domingo, 26 de enero de 2020

Ruta 77: Los 7 de @Raquiglam





En la segunda entrega de la Ruta 77, nuestra nueva sección dedicada a todos los amigos que hemos hecho a través del día a día de nuestro blog, la segunda persona a la que hemos pedido colaboración se llama Raquel y, además de compartir con nosotros su buen gusto musical en Telegram, tiene en Twitter la cuenta @Raquiglam.

DIARIO DE VIAJE

El desayuno del motel de carretera no es para tirar cohetes, pero después de una noche de descanso nos sirve para llenar el estómago y recobrar fuerzas, antes de empezar la segunda etapa de nuestro viaje. Tras pagar las habitaciones, cargamos con nuestras  mochilas y nos dirigimos al aparcamiento del motel. Dejamos las mochilas en el maletero y subimos al coche, emocionados ante la perspectiva de una nueva jornada de viaje por la Ruta 77. En el silencio de la mañana, el único ruido que nos perturba es el del motor del coche intentando ponerse en marcha, sin conseguirlo. Tras varias intentonas, desistimos de todo intento y llamamos al servicio de asistencia en carretera.

Mientras estamos esperando a la grúa, vemos acercarse por la acera a alguien que nos saluda y nos resulta familiar. Esperamos con suspense a que se acerque más, para saber a ciencia cierta quién es. A una distancia razonable para nuestras gafas de lejos, descubrimos que se trata de @Raquiglam, nuestra amiga y seguidora de Twitter, que resulta que vive por la zona, y que se ofrece a llevarnos a un garito cercano, para aliviar la espera mientras reparan el coche en el taller.


Aceptamos encantados, y así es cómo, sin comerlo ni beberlo, acabamos en un lugar llamado la Plaza de los Cubos, sentados en la barra de un garito llamado Voltereta, mientras suena el "Never let me down again" de Depeche Mode por los altavoces del local. Compuesta por Martin Gore para el disco Music for the masses, es uno de los temas más emblemáticos y exitosos de Depeche, y la canción protagonista de uno de los momentos más intensos de sus conciertos, desde que en el último concierto de la gira Tour for the masses en 1988, Dave Gahan levantó los brazos y empezó a moverlos de un lado a otro al ritmo de la canción. Todo el estadio empezó a imitarlo, y desde entonces es parte imprescindible del cierre de sus conciertos.

La conversación con @Raquiglam es agradable y distendida. Jorky, Chema y Storyboy participan activamente con risas y comentarios. Yo intento también no perder el hilo, pero tengo un defecto irremediable que confesar, soy incapaz de dejar que la música se quede en un segundo plano si una canción buena está sonando. Soy consciente de que puedo estar pareciendo un poco ausente, pero es que ahora está sonando "Blue Jean" de David Bowie, ¿qué voy a hacerle yo? El tema se mete en mi cabeza y me concentro en disfrutar de la sencilla pero efectiva pieza de rock and roll mientras, inevitablemente, vienen a mi mente las imágenes de Jazzin' for Blue Jean, el cortometraje de 21 minutos que Julian Temple dirigió para la promoción de la canción.


@Raquiglam se acerca al discjockey y le susurra algo al oído. Por la complicidad de los gestos, y por el hecho de que lo hayan abierto para nosotros a las 12 del mediodía, se nota que estamos en su local "de cabecera", y que la música que está sonando y sonará es una selección de sus temas favoritos. Casi al instante, mezclados con las últimas notas del tema de Bowie, empiezan a sonar las primeras notas de "Han caído los dos" de Radio Futura. Vuelvo a centrarme un poco más en la conversación, aunque no sin dificultad, cuesta no abandonarse al disfrute de la increíble letra del tema, que describe una relación de pareja con un nivel lírico que pocas canciones han alcanzado:

"Antes eran dos barcos sin rumbo, hoy son dos marionetas que van persiguiendo una luz cegadora por la línea del tiempo" 


Pedirle a alguien que comparta las canciones que han marcado su vida podría considerarse un pecado, esas canciones son, de alguna manera, solamente suyas, como los "Pecados más dulces que un zapato de raso"  que contaban los chicos de Gabinete Caligari en la canción con la que el discjockey sigue el repaso de los temas favoritos de Raquel. Los temas se van sucediendo casi sin tregua, y con los primeros acordes de "Desde el Jergón" de Los Enemigos, paradójicamente un grupo de amigos estamos ya pidiendo la segunda ronda de cervezas.



El discjockey vuelve a cambiar de tercio, poniendo el "New Sensation" de los australianos INXS, probablemente su tema más redondo y un temazo bailable ante el que es imposible resistirse, aún estando sentado en el taburete de la barra. Al resto le ocurre un poco lo mismo, y en particular a @Raquiglam, que no puede evitar mover los pies al ritmo de la canción. De nuevo, se nota que este tema del álbum Kick de 1987 es una de sus peticiones especiales. Quién diría que esa canción tiene más de 30 años, sigue sonando enérgica y moderna. A la altura del solo de saxo de Kirk Pengilly, el móvil de Jorky suena y nos saca del embrujo de la canción de Michael Hutchence. El coche ya está reparado, era un problema menor con el cable del arranque.


@Raquiglam lanza un rápido gesto al discjockey para transmitirle que nos vamos. El tipo sonríe y corta abruptamente el tema de INXS, para dedicarnos una melancólica canción de despedida de la mano del gran Luis Eduardo Aute, que desde los altavoces nos regala un "Me va la vida en ello" plagado de lírica y sentimiento. Gran final para un rato agradable e inesperado, pero el secreto de una vida plena es saber adaptarse rápidamente a los cambios imprevistos en la ruta, y llenar esos espacios con experiencias iguales o mejores a las que tenías planeadas. Eso ha sido para nosotros este rato con @Raquiglam en la Ruta 77. Nos despedimos con un abrazo y un hasta pronto, y seguimos nuestra ruta hasta el siguiente buen amigo y sus 7 canciones favoritas.


sábado, 25 de enero de 2020

Resultados canciones favoritas españolas de 1990

La movida de los años ochenta ha quedado lejos, nuevos grupos han llegado a auparse con las emisoras de radio y la venta de discos, el cambio en 10 años en el panorama musical nacional ha cambiado radicalmente. Entre todos las canciones editadas este año estas son vuestras 10 favoritas que habeis elegido a traves de la cuenta de twitter @7dias7notas .




10.- Joaquin Sabina - Mentiras Piadosas. El cantautor de Ubeda publica este año un trabajo que el mismo ha definido como de transiccion, esta cerca su epoca dorada y tras una gira en Latinoamerica donde Sabina se habia empapado de su cultura y sus ritmos se metio de lleno en la creacion de este album, que si bien, no tiene ningun megahit del autor si esta plagado de grandes canciones, como esta que habeis elegido, un tema con la tematica clasica del autor, el amor, el desamor, las relaciones de parejas y los estragos que el tiempo provacan en ella, disfrazada de una musicalidad bastante pop, lejos de ser una cancion top, es una de los temas mas delicados del autor.

9.- Radio Futura - Veneno en la piel. Encontramos este tema en el quinto disco, del grupo que nacio con la movida madrileña, que lleva el mismo titulo, y no es ni mucho menos su mejor trabajo, de hecho fue un disco hecho deprisa y corriendo para terminar un contrato con la discografica y buscar un nuevo camino, pero cosas del destino tanto Veneno en la piel como Corazon de tiza fueron temas que sonaron con mucha fuerza en ese año. A pesar de las premisas lo cierto es que esta cancion si merece un espacio destacado en la musica nacional, un tema donde a diferencia de lo que nos tenian acostumbrados, le da mas importancia a los sonidos acusticos y bateria en vez de el teclado al que nos tenian acostumbrados.

8.- Siniestro total - Camino de la cama. Otro de los himnos del grupo de Vigo, otra de sus canciones inmortales y llena de dobles sentidos de su repertorio y es que estamos ante un autentico homenaje al al descanso, asi tal cual, y sobre este sencillo tema se marcan una cancion llena de metaforas y de referencias al mismo, aparece el dios Morfeo, el tronco y la sierra, los rebaños de ovejas que contamos cuando no podemos dormir, las moscas tse-tse, el cloroformo, los cuatro angelitos.... un divertimento absoluto con sus dosis de homenaje a ese momento mas imprescindible y gustoso que otros que quizas estimemos mas.

7.- Enemigos - Septiembre. El tercer trabajo del grupo Madrileño fue la consagracion del grupo, con la publicacion del album "La vida mata", para muchos el disco de mas calidad de su carrera, pero el exito comercial fue escaso. La letra de este tema está inspirada en un caso real ocurrido en Galicia, donde un adolescente incapaz de aguantar la presión de los exámenes de septiembre decidió acabar con su vida, de la nota de suicidio extrajo la siguiente frase "Ir a por el pan, que yo no voy a ir, ir a por la leche, que yo no voy a estar"

6.- Barricada - No hay tregua. Originarios de Pamplona empezaron su andanza en la musica en los años 80 y han sido uno de los grupos mas importantes del panorama nacional del Hard/punk rock. Al frente de la banda el carismatico Enrique Villarreal Armendáriz, mas conocido como "El drogas". Si bien esta cancion fue editada en 1986, es sin duda en este año y con la publicacion del album "Doble directo" donde obtuvo un gran recorrido comercial. A la cancion le rodeo la polemica por su mensaje pero es un tema valiente, que busca arrojar luz, ante la oscuridad de esa juventud que tenía unos sueños equivocados que se convirtieron en pesadilla. Los que la acusan de apologia de la violencia no tienen mas que detenerse y escuchar lo que diceComo dice la letra de la canción “las armas nunca tendrán la razón”, siempre hay que buscar una salida a la violencia, aunque sea difícil.

5.- El ultimo de la fila - Cuando el mar te tenga. Es sin duda este "Nuevo pequeño catálogo de seres y estares" el disco mas exitoso de el dúo de Barcelona, es también el disco mas experimental y un cambio en el rock que hasta ahora había desarrollado. El album esta plagado de grandes canciones, y personalmente esta me parece de las que menos calidad tiene, una cancion que si bien esta impreganda de la poesia que al grupo les gustaba repartir en cada cancion, considero que está acompañada de una musica muy comercial y plana que ensombrece a la misma, siempre la he considerado un puñetazo para hacerse un nombre en la popularidad, pero nunca olvido que es una cancion de El ultimo de la fila, y eso es canela en rama.

4.- Heroes del silencio - Hechizo. Senderos de traicion fue el segundo album de Heroes del Silencio, y el que definitivamente les encumbro en lo mas alto de la musica española, es un album plagado de grandes canciones y entre ellas aparece esta, que es para mi uno de los mejores temas del grupo. Quizas mucha culpa la tenga Juan Valdivia que nos regala grandes momentos en este tema a la guitarra, quizas la mistica que rodea la letra de la cancion, rozando la locura, o la velocidad a la que se desarrolla, sin un minuto de respiro.



3.- Heroes del silencio - Maldito duende. Fue el segundo single del disco, y nuevamente nos encontramos con una cancion casi perfecta, musicalmente hipnótica y emocionante, líricamente enigmática y poética. Siempre es dificil darle un significado claro a las letras del grupo, en esta ocasion se complica mas, pero podria ser un homenaje a la vida nocturna y las sustancias que podemos encontrar en ella... tampoco es importante, la canción en si misma es pura magia.



2.- Heroes del silencio - Entre dos tierras. El primer corte, el que abria el album, el primer single que lanzaron del glorioso album Senderos de traicion, es esta potentisima cancion, con esa guitarra llena de reverb y delay, un sonido característico de Héroes del Silencio, que de nuevo no te deja descansar. Otra vez una letra llena de escondites, de metaforas, una letra que no hay por donde cogerla pero da igual, estamos hechizados ante lo que suena,




1.- Extremoduro.- Jesucristo Garcia. Primer disco en el mercado de los Extremeños y se llevan el gato al agua y es que Robe Iniesta ha imprimido desde el minuto uno una particular impronta que haga lo que haga saca petroleo. Jesucristo Garcia es un tema político religioso en el que se contextualiza a Jesucristo en el tiempo presente, Jesús viviría entre los pobres y los marginados se reflexiona sobre las diferencias y semejanzas que podrían darse entre la historia bíblica y la real,
hijo de una madre "no virgen", no le hubiese visitado el rey , se dedicaría al trile, pasaría miles de veces por prisión para acabar saliendo, pero ante todo, y pese a todo, sería siempre un marginado y un perdedor.

viernes, 24 de enero de 2020

El disco de la semana 162: Mountain - Nantucket Sleighride

Nantucket Sleighride, Mountain



     Leslie Weinstein nace en 1945 en Nueva York. De familia judía, su infancia se desarrolla en Hackensack, Nueva Jersey y posteriormente en varias localidades de Nueva York. durante su juventud sus padres se separan y Leslie decide cambiarse el apellido, pasando a ser West. En la década de los 60 Leslie ficha por el grupo de R&B The Vagrants, ocupándose él de las labores vocales y la guitarra, junto a Peter sabatino (voz, armónica y pandereta), Larry West (bajo y voz), Jerry Storch (órgano) y Roger Mansour (batería). El grupo conseguiría su mayor éxito en 1965 con el sencillo Oh Those Eyes, el cuál había llamado la atención a los directores de la película "Disk-O-Tek Holiday"  Vince Scarza y Douglas  Hickox, y decidieron incluirlo en la película. Éste tema está considero como un clásico y de culto de la época.

     A principios de 1969 Leslie West decide dejar The Vagrants y forma su propia banda, Leslie West Mountain, donde las referencias de sonido se basan en el blues rock y el hard rock, con clara influencias de Cream, uno de los grupos de referencia e inspiración de West. Para ese proyecto ficha a Norman Landsberg (bajo y teclados) y Ken Janick (batería). Por entonces el músico y productor neoyorkino Félix Pappalardi, que ya había trabajado y producido material de The Vagrants y curiosamente también de Cream, muestra interés en producir el primer trabajo de la banda de West, un trabajo que vería la luz bajo el título de Leslie West Mountain y que al final contaría con Leslie West a la guitarra y voces, Norman Landsberg a los teclados, N. D. Smart a la batería y la colaboración del propio Pappalardi al bajo y voz.

     Después de la grabación del disco, West le ofrece a Pappalardi seguir con la formación, especializándose sobre todo en las actuaciones en directo, Pappalardi acepta. Norman Landsberg deja la banda para centrarse en otro proyecto y West tiene que buscar otro sustituto. La formación que quedaría compuesta al final por Leslie West (guitarra y voz), Félix Pappalardi (bajo y voz), N. D. Smart (batería) y Steve Knight (teclados). Acababa de nacer Mountain.

Mountain

     Gracias a sus actuaciones ese año por la costa oeste de Estados Unidos el grupo acabó llamando la atención del público y la crítica gracias a su calidad, lo que le valió para ser invitado para tocar en el mítico Festival de Woodstock en 1969. Si bien, en aquel festival volvieron a llamar la atención y recibir muy buenas críticas, el grupo no aparecería en la grabación original del álbum ni en la película. En marzo de 1971 se publica el álbum Woodstock II, con más temas del mítico festival y donde sí aparecerían publicados dos temas de Mountain del festival de 1969, Blood of the Sun y Them For An Imaginary Western.

     En 1970 la formación sufre un cambio, el baterista N. D. Smart es sustituido por Laurence "Corky" Laing, y en marzo de 1970 West, Pappalardi, Knight y el recien fichado Corky publican el primer álbum de estudio de Mountain, titulado Climbing!. El álbum obtiene muy buena acogida de la crítica y del público, alcanzando el álbum el puesto número 17 en la famosa lista Billboard 200. El tema Mississippi Queen, quizás el tema más conocido de la formación, alcanzaría el puesto número 21 en la lista Billboard Hot 100.

     Y llegamos al año 1971, en enero publican su segundo trabajo, titulado Nantucket Sleighride. Es este segundo disco en estudio de la banda el recomendado para la semana número 162 de la aventura de 7dias7notas. Nantucket Sleighride significa literalmente "Paseo en trineo en Nantucket", y era una expresión utilizada para referirse a un barco ballenero cuando era arrastrado por una ballena arponeada. En cuanto a la portada del álbum, esta fue diseñada por Gail Collins, que además era compositora y contribuyó en muchas de las letras de las canciones de Mountain, además de ser pareja de Félix Pappallardi. Sería Gail la que acabaría con la vida de su  pareja, Pappalardi, propinándole el 17 de abril de 1983 un disparo en el cuello.

      Un disco con nueve temas y que se encarga de abrir Don't Look Around, compuesto por Leslie West, Sue Palmer, Félix Pappalardi y Gail Collins.  poderoso tema con genuino sabor al blues rock que se hacía en la época, pero donde incorporan teclados. Es la incorporación de los teclados en Mountain lo que la diferencia de la mayoría de las formaciones de la época, pues apenas era usado en éste género por entonces.

     Después de este gran comienzo nos encontramos con Taunta (Sammy's Tune), suave tema de apenas un minuto de duración compuesto por Pappalardi, y donde él mismo se encarga de tocar el piano y Knight se hace cargo del órgano.

     El tercer corte es el que lleva el nombre del álbum, Nantucket
Sleighride (To Owen Coffin), y está dedicado a Owen Coffin, el cuál fue un marinero que viajó en el malogrado ballenero Essex. Sería este ballenero y su historia el que serviría de inspiración y referencia para Hermin Melville a la hora de escribir Moby Dick. En agosto de 1819 el barco ballenero Essex se embarcó desde la localidad pesquera de Nantucket, Massachusetts (Estados Unidos), en una largo viaje por el Pacífico sur a la busqueda y caza de cachalotes. El 20 de noviembre de 1820 el ballenero arponeo a un cachalote de un tamaño descomunal. Este cachalote embistió al barco dos veces y lo hizo naufragar, lo que obligó a los marineros a coger los botes y viajar a la deriva. El oleaje les llevó a la deshabitada isla Henderson, llegaron sólo 21 supervivientes. Los recursos y los víveres se iba agotando, por lo que 18 de los allí supervivientes deciden jugársela y volver al mar en los botes, y tres decidieron quedarse. En uno de los botes que se aventuraron a la mar en busca de la salvación, viajaban 4 marineros entre los que se encontraba Owen Coffin. cuando se agotaron los recursos en el bote y la situación se tornó desesperada, decidieron hacer algo insólito, uno de los cuatro debería sacrificarse para la supervivencia del resto. La china le tocó a Owen Coffin, que recibiría un disparo y sería comido por sus compañeros. Después de 95 días, serían rescatados por otro barco sólo ocho supervivientes, dos del bote del sacrificado Coffin, otros tres de los demás botes y los tres que se quedaron en la isla. Nantucket Sleighride es el homenaje de Mountain a ese marinero que se sacrificó por la supervivencia de los demás. Una joya sin duda, si no el mejor, uno de los mejores temas del disco.
     El cuarto tema es You Can't Get Away!, compuesto por Lesli West, Gail Collins y Corky Laing. Genial duo West a la guitarra y Corky a la batería.

     Tired Angels (To J. M. H.), compuesto por Félix Pappalardi y Gail Collins. La pareja quiso hacer su particular homenaje a James Marshall Hendrix, que había fallecido recientemente, el 18 de septiembre de 1970, y compuso este tema en su honor. Tema que podría haber compuesto el mismísimo Hendrix y donde West está sencillamente magnífico.

     The Animal Trainer And The Toad, Compuesto por Leslie West y Sue Palmer. West se hace cargo de la parte vocal en este tema con influencias de country de salón con ese destacable piano de Knight.

     My Lady, compuesto por Corky laing, Félix Pappalardi y Gail Collins. Suave tema cantado por Pappalardi donde West vuelve a demostrar la increible calidad que atesora con el sólo inicial y los riffs del tema.

     Travelin' in the Dark (To E. M. P.), compuesta por Félix Pappalardi y Gail Collins. Este tema curiosamente se gestó entre 1964 y 1965, y la temática es la misma que en Nantucket Sleighride. Sobre esta canción Pappalardi comentaba cuando se encontraba en Nantucket y veía la niebla, pensaba en todos aquellos marineros que abandonaban a sus esposas en busca de sustento en la mar, y durante unos tres años no tenían ningún tipo de conexión con el mundo. Le parecía aterrador.

Félix Pappalar

     Y llegamos al último tema, The Great Train Robbery, compuesto por Leslie West, Félix Pappalardi, Gail collins y Corky Laing. Interpretado por West, otro tema con puro sabor a blues rock con influencias country gracias a la labor al piano de Knight.

     Nantucket Sleighride es un álbum que hay que escuchar al menos una vez en la vida, disco cargado de blues rock y hard rock de mucha calidad, un disco magnífico. No en vano Mountain ha sido una banda de clara inspiración para multitud de bandas de hard rock, blues rock y heavy metal posteriores.

Félix Pappalardi & Leslie West

jueves, 23 de enero de 2020

Historia del rock and roll: 29.- Aretha Franklin


Aretha Louise Franklin nació en Memphis (Tennessee) el 25 de marzo de 1942, su padre era ministro bautista y predicador de circuito originario en Mississippi, y su madre era una pianista y vocalista de cierto renombre, cuando Aretha tenía dos años, la familia se mudó a Buffalo, Nueva York y a los cinco años, se volvieron a trasladar a Detroit, donde su padre se hizo cargo de la pastoral de la Iglesia Bautista New Bethel. En 1948 los padres de Aretha Franklin se separa, su madre regresó a Buffalo, pero visitaba frecuentemente a sus hijos en Detroit, hasta que en marzo de 1954, sufrió un ataque al corazón que terminó con su vida. Mientras su padre ganaba prestigio con sus sermones y ganó miles de dólares por dar sermones en iglesias de todo el país. Su estatus de celebridad llevó a que su hogar fuera visitado por varias celebridades. Entre los visitantes se encontraban los músicos de gospel Clara Ward , James Cleveland, Martin Luther King Jr. , Jackie Wilson y Sam Cooke. Clara Ward mantuvo una relacion sentimental con el padre de Aretha desde aproximadamente 1949 hasta la muerte de Ward en 1973, y se convirtió en un modelo a seguir para la joven Aretha.





Justo después de la muerte de su madre, Franklin comenzó a cantar solos en New Bethel, cuando Franklin tenía 12 años su padre comenzó a manejar su carrera llevándola con él en los recorridos de la "caravana del evangelio" para que ella actuara en varias iglesias. Viendo el éxito de sus actuaciones, instaló un equipo de grabación dentro de la Iglesia Bautista New Bethel. En 1956, la discográfica JVB lanzó el primer sencillo de Franklin, "Never Grow Old". Durante este tiempo, Franklin viajaba ocasionalmente con The Soul Stirrers. En 1958, Franklin y su padre viajaron a California, donde conoció al cantante Sam Cooke. A la edad de 16 años, Franklin fue de gira con el Dr. Martin Luther King, Jr., y finalmente cantaría en su funeral en 1968. Una vez que cumplió 18 años, Franklin le confeso a su padre que ella aspiraba a tener una carrera musical, y se mudó a Nueva York donde grabó dos canciones que pronto llamó la atención de Columbia Records, con quien firmo un contrato en 1960 a pesar que Sam Cooke intentó persuadir al padre de Franklin para que la firmara con su discográfica RCA. El primer sencillo de Franklin en Columbia, "Today I Sing the Blues", se publicó en septiembre de 1960 y luego alcanzó el top 10 de la lista de R&B.

Columbia lanzo el primer álbum de Aretha en 1961, donde trabajaba diversos géneros, jazz vocal, blues, doo-wop y rhythm and blues. "Rock-a-Bye" se convirtió en su primer éxito internacional, y a finales de 1961, Franklin fue nombrada como "vocalista femenina de nueva estrella" en la revista DownBeat . En 1962, Columbia lanzó dos álbumes más, The Electrifying Aretha Franklin y The Tender, the Moving, the Swinging Aretha Franklin. Durante una actuación en el Regal Theatre, el famoso disjockey Pervis Spann, anunció que Franklin debería ser coronada como "La Reina del Soul", y en 1964 publicó la balada "Runnin 'Out of Fools" y en 1965 el éxito se sonreía con las canciones "One Step Ahead" y "Cry Like a Baby", estábamos a mediados de la década de 1960, y Franklin estaba ganando 100,000 dolares por sus innumerables actuaciones en clubes nocturnos y teatros.



En noviembre de 1966, el contrato de Franklin con Columbia terminó y ella decidió fichar por Atlantic Records en abril, Atlantic emitió su versión frenética de "Respect" de Otis Redding , que alcanzó el número uno en ambos las listas de R&B y pop. "Respect" se convirtió en su canción principal y luego fue reivindicada como un himno feminista y de derechos civiles. El álbum debut de Franklin en Atlantic, I Never Loved a Man the Way I Love You , también se convirtió en un éxito comercial, y luego se convirtió en oro destacando las canciones "Baby I Love You" y "(You Make Me Feel Like) A Natural Woman". En 1968, lanzó los álbumes más vendidos Lady Soul y Aretha Now, que incluía algunos de sus éxitos más populares, como "Chain of Fools", "Ain't No Way", "Think" y "I Say a Little Prayer", ese año Franklin ganó los dos primeros de sus Grammys, incluida la categoría debut para Mejor interpretación vocal femenina de R&B. Franklin realizó una gira fuera de los Estados Unidos por primera vez en mayo, incluida una aparición en el Concertgebouw, Amsterdam, donde actuó ante un público casi histérico que cubrió el escenario con pétalos de flores. Ella apareció en la portada de la revista Time en junio.



El éxito de Franklin se expandió a principios de la década de 1970, durante el cual grabó el número uno de R&B de varias semanas "Don't Play That Song (You Lied)", así como las canciones "Spanish Harlem" o "Rock Steady". Regresó a la música gospel en una grabación de dos noches en la iglesia en vivo, con el álbum Amazing Grace, que vendió más de dos millones de copias. La carrera de Franklin comenzó a experimentar problemas mientras grababa el álbum, Hey Now Hey , que presentaba la producción de Quincy Jones . A pesar del éxito del sencillo "Angel", sus canciones ya no eran las más vendidas. Después de que Jerry Wexler dejó Atlantic para ir a Warner Bros en 1976, Franklin trabajó en la banda sonora de la película Sparkle con Curtis Mayfield . Con este álbum tuvo su ultimo gran éxito, "Something He Can Feel".


En 1980, después de dejar Atlantic Records, Franklin firmó con Arista Records y ese mismo año dio una actuación de comando en el Royal Albert Hall de Londres frente a la Reina Isabel . Franklin también tuvo un aclamado papel secundario en el musical de 1980 The Blues Brothers. El primer álbum de Franklin para Arista, Aretha (1980), incluyó el "United Together" y una versión del tema "I Can't Turn You Loose", de Redding que fue nominada al Grammy. El album, Love All the Hurt Away de 1981 , incluyó su versión ganadora del Grammy de "Hold On, I'm Comin” de Sam & Dave. Con el álbum de 1982 “Jump to It” fue número uno. En 1985, cambio su estilo por un “sonido más joven” en su música, ¿Who’s Zoomin ‘Who?  se convirtió en su primer álbum de Arista en ser platino. El álbum vendió más de un millón de copias gracias a los éxitos "Freeway of Love" y "Another Night" ese año también publico un muy exitoso dueto con Gerorge Micahel "I Knew You Were Waiting for Me". En 1987, lanzó su tercer álbum de gospel, One Lord, One Faith, One Baptism , que fue grabado en la iglesia New Bethel de su difunto padre. El último sencillo  que llego al top 40 fue "A Rose Is Still a Rose" de 1998. El álbum del mismo nombre fue lanzado después del sencillo siendo disco de oro. Su último álbum de Arista, So Damn Happy , fue lanzado en 2003 y donde encontramos la canción ganadora del Grammy "Wonderful". En 2004, Franklin anunció que se iría de Arista después de más de 20 años con la discográfica y coimo despedida publico el álbum recopilatorio de duetos Jewels in the Crown: All-Star Duets with the Queen

Continuo su carrera con diversas actuaciones en eventos, pero había perdido la ilusión por realizar giras hasta que falleció el 16 de agosto de 2018 en su residencia de Michigan a los 76 años a causa de un cáncer de páncreas que padecía desde hacía años.




miércoles, 22 de enero de 2020

Canciones que nos emocionan: The Clansman, Iron Maiden

The Clansman



     En 1993 Bruce Dickinson dejaba Iron Maiden, éste sería sustituido por Blaze Bayley, el cuál llevaba desempeñando las labores de vocalista en el grupo de hard rock y heavy metal Wolfsbane desde 1984. Bayley junto con Steve Harris (bajista), Dave Murray (guitarrista), Janick Gers (guitarrista) y Nicko McBrian (baterista), debutaría con el álbum The X Factor, el décimo álbum de estudio de la banda inglesa.

     The X Factor significaba un cambio en la línea de sonido del grupo, dotado de un enfoque más siniestro y oscuro, y dotado de temas más largos. Pero la sombra de Dickinson es muy alargada, y este hecho resintió la recepción y la ventas del álbum, aunque aguantó el tirón y llegó al top 8 de las listas británicas. Parte de la crítica consideraba que éste disco carecía de la energía  y la potencia de los trabajos anteriores de Iron Maiden. Puede que tuviera algo que ver el hecho de que Bayley es un buen vocalista pero ni mucho menos es Dickinson, por lo que The X Factor fue concebido para potenciar y aprovechar las cualidades y registros vocales de Blaze Bayley.

     En marzo de 1998 Iron Maiden publicaba su undécimo trabajo de estudio, y el segundo con Blaze Bayley al mando de las labores vocales, Virtual XI. La banda de Harris vuelve en este trabajo a una línea más melódica y potencia más si cabe el uso de sintetizadores, sin perder de vista sacar rendimiento al registro vocal de Bayley, un hecho del que nunca se habían tenido que preocupar cuando estaba Bruce Dickinson, lo que da una idea del sobrado talento de Bruce.

     El álbum supuso un auténtico batacazo para el grupo, en Estados Unidos apenas llegaba al puesto 124 de la famosa lista Billboard 200, y lo que es más grave, en su feudo apenas llegaban al puesto número 44 de las listas británicas. Quizás pesó demasiado el hecho de la mala recepción por parte de los fans y la crítica de su anterior trabajo, y del estado anímico y moral en el seno del grupo desde la marcha de Dickinson. Sea como fuere éste sería el último disco que grabaría Bayley con Iron Maiden y supondría el regreso de Dickinson.

Wake alone in the hills

With the wind in your face

It feels good to be proud
And be free and a race that is part of a clan
To live on highlands
The air that you breathe
So pure and so clean
When alone on the hills

With the wind in your hair

And a longing to feel
Just to be free
Is it right to believe

In the need to be free

It's a time when you die
And without asking why
Why can't you see what they do

They are grinding us down

They are taking our land
That belongs to the clans
Not alone with a dream

Just a want to be free

With a need to belong
I am a clansman
Freedom

Freedom

Freedom
Freedom
It's a time wrought with fear

It's a land wrought with change

Ancestors could hear what is happening now
They would turn in their graves

They would all be ashamed

Land of the free has written in chains
And I know what I want

When the timing is right

Then I'll take what is mine
I am the clansman
And I swear to defend

I'll fight to the end

Know that I'll never be taken alive
I know that we'll stand

I'll fight for the land

I swear that my bairns
Will be born free
And I know what I want

When the timing is right

Then I'll take what is mine
I am the clansman
Freedom

Freedom

Freedom
Freedom
No, no we can't let them take anymore

No we can't let them take anymore

We're the land of the free
No hey, no we can't let them take anymore

No we can't let them take anymore

We're the land of the free
No, no we can't let them take anymore

No we can't let them take anymore

No we can't let them take anymore
We're the land of the free
Oh oh oh

Oh oh oh

Oh oh oh
Oh oh oh
Oh oh oh
Oh oh oh
Oh oh oh
Oh oh oh
Oh oh oh
Oh oh oh
Oh oh oh
Freedom

Freedom

Freedom
Freedom
It's a time wrought with fear

It's a land wrought with change

If our ancestors could hear what is happening now
They would turn in their graves
They would all be ashamed
The land of the free Has been written in chains
And I know what I want

When the timing is right

Then I'll take what is mine
I am the clansman
And I know what I want

When the timing is right

Then I'll take what is mine
I am the clansman
Freedom

Freedom

Freedom
Freedom
I know what I want

When the timing is right

Then I'll take what is mine
I am the clansman

     En este disco Harris y compañía abordan la temática del futbol y la mezclan con el auge de las nuevas tecnologías y la informática, y cómo esto puede acabar pasando factura y sus consecuencias. Este batiburrillo de temáticas, la falta de Dickinson y el estado anímico del grupo en aquel momento puede que lleve a explicarnos el bajón de este disco. Pero dentro de este disco se encuentra otro de esos temas que a mí, personalmente, tanto me emocionan, un tema que se sale de la temática del disco, The Clansman. Compuesto por Harris, este tema nos relata las luchas de los clanes escoceses por liberarse de la opresión de los ingleses. Hay un sector que quiso ver en este tema relación y conexiones con el Ku Klux Klan, algo que no tiene ni pies ni cabeza, pues este tema no es ni más ni menos que una arenga en pro de la libertad, la lucha y la resistencia contra los opresores. 

martes, 21 de enero de 2020

El disco de la semana 161: Babasonicos - Jessico

El disco de la semana 161: Jessico - Babasonicos 
Hoy en el disco de la semana, les traemos un disco que para los fans de la banda Babasonicos, tiene una gran polémica, ya que los críticos especializados en rock, dicen que Jessico, el sexto álbum de la banda Babasonicos es el mejor de la historia de la banda, pero también es la bisagra con respecto a el estilo que la banda llevaba en sus anteriores discos.

Sera por eso que el lider de la banda en una entrevista con la revista Rolling Stones declaró “El rock es vigor, y el vigor no dura para siempre, no voy a poder hacer rock toda la vida”, insisto con mi búsqueda para emterder porque Babasinicos antes de este disco no estaba en los rankings y me encuentro que Jessico, también por la revista rolling stones esta catalogado como el mejor álbum en el puesto 16.

Estanos todos locos dije, pero no este disco será reconocido como uno de los mejores discos de entrado el siglo 21, así que los dejo con la crítica a Jerrico y me perdonarán los fans pero debo decir que existen dos bandas una de rock llamada babasinicos y otra de indi pop con el mismo nombre.

Jessico vio la luz en los años turbulentos del 2001 y se podría decir que ser exitoso en esa época costaba mucho la crisis económica y social tomaba primera plana como todo la música el rock argentino no era ajeno.

Sin embargo la combinación de rock, pop, funl electronico boleros y baladas, hacen la fórmula perfecta para que jessico sea un éxito, leí en una nota que si esto ocurrirá fines de los 90 el disco no habría tenido ningún éxito, así que es estar en el momento justo y en el lugar indicado, así que bien por babasinicos.

Por eso iremos recorriendo canción por canción para descubrir JESSICO,

“LOS CALIENTES” abre el disco y tiene una letra es simple y banal, y es el primer corte de difusión del disco, y también el primer hit de la banda, ya que ha sonado por todos lados, la banda jamas habría pensado que la frase “Cómanse a besos esta noche… total nadie lo va a notar” se repetiría tanto.

El disco sigue con “FIZZ”, el rock debería tener voz y ser escuchado aun más en los tiempo de crisis, de eso se trata FIZZ que es un clásico del POP argentino, escuchen esa guitarra del comienzo y la percusión del tema, pero sobre todo es una canción dedicada a Buenos Aires, sus calles, a su gente.

El tema número tres del disco se llama “DELÉCTRICO” es otro de las temas hit del disco, y otro tema bailable, que ha sonado por todas las discos de argentina, la letra es un poco inentendible o sin sentido, pero su sonido funk-electro es una cosa extraña que solo BABASONICOS podría hacer, y es la muestra de un nuevo sonido para la banda.

El disco avanza con “SOY ROCK”, Este tema tiene esa base del glam-rock que solían hacer muy bien los ZZ TOP, te hace rockear con los riff, y madura el nock Es un tema que te deja exhausto.

La canción 5 es “PENDEJO” y acá se ponen country, hasta que la canción explota desde unas guitarras Es una canción que demuestra la enorme potencia de la banda cuando se propone sonar.

Llegamos a “EL LOCO”, una especie de folk-rock pero en plan pop-psicodélico, una gran balada, y unos toques instrumentales EL LOCO fue el primer corte que se conoció de JESSICO, y se convirtió en otros de los clásicos de la banda.

La canción 7 es “LA FOX” una especie de hard-rock, la propia banda reconoce que no es uno de los mejores temas que han compuesto, al igual que sus fans, la letra tiene una declaración a una chica. 

“TOXICA” es el tema 8 del disco, es una balada con un sonido puramente psicodélico. “YOLI” es el traks 9 de JESSICO y acá el disco se pone bélico, y su letra de narcos, puños y sustancias prohibidas.  

Lo que llega ahora es “RUBÍ”, otra muestra del cambio de la banda, y una muestra más de porque estamos hablando de uno de los mejores discos del rock nacional, pero este es un bolero y tiene ese comienzo denso y oscuro, el bajo indica la solvencia de la canción, el guitarrista apenas si acaricia su guitarra, ya lo he dicho es un bolero metido en una canción de rock. 

El penúltimo tema del disco se llama “CAMARÍN”, Una canción que habla de excesos, de la vida del rock star, es un tema clásico dentro del cancionero popular argentino, tiene esa melodía psicodélica y esas guitarras que de manera inmediata recuerdan a Pescado Rabioso los coros envueltos en miel le dan más dulzura a la canción. 

Y llegamos a la última canción, “ATOMICUM”. BABASÓNICOS parece disfrutar eso de cerrar un disco con una canción rápida, parece no importarle demasiado eso de que un gran disco se debe cerrar con una gran balada. 

Así fue Jessico y el disco del año y el disco de la discordia.

Daniel 
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lunes, 20 de enero de 2020

La música en historias: Frank Zappa y la temporada del Garrick

Frank Zappa




     En 7dias7notas tenemos devoción por Frank Zappa, esto es un hecho, no en vano ya le hemos dedicado varios espacios. En esta ocasión voy a hablar de la época en la que Zappa se mudó a Nueva York en 1967 por motivos de trabajo. Este hecho y un sinfín más de anécdotas son relatadas por el mísmo Zappa en el genial libro de sus memorias, La verdadera historia de Frank Zappa, Memorias, un magnífico libro donde nos relata en primera persona su vida y obra. Zappa para escribir este libro contó con la inestimable colaboración del escritor Peter Occhiogrosso.

     Año 1967, Frank Zappa se había mudado a Nueva york, pues había conseguido un contrato para actuar en el Teatro Garrick. El teatro, también fue conocido como Cinema Garrick, New Andy Warhol Garrick Theatre ó Andy Warhol's Garrick Cunema, estaba situtado concretamente en el número 152 de la C/ Bleecker, Manhattan (Nueva york), y durante la década de los años 60, en el sótano del teatro se ubicó el famoso local Café Au Go Go. Frank Zappa ya había tocado allí con The Mothers of Invention a finales de 1966, y a raíz de aquella actuación se les ofrece un contrato para actuar durante la semana santa de 1967. Aquella serie de actuaciones tuvieron gran acogida, por lo que se les amplió el contrato para actuar durante seis meses, motivo por el cuál acabó mudándose Zappa junto a su mujer Gail y The Mothers of Invention.

     Seis meses dan para mucho, y allí vivieron multitud de anécdotas. Había dos chicos que se hacían llamar Loeb y Leopold, y que fueron a más de treinta conciertos de los que allí dio Zappa, y a uno de ellos le encantaba correr por el pasillo y saltar al escenario, quitar el micrófono de la mano de Zappa y gritar con todas sus fuerzas, acto seguido se tiraba al escenario, se revolcaba y le pedía al mismísimo Zappa que le echara Pepsi-Cola por todo el cuerpo.

     Tuvieron días donde la cola para ver su espectáculo daba la vuelta a la manzana, y también tuvieron épocas en las que la afluencia de público era escasa. En una de esas ocasiones de escasa afluencia, en concreto la peor noche, sólo hubo tres espectadores, así que Zappa les dijo que les iban a ofrecer un espectáculo a medida, y acto seguido la banda se fue a la parte trasera del local, donde se encontraba la cocina del Cafe Au Go Go, cogieron sidra caliente y todo lo que encontraron para picar, se pusieron toallas en los brazos y simulando ser camareros se lo sirvieron a los tres espectadores y estuvieron charlando con ellos durante hora y media.

     También recuerda Frank, que en una ocasión no habría más de diez o quince personas, y a Frank y la banda se les ocurrió preguntarles si querían ser ellos la banda y cambiar el rol, y la banda pasaría a ser espectadora, a los espectadores presentes les pareció buena idea, por lo que Zappa y The Mothers of Invention se sentaron en la butacas y el público allí presente se subió al escenario y estuvieron tocando durante una hora y media.

     Queda claro que Frank Zappa no dejaba indiferente a nadie y que no era un artista convencional. Como comenté anteriormente, éstas anécdotas están extraidas de su libro La verdadera historia de Frank Zappa, Memorias, un libro más que recomendable para conocer un poquito mejor a este genio.