1354 - Genesis - Dance on a volcano

1354 - Genesis - Dance on a volcano

Genesis es una de las bandas más influyentes y versátiles de la historia del rock progresivo, con una carrera que abarca varias décadas y múltiples transformaciones estilísticas. Formada en 1967 por Peter Gabriel, Tony Banks, Mike Rutherford, Anthony Phillips, y Chris Stewart, la banda evolucionó de sus inicios en el rock progresivo hasta convertirse en un gigante del pop rock en los años 80 y 90.

Los primeros años de Genesis estuvieron marcados por una exploración profunda del rock progresivo, un estilo caracterizado por composiciones complejas, cambios de tiempo inusuales, y una fuerte influencia de la música clásica. Durante esta etapa, con Peter Gabriel como líder y vocalista, Genesis lanzó álbumes icónicos como Foxtrot (1972) y Selling England by the Pound (1973), que establecieron su reputación como una de las bandas más innovadoras del género. 

En 1975, tras la partida de Gabriel, el baterista Phil Collins asumió el rol de vocalista principal. Este cambio marcó el inicio de una nueva era para la banda, la cual quedó plasmada en el álbum A Trick of the Tail (1976), el primero sin Gabriel y que demostró que Genesis podía seguir adelante con éxito. 

Dentro de este álbum, la canción "Dance on a Volcano" es un tema crucial, tanto por su música como por su simbolismo dentro de la transición que estaba viviendo la banda. La canción, que abre el álbum, comienza con un vigoroso riff de guitarra y una atmósfera tensa, marcando una declaración de intenciones sobre la dirección que tomaría Genesis bajo la dirección de Collins. "Dance on a Volcano" es una fusión perfecta de elementos progresivos y accesibles, con complejas estructuras rítmicas y cambios de tiempo que muestran la habilidad técnica de los miembros de la banda, al mismo tiempo que logran mantener un sentido melódico fuerte y pegajoso.

Líricamente, la canción también es significativa. Trata sobre la sensación de estar al borde del peligro, una metáfora que podría interpretarse como un reflejo de la situación de la banda en ese momento: en una encrucijada, danzando al filo del volcán, arriesgando pero a la vez avanzando hacia nuevos horizontes.

"Dance on a Volcano" destaca por su energía y por ser un puente entre el sonido clásico de Genesis y su futura evolución hacia un sonido más accesible. Es un testimonio de la resiliencia y adaptabilidad de la banda, que supo reinventarse sin perder su esencia. En última instancia, esta canción no solo marca el inicio de una nueva fase para Genesis, sino que también se erige como una de las piezas esenciales en su vasto catálogo, siendo un tema que sigue resonando entre los aficionados al rock progresivo.

Daniel 

Instagram storyboy 

1353.- De amor ya no se muere - Gianni Bella

Hoy nos vamos a Italia y toca una canción que a los románticos no se nos ha olvidado, el intérprete es Giovanni Bella, más conocido simplemente como Gianni Bella, un cantautor italiano nacido en Catania el 14 de marzo de 1946, si algo caracteriza su estilo musical, es sin duda la balada con elementos pop, que lo ha convertido en una figura icónica de la música italiana, especialmente durante las décadas de los 70 y 80. Gianni comenzó su carrera musical como cantante y guitarrista en grupos locales de su ciudad natal, su espejo era el éxito de su hermana, la también cantante Marcella Bella, así que decidió trasladarse al norte de Italia para impulsar su carrera en solitario. Su gran oportunidad llegó en 1974, cuando participó en el disco recopilatorio "Un disco para el verano 1974" con la canción "Più ci pensó", que se convirtió en un gran éxito en Italia, a partir de ese momento, su popularidad no dejó de crecer, consolidándose como uno de los baladistas más destacados de su generación. Pero Gianni Bella no solo es conocido por sus románticas baladas, sino que también ha explorado otros géneros musicales a lo largo de su carrera. Ha experimentado con el rock, el pop y incluso ha incursionado en la música disco, demostrando su versatilidad como artista. Sus influencias musicales son tan variadas como su estilo. Desde los grandes clásicos italianos hasta artistas internacionales del rock y el pop, Gianni Bella ha sabido fusionar diferentes sonidos para crear un estilo propio y reconocible.

Sin duda "De amor ya no se muere" es una de las canciones más emblemáticas de Gianni Bella y un verdadero hito de la música italiana, esta como no podía ser de otra manera es una balada romántica ha trascendido fronteras y generaciones, convirtiéndose en un clásico atemporal que sigue emocionando a millones de oyentes y claro tuvimos nuestra versión en español cantada por el propio Gianni, la letra de la canción rompió corazones ya rotos, nos sumergía con su voz un tanto chillona en un universo de amor perdido y desamor. La frase que da título a la canción, "de amor ya no se muere, mas muriendo me marché", se ha convertido en una expresión popular que resume a la perfección la sensación de dolor y vacío que experimentamos cuando un amor se acaba. Otro de los ganchos era la melodía, sencilla pero efectiva, y que acompaña a la perfección la letra, creando una atmósfera melancólica y envolvente con la voz de Gianni Bella, que transmite a la perfección la intensidad de los sentimientos expresados en la canción. Sin duda ha sido una canción que ha conectado y sigue conectando con un público muy amplio y es que la temática universal del amor y la pérdida difícilmente falla. A lo largo de los años, "De amor ya no se muere" ha sido versionada por numerosos artistas y ha sido utilizada en diversas bandas sonoras de películas y series de televisión. Sin embargo, ninguna versión ha logrado superar la original de Gianni Bella, que sigue siendo considerada como la interpretación definitiva de esta canción. Sé un poco moña y déjate llevar por la moñeria de "De amor ya no se muere" al final es mucho más que una simple canción de amor sino una obra que ha dejado una huella imborrable en la música italiana y que continúa emocionando a nuevas generaciones de oyentes. 

Disco de la semana 395: Volcanic Rock - Buffalo

 

Volcanic Rock, Buffalo

     Buffalo fue una banda de rock australiana que jugó un papel crucial en la escena del hard rock y proto-metal durante la primera mitad de la década de 1970. Formada en Sídney en 1971, Buffalo fue de las primeras bandas en Australia que adoptó un sonido pesado, oscuro y crudo que anticipó lo que más tarde se convertiría en el heavy metal. A pesar de no haber alcanzado un éxito comercial masivo en su tiempo, con el tiempo ha sido reconocida como una banda pionera cuyo legado influyó en el desarrollo del rock duro, tanto en Australia como fuera de dichas fronteras. Esta banda australiana se formó a principios de 1971 a partir de los restos de una banda llamada Head, que incluía a Dave Tice (voz) y Pete Wells (bajo). Estos dos músicos se unieron a John Baxter (guitarra), Paul Balbi (batería) y Alan Milano (coros) para formar lo que se convertiría en Buffalo. La banda fue rápidamente fichada por el sello discográfico Vertigo Records, que en ese momento era conocido por promover bandas de rock progresivo y hard rock.

Buffalo se destacó por su sonido pesado, influenciado por bandas como Black Sabbath, Led Zeppelin y Deep Purple. Sin embargo, no se limitó a copiar a sus contemporáneos, en su lugar, desarrollaron un estilo propio que combinaba el blues rock con riffs densos y una atmósfera oscura y a veces psicodélica. Su música era más cruda y directa que la de muchas bandas de su época, lo que los posicionó como uno de los pioneros del género muscial llamado proto-metal. La banda fue también conocida por sus letras desafiantes y provocativas, que a menudo abordaban temas como la rebelión, la libertad personal y la crítica social, todo ello envuelto en un ambiente sonoro pesado y agresivo. Este enfoque temático y sonoro, junto con sus enérgicas presentaciones en vivo, les permitió construir una base de seguidores leales, aunque limitada, en la escena underground.

Buffalo lanzó su álbum debut,  Dead Forever... en 1972. Este disco fue uno de los primeros álbumes de rock pesado en Australia y recibió una buena acogida por parte de la crítica, aunque su impacto comercial fue limitado. El álbum incluía una mezcla de temas originales y versiones, destacándose por su dureza y energía. El siguiente álbum de la banda, Volcanic Rock (1973), recomendado para esta semana, es quizás su trabajo más influyente y aclamado. Este álbum es considerado una obra maestra del hard rock y proto-metal, con canciones largas y densas que mostraban un mayor enfoque en la improvisación y la construcción de atmósferas. Volcanic Rock no solo solidificó el sonido distintivo de Buffalo, sino que también los estableció como una banda que no tenía miedo de romper con las convenciones. No en vano, est álbum está considerado como uno de los tranajos más infliuyentes en la evolución de hard rock y el proto-metal. Este disco presenta una mezcla explosiva de riffs pesados, improvisaciones prolongadas y una actitud cruda que desafió las normas establecidas en la música rock de los años 70.

Para entender la importancia de Volcanic Rock, es esencial situarlo en el contexto musical y cultural de principios de la década de 1970. En ese momento, el rock estaba experimentando una transformación significativa. La década de 1960 había visto el auge del rock psicodélico y la invasión británica, con bandas como The Beatles y The Rolling Stones dominando las listas de éxitos. Sin embargo, a medida que la década llegaba a su fin, surgió un sonido más pesado y oscuro, representado por bandas como Led Zeppelin, Black Sabbath y Deep Purple. En Australia, la escena musical no estaba tan desarrollada como en los Estados Unidos o el Reino Unido, pero bandas como Buffalo estaban comenzando a emerger, influenciadas por el sonido duro y crudo que provenía del extranjero. Buffalo, formada en Sídney en 1971, fue una de las primeras bandas australianas en abrazar este estilo más pesado. Desde su primer álbum, Dead Forever... (1972), Buffalo demostró que estaba dispuesta a explorar territorios sonoros más oscuros y pesados.

Volcanic Rock fue grabado en 1973 con la alineación clásica de Buffalo: Dave Tice en la voz, John Baxter en la guitarra, Peter Wells en el bajo, Jimmy Economou en la batería y Alan Milano en los coros. La producción estuvo a cargo de Spencer Lee, quien logró capturar la intensidad y crudeza del sonido de la banda. El proceso de grabación fue relativamente rápido, en gran parte debido a la naturaleza improvisada de muchas de las canciones. Buffalo tenía la costumbre de trabajar sobre ideas en el estudio, lo que les permitía capturar la espontaneidad de sus actuaciones en vivo. Esto es evidente en las largas secciones instrumentales y en los solos extendidos que se encuentran a lo largo del álbum. La portada fue diseñada por el artista J. Phillip; la imagen muestra a una mujer desnuda con su cuerpo fusionado con una formación rocosa, en lo que parece ser un paisaje volcánico. Esta imagen fue considerada extremadamente provocativa y transgresora para la época, lo que llevó a problemas de distribución en algunos lugares. La elección de esta portada refleja el espíritu rebelde y contracultural de Buffalo. La banda estaba decidida a romper con las convenciones y crear algo que fuera completamente suyo, sin compromisos. Aunque la controversia en torno a la portada pudo haber limitado su alcance comercial, también ayudó a solidificar la imagen de Buffalo como una banda que no tenía miedo de tomar riesgos y desafiar las normas establecidas.

El sonido de Volcanic Rock es una amalgama de hard rock, blues y proto-metal, con un enfoque en riffs pesados y una atmósfera oscura. A diferencia de su álbum debut, que tenía una producción más pulida y algunas influencias psicodélicas, este segundo trabajo es más crudo y directo. El álbum abre con Sunrise (Come My Way), una de las pistas más memorables del grupo. Con su riff de guitarra contundente y su estructura lírica repetitiva, la canción establece el tono para el resto del álbum. La voz potente de Dave Tice se complementa perfectamente con la guitarra de John Baxter, creando una atmósfera intensa, envolvente y oscura. La canción, aunque sencilla en su estructura, es un ejemplo perfecto de cómo el grupo podía tomar un riff y construir una pieza completa en torno a él, permitiendo que la música respirara y evolucionara de manera natural. Freedom comienza con un riff de guitarra muy blusero para evolucionar hacia un riff de rock pesado, acompañado de una sección de ritmo, bajo-batería, que emerge con fuerza.  Till My Death con unos cambios de tempo y una estructura impredecible, es una canción que mantiene al oyente al borde del asiento, nunca permitiendo que se acomode en una sola idea musical. La guitarra de Baxter es la estrella del tema con un desgarrador solo final. 

Pasamos el ecuador del álbum con The Prophet,  otra de las piezas clave del álbum. Con casi ocho minutos de duración, es una canción que muestra la habilidad de la banda para combinar secciones pesadas con pasajes más atmosféricos. La guitarra de Baxter vuelve a ser centro de atención, convirtiéndose en el motor de la canción, con un riff que parece arrastrar al oyente a través de un paisaje sonoro lleno de sombras y misterios. La sección instrumental en medio de la canción es particularmente notable, con la banda cayendo en un groove hipnótico antes de estallar en un clímax sonoro. Intro: Pound of Flesh es una pieza instrumental que sirve como una apertura atmosférica y siniestra, con guitarras distorsionadas que crean una sensación de pesadez y tensión, preparando el escenario para la pista final del álbum, Shylock, que muestra la habilidad de Buffalo para mezclar el blues con el rock pesado. estamos ante una pieza más rápida y agresiva, con un ritmo casi frenético que nos deja con ganas de más, pues aquí acaba este interesante álbum.

Después de Volcanic Rock, Buffalo lanzó Only Want You For Your Body en 1974, otro álbum que continuó con su estilo pesado, aunque con una producción más refinada. Sin embargo, a medida que avanzaba la década, la banda comenzó a experimentar con diferentes sonidos y estilos, lo que llevó a una serie de cambios en la alineación. La salida del guitarrista John Baxter en 1974 fue un golpe significativo para la banda, ya que su guitarra había sido un componente clave en el sonido de Buffalo. A pesar de intentar continuar con nuevos miembros, la banda lanzó algunos álbumes más con menos éxito, como Mother's Choice (1976) y Average Rock 'n' Roller (1977), antes de disolverse finalmente en 1977.

Aunque Buffalo nunca alcanzó un gran éxito comercial durante su existencia, su influencia en la escena del rock pesado no puede subestimarse. Fueron una de las primeras bandas en Australia en abrazar un sonido verdaderamente pesado, allanando el camino para futuras bandas de hard rock y metal en el país. Su enfoque audaz y sin concesiones hacia la música inspiró a una generación de músicos australianos que seguirían llevando el hard rock al escenario global. De hecho, Buffalo es a menudo citada como una influencia temprana en bandas como AC/DC y Rose Tattoo, que más tarde alcanzarían fama internacional. Además, Buffalo ha sido reconocida como una banda de culto por los fanáticos del proto-metal, y sus álbumes, especialmente Volcanic Rock, siguen siendo buscados por coleccionistas y aficionados del género.

1352.- Victim of Changes - Judas Priest

Incluida en "Sad Wings of Destiny" (1976), el segundo disco de estudio de los ingleses Judas Priest, 

"Victim of Changes" está considerada como la mejor interpretación vocal de su cantante Rob Halford, además de contar con vibrantes riffs y solos de guitarra, que la han convertido en un auténtico himno para los seguidores de la banda.

"Victim of Changes" es una de las canciones más representativas e influyentes de Judas Priest y de la historia del heavy metal. La canción combina las canciones "Whiskey Woman", del cantante fundador de la banda Al Atkins y el guitarrista K. K. Downing, y "Red Light Lady" con el cantante Rob Halford, que la trajo bajo el brazo del período con su anterior banda Hiroshima.

De hecho, existen demos de "Red Light Lady" por separado, porque a punto estuvo de formar parte de "Rocka Rolla" (1974), el primer disco de estudio de Judas Priest, pero finalmente no vio la luz hasta su segunda entrega, "Sad Wings of Destiny" (1976), como parte de la excelsa "Victim of Changes".

Canciones Escondidas: Snuff - Slipknot (2008)

Hoy nos saltamos un poco la norma, tenemos que hacer parada en una canción a la que se ha nombrado en más de una ocasión como la canción más triste del Metal, nos vamos a detener en un grupo que navegan entre el Metal Alternativo y el Nu Metal y no es tan desconocido como los dos anteriores ya que dentro de su género tiene un status y un gran grupo de seguidores, nos estamos refiriendo a Slipknot el grupo de Des Moines de Iowa. Algo que rápidamente llama la atención a quien ve este grupo es que los componentes siempre actúan con máscaras, es algo propio y representativo de la banda, el sonido de la banda ha sido descrito como "una maquina trilladora devorando un grupo de tambores militares", el vocalista Corey Taylor, incorpora diversos estilos vocales, como por ejemplo la voz gutural, el canto melódico y el tono agresivo. Las influencias de la banda incluyen, entre otros géneros, el death metal, el black metal y el heavy metal.

Nos paramos en Snuff un tema que podría ser una rara avis dentro de su repertorio, alejada de lo que es el estándar del grupo, ya que lo que nos regalan es una canción muy vulnerable, una canción desnuda sobre un ser humano real al límite. Estar en una situación compleja muy difícil, el propio Corey Taylor definió a este tema como una canción sobre alguien que te ayudó a pasar por muchas cosas y de repente te decepcionó, alguien en quien confiabas pero que no sentía lo mismo, este el dolor podría llevarte al límite, pero si sobrevives, alcanzarás nuevos horizontes y crecerás. Snuff trata sobre una relación tóxica y enfermiza de la que eres consciente, pero no puedes dejarla ir, se trata de cómo diferentes emociones contradictorias pasan en forma de depresión maníaca, un minuto estás enojado, al otro estás triste…. amas y odias al mismo tiempo. ¿Alguna vez has estado en una relación que sabes que está mal?, sabes que te hace daño y que no es saludable, aun así, lo deseas, te empuja a una locura de conflictos, estás sufriendo, pero no puedes dejarlo, hay un verso interesante en la letra "No merezco tenerte", es literalmente la definición de estar en una relación con un narcisista, sabes que estás siendo manipulado, pero aún te sientes culpable y piensas que no eres suficiente para la persona y que no mereces su amor, en algún momento te das cuenta de que necesitas hacer algo, pero estás demasiado desesperado, entonces es cuando empiezas a luchar con tus emociones, cuestionas todo. 

“Entierra todos tus secretos en mi piel
Aléjate con tu inocencia
Y déjame con mis pecados
Aún siento el aire que me rodea como una jaula
Y el amor es solo un camuflaje
Para lo que parece ser rabia otra vez”

Me gusta mucho el video y os recomiendo que lo veáis, toma su tiempo para contarnos su historia y demostrarnos lo difícil que puede ser para algunos y algunas dejar ir a la otra persona, no en un sentido psicópata o físico, sino que emocional, Corey Taylor va reviviendo los lugares y momentos que vivió con su pareja, para luego darnos el plot twist de que no puede dejarla ir, llegando al punto de convertirse en ella. Es simplemente maravilloso como Slipknot logra jugar con estas dos sensaciones, el amor y la perdida, sentimientos que pueden llevar a algunas personas a lo más oscuro de sus mentes y donde vienen las preguntas que salen en la canción.

"Snuff" es uno de esos temas que te llegan a la fibra, cualquier persona que ha tenido una pena de amor o que tenga un corazón roto, es imposible que no logre emocionarte con su desolador sonido y cautivadora letra, una muestra de lo maravilloso que puede ser enamorarse, pero también de lo difícil que es poder terminar con dicho sentimiento, porque como dice la canción hay algo de la otra persona en ti ahora, ¿cómo te lo puedes quitar?

1351.- Dreamer Deceiver - Judas Priest

 

Dreamer Deceiver, Judas Priest

     Dreamer Deceiver es una de las primeras canciones donde Rob Halford contribuyó escribiendo la letra en 1973. El tema principal de la canción podría ser el de la traición y también muestra el espectacular rango vocal de Rob Halford. Incluída en su segundo disco de estudio, Sad Wings of Destiny (1976), tiene una duración de cinco minutos y es la tercera canción del álbum. Judas Priest ha sido frecuentemente clasificado como una de las mejores bandas de metal de todos los tiempos, la revista The Guardian los ha descrito como "la banda de metal clásico". A pesar de un trabajo innovador y pionero en la segunda mitad de la década de 1970, la banda luchó con una producción discográfica indiferente y la falta de éxito comercial o atención hasta 1980, decantándose po un material más clásico. La canción es una balada mixta, la primera de corte tradicional clásico que será la marca de nacimiento de Judas Priest, pero !ojo!, que también tiene un lado funk con un agradable estribillo de hard rock. Judas Priest se formó en Birmingham, Inglaterra, en 1969, en un periodo en el que el heavy metal estaba en sus primeras etapas de desarrollo. Bandas como Black Sabbath y Led Zeppelin ya habían sentado las bases del género, y Judas Priest se presentó como una de las bandas que llevarían este sonido más allá. El álbum Sad Wings of Destiny es considerado uno de los puntos de inflexión en la carrera de la banda y en la evolución del heavy metal. Lanzado en 1976, este álbum marcó una transición en el estilo de Judas Priest, consolidando su reputación como pioneros del género.

Dreamer Deceiver es una de las canciones más enigmáticas del repertorio de Judas Priest. Esta pista destaca por su mezcla de rock progresivo y heavy metal, un rasgo distintivo que marcó el sonido de la banda en sus primeros años. La canción es una balada de más de cinco minutos que se caracteriza por su inicio suave y melódico, contrastando con un final poderoso, intenso y electrizante. La canción es un ejemplo claro del enfoque experimental que Judas Priest adoptó en sus primeras producciones. La canción comienza con una introducción de guitarra acústica acompañada por la voz de Rob Halford, quien exhibe su amplio rango vocal, desde un tono bajo y suave hasta agudos impresionantes. La primera parte de la canción es lenta y melódica, con un ambiente casi onírico que es subrayado por los efectos de eco y reverberación. A medida que la canción avanza, la intensidad aumenta, preparando al oyente para la transición a la siguiente pista, "Deceiver", que es mucho más agresiva y rápida. 

Glenn Tipton y K.K. Downing, los guitarristas de la banda, ofrecen una mezcla única de riffs suaves y solos emotivos, Ian Hill en el bajo y Alan Moore en la batería proporcionan una base rítmica estable, que aunque es sutil en la primera parte de la canción, se vuelve más prominente en el clímax, y Rob Halford hace gala de su impresionante rango vocal completo, desde un canto suave y tranquilo hasta unos impresionantes chillidos agudos. Las letras de la canción son enigmáticas y abiertas a la interpretación. A lo largo de la canción, se describe la experiencia de un soñador que es seducido por un ser sobrenatural, un "Deceiver" (engañador), que lo lleva en un viaje más allá de las limitaciones de la realidad. Podría interpretarse como una alegoría sobre la búsqueda de significado y trascendencia, temas recurrentes en la música de Judas Priest. La figura del "Deceiver" podría simbolizar las tentaciones o las ilusiones que desvían al soñador de su verdadero propósito, una temática que resuena con la idea de enfrentarse a las propias sombras internas.

Dreamer Deceiver es un ejemplo temprano del potencial que tenía el heavy metal para incorporar elementos progresivos y atmosféricos, expandiendo los límites del género. Aunque Judas Priest es más conocido por su influencia en el desarrollo del sonido clásico del heavy metal, con canciones más rápidas y agresivas, Dreamer Deceiver muestra su capacidad, sobre todo al inicio de su carrera, para explorar territorios más experimentales.

Something Else - The Kinks (Mes The Kinks)

Something Else ilustra la época en la que los Kinks se convertían cada vez más en una excepción entre las excepciones. Para entenderlo, el comienzo de la era de los años revolucionarios, que se extendió de 1966 a 1969, daría origen a un gran número de artistas/grupos lógicamente importantes en el desarrollo de la música. Un movimiento originalmente vinculado a 3 factores muy importantes, la Invasión Británica, la popularidad del Pop Rock y la transformación social y societaria gracias a la contracultura. Cuando estudiamos su carrera en retrospectiva, es difícil comprender realmente la situación de los Kinks, actores principales de la Invasión Británica, que pasaron de estrella mundial a nacional por diversos azares si nos basamos solo en el maravilloso contenido que ofrecieron todos los años hasta los años 70. De hecho, hay que tener en cuenta que los Kinks estuvieron prohibidos en el mercado estadounidense desde 1965, lo que explica por qué desde el single Waterloo Sunset (1967) hasta Lola en 1970, los Kinks no colocaron ningún single en las listas americanas. Es por eso que los Kinks se encuentran en una situación particular, basada en un mercado más nacional, aunque eso no significa que no tengan audiencia internacional.

Este es uno de los discos más perfectos que se han hecho jamás... No cambiaría ni una sola nota de este disco, de principio a fin, absolutamente nada. Me encanta cada nota, cada matiz y me sorprende lo rápido que Ray dio el salto, ya que Face to Face demostró que algo estaba por venir, pero Something Else lo cumplió todo, me encanta el sarcasmo del título. Estoy seguro de que Ray sabía que tenía algo cocinándose en este punto, había tenido un montón de éxitos en Inglaterra, y estaba empezando a escribir canciones para Cher, etc. en ese momento convirtiéndolas en éxitos, y estaba en la cima de sus poderes. Ray Davies afronta su depresión por la vía de la salida, sin tener miedo de deplorar lo más oscuro de sus pensamientos, los elementos más dolorosos de su dolor. Por eso, Someting Else va totalmente a contracorriente de la contracultura y de la tendencia de los temas espirituales del momento. Musicalmente, Something Else nunca ha sonado tan a lo Kinks como a partir de este momento, aunque bastante convencional en comparación con la época, sobre todo porque el grupo amplificará su fórmula para consolidar una experimentación con arreglos intimistas, más barrocos, de cámara, folclóricos, acústicos. Incluso multiplicarán la inspiración y la aportación del Music Hall, ya incorporado en Face To Face, que por otra parte probablemente habrá influido en los Beatles para Sgt Peppers. Los métodos abordados en Something Else intentarán, pues, lógicamente, apoyar al máximo la introspección y la intimidad que quiere ser la narración de Ray Davies, como artista cantautor en disposición de grupo. 

Ni una sola nota o pizca fuera de lugar. Cada canción es un clásico de las perversiones, David Watts tiene el estilo de britpop punk. ¿Quién no conoció a un personaje tipo David Watts cuando crecía? Ray Davies ofrece una narración atrevida para la época, contando personalmente los celos que Ray tenía hacia un tal David Watts, un homosexual atraído por su hermano Dave y cuya vida parecía envidiarlo e irritarlo de alguna manera. Finalmente, Ray Davies describe fantásticamente una situación loca que puede sentir un humano cuando está celoso de algo, dividido entre el deseo y el odio. También encontramos el típico riff de los Kinks en realidad es la típica canción de los Kinks en realidad. Death Of A Clown se la reservó Dave Davies que también quería algunas pistas en este álbum, mientras Ray Davies vivía principalmente en la autarquía de la banda, los Kinks seguían actuando en el escenario, liderados por su hermano Dave. Lo que representa Death Of A Clown es, en primer lugar, el florecimiento personal de Dave Davies como compositor, empujándolo a ocupar un lugar más importante en el contenido de los Kinks. En este caso, Dave Davies ofrecerá una sátira a la manera de un Bob Dylan inglés, exponiendo un agotamiento/descontento de encadenar conciertos como animales de feria. Es fascinante cómo el enfrentamiento de personalidades fraternales estuvo omnipresente en el comienzo de este álbum.  Two Sisters, wow, la vida de casada es perfecta, unisex para dos, es la respuesta definitiva de Ray Davies. Además de la belleza infernal de esta canción, una balada pop barroca divina para la época, Two Sisters es una narración que pone en escena a 2 hermanas que representan de hecho a los 2 hermanos Ray y Dave, una es ama de casa y la otra es más volátil. Es decir, en ese punto se alcanza un nivel de escritura y matices absolutamente irresistibles, articulados en torno a 2 hermanos que se pelean por medio de canciones interpuestas. El clavicémbalo toca acordes que realmente se inventaron para el clavicémbalo y suena realmente genial, fijaros en el pequeño recorrido que hace el clavicémbalo después de "She threw away her dirty dish, just to be free again". Por cierto, Ray realmente canta esta canción a la perfección. Convence totalmente la forma en que canta "solo para ser libre de nuevo". No Return, es una canción flojita, la verdad, no te puedes meter en esta canción, y no puedes escuchar ni una maldita palabra de lo que dice, una balada bossa nova muy personal en la que Ray Davies expresa sus preocupaciones a través de su ansiedad. No sabemos realmente si esta canción trata sobre el amor o si, como se encuentra a menudo en el álbum, Ray prefiere dejar hablar la nostalgia de un tiempo que parecía desaparecido. Más caricaturesca, Harry Rag es una canción que combina el pop rock y el music hall en una sátira social que apunta a un hombre desesperado que encuentra consuelo en sus pequeños placeres personales. este si es una canción realmente genial. Estilo polka, sin sonar falso ni nada. Cantas ese estribillo el resto del día... belleza de music hall. Tin Soldier Man, es lo mismo que Harry Rag con ese riff brillante seguirá por siempre en tu cabeza, tengo arena en los zapatos cada vez que pienso en Tin Soldier Man... pero, ¿hay una canción más pegadiza en el rock and roll? ¿Especialmente una canción más pegadiza que sea tan ridículamente increíble como Tin Soldier Man? No lo creo, la mayoría de las veces las canciones súper pegadizas se vuelven ridículamente molestas después de unos meses... Tin Soldier Man simplemente mejora con los años. Situation Vacant es otra canción en la que realmente no me puedo meter, la introducción de piano suena muy dulce, pero el resto, bueno, es demasiado extraño como para encajar con ese comienzo, las letras también son otra vida de casado a la perfección. 

La otra cara del vinilo comienza con el arrasador garage rock Love Me Till The Sun Shines, la cara B de Death Of The Clown, que muestra una vez más el progreso de Dave Davies en su escritura, gran riff de introducción, pero no tan brillante, hermoso y perfecto como el resto, deja de lado la acústica por unos riffs mezquinos. Una canción rockera al estilo de Hendrix, que podría tener algún tipo de puente o variación en su estructura. Lazy Old Sun es a menudo considerada como una canción mala y aburrida... no les creas, es simplemente hermosa, la línea "you make the rainbows..." sobre esa guitarra acústica es uno de los mejores momentos de los Kinks. Nuevamente, esta es una especie de melodía de espectáculo, sin sonar falsa. Realmente melancólica y hermosa, es la mejor canción psicodélica de Ray, un estilo que no utilizó mucho a pesar de ser posiblemente uno de los padres fundadores. Afternoon Tea es otra de las canciones más flojitas, pero de todos modos muy decente. La forma de cantar de Ray en End of the Season es otra de esas melodías que él hace clásicas y que nadie o muy pocos podrían versionar para obtener el mismo efecto, una auténtica joya. La introducción es una de las mejores de la historia, Ray canta tan hermoso como siempre y el resto de la canción es realmente convincente, como el tipo de melodía de espectáculo que parece. Hermosos acordes, una melodía muy agradable y lenta. Por supuesto, es la introducción Waterloo Sunset la que se lleva casi toda la atención, porque para mucha gente es la canción favorita del repertorio de los Kinks. A riesgo de escandalizar a alguien, no es mi opinión, aunque es obvio que es una de las más hermosas. En Waterloo Sunset, Ray Davies hace hablar todo su genio, una melodía imparable, una escritura pegadiza y profundamente sincera, los arreglos y la contribución del resto de la banda también son cruciales, porque es una canción perfecta que describe a los Kinks como banda. Diré incluso que las líneas de guitarra y bajo son únicas, atemporales incluso hoy en día. Por eso entiendo completamente las opiniones sobre esta maravilla.

 

Este álbum es pura genialidad de principio a fin, pero el LP fue un fracaso sin paliativos en ventas a ambos lados del Atlántico. Una maravilla que no se vendió bien. No pasó del 35 en Inglaterra y no entró siquiera en listas USA. Aun siendo difícil de entender, su mejor disco fue su mayor fracaso hasta el momento. Esto sirvió para que Ray se radicalizara en su estilo. Los Davies ya no mirarán a las listas. La batalla con los Beatles y los Stones es inútil. Serían ellos pesara a quien pesara.

1350 - KISS - Beth

1350 - KISS - Beth

"Beth" es una de las baladas más emblemáticas de la banda de rock estadounidense KISS, y representa un hito en su carrera musical. Lanzada en 1976 como parte de su álbum Destroyer, esta canción destaca no solo por su melodía y lirismo, sino también por su contraste con el estilo característico de la banda.

KISS, conocida por sus actuaciones enérgicas, maquillajes icónicos y un sonido duro y agresivo, sorprendió al mundo del rock al incluir "Beth" en uno de sus álbumes más exitosos. Esta balada, escrita principalmente por el baterista Peter Criss junto a Stan Penridge y Bob Ezrin, muestra una faceta más suave y emocional de la banda. A lo largo de la canción, KISS cambia los potentes riffs de guitarra y la estridencia que los caracteriza por una instrumentación más delicada, dominada por el piano, cuerdas y un sutil acompañamiento orquestal.

La letra de "Beth" es simple pero cargada de emotividad. Narra la historia de un músico que se dirige a su pareja, Beth, disculpándose porque no puede regresar a casa debido a los compromisos con su banda. En un tono melancólico, el narrador expresa su pesar por no poder estar con ella, pero también deja claro que su amor por la música y el deber hacia su banda son inevitables. La canción captura la lucha interna entre el amor y la responsabilidad, un tema que resuena con muchos músicos y artistas que se enfrentan a las tensiones entre su vida personal y profesional.

La interpretación vocal de Peter Criss es uno de los aspectos más destacados de la canción. Su voz rasposa pero suave transmite una vulnerabilidad que difiere del habitual despliegue de energía de KISS. Esta interpretación emocionalmente cargada añadió una nueva dimensión al perfil de la banda, mostrando que también podían ofrecer música introspectiva y conmovedora.

El éxito de "Beth" fue inesperado pero impresionante. Se convirtió en uno de los sencillos más vendidos de KISS, alcanzando el puesto número 7 en el Billboard Hot 100, y ayudó a consolidar la popularidad de Destroyer. La canción recibió críticas favorables por su sinceridad y por la habilidad de la banda para diversificar su sonido.

"Beth" no es solo una balada más en la discografía de KISS, sino una pieza que ayudó a redefinir la percepción pública de la banda. Es un recordatorio de que incluso los grupos más ruidosos y audaces tienen una capacidad para la vulnerabilidad y la introspección. Este tema sigue siendo un clásico, demostrando que KISS no solo era capaz de incendiar el escenario, sino también de tocar los corazones de su audiencia.

Daniel 

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1349.- Shout It Out Loud - KISS

1971, una desconocida banda neoyorquina llamada Rainbow decide cambiar su nombre a Wicked Lester. Este grupo se formó en 1970 cuando el bajista Gene Klein y el teclista Brooke Ostrander reclutan al guitarra solista Stephen Coronel, amigo de la niñez de Klein, quien a su vez recomendó la inclusión del guitarra rítmica Stanley Eisen. En la breve existencia de la banda sólo dieron dos conciertos: el primero en el Teatro Rivoli de New York el 23 de abril de 1971, y el segundo (y último) en Atlantic City, New Jersey en el verano de ese año. Poco después les robarían todos sus instrumentos. Cuando todo parecía desmoronarse conocen al ingeniero de grabación de los estudios Electric Lady Ron Johnsen, quien les da la oportunidad de grabar algunas demos. La grabación inició en noviembre de 1971, finalizando en julio del año siguiente, contando con un nuevo guitarrista, Ron Leejack, el resultado de las sesiones no gustó en la discográfica. Tras el rechazo del álbum, Klein y Eisen abandonan el grupo, con la intención de reinventarse a todo nivel. Gene Simmons (Klein) y Paul Stanley (Eisen) sumarían al batería Peter Criss y al guitarrista Ace Frehley, para el nuevo proyecto: Kiss. Del material ya grabado recuperarían tres temas para el futuro grupo, tomando incluso del título de un cover de The Hollies (We Want To Shout It Out Loud) la inspiración para un futuro himno-rock: Shout It Out Loud.

Vamos varios años adelante. Shout It Out Loud tuvo su génesis (tal como la conocemos) durante los ensayos para el álbum Destroyer, en agosto de 1975, mientras el grupo estaba en la gira promocional para el disco en directo Alive!. El productor Bob Ezrin estaba a los mandos por el expreso deseo de la banda de crecer como músicos y llevar su sonido al siguiente nivel, manteniendo el éxito comercial alcanzado hasta ese momento. Ese mismo mes de agosto (antes de juntarse con Ezrin) el grupo había escrito y grabado quince canciones en los Estudios Magna Graphics, pero fueron rechazadas casi todas, rescatando sólo fragmentos aislados que luego se convertirían en God of Thunder, Flaming Youth, Sweet Pain, Detroit Rock City y Shout It Out Loud, además de futuras composiciones para el disco Rock and Roll Over (1976) y el álbum solista de Simmons (1978). Durante las sesiones de grabación, Ezrin impuso una férrea disciplina para aumentar la calidad de la música que Kiss grababa. Debido a que ninguno de los cuatro integrantes eran músicos entrenados, el productor detuvo las sesiones temporalmente para darles lecciones de teoría musical básica. Incluso, Ezrin llegó a utilizar un silbato alrededor del cuello y les arengaba con frases como: “Campistas, ¡vamos a trabajar!”. Uno de los más afectados por esta forma de trabajo fue Gene Simmons (por su ego desbordante) y lo refleja la anécdota cuando Gene, en un momento dado, dejó de tocar durante la grabación de un outro y recibió la severa reprimenda de Ezrin: “¡Nunca dejes de tocar a menos que yo te lo diga!”. Este suceso no influiría en la posterior opinión del ‘Demonio’ sobre la experiencia: “Era exactamente lo que necesitábamos”. Por otro lado Paul Stanley comparó más tarde el trabajar con Bob Ezrin como un “campamento de entrenamiento musical”.  Shout It Out Loud" tomó su título e inspiración original de la canción de los Hollies de 1970 "I Wanna Shout", que Stanley y Gene Simmons habían reinterpretado previamente como "We Want to Shout It Out Loud" en el álbum homónimo inédito de 1972 de su banda anterior a Kiss, Wicked Lester. "Siempre pensé que la idea era más grande que lo que intentaban decir con ella", dijo Simmons sobre el original de los Hollies en Behind the Mask . "Siempre pensé, al igual que ese comercial [no especificado] en la televisión, que era simplemente 'Grítalo'. Cuando tienes algo, quieres gritarlo al mundo, y no importa lo que sea. Bob y Paul seguían diciendo: '¿Gritar qué?'. Yo dije: '¡A quién le importa!' Ya sea fervor nacional o que mi equipo sea mejor... es una manifestación del equipo. Y luego a Paul se le ocurrió el verso". Stanley y Simmons escribieron la canción una mañana mientras tocaban el piano en la casa de Ezrin antes de una sesión de grabación, con la música de Motown inspirando los coros de la canción. "Recuerdo que lo más destacado de la canción fue la línea de bajo descendente", recordó Ezrin. "Una vez que la escuché, supe exactamente cómo quería tratar la canción".

Shout It Out Loud se lanzó como el sencillo principal del álbum Destroyer el 1 de marzo de 1976, convirtiéndose en el segundo single de Kiss en entrar en el Top 40, después de Rock and Roll All Nite. También fue el primer tema del cuarteto en encabezar las listas, ya que alcanzó el número 1 en Canadá el 22 de mayo de 1976. Shout It Out Loud se ha tocado en casi todas las giras durante muchos años, y es una de las canciones más reproducidas del catálogo de Kiss, habiendo sido tocada más de mil cuatrocientas veces hasta el año 2014, apareciendo además en Greatest Hits, discos en vivo, videojuegos, series de televisión, films y verrionda por muchos artistas.

1348.- Detroit Rock City - Kiss

Escrita por Paul Stanley y el productor Bob Ezrin, "Detroit Rock City" es una de las canciones más populares de la banda estadounidense de heavy metal Kiss. Incluida en el disco Destroyer (1976), está considerada una de las canciones más técnicas y elaboradas del grupo, con momentos en los que el duelo de guitarras entre Paul Stanley y Ace Frehley alcanza cotas memorables.

Sin embargo, su publicación como tercer single promocional del álbum no alcanzó los resultados comerciales esperados, y para sorpresa de toda la banda, la balada "Beth" que ocupaba la cara B le robó todo el protagonismo y el éxito en las emisoras de radio estadounidenses, lo que a la postre provocó que el single fuera editado de nuevo, con "Beth" como canción principal y con "Detroit Rock City" desterrada a la cara B.

Como curiosidad, las versiones del disco y el single eran diferentes, ya que mientras en "Destroyer" la canción estaba entrelazada con el siguiente tema ("King of the Night Time World") con el ruido de un coche estrellándose, en la versión editada como single se suprimió la intro de la canción y el ruido del coche fue insertado hacia la mitad del tema. Poco importan en realidad estas diferencias porque, en cualquiera de las dos versiones, "Detroit Rock City" brilla como uno de los más grandes himnos de la discografía de Kiss.

The Kinks - Face to Face (Mes The Kinks)

 

Face to Face, The Kinks

     The Kinks fueron una de las bandas más importantes de los inicios de la Invasión Británica, lanzando varios singles exitosos que siempre parecieron atender al estado de ánimo adolescente de la época. Con el nacimiento del llamado "The Summer of Love", la banda se vio incapaz de alcanzar el Top 40 en los Estados Unidos. Este hecho, sumado a las disputas entre los hermanos Davies, harían que la banda se viera aislada en el Reino Unido sin poder llegar a los Estados Unidos. Entonces decidieron desarrollar una pieza teatral para el teatro británico y un álbum conceptual que vería la luz del día en Village Green Preservation Society (1968). Antes de ese álbum vendría Face to Face, un álbum lanzado en 1966 cuando la banda estaba en su apogeo creativo absoluto con un Ray Davies desatado.

Para los seguidores de los primeros grandes éxitos de The Kinks, la música de Face to Face les cogería por sorpresa. Ray Davies demostró que podía escribir mucho más que aullidos de tres acordes, incorporando elementos del Music Hall inglés, las melodías de Broadway y el pop puro. Estas canciones tomaron por sorpresa al público británico, ya que muy pocas bandas, durante esta gran ola de experimentación musical que se extendió más allá de mediados de los años 60, lograrían lanzar un álbum o canciones individuales que abrazaron tan fervientemente una gama tan amplia de temas.

Face to Face fue entre mediados de abril y el 21 de junio de 1966 bajo la producción de Shel Tamy, y publicado el 28 de octubre de 1996 por el sello discográfico Pye Records en el Reino Unido y por el sello discográfico Reprise Records en Estados Unidos. El disco marcó un cambio de estilo en la música del grupo, del puro estilo beat que catapultó al grupo a la fama internacional pasaron a marcarse un álbum conceptual en toda regla, con elementos de music hall, rock psicodélico o rock art entremezclados con el pop puro.

Ray Davies había sufrido una crisis nerviosa antes de las sesiones principales de grabación del disco. El grupo, paso del sonido "obsceno" de sus anteriores trabajos para acercarse a un estilo de composición de canciones más suave. El avance del disco con el sencillo Sunny Afternoon, alcanzando el puesto número 1 en Reino Unido, demostró que el grupo había acertado con este nuevo estilo de composición. La crítica especializada del mundillo del rock llegó a acreditar este trabajo como uno de los primeros álbumes conceptuales de pop/rock que dedicaba la temática del mismo a la observación social. Originalmente, Ray Davies intentó unir las canciones con efectos de sonido, pero se vio obligado por la compañía Pye Records a volver al formato del álbum estándar antes del lanzamiento del mismo. Se llegaron a mantener algunos de aquellos efectos sonoros, como en temas como Party Line, Holiday in Waikiki o Rainy Day in June.

El álbum consta de 14 canciones, cada una con su propia identidad y enfoque temático, comenzando con Party Line, que a través de un tono ligero y humorístico nos describe la frustración de compartir una línea telefónica con extraños, algo que solía ser habitual en la década de 1960. La voz de Ray Davies alterna entre la narración y la interpretación del propio personaje atrapado en esta situación. Rosy Won't You Please Come Home es una lenta pieza donde Davies nos relata la tristeza de unos padres que añoran el regreso de su hija. Dandy se convirtió un éxito en Europa, especialmente en Alemania. Es una sátira relatada en tono humorístico sobre la despreocupada vida de un joven mujeriego. Too Much on My Mind es una introspectiva balada que nos habla sobre la ansiedad y las preocupaciones. Session Man rinde homenaje a los músicos de sesión, al trabajo que suelen hacer a la sombra y al poco o nulo reconocimiento que suelen recibir por ello. Rainy Day in June a través de una melancólica melodía nos describe un día lluvioso que parece reflejar el estado emocional del protagonista en ese momento. Cierra la cara A A House in the Country, que a través de su irónico tono, critica a los ricos que se alejan de las preocupaciones cotidianas de la mayoría de las personas para irse a vivir al campo.

La cara B comienza con Holiday in Waikiki, otra canción con mensaje, toda una crítica contra el turismo de masas hacia destinos exóticos como Hawai. Most Exclusive Residence for Sale critica el materialismo y las falsas apariencias. El protagonista de la canción se ve obligado a vender su lujosa casa por no poder hacerse cargo de ella. En  Fancy Davies y compañía experimentaron con el sonido, fusionando elementos del rock psicodélico y de la música india. Little Miss Queen of Darkness presenta un fuerte contraste entre su alegre ritmo y la tristeza de la letra, que trata sobre una joven atrapada en una vida de la que desea escapar. You're Looking Fine es una de las canciones más rockeras del álbum, con un ritmo acelerado y lleno de energía, y una letra directa que nos habla sobre la atracción física. Sunny Afternoon es la canción más famosa del disco, toda una crítica en toda regla del sistema impositivo británico y la decadencia de la clase alta. I'll Remember cierra la cara B, y por tanto este interesante álbum. La canción, con un tono nostálgico y reflexivo, aborda el tema del paso del tiempo y la importancia de los recuerdos.

Como podemos comprobar, Face to Face es un disco con una extensa variedad de estilos y temáticas, que abordan desde las críticas sociales hasta las complejas reflexiones y emociones personales. Todo un reflejo del talento compositivo de Ray Davies y la capacidad de The Kinks para evolucionar musicalmente. Problemas contractuales retrasaron el lanzamiento del álbum durante varios meses después de que se completara su grabación. La portada del disco también tuvo su polémica, pues el tema psicodélico de la misma originó un conflicto con la discográfica Pye Records, que la veía como inapropiada. A esto hay que sumar los problemas internos del grupo, como los del bajista Pete Quaife, que se lesionó, renunció al grupo, y posteriormente se reincorporó. El disco fue bien recibido por la crítica, pero no se vendió demasiado bien en el momento de su lanzamiento, especialmente en Estados Unidos, lo que hizo que estuviera agotado durante muchos años debido a la falta de reediciones. Face to Face llegó a ser incluído en el libro "1001 álbumes que debes escuchar antes de morir".

1347.- God of Thunder - KISS

God of Thunder, Kiss

     No fue hasta los años 70, cuando el maquillaje, los atuendos llamativos, los peinados voluminosos y las acrobacias escénicas extrañas hicieron su entrada espectacular y caótica en la corriente principal de la música rock.  El ambiente siempre estuvo ahí, pero el veneno nunca había estado tan presente antes. El maquillaje, los atuendos extravagantes y los enormes efectos de escenario y la generosa cantidad de accesorios se combinaron para formar una amalgama única que pocas veces se había visto en el mundo de la música rock. La idea de KISS era despertar al niño rebelde y divertido que todos llevamos dentro y transportarnos lejos de nuestros aburridos problemas cotidianos a un entorno más feliz con canciones inspiradoras y un espectáculo de diversión y fantasía. La banda responsable de este terremoto de emoción surgió en la escena del rock a mediados de los años 70. Desarrollaron su maquillaje, vestuario, personajes y efectos especiales en un espectáculo itinerante de rock, recorriendo el mundo para regalarnos dicho espectáculo, La banda demostró que debajo de esa oscura fachada se escondía un grupo con una personalidad encantadoramente musical. KISS demostró que si una banda tiene los ingredientes adecuados, no sólo será escuchada, sino también vista y adorada. A mediados de la década de 1990 muchos de los fans originales se dieron cuenta de que estas preciosas imágenes de visiones completas de rock glam-metal difícilmente se repetirían. 

En 1976 KISS publica su cuarto álbum de estudio, titulado Destroyer. Incluido en dicho álbum se encuentra God of Thunder. Estamos ante una de las canciones más emblemáticas de la banda, conocida por su sonido oscuro y su relación con la imagen de Gene Simmons como el "Demonio" de la banda. La canción fue escrita por el guitarrista y vocalista de la banda, Paul Stanley, pero fue adaptada y cantada por el bajista Gene Simmons. Originalmente, Stanley había compuesto la canción con un ritmo más energético y rápido, pero el productor Bob Ezrin sugirió que sería más apropiada para Simmons, dada su imagen escénica. Ezrin ralentizó la canción y la dotó de un sonido más pesado y siniestro, que encajaba perfectamente con la personalidad de "Demonio" que Simmons representaba en el escenario. La versión final de God of Thunder presentaba efectos sonoros inquietantes, como voces de niños gritando y efectos de sonido, que fueron añadidos por Ezrin para dar una atmósfera más aterradora y dramática. Las voces de los niños de fondo son los hijos del productor Bob Ezrin, David y Josh, a quienes grabó haciendo ruidos espeluznantes a través de un walkie-talkie barato. Tres años antes, Ezrin ya había utilizado a sus hijos en la canción de Lou Reed The Kids. La canción no fue lanzada como sencillo, pero consiguió ser considerada como una de las canciones más emblemáticas debido la representación  teatral y el potente estilo de la banda en su representación.

1346 - Boz Scaggs - Lowdown

1346 - Boz Scaggs - Lowdown

"Lowdown," una de las canciones más emblemáticas de Boz Scaggs, se lanzó en 1976 como parte de su exitoso álbum Silk Degrees. Esta pieza se ha convertido en un clásico del género "blue-eyed soul," un término utilizado para describir a artistas blancos que interpretan soul y R&B. La canción, que combina elementos de rock, jazz, funk y soul, es una muestra del estilo distintivo de Boz Scaggs y su habilidad para fusionar géneros musicales de manera fluida y natural.

Desde los primeros compases de "Lowdown," la canción capta la atención del oyente con su ritmo funky y suave, impulsado por una línea de bajo penetrante y un groove contagioso. El bajo, interpretado por David Hungate (quien más tarde se unió a Toto), es el corazón del tema, proporcionando una base sólida sobre la cual se construye el resto de la composición. El ritmo relajado pero seguro invita a moverse al compás, mientras que la batería y los teclados crean una atmósfera envolvente y casi hipnótica.

La voz de Boz Scaggs, con su tono suave y ligeramente rasgado, añade una capa de sofisticación y emoción al tema. Boz Scaggs canta sobre la desilusión en una relación, explorando los altibajos emocionales que conlleva. La lírica, aunque simple, es efectiva y resonante, capturando ese sentimiento de traición y la inevitabilidad de la verdad que sale a la luz, lo que el título sugiere como un "lowdown", o "verdad amarga". La interpretación vocal de Boz Scaggs es tanto melancólica como cautivadora, transmitiendo un aire de resignación y aceptación.

Además del bajo y la voz, el uso del teclado y la guitarra es crucial en "Lowdown". El teclado, a cargo de David Paich, se mueve entre acordes suaves y sutiles, y momentos de mayor protagonismo, especialmente durante el puente instrumental. La guitarra de Les Dudek añade textura y profundidad, con riffs que complementan la línea de bajo y la voz, sin opacar el resto de los elementos musicales. El resultado es una composición equilibrada, donde cada instrumento tiene su espacio y función clara dentro del arreglo.

"Lowdown" no solo fue un éxito comercial, alcanzando el puesto número 3 en el Billboard Hot 100, sino que también ayudó a definir el sonido de la década de 1970. Fue reconocida con un premio Grammy por Mejor Interpretación de R&B por un Grupo o Dúo, lo que refleja su aceptación en ambos mundos, el del rock y el del R&B.

"Lowdown" es un testimonio de la capacidad de Boz Scaggs para crear música que trasciende las barreras de género y tiempo. Es una canción que no solo captura la esencia de una época, sino que también sigue siendo relevante y apreciada décadas después de su lanzamiento.

Daniel 

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Disco de la semana 394: No Name - Jack White

 

Little Room no es, quizás, la canción más celebrada del catálogo de The White Stripes, aparece a mitad de White Blood Cells (2001 ), dura apenas 50 segundos y consiste principalmente en Jack White tocando sobre los ritmos más rudimentarios de Meg White. Sin embargo, los 20 segundos de letra resumen de manera efectiva una paradoja con la que White ha estado lidiando, afortunadamente, durante unas buenas dos décadas. La canción, si no la recuerdas muy bien, es un retrato del artista lo-fi que “trabaja en algo bueno” en la pequeña habitación que le da nombre al disco, pero, a unos meses de alcanzar una fama inimaginable, contempla lo que sucederá después cuando “si es realmente bueno/ vas a necesitar una habitación más grande”. Las habitaciones más grandes, por supuesto, traen consigo sus propios desafíos. En ellos, White aconseja: “Puede que no sepas qué hacer/ puede que tengas que pensar en cómo empezaste/ sentado en tu pequeña habitación”. Cuando The White Stripes se convirtió en un fenómeno global a principios de los años 2000, White inicialmente se mantuvo firme en su postura de grabar en los entornos más primitivos. “En ese momento, lo más punk contra lo que podía rebelarme era contra este nuevo mundo digital donde todo está hecho de plástico y todo parecía tan falso y desechable”, le recordó a Andrew Male de MOJO en 2018.

 

En el fondo soy un gran fan de Jack White, los White Stripes siempre han sido la cumbre creativa de su música desde mi punto de vista. En los cinco discos principales en solitario que White ha publicado, ha habido muchos más fracasos que éxitos, "Blunderbuss" tiene algunas canciones realmente geniales y otras que realmente son vulgares, "Hip (Eponymous) Poor Boy"). "Lazarretto" se apoya mucho en la peculiaridad establecida en el disco anterior para peor, se nota sobreproducido y los momentos que son directamente flojos superan a los momentos que suenan geniales o interesantes demasiadas veces. Quizás su mejor logró fue con el experimental y extraño “Boarding House Reach”, aunque lejos de ser perfecto, creo que este disco es fácilmente el mejor proyecto que ha lanzado desde su época en The White Stripes. Es Jack apoyándose en sus conceptos raros, que rompen con el género y son artísticos sin reservas de una manera que se sintió sorprendentemente fresca e increíblemente original. Ni siquiera voy a detenerme en el díptico dolorosamente mediocre de “Fear Of The Dawn” y “Entering Heaven Alive”, pero lo que predomina en todos estos lanzamientos en solitario parece ser un exceso de experimentación, teatralidad y producción, incluso cuando funciona, como en “Boarding House Reach”. Hace unas semanas, un misterioso álbum sin nombre de Jack White circulaba en tiendas selectas de Third Man Records en todo el mundo, aquellos que tuvieron en sus manos el disco lo alabaron y lo llamaron su mejor trabajo en años, tenían razón, White y su equipo hicieron un asombroso disco de rock de garaje que es la banda sonora perfecta de un mundo en llamas. “No Name”, es todo lo contrario de “Boarding House Reach”, y en el mejor sentido posible. Es Jack White entregando un montón de éxitos rockeros de garaje contundentes y directos. Es un ejemplo perfecto de lo gratificante que puede ser ir a lo seguro en las circunstancias adecuadas. Todo suena sudoroso, ansioso y eléctrico como si hubiera sido grabado en un sótano muy húmedo con un equipo rudimentario. Estas canciones están impulsadas por la desilusión de White con el mundo que lo rodea y la necesidad de canalizar su frustración en una música rock genial, lo deja todo en sus partes más básicas, lo que lo convierte en uno de los retrocesos más emocionantes de los últimos tiempos. Pocos podrían haberlo logrado tan bien como lo hizo White. Incluso con ese enfoque crudo, su comprensión de cómo crear una gran canción se muestra plenamente aquí. Como no hay lista de canciones ni etiquetas además de los títulos de cada lado del disco, es un poco más difícil de lo habitual entrar en detalles sobre ciertas canciones de este disco, prácticamente todo destaca por igual. No por ser extraordinario o alucinante, sino simplemente por estar bien escrito y ser un rock and roll rudo y despojado de todo.

Cada canción rezuma tensión, sabes que habrá un momento en el que todo se descontrolará. “That's How I'm Feeling” comienza a medio tiempo antes de despegar y la guitarra de Jack es tan melódica en la canción que es una de sus favoritas. En "Archbishop Harold Holmes", White hace su mejor imitación de un predicador paranoico que intenta frenéticamente llevar a la gente a la salvación con algunos de los riffs más abrasadores del álbum. A esto le sigue el éxito de punk de garaje "Bombing Out", que es irresistiblemente catártico. No se puede decir lo suficiente de las actuaciones de White aquí, tanto en voz como en guitarra, que son algunas de las mejores de su carrera. Su voz en el tema de apertura "Old Scratch Blues" se siente tan apasionada, como si estuviera luchando para que lo escuches. Le da a estas canciones la cantidad perfecta de energía que requieren, están tan completamente realizadas de una manera muy poco convencional. Algunas de las cosas que hace en la guitarra aquí son simplemente geniales, simples y sencillas. Como hace que su guitarra suene como un tono de marcado en "That's How I'm Feeling" o los riffs mareados en el pre-estribillo de "It's Rough On Rats", es simplemente increíble. Aparte de los trucos ocasionales, cada riff aquí tiene mucho peso, diablos, cada instrumento aquí tiene un peso considerable. Sientes todo, es envolvente. Hay una urgencia aquí que no ha estado presente en su trabajo en mucho tiempo emparejado con algunas de las canciones más emocionantes que ha escrito. El álbum termina con una canción rockera de ritmo rápido, “Missionary”, seguida de una pista atmosférica que es lo más cercano a una balada que se puede encontrar en el álbum, “Terminal Archenemy Ending”, que es un título fabuloso. Después de que el álbum termine, no puedo esperar a ponerme de pie y dirigirme al tocadiscos para comenzar de nuevo. Este es un rock n roll glorioso y divertido y Dios, lo necesitamos ahora mismo.

No Name es sin duda uno de los mejores discos de rock del año. Es infinitamente emocionante a un grado casi embriagador, nunca te decepciona ni un solo segundo. Simplemente no puedo tener suficiente de él. Uno de esos álbumes que salió en el momento justo. Hay tanta mierda sucediendo todo el tiempo, a veces todo lo que necesitas es un disco de rock de garaje estridente para sumergirte. ¡Pulsa play en esta cosa y tócala a todo volumen! Puede haber belleza en la simplicidad, pero Jack White se deleita en la fealdad. Realmente no hay mucho más que decir sobre este disco. El tono de guitarra en todo momento es asombroso. Escuchar a Jack hacer música punk es asombroso. La consistencia que se muestra aquí no solo es asombrosa, sino que parece un milagro en comparación con otros lanzamientos en solitario de Jack. Estoy muy feliz de que esto exista y estoy emocionado de ver cómo me va gustando.

1345.- I never cry - Alice Cooper

I Never Cry, Alice Cooper

     Alice Cooper es un artista musical e intérprete influenciado por la música heavy. A menudo se le considera un pionero del hard rock teatral y del heavy metal. La primera banda de Cooper, The Spiders, comenzó en 1964 cuando tenía solo 16 años. Durante los años siguientes, cambiaron de nombre varias veces. Como el éxito aún se les escapaba, en 1969 cambiaron su nombre a Alice Cooper, llamado así por una supuesta bruja que querían sacrificar en el escenario. La banda finalmente llegó a las listas ese mismo año, con el sencillo I'm Eighteen y el álbum Love It to Death. La combinación de una voz que contradecía su género y payasadas exageradas en el escenario atrajo la atención del público. Después de una serie de sencillos de éxito, el grupo lanzó su trabajo de mayor éxito comercial en 1971 en forma de álbum conceptual, llamado School's Out. Pero en esta ocasión, lo que vamos a hacer es centrarnos en el año 1976 y su éxito I Never Cry.

Alice Cooper, la banda, se separó en 1974, y Alice Cooper, el hombre, encontró el éxito nuevamente ese mismo año con su álbum Alice Cooper Goes To Hell.  I Never Cry fue lanzada en 1976 como parte de dicho álbum. La canción fue escrita por Alice Cooper y Dick Wagner, y es conocida por su estilo más suave en comparación con otras canciones de Cooper, lo que la clasifica dentro del género soft rock. Estamos ante una balada reflexiva caracterizada por acordes de piano melancólicos y letras tristes pronunciadas en un tono emotivo pero resignado. Trata sobre sufrir dolor físico y emocional sin expresar dichos sentimientos. En general, detalla las desventajas de un estilo de vida hedonista a través de imágenes de lágrimas y arrepentimiento. La canción aborda las luchas personales de Alice Cooper con el alcoholismo. Cooper ha descrito I Never Cry como una "confesión alcohólica", reflejando su batalla con la adicción que eventualmente lo llevó a rehabilitación un año después del lanzamiento de la canción. Esta sinceridad en la letra le dio un toque personal y emotivo, diferenciándola de sus trabajos más teatrales y oscuros. I Never Cry tuvo un buen desempeño en las listas de éxitos, alcanzando el puesto número 12 en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos y el número 9 en Cash Box en enero de 1977. En Canadá, la canción llegó al número 5 y permaneció en esa posición durante dos semanas. Este éxito comercial hizo que I Never Cry fuera uno de los dos únicos sencillos de oro de Cooper en los Estados Unidos, junto con Poison, publicada en 1989. 

I Never Cry ha sido interpretada en varias giras de Alice Cooper, sin embargo no siempre fue una constante en sus setlists. Después de su regreso a los escenarios tras superar su adicción, la canción volvió a ser parte regular de sus conciertos durante las giras "Dirty Diamonds" (2005-06) y "Theatre of Death" (2009-10). Y por último y como curiosidad, la canción ha sido versionada por varios artistas, como la banda de glam metal Poison, que grabó una versión para su álbum de covers Poison'd! en 2007, o el grupo español Hombres G, que hizo una versión en español titulada No lloraré, incluida en su álbum debut de 1985. 

1344.- Charley's Girl - Lou Reed

"Charley's Girl" es una canción de Lou Reed incluida en su disco "Coney Island Baby" (1976), el sexto álbum de estudio en solitario del músico estadounidense. "Coney Island Baby" es posiblemente el disco más romántico publicado por Lou Reed en toda su carrera discográfica, y las ocho canciones que lo componen se inspiraron y fueron dedicadas a su novia y musa de entonces, Rachel Humphreys.

Eso incluye también a "La chica de Charley", en cuya letra Reed explora las complejidades que acompañan a las relaciones sentimentales, a través de un protagonista que lamenta no haber escuchado las advertencias sobre lo complicado que sería enredarse en una relación con ella ("Y ahora mira el problema en el que estoy metido. Sabes, será mejor que tengas cuidado con la chica de Charley").

Para la grabación de "Charley's Girl" y del resto de temas de "Coney Island Baby", Reed reunió al mejor grupo de músicos con el que había grabado desde la Velvet Underground, y eso se nota muy especialmente en una instrumentación más melodiosa y elaborada de lo habitual, potenciando el distintivo estilo de guitarras soft rock de Lou Reed, que abandona su fría pose vocal de antaño para darle un tono más cálido y emotivo a su interpretación vocal.