viernes, 12 de marzo de 2021

0071: (What a) Wonderful World - Sam Cooke

 

Wonderful World, Sam Cooke


     En 1960 se publica el temazo Wonderfoul World, de la mano de uno de los padres del soul, Sam Cooke, tema que nada tiene que ver y no debemos confundir con el temazo de Louis Armstrong.

El tema es escrito por el famoso mánager, compositor y productor discográfico Lou Adler y el cantante y trompetista Herb Alpert, y los arreglos musicales corren a cargo del compositor, pianista, arreglista, director de orquesta y productor Belford Hendricks. La canción en un principio trata de como ni la educación ni el conocimiento pueden dictar los sentimientos, y de como el amor puede vencerlo todo y hacer del mundo un lugar maravilloso. Sin embargo Sam Cooke que quiere orientar la canción hacia el tema de la escolarización, decide revisarla y retocar la letra. 

El tema aparece acreditado al trío Adler, Alpert y Cooke bajo el pseudónimo Barbara Campbell (así se llamaba su segunda esposa de Cooke), y es grabado en una sesión de grabación el 2 de marzo de 1959 en los estudios Radio Recorders de Los Ángeles, y publicado por el sello discográfico Keen Records. Éste tema es grabado por Sam Cooke poco antes de abandonar dicho sello discográfico por una disputa por los derechos de autor surgidos en 1959. Sam cooke ya había fichado por RCA Records cuando Keen Records lanzó en abril de 1960 el sencillo Wonderful World al poseer los derechos de autor del tema. El tema fue uno de los 29 sencillos de cooke que a lo largo de su carrera alcanzaron el top 40 en las listas de éxitos estadounidenses, alcanzando el puesto número 2 en la lista Billboard R&B de Estados Unidos, el número 12 en la lista Billboard Hot 100 también de Estados Unidos, y el puesto número 27 en las listas de sencillos del Reino Unido. 

El disco de la semana 216 - Black Pumas - Black Pumas

 



El puma es un mamífero carnívoro nativo de América, que a pesar de su gran tamaño, está más emparentado con los pequeños felinos ya que, a diferencia de los grandes felinos, no puede rugir, ya que carecen de la laringe especializada de otros felinos. Algo así le ocurría al guitarrista y productor Adrián Quesada, que tras una exitosa etapa a bordo de la banda de funk latino Grupo Fantasma, con la que ganó el Grammy al mejor álbum de rock alternativo latino por el disco "El Existencial" en 2010, en 2017 andaba buscando una nueva colaboración que le proporcionara una voz a la altura de las pistas de retro-funk y R&B en las que había estado trabajando.

La empresa era complicada, ya que los avistamientos de pumas son más bien raros, pues se trata de un felino solitario y crepuscular, que normalmente evita el contacto con las personas. Sin embargo, ​y a través de un amigo en común, Quesada entró en 2018 en contacto con Eric Burton, cantante y compositor que, tras un tiempo cantando y tocando música en las calles y el muelle de Santa Mónica (California), realizó una peregrinación por el Oeste de Estados Unidos, hasta establecerse en Austin, Texas. Los pumas no rugen, pero sus gritos y ronroneos son muy característicos, como lo es la voz de Eric Burton, que encajaba perfectamente con los esbozos de canciones de Quesada. Acababan de nacer los Black Pumas, y con ellos los primeros sencillos de la banda, Black Moon Rising y Fire. Ambos temas fueron después parte de lo que sería su primer y, de momento, único álbum de estudio.

El álbum  Black Pumas (2019) abre precisamente con Black Moon Rising, dónde Burton despliega todos los matices de su voz, falsetes incluidos, mientras Quesada construye alrededor de ella un manto sonoro de de ritmos sincopados e influencias retro-soul que recuerdan a bandas sonoras de películas de los 60 y 70. Como buen depredador, el puma busca cazar una amplia variedad de presas, y éstos dos pumas no se conforman con los dos sencillos anteriores. En el segundo tema del disco, desnudan su sonido en la gospeliana Colors, el siguiente sencillo de la banda, con un efectivo ritmo de guitarra acústica y piano acompañando a las excelencias vocales de Burton. La fe de que Black Pumas enfilaban ya la senda del éxito la dan los más de 63 millones de visitas del vídeo de esta canción en Youtube.

Know you better es soul sureño de muchos quilates, un tema con reminiscencias a Marvin Gaye o Al Green, y ritmo de teclado a lo Black Keys, que explota rotundo en el estribillo. Otro certero ataque de puma, una más de las eléctricas chispas que anteceden al fuego de Fire, una de esas canciones que queman con solo escucharlas y a las que ya no puedes después resistirte. Tiene el regusto clásico en la interpretación y la música, y suena al mismo tiempo moderna y rompedora, como el graffiti de la portada del disco, que en el vídeo promocional de esta canción vemos pintar a cámara rápida sobre una pared negra.

El pelaje del puma es generalmente dorado, pero también puede ser de color gris plateado o rojizo. Los Black Pumas también cambian la paleta de colores de su variado pelaje, poniéndose más melódicos en temas como Oct 33, con esos arreglos de viento que tan bien sientan a los buenos temas soul, o en Stay Gold, dónde a Burton le acompañan unos coros muy del estilo Motown y la sempiterna distorsión de guitarra retro con la que aderezan la mayor parte de los temas. Y aunque realmente no se haya documentado nunca la existencia de "pumas negros" como los del título del álbum, y sea ese un color más asociado a las panteras, en Old man su música suena negra e intensa, y nos traslada a otras décadas prodigiosas a la misma velocidad que el Delorean de Marty Mcfly.

Los pumas pueden dar grandes saltos, gracias a sus fuertes patas traseras. Confines es otro salto en la calidad vocal de Burton, más cercano aquí a los registros de un Smokey Robinson, jugando con el falsete mientras la música juega con el oyente, envolviéndole en la experiencia de la escucha. Quizá no puedan saltar tan alto como para tocar el cielo (Touch the Sky) pero sí para mantener el listón de la calidad del disco constante y equilibrado sin derribarlo en ningún momento. Como expertos escaladores, saben que no hay nada como una sección de vientos para darle a un tema la bocanada de aire extra para no desfallecer y alcanzar la cima.

Y una vez en ella, toca descansar sentados sobre una roca y contemplar satisfechos las vistas panorámicas. Es tiempo para dulces conversaciones (Sweet Conversations), apenas una letanía ambiental con un suave ritmo de guitarra de fondo. Un tema que se entiende desde la perspectiva de la calma del final, de querer cerrar el disco desde la sencillez y la bruma que acompaña al descenso de la montaña, pero que al escuchar los temas que quedaron fuera del disco, rescatados para la versión deluxe, no se entiende que ocupe el lugar que podrían haber ocupado temas tan rotundos como I'm Ready, Black Cat o las brillantes versiones del Fast Car de Tracy Chapman o del Eleanor Rigby de los Beatles, zarpazos de puma mucho más efectivos y que habrían sumado aún más fuerza a su inesperado y felino ataque.

jueves, 11 de marzo de 2021

0070: Elvis - The girl of my best friend

 

¡Elvis Is Back!


     ¡Elvis ha vuelto!, así se titulaba el cuarto álbum de estudio de Elvis Presley, ¡Elvis Is Back!, lo cual era cierto, pues desde 1957 con la publicación de su tercer disco de estudio, Elvis' Christmas Album, en 1957, no había vuelto a saberse nada de él. El motivo: sus compromisos con el servicio militar prestados en Alemania.

¡Elvis Is Back! es grabado en el RCA Studio B, de Nashville, Tennessee, entre los meses de marzo y abril de 1960, y publicado el 8 de abril de ese mismo año bajo el sello RCA Victor. Era el nuevo material que veía la luz desde que Elvis interrumpiera su carrera discográfica para cumplir con sus obligaciones con el servicio militar de Estados Unidos. Este disco fue el primero de Elvis en ser grabado y publicado en formato de sonido estereofónico. Para la grabación de este nuevo material Elvis cuenta  con la colaboración de su guitarrista de confianza Scotty Moore, su habitual baterista DJ Fontana, el pianista Floyd Cramer, el guitarrista Hank Garland, el bajista Bobby Moore, el percusionista Buddy Harman, y el cuarteto vocal The Jordanaires

Este disco representaba un nuevo sonido al que Elvis nos tenía acostumbrados, acercándose más si cabe a la música pop, aunque en este trabajo están presentes además otros sonidos como el rock, el rythm and blues y las baladas. A pesar del fuerte empeño de la discográfica el disco resulto ser un fracaso comercial, llegando apenas a unas 300.000 copias vendidas en Estado Unidos. 

Incluido en este disco podemos encontrar el tema The Girl Of My Best Friend, tema que había sido escrito y compuesto por Sam Bobrick y Beverly Ross, y grabado y publicado por primera vez por Charlie Blackwell en 1959. Sería la grabación de Elvis Presley en 1960 la que da impulso y populariza el tema.

Elvis, en The Girl Of My Best Friend, acompañado de los coros doo-wop de The Jordanaires, nos relata como se encuentra loca y perdidamente enamorado de la chica de su mejor amigo, y aunque le gustaría que ella supiera lo que él siente por ella, tiene miedo a decírselo por temor aque ella se sienta ofendida, y tampoco quiere hacer daño a su amigo. Decide esperar a que su maltrecho corazón se recupere algún día, y a conocer a su propio amor, una chica con las mismas características y atributos que la novia de su mejor amigo.

Canciones que nos emocionan: Dust in the Wind - Kansas

 

Dust in the Wind, Kansas


     La banda Kansas, integrada por Steve Walsh, Kerry Livgren, Robby Steinhardt, Rich Williams, Dave Hope y Phil Ehart, graban el que supondrá su quinto álbum de estudio, Point of Know Return, entre los Studio in the Country, de Bogalusa, Louisiana, en junio de 1977, y los Woodland Studios, de Nashville, Tennessee, en julio de 1977. El disco es publicado el 11 de octubre de 1977 y se convertiría en el álbum más extoso de la banda hasta el momento, llegando al puesto número 4 de las listas de ventas en Estados Unidos, y vendiendo alrededor de 4 millones de copias en el país norteamericano.

El disco estuvo a punto de no ser acabado, pues Steve Walsh tuvo problemas con los demás miembros de la banda durante las sesiones de grabación. Unas sesiones que abandonó, ya que en un impulso de delirios de grandeza se llegó a sentir atraído por la posibilidad de iniciar una carrera en solitario. Tres días después regresó y el grupo pudo continuar con las sesiones de grabación con normalidad.

Incluido en el disco se encuentra otro de esos temas que a mí tanto me emocionan, Dust in the Wind, compuesto por Kerry Livgren. Kerry se inspiró para escribir la letra en un libro que había leído de poesía nativa americana, y una de las frases que llamó su atención fue "For wall we are dust in the wind / Porque todo lo que somos es polvo en el viento", de la cual salió el título de la canción. Aquella frase era un referencia bíblica parafraseando a Eclesiastés, quien reflexionaba sobre la mortalidad y la inevitabilidad de la muerte. Esto hizo pensar a Kerry en el verdadero valor de las cosas materiales y el significado del éxito. En aquellos momentos las cosas marchaban muy bien para Kansas, y Kerry se dió cuenta de que al final, por muchas cosas y logros que consiguiera, moriría como todos lo demás. 

El tema se gestó mientras Kerry Livgren se encontraba realizando ejercicios de guitarra acústica. Mientras estaba realizando los ejercicios, su mujer Vicci escuchó lo que hacía y le animó a poner letra a aquello, pues le gustó aquello que su marido estaba tocando. Kansas tenía prácticamente grabado el material que compondría Point of Know Return a falta de algunos flecos, y el productor del disco, Jeff Glixman preguntó si tenían más canciones, momento en el cual Kerry enseñó la canción a sus compañeros de banda, consciente de que muy probablemente no les iba a gustar, pues el tema suponía una desviación de lo que era el estilo característico de la banda. No podía estar más equivocado, a sus compañeros les encantó Dust in the Wind, y el tema fue grabado, y no sólo eso, pues con el tiempo el tema se convertiría en el mayor éxito de la banda.

I close my eyes
Only for a moment, and the moment's gone
All my dreams
Pass before my eyes, a curiosity
Dust in the wind
All they are is dust in the wind
Same old song
Just a drop of water in an endless sea
All we do
Crumbles to the ground, though we refuse to see
Dust in the wind
All we are is dust in the wind
Oh
Now, don't hang on
Nothin' lasts forever but the earth and sky
It slips away
And all your money won't another minute buy
Dust in the wind
All we are is dust in the wind
(All we are is dust in the wind)
Dust in the wind
(Everything is dust in the wind)
Everything is dust in the wind
The wind

miércoles, 10 de marzo de 2021

0069: Percy Faith - A summer place

 


Pensamos que en el mundo del cine también hay infinidad de melodías y canciones (unas con mas rock que otras) realmente buenas, por eso poco a poco intentaremos meter temas que tengan relación con el mundo del séptimo arte. Para empezar nada mejor que esta A summer place, una pieza musical que suena tan atemporal que es difícil creer que fuera escrita en 1959. A todo eso le sumamos que pasó 9 semanas consecutivas en el número 1 del billboard siendo un tema completamente instrumental y tenemos la excusa perfecta para meternos en ella.

 

 “A Summer Place”, pertenece a la banda sonora de la película del mismo título y que en España se conoció como “En una isla tranquila al sol” y el responsable de la misma es Percy Faith, un aclamado arreglista y director de orquesta canadiense, es posiblemente la más conocida de cuantas se hicieron tras el estreno de la película, sus padres lo empujaron a tomar clases del violín y el piano, instrumentos que le habían labrado un nombre dentro del mundo de la música clásica, pero sus manos se quemaron gravemente en un incendio y derivo su carrera a la dirección, y su orquesta se convirtió en un elemento básico en la radio CBC durante la década de 1930. Pronto el cine puso sus ojos sobre él y recibió una oferta para componer la música de la siguiente película de los rompecorazones Troy Donahue y Sandra Dee. Al final puso su granito de arena pero ni siquiera fue el tema principal de la película que resultó ser un gran éxito entre los adolescentes de todo Estados Unidos, que acudían en masa a los cines para babear por la escandalosa aventura romántica de sus ídolos, y esa fue la chispa que desencadeno la gran demanda de la banda sonora y que fuera uno de los discos más vendidos de aquel año, que aunque ya estábamos en plena explosión del rock and roll y nuevos subestilos como el Twist, el Doo Wap lo cierto es que esta melodía caló entre el público no solo Americano ya que en Europa también fue un gran éxito.



Extremoduro - Dónde Están Mis Amigos (Mes Extremoduro)

 

Dónde están mis amigos, Extremoduro


Una vez acabada la aventura de la grabación del proyecto Pedrá en Vizcaya, Robe regresa a su residencia barcelonesa en Rubí con la intención de poner en marcha el cuarto álbum de Extremoduro. Nos encontramos en agosto de 1993, y Robe ya tiene el material que conformará el disco, sólo hay que grabarlo y testar el producto con algunas actuaciones en vivo. En medio de todo esto, el guitarrista Salo, al igual que ya hicieran antes el baterista Luis Von Fanta y el bajista Carlos El sucio, decide apearse del barco. Robe, lejos de desanimarse, decide tirar del único conocido del antiguo proyecto Q3 que todavía no se ha sumado a la banda, Eugenio "Uge", y la banda queda conformada por el propio Robe, por Uge a la guitarra, Jorge "El Moja" y Miguel Ferreras al bajo, y Ramón "Mon" Sogas a la batería.

Esta nueva etapa de Extremoduro será conocida como la "Era del caos", una época donde el desmadre y el desparrame se apropian de una banda que cuando se sube al escenario nunca se sabe que puede pasar, para bien o para mal. La formación se dirige destino a Madrid para grabar los temas que formarán parte de este cuarto álbum de estudio, Dónde están mis amigos, título que está sacado de un fragmento de una de las canciones que lo integran, Pepe Botika, a la postre una de las canciones que se han convertido en uno de los himnos de la banda por derecho propio. 

Dicho material es grabado en los ya extintos estudios Box de Madrid, y cuenta con la producción de Ventura Rico y de Extremoduro. El disco se publica el 17 de septiembre de 1993 bajo el sello discográfico DRO. Robe sabe que el material que compone este disco es de mucho nivel, y por primera vez el grupo abre las puertas de la producción a un profesional ajeno a la banda, Ventura Rico. Quiere que el producto final sea de la calidad que se merece, y así lo fue. El disco contó además con la colaboración de gente como Selu de Reincidentes, que tocó el saxo en varios temas, de Fernando Madina, también de Reincidentes, Iñaki "Uoho" Antón de Platero y Tú y su guitarra, o de Belén Pérez a los coros.

 

De la portada, en la cual se ve a un hombre tras unos barrotes, privado de libertad, se ocupó el ilustrador Cachotio, y de la contraportada, un fotomontaje que muestra a una parte de los asistentes a un concierto de Extremoduro, y a un Robe con la barba muy poblada, se ocupó María Arqore. En el interior, en una carpeta, se incluía una nota sobre Salo, que se bajó del proyecto cuando ya estaba en marcha, y reza: "No ha estado presente, tampoco ausente, sino más bien, disperso entre el ambiente".


El disco contiene once temas donde Robe da rienda suelta y saca a relucir fuertes sentimientos como el desarraigo, el desapego y el sentimiento de soledad, sufridos por el extremeño en una época difícil para el artista. A lo largo de los temas del disco, Robe nos ira haciendo partícipes de todos esos sentimientos. Un álbum con temazos como El duende del parque, un canto a la libertad y la vida errante que lleva por aquel entonces; No me calientes que me hundo, que cuenta con la colaboración de Fernando Madina y Selu, de Reincidentes, y donde nos relata como de la alegría se pasa a la tristeza, y luego a la resignación y al hastío por tener que volver a empezar de nuevo; El ya imperecedero himno de Pepe Botika (¿Dónde están mis amigos?), que cuenta con la colaboración de Fernando Madina otra vez y de Belén Pérez en los coros, y donde Robe se cuestiona las penas de cárcel por tráfico de drogas y manda ánimos a todos esos amigos que están en el talego; Bribriblibli, otro de los grandes clásicos de la banda, donde Belén se vuelve a encargar de los coros; y Los tengo todos, donde cuenta con la colaboración de Iñaki "Uoho Antón, que más adelante se convertiría en miembro de la banda. Un tema donde la terrorífica voz de Robe y la vertiginosa guitarra de Uoho dan al tema un empaque brutal. 

Dónde están mis amigos es un trabajo que a pesar de ver la  luz en una época difícil para Robe Iniesta y la banda, rebosaba calidad por todos los lados, contenía canciones emblemáticas, y confirmaba que Extremoduro se estaba convertido en una de las bandas más importantes del panorama nacional, y eso que lo mejor estaba por llegar...

martes, 9 de marzo de 2021

0068: Neil Sedaka - Oh Carol

 

Oh! Carol, Neil Sedaka


     La canción Oh! Carol fue escrita en 1958 por Howard Greenfield y por el propio Neil Sedaka., y publicada en 1959 por el sello discográfico RCA Victor como cara A, siendo el tema One Way Ticket el que ocupó la cara B. Antes del lanzamiento de este sencillo, Neil Sedaka se encontraba en una situación ciertamente comprometida con RCA Victor, pues sus anteriores lanzamientos no habían ido todo lo bien que se esperaba, y el sello discográfico iba a prescindir del artista. Es el productor y compositor estadounidense Al Nevins el que connvence a los ejecutivos de RCA para que den una última oportunidad a Sedaka.

Con toda la presión que esto conlleva, según el propio Neil, cogió algunos de los mejores singles de la época y se puso a escucharlos, dándose cuenta que estos eran muy similares en cuanto a progresión de acordes, melodía y estilo lírico. Luego uso todo ese conocimiento para componer Oh! Carol. También hay quien dice que fue el productor Don Kirshner, quien era amigo de Sedaka, quien le dijo que escribiera una canción con el nombre de una chica en el título y hablara en el medio de la misma como lo hicieron The Diamonds en la canción Little Darlin. En cualuier caso, de una u otra forma Sedaka dio en el clavo, salvando su contrato con RCA Victor, pues el tema pasó 18 semanas consecutivas en la lista estadounidense Billboard Hot 100, llegando a alcanzar el puesto número 9, el puesto número 3 en las listas del Reino Unido, y el puesto numero 1 en las listas de Holanda y en parte de Bélgica.

El nombre de Carol fue puesto en honor a Carol Klein, con quien Sedaka había salido cuando se encontraba en la escuela secundaria. Sedaka había formado su primer grupo en la escuela secundaria, los Linc-Tones, y Carol fue miembro del grupo. Más tarde, Carol Klein se convertiría en Carol King. El letrista Gerry Goffin, esposo de Carol en aquel momento, tomó la melodía de la canción y escribió el tema respuesta ¡Oh Neil!, el cual grabó y lanzó Carol King como sencillo aquel mismo año, aunque obtuvo escaso éxito.

Un país, un artista: Granada - Mighty Sparrow

 

Mighty Sparrow

     El calipso o calypso es un género musical que se originó entre principios y mediados del siglo XIX en Trinidad y Tobago y que se hizo muy popular también en las Antillas, en las islas de San Andrés y Providencia, colombia, Panamá, Venezuela y gran parte de la costa caribeña centroamericana. La lengua de interpretación del calipso puede ser tanto el ingles como el francés, y en los países donde se habla mayoritariamente español, sus letras también incluyen letras en este idioma. La peculiaridad de este género es la utilización como instrumento principal de tambores metálicos fabricados a partir de barriles de petróleo reciclados, llamados Steel drums o tambores metálicos de trinidad

Slinger Francisco, más conocido como Mighty Sparrow, es un compositor, vocalista y guitarrista de calipso, conocido por el apodo de "Calipso King of the World" (Rey de calipso del mundo), un apodo que se ha ganado por ser unos de los músicos de calipso más conocidos y exitosos del mundo. De hecho se ha alzado con dos de los galardones de música calipso más importante del mundo varias veces, el Trinidad's Carnival Road March ocho veces y el Calypso King/Monarch otras ocho veces.

Mighty Sparrow nace el 9 de julio de 1935 en un pueblo pesquero de la isla caribeña de Granada llamado Grand Roy. Con un año de edad se muda con su madre a Trinidad y Tobago, donde se uniría su padre un año después, en 1937. Mighty crece y se cría en Puerto España, donde empieza cantar ya desde pequeño y se une al coro de la Newton Boys Catholic School. Con 14 años se une a un grupo de Steelpan (banda de acero, como se conocen a las bandas cuyo instrumento musical son los tambores metálicos ) de su barrio con la que actúa en los carnavales. 

En sus comienzos musicales es apodado Little Sparrow por sus enérgicas actuaciones teatrales, normalmente los cantantes de las bandas de calipso solían permanecer firmes cuando cantaban, y Sparrow cuando cantaba se emocionaba y se movía como el mismo dice, como James Brown, por lo que los cantantes veteranos le solían decir que se dedicara a cantar en vez de moverse como un gorrión pequeño (little sparrow). Pasados un par de años se cambiara el apodo por Mighty Sparrow. Al salir de la escuela alterna su trabajo para la Junta de Control del Gobierno con sus actuaciones cantando calipso, convirtiéndose en una estrella local gracias a sus actuaciones en el famoso Lotus Club



Su primera actuación como cantante de carnaval llega en 1954 con "The Parrot and the Monkey", y en 1955 realiza sus primeras grabaciones, las cuales son incluidas más tarde en un recopilatorio llamado Royalties Calypo Kyngdom. Entre 1955 y 1956 realiza también numerosas grabaciones para los sellos discográficos GEMS y Veejay Special. En 1956 se alza con sus primeros galardones de los carnavales Road March y Calypso King de Trinidad con la interpretación de su tema más famoso, Jean and Dinah. Sin embargo, su premio por ganar, $ 40, comparado con los $ 7.500 que obtiene la ganadora del concurso de belleza del llamado Carnival Queen, hace que Mighty escriba a modo de protesta la canción Carnival Boycott y organice y lidere todo un boicot, siendo seguido por la mitad de los cantantes de calipso. Mighty se niega a participar de forma oficial durante los tres siguientes años a modo de protesta, haciéndolo de forma no oficial. Gracias a esto se consiguen considerables mejoras para los musicos de calipso y las Steelpan, creándose además un Comité de Dearrollo del Carnaval.

Es en 1959 cuando Migthy consigue un contrato discográfico con RCA Records y graba con el sello discográfico entre 1960 y 1964 nada menos que once álbumes. Durante la década de los 50 Mighty había tenido algo de popularidad en otras partes del mundo, como Inglaterra o Estados Unidos. Entre la década de los 60 y 70 graba más de cuarenta álbumes, y sus mayores éxitos internacionales llegarán durante la década de los 70.

Pero Mighty no es ajeno al cambio que se está produciedo afinales de la década de los 70 y principios de los 80, cuando la música soca empiezar a ganar en popularidad en Trinidad al calipso. La soca es un género muical que se nutre y entremezcla la música calipso, ritmos africanos y tembién rtimos de las Indias Occidentales. Mighty se adentra en la soca y además empieza fusionar calipso, soul y chutney, un género musical indo-caribeño que se desarrolló al sur del caribe y que goza de gran popularidad en Trinidad y Tobago, Guyana, Surinam, Jamaica, Fiji, Islas Maurcio y Sudáfrica.

Las letras de las canciones de Mighty son conocidas por ser ingeniosas, irónicas y obscenas, si bien también suele tocar temáticas sociales y políticos, no en vano, uno de sus mayores éxitos internacionales, Dead or Alive (1979), abordaba la tiranía de gobernantes como el Sha de Irán Idi Amin, y otros líderes de la época. 

Mighty Sparrow es sin duda uno de los mayores artistas del país de Granada, con una carrera que abarca más de 60 años popularizando el calipso y la soca además de tocar otros géneros musicales. Una carrera que a día de hoy, y a sus 86 años todavía continúa, y fruto de ello fue la publicación de su álbum Fyaah and Fury en 2018.

lunes, 8 de marzo de 2021

0067: Don't let the sun catch you cryin' - Ray Charles

 

Para su séptimo álbum de estudio, Ray Charles optó por dar un giro en su carrera, alejándose de los esquemas clásicos de rhythm and blues en los que se había movido en sus discos anteriores, y encaminándose hacia una producción más elaborada y con el respaldo de una big band y una sección de cuerdas para sus nuevas canciones. La salvedad, en este caso, fue que ambos recursos de acompañamiento no acabaron mezclados en The Genius of Ray Charles (1959, Atlantic Records), sino que la primera cara albergó los temas grabados junto a la big band, mientras en la cara B encontraron su sitio las baladas con arreglos de cuerda y terciopelo.

Esta dualidad se reflejó también en los dos singles publicados, ya que Let the good times roll es un claro ejemplo del swing de la primera cara, mientras que Don't Let the Sun Catch You Cryin' fue la carta de presentación de la colección de baladas de piano y cuerda que poblaban la segunda cara. Ambas tenían en común que eran versiones de temas que Louis Jordan había grabado previamente, convirtiendo ambos singles en una especie de homenaje al saxofonista y líder de "Louis Jordan and his Tympany Five".

En una hipotética carrera para decidir cual de los dos singles era más brillante, ambas llegarían casi empatadas a la meta, pero nos decantamos por la elegancia de la voz y el piano de Ray Charles en las distancias cortas, y ahí es donde Don't let the sun catch you cryin' llega a romper la cinta antes en la "photo finish" con su sincera recomendación: "No dejes que el sol te pille llorando, frente a la puerta de mi casa". Paul McCartney hizo suyo este consejo durante sus conciertos de promoción del disco Flowers in the dirt, y su más que correcta versión de este tema formó parte de "Trippin' the live fantastic", el disco en directo que recopilaba los mejores momentos de aquella gira.

El disco de la semana 215: Skin & Bones - Susan Santos

 

Skin & Bones, Susan Santos


     Hoy, día 8 de marzo se celebra el Día Internacional de la Mujer, un día de carácter festivo que conmemora la lucha de la mujer por su papel y participación dentro de la sociedad, su emancipación y su desarrollo íntegro como persona. La reivindicación del papel de la mujer abarca todos los ámbitos, el de la música no podía ser menos, y en 7dias7notas lo tenemos muy presente. Para celebrarlo como se merece, en este día tan señalado os traemos nuestra siguiente propuesta con la intención de reivindicar el papel de la mujer dentro del maravilloso mundo de la música. No se nos ocurría mejor forma que hacerlo que con una guitarrista española que se ha ganado por méritos propios ser uno de las mayores referentes del blues en España, y que se ha ganado sobradamente el reconocimiento fuera de nuestras fronteras, llegando a ganar en el año 2018 el prestigioso galardón The Best Musician Perfomance dentro de los European Blues Awards, y siendo nominada en 2019 para los Texas Sound Music Awards.

En 1982 nacía en Badajoz una artista que se ha convertido por derecho propio en una de las puntas de lanza del blues de este país, Susan Santos. Nacida en el seno de una familia numerosa, la más pequeña de seis hermanos, quien le iba a decir que a las puertas de la mayoría de edad iba a sentir la llamada de la música. Su primera guitarra es acústica y se la costea ella misma con el dinero ganado en una fábrica. Luego llegaría su primera guitarra eléctrica con la inestimable ayuda de su madre y sin que su padre se enterase, pues temía que su hija se convirtiese en una heavy. Sin embargo más tarde sus padres comprenderían que Susan había elegido correctamente, pues a día de hoy lleva una significativa carrera y se ha ganado una gran reputación dentro del blues, y no sólo dentro del país.

Susan es zurda, aprende a tocar la guitarra de forma autodidacta y va forjando su propio estilo personal de entender e interpretar la música. Como hemos comentado anteriormente, su carrera no ha parado desde entonces y ha compartido su feeling con la guitarra en muchos clubes famosos, en festivales por toda Europa, Estados Unidos y México.

En 2010 Susan Santos lanza junto a The Papa's Red Band su primer trabajo, Take Me Home, y en 2011 también con ellos su segundo disco, Shuffle Woman. En 2014, tras abandonar su proyecto con The Papa's Red Band, publica Electric Love. La gran calidad que atesora y va demostrando Susan le lleva incluso a ser fichada para la televisión, concretamente para el programa televisivo Las Mañanas de TVE 1 durante un par de años.

Dos años después de su álbum Electric Love, con el que ya había llamado considerablemente la atención, se encierra en unos estudios de Madrid, y junto con Manuel Bagües al bajo y Ezequiel Navas a la batería graba Skin & Bones. El disco es producido por Juan De Dios Martín y mezclado por este en Los Ángeles. Susan cuenta en este álbum con la colaboración de músicos de la talla de Eduardo Molina, David Salvador y Pablo Martín entre otros. El disco es publicado en 2016 bajo el sello discográfico Paella Records



Skin & Bones se convertía en su mejor trabajo hasta la fecha, un disco apoyado en el característico y personal estilo de Susan de entender el blues y asomándose a estilos como el country o el sonido pantanoso del blues del Delta. El disco comienza con la potente Rattlesnake, todo un cañonazo donde Susan, acompañada de una gran base rítmica, ya nos ha puesto en pie con su guitarra. Le sigue el magnífico tema se toque country Goin' Down South, donde el banjo y el bajo nos trasladan hasta los mismísimos terrenos pantanosos del delta. Red Lips, tema donde la guitarra cobra el protagonismo de un tema que nos recuerda a los australianos AC/DC. Sunset's Glaze, un magnífico medio tiempo donde el protagonismo es para la calidez que transmite la voz de Susan, aspecto que cuida tanto como su instrumento, la guitarra. Le llega el turno a Dusty Road y su ritmo frenético. Para mí uno de los momentos cumbre del disco, donde podemos apreciar el uso de la Washboard (tabla) de la mano de Juan de Dios, usada antiguamente como elemento de percusión. Este es el típico tema que me gustaría estar escuchando si estuviera viajando a través de las típicas carreteras con sus eternas rectas y que cruzan el país originario del blues de punta a punta, como por ejemplo la Ruta 66. 

Let Your Light Shine, otro de los momentos más íntimos del disco, con esa guitarra acústica que por momentos nos recuerda a Eric Clapton. Skin & Bones, el tema que da título al álbum, puro rock & roll con sabor a la década de los años 50 que hará que los pies se nos muevan solos. Como antesala al cierre llega Stop Drivin' My Crazy, otro de lo grandes momentos del disco con esta magnífica balada, uno de esos temas que a uno le gustaría degustar en la mecedora del porche de la típica casa con vistas al delta. El final de este magnífico y más que recomendable disco llega de la mano de Right On Time, donde la guitarra de Susan está brillantemente acompañada por la calidez que da al tema el sonido del Hammond. 

domingo, 7 de marzo de 2021

0066: Ne me quitte pas - Jacques Brel

 




Primera incursión en lengua francesa en La historia de la música en canciones, cruzamos los Pirineos y de paso toda Francia para llegar a Bélgica, lugar de nacimiento del cantautor Jacques Brel, uno de los máximos representantes de la Chanson Française. El tema que nos ocupa es sin duda el más conocido del autor, cuya primera versión apareció el 11 de septiembre de 1959 en el disco La Valse à mille temps. En 1961, Brel grabó una versión en neerlandés Laat me niet alleen. Os ponemos en situación para contar la intrahistoria de esta canción, corría el año 1953, Brel tenía en su Bélgica natal esposa e hija, un trabajo gris y muchos sueños de cantautor que le llevan en 1953 a dejar Bruselas y marchar solo a París para hacer realidad sus sueños. Mientras sobrevivía dando clases de guitarra, iba componiendo canciones en un principio románticas que poco a poco van encontrado su público hasta que en 1954 actúa por primera vez en el Teatro Olympia y empieza a componer para otros. Dos años después alcanza su primer gran éxito con Quand on n'a que l'amour, pero sin duda la canción que le convirtió en leyenda es este Ne Me Quitte Pas, que al principio no tuvo demasiada repercusión pero que con el tiempo ha sido versionada por centenares de intérpretes en decenas de idiomas.

 

No mentimos cuando decimos que Ne me quitte pas es una de las canciones más bonitas de todos los tiempos. Pero ¿qué se esconde detrás de la triste y a la vez bonita letra de esta canción? Una historia dramática, sin duda. Jacques Brel conquistaba a la audiencia con su dramatización en el escenario, ya que era una especie de “Dandy”, que hacía suspirar a las mujeres con ese idioma tan sensual como es el francés. Pero en realidad en este tema encontramos la historia del propio cantautor una especie de autohumillación. Durante su etapa como artista en clubes conoce a una mujer llamada Suzanne Gabriello, actriz cómica, sensual e inteligente. El enamoramiento entre ambos no tardó en llegar, pero a la vez, ese sentimiento se traduce en detestable, él se entregará completamente a ella durante cinco años, repletos de desencuentros, intrigas y juego sucio, hasta que ella queda embarazada, pero Briel niega ser el padre y dice que no va a reconocerlo. Ese es el comienzo del fin para una historia realmente patética. Loca de ira, Zizou amenaza con denunciarlo en los tribunales y que toda la gente se entere del tipo de persona que es. Entones, él se va a Bruselas con su esposa legítima. En ese momento aprovecha para redactar la letra del tema “Ne me quitte pas”. Podría decirse que el mismo Brel odiaba esa canción, porque le traía muchos recuerdos de su amante Zizou, la palpable definición de lo que pasaba por su mente y por su corazón. Una especie de catarsis por sus pecados. En relación a la música, esta canción aprovecha la melodía de la “Rapsodia Húngara Número 6”, de Franz List (aunque él mismo lo niega). Disfruten de la que es sin duda una de las mejores canciones de amor/desamor de la historia.



Extremoduro - Deltoya (Mes Extremoduro)

 

Deltoya, Extremoduro

Atrás queda ya el año 1987, año en el que un jovencísimo Robe Iniesta, oriundo de Plasencia, Cáceres, tras la ruptura de la banda Dosis Letal, de la que formaba parte, decide crear su propia formación de rock, Extremoduro. Así comenzaba la aventura de Robe (guitarra y voz), junto a Kaíto (bajo) y William (batería). Una formación que salvo Robe, líder y alma de la formación extremeña, irá sufriendo continuos cambios en sus filas. Atrás queda ya su primer viaje a Madrid, con la mochila cargada de sueños, donde Extremoduro graba su primera maqueta. Pudieron costear el precio de aquella maqueta vendiendo papeletas que equivalían a una copia de la maqueta cuando ésta estuviera grabada y editada. Así es, señores y señoras, hasta en ese invento del crowdfunding  el "Rey de Extremadura" fue pionero, aunque apenas llegaron a vender unos 250 boletos.

Atrás queda también la grabación de su primer disco, Tú en tu casa, nosotros en la hoguera (1989), disco que fue distribuido por la región extremeña, y que años después fue reeditado con un mejor sonido y bajo el título de Rock Transgresivo. Atrás queda también el año 1991, cuando fichan por la discográfica Avispa Music, que se había fijado en ellos, pero ante las escasas expectativas que el sello tiene para ellos deciden romper el contrato y fichar por el sello independiente Área Creativa de Pasión Cía. Discográfica, con la que publican su segundo disco, Somos unos animales. Sin embargo, el grupo decide romper también con Área Recreativa, por diferencias económicas motivadas por no haber cobrado los derechos de autor.

Nos encontramos en 1991, y Extremoduro, que en ese momento está formado por Robe (guitarra y voz), Salo (guitarra), Carlos "El Sucio" (bajo) y Luis "Von Fanta" (batería), consigue fichar por DRO (Discos Organizados Radiactivos), el sello de música independiente más importante del país. La gestación del fichaje comienza a raíz del contacto del bajista Carlos "El Sucio", con el cazatalentos de DRO José Antonio Gómez, al que conocía personalmente. Curiosamente, la gran calidad que el Robe compositor y escritor descarga en cada una de sus letras, no es la razón para fichar a los extremeños, sino la cantidad de gente que llevaban detrás y que arrastraban a los shows que montaban en los conciertos, motivo por el que las revistas heavys ya se habían empezado a fijar en ellos y en su música, alejada del típico rock standard que se hacía en la época.

Con un contrato discográfico en el bolsillo y con las garantías de un sello fuerte, el grupo se mete en los estudios Box de Madrid y graba el material que compondrá su tercer álbum. En junio de 1992 se publica Deltoya, que sentará las bases del despegue de la banda, y que la pondrá en la senda del éxito y reconocimiento absoluto como grupo de culto. Deltoya no consiguió inicialmente el reconocimiento que merecía, en parte por la escasa promoción del disco, y no por la falta de interés de DRO, sino porque el propio Robe se negaba a convertir al grupo y al disco en un producto, lo que da una idea de la gran personalidad del líder de la banda extremeña. 

El resultado es un doble álbum compuesto por doce temas, de los que muchos se han convertido ya en imprescindibles en la historia del rock español. Las condiciones del grupo han mejorado considerablemente, y esto hace que puedan centrarse única y exclusivamente en lo que mejor saben hacer, la música, y entonces el resultado salta a la vista. En Deltoya se da, además, la circunstancia de que el grupo, al sentarse a discutir que temas descartar, se dan cuenta de que no hay ningún tema que pueda considerarse de relleno, por lo que deciden apostar por todos, y la discogŕafica DRO, en un gesto de confianza hacia la banda, decide dejarles incluir los doce temas compuestos en forma de doble álbum.

El título del álbum, Deltoya, proviene de la contracción "del todo ya", y tenía un significado especial para la banda, pues por fin, habían podido grabar todas las canciones que tenían preparadas, con buen sonido y sin tener que elegir o sacrificar ninguna, por lo que decían que tenían un disco deltoya (del todo ya). El vinilo del disco tiene dos portadas, una creada por el artista de Trujillo (Cáceres), Chuty, quien era miembro de la asociación cultural Tope Ganso, y consiste en un dibujo en que un hombre de espaldas mira desde un balcón hacia la noche, bajo la atenta mirada de la luna. La otra portada es una ilustración de Carlos Azagra, un ilustre del mundo del cómic, responsable de personajes como Pedro Pico y Pico Vena de la publicación El Jueves. La ilustración muestra a una familia desnuda contemplando el mar desde una playa.

Para la grabación del disco, la banda cuenta con la colaboración de músicos adicionales, los que se encuentran Ariel Rot en el tema Volando solo, Salvador Domínguez (Banzai) en De acero y Relación convencional, o Rafa Kas (Los Toreros Muertos, Ilegales, Desperados) en Lucha contigo. El disco contiene una mayor complejidad que los dos álbumes anteriores, fruto de la constante evolución de Robe, quien pretendía que la gente se devanara los sesos y que le diera su propia interpretación a lo temas cuando los escuchara. El disco es un recorrido donde Robe, con sus letras, nos transporta y deleita con temazos como Volando solo, donde pone el grito en el cielo en defensa de la ecología y podemos disfrutar de la guitarra de Ariel RotÚltima generación, donde además de tocar la temática ecologista también lanza una llamada con toques anti-sistema, Ama, ama, ama y ensancha el alma, poema escrito por el poeta Manolo Chinato y al que Robe pone la música, toda una llamada a la fraternidad y el amor colectivo, Estado Policial, un potente rock and roll con el que cierran el disco; o la potente Deltoya, escrita por Robe basándose en un poema de Kiko Luna Creciente, artista de la asociación Tope Ganso de Trujillo.

Robe, siempre perfeccionista, no acabó del todo contento tras la publicación del disco, pues consideraba que a Deltoya le había faltado tiempo de cocción. Lo que si es cierto es que Deltoya significó un salto cualitativo para el grupo, que iba camino de convertirse en lo que es ahora, un grupo de culto. El cambio a una discográfica como DRO les permitió a Robe y a Extremoduro dejar de lado muchas preocupaciones adicionales, pues por fin no tenían que preocuparse de tener que hacerlo todo ellos, para centrarse "del to ya" en lo que mejor sabían hacer. Rock transgresivo lo llamaban, una efectiva receta a base de generosas dosis de pura música y poesía.

sábado, 6 de marzo de 2021

0065: Shout - The Isley Brothers

 

Shout, Isley Brothers


     El 1 de noviembre de 1959 se publica Shout!, el álbum debut de los Isley Brothers, bajo la producción de los reputados productores discográficos Hugo Peretti y Luigi Creatore. El álbum es grabado en el Studio A de RCA Victor's Music Center of the World (Nueva York), y publicado por la discográfica RCA, propietaria de dichos estudios. Un disco donde podemos enontrar rhytm and blues, doo - woop, gospel ó rock and roll.

Incluido en éste disco se encuentra el tema Shout, que había sido lanzado como sencillo unos meses antes, concretamente en agosto de 1959, y que incluía Shout parte I en la cara A y Shout parte II en la cara B. El tema se acabaría convirtiendo en una influyente canción dentro del género rock and roll, siendo muy versionada a lo largo de la historia, y donde una de las más exiosas fue la versión de la cantante escocesa Lulu en 1964. 

El tema originalmente fue escrito por Rudolph Isley, aunque aparece acreditado también a los otros dos componentes, Ronald y O'Kelly Isley. En 1958 los hermanos solían terminar sus actuaciones interpretando una versión del tema Lonely Teardrops de Jackie Wilson. En una de esas actuaciones, cuando el trío se encontraba en el Uptown Theatre de Filadelfia, y mientras interpretaban este tema, en un momento dado a Ronald al ver al público de pie y gritando enfervorecido le dió por gritar algo así como "Wellllllll........sabe que me dan ganas de gritar!", y automáticamente Rudolph y O'Kelly se unieron a la improvisación. La gente se volvió loca.  

Los Isley Brothers en un principio no consideraron que éste tema tuvieran que grabarlo, pues para ellos se trataba simplemente de una improvisación que hacían en el escenario, pero el por entonces ejecutivo de RCA Records Howard Bloom lo tuvo muy claro y propuso que aquello había que publicarlo como sencillo. Este tema revolucionó el efecto de llamada y respuesta que tan bien conocían los hermanos, pues crecieron cantando en una iglesia. 

La música en el cine: You Could Be Mine (Guns & Roses) - Terminator 2: El Juicio Final

 

You Could Be Mine, Guns & Roses


     En julio de 1991 se estrenaba en Estados Unidos Terminator 2: el juicio final, película de acción escrita, producida y dirigida por el genial director canadiense James Cameron. Tras el éxito de la primera película de la saga, y aprovechando el tirón y popularidad que había alcanzado Arnold Schwarzenegger, James Cameron sacó está segunda parte repitiendo los esquemas de la primera producción. 

La película también tiene el honor de ser una de las primeras películas en las que se utilizaron imágenes generadas por ordenador. En su momento fue la producción más cara de la historia, con un costo aproximado de unos 100 millones de dólares, y se convirtió en la segunda película más taquillera de la historia, detrás de E.T., el extraterrestre, recaudando alrededor de unos 520 millones de dólares. 

Como olvidar el argumento de la famosa película, donde las máquinas, en su intento fallido de matar a la embarazada protagonista Sarah Connor, interpretada por Linda Hamilton, deciden continuar con su cometido, pero esta vez cambiando de objetivo, el adolescente John Connor, interpretado por Edward Furlong. Para este cometido, las máquinas envían al avanzado modelo T-1000, interpretado por Robert Patrick. Menos mal que John Connor recibirá la ayuda de un modelo T-800 CSM-101, interpretado por Arnold Schwarzenegger, que viene también del futuro para salvarlo.

Y como olvidar también un tema que aparece en la banda sonora de la película, y que siempre que lo escuchamos lo asociamos inmediatamente a ésta, nos referimos a You Could Be Mine, de nuestros amigos de Guns & Roses. Esta canción, escrita y compuesta por Izzy stradlin y Axl Rose, que supuso un auténtico pelotazo, está considerada como una de las mejores y más populares canciones del grupo californiano. El tema fue lanzado el 21 de junio de 1991 para promocionar el álbum donde aparecía editado, Use Your Ilusion II, que fue lanzado a su vez en septiembre de 1991 por la discográfica Geffen Records. El tema no fue ideado para la película, fue seleccionada por el propio James Cameron, quien organizó en su momento una cena con los miembros de la banda en su casa para negociar el acuerdo.

En realidad, el tema fue ideado con anterioridad a la grabación del álbum Appetite for Destruction, publicado en 1987, y no fue incluida en éste disco porque al parecer no fue terminada a tiempo. Slash siepre creyó que este tema tenía que haber sido incluido en Appetite for Destruction, ya que éste representaba el espíritu musical de la banda en aquel momento. De una forma u otra, el tema acabó convirtiéndose en uno de los grandes de Guns & Roses. La temática del tema se basó en una relación fallida entre Izzy Stradlin y su novia en aquel momento Angela Nicoletti.

Y como olvidar el vídeo musical de promoción del tema y de la película, donde podemos observar a Schwarzenegger en su rol de Terminator llegando a un concierto de Guns & Roses, ya que tiene órdenes de asesinar a los componentes de la banda. Al final del tema el Terminator evalúa a cada miembro de la banda, y al llegar a Axl Rose decide que matarlo sería un desperdicio de munición, y tras observarlo durante unos instantes se da la vuelta y se marcha. Las imágenes del concierto utilizadas para el vídeo fueron rodadas durante el que llevaron a cabo en el Ritz Club de Nueva York el 16 de mayo de 1991.

I'm a cold heartbreaker
Fit ta burn and I'll rip your heart in two
And I'll leave you lyin' on the bed
I'll be out the door before you wake
It's nuthin' new to you
'Cause I think we've seen that movie too
'Cause you could be mine
But you're way out of line
With your bitch slap rappin'
And your cocaine tongue
You get nuthin' done
I said you could be mine
Now holidays come and then they go
It's nothin' new today
Collect another memory
When I come home late at night
Don't ask me where I've been
Just count your stars I'm home again
'Cause you could be mine
But you're way out of line
With your bitch slap rappin'
And your cocaine tongue
You get nuthin' done
I said you could be mine
You could be mine
You could be mine
You could be mine
You could be mine
You could be mine, mine, mine, mine
You've gone sketchin' too many times
Why don't you give it a rest
Why
Must you find
Another reason to cry
While you're breakin' down my back n'
I been rackin' out my brain
It don't matter how we make it
'Cause it always ends the same
You can push it for more mileage
But your flaps are wearin' thin
And I could sleep on it 'til mornin'
But this nightmare never ends
Don't forget to call my lawyers
With ridiculous demands
An you can take the pity so far
But it's more than I can stand
'Cause this couchtrip's gettin' older
Tell me how long has it been
'Cause five years is forever
And you haven't grown up yet
You could be mine
But you're way out of line
With your bitch slap rappin'
And your cocaine tongue
You get nuthin' done
I said you could be
You should be
You could be mine
You could be mine
You could be mine
You could be mine
You could be mine
You could be mine
You could be mine
You could be mine
You could be mine

viernes, 5 de marzo de 2021

0064: Money (That's what I want) - Barrett Strong

 


Barrett Strong nació en Mississippi en 1941. Fue uno de los primeros artistas contratados por Berry Gordy para la empresa Gordy's Motown Records. Aunque Barrett Strong tiene el cartel de "One hit wonder” la realidad es que tuvo una carrera larga y distinguida en Motown Records ya que se asoció con su colaborador Norman Whitfield para escribir y producir varios éxitos icónicos de Motown. La canción por los que todos conocemos a Barrett es Money (That's What I Want) tema que Anna Records se encargó de lanzar a nivel nacional en 1959. La canción alcanzó el número 2 en las listas de Hot R&B y el número 23 en el Billboard Hot 100 y se ha convertido en una canción icónica que ha sido versionada por al menos 100 grupos. Os dejamos unos ejemplos: los Rolling Stones, The Doors, The Beatles y Led Zeppelin.

 

"Money", fue grabada en 1959 y fue el primer éxito nacional para la Motown lo que le proporciono una credibilidad y una vital inyección de dinero. Money se lanzó inicialmente en Tamla Records (en ese momento, el sello Motown aún no existía) sin embargo, la canción fue luego transferida a Anna Records, un sello que lleva el nombre de la hermana de Berry Gordy. La letra de Money es extremadamente simple y directa, el cantante relata varias cualidades, y declara que todas ellas carecen de importancia, en comparación con el dinero contante y sonante. La melodía Money tiene más una sensación de "banda de garaje" que los discos clásicos de "sonido de Motown" que incluían a la banda de acompañamiento The Funk Brothers. El tema es extremadamente cruda y directa, comienza con Barrett Strong al piano, luego acompañado de una pandereta a la que se unen la guitarra, el bajo y la batería, antes de que Strong abra con su voz áspera. Barrett también está acompañado durante el coro de un grupo de chicas, que se unen al estribillo de ‘That´s what I want’.

 

Este tema también arrastra una polémica que paso a relatar, Money (That's What I Want) se le atribuye a Berry Gordy y Janie Bradford, Barrett Strong siempre ha mantenido que fue cocreador de la canción. En un principio Strong figuraba como creador de la misma, sin embargo, su nombre fue posteriormente eliminado del registro de derechos de autor, dejando a Gordy y Bradford como los únicos creadores registrados. Berry Gordy afirma que Strong fue incluido inicialmente como coguionista por un error administrativo, y siempre ha sostenido que a él se le ocurrió la música, todo el primer verso y el coro, se lo enseñó a Janie Bradford, quien sugirió un par de líneas para el segundo verso que le dejo encantando por lo que le dio el 50% de la creación, a continuación llegó Barrett Strong, se sentó con ellos, y sin ser invitado comenzó a cantar, pero no contribuyó en nada a la escritura de la canción. Sea cual sea la realidad, el caso es que podemos disfrutar de una canción enorme.

jueves, 4 de marzo de 2021

0063: Put Your Head on My Shoulder - Paul Anka

 



 “Put Your Head on My Shoulder” es una de las canciones de amor más apreciadas de todos los tiempos. Paul Anka la escribió y grabó en 1959, en el apogeo de su fama, convertiendose en el cantante adolescente más exitoso de los años 50 que escribiera su propia canción. Había conocido el éxito en 1957 con su canción "Diana". Al igual que sus éxitos anteriores, “Put Your Head on My Shoulder” capturó la tímida ternura de la cultura popular adolescente de la década de 1950. La inspiración de Anka vino de sus fans, al fijarse en ellas durante sus actuaciones.  "Fui consciente del ambiente, mis conciertos estaban llenos de adolescentes y cuando tocaba una balada todos se abrazaban, y yo estaba allí arriba cantando mientras veia sus cabezas sobre los hombros del otro ”, dijo Anka. "Fue algo importante en los años 50, una época de inocencia y romance, nunca había escuchado una canción que expresara tal sentimiento, así que una noche volví a mi habitación de hotel y escribí Put Your Head on My Shoulder”, Pon tu cabeza sobre mi hombro. Sostenme en tus brazos, cariño. Aprietame oh-tan-fuerte. Muéstrame que tú también me amas. Pon tus labios junto a los míos, querida. ¿No me besarás una vez? Solo un beso de buenas noches, tal vez tú y yo nos enamoremos”, dice la canción, bastante explicito y atrevido para la época.

“Put Your Head on My Shoulder” alcanzó el número 2 en la lista Hot 100 de Billboard. Nueve años más tarde, la canción volvió a ser popular en el puesto 44 de las listas con la versión de 1968 de The Lettermen. El cantante canadiense Michael Bublé, que comenzó como el protegido de Anka, también hizo una versión de “Put Your Head on My Shoulder” en su exitoso álbum debut homónimo en 2003.

Pero nadie lo hace mejor que Paul Anka. La leyenda de la música comenzó a ser uno de los mayores ídolos adolescentes de finales de los 50. En 1961, cuando la locura de los ídolos adolescentes comenzó a enfriarse, Anka podía presumir de las más de 125 composiciones en su haber, así como de su propio sello discográfico llamado Spanka, en lugar de dormirse en los laureles, Anka pasó a la esfera adulta y se convirtió en un exitoso intérprete, compositor, artista de grabación y empresario musical que se mantuvo tan bien entrado el nuevo milenio.


Un país, un artista: Francia - Phoenix

 

El cuarteto francés, Phoenix se ha ganado un espacio muy importante dentro de la escena alternativa mundial. Vamos a hablar de sus primeros cuatro albums de estudio, donde encotnramos un sonido elegante y bailable a la vez, la banda envuelve a los melómanos de todo el mundo en una fantasía pop, con melodías electrónicas. Los guitarristas Laurent Brancowitz y Christian Malazzai, el bajista Deck D’Arcy y el vocalista Thomas Mars componen Phoenix. La banda se formó en 1999 en el barrio parisino de Versalles, dentro del mismo movimiento que vio nacer a Air y Daft Punk a finales de los 90, con el tiempo, y cada uno en su estilo, estos tres nombres han ido conformado la Santísima Trinidad de la música francesa de los últimos quince años. La relación entre Phoenix y Daft Punk son muy cercanas ya que Laurent Brancowitz, guitarrista de Phoenix, tuvo un grupo con Guy-Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter , llamado Darlin. La relación entre estas dos grandes bandas es tan estrecha que durante una presentación de Phoenix en el Madison Square Garden en 2010, Daft Punk hizo su aparición en el escenario haciendo un mash up entre algunos de sus éxitos y la canción 1901 de Phoenix. 

 

Phoenix empezó haciendo un remix del sencillo "Kelly Watch the Stars" de Air. Se volvieron rápidamente un éxito "underground" gracias al sonido loungy/mellow y sin pretensiones que implementaron en su álbum del 2000 United. Potentes líneas de bajo, elegantes guitarras rítmicas y teclados que, junto a la personal voz de Thomas Mars deslizándose entre los instrumentos, convencían a la primera escucha. La aparición del tema “Too Young” en la película Lost in Translation, (En 2011, el vocalista de Phoenix, Thomas Mars, se casó con la prestigiosa directora de cine Sofia Coppola) contribuyó a propulsar su álbum debut con la suficiente fuerza para lograr un contrato para un segundo disco en 2004. De título "Alphabetical", el álbum trajo a la banda un éxito comercial moderado, con sencillos como "Everything Is Everything" y "Run Run Run" en buenas posiciones en las listas de popularidad. Para presentar "Alphabetical", Phoenix se embarcaron en una larga gira mundial, que quedó plasmada en el álbum "Live! Thirty Days Ago".

“It's Never Been Like That” (2006) constituyó la tercera entrega de estudio de los parisinos, un trabajo autoproducido con el que Mars y compañía se acercaron a sonidos más directos y contundentes, logrando con ello el aplauso de la crítica. Al disco siguió de nuevo una gira masiva a lo largo de Estados Unidos y Europa. La música y la moda convergen en este disco ya que en esta ocasión con el exitoso diseñador de Dior, Hedi Slimane, diseño la portada del álbum «Alphabetical» y utilizó la canción «Victim of crime» para mostrar una de sus colecciones para la casa de moda.


La banda celebró sus diez años de trayectoria con la edición de “Wolfgang Amadeus Phoenix” (2009), cuarto disco de estudio en el que contaron con la acertada producción de Philippe Zdar (Cassius). Con esta nueva obra llegan de nuevo las melodías inspiradas y los ritmos bailables que recuerdan a las grandes canciones incluidas en su ópera prima “United”. Con motivo de gira la banda estrenó un documental de 52 minutos, dirigido por Antoine Wagner, (quien dirigió también el video de «Lisztomania») llamado From the mess to the masses, en el que se narra la historia de la banda y su ascenso al éxito. En el documental se ven imágenes que Wagner capturó durante más de un año de gira en la que Phoenix, presentó su cuarta producción, llamada Wolfgang Amadeus Phoenix. El tour que grabó el director por Berlín, Estados Unidos y otras ciudades de Europa, comenzó el 20 de mayo del 2009.




Conocer su discografía es algo que les invitamos a hacer de manera personal y sin presiones, basta con escuchar alguna canción y deleitarse con estos sonidos, analizarlos y concluir lo que cada uno produce en el cuerpo y en la mente, porque al fin y al cabo eso es lo que la música de estos franceses consigue: tocar los sentidos, otorgarles emociones y hacerlos explotar en reacciones.