Ruta 77: Las 7 canciones de @Argentinosaurix

Ruta 77: Las 7 canciones de @Argentinosaurix

Andalucía un paraíso que nos mostró @Annabel36215123 a través de sus 7 canciones, pero es hora de agradecerle por el viaje, y en prender motores y volver a viajar, y esta vez nos vamos de la mano de Andres (@Argentinosaurix), para los amigos El Pibe, y este viaje promete ser muy largo, porque nos iremos primero a Córdoba, pero no la Córdoba que todos conocemos por cercanía, sino una Córdoba más al sur, claro hablo de la Provincia de Córdoba, en el centro de la Argentina, como si fuera un corazón. 

Andres, nos alcanza a las afuera de Sevilla, y nos cuenta que es de Córdoba, pero de otra Córdoba totalmente diferente, y como un recuerdo lejano de la infancia se le ilumina la mirada, con ese sabor a familia, nos comienza a contar esos recuerdos divertido cuando era un pibe que jugaba en la plaza de su pueblo allí lejano, subiendo y bajando en un tobogán, que era como viajar del cielo a la tierra o quien diría con el tiempo de la Argentina a España, y nos dice que allí comenzó este amor por la música con su primer álbum de The Beatles y en especial la canción Helter Skelter. 

De inmediato Jorky al escuchar a Andres comienza a tararear una parte de la canción “..When I get to the bottom.. I go back to the top of the slide.. Where I stop and I turn.. And I go for a ride Till I get to the bottom And I see you again Yeah, yeah, yeah, hey….” claro nos dice Helter Skelter, publicada en el décimo álbum de la banda, The White Álbum. Inicialmente fue grabada y concebida como un blues, y las primeras grabaciones fueron en julio de 1968 y contenían largas improvisaciones del grupo con sus instrumentos, el resultado fue una jam session de unos 27 minutos de duración. Como el tema no encajaba en el disco fue dejado de lado hasta septiembre de ese año cuando se realiza un versión más corta, la definitiva. Sobre este tema Paul McCartney declaró que la banda quería hacer "el tema más desagradable, ruidoso y sudoroso que la banda pudiera". Este tema es considerado por los estudiosos en la materia como uno de los temas clave en el desarrollo del heavy metal. 

Andrés sonríe y nos confiesa que tiene otra pasión, que es el futbol y su Real Socidad, y yo (Storyboy) le pregunto no serás de Racing en Argentina, y como en un cuento de Eduardo Sacheri donde la vida rueda al ritmo de una pelota de futbol, porque las pasiones son muy grande Andrés responde, no mis colores allá son el "azul y oro", estamos hablando de Boca Jrs. y deja entrever que esa pasión aun sigue viva, porque se puede cambiar de apariencias estar Sucio y Desprolijo como diría el Carpo Pappo Napolitano en su canción, pero los colores no se cambian.

Sucio y Desprolijo que buen tema de Pappo, sabias me imagino que esta incluido en el tercer disco de la formación argentina Pappo's Blues, liderada por el gran Pappo Napolitano. Disco publicado en 1973. Uno de los temas más conocidos y populares de la banda y de toda la carrera de Pappo. La letra es toda un crítica a todas esas personas que critican a la gente por su apariencia o forma de ser sin saber de lo que son realmente capaces y del valor que realmente tienen.

Andres vuelve a tener esa mirada iluminada y nos dice, en todos estos recuerdos hay cosas que me llevan al presente porque viven en mí, y aunque ya no soy ese rebelde en apariencia, llevo la rebeldía en mí, y nos cuenta que escucha Rock and Roll desde toda la vida, y que su banda preferida es Deep Purple, y sobre todo un tema en particular Highway Star que conoce su historia al detalle y como un miembro más del blog nos indica que Highway Star esta incluida en el sexto álbum de la banda, Machine Head y publicado en marzo de 1972. El disco fue grabado en el Grand Hotel de Montreux, Suiza, ya que la intención del grupo era grabarlo en el Casino de Montreux, pero no fue posible ya que éste ardió por completo el 4 de diciembre de 1971 en aquella actuación de Frank Zappa. 

La composición del tema esta acreditada a los cinco componentes, Gillan, Glover, Lord, Blackmore y Paice. El tema habla del amor de un hombre por su coche de gran potencia, un coche que no tiene rival y que puede con cualquiera que se le ponga delante. El tema fue ideado el 13 de septiembre de 1971 cuando el grupo se encontraba en el autobús de camino a Portsmouth (Inglaterra) donde tenían su siguiente concierto. Su canción de apertura en los directos por entonces era Speed king y ya estaban un poco cansados de tocarla, por lo que idearon este tema en el autobús y lo tocaron esa misma noche en Portsmouth. El tema fue evolucionando hasta que fue grabado en diciembre de 1971 para Machine Head y quedar como lo conocemos.

Este tema está considerado como el primer tema de la historia del género musical llamado Speed Metal, un subgénero del heavy metal que resultó de la fusión del hardcore punk y el NWOBHM (Nueva ola del heavy metal británico). género donde dos de sus máximos exponentes son Metallica y Motorhead. El sólo de teclado de Lord está inspirado en Bach, y Gillan solía improvisar en los conciertos la letra del tema.

Luego de darnos catedra Andrés nos suma un recuerdo más, uno de los primeros vinilos que me compre con mi dinero no solo fueron los de Deep Purple, que debo confesar que los escucho a diario, sino que Highway To Hell es uno de los álbunes que más me gustan tambien, y sobre todo la canción Touch Too Much, publicado en su mítico álbum Highway To Hell de 1979. el tema trata de los excesos, unos excesos con los que la banda estaba más que familiarizada. Una canción llena de puro sentimiento. El grupo también era conocido por sus fiestas salvajes donde siempre había muchas chicas y el alcohol  corría a raudales. El tema nunca fue interpretado en vivo por el cantante de la banda Brian Johnson. Habría que esperar al 22 de mayo de 2016, durante sus concierto en Praga (República Checa), para ver cómo Axl rose se atrevía a ser el primero en cantarla en directo después de Bon Scott. Axl sustituía a Brian Johnson en aquella gira por sus problemas de audición. 

Pero todo en mi vida no fue el Rock and Roll, otro descubrimiento fue el blues de la mano de Lee Hooker, extrañamente por casualidad, vaya a saber uno los caminos dan muchas vueltas, que te permiten descubrir cosas nuevas, y una de ellas fue el blues, venia de un mundo de Rock and Roll pero el blues me acerco a un mundo mucho más plural donde hoy conviven ambos sonidos, como pueden convivir One Bourbon, one scotch, one beer....

Chema interrumpe y nos da detalle de One Bourbon, one scotch, one beer, blues escrito por el compositor estadounidense Rudy Toombs, y grabada por primera vez en 1953 por el cantante y pianista de R & B Amos Milburn. John Lee Hooker graba el tema en 1966, y aunque usa la historia y los coros del tema altera el orden e incluye partes narrativas que incluye de su propia cosecha. el tema fue grabado por Hooker a la guitarra y voz, Lafayette Leake al piano, Eddie "Guitar" Burns a la guitarra, Fred Bellow a la batería y por un bajista del cual no se llega a conocer la identidad. El tema aparece publicado en el disco de Hooker The Real Folk Blues de 1966. El tema cuentas la historia de un hombre que se encuentra en un bar a altas horas de la noche, el bar va a cerrar pero el sigue tratando de beber todo el alcohol que pueda en un intento por olvidar a su novia que le ha dejado, mientras da la tabarra a un cansado camarero que lo único que quiere es cerrar para irse a su casa.

Andrés desafía a Chema y le dice te pondré un tema de Fleetwood Mac, presta atención, esta canción es de una época en la que Fleetwood Mac todavía era una banda de Blues y esa época es la que más me gusta, escucha “Oh Well”, aunque no me puedo llamar un apasionado de Fleetwood Mac en toda regla o en toda época pero esta canción me partió la cabeza al escuchar a Peter Green.

Chema asienta con la cabeza y luego detalla, Oh Well,  El tema fue compuesto por Peter Green y lanzado como sencillo para posteriormente aparecer publicado en versiones revisadas del álbum Then Play On (1969) y en varios recopilatorios posteriores. El tema fue compuesto en dos partes, la parte 1, que se trata de un rápido blues eléctrico donde podemos escuchar el memorable riff de guitarra interpretado por Green, y de la parte 2, que cambia el estilo siendo una pieza instrumental inspirado en la música clásica. En los directos la banda sólo tocaba la parte 1. 

Andrés de repente redobla la apuesta y comenta, pero de alguien que si te puedo decir que me gusta todo y de cualquier época es de Neil Young y no sería justicia no nombrarlo, aun llevo el sonido de verlo tocar en vivo, quizás una de las experiencias más gratificantes de mi vida es como sentirse realmente libre….. escucha Rockin' in the free world y me dirás si no es cierto. 

De repente Nevermind que estaba hasta ahora callado dice, Rockin' in the free world, compuesta por Neil Young y publicada en su álbum Freedom de 1989. Young escribió la canción mientras se encontraba de gira con su banda en febrero de 1989. Es cuando se entera de que una serie de conciertos  que tiene planificados en la Unión soviética no se van a celebrar, entonces el guitarrista de su banda Frank "Poncho" Sampedro dijo: "Tendremos que seguir rockeando en el mundo libre". Aquella frase impactó a Young y creyó que tenía mucho gancho para hacer algo sobre las cosas tan confusas que estaban sucediendo en el mundo, como la sentencia de muerte de Salman Rushdie por parte del Ayatolá de Irán por la publicación de su libro Los versos satánicos ó la retirada del ejercito ruso de Afaganistán. Al día siguiente ya tenía la letra del tema. El tema fue lanzado unos meses antes de la caída del muro de Berlín, lo que hizo que se conviritiera en un hímno sobre la caída del mismo. En el tema también critica la política de la administración de George HW Bush, política con la que Young era muy crítico.

El Pibe no había parado de hablar ni un minuto y todos escuchábamos atentos, nos hablo de su Córdoba natal, de sus pasiones aquellas que no cambian con el tiempo, las que se llevan tatuadas en la piel, ahora vivía en Donostia y donde lo hemos alcanzado por esta ruta interminable, pero El Pibe nos guarda una “yapa” un bonus track para el final, porque esta historia se trata de pasiones y junto a las pasiones del Pibe esta una historia de Amor y esta historia incluye a otra gran amiga y seguidora de 7dias7notas, @Roxyblues su compañera de viaje, ya lo hemos dicho, los caminos son largos y extraños, quien diría un Pibe de Córdoba Argentina y @Roxyblues de Lorca, Murcia, pero los caminos siempre se suelen unir, y esta vez estos caminos se unieron a través de Jethro Tull que estaba de gira por España. Triunfó el amor al contrario de lo que sucede en la canción Locomotive Breath, tema publicado en el disco Aqualung (1971) obra maestra de Jethro tull, una joya de tema que comienza con una lenta y triste introducción de piano para luego ir cogiendo velocidad y fuerza, y como un tren de mercancías ir arrollando a su paso todo lo que encuentra. El tema trata de un hombre al que su mujer le engaña y encima sus hijos le han abandonado, por lo que este hombre, sin nada por lo que vivir o luchar ya en la vida, decide suicidarse e ir al precipicio como una locomotora sin frenos. El tema es una crítica a Dios, el cuál siempre gana frente al "eterno perdedor": el hombre. Y como dije, al contrario que la canción de Jethro Tull, la historia entre @Argentinosaurix y @Roxyblues esta llena de amor y pasión por la música, ya que ella los ha unido. 

Solo quedaba una última pregunta, cuál era el interés del Pibe en llegar a Donostia, por ello la intriga nos podía más, mientras se alejaba junto a @Roxyblues que lo había venido a recibir uno de nosotros desde la ventanilla del coche le preguntó a gritos: ¿porque tanto el interés de llegar hoy?, el Pibe se giró y contestó "hoy es mi cumpleaños y este es el lugar donde quiero estar y con quien quiero estar!." 

¡Todos bajamos del coche, no nos podemos perder la fiesta! 

Daniel 

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La música en historias: Se acaba el Mes Rolling Stones

 

Acaba septiembre, y con él, el verano deja paso al otoño, y el #MesRollingStones dejará paso a un nuevo artista en esta sección. Hubiéramos querido que este mes eléctrico y energizante no acabara nunca, porque hemos disfrutado desde la primera palabra como si hubiera sido el primer acorde áspero y cortante de "Start me up" con el que suelen abrir  los conciertos, hasta la última, la que encontraréis al final de este artículo. Hubiéramos querido más, aunque por otro lado, ¿qué más puede pedirse, que volver a escuchar la increíble ristra de discos que comenzó con Beggars Banquet, siguió subiendo escalones de calidad con Sticky Fingers y Let it Bleed, y acabó estallando por los aires en la gran supernova que fue Exile on Main Street?

 

En esos grandes discos basamos nuestro particular "setlist", y aún así encontramos tiempo para notorios bises que reflejaran el momento en el que volvieron a sujetar con fuerza el volante en Steel Wheels, para cruzar después algunos puentes hacia sonidos más modernos en Bridges to Babylon, y hacer que finalmente todo saltara por los aires en A Bigger Bang.

 

Y cuando la noche era ya cerrada, y todo indicaba que no había tiempo para nada más, volvimos a aclamar al unísono, hasta sacarles de nuevo al escenario, para que las guitarras de Keith Richards y Ron Wood escupieran las notas de algunos viejos estándares de blues americano en Blue and Lonesome. Triste y solitario, que gran título para reflejar como nos sentimos al ver que acaba septiembre, y el verano, y los artículos de los Rolling Stones en 7días7notas. Y como bien dice Mick Jagger en You can't always get what you want:

"No siempre puedes tener lo que quieres, pero si lo intentas, a veces, puedes descubrir, que tienes lo que necesitas". 

Lo que necesitamos ahora es consolarnos, buscando refugio en otras canciones y otros discos, y escribiendo sobre otro artista enorme durante el mes de Octubre. Así que vamos cerrando, los pipas están recogiendo el equipo, y desmontando el gran logo de los labios rojos de detrás de la batería de Charlie Watts, así que es el momento de cumplir con lo prometido: Una última palabra para el #MesRollingStones, que sea tan energizante como el primer acorde de "Start me up". Y para lograrlo, que mejor que esa palabra sea una pista sobre el siguiente monstruo del rock al que homenajearemos en estas páginas. Quizá sea una pista demasiado fácil, pero no podemos aguantarnos hasta el artículo de presentación del nuevo artista, cuando el mes de Octubre suba al escenario y demos por fin la bienvenida al..."Jefe" .

The Rolling Stones - Exile on Main St. (Mes Rolling Stones)

 

Estamos sin duda ante una de las mejores obras de The Rolling Stones, para muchos fans este supone su punto álgido, aquello por lo que un día se juntaron para dejar una obra que permanecerá eterna en la memoria de cualquier amante de la música, porque una obra realizada con la personalidad de Exile es difícil encontrar. Ya sea porque que te limites a disfrutar de su sonido turbio, irregular, pero no nos engañemos ¡eso es rock! o por la carga de riffs increíbles que descubrimos canción tras canción que nos lo escupen tan directos y brutales, un disco que pulula por el lado áspero, sucio y hastiado de lo genial que es el sexo, las drogas y el rock'n'roll. También está el título brillante, que resume todo sobre la personalidad de la estrella de rock (el forajido en medio del nexo social, distante pero observado por todos, colapsando entre los contenedores de basura que reflejan el brillo de Broadway). Pero aquí estamos para hablar de la música en este disco, así que centrémonos en eso, ¿de acuerdo?

 

El sonido Rolling continúa su desarrollo paso a paso de Beggars Banquet a Sticky Fingers (que continuaría con otro paso concluyente a Goats Head Soup ): hard rock, blues eléctrico, baladas de rock con tintes country. Es todo esto, pero aún más intensificado y con menos amor por los detalles en el arreglo y la producción. Si bien pusieron canciones tan diversas como "Prodigal Son" y "Jigsaw Puzzle" en Banquet , mantienen el mismo sonido básico en todos los géneros mencionados: guitarras catárticas, pianos honky y, presagiando su camino desde las raíces hasta la grandilocuencia, una sección de metales que enfatiza los riffs. Pero es aquí donde encontramos algunas de sus mejores canciones de todos estos géneros que hemos mencionado, empecemos, “Rocks Off“ es un rock duro con un riff y una actitud desgarradora que llega a ser deslumbrante, con uno de los mejores coros de gritos. "Rip This Joint" crea un ambiente de fiesta para el álbum y "Shake Your Hips" es un tributo al artista de blues John Lee Hooker. "Tumbling Dice" es otro punto culminante de Exile, con un ritmo lento y funky.  El conmovedor "Torn and Frayed" es un homenaje a Gram Parsons, con un gran órgano gospel que fluye por todas partes. "Sweet Black Angel" tiene una letra inteligente y política, el tema de Richards, "Happy", es un destacado toque de metal que muestra su actitud al diablo le importa, que fue su marca registrada durante los 70, declarando que necesita "amor para mantenerlo feliz".

"Ventilator Blues" esta sediento de sangre es pantanoso y enorme, y "Sweet Virginia" es otro de esos grandes números de country para las noches solitarias en los taburetes o los largos viajes por carretera. La balada "Let It Loose" está dominada por un fino toque de guitarra de Richards y una gran interpretación de Jagger. "All Down the Line" es un sentimiento rockero típico de los Stones, y "Stop Breaking Down" es la mejor interpretación de guitarra de Richards en el album. "Shine a Light" es una balada para órgano y piano con otra buena interpretación de Richards en la guitarra de blues, y "Soul Survivor" es la pista más groovie del álbum, con el ritmo persistente del baterista Charlie Watts. "Turd on the Run“ introduce un nuevo tipo de canción de los Stones que reutilizarían con buenos y malos resultados a lo largo de la década de 1970. Esto lo convierte posiblemente en el sonido más "Stone" que jamás ya que estaba plagada de una producción más arcaica, más artesana y con un exceso de trabajo, en Exile, todo todavía suena bastante "hecho a mano", y es por eso que este álbum tiene un sonido deliciosamente oxidado y letras cansadas, y muestra a los Stones en su pico más alto de composición, Exile es, por supuesto, un álbum maravilloso y por excelencia. Algunos materiales desechables y de relleno disminuyen el impacto general, pero lo bueno aquí son los Stones en su mejor momento.

 

"Exile on Main St." es un disco influido por su entorno. Un retrato vívido de una época tormentosa y bullente de creatividad. Un puro bullicio, un fluido puro no apto para tiempos de estrés. Requiere su tiempo, pero no porque sea difícil, sino porque es inmenso, inabarcable en una aproximación de puntillas. La obra maestra de los Stones requiere una inmersión profunda y prolongada. Lo que ofrece merece la pena. Quedarán saciados por completo, enganchados de por vida. Y puede que, como yo, no puedan encontrar una época más gloriosa que los cuatro años que empiezan con "Beggars Banquet" en el 68 y culminan con esta obra. Por más que busco no la veo. En ningún artista.

La música en historias: Los músicos de sesión IV

 

     Cómo ya es costumbre en 7dias7notas vamos con la cuarta entrega de Los músicos de sesión, un espacio donde nos gusta dar visibilidad a todos esos músicos que ponen sus instrumentos al servicio de los grandes artistas y que seguramente sin saberlo hemos escuchado en innumerables ocasiones sin saberlo. Aquí va la siguiente remesa:

David Paich, el teclista y vocalista (en ocasiones) estadounidense que fue cofundador de la banda Toto y que además coescribió exitazos de la banda entre los que se encuentran Hold The Line, Rosanna y Africa. David nace en Los Ángeles, California en 1954 y en 1976 sienta las bases junto a Jeff Porcaro de lo que será la gran banda de rock Toto, permaneciendo en ella hasta el año 2004, si bien regresaría en el año 2010 siendo uno de los teclistas de la banda hasta 2018. Paich además tiene una prolífica carrera como compositor y productor, habiendo compuesto canciones para Cher, The Jacksons, George Benson, Boz Scaggs y Chicago entre otros. Pero también ha realizado arreglos para Michael Jackson, Rod Stewart, Donna Summer ó The Doobie Brothers. Como músico sesión participó en la grabación del mítico Thriller de Michael jackson, en la famosa canción de Estados Unidos para África We Are The World, y con músicos de la talla de Brian Adams, Aretha Franklin, Boz Scaggs, Quincy Jones, Neil Diamond, Steely Dan, Elton John, Joe Cocker, Rod Stewart y Randy Newman entre otros. David Paich tiene también en su haber nada menos que siete premios Grammy. 

Marcus Miller, Compositor de cine y jazz, productor de discos, arreglista y multiinstrumentista. Marcus nace en 1959 en Brooklyn, Nueva York, y proviene de una familia donde la música se respira por los cuatro costados, su padre era director de coro y organista de iglesia y el famoso pianista de jazz Wynton Kelly es primo suyo. Si bien comenzó estudiando música clásica tocando el clarinete también toca el saxofón, guitarra, bajo, teclados y flauta. Sus comienzos fueron en la ciudad de Nueva York tocando el bajo y componiendo música para el flautista de jazz Bobbi Humphrey y el teclista Lonnie Liston Smith. fue miembro de la banda del famoso programa Saturday Night Live entre 1979 y 1981. Como músico de sesión ha destacado con el bajo, instrumento con el que ha participado en más de 500 grabaciones para artistas como Michael Jackson, Eric Clapton, George Benson, Arteha Franklin, Elton John, Joe Walsh ó Jean-Michel Jarre entre otros muchos. Pero además ha tenido tiempo para participar en la composición de canciones para Aretha Franklin ó Miles Davis, y producir discos para Luther Vandross, Miles Davis, Chaka Khan, Bob James y Wayne Shorter entre otros.

Steve Jordan, baterista, compositor y productor de discos. Steve nace en 1957 en Nueva York (Estados Unidos) y ha pasado gran parte de su carrera como músico de estudio. En las décadas de los 70 y 80 fue miembro de las bandas de los programas de televisión Saturday Night Live y Late Night With David Letterman. En su juventud Steve estudió en la prestigiosa High School of Music and Art de Nueva York. También fue el baterista de los Blues Brothers de John Belushi y Dan Aykroyd en la gira que estos hicieron a finales de los 70. También fue miembro del proyecto X-Pensive Winos, el proyecto paralelo del guitarrista de los Rolling Stones Keith Richards, siendo además socio de composición y producción en muchas de las obras en solitario de Richards. Actualmente es miembro desde su fundación en 2005 del trío de blues rock John Mayer Trío, compuesto por John Mayer, Pino Palladino y el propio Steve. Por si no fuera poco ha grabado con Don Henley, John Mellecamp, Andrés Calamaro, Cat Stevens, Bob Dylan, B. B. King Y Neil Young entre otros, y ha producido discos de Robert Cray, Buddy Guy, Bruce Springsteen y John Mayer entre otros. 

Giuseppe Henry "Pino" Palladino, músico, compositor y productor de discos nacido en 1957 en Cardiff (Gales). Pino comenzo tocando la guitarra eléctrica a los 14 años y el bajo eléctrico, su instrumento de referencia a los 17. Si bien se sentía atraido por el sonido Motown y el jazz estudia guitarra clásica. En 1982 graba en el álbum de Gary Numan "Assassin" y posteriormente en el disco debut de Paul Young, uniéndose a la banda de éste posteriormente. En 1991 trabaja en el proyecto The Law con paul Rodgers, colaborando durante esa década con Eric Clapton, Elton John, Melissa Etheridge y Richard Ashcroft. Tras la muerte del bajista del grupo The Who John Entwistle justo antes de comenzar una extensa gira, es Palladino el que le sustituye, participando en 2006 en la grabación del primer álbum de la banda en 24 años. Durante los años 80 Palladino había hecho gran amistad con el baterista Steve Jordan mientras los dos trabajaban como músicos de sesión, y cuando en 2005 John Mayer buscaba un bajista para completar su trío fue su baterista Steve Jordan el que le sugirió a Palladino; el trío sigue dando guerra desde entonces. David Knopfler, Don Henley, Jeff Beck, D'Angelo, David Gilmour, Tears For Fears, Phil Collins, David Crosby, Brian Ferry, BB King, Steve Lukather, Richie Sambora, Tina Turner, Rod Stewart y Keith Richards son sólo algunos de los artistas con los que ha grabado durante su carrera.

Cerramos esta cuarta entrega con el baterista estadounidense Kenny Aronoff. Kenny nace en 1953 en Albany, Nueva York, si bien se cría en su juventud en stockbridge, Massachusetts. Comenzó estudiando música en el Berkshire Cuntry Day, prosiguiendo sus estudios posteriormente durante un año en la Universidad de Massachusetts Amherst, y después cuatro años más en la Universidad de Indiana, donde estudia música clásica. Tras acabar en 1976 sus estudios universitarios recibe ofertas de la Orquesta Sinfónica de Jerusalén y de la Orquesta Sinfónica de Quito (Ecuador), pero prefiere marcharse a la Costa Este de Estados Unidos para estudiar jazz y música fusión, volviendo durante esa época a sus raíces, el rock & roll. Es a mediados de los años 80 cuando Kenny empieza una exitosa carrera como músico de estudio y músico en innumerables giras por todo el mundo para multitud de artistas. Kenny durante su carrera a colaborado con artistas de la talla de John Fogerty, Neil Diamond, Stevie Nicks, Jon Bon Jovi, Patty Smyth, Rod Stewart, Billy Ray Cyrus, Bob Dylan, Richie Sambora, Céline Dion, Mick Jagger, BB King, Belinda Carlisle, Tony Iommi, Joe Cocker, Joe Satriani ó Bob Seger entre otros.

El disco de la semana 192: King Crimson - In the Court of the Crimson King

 

BIENVENIDOS A LA CORTE DEL REY CARMESÍ

 

"La vida es sueño" dijo Calderón De La Barca, y nos lo repitieron hasta la saciedad nuestros profesores de literatura en el colegio. Escuché esa frase, casi tantas veces, como la de "En un lugar de la Mancha, de cuyo nombre no puedo acordarme..", y esa saciedad y cansancio me llevaron a alejarme de esos mensajes, dirigiendo mi atención a otros del tipo "Tengan cuidado ahí fuera" o "Que la fuerza te acompañe".

En un 2020 en el que tenemos que tener especial "cuidado ahí fuera", y afrontar los desafíos de una nueva realidad con toda la fuerza posible, las frases del colegio han acabado cobrando un nuevo significado para mí, tras la escucha de In the court of the Crimson King, la obra que supuso el debut de King Crimson, la formación comandada por el guitarrista Robert Fripp, que junto Greg Lake, Michael Giles, Ian Mcdonald y Peter Sinfield. Juntos, nos regalaron la primera gran obra del rock progresivo, y a través de sus evocadoras letras y sus brillantes pasajes musicales, este disco me ha abierto la puerta a su desbordante mundo paralelo, un derroche de imaginación e imágenes oníricas, y un refugio para la tormenta en la que a veces se convierte la vida real, que nos ha convertido a todos, de alguna manera, en "esquizoides hombres y mujeres del siglo XXI", como en este exuberante e impactante cuento musical en el que, canción a canción, el destino va conduciendo a un hombre hacia la imaginaria corte del Rey Carmesí.

21st CENTURY SCHIZOID MAN

En un lugar de una ciudad distópica y deshumanizada, de cuyo nombre no puedo acordarme, un hombre cualquiera vive agobiado bajo la sombra de los grandes edificios de metal, anclados al suelo como "garras de hierro de pie de gato". Las voces distorsionadas de Greg Lake y los poderosos riffs de Robert Fripp, en los que se encuentra la semilla de lo que después se conocería como "heavy metal", dibujan en nuestra mente un mundo contaminado y enfermo en el que "los neurocirujanos piden más a gritos" y la paranoia espera al otro lado de la puerta. El hombre esquizoide del siglo XXI es una "semilla de muerte" plantada por "la codicia del hombre ciego". Cansado de ver sangrar a los niños y morir de hambre a los poetas, y de no tener "nada de lo que realmente necesita", decide escapar lejos de la locura de la ciudad, y buscar una vida de sueño en el campo, en algún lugar en el que poder sentir el silencio, y hablar tranquilamente con el viento, que le pregunta ¿Dónde has estado? 

 

I TALK TO THE WIND

"He estado aquí y he estado allí, y también en el medio", contesta el hombre esquizoide, dejando que el viento se lleve sus palabras. El radical cambio, tanto en el estilo como en la intensidad de la música, no es en absoluto casual. Refleja la diferencia entre la locura de la ciudad de metal y la ansiada tranquilidad del campo. La bella melodía de flauta nos transmite poco a poco la tristeza que siente el personaje, al descubrir que "el viento no puede oír", lo cual le sume en la confusión...

 

EPITAPH

... Y en la desilusión. "La pared en la que escribieron los profetas se está agrietando", y él se siente como un condenado a muerte, "destrozado por sus pesadillas y sueños". Estamos ante la canción más brillante del disco y de la banda, una auténtica joya de la melancolía y la tristeza. Un himno para describir el dolor que supone comprobar que, el tan ansiado silencio, es el que ahora "ahoga los gritos" del hombre esquizoide, que se debate entre intentarlo o perder por completo la esperanza, y que siente que, después de todo, "La confusión será su epitafio".

 

MOONCHILD

Abatido y solitario, pasa la noche "soñando a la sombra de un sauce, hablando con los árboles de extraña telaraña" de un extraño jardín. Allí se encuentra con "la hija de la luna", "recogiendo las flores..." y "navegando en el viento con un vestido blanco como la leche". Estamos ante dos minutos y medio de pura belleza y melodía, en ese bucólico jardín en el que los sueños, como la fuerza, vuelven a acompañarle. Tras este breve y bello pasaje, se inicia un largo y tortuoso camino de mas de siete minutos, de improvisación y juegos de sonidos dispersos, como si realmente quisieran que oyéramos el ruido que hacen al caer las "piedras circulares en un reloj de sol" con las que la "hija de la luna" parece mostrar el camino hacia la corte del rey carmesí..

 

 

 

 

IN THE COURT OF THE CRIMSON KING

Al llegar por fin a su destino, "a través de un camino en el que los horizontes van cambiando", descubre un mundo idílico de orquestas, bufones, marionetas, flautistas púrpuras y suaves coros interpretando canciones de cuna, actuando todos para "la corte de del rey carmesí". No podía terminar un disco tan enorme, sin una pieza épica y solemne como ésta que le da título. Lección magistral y vehículo experimental a partes iguales, se convirtió de inmediato en el tema más reconocido, y reconocible, de la banda de Robert Fripp. Revestido de grandilocuentes coros, y de densas y evocadoras florituras de melotrón y flauta, es el final majestuoso que habría encandilado al más exigente de los reyes, ese del que me declaro, para siempre y mientras la fuerza me acompañe, fiel vasallo. El Rey Carmesí.

Canciones que nos emocionan: Dream On, Aerosmith

Dream On, Aerosmith

     Año 1971, El proyecto de Aerosmith ha visto la luz en Boston gracias a la fusión de las banda de Steven Tyler Chain Reaction y la banda de Joe Perry y Tom Hamilton Jam Band. Despues de algún que otro reajuste la banda queda conformada por Steven Tyler (voz), Joe Perry (guitarra), Brad Whitford (guitarra), Tom Hamilton (bajo) y Joey Kramer (batería). El grupo a base de tocar en multitud de sitios en directo empieza a tener éxito y a ganar reputación a nivel local.

El grupo empieza a llamar la atención y firma un contrato de representación con David Krebs y Steve Leber. Son Krebs y Leber los que invitan al presidente de la discográfica Columbia Records, Clive Davis a ver al grupo en un local nocturno de Nueva York llamado Max's Kansas City. Todo esto hace que a mediados de 1972 el grupo consiga firmar un contrato discográfico con Columbia Records.

Con su primer contrato en el bolsillo el grupo se mete en el estudio y en enero de 1973 publican su primer álbum de estudio, de título homónimo, Aerosmith. El sonido que desarrolla la banda es hard rock y el disco está influenciado por el blues. El álbum en principio no tuvo gran éxito, un éxito que si obtuvo con su reedición en 1976.

Incluido en el disco nos encontramos con otro de esos temas que tanto me emocionan, Dream On, compuesto por Steven Tyler. Para la grabación de este primer disco el mánager de la banda les hizo que vivieran y compartieran una casa para que pudieran concentrarse en escribir. Steven Tyler había estado trabajando y escribiendo el tema a pedazos durante unos seis años, logrando acabarlo con ayuda de la banda. En cuanto a la temática del tema, éste trata del hambre y las ganas de ser alguien, de hacerse un nombre mientras persigues tus sueños. Tyler comentaba sobre este tema que resumía toda la mierda que soportas cuando estas en una nueva banda, también decía que el grupo fue muy criticado por la prensa especializada a raíz de la publicación de este primer álbum y que les acusaban de copiar a los Rolling Stones. En cuanto al tema comentaba que surgió cuando tenía unos 17 ó 18 años mientras tocaba el piano, por entonces no tenía ni idea de como se escribía una canción y no podía ni imaginar que aquello terminara convirtiéndose en una canción de verdad.

Una de las causas por las que este primer disco no tuviera la recepción que se merecía es por la escasa promoción por parte de la discográfica Columbia Records, que había centrado gran parte de sus esfuerzos en promocionar el recién publicado primer álbum de Bruce Springsteen, Greetings From Asbury Park, N.J.. De hecho la continuidad del grupo con la discográfica estaba en peligro, y fue el prometedor lanzamiento de Dream On el que evitó que Columbia prescindiera de ellos, alcanzando el single el puesto número 59 en las listas de ventas.

Every time when I look in the mirror

All these lines on my face getting clearer

The past is gone

It went by, like dusk to dawn

Isn't that the way

Everybody's got the dues in life to pay

I know nobody knows

Where it comes and where it goes

I know it's everybody sin

You got to lose to know how to win

Half my life

Is books, written pages

Live and learn from fools and

From sages

You know it's true, oh

All the things come back to you

Sing with me, sing for the year

Sing for the laughter, sing for the tear

Sing with me, if it's just for today

Maybe tomorrow, the good Lord will take you away

Yeah, sing with me, sing for the year

Sing for the laughter, sing for the tear

Sing with me, if it's just for today

Maybe tomorrow, the good Lord will take you away

Dream on

Dream on

Dream on

Dream until your dreams come true

Dream on

Dream on

Dream on

Dream until your dream come through

Dream on

Dream on

Dream on

Dream on

Dream on

Dream on

Dream on, ah

Sing with me, sing for the year

Sing for the laughter, sing for the tear

Sing with me, if it's just for today

Maybe tomorrow, the good Lord will take you away

Sing with me, sing for the year

Sing for the laughter, sing for the tear

Sing with me, if it's just for today

Maybe tomorrow, the good Lord will take you away

The Rolling Stones - Blue And Lonesome (Mes Rolling Stones)

Blue & Lonesome, The Rolling Stones

En marzo de 2016, los Rolling Stones cerraban en La Habana, Cuba, ante más de 1,2 millones de espectadores, la exclusiva gira llamada América Latina Olé Tour, que habían comenzado el 3 de febrero de 2016 en el Estadio Nacional de Santiago de Chile. La banda había anunciado a finales de 2015, dicha gira por Latinoamérica, y como es habitual se reunieron antes de la gira para realizar los ensayos de los temas que iban a conformar el repertorio de los conciertos, aprovechando además para trabajar en ideas y temas de lo que sería su nuevo disco. Como suele ser habitual, para calentar y antes de entrar en materia en los ensayos, empezaron tocando antiguos temas de blues, una de sus raíces e influencias. En un momento dado, se dieron cuenta de que estaban disfrutando como niños, y que además las versiones que estaban tocando rebosaban calidad, por lo que a uno de los integrantes (Unos dicen que fue Ronnie Wood, otros que fue Keith Richards) se le enciende la bombilla: "¿Por qué no lo grabamos y sacamos un disco?".

Lo demás es historia, el grupo graba en tres días el material que conforma este álbum de versiones de temas clásicos del blues, concretamente el 11, 14 y 15 de diciembre de 2015 en los British Groove Studios de Londres, y el 2 de diciembre de 2016 aparece editado y publicado bajo el sello discográfico Polydor Records Blue And Lonesome, un homenaje a este noble género, donde predomina el blues de Chicago, y que cuenta además con la colaboración de Eric Clapton en dos de sus temas.

Comienza el disco con Just Your Fool, tema compuesto por el director de orquesta y pianista Buddy Johnson en 1953 y que sería popularizado por Little Walter, quien graba el tema en 1960 adaptándolo al estilo del blues de Chicago. Le sigue Commit A Crime, tema que popularizó Howlin' Wolf y que podemos encontrar editado en el álbum All Night A Boogie publicado en 1981 en Estados Unidos bajo el sello discográfico Stack-O-Hits. Llegamos al tema que da título al disco, Blue And Lonesome, compuesto por Little Walter y grabado por primera vez en 1949 por Memphis Slim, quien obtuvo mucho éxito con él. Habría que esperar a 1960 para disfrutar del tema tocado por su autor Little Walter, apareciendo publicado en su disco Hate To See You Go. Turno para la brillante All Of Your Love, escrito por Magic Sam e incluido por éste en su álbum West Side Soul (1967), álbum considerado por los especialistas como uno de los mejores álbumes de blues editados de la historia. I Gotta Go, volvemos con el genial armonicista y guitarrista Little Walter, que compone este tema y que aparece publicado por primera vez en 1955 bajo el sello Chess Records como cara B del single Roller Coaster / I Gotta Go. Cierra la primer parte del álbum Everybody Knows About My Good Thing, compuesta por Miles Grayson y Lermon Horton. El tema sería grabado por el artista de blues y soul Little Johnny Taylor en el álbum del mismo nombre en 1972. Cuenta con la colaboración de Eric Clapton y su slide guitar.

Abre la segunda parte del álbum un tema de un artista de blues del Delta, Ride 'Em Of Down, compuesta por el cantante y guitarrista Bukka White, y publicado por él mismo en 1937, si bien los Stones nos acercan a la magnífica versión de blues de Chicago que se marca Eddie Taylor, y que publicaría como sencillo en 1956 bajo el sello Vee Jay Records. Volvemos con Little Walter, que repite en varios temas y es una de las grandes influencias de estos chicos, en el tema: Hate To See You Go, tema que publicaría Little Walter bajo el título I Hate To See you Go en su álbum Stray Dog Blues (1951). Le sigue Hoo Doo Blues, compuesto por la dupla Otis Hicks y Jerry West, y popularizado por el gran músico de blues de Louisiana Lightnin' Slim. A continuación le llega el turno a Little Rain, compuesta por Ewart G. Abner Jr. y Jimmy Reed y grabada en 1957 por el propio Jimmy, como sencillo bajo el sello Vee Jay Records. Y cierran los Stones con dos temas compuestos por el gran Willie Dixon, Just Like I Treat You, tema grabado por Howlin' Wolf como sencillo en 1962 bajo el sello Pye International, y I Can't Quit You Baby, Compuesta por Willie en 1956 y  grabado ese mismo años por Otis Rush como sencillo bajo el sello discográfico Cobra Records, y donde los Stones vuevlen a contar con la inestimable colaboración de Clapton a la guitarra eléctrica.

Blue And Lonesome no es un álbum de versiones de blues cualquiera, no uno más, es un tributo a los orígenes e influencias de una de las más grandes bandas de rock de la historia...

La música en historias: Nicky Hopkins, el pianista de los grandes

Nicky Hopkins

 En 7dias7notas nos gusta dedicar espacio no sólo a los primeros espadas del mundo de la música, también nos gusta dedicarlo a todas esas personas que han contribuido a engrandecer más si cabe este noble arte. En esta ocasión nos vamos a centrar en la figura de uno de los músicos de sesión que con su piano contribuyó en canciones de un gran número de grupos míticos grupos y artistas ingleses y estadounidenses. Pocos músicos de sesión pueden presumir del currículum que durante su carrera cómo músico hizo Nicky Hopkins.

Nicholas Christian Hopkins, más conocido como Nicky Hopkins, nace en la zona de Perivale, Londres (Inglaterra) en 1944. Comienza a tocar el piano a los 3 años de edad y siendo adolescente gana una beca de la Real Academia de Música de Londres. Desde pequeño sufre la enfermedad de Crohn, una enfermedad crónica que afecta principalmente al tracto gastrointestinal, lo que hace que tenga una salud frágil además de haber sufrido frecuentes operaciones. Esta enfermedad marcará al músico que decide concentrar casi todo su trabajo en el estudio como músico de  sesión permaneciendo prácticamente alejado de las giras.

Nicky comienza sus andanzas al piano a principios de los años 60 en la formación llamada Screaming Lord Sutch's Savages, formación donde se encontraba también Ritchie Blackmore. Posteriormente se une al proyecto de una de las primeras bandas de Rithm & Blues de Inglaterra, The Cyril Davies All Stars, grabando con ellos su primer LP Country Line Special. En 1963 tiene que abandonar la formación debido a sus problemas de salud y una serie de operaciones que casi le cuestan la vida y le tienen unos 19 meses convaleciente. Nicky tiene claro que debe concentrar su trabajo como músico de sesión, y en poco tiempo se convierte en uno de los pianistas de sesión más reputados y solicitados de la escena londinense.

Nicky toca en todos los álbumes de los Rolling Stones desde Between The Buttons (1967) hasta Tattoo You (1981), a excepción de Some Girls (1978). Memorables son ya sus partes de piano en temas como We Love You (1967), Simpathy For The Devil (1968), Monkey Man (1969), Sway (1971), Ventilator Blues (1972), ó Angie (1973) entre otras. Nicky es contratado para las giras de los Rolling Stones Good-Bye Britain Tour (1971), para la gira norteamericana de 1972 y para la gira del Pacífico en 1973. Sus problemas de salud le impiden participar en la gira europea de 1973. No volvería a tocar en directo con ellos a excepción de una aparición como invitado en 1978.

Con The Kinks Nicky graba cuatro álbumes de estudio, The Kink Kontorversy (1965), Face To Face (1966), Something Else By The Kinks (1967) y The Kinks Are The Village Green Preservation Society (1968). La relación de Nicky con el grupo se deteriora a raíz de la grabación del último disco en 1968, pues según Nicky aproximadamente el setenta por ciento del trabajo de teclado del álbum era suyo y Ray Davies se había atribuido casi todo el mérito.

Con The Who toca por primera vez en su álbum debut My Generation. Posteriormente colabora en algunos temas en sus álbumes Who's Next (1971) y The Who By Numbers (1975). También es clave su trabajo al piano y los arreglos en la banda sonora de la película Tommy (Ken Russell, 1975).

También participa en el proyecto The Jeff Beck Group junto a Jeff Beck, Rod Stewart, Ronnie Wood y Micky Waller, permaneciendo en la banda desde 1967 hasta su disolución en 1969. Después se une al proyecto como miembro de pleno derecho del grupo Quicksilver Messenger Service, grabando con ellos Shady Grove (1969), Just For Love (1970) y What About Me (1970), además de contribuir en el álbum de reunión Solid Silver en 1975 como músico de sesión. Se convierte en uno de los pocos músicos que aparece en un tema de los Beatles, concretamente Revolution (1968).

La lista de colaboraciones de Nicky Hopkins durante su carrera es larguísima e incluye entre otros a artistas de la talla de The Move, Jefferson Airplane, Steve Miller Band, Donovan, P. J. Proby, John Lennon, Carly Simon, Harry Nilson, George Harrison, Joe Cocker, Marc Bolan, Peter Framptom, Jerry García Band, Art Garfunkel, Rod Stewart, Badfinger, Graham Parker, Spinal Tap, Paul McCartney, The Jayhawks, Ronnie Wood, Belinda Carlisle, Bill Wyman, Dusty Springfield, Ringo Starr, Joe Walsh e Izzy Stradlin and the Ju Ju Hounds entre otros.

Desde 7dias7notas queríamos hacernos eco del maravilloso trabajo y legado musical de Nicky hasta que nos dejó fruto de su temprana muerte a los 50 años de edad en 1994 causada por una cirugía para paliar sus problemas derivados de la emfermedad de Crohn, una enfermedad con la que tuvo que convivir durante prácticamente toda sus vida.

Nicky Hopkins con Jefferson Airplane en Woodstock (1969)

The Rolling Stones - Sticky Fingers (Mes Rolling Stones)

Sticky Fingers

Nos encontramos en el mes de Septiembre, mes dedicado a sus Satánicas Majestades los Rolling Stones, y en el reparto mis compañeros decidieron que debía ser yo el que reseñara Sticky Fingers pues me iba como un guante, y no se equivocaban...

A finales de 1969 Mick Jagger, Keith Richards, Mick Taylor, Charlie Watts y Bill Wayman comienzan a trabajar y a grabar de forma intermitente el que supondrá su noveno álbum de estudio. A principios de 1971 el grupo finaliza la grabación del material, publicando el resultado el 23 de abril de 1971. El resultado es Sticky Fingers, una auténtica joya donde la banda se sumerge en los sonidos clásicos como el rock & roll, country, blues ó rhythm & blues. A diferencia de sus anteriores trabajos el grupo se decanta por unas letras más oscuras donde se hacen eco de temas como la esclavitud, las drogas o el sexo interracial.

Sticky Fingers es producido por James "Jimmy" Miller, productor habitual del grupo desde Beggars Banquet (1968) hasta Goats Head Soup (1973), y que ha trabajado durante su carrera con gente como Traffic, The Spencer Davis Group, Blind Faith o Motörhead entre otros. El álbum es editado bajo el propio sello discográfico del grupo, Rolling Stones Records, y que era un sello subsidiario de Atlantic Records. Para la grabación del disco, el grupo utilizó material que había grabado previamente en 1969 en los famosos Muscle Shoals Studios de Alabama (Estados Unidos), material que grabaron en la casa de campo de Jagger en 1970 y material grabado en los Olimpyc Studios de Londres, finalizando la grabación de todo el material a principios de 1971.

En cuanto a la portada del disco, fue concebida a partir de un diseño de del artista pop art Andy Warhol para la cuál posó uno de sus modelos habituales, Joe Dallesandro. La portada consistía en unos pantalones vaqueros con una cremallera de verdad que se abría. De la fotografía se encarga Billy Name y del diseño Craig Braun. Esta portada generó polémica y fue censurada en España pues por aquel entonces el país se encontraba bajo la dictadura y el régimen de Franco, siendo sustituida por una portada "Can of Fingers". Para que el disco se vendiera en nuestro país también tuvieron que sustituir el tema Sister Morphine que fue considerado inapropiado y ofensivo, fue sustituido por el tema Let it Rock, una versión en vivo del tema de Chuck Berry.

Entramos en faena y el primer tema que suena es el mítico Brown Sugar, compuesto por Jagger y Richards, que comparten la composición de todos los temas excepto dos. El tema fue escrito por Jagger mientras se encontraba en Australia para el rodaje de la película Ned Kelly. En cuanto a la letra es ambigua pues puede que nos esté hablando de las drogas, de una chica ó de ambas cosas. El título del tema Brown Sugar (Azucar Morena) puede referirse a una muchacha de color o a la heroína. La letra puede parecer alegre, pues describe a un chico blanco rockero teniendo sexo con una chica negra, pero en realidad es una crítica sobre las esclavas africanas que eran vendidas en Nueva Orleans y luego violadas por sus amos. Según Bill Wyman, Jagger se inspiró para escribir la letra en la cantante de color Claudia Lennear, del grupo The Ikettes, el grupo de Ike Turner. La cantante estadounidense Marsha Hunt también se atribuyó que Jagger se inspirara en ella para componer el tema. Ambos se conocieron cuando ella se encontraba en Londres, trabajando para la producción musical Hair y mantuvieron en secreto una relación hasta que se destapó en 1972, y de la que nació la hija de ambos, Karis.

Turno para Sway, tema que trata sobre la depresión y como ésta nos impide disfrutar de las cosas sencillas del día a día. Los arreglos de cuerda fueron hechos por Paul Buckmaster, conocido por su habitual trabajo con Elton John. Mick Jagger tocó la guitarra rítmica en este tema, Pete Townshend (The Who), Billy Nichols y Ronnie Lane (Small Faces) cantaron los coros, y Nicky Hopkins tocó el piano.

Le sigue Wild Horses, tema que al parecer fue escrito por Richards para hacerse eco del hecho de tener que dejar a su hijo pequeño Marlon para irse de gira. El tema fue reescrito por Jagger, basándose según las interpretaciones populares, en la relación que mantenía con Marianne Faithfull, que estaba llegando al final, hecho que fue desmentido posteriormente por Jagger. El tema fue compuesto por Jagger y Richards, pero curiosamente los primeros en grabarlo fueron los Flying Burrito Brothers, con quienes los Rolling mantenían una muy buena relación. Habría que esperar a 1971 con la publicación de Sticky Fingers, para disfrutar de la versión de los Rolling Stones.

Con Can't You Hear Me Knoking, llegamos al tema más largo del álbum, con una duración de algo más de 7 minutos. El grupo se encontraba, por entonces, experimentando con diferentes estilos musicales, y podemos apreciar en este tema claras influencias de Santana, congas y percusión incluidas. Podemos disfrutar de Nicky Hopkins otra vez al piano, y como curiosidad: El productor Jimmy Miller tocó la percusión en este tema.

Cerramos la cara A con You Gotta Move, un tema tradicional afroamericano,  registrado y grabado por primera vez por Mississippi Fred McDowell y escrito con la ayuda del predicador y cantante evangélico de blues y gospel Gary Davis en 1965. Los Stones habían adquirido la costumbre de grabar en sus discos algún que otro tema de blues, hecho que repiten en Sticky Fingers. Fue grabado en los Muscle Shoals Studios de Alabama en diciembre de 1969. El tema grabado por los Stones alcanzó un notable éxito, lo que reportó unos suculentos beneficios a Mississippi Fred McDowell por sus créditos en la composición, con los que pudo establecerse cómodamente y abrir una gasolinera, hecho del que ya nos hicimos eco en la reseña "Los Rolling Stones y la gasolinera".

Empieza la cara B con Bitch, grabado en los Olimpyc Studios de Londres en octubre de 1970. El tema se refiere a una mujer (Bitch=Zorra) pero no a ninguna específicamente. El día de la grabación, Richards llegó tarde y sus compañeros llevaban ya tiempo trabajando en el tema, pero cuando se puso a la guitarra empezó a acelerar el ritmo, y con uno de sus riffs marca de la casa transformó la canción completamente. El tema, de hecho, se convirtió en uno de los más populares del grupo. Le sigue I got The Blues, dónde de nuevo nos encontramos con un blues lento, y con un sonido de guitarras que coquetean con el blues y el soul. Jagger escribió la letra basándose en su ruptura con Marianne Faithfull. Bobby keys tocó el saxo, Jim Price la trompeta y Billy Preston el órgano gospel.

Sister Morphine, compuesto por Jagger, Richards y Marianne Faithfull, trata de un hombre que tiene un accidente de coche y muere en el hospital mientras pide morfina. Marianne Faithfull fue la primera en grabar el tema en 1969, mientras era novia de Jagger, pero fue un fracaso y la compañía que lo editó, Decca Records lo retiró de la venta sólo dos semanas después de su publicación. Habría que esperar a la publicación de este disco para disfrutar de la versión de los Rolling, que ya habían grabado el tema en marzo de 1969. Ojo a la maravillosa contribución de Ry Cooder con la guitarra slide.

El disco se acerca  su tramo final con Dead Flowers, tema compuesto por Jagger y Richards, donde experimentan con la música country con cierto aire paródico hacia la misma. La letra del tema es oscura, y nos habla de un hombre al que Susie, su novia, ha abandonado. Ante la tristeza consiguiente, decide recurrir a las drogas para sentirse mejor. Con cierto desdén le dice que aunque ella le envíe flores muertas él pondrá rosas en su tumba. El tema hace claras referencias a la heroína, en los versos "I'll be in my basement room, with a needle and a spoon / Estaŕe en mi cuarto del sótano, con una aguja y una cuchara".

Cerramos la cara B y este magnífico álbum con la balada Moonlight Mile. El tema fue el resultado de una sesión nocturna de grabación entre Taylor y Jagger que duró toda la noche. Mientras Taylor tomaba una pequeña pieza de guitarra titulada Japanese Things, que había sido grabada por Richards, y le iba dando forma, Jagger tocaba la guitarra acústica. Keith Richards no participó en la sesión de grabación, porque aquella noche no se encontraba "muy fino". En cuanto a la temática, el tema trata de la vida de una estrella de la música, y su relación con las drogas. Mick Taylor afirmaba sobre éste tema que se le prometió figurar en los créditos de composición, y que se sorprendió mucho cuando pudo comprobar que esto no fue así, quedando acreditado únicamente a Jagger y Richards.

Sticky Fingers es una obra maestra donde Jagger, Richards y compañía nos sumergen en una vorágine de letras oscuras que nos hablan de sexo, drogas ó esclavitud al ritmo de rock en estado puro, aderezado con ritmos y trazos de música negra, blues ó country, según les venga en gana. Disco indispensable, en cualquier biblioteca musical que se precie.