La música en historias: Hablemos de Rock Nacional (Argentino)

EL MANUSCRITO EN LA BOTELLA


Voy a salirme de la norma en esta ocasión en lo que a reseñas se refiere. Normalmente las escribimos alguno de los 3 miembros de 7dias7notas, pero en esta ocasión va a ser algo diferente.
Digamos que estaba enfrascado en mis pensamientos, bajo una palmera de una paradisíaca playa, cuando arrastrado por las olas ha llegado a la orilla un "manuscrito en una botella". Al abrirlo descubrí que contenía un mensaje de un amigo argentino, seguidor de nuestra página y al que podréis encontrar en Instagram como @storyboy.

En el "manuscrito en la botella" (permitidme que siga con esta referencia, mucho más poética que reconocer que fui yo quién le pidió desde Madrid que nos compartiera su visión del rock argentino), cuenta sus impresiones sobre lo que allá se conoce como "Rock Nacional".

Y para que sus palabras no se pierdan después de haber sufrido los vaivenes de las olas de un océano de distancia, sin más pérdida de tiempo paso a transcribiros su interesante artículo sobre la música rock argentina. ¡¡¡ Gracias @storyboy !!!

Hablemos de Rock Nacional

"Hola amigos, me han pedido que hablara de "rock nacional" como favor, aunque debo reconocer que no soy el más idóneo, por ser solo mi subjetividad como oyente la que habla, y no la voz de un experto en rock nacional. Bueno al menos algo sí tengo que decir al respecto, y es que escucho rock nacional desde pequeño.

Por eso creo que voy a hablar de la cronología del rock nacional desde sus comienzos, que como todos sabemos fue y será una expresión de rebeldía de los jóvenes. En particular en el caso de los jóvenes argentinos, la rebeldía fue por la situación política, en pleno proceso militar surgieron bandas de rock que hicieron de su canto una forma de protesta.

Bandas como "Seru Giran", "Riff", "Tango Feroz", entre otras bandas de rock nacional de una época todavía anterior a la mía, pero les aseguro que han marcado a fuego en la sociedad Argentina un estilo que aún hoy sigue vigente.

Rock Nacional Argentino de los 70:

Seru Giran - 3AM

https://youtu.be/d5jjeTDKzTM

Seru Giran - Canción de Alicia en el país

https://youtu.be/AveFU7jMPR0

Tango Feroz - El amor es más fuerte

https://youtu.be/b0utHeJwsyo

Pero si hablamos de la época de mayor esplendor, entonces hay que irse ya a los años 80, dónde las bandas de rock hacen su aparición en el plano internacional, y quizás el rock pasa a ser algo más cotidiano. Es entonces cuando surgen las bandas de rock que marcaron mi adolescencia y me hicieron seguidor empedernido, siempre con mi remera (camiseta) de mi banda de rock del momento.

En esta época surgen bandas como "Soda Stereo", "Virus", "GIT", "Los Twist", "Miguel Mateos", "Patricio Rey y Los redonditos de ricota", "Sumo", "Los Fabulosos Cadillacs o "Los Pericos" entre otras muchas bandas.

Aunque debo decir que muchas de ellas ya venían trabajando desde años atrás, definitivamente  creo que es la etapa de esplendor del "rock nacional".

Rock Nacional Argentino de los 80:

Soda Stereo - Persiana Americana

https://youtu.be/rGDpAoj6gyY

Patricio Rey y los redonditos de ricota - Vencedores Vencidos

https://youtu.be/dN40iL0Qy5c

Sumo - Mañana en el Abasto

https://youtu.be/Z644FsmcqWU

Siempre con su impronta de cada década, tal como en los 70 marcó estar bajo un régimen militar, la década de los 80 tuvo su marca de sangre en la guerra de Las Malvinas, que influyó aún más al rock nacional en sus letras y sus canciones.

Y llegaron los 90, y los que eramos niños pasamos a ser adolescentes que, marcados por los 80 quisimos ser "rocanroleros". Y quién no soñó con tener su propia banda de rock, ensayando en el garage.De ese anhelo surgieron nuevas bandas influenciadas por la escena local e internacional, hasta el punto que los Rolling Stones podrían ser considerados los grandes padres del rock argentino, ¿qué argentino que se pretenda llamar "hombre o mujer del rock" no admira a los Rolling Stones?.

En los 90 nacieron bandas como "Las Pelotas", "Divididos", "Los Piojó", "Villma Palma y Vampiros", "Los Brujos", "Pappo Blues", "La Renga", y un sin fin de bandas que marcaron que el rock nacional había llegado para quedarse. Surgió también al mismo tiempo un gran sentimiento nacional ligado al Rock Argentino, y paulatinamente se fueron cambiando las remeras con banderas foráneas por la bandera Argentina como identidad del rock.

Este movimiento no ocurre únicamente en Argentina, el rock se llena también de bandas de Argentinos en otras partes del mundo, no olvidemos que en esta época nacen "Los Rodríguez" (en la foto), y el género del Heavy Metal tiene entre sus representantes a "Almafuerte" o "Rata Blanca" entre otros.

Rock Nacional Argentino de los 90:

https://youtu.be/OXHQ1aki94Y

No nos debemos olvidar que, en el plano solista, ya grandes figuras son referente de la escena del rock, ídolos indiscutibles como Charly García, Luís Alberto Spinetta, Gustavo Cerati, Andrés Calamaro, Fito Páez y otros artistas de Rock.

Creo en lo personal que también hoy existe una fusión entre lo argentino y el rock, bandas como Divididos muestran una mezcla entre el folkore nacional y el rock, o la inolvidable "Negra Sosa", referente del folklore nacional junto a León Gieco o Charly García.

Mercedes Sosa y Charly García - Inconsciente Colectivo

https://youtu.be/OSLSWOVIUXc

Divididos - Huelga de Amores

https://youtu.be/-Xx6DvXKVMc

León Gieco - Cachito Campeón de Corrientes

https://youtu.be/SyzWwCPXMxw

Lo dicho, hoy el rock en Argentina es, permitanmelo decir, cultura nacional con un sello único. No he hablado desde la tarea de un experto, solo decir que lo contado es lo que he vivido desde dentro, y dentro de mi tiempo como espectador de la evolución de la música en Argentina.

Daniel

Instagram: @storyboy

La música en historias: El cine, Mario Brava, Boris Karloff y Black Sabbath

Black Sabbath

     ¿Que relación tienen Mario Brava, reputado director de cine italiano, Boris Karloff, mítico actor de cine del género de terror y Black Sabbath, la mítica banda de rock? Más de lo que parece......

     Corría el año 1968 y el guitarrista Tony Iommi y el batería Bill Ward acababan de dejar el fallido proyecto de un grupo llamado Mythology, entonces deciden formar su propia banda y se lanzan a la caza de músicos para completar su proyecto. Como resultado de esa búsqueda el dúo acabó contratando al bajista Geezer Butler y al cantante Ozzy Osbourne, que venían de tocar juntos en otro grupo llamado Rare Breed, fichan también al guitarrista Jimmy Philips y al saxofonista Alan Clarke. A este nuevo proyecto decidieron llamarlo The Polka Tulk Blues Company, nombre que copiaron de una compañía textil india aunque  poco tiempo después acabaron acortando el nombre y llamaron a la banda Polka Tulk. El paso de de Jimmy Philips y Alan Clarke fue bastante efímero pues decidieron abandonar la formación, quedando compuesta por Tony, Bill, Geezer y Ozzy, como también efímero fue el nuevo nombre del grupo, pues decidieron volver a cambiarlo y a partir de aquel momento pasaron a llamarse Earth
   
     El grupo por aquel entonces hacía versiones de blues y rock (de gente como Hendrix o Cream entre otros). El grupo también se caracterizaba por realizar largas improvisaciones bluseras. Por cosas del destino, a finales de ese año Tony Iommi decidió dejar el grupo para unirse al grupo de Jethro Tull, aunque la experiencia duró sólo un par de meses, lo que tardó Tony en volver a Earth, y es que ya se sabe, cuando se juntan dos gallos en un mismo gallinero siempre sobra uno.

     El grupo ya estabilizado, mientras se encontraba girando por Inglaterra se da cuenta de que les estaban confundiendo asiduamente pues tenían el mismo nombre que otra banda de rock, entonces para evitar más confusiones decidieron cambiar el nombre del grupo.

     Andaban los cuatro dándole vueltas al tema del cambio de nombre, cuando un día encontrándose los cuatro en el local de ensayo, Geezer se dio cuenta de que enfrente había un cine con una cola enorme para ver una película de Mario Brava. Mario Brava fué un reputado director de cine italiano de terror, y una de los máximos exponentes junto con Dario Argento de la denominada corriente de cine Il Giallo, corriente basada en un estilo característico de películas de suspense, terror, misterios y asesinatos que se producían en Italia.
La película en cuestión tenía como protagonista al aclamado Boris Karloff, rodada en 1963 bajo el título original I tre volti della pura (Las tres caras del diablo), traducida al ingles Black Sabbath.

     Geezer se dió cuenta de que la gente pagaba bastante dinero por ver películas de terror, y empujado por aquello decidió escribir la letra de una canción a la que llamó Black Sabbath, la cual estaba inspirada en una visión que había tenido sobre una figura encapuchada que se había postrado a los pies de su cama e inspirada también en el trabajo del escritor ocultista Dennis Wheatley, autor de muchísmos Best Sellers entre los años 50 y 60.

     Para la composición de la música el grupo hizo uso del famoso Tritono ó "intervalo del diablo", quedando el tema en cuestión con una música y unas letras un tanto oscuras.
El Tritono ya era rechazado en la época medieval por su dificultosa entonación, considerando su sonido como siniestro. Ya en el Renacimiento el tritono fue considerado como un intervalo instable y fue rechazado por la mayoría de teóricos y eruditos musicales.

     A partir de aquel momento el grupo tuvo claro el nombre, Black Sabbath, como también tuvo clara la dirección que debían tomar, apostando por un sonido y unas letras más oscuras, desafiando las corrientes musicales que imperaban en la época, el flower power, el folk y la cultura hippie. El grupo tuvo claro que quería hacer en música el equivalente a las películas de terror. Lo demás es de sobra conocido, como llegaron convertirse en una de las mejores bandas de rock de la historia y pioneras del heavy metal.

Canciones que nos emocionan: Summer Song, Joe Satriani

Joe Satriani

     Hay días en los que es mejor no levantarse de la cama. Quién no ha tenido uno de esos días en los que no da una a derechas y le sale todo mal. De camino al trabajo he decidido no coger el abrigo pues no tiene pinta de llover y me pongo una simple y fina chaqueta. Pues bien, durante ese trayecto empieza a llover inténsamente con lo cuál mi periplo al trabajo (ya que voy en transporte público) se convierte en una odisea. Ya en el trabajo parece que soy el único objetivo del jefe, cual francotirador tiene puesta su mira en mi persona como objetivo, buscando el acoso y derribo.

 
     Una vez acabada mi jornada laboral, de camino a casa sigue haciendo un tiempo de perros, y para colmo pierdo el autobús  ya que al llegar se estaban cerrando las puertas del mismo y el conductor no ha querido abrirme y dejarme entrar aunque esté cayendo "La mundial". Depués de mi accidentado y penoso día por fín llego a casa completamente calado de agua, con un buen resfriado y con la moral por los suelos después de, me vais a permitir la expresión, "un día de mierda". Lo único que quiero es darme un buen baño de agua caliente y relajarme antes de irme a la cama, es entonces cuando descubro que se me ha estropeado la caldera, por lo que tengo que sustituir ese relajante baño de agua caliente por una espídica y tortuosa ducha de agua fría. Después de tan desagradable  experiencia en la ducha se me han quitado hasta las ganas de cenar, cojo el camino de mi habitación, me meto en la cama y me acuesto física y moralmente reventado.

     Suena el despertador y con él un nuevo día, pero esta vez he decidido que todo va a ser diferente, y para ello lo primero que hago nada más levantarme es ir a por los cascos de mi reproductor musical y me pongo un tema que siempre me ha funcionado, un tema que me da un extra de energía, que me ayuda a ver las cosas de otra forma y a afrontar las cosas con un extra de motivación y positividad, entonces doy al play de mi reproductor y escucho Summer Song de Joe satriani.

     Summer Song es un tema instrumental que vió la luz allá por el año 1992, incluido en el cuarto disco del genial guitarrista de Nueva York Joe Satriani. Tema instrumental de unos cinco minutos de duración, donde Satriani hace gala de su perfecto dominio de la guitarra sumergiéndonos en una vorágine de solos encadenados increibles.
Un tema que se ha utilizado mucho tanto en radio como en televisión para temas relacionados con el automovilismo. Un tema que alcanzó el puesto número 5 en la famosa lista de Billboard Mainstream Rock de Estados Unidos. En definitiva, es un tema que siempre me ha funcionado, un tema que me carga las pilas cada vez que lo escucho y me da ese extra de atrevimiento, motivación y energía que necesito.


   

     

Grupos emergentes: DAPHNE en la sala Maravillas

 Creo que no había estado nunca antes en la Sala Maravillas, una pequeña sala de conciertos en el centro de Madrid, perfecta para la ocasión de ver también por primera vez a DAPHNE en concierto, y de disfrutar del directo de tan solo dos músicos con la energía suficiente para sonar como si fueran cuatro.

El concierto empezó puntual a las diez de la noche, tal y como nos había comentado Davinia, siempre pendiente de que todo fuera a la perfección durante la velada. A la izquierda el set de batería de Jesús, y a la derecha el micro y los pedales para Marcos, en un espacio que se le quedaba pequeño para su derroche de movimientos al mando del bajo.

Empezaron a caer los primeros temas, abriendo con "El círculo", "Al otro lado" y "Arañas", de su último EP. Nos habíamos buscado un hueco en la primera fila, después de pillar un par de cervezas para disfrutar del concierto. Gran error porque cerveza en mano fue más complicado aplaudir el talento de DAPHNE al final de cada canción, y merecieron con creces tanto el aplauso de 7dias7notas como de los asistentes al concierto.

Hubo también espacio para nuevas canciones, como "Alfileres", y para temas como "Pennywise" o "Born to be wild" que continuaron calentando el ambiente. Terminaron el repaso completo de su EP con "Lilas en tu Piel", no sin antes hacer referencia a la ola de frío que se cernía sobre Madrid en los próximos días antes de atacar "La tormenta" o "Huracán" (la presentaron con un nombre diferente al que estaba en la setlist que amablemente nos facilitaron).


No son DAPHNE un par de músicos temerosos al frío, aunque les guste sentir el calor de su público. El último tema fue una locura de improvisación eléctrica, acompañados de sus fans más allegados, a los que invitaron a subir al escenario. Final a lo grande y en el calor de la mejor compañía.




Y después de vuelta al frío una vez finalizado el concierto. Ya relajados tras el deber cumplido, mientras en la sala tocaban sus amigos de "Zisne Blanco",  al salir del local pudimos tener con ellos una distendida conversación sobre los duros comienzos, los planes de futuro y simplemente charlar y compartir gustos y referencias musicales.

Mencionaron a Jack White, Primus, Rage against the Machine y una larga lista de influencias de músicos a los que pacientemente han estudiado, en su constante obsesión por crecer y avanzar en el camino, que de momento les ha llevado a dar buenos conciertos como el que os hemos contado.

La noche seguía cayendo en la puerta del Maravillas, y con ella el frío iba en aumento, así que nos despedimos de ellos deseándoles suerte para el futuro.
Volvieron al local para ver la actuación de "Zisne Blanco", y nosotros emprendimos el camino de vuelta a casa, llevando con nosotros unos CD's de su último EP y un puñado de buenas canciones en directo en el recuerdo.

¡¡¡Gracias DAPHNE y hasta la próxima!!! 

Canciones que no soporto: Still of the Night, Whitesnake

Whitesnake, Whitesnake (1987)

     Whitesnake, es un grupo británico liderado por el genial vocalista David Coverdale, el cuál lo forma a finales de los años 70 al abandonar Deep Purple. En 1987 edita el que sería su séptimo álbum de estudio, titulado con el nombre del grupo, Whitesnake.
El disco en cuestión fue un gran éxito de ventas tanto en el viejo continente cómo en Estados Unidos. Para hacernos una idea, solamente en Estados Unidos vendieron más de ocho millones de copias.

     En el disco podemos encontrar temas cómo Here I Go Again y Is This Love, que alcanzaron los puestos numero 1 y 2 respectivamente dentro de la famosa lista Top 10 de Billboard.  El disco alcanzaría la certificación de disco doble de platino.

     Este disco vino a certificar la línea ascendente de popularidad y ventas de la banda en el mercado americano. Un mercado que desde principios de los años ochenta se había propuesto conquistar David Coverdale.

     En dicho disco también podemos encontrar el tema titulado Still of The Night, con el que alcanzaron el puesto numero 18 en las listas de ventas en Estados Unidos y el 16 en el reino Unido. En el año 2009 fue nombrada en el puesto nº 27 de la lista a la mejor canción de todos los tiempos por la cadena VH1.

     El problema que tengo con este tema en particular es porque representa y define perfectamente el cambio de sonido que el grupo comenzó a experimentar progresivamente desde comienzos de los años 80, pues como comenté anteriormente, uno de los objetivos del grupo era triunfar en Estados Unidos. Y lo consiguieron, a base de sacrificar el sonido de los primeros discos, que era un sonido más basado en el blues, el soul y el rock por un sonido mucho más contundente, un sonido más pesado, basado casi exclusivamente en el Hard Rock que imperaba en la época, un sonido que vendía discos como rosquillas.

     Está claro que el objetivo fundamental de un grupo que se precie es vender discos, porque también tienen la fea costumbre de pagar facturas, alimentarse y vivir, pero donde quedó ese sonido que Whitesnike imprimió en discos como Trouble ó  Love Hunter.

El disco de la semana 113: Nina Persson - Animal Heart

Hay discos para casi todas las situaciones de la vida. Discos para agitar cabezas, para chasquear los dedos, discos a todo volumen mientras pasas la aspiradora, discos que suenan insulsos de fondo en un ascensor, discos para escuchar en los discos en rojo, discos para poner la mente en blanco, discos a los que poner verde,  discos de oro y de platino, discos grandes y pequeños, y discos bellos y contradictorios como el "Animal Heart" de Nina Persson.


Y es que a Nina Persson le gustan las contradicciones. Lo leí en alguna entrevista hace tiempo, precisamente durante la promoción de este "Animal Heart". Empezando por su etiqueta de "disco de debut" en solitario, cuando en realidad cuenta con la colaboración de su marido Nathan Larsson en la parte instrumental. El hecho es que ambos ya trabajaron juntos previamente en los dos discos del proyecto "A Camp" que se desarrolló en paralelo a los discos de "The Cardigans" y que podrían considerarse como proyectos previos en solitario de la artista sueca.



Otro ejemplo lo encontramos en el título del disco y de la canción que lo inicia. Su  "Animal Heart" (Corazón Animal) nos haría esperar un disco más rápido y eléctrico, que dejara salir al animal salvaje que lleva dentro, cuando en realidad nos encontramos ante una obra reflexiva y taciturna, cargada de baladas y medios tiempos capaces de emocionarnos gracias a la calidad de las composiciones y, sobre todo, al talento de una voz que te cala hasta los huesos.

Eso es lo que ocurre en "Burning Bridges for Fuel". El trabajo que realiza en este tema con su voz llega a momentos de auténtica excelencia. Quemar los puentes para conseguir combustible no parece la mejor de las soluciones, pero llega a convencernos si nos lo cuenta en la que probablemente es la mejor canción del disco.

Del sueño de escapar corriendo, salta sin previo aviso al lado opuesto en "Dreaming of houses", en la que el placer está en quedarse en casa tranquilamente. Su voz es tan intensa y peculiar que, tanto si quiere huir por la autopista como si propone tomar una taza de chocolate junto a la chimenea, nos parecerá buena idea mientras sea ella la que suene por los altavoces del coche o del equipo de música.

"Clip Your Wings" es junto a "Animal Heart" uno de los temas más pop y con toques más electrónicos, en ambos se nota que la producción ha sido cuidada para que fueran las banderas del disco, pero el resto de temas no les desmerecen.

Los momentos más animados llegan también con "Food for the beast" y "Catch me crying", leves incrementos de intensidad que no rompen el ambiente sosegado que transmite el disco en conjunto.


Ella conoce bien sus armas y las despliega a su antojo. Puede estar hipnotizándonos con su dulzura en "Forgot to tell you" y cantar después en "The Grand Destruction Game" con la actitud folkie y el poso de una mujer a la que ya no le pillan de sorpresa los baches del camino, aunque reconozca que cada vez se hace más duro esconderse en la jungla en la que vivimos ("Jungle").

El disco cierra con "This is heavy metal", la canción más minimalista y desnuda del disco, todo un ejercicio de contradicción en sí misma, apenas un piano y un ejercicio vocal impresionante para una balada en la que Nina canta desde muy adentro. En las antípodas del heavy metal, y al mismo tiempo emocionalmente es material del duro.

¿Y cuál es la situación en la que mejor encaja este disco? Lo mejor es que lo decidáis después de escucharlo. En mi caso, me encanta este disco para escucharlo por la noche y dejar que Nina Persson me cante al oído hasta que el sueño me venza. En realidad puedes dormirte ayudado por cualquier disco, pero pocos discos hay que hagan que te duermas feliz.

En esta categoría está este "Animal Heart", pero ahora que lo pienso también lo he escuchado chasqueando los dedos, a todo volumen mientras pasaba la aspiradora, en la tensa espera de un semáforo y en la calma del desayuno de un sábado. Que gran contradicción.