lunes, 22 de marzo de 2021

0081: Stay - Maurice Williams & The Zodiacs

 

Stay, Maurice Williams & The Zodiacs


     El tema que nos ocupa en esta ocasión, Stay, del género Doo-wop, supuso un exitazo la primera vez que fue grabada en 1960, pero para hablar de la gestación de la canción nos tenemos que remontar unos años atrás. La canción fue escrita en 1953 por Maurice Williams, cuando este contaba con apenas 15 años. En 1960 Williams y su banda, The Zodiacs, grabaron la canción en una demo a la que no prestan apenas atención hasta que es escuchada por una niña de 10 años, y llama la atención al grupo la gran reacción positiva de ésta a la canción.

Es entonces cuando el productor de la banda, Phil Gernhard, decide llevarla junto con algunas demos más de la banda a Nueva York y enseñarla a numerosos productores  de discos de allí. Será Al Silver, productor del sello discográfico Herald Records, el que se interese por la canción, pero insiste en que la canción vuelva a ser grabada porque la grabación de la demo era demasiado baja y no era todo lo óptima que debiera. También insiste en que quiten una frase de la letra para que no tengan problemas y pueda ser comercializada en las emisoras de radio (Let's haver another smoke / vamos a fumar otra vez)

Maurice Williams escribió la letra del tema a raíz de una experiencia con una chica. Sucedió en Lancaster, Carolina del Sur, donde vivía Maurice, era sábado por la tarde y estaba teniendo una cita con una chica de 15 años, los mismos que él. Se acercaban las 10 de la noche, hora en la que la chica debía estar en casa y él trataba de convencerla para que se quedara un poco más con él, pero los padres de ella eran muy estrictos y Maurice después de tanta súplica sólo pudo ver como el hermano de aquella joven la recogía para acompañarla a casa. Las palabras de aquellas suplicas dieron lugar a Stay.

El tema es grabado y publicado en agosto de 1960 por el sello discográfico Herald Records, llegando a alcanzar en noviembre de 1960 el puesto número 1 en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos. Stay, con su duración de 1 minuto y 36 segundos aproximadamente, sigue siendo el tema más corto en alcanzar el puesto número 1 en las listas de ventas estadounidenses. 

domingo, 21 de marzo de 2021

0080: Save the last dance for me - The Drifters

 


The drifters alcanzaron la gloria con esta canción que guarda entre sus líneas una de las historias más bonitas que se puede escuchar, la historia de una pareja en un baile. Doc Pomus el autor de la canción narra un hecho casi autobiográfico, durante gran parte de su vida a causa de la polio estuvo postrado en una silla de ruedas, y durante la celebración de una boda le dice a su esposa que es libre de bailar y socializar con otros hombres durante la noche. Fue en esa boda mientras veía a bailar a su esposa con su hermano cuando le llego la inspiración para relatar la situación, incluso en el segundo verso hay un momento de debilidad cuando escribe "Si te pregunta si estás sola y puede llevarte a casa, debes decirle que no, porque no olvides quien te lleva a casa y en cuyos brazos vas a estar, así que cariño, guarda el ultimo baile para mí”. Algunos han criticado "Save the Last Dance for Me" por ser sexista, con el narrador masculino de la canción exigiendo que este último baile sea reservado para él, aunque solo sea por el hecho de que está casado con esta mujer. Si bien es cierto que podemos descubrir como las peticiones a su esposa, se hacen principalmente en broma y al mismo tiempo llevan un trasfondo romántico, yo creo que más bien es una canción sobre el amor, la confianza y la frustración. El tema introduce unos ritmos latinos que fluye de forma magistral con la seductora melodía de Mort Shuman. 

 

El cantante principal de Drifters para esta canción fue Ben E. King, (No olvidemos que The Drifters era un grupo que constantemente estaba cambiando sus componentes) quien unos meses más tarde comenzó a componer éxitos en solitario como " Spanish Harlem " y " Stand By Me " y tiene la oportunidad de mostrar casi todo su rango vocal, tanto en el aspecto emocional como vocal. La voz de Ben E. King se eleva sobre la melodía, ofreciendo una sexualidad tímida y una ternura genuina, disfrutando de ver a su pareja como baila con otra persona, sintiéndose completamente seguro de que ella regresará con él cuando todo termine.  Para The Drifters fue el chispazo final que ayudó a cimentar su éxito comercial y más tras la salida de Ben E. King del grupo para iniciar una carrera en solitario, es cierto que King todavía estaba en el grupo cuando se grabó la canción, por lo que su ausencia futura ausencia requirió un esfuerzo extra para evitar que The Drifters se perdiera el impulso que les proporcionó el single, pero lo lograron lo suficientemente bien como para anotar varios éxitos en el futuro como "Up on the Roof", "On Broadway" y "Under the Boardwalk".

 

Esta fue la última canción que interpretó Leonard Cohen. El canadiense acostumbraba a tocar esta canción al final de sus conciertos y aquel final de su "Grand Tour" en Auckland, Nueva Zelanda, el 21 de diciembre de 2013, no iba a ser una excepción.

Extremoduro - Yo, minoría absoluta (Mes Extremoduro)

 


Es difícil explicar el matiz que separa o diferencia a los discos buenos de las obras maestras, pero la realidad es que ese "no se qué" se da en una minoría de casos. Una minoría absoluta, porque en el caso del disco grabado por Extremoduro entre octubre de 2001 y enero de 2002, encontramos ese "yo qué sé" adicional que lo eleva, junto a "La ley Innata" y "Deltoya", a la categoría de obra cumbre. Un disco que se te queda grabado A fuego desde la primera de las escuchas, tanto por la la fuerza de la música como por la rotundidad y el impacto de sus letras ("Y harto de buscarte siempre a oscuras, y de volverme de puro hielo, tiré toda mi vida a la basura, y ni las ratas se la comieron").

Tanto en La ley Innata como en Agila, el disco que antecedía a Yo, minoría absoluta, se cuidaron al máximo la exuberancia y el empaque de la instrumentación, llegando hasta a incluir una orquesta de mariachis en el primero, y una sección de vientos en el segundo. Y, sin embargo, fue en un disco más "desnudo" que el Cristo con pistolas de su portada, dónde Extremoduro alcanzó el que hasta entonces sería el punto más alto en creatividad y calidad musical, y lo hizo como quién no quiere la cosa (cómo si fuera fácil) y caminando por La vereda de la puerta de atrás, con canciones generalmente desprovistas de aderezos adicionales, salvo puntuales colaboraciones de Gino Pavone a la percusión, Batiz a la guitarra, Javi Isasi a la trompeta o Fito Cabrales y Lourdes Aldekoa a los coros. Una minoría de músicos, para lograr una obra maestra absoluta, ese disco perfecto que todo artista persigue durante toda su carrera ("Y si fuera mi vida una escalera, me la he pasado entera, buscando el siguiente escalón, convencido que estás en el tejado, esperando a ver si llego yo")

Después de jugar con los títulos de los dos primeros temas y tratar de insertarlos con sentido en este texto, llego a Hoy te la meto hasta las orejas y me cambia totalmente el paso. ¿Cómo encajar un título así, sin que el sentido del texto se desvíe a lo malsonante? Robe, como siempre, se erige en maestro de moverse en el filo, de elevarse a lo poético y cortar después por lo sano, y esta canción es en realidad un reflejo de esos impulsos ambivalentes, de un personaje que se debate entre expresar de manera poética su amor y decir a las claras lo que le quema por dentro (Soñé en hablarle de su pelo y ser la brisa, pensé en decirle que la vida era su boca y... ¡No! Pasa a mi lado su olor... y contengo la respiración)

La melancolía y la tristeza ganan también, a veces, en esa lucha interna contra la brutalidad del deseo, como sucede en Standby, uno de los temas más lentos y bellos del disco ("Sueña con su melena y viene el viento y se la lleva. Y desde entonces su cabeza solo quiere alzar el vuelo. Bebe rubia la cerveza pa' acordarse de su pelo..."), pero es solo un breve remanso de paz en el camino, antes de volver al ruedo en Menamoro, y atravesar la frontera como "culeros" ("Quién me registra en los controles, dónde está el dedo acusador, Jefe vengo de coger flores, de una frontera del amor...")

El contraste entre la calma lírica y la ira desgarradora y desatada se manifiesta también en la música, y es en Luce la oscuridad dónde se muestra de manera más evidente. Lo que parece una canción calmada y taciturna, rompe bruscamente en una sucesión de episodios de rabia en los que tiene cabida la protesta social de esa "minoría absoluta" ("¿Quién va a meterse por el culo mi libertad de expresión cuando diga que me cago en la Constitución? Nadie puede escaparse, si todo es una prisión...") Tras la tempestad sonora y verbal, llega de nuevo la calma, esa que el desquiciado personaje de las canciones de Robe solo parece encontrar Cerca del Suelo, y más concretamente "a la altura de tu cintura". Pero, al igual que relata Sabina en su canción "Cerrado por Derribo" ("Que poco rato dura la vida eterna, por el túnel de tus piernas...") la calma le dura a Robe lo que tarda en tomar de nuevo altura y alejarse de ese "trocito de cielo, lleno de pelos"  para subirse de nuevo "a lo mas alto de la locura" en Puta, imprescindible tema de la banda en el que ni la blanca y tranquila Luna escapa a la ira desencajada de nuestro enloquecido Romeo ("Me encuentro a mi princesa hablando con la Luna, echándose carreras a ver quién es más...") 

Desquiciado y desubicado como Buitre (que) no come alpiste, la obsesión y el descontrol van cada vez más en aumento, y las ratas de la basura vuelven a hacer acto de presencia, en un tema que parece emparentado con el A fuego del arranque. ("Cómo ratas de basura, desorden y soledad, se fueron viéndote llegar...") Así que, tras una breve y obligada referencia a la anecdótica La vieja (a la que se refieren entre paréntesis como "canción sórdida", cómo si el resto del disco no tuviera pasajes en los que la sordidez manara ansiosa y desenfrenada), y habiendo vuelto el hilo argumental al A fuego de las primeras líneas, cerraré este artículo con los versos en el que creo haber encontrado ese matiz casi imperceptible, ese "no se qué" que se da sólo en contadas ocasiones, y que convierte a las obras en maestras. Son éstos unos versos a la altura de sólo unos pocos. O más bien de uno sólo. Se llama Robe Iniesta, y es una minoría absoluta:

¿Pero dónde están los besos que te debo?
En una cajita, que nunca llevo el corazón encima
Por si me lo quitan
¿Y dónde están los besos que me debes?
En cualquier esquina, cansados de vivir en tu boquita
Siempre a la deriva

sábado, 20 de marzo de 2021

0079: You mean everything to me - Neil Sedaka

 


Hijo de Mac Sedaka, un taxista judío sefardí de origen turco, y de Eleanor Appel, judía de origen polaco y ruso. Con nueve años Neil Sedaka ya tocaba el piano con maestría, y a los doce, fue admitido en la prestigiosa Julliard School of Music. Junto a Howie Greenfield, su vecino, comienza a componer canciones y en 1955 crea The Tokens, grupo de doo-wap con los que obtiene un pequeño hit en Nueva York, I love my baby, para separarse después. Unos años más tarde, los Tokens tendrían el éxito mundial: The lion sleeps tonight. En un comienzo, el timbre de su voz, -un poco chillona para lo que a fines de los 50’s estaba de moda-, no convencía a los editores musicales, pero Sedaka era xapaz de escribir unas canciones de indudable calidad y con un ritmo y arreglos diferentes al estilo du-duá tan en boga en aquellos años. Su primer éxito como compositor lo constituyó el tema “Stupid Cupid” que, en 1958, grabara Connie Francis quien en su exitosa carrera como cantante grabara luego, otros temas del dúo Sedaka-Greenfield. A partir de entonces, Sedaka fue contratado por la RCA Records como intérprete solista posición desde la cual obtuvo sus mayores éxitos y canciones como “Oh Carol”, (dedicada según se dice- a la que fue su novia en el instituto como compañera de clase, la también compositora y cantante Carole King), alcanzó de manera fulminante los primeros puestos del Top 100 del Billboard y se mantuvo hasta 1963, momento de la llegada de The Beatles y toda la invasión británica que paro de golpe la carrera de Sedaka y muchos artistas de su estilo. RCA no renovó el contrato de Sedaka cuando expiró en 1966 y Neil comenzó a realizar giras en el extranjero.

 

Puede que este no sea el tema más famoso de Neil Sedaka, quien tuvo muchos éxitos en los años 60, pero You mean everything to me tiene para mí un encanto especial… esa voz con esa melodía tan pegadiza y unos coros femeninos que suenan lejanos como envolviendo la voz de Sedaka, pero quizás lo que más destaco de este tema es esa aura dramática-épica que han sabido imprimirle con distintos tonos vocales durante la canción, y esas percusiones que son casi militares mientras escuchas como el amor puede significar todo para él y que lo único que desea es tenerte a su lado.

Canciones que nos emocionan: American Woman - The Guess Who

 

American Woman, The Guess Who


     A mediados de 1969, la banda de rock canadiense The Guess Who, compuesta en ese momento  por Burton Cummings (voz), Randy Bachman (guitarras), Jim Kale (bajo) y Garry Peterson (batería), se encierra en el Studio B de los estudios RCA Mid-America Recording Center de Chicago, Illinois, para preparar y grabar el material que formará parte de su sexto álbum de estudio. El grupo graba dicho material entre agosto y noviembre de 1969, el cual ve la luz con el título de American Woman en enero de 1970, siendo publicado por la compañía discográfica RCA Victor. 

El disco alcanzó un notable éxito, permaneciendo unas 55 semanas en las listas de ventas del mercado estadounidense, llegando a alcanzar el puesto número 9 en la lista Billboard Pop Albums.

Incluido en este sexto disco se encuentra otro de esos temas que tanto me emocionan, y que da título al mismo, American Woman, el cual fue lanzado como sencillo en marzo de 1970. El tema se convirtió en uno de los más exitosos de la formación canadiense, llegando a alcanzar el puesto número uno durante tres semanas en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos, alcanzando también un notable éxito en lugares como Reino Unido, Suiza, Austria, Países Bajos y Canadá.

El tema está acreditado a los cuatro componentes de la banda, y curiosamente se convirtió en una canción que llegó a ser malinterpretada, pues mucha gente pensaba que este tema era una canción tributo a Estados Unidos y a las mujeres estadounidenses, cuando en realidad quería decir todos lo contrario, como muy bien expresa en la letra: "American woman, get away from me. / Mujer estadounidense, aléjate de mí". Al respecto del tema, Burton Cummings, quien escribió la letra del tema, afirmaba cuando escribió la letra del tema, que se refería al hecho de que por alguna razón las mujeres estadounidenses parecían envejecer más rápido que las mujeres canadienses y eso las hacía más peligrosas. Y por eso cuando pronunciaba la frase "Mujer estadounidense, aléjate de mí", realmente quería decir: "Mujer canadiense, te prefiero a tí"

Huh, American woman, stay away from me
American woman, mama let me be
Don't come hanging 'round my door
I don't wanna see your face no more
I got more important things to do
Than spend my time growin' old with you
Now woman, stay away
American woman, listen what I say
American woman, get away from me
American woman, mama let me be
Don't come knocking 'round my door
I don't wanna see your shadow no more
Colored lights can hypnotize
Sparkle someone else's eyes
Now woman, get away
American woman, listen what I say
American woman, I said, get away
American woman, listen what I say
Don't come hanging 'round my door
Don't want to see your face no more
I don't need your war machines
I don't need your ghetto scenes
Colored lights can hypnotize
Sparkle someone else's eyes
Now woman, get away
American woman, listen what I say
American woman, stay away from me
American woman, mama let me be
I gotta go, I gotta get away
Baby, I gotta go, I wanna fly away
I'm gonna leave you, woman
I'm gonna leave you, woman
I'm gonna leave you, woman
I'm gonna leave you, woman
A-bye, bye, a-bye, bye
Bye bye, bye bye
You're no good for me and I'm no good for you
(American woman)
I look you right straight in the eye an' tell you what I'm gonna do
I'm gonna leave you woman, you know I gotta go
(American woman)
I'm gonna leave you woman, I gotta go
I gotta go, I gotta go American woman, yeah

viernes, 19 de marzo de 2021

0078 La música en canciones: Apache - The Shadows

 


Los londinenses The Shadows (anteriormente conocidos como The Drifters, el grupo de acompañamiento de Cliff Richards) fueron uno de los grupos de moda en los guateques de los primeros años 60. Podría decirse que hasta la llegada de un grupo formado por cuatro adolescentes de Liverpool, el binomio de Cliff Richards y The Shadows eran el grupo más relevante de Inglaterra. Su característico sonido de guitarra, arropado por una sección rítmica de batería y bajo con aires soul, encajaban como un guante en la penumbra de los bailes de los adolescentes de la época, y no tardaron a elevarles a la categoría de grupo puntero que hasta llegó a participar en el Festival de Eurovisión, cosechando un meritorio segundo puesto con la canción "Let me be the one" en 1975. Mucho antes, en 1960, lanzaron el que a la postre sería su mayor éxito, la inconfundible "Apache"

Compuesta por Jerry Lordan, e inspirado en la película del mismo nombre de 1954, Apache fue grabada en los míticos estudios de Abbey Road, y podría ser considerada como la primera prueba viviente de lo que después sería el llamado rock instrumental británico, y el mejor ejemplo del particular estilo de música de The Shadows, imitado hasta la saciedad y convertido en los últimos años en el sonido característico de las películas de Quentin Tarantino, todo un experto en recuperar temas de bandas de los 60 y 70 que siguieron la senda de The Shadows y su peculiar forma de crear atmósferas "western" con un característico trémolo de guitarra.

La fórmula de facturar temas instrumentales, en los que la guitarra llevaba el peso de la melodía principal, que a priori pudiera parecer repetitiva y de corto recorrido comercial, les permitió seguir en activo hasta los años 90, si bien sus cotas de popularidad descendieron drásticamente cuando a la puerta de los guateques llamaron los chicos y chicas de música disco de los 70, relegando a las sombras al tipo de música con la que The Shadows habían puesto banda sonora al momento en que un chico se atrevía a acercarse a una chica que estaba sentada distraída en una silla en un rincón del guateque, para invitarla a mover el esqueleto al ritmo de "Apache".

El disco de la semana 217: The Waterboys - Fisherman´s Blues

 




Fisherman's blues es un álbum fantástico, es una colección de piezas bien elaboradas de un genio, con una gran banda donde no encuentras nada fuera de sitio ni que dé la talla en el álbum entre otras cosas por la fantástica fluidez que tiene el disco en conjunto, hay que disfrutar nota a nota este increíble esfuerzo de folk-rock tan redondo que mezcla violines increíbles con fases de guitarra y piano un álbum que elimina toda producción y brillo y se regocija en las raíces celtas de la música folclórica y simplemente te transporta a su puro e innegable amor por la música. Para muchos Fisherman's Blues es el punto más álgido de la banda, no soy yo quien para afirmarlo, pero lo que sí puedo asegurar es que encuentro en el álbum una gran profundidad musical, lírica y emocional que hace de este uno de los mejores (y desconocidos) discos de los años 80. 




Abre el álbum la canción que da título al disco Fisherman's blues y rápidamente tomamos conciencia de lo antes explicado, en el momento que empieza a sonar la música y la voz de Mike Scott empieza a recitar una especie de oración épica te acaba de llevar a su tierra, a su zona y a imaginarte como protagonista de una historia que nunca creíste que encontrarías, confiesa que con sus acordes te has visto rodeado de mar en un pequeño bote cuando el sol está a punto de aparecer, en busca del sustento de tu día a día mientras en tu cabeza rondan los grandes momentos vividos la noche anterior. Probablemente sigue siendo la canción más querida de The Waterboys, y lejos de nuestras fantasías, en ella podemos escuchar a Mike hablando en primera persona, describiendo su propio renacimiento espiritual desde adentro. Ya no es el poeta-profeta de “This Is the Sea”, es un hombre con el coraje de ser él mismo. Seguimos con We will not be lovers donde encontramos una gran canción anti-romance, construida en clave de rock, pero con su esencia de folk impulsada por el ritmo de los violines, combinándolos de forma brillante entregandonos una hermosa y frenética explosión de melancolía irlandesa. Stranger to Me parece un ejercicio para aprender a escribir una canción country (la melodía vocal huele a tradición country), la letra se inclina hacia el trascendental, Mike canta sobre una relación en decadencia, canta desde dentro, encontrando lo universal a través de la experiencia personal, su escucha con atención puede resultar una experiencia inquietante. World Party es una gran canción de rock que suena como si Mike Scott se enfrentara a Karl Wallinger por su salida de la banda. La canción, sin embargo, fue coescrita por Wallinger y la separación fue en buenos términos. Sweet Thing es una maravillosa versión del clásico de Van Morrison. Esta versión de la canción agrega a la perfección la letra de "Blackbird" de Lennon y McCartney, y el arreglo de Waterboys es único, a pesar de sus largos 7 minutos en ningún momento la canción decae y se deja llevar por la vulgaridad. Jimmy Hickey's Waltz es el primer tema instrumental, en poco más de dos minutos nos dejan una canción tradicional que nos tranquiliza y nos prepara para el resto del álbum


La segunda parte del álbum se abre con And a Bang on the Ear es un pequeño cuento donde escuchamos la historia de varias chicas que a las que Mike recuerda con cariño, con una melodía preciosista donde notamos el compás de los violines. La canción es larga y deja espacio para que la letra y la música interactúen y podemos encontrar el mejor trabajo de órgano de la grabación mientras Scott reflexiona con amor sobre las relaciones pasadas. Has Anybody Here Seen Hank es otro tema impregnado de melancolía y épica a la vez, con una letra que homenajea a Hank Williams, el cantante de folk estadounidense al que Mike Scott siempre le ha profesado una gran admiración. When Will We Be Married contiene una melódica épica de cuentos de hadas y aventuras místicas donde la tradición toma el control del tema. Entramos en una de las canciones más hermosas y románticas del disco con When Ye Go Away, es casi imposible estremecerse con esta pequeña canción impregnada de melancolía, una canción cuya progresión de acordes extraña, simple, hermosa y casi modal siempre me ha fascinado, y demuestra cómo la elección de un solo de violín puede cambiar el significado de una canción. Una dolorosa canción de pérdida, sincera y triste sin ser sensiblera, la voz tranquila de Scott es magnífica, así como el impresionante telón de fondo musical. Dunford`s Fancy es un pequeño preludio instrumental antes de la llegada de otro de las grandes canciones del álbum, me estoy refiriendo a The Stolen Child, basada en un poema de William Butler Yeats, donde podemos disfrutar de uno de los pianos más hermoso que he escuchado en mi vida y tiene momentos hablados que no desentonan en el conjunto ya que lo hace de una manera apropiada y sin pretensiones. El poema está inspirado en una de las leyendas celtas que describe el seductor canto de las hadas, que intentan raptar a los niños para llevarlos a su reino mágico, dejando como sustituto a los temibles Changelings: hijos de las hadas criados por mujeres humanas. W.B. Yeats le da una voz única a las hadas, quienes ocupan la totalidad del poema tratando de persuadir a un niño de que abandone para siempre el mundo de los mortales, representado en el crepitar del fuego en el hogar, el caldero que hierve, el mugido de los terneros, para internarse con ellas en ese universo poblado de seres fantásticos conocido como Reino de las Hadas. Cerramos con This Land Is Your Land, haciendo honor a la típica canción de taberna que todos hemos cantado rodeados de amigos y diversión.

 

 

jueves, 18 de marzo de 2021

0077: Hoochie Coochie Man - Muddy Waters

 


At Newport 1960, Muddy Waters


     El 15 de noviembre de 1960, el sello discográfico Chess Records publica el primer álbum en directo del bluesman Muddy Waters. El disco no es ni más ni menos que la grabación de la actuación de Muddy Waters con su banda en el Festival de Jazz de Newport, en Rhode Island (Estados Unidos), celebrado el 3 de julio de 1960. 

La banda que acompaña a Muddy en aquella época está compuesta por Otis Spann (piano, voz), Pat Hare (guitarra), James Cotton (armónica), Andrew Stephens (bajo) y Francis Clay (batería). Incluido en el repertorio del álbum se encuentra el tema Hoochie Coochie Man, Origianalmente titulado I'm Your Hoochie Coochie Man. Aunque en esta edición y en algunas posteriores el tema aparece acreditado a Muddy Waters (McKinley Morganfield), el tema fue compuesto por Willie Dixon

El tema de Dixon fue grabado y publicado por primera vez por Muddy Waters en 1954, y además de convertirse en uno de los temas más populares de Muddy Waters, ayudó a consolidar el papel de Willie Dixon como compositor principal del sello Chess Records. Hoochi Coochie Man es un clásico del blues de Chicago, y la letra, además de tener algunas referencias sexuales, también trata de la mística. El término Hoochie Coochie es un eufemismo para referirse a la vagina, y también se llamaba así a un baile provocativo aparecido a finales del siglo XIX. En su autobiografía I Am The Blues, Dixon decía que Hoochie Coochie Man era un ejemplo de las conexiones que existían entre los videntes y clarividentes con el folclore del sur de estados Unidos. Dixon, en una entrevista en 1988 también declaró sobre este tema que "...La gente cree en cosas místicas, en la astrología, etc. Eso ha estado sucediendo durante generaciones desde los días bíblicos. Gente de todo el mundo ha estado creyendo en esto incluso antes de que Jesús naciera. Los sabios vieron las estrellas del Este y fueron capaces de predecir cosas. Todo esto se basa en cosas místicas, igual que los hombres Hoochie Coochie ó también llamados hombre vudú, que están adivinando el futuro..." 

miércoles, 17 de marzo de 2021

0076: It's now or never - Elvis Presley


Elvis Presley
es un habitual entre los artistas con canciones históricas de finales de los 50 y principios de los 60, ya sea con temas compuestos para él, o versionando canciones de otros para hacerlas propias, dotándolas de su particular y característico estilo. Es el caso de, por ejemplo, It's Now or Never, grabada por "El Rey" y lanzada como single en 1960. Poco podía imaginar el de Memphis que esta versión de "O Sole mío", la popular canción napolitana, se convertiría en su sencillo de mayor éxito, con más de veinticinco millones de copias vendidas en todo el mundo. 

It's Now or Never fue un éxito absoluto, tanto en Estados Unidos como internacionalmente. La canción ya era un hit internacional en su versión italiana, popularizada por Mario Lanza, fallecido tan solo un año atrás, pero este más que probable homenaje de Elvis a la figura de su malogrado compañero de profesión fue catapultado a lo más alto de las listas de ventas de todo el mundo al estar interpretado en inglés.

La traducción y adaptación de la letra fue encargada a los compositores Aaron Schroeder y Wally Gold, que tuvieron lista la nueva letra en un tiempo récord. No sabemos los honorarios que percibieron por aquel breve encargo, pero en tan solo media hora tuvieron listo el que, a la postre, sería el mayor éxito de la carrera de Elvis Presley.

Extremoduro - Agila (Mes Extremoduro)

 


En "Agila" podemos encontrar un sonido brillante gracias entre otro a Iñaki “Uoho” Antón, que era el guitarrista de Platero Y Tú, a esto le tenemos que sumar de que su discográfica, iba aportar a Álex de la Iglesia dos temas para, “El día de la bestia”, banda sonora fabulosa en la que también participaron, y de qué manera, Def Con Dos. Pues bien, con todos esos mimbres, unas canciones cojonudas y rodeado de Iñaki Setién a la guitarra, Ramón al bajo, y Capi a la batería, con Roberto Iniesta, El Rey de Extremadura a la voz, entran en el estudio para grabar su sexto trabajo tras “Pedrá”; el que a la postre sería la obra que les llevaría a las más altas cotas de popularidad, “Agila”. Todas y cada una de las 13 canciones de este disco se han convertido en himnos, de obligada escucha para todos aquellos que no odien a Iniesta, que haberlos hay los, y conforman un disco 10, sin fisuras, sin temas que sobren, con calidad a raudales y con una mala ostia que solo “el Robe” sabe escupir.

 

Yendo a lo que es el disco en sí, este ya incorpora una sección de vientos y otras instrumentaciones poco habituales, cuando no, inexistentes, en los trabajos anteriores e incluso los temas son más complejos en su desarrollo. Cuenta además con varias colaboraciones que iremos desgranando, y entre las que se encuentran, como no, las del propio “Uoho” o “Fito”. A nivel letrístico, nos encontramos con retales de famosísimos poemas de no menos famosísimos autores como Neruda, Machado o Miguel Hernández, así como de otros menos conocidos como Sor Kampana.


 

El primer tema es la espectacular Buscando una luna, y es que es maravilloso empezar un disco de esta categoría con frases sacadas de un poema de Antonio Machado, y primera gran sorpresa un saxo hace un contrapunto magnifico al tema. Robe se atreve a ir mas allá y la verdad le sale muy bien, entre guitarra, batería, bajo y saxofón crearon una melodía redonda que fue acompañada por una letra sincera donde Robe escupió todos sus pensamientos más verdaderos. Con Prometeo vamos de poeta en poeta y es que ahora es el turno de los versos de Miguel Hernandez, que abre paso a su seña de identidad, la guitarra que pulula alrededor de una de esas historias de amor tan particular. Con Sucede consigue una de sus canciones más aclamadas del grupo con una letra desgarradora y directa, donde nos retrotrae a las primeras andanzas de Extremoduro y todo gracias a esa gran capacidad vocal de transmitir que tiene Robe Iniesta acentuado en un final apoteósico. So payaso es quizás uno de los grandes himnos del grupo, una canción que ha traspasado fronteras del género, ¿la gran responsable del éxito del disco? Quizás… el hecho de haber rebajado la dureza instrumental sin renunciar a esas letras tan particulares, le abrió otros caminos, pero sin perder la esencia, entregaros a esta poesía tan particular sobre lo que significa estar enamorado la convierte una de las canciones más conocidas del rock español, con eso está todo dicho. Y no nos bajamos del carro del éxito, porque llega, El día de la bestia que apareció en la película del mismo título de Alex de la Iglesia, y es que esas letras del grupo eran ideales para esa película y a fe que es verdad, una auténtica delicia y un trallazo absoluto para todos. Tiempo para Tomas, un tema en el que se hace acompañar de Fito Cabrales y el maestro reverendo, un tema muy simpático y que pone un poco de tregua a mitad de disco.

 

Porque es tiempo de otra de esas joyas imperecerederas, en Sonrisa tan rara! encontramos un duo brutal entre Robe Iniesta y Albert Pla con una letra tan ácida que solo podía salir de la boca de estos dos amigos. Con Cabezabajo rinde un homenaje al género Heavy, porque dentro de este rock tan particular que llevan haciendo hay un espacio para el genero duro por excelencia. En Ábreme el pecho y registra cuenta de nuevo con Ratanera, se trata de un muy buen tema, quizá un poco más intimista, en el que Robe incluye retazos de un poema de Sor Kampana (Antonio Belarte Aliaga). Todos me dicen sigue la línea anterior, porque Extremoduro también es intimismo, quizás un poquito más festiva sobre todo por el comienzo, pero como dice el refrán, no es como comienza sino como termina, y en esta ocasión terminamos entregados a un estilo de funk. Y como si la canción anterior sirviera de transición, es tiempo de sacar la juerga que llevas dentro y disfrutar en plan festivo de Correcaminos estate al loro, donde te puedes reír y sobre todo bailar, para continuar con la punkarra La carrera una canción que compuso en sus inicios con “Dosis Letal”, y acabar versionando un tema de los malagueños Tabletom, Me estoy quitando, el fin de fiesta por flamenco de Plasencia y esa voz lejísimos del flamenco pero que da igual, imposible no pensar en Robe, vestido de traje un tablao flamenco lleno de su “purista” gente dando brincos y sin parar de corear.

 

martes, 16 de marzo de 2021

0075: Chuck Berry - Let it rock

 

Let It Rock, Chuck Berry


     En diciembre de 1959 Chuck Berry tiene que hacer frente a unas acusaciones muy graves. Chuck conoce en Juárez, Texas, a una joven apache llamada Janice Norine Escalanti, quién procedía de Yuma, Arizona y que al parecer había dicho a Berry que tenía 21 años, cuando en realidad tenía 14. Berry le ofreció trabajo de camarera en su club Bandstand, por lo que la llevó a Saint Louis con él. Unas semanas después Janice fue arrestada por ejercer la prostitución en un hotel de la ciudad, hecho que hizo que Berry fuera arrestado por infringir la Ley Mann, una ley que penaba transportar a una menor de edad a través de la frontera del estado para fines inmorales. El guitarrista fue condenado en principio a cinco años  de prisión, pero la sentencia fue apelada debido a los comentarios racistas efectuados por el juez del caso durante el juicio, y finalmente su condena fue rebajada a tres años.

Mientras se encuentra en prisión, su sello discográfico, Chess Records, publica el que supone el cuarto álbum de estudio del artista, Rockin 'at The Hops, un álbum en el que todos los temas que contiene menos cuatro (Down the Road a Piece, Confessin' the blues, Betty Jean y Driftin Blues) ya habían sido lanzados anteriormente como sencillos. 

Incluido en este álbum encontramos uno de esos temas que había sido lanzado con anterioridad, Let It Rock. El tema, como single, alcanza el puesto número 64 en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos, lo que fue aprovechado por Chess Records para incluirlo en el álbum Rockin 'at the Hops. Posteriormente el sello Pye Records lanzaría el sencillo en 1963 en el Reino Unido, donde alcanzaría el puesto número 6 en las listas de ventas de aquel país. 

El tema fue grabado en unas sesiones de Chuck Berry para Chess Records en Chicago, en julio de 1959, y contó con la colaboración de Johnnie Johnson al piano, Willie Dixon al contrabajo y Fred Bellow a la batería. El tema fue compuesto por Chuck Berry, y nos relata la historia contada desde la perspectiva de un trabajador del ferrocarril de Alabama que intenta pasar lo mejor posible la jornada laboral y ganar unos dólares. Al final de la jornada los trabajadores se encuentran jugando a los dados en las vías del tren hasta que son advertidos por el capataz de que se acerca un tren. 

Un país, un artista: Haití - Emeline Michel




Las condiciones actuales de Haití en el mundo no son ideales, una tierra sacudida por múltiples catástrofes, tanto naturales y humanas, donde su población es golpeada una y otra vez, pero aún tiene energías, ganas y valor de poner la música en el foco y regalarnos su música. La encargada en esta ocasión es la llamada "Joni Mitchell de Haití", Emeline Michel que se ha convertido en la reina de la canción haitiana. Sus canciones fusionan a la perfección los ritmos de su nativa Haití con jazz, pop, bossa nova y samba. Añadamos a esa mezcla que nos encontramos ante una intérprete cautivadora, una excepcional bailarina, además de componer y producir su música. Emeline se basa en las raíces y la historia de Haití de muchas maneras. Los ritmos entrelazados del manman tanbou, boula y katabou (tambores haitianos) proporcionan la base para letras originales salpicadas de proverbios haitianos y mensajes positivos.

 

Nacida en 1966 en Gonaives, una ciudad en el norte de Haití, al igual que muchos cantantes antes de su consagración, Emeline Michel solía cantar en el coro de la iglesia de su tío en Gonaives. Tras el golpe de 1986 y la posterior salida del país del dictador represivo Jean-Claude Duvalier, Haití fue testigo de una explosión de producción creativa, particularmente en forma de música tradicional haitiana. Durante este tiempo, Michel se inspiró en artistas pioneros como Boukman Eksperyans, un grupo nominado al Grammy cuyo estilo, conocido como mizik rasin (o “música de raíces”), combina instrumentos vudú con rock n 'roll. En ese momento dejó su ciudad natal para continuar su educación secundaria en Puerto Príncipe, casi inmediatamente después de mudarse a la capital, Emeline Michel fue descubierta y en un par de meses lanzó su primer sencillo, Akai Kao; las melodías pegadizas de la canción la convirtieron en un éxito internacional instantáneo mientras aún estaba en la escuela secundaria. Después de terminar la escuela secundaria, Emeline recibió una beca para estudiar música en el Detroit Jazz Center en los Estados Unidos al ganar un concurso de talentos. Recibió su licenciatura en estudios musicales, luego regresó a Haití como músico profesional y se estableció como una de las mejores artistas de Haití, recorriendo gran parte del Caribe.


Emeline sigue siendo una de las pocas mujeres líderes en la música caribeña. "Al vivir fuera de tu propio país, sientes que has defraudado a tu país, especialmente mientras el país se hunde políticamente. Llevas tanto amor y tantas cosas hermosas de tu país que quieres publicar en el mundo, Todo el mundo sabe que Haití está en problemas", dice. "¡A veces siento que debería estar allí ayudando! Este álbum es mi manera de estar allí. Es mi oportunidad de mostrar un lado positivo de la cultura haitiana". Y es que Emeline ha vivido en Francia y Canadá, aunque actualmente reside en Nueva York, ha realizado giras por los cinco continentes (incluidas apariciones en New Carnegie Hall de York, Naciones Unidas, Ontario Festival Luminato, Festival Internacional de Jazz de Montreal, Festival de Jazz de Nueva Orleans, Diez días en Tasmania Island, Festival Internacional de Arte de Harare e Zimbabwe), y se ha convertido en una de las artistas haitianas más vendidas en todo el mundo. Michel ha utilizado su reconocimiento internacional para llamar la atención sobre problemas sociales como la pobreza, el abuso doméstico y los abusos de los derechos de las mujeres dentro y fuera de su Haití natal. Estos temas aparecen en canciones como "Viejo", la inquietante historia de dos trabajadores de la caña de azúcar haitianos que viven en la República Dominicana, y "Djonnie", una canción que aborda directamente a las víctimas de abuso doméstico con líneas como "Lanmou se lonè, se respè ”: el amor es honor, respeto. Como cantante y activista, Michel ha actuado en el teletón “Hope for Haiti Now: A Global Benefit for Earthquake Relief” de las Naciones Unidas y MTV, y ha hablado en paneles como “Voices from Haití: Artists as Activists” de Brooklyn College. Continúa inspirando a las nuevas generaciones de músicos de la diáspora haitiana y haitiana, así como a artistas y oyentes de todo el mundo.


La discografía de Emeline es bastante amplia, pronto lanzó su primer álbum Douvanjou ka leve (Puede que amanezca) que incluía el éxito "Plezi Mize" (museo de la diversion) escrito por Beethova Obas. Al que le siguió Flanm Cobalt (Llama de cobalto). Pa Gen Manti Nan Sa (No hay mentira en eso) donde destaca “akiko”, uno de los primeros éxitos de Michel en forma de pop caribeño. Temas como "Tankou melodi" (Como melodias) y "Flanm" (Fuego) donde encontramos ritmos muy pegadizos, la establecieron como una de las mejores artistas en Haití y las Antillas francesas (las islas cercanas de Martinica y Guadalupe) y pronto fue aclamada como la "nueva diosa de la música criolla”. En el álbum Rasin Kreyol, encontramos una música arraigada, espiritual, cadenciosa y con la percusión katabou de Haití a destacar los temas “Beni-yo”, otra joya en un ritmo y ritmo similar; “La Karidad”, hermosa melodía y el más dulce de los acompañamientos instrumentales. O la espléndida “Vente signature” de su último disco de estudio Quintessence (Quinta esencia).


lunes, 15 de marzo de 2021

0074: The Twist - Chubby Checker

 

The Twist, Chubby Checker


     Quién le iba a decir a Ernest Evans que se iba a convetir en el Rey del Twist con la publicación de un tema que había sido grabado un año antes. En 7dias7notas ya hablamos anteriormente del tema, The Twist, el cual originó y revolucionó el baile del twist.

El 11 de noviembre de 1958 Hank Ballard graba con su grupo, The Midnighters, The Twist con la discográfica Cameo-Parkway records. El tema aparece publicado en 1959. Hank Ballard tuvo la idea del tema al fijarse en como se movía su grupo, The Minighters, en el escenario, pues bailaban como si estuvieran tratando de apagar un cigarrillo. La canción obtuvo un éxito moderado, alcanzando el puesto 28 en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos.

La canción se había hecho popular en un programa de televisión de Baltimore, presentado por Buddy Deane. Éste presentador recomendó la canción al famoso presentador del programa musical American Bandstand, Dirk clark. A Clark, que tenía intereses en varias discográficas (no directos, pues legalmente no le estaba permitido), le encantaba la canción, pero entre que no se fiaba demasiado de Hank Ballard, por su historial de canciones obscenas, y que en ese momento no estaba disponible, decide buscar a alguien con un registro de voz similar al de Hank para interprete el tema en su programa. 

Y aquí entra en acción Ernest Evans, un joven nacido en Spring Gully, Carolina del Sur (Estados Unidos), que había tomado lecciones de piano y que tenía un grupo de armonía que se ganaba la vida en las calles versionando temas de Jerry Lee Lweis, Fats Domino y Elvis Presley. Ernest después de la escuela, se ganaba la vida con diversos trabajos, y uno de ellos era en el mercado de productos agrícolas donde trabaja desplumando pollos. En dicho mercado solía cantar y hacer imitaciones con lo que conseguía divertir y hacer reír a todo el mundo allí. El por entonces jefe de Ernest, Tony A., queda tan impresionado por las actuaciones del joven en el mercado que se pone en contacto con su amigo Kal Mann, quien trabajaba como compositor en Cameo-Parkway Records, y juntos consiguen que Ernest realice una audición para Dirk Clark que está buscando un joven talentoso para grabar The Twist en su programa. Clark quedó impresionado con el chico y lo contrató.

En junio de 1960, bajo el pseudónimo de Chubby Checker (puesto por la mujer de Dirk Clark, es un juego de palabras del nombre del artista Fats Domino), Ernest graba The Twist. Básicamente lo que hacen en esa sesión de grabación es duplicar el tema original para que Chubby lo grabe en la misma tonalidad, consiguiendo que el joven suene como el mismo Hank Ballard. Ese mismo mes Cameo-Parkway Records publica el tema, y un mes después, en julio, Chubby lo interpreta por primera vez en vivo en el Rainbow Club de Wildwood, Nueva Jersey. La canción tiene tanto éxito que el 6 de agosto de 1960 lo está interpretando en vivo en el programa Amercan Bandstand, resultando ser todo un éxito el plan de Dirk Clark.

Como ya comentamos anteriormente, el tema de Chubby es prácticamente un clon de la versión original, incluso Hank Ballard pensó que era el mismo la primera vez que lo escuchó. Este tema originó aquel singular baile, un baile que no requería ninguna habilidad especial, pues podía ser practicado por cualquier tipo de público, desde niños hasta ancianos, y ahí es donde radicaba el secreto del éxito de éste baile. 

The Twist catapultó al éxito a Chubby Checker, pero también le condenó en cierto modo, pues como el mismo reconocería más adelante: "...de alguna manera The Twist realmente arruinó mi vida. Tuve la posibilidad de ser un gran artista de club nocturno y The Twist lo aniquiló. Nadie creyó nunca que realmente tuviera talento." Interiormente pensaba que el tema le había arruinado en parte su reputación y su carrera, pero también le catapultó hasta el éxito, pues fue el único artista discográfico en tener 5 de sus albumes dentro del Top 12 de popularidad al mismo tiempo. Tambien sufrió críticas por cierto sector de crítica y público por haber cambiado de golpe la manera de entender y bailar la música.

La musica en canciones: Canciones reseñadas de 1959




La música es como el amor, bueno, es amor, todos tenemos el nuestro y no a todos nos tiene que gustar lo mismo, esta lista no son las mejores canciones, ni siquiera tus favoritas o nuestras favoritas (bueno eso casi que si), simplemente nuestras elegidas, y a modo de índice os dejamos una lista de todas las canciones de 1959 reseñadas para que puedas conocer mas sobre la canción además de una lista creada en Spotify con todos los temas para escucharlos.

Clickea sobre el titulo de la canción y te llevara al articulo de cada una de las 17 canciones reseñadas de 1959. Disfrútenlas



Come softly to me - The Fleetwoods

Don´t let the sun catch you crying - Ray Charles

How many more years - Howlin Wolf

I got Stripes - Johnny Cash

Mack the Knife - Bobby Darin

Maybellene - Chuck Berry

Money (That's What I Want) - Barrett Strong

My Baby Just Cares for Me - Nina Simone

Ne me quitte pas - Jacques Brel

Oh! Carol - Neil Sedaka

Put Your Head on My Shoulder - Paul Anka

Shout - The Isley Brothers

So what - Miles Davis

Summer place - Percy Faith

That´s all right - Elvis Presley

Venus - Frankie Avalon

What I'd say - Ray Charles





domingo, 14 de marzo de 2021

0073: Brenda Lee - I´m sorry

 


Brenda Lee es una verdadera reina de la música country, tras de sí una carrera de más de 60 años, de hecho, está catalogada como la tercera intérprete estadounidense más exitosa de la década de 1960, después Elvis y Ray Charles. Cuenta con 47 canciones que alcanzaron la cima de las listas de éxitos solo en esa década. Su primer éxito fue una canción que escribió y grabó cuando tenía tan solo 15 años; 'I'm Sorry' y alcanzó el número uno en la lista "Billboard Hot 100". Una de las cosas que más llama la atención al escuchar este tema es comprobar la edad en la que fue grabada, es difícil creer que una voz tan poderosa pueda provenir de alguien tan joven, a la edad hay que sumar su figura, con apenas 150 cm y ese chorro de voz que rápidamente te impacta, algo que le valió el apodo de "Little Dynamite" (pequeña dinamita), después de grabar su primera canción, "Dynamite", a la tierna edad de 12 años.

Nacida en Atlanta empezó a mostrar su capacidad vocal con tan sólo 3 años, ganó su primer concurso como cantante a los 5 y a partir de los 7 ya actuaba regularmente en la emisora local. Por esas fechas fue cuando un productor de televisión la presentó por primera vez con su nombre artístico, Brenda Lee. El cantante de country Red Foley la oyó cuando tenía alrededor de 10 años y maravillado con su voz la invitó a participar con él en un popular espacio de televisión. En 1956, ya con 12 años, Brenda fichó por Decca Records grabando su primer sencillo pop, pero "sólo" alcanzó un modesto puesto 43 en las listas estadounidenses. No fue hasta 1960 cuando Brenda consiguió su primer top 10 con un número 4 gracias a Sweet Nothin's, lo que ya hizo que definitivamente se ganará el conocimiento y el favor por parte del gran público. I'm sorry fue grabada a principios del año 1960 pero la discográfica tenía muchas reticencias para publicar la canción por esas cosas del puritanismo estadounidense. Una canción que hablaba de amor no parecía apropiada para una niña de tan sólo 15 años. De esta manera pasaron muchos meses antes de que el sencillo viera la luz y fue bajo la estrategia de montar I'm sorry en la cara B y promocionando principalmente la otra cara titulada That's all you gotta do. Pero, aunque esta brilló con luz propia llegando a un puesto 6, I'm sorry fue definitivamente la que pegó más fuerte consiguiendo el ya mencionado número 1 y desmontando definitivamente los prejuicios de los de de Decca.

"I'm Sorry" es un ejemplo temprano del estilo countrypolitan de Nashville, con sus coros dulces y sus cuerdas suspirantes, el suave drama de ese arreglo sirvió muy bien a la canción, que se ha convertido en un clásico y ha sido versionada por otros cantantes y reconocida alrededor de todo el mundo.

Extremoduro - Pedrá (Mes Extremoduro)

 

Pedrá - Extremoduro


     Cuando en 7dias7notas nos sentamos para hablar del artista al que ibamos a dedicar el mes de marzo, y una vez decidido éste, Extremoduro, nuestro querido Nevermind, experto en lo que a Extremoduro y Robe se refiere y autor del reparto de turno, tuvo muy claro que Pedrá debía de formar parte del material seleccionado, y que debía ser yo quien lo reseñara, pues consideraba que me iba como un guante, y no se equivocaba...

Durante la grabación de Deltoya y durante los conciertos que Robe y Extremoduro dan por todo el país, el artista extremeño había fijado su residencia en Madrid. Será a comienzos de 1993, tras un concierto dado en Barcelona, cuando Robe decida instalarse en el municipio barcelonés de Rubí. Es en tierras catalanas donde decide crear un proyecto paralelo a Extremoduro, llamado Q3, el cual queda formado por el propio Robe, Eugenio Ortíz "Uge" (guitarra), Ramón sogas "Mon" (bajo) y Jorge Pérez "el Moja" (batería). La intención de Robe no era ni mucho menos dejar de la lado Extremoduro, pero si era cierto que por aquel entonces la banda no pasaba por su mejor momento y la separación geográfica no ayudaba precisamente. Q3 era una forma para Robe de mantenerse en forma ensayando de forma regular y dando conciertos por la zona de Cataluña, también le servía para experimentar con otros sonidos y texturas. 

Durante esta etapa el batería Luis "Von Fanta" y el bajista Carlos "El sucio" deciden bajarse del carro de Extremoduro, la distancia pudo más que las ganas. Mientras, Robe seguía componiendo y tenía ya material de sobra para entrar al estudio a grabar, por lo que propone a la discográfica DRO hacer un álbum en solitario, pero la compañía lo que quería era sacar una recopilación de temas antiguos remezclados, y no es que a Robe no le apeteciera aquello también, simplemente lo que la compañía le ofreció no le cuadro en absoluto y acabó desechándolo.

Una vez desechada la idea de hacer algo paralelo, Robe decide centrar sus esfuerzos en grabar un disco nuevo con Extremoduro, pues material tiene de sobra. Ahora tenía que centrar sus esfuerzos en recomponer la banda tras la marcha de Von Fanta y el Sucio, y que mejor manera de hacerlo que fichando a Moja (batería) y Mon (bajo), con los que haabía estado tocando en Q3. A esta formación se les acaba uniendo Miguel Ferreras, quien se ocupa del bajo de cinco cuerdas, algo que para Robe no presentaba en absoluto un problema, el tener dos bajistas. 

Y nos plantamos en mayo de 1993, justo después de un concierto donde Extremoduro compartía escenario con Reincidentes (ambas bandas llevaban un año aproximadamente compartiendo escenario en una especie de gira discontínua), cuando el saxofonista de Reincidentes José Luís Nieto "Selu", le propone a Robe llevar a cabo una curiosa propuesta, un álbum de un único tema, un disco conceptual, algo que para la época y en un país como España iba a resultar rompedor, y Robe, culo inquieto, se siente atraído de inmediato por aquella propuesta.



Ahora había que definir la formación de la banda Pedrá, que así se iba a llamar. Dicha formación quedaría compuesta por Selu (saxo), Robe (guitarras, voz), Iñaki "Uoho" Antón de Platero y Tú (guitarra, percusión, teclados, trombón), Diego Garay de Quemando Ruedas (bajo) y Gari de Quattro Clavos (batería). El álbum, de título homónimo, constaba de una única composición de casi 30 minutos concebida por Robe, el padre de la criatura. Pedrá es grabado en los estudios Lorentzo Records de Berritz, Vizcaya, en agosto de 1993, y el resultado es una obra fuera de lo común, un único tema de carácter experimental repleto de matices, con multitud de cambios de ritmo, y donde se entremezclan con maestría sonido como rock duro, flamenco, jazz y hasta otras músicas como el cabaret. Es Pedrá un disco que hay que escuchar muchas veces para captar la infinidad de matices y sonidos que esconde y que iremos descubriendo cuanto más lo escuchemos. El tema contiene una letra brillante, con un Robe que durante casi media hora vuelve a hacernos partícipes de  obsesiones que le atrapan, como el amor y la guerra, nos hará sentir un cúmulo de sensaciones opuestas como si de una montaña rusa se tratase y nos deja claro que es él el auténtico rey del rock trangresivo. Es por tanto Pedrá una auténtica joya, una única canción que, como si de una madre se tratase, contiene dentro de sí otros muchos retoños en forma de canciones. 

Una vez grabado Pedrá, al grupo se le planteó otro problema, qué discográfica les publicaría aquel proyecto tan rompedor para la época, de hecho no se publicaría hasta pasados casi dos años de su grabación. La arriesgada propuesta no encontró discográfica alguna que quisiera publicarla, bueno una sí, DRO, la discográfica con la que Extremoduro tenía contrato. DRO puso una condición para la publicación del álbum, tenía que ser como un trabajo de Extremoduro, por lo que Robe, Uoho, Selu, Gary y Dieguillo tenían que renunciar a llamarse Pedrá si querían ver publicado el disco. El 17 de febrero de 1995 se publicaba bajo el sello discográfico DRO, Pedrá, considerado como el quinto álbum de estudio de Extremoduro, aunque esto no era del todo cierto, y Robe, Uoho, Selu, Gary y Dieguillo, los padres de la criatura y componentes del "semi vetado" proyecto de Pedrá, lo sabían.

sábado, 13 de marzo de 2021

0072: Only the lonely - Roy Orbison


Only the lonely fue uno de los primeros éxitos del cantante estadounidense Roy Orbison, y en ella encontramos todas las características que distinguieron a este artista, prolífico en la creación de sentidas y a la vez oscuras canciones sobre amores perdidos, afectadas por el derroche de una voz privilegiada que llegaba a las tres octavas, con la que abanderó una forma de cantar tan peculiar como apasionada, con registros e inflexiones que rozaban lo operístico, y que le hicieron ganarse el sobrenombre de "El Caruso del rock".

Los problemas oculares que padeció desde la infancia (que explican sus omnipresentes y míticas gafas) no impidieron que Orbison viera claramente el camino que quería seguir en su vida. Ya desde la escuela secundaria, comenzó a cantar en una banda de música country y rockabilly. Poco después, en 1956, firmaría con Sun Records, pero no saborearía las mieles del éxito hasta su etapa en Monument Records, con la que en 1960 lanzó el sencillo de Only the lonely ("Sólo los solitarios"), escrita por el propio Orbison y Joe Melson. La canción combinaba esquemas del rock and roll y el doo-wop, pero que al contrario que la mayoría de canciones de la época, se alejaba del optimismo y la ligereza de ambos estilos, creando un sonido oscuro y melodramático que resultó absolutamente pionero en el mundo de tipos duros (y tupés engrasados) que imperaba en aquellos tiempos.

Además de los efectivos coros doo-wop, que el ingeniero de sonido dejó en un primer plano, Orbison incluyó una sección de cuerdas, y utilizó el falsete para que su voz sonara aún más poderosa. La sección rítmica quedó de fondo, en un leve segundo plano, y dándole a la canción un sonido muy particular y característico, que Orbison replicaría en muchas canciones a lo largo de su carrera, convirtiéndolo en su marca y estilo personales. Dicen que el mismísimo Elvis Presley, al escuchar Only the lonely, encargó una caja de sencillos de la canción para regalárselos a sus amigos. Y debía de tener muchos amigos, porque la canción llegó al nº 2 en Estados Unidos y al nº1 en el Reino Unido, lugares de privilegio a los que suelen llegar "sólo los solitarios" como Roy Orbison, para emocionarnos desde lo más alto con la infinita sensibilidad de sus historias de desamor y soledad.

La música en el cine: Big Empty (Stone Temple Pilots) - El cuervo

 

Big Empty, Stone Tempple Pilots


     En 1994 se estrenaba la película estadounidense El Cuervo. La película se basó en una sere de comics llamados también El cuervo, personaje creado por James O'Barr. Para su estreno en la gran pantalla, la película fue adaptada por David J. Schow y John Shirley, y dirigida por Alex Proyas

La película fue protagonizada por Brandon Lee, Ernie Hudson y Rochelle Davis entre otros, y alcanzó bastante notoriedad antes incluso de su estreno debido a que durante el rodaje, el protagonista Brandon Lee murió tras ser tiroteado en una escena de la película por accidente a manos de uno de los actores secundarios, Michael Massee. Se pensó en abandonar el proyecto al suceder tan fatal accidente, pero al final se decidió seguir adelante utiliando un doble, escenas oscurecidas y retoques por ordenador. De ahí la dedicatora final de la película: "Para Brandon y Elisa".

Incluido en la banda sonora de la película podemos escuchar Big Empty, canción de Stone Temple Pilots, que fue publicado como sencillo en mayo de 1994 por Atlantic Records, para promocionar la película El cuervo, en cuya banda sonora aparecía. Posteriormente sería incluida en su segundo álbum de estudio, titulado Purple, y publicado en junio de 1994 también por Atlantic Records.

Musicalmente, Big Empty fue compuesta utilizando un formato similar a otro sencillo del grupo, Creep, comenzando con un verso acústico lento y suave que daba paso a un fuerte coro con un riff de guitarra distorsionada. En cuanto a la temática de la canción, el cantante Scott Weiland presentaba una serie de imágenes que formaban un historia donde aparecían un coche, un cigarrillo y una conversación. Sobre esto, su autor, el propio Scott Weiland, afirmaba que al igual que muchas de sus letras, este tema fue compuesto a partir de varias imagenes que le habían venido a la mente, y que era labor del oyente juntar las imágenes e interpretarlas.

Driving faster in my car
Falling farther from just what we are
Smoke a cigarette and lie some more
These conversations kill
Falling faster in my car
Time to take her home,
Her dizzy head is conscience laden
Time to take a ride it leaves today
No conversation
Time to take her home her dizzy head is
Conscience laden
Time to wait too long, to wait too long
To wait too long
Too much walking shoes worn thin
Too much trippin' and my soul's worn thin
Time to catch her ride it leaves today
Her name is what it means
Too much walking shoe worn thin
Time to take her home
Her dizzy head is conscience laden
Time to take a ride it leaves today
No conversation
Time to take her home her dizzy head is
Conscience laden
Time to wait too long, to wait too long
To wait too long
Conversations kill
Conversations kill
Conversations kill
Time to take her home,
Her dizzy head is conscience laden
Time to take a ride it leaves today
No conversation
Time to take her home her dizzy head is
Conscience laden
Time to wait too long, to wait too long
To wait too long
Conversations kill
Conversations kill
Conversations kill