfortably Numb va llegando la hora de irse a descansar, no sin antes hacer saber a Santiago la gran noche que nos ha regalado. Acabado el tema, las luces del local se apagan, y nosotros abandonamos La Coquette junto con Santiago camino del motel de al lado mientras los primeros rayos del sol empiezan a asomar en la lejanía. Gracias Santiago "@Docaparicio" por haber puesto la banda sonora de nuestra tercera etapa de este maravilloso viaje por la Ruta 77.

El disco de la semana 164: Leonard Cohen - I´m your man

Leonard Cohen pasándose al Synth pop??? Habíamos visto cambios radicales, como el de Bob Dylan cuando se volvió a eléctrico, pero ¿este salto? bueno no exageremos, es cierto que tiene algún toque de este estilo, que muchas veces se apoya en este instrumento para las canciones, pero joder, la cosa le salió redonda, sobre todo en dos aspectos, el primero y más importante es que le salió un álbum de una calidad magnifica, y el segundo que acerco al gran público a su música, era yo un adolescente cuando en la televisión nos bombardeaban con el video de “First we take Manhattan” y ese sonido tan peculiar, que años más tarde cuando trate de indagar en la discografía de Cohen descubrí que no era nada parecido a los recuerdos que tenía yo con 15 años de aquel tema. Y es que ese nuevo estilo le venía ni que, pintado a la voz fuerte, que expulsa mientras canta, se tornaba más oscura y ronca en contraposición con los sonidos brillantes y casi chillones de muchos de sus temas. Y es que Cohen se había estancado, su popularidad había decrecido y la venta y la repercusión de sus álbumes no era la de los años 70 y este movimiento de genialidad le trajo de nuevo a lo más alto de su carrera. Pero curiosidades y mercado aparte el álbum es una maravilla, disfrutar de él con la mente abierta a lo que había sido y sin los prejuicios de cantautor aburrido y triste te dará una dimensión de lo que tenemos en nuestras manos.

El álbum se inicia con “First we take Manhattan” que fue el single promocional del mismo, la canción es original de Leonard Cohen pero la habíamos podido escuchar anteriormente en la voz de Jennifer Warnes en un álbum tributo a Leonard Cohen, es esta versión le acompaña en la voz. En la canción Cohen se introduce en la mente de un terrorista intentando mostrar con la letra lo incongruente que son las posturas extremas en cada aspecto de la vida y los caminos tan estúpidos por los que nos pueden llevar, una denuncia en toda regla. En el video, rodado en blanco y negro sobre una playa, podemos ver a Stevie Ray Vaughan tocando su desgastada guitarra "Número uno" (con su distintivo logotipo "SRV") en el Puente de Brooklyn. "Ain't No Cure for Love" es una canción de amor, una canción con la poesía de Cohen de lo que significa estar enfermo de amor, es una canción dolorosa como muchas de este estilo, pero también de aceptación del trance, con unos muy buenos coros. “Everybody knows” está escrita junto a Sharon Robinson, una de las más fieles colaboradoras del artista, escrita como un mantra, con sus sombrías proclamas sobre la crisis del SIDA y la injusticia racial, fue exactamente arrojar a la cara lo que supuso la década de Reagan, raspando el sórdido vientre de la ostentación y el glamour de los 80. Es un tema áspero aunque se haya recubierto de soniquetes a lo largo de todo el tema, la letra es muy cruda, fue utilizada como el tema de apertura para la película La liga de la justicia.

“Everybody knows that you love me baby

Everybody knows that you really do

Everybody knows that you've been faithful

Ah give or take a night or two

Everybody knows you've been discreet

But there were so many people you just had to meet

Without your clothes

And everybody knows”

Leonard Cohen escribió "I'm Your Man" para Dominique Issermann, su novia fotógrafa francesa, oculta un grito desesperado de amor y atención, sin importar las circunstancias. Es triste y es gracioso. Son las patéticas garras de un hombre más allá de la dignidad. Y le da esa exquisita lectura cargada de ironía del último caballero canadiense que promete humillarse solo por una bocanada de carne nueva, promete apoyar a su amada sin importar en qué, ya que solo está desesperado por alimentarse de su cuerpo…. "Si quieres un amante / haré cualquier cosa que me pidas / Y si quieres otro tipo de amor / Usaré una máscara para ti 7 Si quieres un médico / examinaré cada centímetro de ti / La bestia no se irá a dormir / Aullaría ante tu belleza / Como un perro en celo” .

El siguiente corte es “Take this waltz” un poema de Federico Garcia Lorca, del que el cantante era un profundo admirador, de hecho una de sus hijas se llama Lorca, es un Vals que el autor recita con una profunda admiración y un gran sentimiento en cada verso, personalmente opino que es una de las cumbres del disco y de su discografía, será un defecto profesional por mi admiración y amor al poeta Granadino, pero en serio, es un temazo , el tema apareció por primera vez en el álbum colectivo Poetas en Nueva York (1986), que homenajeaba a Federico en el 50 aniversario de su asesinato, que tuvo lugar a comienzos de la Guerra Civil Española. En 1988, Cohen la recupero para este álbum, añadiéndole el violín de Raffi Hakopian y la voz de Jennifer Warner. El vídeo original se rodó en Granada (España), aunque, por alguna extraña razón que no alcanzo a comprender, las autoridades le negaron al artista canadiense la posibilidad de filmar en la Alhambra, como era su pretensión. Hubo de conformarse con los alrededores. No obstante, sí vemos a Leonard Cohen en la casa de Federico García Lorca, en Fuente Vaqueros. 

Con “Jazz Police” da otra vuelta de tuerca, estamos ante una cancion muy loca, ritmos de discotecas, ritmos de jazz, en un batiburrillo que al final queda muy curioso, sorprendió y decepcionó, incluso molestó, a algunos de sus seguidores. Es muy diferente de su estilo musical normal aun así consiguió que estuviera en boca de todos. “I can´t forget” es una canción más del estilo, no se priva de los sonidos de los sintetizadores, pero es la vuelta a la melodía, a los coros, a Cohen, tampoco es la más redonda de su carrera. Cierra el álbum “Tower of song” otro experimento, grabado con poco más que un sintetizador de juguete, pero es una canción con gran carga de profundidad, casi una biografía y un homenaje, una carta de amor de Cohen a su oficio, donde equipara perseguir el don de la poesía a estar atrapado en una penitenciaría de pesadilla. Este, dice, es el precio que paga por la creatividad, y es un lugar sombrío para vivir; Pasaron años atrapados en un bloque de viviendas decrépito, mirando alrededor de un piso costroso donde los vecinos ruidosos lo han mantenido despierto mientras el estruendoso estruendo de Hank Williams "tosiendo toda la noche cien pisos más arriba" resuena a través de las tablas del piso.

Historia del rock and roll: 31.- Año 1964 parte 2

Puede ser el año más importante de la década de los 60 en el rock and roll, Inglaterra se ha puesto al mando del rock and roll, en América, the Motown comienza su reinado con The Supremes, pero la llegada de The Beatles a América iba a eclipsar los movimientos musicales de aquel país, ya que el grupo de Liverpool llegó acompañado de muchos otros de Inglaterra que coparon las listas de éxito y de ventas, vamos con la segunda parte del mismo.

The Beatles publican un EP con 4 canciones que no aparecieron en ningún disco ni single, la primera de las canciones fue “Long tally Sally” una versión del clásico de Little Richard, una canción que llevaban tocando desde la creación del grupo, la segunda canción fue “I call your name”, la única de las cuatro original de Lennon y McCartney, la tercera fue “Slow down”, un tema de Larry Williams y el último tema “Matchbox” un blues escrito y compuesto por Blind Lemmon Jefferson y que anteriormente había versionado Carl Perkins.

Un simple aperitivo para lo que iba a llegar, ya que el 10 de Julio de 1964 sale a la venta el tercer álbum de estudio de The Beatles que llevaría por título A Hard Day's Night, el primer disco con todas las canciones originales. El disco abre con “A Hard Day's Night”, fue la canción principal de la primera de las cinco películas de los Beatles y el título de la misma. “I Should Have Known Better”, canción compuesta para la película, se usó en una escena donde los Beatles se la cantan a un grupo de chicas, una de las cuales fue interpretada por una actriz llamada Pattie Boyd. Esta fue la primera vez que George Harrison la conoció: se enamoró de ella y se casó con ella unos años más tarde. “If I Fell” es un intento de balada en palabras de Lennon, fue utilizada en una escena de la película donde actúan ante un grupo de niños de escuela en un teatro los niños no tenían idea de que verían a The Beatles. Uno de los niños era Phil Collins, de 13 años, que al final no sale en la película. “I'm Happy Just to Dance with You” es una cancion compuesta para que la cantara George Harrison. Con “And I love her” entra en escena la guitarra española, es una de las pocas canciones de The Beatles con un solo vocalista, en esta ocasión es Paul McCartney. En cambio “Tell me why” esta cantada a tres voces, “Can't Buy Me Love” era una canción publicada ya como single. Con esta cerramos la cara A y las canciones que salían en la película. “Any Time at All” abre la cara B del disco, continua con “I'll Cry Instead” que fue descrita por Cynthia Lennon como un grito de ayuda, diciendo: «Refleja la frustración que John Lennon sentía en ese momento. Era el ídolo de millones, pero la libertad y la diversión de los primeros días se habían ido». “Things We Said Today”, McCartney la escribió mientras estaba de vacaciones en Las Bahamas y lejos de su novia. “When I get home” está escrita por Lennon y se nota la influencia de The Shirelles, la canción fue censurada en los países del Este de Europa. “You Can't Do That” fue la primera canción de los Beatles en la que George Harrison tocó una guitarra de 12 cuerdas. Cierra el álbum “I'll Be Back”, John Lennon creó esta canción en torno a los acordes de Runaway de Del Shannon aunque su intención era hacer un vals.

Bob Dylan

El 8 de Agosto Bob Dylan aparece el cuarto y último álbum acústico de Bob Dylan que lleva por título, Another Side of Bob Dylan, la canción que abre el álbum es “All I Really Want to Do” canción es una ruego para poder permanecer con una persona como amigos. La niña parece pensar que quiere ir mas alla, pero en la canción continuamente se le asegura que "Todo lo que realmente quiero hacer es ser tu amigo". Es probable que la canción este inspirada por la separación de Dylan de Suze Rotolo. En "Spanish Harlem Incident", tenemos a Bob Dylan "sin hogar" profesando un amor poéticamente irracional por una "chica gitana". Le está pidiendo que lea su palma y le diga su fortuna, incluido el papel que ella debe desempeñar en su vida. “Chimes of Freedom” es una canción típica de su período rebelde, está influenciado por la poesía simbolista de Arthur Rimbaud, el tema reflexiona sobre la injusticia del trato a las personas oprimidas, mientras cita como el trueno retumbante está llorando por ellos. Cierra la primera cara “To Ramona” Joan Baez dice que esta canción era sobre ella, según Báez, Dylan solía llamarla "Ramona", la canción está compuesta a ritmo de Vals. Con “My Back Pages” Dylan quiere desmarcarse de todos los movimientos protesta que han estado utilizando sus canciones como himnos, Dylan comenzó a dejar muy claro que no se veía a sí mismo como parte de ningún movimiento político, y afirmó que sus canciones nunca fueron políticas. Eran cosas más profundas, o al menos más antiguas, que el flujo y reflujo de la política. O a veces tal vez no se trataban de nada en absoluto. Cierra el álbum “It Ain't Me Babe” una canción dedicada a la que fue su novia Suze Rotolo.

The Rolling Stones consiguen con su cuarto single el primer número uno de su carrera con “It´s all over now”, una canción escrita por Bobby Womack y Shirley Womack. Fue publicada por primera vez por el grupo The Valentinos, como curiosidad esta fue la primera canción que Bruce Springsteen aprendió a tocar en la guitarra. Five By Five, es el segundo EP de la banda de rock británico The Rolling Stones, publicado en 1964, abre el EP la cancion “If You Need Me” un tema original de Wilson Pickett. “2120 South Michigan Avenue” el hogar legendario de Chess Records donde The Rolling Stones grabaron muchas de sus primeras canciones. La ultima cancion es una versión de la cancion de Chuck Berry “Around and around”.

Llega el sexto Lp de The Beach Boys, la canción que da título al álbum es “All summer long” donde narra un maravilloso romance de verano, disfrutando del minigolf y navegando en el Hondas en las colinas con su chica. Roy Orbison edita una de sus canciones más famosas de sus discografía y en los 90 volvió a escena gracias a una película, nos estamos refiriendo a “Oh Pretty Woman”, grandiosa canción. Chuck Berry edita su tercer single después de su salida de la cárcel, “You never can tell” y no dejamos el cine, porque en este caso fue Tarantino el que rescato el tema en la película Pulp Fiction. Esta canción cuenta la historia de una pareja de adolescentes que se casan y permanecen juntos. James Brown 

The animals vuelven a la carga después de su éxito “The house of the rising sun” con una composición propia titulada “I’m crying”, y meses después editar su primer álbum que contendría canciones como “She said yeah” o “Boom, boom”. The High Numbers es ni más ni menos que el embrión de un grupo Ingles que pasaría a la historia con el nombre de The who, pero en esa época los managers tenían mucho poder y les impusieron el nombre. El primer tema editado por este grupo fue “Zoot Suit”. Manfred Mann, uno de los grupos más importantes e interesantes del Reino Unido de comienzos de los años 60, que supo combinar muy bien el estilo R&B y jazz (la verdadera pasión de la banda), con el pop más pegadizo, publican su clásico "Do Wah Diddy Diddy" original del grupo Exciters. Otro de los grandes temas del grupo fue “Smokestack Lightning”, gran versión del original de Howlin' Wolf. 

The kinks

The kinks no habían tenido aún éxito, y estaban al borde de su disolución hasta que publicaron, la canción que para muchos es el germen del Heavy o del Punk, “You really got me” tiene uno de los riffs más gloriosos de la década, Dave Davies consiguió el sonido sucio de la guitarra al cortar el cono del altavoz de su amplificador con una cuchilla de afeitar. La vibración de la tela produjo un efecto conocido como "fuzz", según Dave, el corte del amplificador ocurrió en su habitación en el norte de Londres cuando estaba furioso: había dejado embarazada a su novia, Sue Sheehan, y sus padres querían evitar que se casaran. En lugar de autolesionarse, usó la cuchilla del amplificador para canalizar su ira. Este éxito les llevo a la publicación de su primer EP con 6 canciones entre las que encontramos “Beautiful Dalilah” versión de un tema de Chuck Berry. Posteriormente publicaron uno de sus pelotazos, la canción lleva por titulo “All day and all of the night”, podemos intuir algunas similitudes entre esta canción y la canción de 1968 de los Doors "Hello, I Love You". Según Ray Davies, su editor quería demandar a The Doors, pero Ray se negó a emprender acciones legales. Them fue una banda norirlandesa de rock formada en Belfast en abril de 1964, y es conocida por ser la primera banda de Van Morrison, este año publicarían “Don´t start crying now”, a finales de año editarían “Baby, Please Don't Go”, canción que serviría de sintonía a un programa de televisión y que los lanzó a la fama, posteriormente ese éxito fue refrendado con “Gloria” un tema que solo justifica la existencia de un grupo.

The supremes consiguen su segundo número uno, con “Baby Love”, quizá una de sus canciones mas famosas, un tema sobre el inocente amor adolescente. El siguiente de sus números unos fue “Come see about me”. The Drifters publican "Under the Boardwalk", la canción debía grabarse el 21 de mayo de 1964, pero el cantante principal de la banda, Rudy Lewis, murió de una sobredosis de heroína la noche anterior y la canción fue interpretada por Johnny Moore. Martha and the Vandellas fueron uno de los grupos de Motown más exitosos de The Motown, “Dancing in the streets” fue compuesta por Marvin Gaye, Ivy Jo Hunter y William "Mickey" Stevenson, fue escrita durante el apogeo del movimiento de derechos civiles en los Estados Unidos, y muchos afroamericanos la interpretaron como una llamada "manifestarse en las calles" de todas las ciudades que nombraba la canción. Joe Cocker ficha por el sello Decca y lanza una versión de una canción de The Beatles “I´ll cry instead”, no volvería a publicar nada en solitario hasta 1968.