Canciones que nos emocionan: Temple of the King, Rainbow

Ritchie Blackmore's Rainbow

     Corría el año 1974, y Ritchie Balckmore que estaba en Deep Purple por entonces no estaba nada contento con la dirección que el grupo estaba tomando, pues desde la llegada de David Coverdale y Glenn Hughes el grupo estaba derivando hacia un sonido influenciado por el funk rock. Por este motivo a principios de 1975 Blackmore decide abandonar Deep Purple y decide crear su propia formación. Para ello decide recurrir al grupo Elf, el cual solía tenlonear asiduamente a Deep Purple y ficha a todos menos al guitarrista (Steve Edwards), quedando el grupo conformado por el mismo Ritchie como lider y guitarrista, Ronnie James Dio como vocalista, Mickey Lee Souley a los teclados, Craig Gruber al bajo y Gary Driscoll a la batería. 

     Una vez conformado el personal del grupo, Ritchie decide ponerle el nombre de Ritchie Blackmore's Rainbow, pues en un principio la idea del mismo Ritchie sobre el grupo y en concreto este álbum es que sea concebido como un disco en solitario de él.  posteriormente a éste lp Ritchie despediría a todo el personal del grupo menos a Dio, ficharía a otros músicos y acortaría el nombre de la formación pasando a llamarse Rainbow.

Pero volvamos al momento en el que ya tiene Ritchie Blackmore's Rainbow conformado, en febrero de 1975 se van a Munich (Alemania) y se meten en los Musicland Studios, donde en apenas un mes graban el material de éste álbum debut, siendo publicado en agosto de 1975  por la discográfica Polydor para Gran Bretaña, Estados Unidos, Canada, Alemania y Japón, y por la discográfica Oyster para el resto de Europa.

     En éste álbum se encuentra otro de esos temas que a mí me emocionan, Temple of the King, el cuál había sido compuesto por Dio y Balckmore. El tema en cuestión habla de un hombre que buscando respuestas emprende un viaje espiritual al misterioso templo del rey, donde acaba encontrándolas. La idea de la composición del tema se le ocurrió a Blackmore, el cuál ya practicaba yoga mucho antes de que se pusiera de moda, y encontrándose viendo un programa de yoga para la salud se le ocurrió hacerlo. 

En cuanto a la parte musical del tema, para su grabación se utilizaron dos guitarras clásicas y una guitarra eléctrica, aunque la eléctrica se escucha muy en el fondo y se percibe a duras penas. Para la melodía usaron una progresión medieval. En un principio, Blackmore quería que el tema comenzara diciendo One day in the year of the badger (un día en el año del tejón), pero debido a la dificultad para cantar esa estrofa se acabó decantando por One day in the year of the fox (un día en el año del zorro).

One day in the year of the fox

Came the time remembered well

When a strong young man of the rising

sun with the tolling of the great bell

One day in the year of the fox when the bell began to ring

When the time had come of one to go to the temple of the king

There in the middle of the circle he stands searching seeking

With just one touch of his trembling hand the answer will be found

Daylight waits while the oldman sings heaven help me

And then like a rush of a thousand wing it shine upon the one

And the day had just begun

One day in the year of the fox came the time remembered well

When the strong man of the rising sun

of the tolling of the great black bell

One day in the year of the fox when the bell began to sing

It when the time had come for one to go to the temple of the king

There in the middle of people he stands seeing feeling

With just the wave of his strong right

hand he's gone... to the temple of the king

Far from the circle of the edge of the world he's hoping wondering

Thinking back of the story he's heard of what he's going to see

There in the middle of circle it lies heaven help me

But all could see by the shining of his eyes the answer has been found

Back to the people in the circle he stands hearing feeling

With just one touch of his strong right hand they know...

Of the temple and the king

     Este tema no fue tocado por el grupo hasta mediados de los años 90, y tiene su explicación, según Blackmore el tema contenía unas armonías vocales bastante extrañas en la parte central de la canción y no creía que fuera un tema adecuado para tocarlo en directo. 

    Temple of the King es uno de esos primeros temazos que Blackmore y Dio nos regalarían y que auguraba lo que todavía estaba por llegar y de lo que eran capaces de hacer juntos.

La música en historias: Malik Yaqub, una estrella en la Gran Vía

Malik Yakub, una estrella en la Gran Vía

En los primeros años de la década de los 2000 yo estaba trabajando en plena Gran Vía madrileña, un lugar que ahora es un templo al consumismo y un hormiguero de tiendas de ropa de primeras marcas, pero que por aquel entonces todavía tenía una aureola artística, fomentada no solo a través de los teatros y los grandes estrenos cinematográficos en cines de otro tiempo, sino también por las viejas tiendas de discos de segunda mano de sus alrededores, como pequeños afluentes que confluían en el mítico y ya desaparecido Madrid Rock, dónde casi a cualquier hora podías encontrar en su puerta a los hermanos Alcázar, los eternos "heavies de la Gran Vía". Apostados en la barandilla, frente al lugar en el que estuvo la tienda de discos, siguen resistiendo al sistema y siempre dispuestos a mantener una buena conversación sobre rock o sobre la vida en general.


En aquel hervidero artístico, día sí y día también, encontrabas artistas y grupos de música tocando en las calles o en el metro, poniendo banda sonora al variopinto collage de tendencias y tribus urbanas que pululaban por la gran arteria madrileña. Y en ese mundo colorido, protegido del frío en el pasillo de la estación de metro de Gran Vía o en la fachada de la FNAC de la calle Preciados, un viejo saxofonista de color deleitaba a los transeuntes con versiones de clásicos del Jazz como John Coltrane o Charlie Parker.

Como el músico frustrado que soy, he tenido momentos en los que he intentado aprender a tocar con mayor o menor empeño, y en aquella época mi novia me regaló por mi cumpleaños un teclado de piano eléctrico, que nunca he llegado a saber tocar pero que en aquel momento fue el comienzo de una idea loca, por la que cada día al salir del trabajo grababa en un rudimentario mp3 a los músicos ambulantes que me encontraba, para después crear mezclas en las que añadía mis partes de piano u otros instrumentos a través de efectos de sonido que descargaba por internet. Y así fue como conocí a Malik Yaqub, en una fría noche en la que me acerqué para pedirle que tocara algún tema de Jazz, a lo que me contestó con una sonrisa y un "¡I will play Charlie Parker, old style!" (tocaré algo de Charlie Parker, al estilo antiguo). Aquel día le pregunté su nombre, y comencé a buscar información sobre su pasado y su trayectoria musical:

Nacido en Kansas City (Estados Unidos), su nombre original era Mack Spears, y había sido un reconocido saxofonista de jazz con varios discos publicados y colaboraciones con otros artistas relevantes del género. De Kansas City se trasladó a San Francisco, dónde empezó a darse a conocer y a tocar con músicos de la talla de John Coltrane o Miles Davis. Al parecer fue Davis quién le recomendó que se trasladara a Nueva York, lo cuál hizo en 1956.

En la Gran Manzana vivió las dos caras del mundo de la música, el reconocimiento de importantes músicos que quisieron contratarle, pero también la cara oscura del mundillo y las drogas que lo rodeaban. Su negativa a alistarse para la guerra le llevó a una cárcel cerca de la frontera de Canadá, donde su talento quedó tres años encerrado. Allí dedicó el tiempo a aprender árabe y formar una big band con otros reclusos.

Tras su etapa entre rejas, viajó a Egipto con una beca de estudios, y siguió formando bandas con las que incluso llegó a tocar ante la familia del Presidente Nasser. En 1967, ante el inminente conflicto bélico, abandona Egipto hacia destinos tan variopintos como Sudán o Etiopía. En este último destino, según las historias que el propio Malik contaba, su majestad imperial Haile Selassie le otorgó el título de "Rey del Jazz"

De vuelta a Estados Unidos, fundó "House of Yaqub", su propio sello discográfico, con el que graba varios discos de jazz. Desde 1988 encontró en Madrid su residencia fija. En mi segunda y última visita al pasillo del metro de Gran Vía, tenía varias copias disponibles de algunos de aquellos discos, y no pude evitar comprarle un par de ellos, que ahora son tesoros de mi colección. Aquel día estaba ya recogiendo cuando llegué, le brillaban los ojos mientras explicaba que uno de los discos estaba grabado en un concierto en Alejandría, mientras el otro era un disco de estudio en el que en la portada aparecía junto a su mujer de entonces, una bella afroamericana a la que dedicaba un tórrido tema (Music for the four in one) sobre una noche en la que les dio tiempo a cuatro...
Sin duda eran otros tiempos para el gran Malik. Mi dinero y sus discos cambiaron rápidamente de manos para convertirse en su dinero y mis discos. Con más parsimonia, recogió su saxofón y su silla plegable e inició su camino hacia la noche para, en palabras del maestro Sabina, "perderse en el trajín de la Gran Vía".

Fue la última vez que le ví. En 2006 trasladaron mi centro de trabajo a las afueras de Madrid. Mi gran idea de grabar a músicos ambulantes nunca llegó a buen puerto, y años después se me adelantó Mark Johnson con el proyecto musical de "Playing for Change". Una éxitosa iniciativa de grabar a músicos callejeros de distintos países y culturas, pero marcada por un gran fallo imperdonable. No contó con Malik Yaqub para la grabación de aquel disco. Lo siento Mark, por muy bien que te quedara "Stand by me", tú no tienes a Malik Yaqub grabado en mp3 tocando en la Gran Vía, ni los dos discos que le compré en el metro. A pesar de no ser copias originales, son un recuerdo inborrable de aquellas dos breves interacciones con el "Rey del Jazz".

Malik nos dejó en 2012 en un hospital madrileño a causa de un enfisema pulmonar, pero ya por entonces todo estaba perdido. Los hermanos Alcázar ya habían experimentado el duro cambio de pasar del Madrid Rock del que emanaban sonidos de los Zeppelin o los Doors, a tener que escuchar la música del Bershka en el mismo nº 25 de la Gran Vía, a pocos pasos de la parada de metro en la que un hombre que tocó ante reyes acabó tocando para los transeuntes que pasaban cada día por su lado sin detenerse. Miles de almas yendo y viniendo a alguna parte, sin percatarse de tener a una leyenda viva del jazz delante de sus ojos. Plantado delante de la fachada del Primark, yo también comprendí que ya era tarde. El Rey ha muerto, larga vida al Rey.

El disco de la semana 133: Junior Wells - Hoodo Man Blues

Hoodoo man Blues

     

     Salvaje y rebelde, así es como se le recuerda, pero con demasiado talento con una armónica  como para no aprovecharlo, y eso lo sabía todo el mundo en la escena de Chicago y por eso sus servicios eran muy demandados. Un talento que dejaría plasmado con la publicación de su primer disco, un disco que es catalogado como uno de los mejores álbumes de blues jamás editados, el álbum en cuestíon es Hoodoo Man Blues, grabado en 1965 por Junior Wells.

     Amos Welss Blakemore Jr "Junior Wells" nace en 1934 en Memphis, Tennessee (Estados Unidos), y comienza a tocar la armónica a la edad de siete años con su primo Junior parker, posteriormente pasaría a recibir las enseñanzas del mismísimo Sonny boy Williamsom II. En 1948 y justo tras el divorcio de sus padres, Junior se traslada con su madre a vivir a Chicago, donde se empezaría a  mimetizar con el entorno del blues de Chicago y empezaría a tocar con músicos de allí y en fiestas y locales. la primera banda de la que forma parte es The Aces, grupo que desarrolla un blues más moderno y evolucionado. En 1950 intenta entrar en la mismísima banda de Muddy Waters, pero es rechazado no por su innegable talento, es rechazado porque no llega al micrófono. Perseverante él, consigue entrar dos años más tarde en sustitución de Little Walker.

      Después de sus servicios con Muddy Waters, Junior durante los años 60 pone su armónica al servicio de Buddy Guy, esa estrecha relación musical nos deja aportaciones de indudable valor, uno de ellos es el primer disco que graba en solitario Junior. En 1965 y fruto de esa relación con Buddy, Junior le pide que aporte su guitarra en la grabación de su primer disco, algo a lo que Buddy acepta.

     Hoodoo Man Blues es grabado y publicado por la discográfica Delmark Records. Bob Koester, el fundador de Delmark Records y uno de los descubridores de Junior, a pesar de la preocupación por la respuesta comercial que pudiera tener el disco debut de un todavía desconocido Junior Wells, sabía que tenía tanta calidad y le gustaba tanto que tuvo los arrestos de darle la libertad suficiente para elegir sobre los temas y la grabación del disco. Esta apuesta se tradujo en que Hoodoo Man Blues se convirtió en el disco estrella en ventas de Delmark Records y sentó las bases de la increíble carrera de Junior Wells. Además ha sido reconocido por la crítica especializada como uno de los mejores álbumes de blues jamás grabados, tanto es así que una copia original se guarda en el Registro Nacional de Grabación de Estados Unidos (Serie de grabaciones que se consideran  cultural o históricamente importantes y que reflejan la vida y la historia de Estados Unidos).

     En la grabción participó Buddy Guy. Buddy tenía contrato con la discográfica Chess Records, y esta al final accedió a que participara pero no permitió que su nombre apareciera en los créditos del disco, Buddy aparece acreditado en el disco con el nombre de Friendly Chap. Otra curiosidad de la grabación del disco es que el amplificador de Buddy Guy no funcionaba correctamente, así que ingeniaron una solución, conectaron la guitarra al altavoz Leslie del órgano hammond que había en el estudio.

     Hoodoo Man Blues es un disco que capta excelentemente toda la esencia del Chicago Blues (sonido blues de Chicago).  Algunos de los temas que nos podemos encontrar son:

Good Morning Schoolgirl, un blues tradiconal del que se desconoce la autoría y que fue grabado por primera vez en 1937 por Sonny Boy Williamson I en 1937.

Houng Dog, una eléctrica pieza llena de ritmo escrita por Jerry Leiber y Mike stoller y grabado por primera vez por Big Mama Thornton. Aunque la versión que más se recuerda de este tema es la realizada por Elvis Presley en 1956, versión que está catalogada en el puesto número 19 de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos hecha por la revista Rolling Stone.

In the Wee Hours, donde Junior nos demuestra que además de meter ritmazo a sus temas también sabe hacer temas lentos llenos de sensibilidad que llegan al corazón.

Early in the Morning , otro blues tradicional que fue grabado por primera vez por Sonny Boy Williamson I.

You Don't Love Me baby, con una genial melodía de guitarra de Buddy que hace que se nos despeguen los pies del suelo y nos pongamos inmediatamente a bailar.

Chitlin con Carne, fantaśtico tema compuesto por Kenny Burrell en 1963 y donde el dueto guitarra de Buddy y Junior es sensacional.

Hoodoo Man Blues, un fantástico tema que había sido grabado por Junior años atrás en un disco de 78 rpm, y que una vez fue presentado a cierta emisora de radio, y se cuenta que este tema fue rechazado y de malas formas la tiraron al suelo y la pisotearon. Un tema que Junior no iba a incluir debido a aquella desagradable experiencia y el mal trago que pasó con este tema, pero al final se decidió a incluirlo gracias a Bob Koester que le animó a ello.

     En la contraportada del disco aparece además una historia de cómo Junior se hizo en su juventud con una armónica y además evito ir a la carcel por ello, una historia que ya contamos aquí en 7dias7notas, "La armónica de Junior"

     Si cogemos una coctelera y mezclamos a Junior Wells, uno de los mejores armonicistas de blues, a Buddy Guy y a Bob Koester que tuvo los arrestos de dejarle libertad para la creación de su primer disco, nos da como resultado Hoodoo Man Blues, uno de los mejores discos de blues que nos podemos encontrar.

Historia del rock and roll: 3.- Años 40

Continuamos la historia del rock and roll y nos detenemos en los años 40, el blues y el Country se habian establecido en nuestras vidas como una música de éxito acompañando a las orquestas que por aquel entonces llevaban ventaja y tenían un merecido prestigio, bandas como Grand Terrace de Chicago, La big band de Benny Goodman o La orquesta de Artie Shaw inundaban la radio y los locales musicales.

Louis Jordan

Pero otro grupo de músicos seguían aflorando en esta ocasión era el momento de la presentación de Louis Jordan acompañado del guitarrista Carl Hogan y su tema "Ain't That Just Like a Woman (They'll Do It Every Time)" que años mas tarde Chuck Berry lo llevo a una dimensión superior, ya que el sonoro riff de guitarra que se escucha en la apertura de “Johnny B. Goode”considerados como uno de los más famosos de la historia de rock and roll, es similar al de esta canción.
Otro gran maestro de esa época fue T-Bone Walker, discipulo de Blind Lemon Jefferson (del que hablamos en el episodio anterior, llevo los acordes del jazz al blues y creo lo que se denomino el  el blues eléctrico moderno, es conocido que B.B. King lo ha citado como una de sus primeras influencias; son famosos sus temas "I Got A Break, Baby"  y "Call it stormy morning".

Sonny Boy Williamson

Otro de los grandes artistas de Blues de esta época es Sonny Boy Williamson, de acuerdo con algunos documentos, nació en la plantación de Sara Jones en Glendora, Mississippi, y de su infancia se sabe que trabajó al lado de su padrastro Jim Miller y su madre Millie Ford. Hacia mediados de la década de 1930 viajó por el Delta bajo el alias de Little Boy Blue, tocando al lado de Robert Johnson, Robert Nighthawk, Ronert Jr. Loockwood y Elmore James en los juke joints, fiestas y bazares de la zona.
En 1940 fue la estrella de King Biscuit Time, el primer programa de blues en la radio, en directo se caracterizaba por tocar solos de armónica y al final tocar sin las manos, únicamente colocando la armónica entre sus labios mientras chasqueaba los dedos y luego aplaudía, algo impresionante. Son famosos sus temas "Don´t stormy to taking" , "Your Funeral… My Trial" que años mas tardes fue  versionada por Nick Cave.

Muddy Waters

Es también en estos años 40 cuando hace su aparicion en escena Muddy Waters, considerado el padre del Chicago blues, disfrutaría de éxitos que se convertirían en clásicos del blues como “Rollin’ Stone”, “Hoochie Coochie Man”, “Rollin’ and Tumblin” o “Mannish Boy”. Sexualizó el blues de una forma que luego sería explotada por las estrellas del rock and roll. Su música y puesta en escena poseían un magnetismo animal pocas veces visto anteriormente y en las letras de sus canciones el
lamento del blues pasó a ser una proclama sexual; todo esto, junto con la electrificación de su sonido, llevó al blues a una nueva era que contribuiría de forma decisiva en el nacimiento del rock and roll.
B.B. King le dedico estas palabras  “Muddy puede haber sido el más magnífico de todos los bluesmen en salir de Mississippi (…) ninguno tenía la autoridad de Muddy. Él era el jefe de Chicago y la razón por la cual algunos llaman a Chicago el hogar del blues”.

Pete Seeger

Alejado de la influencia del Blues y el Country aparece el folk, y en esta decada es cuando destaca Pete Seeger, que instaura la cancion protesta izquierdista,  en marzo de 1940, en un concierto
benéfico por los trabajadores inmigrantes, Seeger conoció a Woody Guthrie. Ambos pusieron en común su necesidad de transformar la realidad social a través del folk, al que añadieron nuevas texturas y una vena muy combativa en todas sus letras y mensajes. 



Nos encontramos ya en Estados Unidos deprimido tras la Segunda Guerra Mundial y las familias se refugian en la musica, es en esta época donde un hubo un enorme auge de las ventas de discos, para la historia quedara Bing Crosby y su cancion White Chrismast que no podía faltar en cada hogar, esta considerado el sencillo más vendido de todos los tiempos, con ventas estimadas en más de 50 millones de copias en todo el mundo. Es también cuando aparece una figura que hoy esta mas en boga que nunca, se crea la figura del disc jockey, y tanto auge en el mercado musical trae consigo la aparición de firmas como Capitol, fundada en Hollywood y Mercury en 1945. Fue en 1948 cuando nace el disco de doce pulgadas y que gira a 33 RPM, el vinilo clásico que tanto hemos disfrutado los amantes de la música

La música en historias: Zombie's party, la mejor crítica sobre Prince

El 21 de Junio de 2019, tres años y dos meses después de la muerte de Prince, y como parte de la cantidad de material inédito que tenía en su famosa cámara acorazada de Paisley Park, salió a la venta "Originals", recopilación de 15 de las canciones que escribió para otros artistas, pero en las versiones previas que Prince interpretó y que habían visto la luz al convertirse finalmente en regalos para otros. No faltan en esta entrega, entre otros, temas míticos como "Manic Monday" para The Bangles, "Love thy will be done" para Martika y, por supuesto, "Nothing compares 2U" inicialmente para The Family y popularizada en la versión de Sinead O'Connor.

"Originals" es la segunda entrega de la encomiable labor arqueológica de rebuscar entre los cientos de temas enterrados en "La bóveda" y publicarlos de manera ordenada y asegurando unos altos estándares de calidad. La primera fue "Piano and microphone 1983", que contenía nueve temas (dos de ellos inéditos) grabados por Prince al piano en su estudio casero, y que aparecieron grabados en una cassette en la cámara acorazada.

Como hice con cada una de sus publicaciones en vida, desde que le descubrí en 1988, he esperado con avidez esta nueva entrega, y tras escucharla fui de nuevo, como tantas y tantas veces, a buscar información en internet para regocijarme en las buenas críticas y discrepar con las malas. Estando en mitad de este proceso, un pensamiento me vino a la cabeza:
Después de haber leído tantas críticas sobre Prince y sus discos... ¿Cuál sería la mejor crítica que se ha hecho sobre la genialidad de este músico y su vasta obra?


La respuesta no la encontré en las sesudas disertaciones de críticos musicales, ni en las generosas alabanzas de otros artistas rendidos ante la calidad de las entregas del genio de Minneapolis. Tampoco entre los sentidos homenajes y comentarios de sus fans más enfervorecidos. La respuesta, amigos míos, la encontré en la película Zombie's Party. Y os aseguro que no me he fumado nada parecido a lo que pudieran haberse fumado los guionistas de esta irreverente y genial película, en la que los zombies vagan libremente por Londres. El caos consecuente pilla al protagonista y su amigo en casa, escuchando por el noticiario que la única manera de matar a los zombies es "arrancarles la cabeza o destruirles el cerebro".


Asustados por lo que está ocurriendo, salen al patio trasero. Un par de zombies se les acercan caminando lentamente, a lo que responden lanzándoles sin éxito todo tipo de objetos. En un momento de desesperación, el amigo les arroja un disco de vinilo que estaba tirado en el suelo, entre el desorden de los objetos desperdigados. El protagonista intenta evitarlo: "¡No, no, es el segundo disco que me compré!", pero al ver que un trozo del disco se clava en la cabeza de uno de los zombies, van a la casa y vuelven con la colección de vinilos. Mientras los zombies siguen acercándose, buscan nerviosos en la colección de discos:

-"Ahhh... ¿Purple Rain? - pregunta el amigo.
-"¡Noooo!" responde el protagonista.
-"¿Sign of the times?
-"¡Ni se te ocurra!"
-"¿La banda sonora de Batman?"
-"¡Tíralo!"



No se me ocurre otra crítica tan directa, concisa, divertida, irreverente y, por qué no decirlo, acertada. Después de una década facturando obras maestras como si los discos le crecieran en el jardín de Paisley Park como setas, el encargo para la banda sonora del murciélago de Tim Burton era una colección de temas muy desiguales. Temas como "The Future", "Electric Chair", "Partyman", "Vicky Waiting", "Scandalous" y "Batdance" plasman bien la atmósfera de la película y cumplen con lo exigible a un artista de su altura, pero el resto son temas que no pasan de ser mero material de relleno.

Si aplicamos la escena de Zombie's Party a la reciente entrega de "Originals" o a la anterior "Piano and microphone 1983", ¿habrían sido preservadas por su calidad o arrojadas sin piedad a los zombies? Según Michael Howe, la persona designada por los herederos y la discográfica Warner para la labor de arqueología y selección del material contenido en la bóveda, solo saldrá a la luz material que esté a un nivel de calidad muy alto, para preservar y respetar su enorme legado artístico.

Salvamos entonces estas dos publicaciones por su valor histórico y su nivel artístico, pero echamos de menos que, después de tanto tiempo, aún no hayan podido regalarnos un disco completo de canciones inéditas nuevas. Uno que podamos mantener, junto a Purple Rain y Sign of the times, en nuestra colección de vinilos, incluso ante la amenaza de unos zombies sedientos de nuestra sangre. Tres años y dos meses después de la muerte de Prince, quizá haya llegado el momento de ponerse en pié para pedir esto, al igual que "llega un momento en la vida de todo hombre en el que ha de levantarse del sillón y matar unos zombies"

Escena completa de Zombie's Party y los vinilos:
https://www.youtube.com/watch?v=LakThNl4eIc

La música en historias: Muddy Waters y Los Rolling Stones

Rolling Stones

     Rollin' Stone fue el primer tema de éxito que grabó Muddy Waters allá por el año 1948 con el sello Aristocrat, un sello que en 1950 es adquirida por los estudios Chess Records ubicados en chicago, compañía que ese mismo año lanza el tema y lo convierte en todo un éxito. El tema fue compuesto por Muddy Waters el cuál hizo su propia versión de un tema del bluesman de Mississippi Robert Petway llamado Catfish Blues. Una de las novedades que introdujo en el tema fue que a diferencia de Robert, Muddy lo grabó con guitarra eléctrica. 

     El título del tema fue cogido de un antiguo proverbio que dice algo así como "una piedra rodante no coge musgo", y en el tema Muddy nos cuenta que sueña con ser un pez gato y con bellas mujeres que intentan atraparlo, y en vez de sentar la cabeza, la piedra de Muddy va deambulando por el barrio llamando y visitando a las vecinas cuando sus maridos no están en casa.
El éxito de éste tema supuso el incio de la carrera de Muddy, uno de los músicos más influyentes del Blues y unos de los padres del llamado Blues de Chicago.

      ¿Y que relación puede tener Muddy Waters con los míticos Rolling Stones, y en concreto con éste tema en cuestión?
Muy sencillo, allá por el año 1962 el grupo de Jagger, Richards, Jones y compañía habían conseguido su primer concierto, y resulta que no tenían todavía un nombre para el grupo. Por cosas del destino observaron que en el suelo había un disco en el suelo titulado The Best Of Muddy Waters, al coger esa copia y darle la vuelta observaron que en el listado de canciones había una titulada Rollin' Stone. Al momento de ver el título de este tema lo tuvieron claro, su grupo se llamaría The Rolling Stones. A partir de aquí iniciaría el vuelo una de las bandas de rock más exitosas del planeta.    

La música en historias: El manuscrito en la botella ha llegado a otras costas

EL MANUSCRITO EN LA BOTELLA: NUEVAS COSTAS

Una nueva botella ha llegado a las costas de 7dias7notas, era una botella particular, llevaba una etiqueta rasgada seguro por las olas del mar, pero aun nos dejaría ver parte de lo que existió alguna vez en su interior, la palabra tequila nos adelantaba el origen de este mensaje. 

Me imagine por un momento el sabor de ese tequila añejo, el mismo que seguro dio el impulso a nuestra nueva amiga a escribir este mensaje antes de lanzarlo al mar, con la ESPERANZA de que llegue a nuestras costas. 

Y porque la esperanza es lo último que se pierde, en este mar de miles de botellas perdidas, decir que desde muestro México querido ha llegado una nueva historia a compartir con todos uds:

"Hola me encanta tener un espacio donde escribir acerca de algo que me apasiona que es la música, les escribo desde el país del picante, tequila y mezcal, donde abundan los mariachis, y los diversos ecosistemas (selvas, bosques, manglares y playas de agua tibia), entre otros por supuesto de México.

Y hoy quisiera compartir algo de una banda que a mi particularmente me gusta por la peculiaridad de la voz del cantante; Zoé es una banda musical mexicana de rock alternativo formada en 1995 en Cuernavaca y oficializada en la Ciudad de México en 1997. La misma es liderada por León Larregui (voz) y conformada además por Sergio Acosta (guitarra), Jesús Báez (teclados), Ángel Mosqueda (bajo) y Rodrigo Guardiola (batería).

Zoé es conocida por su estilo único, el cuál incorpora elementos de rock psicodélico, rock progresivo y de música electrónica. La banda también ha estado influida por el músico Saul Hernández, (vocalista de Caifanes y Jaguares) quien le diera gran impulso en sus inicios, y por Gustavo Cerati.

Sus inicios no fueron fáciles, pero gracias a su participación con un tema en la película mexicana "Amarte duele" con el tema "Soñe" empezaron a ser reconocidos. 

Han pasado por varias etapas, a mi particularmente me encanta un tema que se llama "Nada" que luego hicieron a dueto con Enrique Bunbury, pero para mi el original es el mejor... vale la pena explorar en su música porque creo que todos los temas aportan algo, nos transportan, nos despiertan alegría o nostalgia.

En algún momento se separaron, pero en el 2018 vuelven a escena con un disco que se llama Aztlan, el cual vale muchísimo la pena.

Les comparto el link de una de las canciones de este disco espero les guste…."

Hielo - Zoé

https://youtu.be/lZHyGdYwynM

El disco de la semana 132: After Chabón - Sumo

El disco de la semana 132: After Chabón - Sumo 

Sumo Integrantes

Para cerrar con la frutilla del postre, luego de haber hablado de Sumo, Divididos y Las Pelotas, nos quedaba recomendar en el disco de la semana, uno de sus discos.
Para ello he elegido After Chabón el tercer y último disco de la banda, que para mi el mejor de ellos, la mezcla de ritmos demuestra la versatilidad de la banda y porque son un icono en la música Argentina, un viaje entre los sonidos del Post-Punk, Reggea, Rock Alternativo, y una selección de canciones de las cuales no podemos decir cual de ellas es el hit en este disco, sino una variedad enorme de hit en un único disco, con letras en inglés y castellano que dejara una enorme huella en el rock argentino. 


El álbum esta compuesto por 12 canciones, las cuales como hemos comentado muchas de ellas se han convertido en hit del rock nacional, ejemplo de ello son "Crua Chan" con sonidos escoceses como parte de la historia de Luca Prodan, cuando vivía en Gran Bretaña, recordemos que Luca Prodan se crío en Escocia y fue educado en el colegio Gordonstoun done estudiaron el Principe de Gales y el Duque de Edimburgo. 

Afiche Concierto 

Pero Luca junto a Sumo, prefieren la rutina de un barrio de Buenos Aires, y esto lo demuestra en "Mañana en el Abasto", con una letra simple de lo que pudieran suceder en un día cualquiera de este barrio del Abasto, donde el mismo pasara sus últimos días. 

Simplemente After Chabón no es más que un disco que habla de situaciones cotidianas del día a día. 

Ya hemos dicho que esta compuesto por 12 canciones, y fue editado por la discográfica CBS en el año 1987, mismo año en el que Luca fallecería el 22 de diciembre, la idea de la tapa del Disco fue Roberto Pettinato uno de los integrantes del grupo. 

El disco fue presentado en el mítico estadio Obras Sanitarias de la Ciudad de Buenos Aires, frente a 4 mil personas, y junto a otros artistas como Andres Calamaro, pero Luca ya no estaba bien para afrontar un show, y menos una gira. 

Pero vayamos a la música que nos dejo esta enorme banda: 

Mañana en el Abasto 
https://youtu.be/HcwACucE5AQ

Crua Chan
https://youtu.be/HdIUtNpkKhs

Noche de paz 
https://youtu.be/hBgX0s5VxlM

Y también te invito a buscar en Youtube el resto de las canciones del disco After Chabón porque no te lo tenes que perder. 

Lista de temas:

1. Crua Chan 
2. No tan distintos 
3. Banderitas y globos 
4. Mañana en el Abasto 
5. Hola Frank 
6. Ojos de terciopelo 
7. Lo quiero ya 
8. La gota en el ojo 
9. El cieguito volador 
10. No te pongas azul 
11. Noche de paz 
12. Percusion baby 

Hemos hablado muchísimo de Luca, Sumo, y de las dos bandas de rock que se conformaron luego de la muerte de Luca, pero considero que semejante banda, podríamos estar hablando constantemente que siempre saldrán nuevas historias, porque la eternidad existe y no tienes que ir muy lejos para descubrirla, puedes descubrirla en After Chabón. 

Daniel 
Intagram Storyboy

Historia del rock and roll: 2.- Pioneros del Blues años '20 y '30

Mamie Smith

El blues ha evolucionado de una música vocal sin acompañamiento, interpretada por trabajadores negros pobres, a una gran variedad de subgéneros y estilos, con variedades regionales a lo largo de todo Estados Unidos y, posteriormente, de Europa y África Occidental.
La primera aparición del blues no está bien definida y suele datarse entre 1870 y 1900, en un periodo que coincide con la emancipación de los esclavos y la transición de la esclavitud hacia la agricultura a pequeña escala en el sur de Estados Unidos.

Bessie Smith

La música negra seguía en lo suyo. Llegamos al primer disco de jazz que se grabó en Nueva York en 1917. Por su parte Crazy Blues de Mamie Smith (1920) fue el primer blues que se convirtió en un éxito nacional. Y Bessie Smith conocida como la "Emperatriz del blues"fue la primera gran estrella del blues. Su talento, su voz inigualable y su ímpetu la llevaron a vender miles de discos en los años 20. Amante de los vicios, vivió siempre en el exceso. Influyó en el rock de los 70, donde Janis Joplin la idolatraba. Murió desangrada porque rechazaron atenderla en varios hospitales de blancos., su carrera fue breve debido a una combinación de alcoholismo, los efectos de la Gran Depresión (la cual paralizó toda la industria discográfica) y el nacimiento del vodevil.  Ninguno de ellos era un músico de blues real (itinerante, intérprete callejero del sur).

"Blind" Lemon Jefferson

Pero en 1926 Blind Lemon Jefferson se convirtió en el primer músico de blues real, en entrar a un estudio de grabación grande, nacido ciego, de ahí su sobrenombre, inicio su carrera en Texas, trasladándose a Dallas y por Mississippi y Alabama, dentro de lo que se denominó blues rural, que van a ser fundamentalmente interpretes varones que se acompañaban a sí mismos (sobre todo cantantes guitarristas) y que habían desarrollado su carrera musical en locales de las pequeñas ciudades del Sur. Blind” Lemon Jefferson fue uno de los primeros un guitarrista y cantante callejero de Dallas que se llamaba que hizo una carrera que le llevó hasta Chicago donde grabó un disco. Su canción mas conocida fue "Black snake moan".
Lamentablemente 3 años después fallecía victima de un paro cardíaco.

Scrapper Blackwell fue un cantante y guitarrista estadounidense de Blues. Conocido por ser uno de los integrantes del dúo de guitarra y piano que formó junto a Leroy Carr a finales de 1920 y principios de 1930. Blackwell es definido como un guitarrista acústico excepcional del Chicago Blues.
Blackwell grabó en solitario el tema "Kokomo Blues" en 1928, y nueve años después, Robert Johnson hizo una versión cambiándole la letra y convirtiendo la canción en uno de los himnos del Blues y de la ciudad de Chicago. Se trata nada más y nada menos que del inmortal "Sweet Home Chicago"

Robert Johnson

La música negra, en particular, estaba en ascenso en todo el sentido de la palabra. Robert Johnson se ha convertido en el personaje más controvertido de la historia del blues, más amado por los historiadores y más odiado por muchos músicos, por ese eclipse que ha tenido sobre la mayoría de músicos a partir de los años 60-70 y sobre todo los 80, dotado de una técnica de guitarra muy depurada, es quizás uno de los primeros virtuosos de la guitarra de blues. También se ha convertido en la figura de mayor mitificación en torno a su persona. Una fecha simbólica es 1936, cuando el músico de blues  se grabó su primer disco. Un año después falleció en circunstancias prácticamente desconocidas. Robert Johnson también es conocido por una leyenda que dice que vendió su alma al diablo por poder tocar la guitarra como lo hacia.... ahí lo dejo.
En un 1939 Leo Mintz abrió una tienda de discos en Cleveland, "Record Rendezvous", que se especializaba en música negra y servía a una audiencia blanca: la música negra encontró una audiencia más allá del ghetto.

Canciones que nos emocionan: Las 5 de Bruce Springsteen

Bruce Springsteen

     47 años han pasado ya desde que John Henry Hammond, exitoso cazatalentos, músico, crítico y productor musical (responsable del éxito de grandes figuras musicales como Billie Holiday, Aretha Franklin, Bob Dylan, Leonard Cohen ó Stevie Ray Vaugahn entre otros) como responsable del sello discográfico Columbia Records se presentara un 2 de mayo de 1972 en Gaslight, un local de de Greenwich Village, zona situada al oeste de Manhattan (Nueva York) para audicionar a un joven de 22 años que se estaba jugando literalmente su futuro. Como no podía ser de otra forma John H. Hammond quedó impresionado con lo que allí aconteció y fichó para toda la todopoderosa Columbia Records a un desconocido Bruce Springsteen. 47 años después aquel chico que por aquel entonces contaba con 22 años acaba de publicar hace bien poco su álbum de estudio número 26 Western Stars y se ha convertido por méritos propios en uno de los grandes referentes de la música.

 Con todos vosotros Bruce Springsteen el "Boss" y los cinco mejores temas elegidos por vosotros:


     En quinta posición Dancing in the Dark con 39 puntos, incluida en el disco Born in the U.S.A publicado en 1984, fue el primer sencillo lanzado para la promoción del álbum y se convirtió rápidamente en todo un éxito, de hecho fué el mayor éxito cosechado por Bruce hasta entonces, vendiendo más de un millón de copias de este sencillo sólo en Estados Unidos. En este tema Springsteen habla sobre la dificultad que tenía para escribir canciones que gustaran a la gente y se convirtieran en singles de éxito, incluso se atreve a mandar un mensaje a la industria de la música: "They say got to stay hungry, Hey baby, i'm just about starving tonight (Y dicen que tienes que mantener el hambre, hey nena, esta noche estoy muerto de hambre). Este tema fue el último en ser escrito y surgió a raíz de que su manager John Landau le exigiera que escribiera un sencillo para el álbum. Al principio al Boss esto no le gustó y tuvo una discusión con Landau, pero después de aquella discusión se puso a escribirlo esa misma noche y al día siguiente ya lo tenía hecho. Landau consideraba que el Boss lo estaba haciendo muy bien, pues sus anteriores álbumes se podían considerar exitosos en el plano de ventas, pero quería que Bruce sacara un single de éxito para garantizar el estatus de superestrella, después de la ascendente carrera que estaba teniendo y así consolidarse en el panorama musical.


     En cuarta posición, con 41 puntos, Brilliant Disguise, incluida en el álbum Tunnel of Love publicado en 1987. Este tema fue grabado en el estudio propiedad de Bruce llamado Thrill Hill East junto a algunos de los miembros de la E Street Band. Springsteen tocó la mayoría de los instrumentos en este tema, siendo acompañado sólo por Roy Bittan a los teclados, Danny Federici al órgano y Max Weinberg a la batería. La letra trata de un hombre que está en conflicto a causa de una relación romántica, sus emociones, dudas, los celos y la ansiedad, y de la tristeza y amargura cuando descubrimos lo que hay realmente detrás de algunas personas a las que amamos. Aunque Bruce dijo que este tema no era autobiográfico, refleja su estado emocional durante esa época, pues en 1988 acabaría separándose de la que era su mujer Julianne Phillips y también rompería con su banda de toda la vida, la E Street Band. Este fue el primer sencillo del disco Tunnel of love, un álbum que grabó en su estudio casero en Nueva Jersey. El video del tema fue grabado con Springsteen cantando la pista de audio en directo.   


     Thunder Road ocupa el tercer lugar con 94 puntos, incluida en el tercer álbum de estudio de Springsteen, Born to Run, en 1975. El tema en un principio se tituló Wing for Wheels y al final se acabó conviritendo en Thunder Road. Para el título del tema, Springsteen se basó en un cartel que vio en el vestíbulo de un teatro, de una película de 1958 del mismo título, interpretada por Robert Mitchum. Para cantar el tema se inspiró en el registro vocal de Roy Orbison, al que rinde homenaje con la frase "...as the radio plays Roy Orbison singing for the lonely..." (mientras en la radio suena Roy Orbison cantando para el solitario).
El nombre de la niña de la canción también sufrió diversos cambios, pues en versiones primerizas la cantó mencionando nombres como Angelina ó Chrissie (Christina) hasta acabar decidiéndose por Mary, "Mary's dress..." (el vestido de Mary).
Las referencias a los coches, como sucede en este tema, son habituales en las canciones de Springsteen, pues le fascinaban en su juventud. Su primer coche fue un Chevy '57 (Chevrolet del año 57) con llamas naranjas pintadas en el capó.

     Born to Run en segundo lugar con 96 puntos, del álbum del mismo nombre que se publicó en 1975, aunque el tema lo compuso en 1974, y la primera vez que lo tocó fue el 9 de mayo de 1974 cuando hizo de telonero para Bonnie Raitt en Harvard Square, Massachusetts (Estados Unidos). Curiosamente, aquella actuación estuvo presenciada por el crítico de rock John Landau, que dijo del Boss: "Vi el futuro del Rock & Roll y su nombre es Bruce Springsteen". A raíz de aquello, Landau se convertiría en el manager del Boss y coproduciría el disco Born to Run. De hecho, coprodujo junto al Boss la mayoría de los discos desde éste hasta Human Touch.
     Springsteen, que escribió la letra del tema a principios de 1974 cuando se encontraba en su casa de Long Branch (Nueva Jersey), comentaba al respecto que se encontraba trabajando en ideas para sus canciones, tocando su guitarra en la cama, cuando le vinieron a la mente las palabras Born to run (nacido para correr). Pensó que era el título de alguna película que le venía a la mente, o algo que había visto mientras daba una vuelta en su coche. Aquella frase le gustó porque sugería un drama cinematográfico, al que le iría a la perfección la música que había estado escuchando en su cabeza. Ensambló la frase con la música de su cabeza y así nació Born to Run.

Y la ganadora con 114 puntos es The River, incluida en el quinto álbum de estudio de titulo The River y publicado en 1980. Springsteen la escribió para su hermana y su cuñado. El tema surge a raíz de una serie de conversaciones que Springsteen tuvo con su cuñado, que a finales de los años 70 perdió su trabajo y tuvo que luchar muy duro para sacar adelante a su mujer y a su hijo pequeño y aún así jamás se quejó.

La boda a la que se refiere el tema es la boda de la hermana de Springsteen, la cuál se casó cuando era adolescente. Su hermana supo de inmediato que el tema hablaba de ella y de su marido la primera que la escuchó.

Sobre este tema Springsteen declaró que fue muy innovador para él, pues fue de los primeros temas en los que hablaba de su historia y su vida personal, lo que le condujo después a escribir y publicar su siguiente álbum Nebraska.

Este tema originalmente lo había escrito para incluirlo en un álbum llamado The Ties That Bind, el cuál al final decidió no publicar. El disco The Ties That Bind. The Single Collection vería la luz en el año 2015 y es, ni más ni menos, el álbum tal y como lo ideó originalmente, el cuál incluye el tema The River y seis más que fueron incluidos en el doble disco The River.

A continuación el resto de canciones por las que habéis votado:
6-   I'm on fire 30 p
7-   Streets of Philadelphia 30 p

8-   Hungry Heart 28 p
9-   Racing in the Streets 25 p
10- The Rising 24 p
11- Born in the U.S.A. 23 p
12- Badlands 22 p
13- Glory Days 22 p
14- Atlantic City 21p 
15- Lucky Town 18 p
16- Jungleland 16 p
17- Candy's Room 14 p
18- The E Street Shuffle 14 p

19- Spirit in the Night 13 p
20- The Promised Land 13 p
21- Human Touch 12 p
22- No Surrender 12 p
23- Adam Raised a Cain 11 p
24- Drive all Night 11 p
25- Sad Eyes 11 p
26- Incident on 57th Street 9 p
27- Thougher than the rest 9 p
28- Johnny 99 8 p
29- Lost in the Flood 8 p 

30- Rosalita 8 p
31- Bobby Jean 7 p
32- Kitty's Back 7 p
33- Murder Incorporated 7 p
34- Prove it all Night 6 p
35- Spare parts 6 p
36- Darkness on the Edge of Town 5 p
37- My love will not let you down 5 p
38- Ten avenue freeze out 5 p
39- 41 shots 4 p
40- 4th of july, Ashbury Park 4 p

41- Backstreets 4 p
42- Downbound train 4 p
43- Growin' up 4 p
44- Independence day 4 p
45- Jack of all trades 4 p
46- My city of ruins 4 p
47- Nebraska 4 p
48- Outlaw Pete 4 p
49- Point Black 4 p
50- Radio Nowhere 4 p
51- Cherry Darling 4 p
52- Two hearts 4 p

53- Ain't got you 3 p
54- Because the night 3 p
55- Paradise 3 p
56- Reason to believe 3 p
57- If I should fall behind 2 p
58- Jackson cage 2 p
59- Last do die 2 p
60- The ghost of Tom Joad 2 p
61- Trapped 2 p
62- Cover me 1 p
63- Dream baby dream 1 p

64-It's hard to be a saint in the city 1 p
65- My beautiful reward 1 p
66- New York serenade 1 p
67- Old Dan tucker 1 p
68- Secret garden 1p 
69-Thundercrack 1 p
70- Valentine's day 1 p