0056 La música en canciones: Come Softly To Me - The Fleetwoods

 

Come softly To Me, The Fleetwoods

     En 1958 Gary Troxel, Gretchen Christopher y Barbara Ellis formaban el trío de pop y doo-wop llamado The Fleetwoods, y su primer éxito no se haría esperar, su primera composición antes de formarse, mientras asisten a la escuela secundaria en olympia, Washington, (Estados Unidos).

La gestación de la canción comienza cuando los amigos Gary y Gretchen se encuentran en la escuela esperando a ser recogidos para ir a casa. En un momento dado Gary comienza a tararear algo así como "Dum, dum, domby doo wha...", entonces Gretchen se da cuenta que aquello que Gary tararea tiene la misma sucesión de acordes que una canción que acaba de escribir, "Come softly", por lo que le pide a él que reduzca el ritmo y ella comienza a cantar letra de su tema sobre el tarareo de Gary. Posteriormente ambos se lo muestran a Barbara Ellis, compañera de canto de Gretchen, a quien le gusta mucho. A partir de ahí deciden fromar un trío llamado Two Girls and Guy, que luego acabaría transformándose en The Fleetwoods.

como Two Girls and Guy interpretan el tema dos veces en vivo, en una asamblea de estudiantes de último año y en un baile posterior a un partido de fútbol, y tienen tanto éxito que los compañeros de clase y de escuela les piden copias de la canción para poder aprenderla y escucharla. El trío tardó seis meses en grabarlo, se hizo a capella, sin instrumentación, la cual se añadiría después. Como curiosidad se puede apreciar que la única percusión del tema es la originada por Gary al agitar las llaves de su coche con las manos cerradas. 

Sería el el propietario de la discográfica Dolphin Records, con la que graban el tema, Bob Reisdorf, el que les sugiere que le pongan al grupo un nombre más comercial. Acabarían llamandose The Fleetwoods porque los tres tenían la misma compañía telefónica, Fleetowood. Sería también Bob Reisdorf el que cambia el título de la canción, pues originalmente se llamaba Come Softly, y creyó que podía ser demasiado atrevido, por lo que la transformó en Come Soflty To Me. 

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0055: Frankie Avalon - Venus

 

Descubrió su afición por el mundo artístico con apenas 9 años época en la cual se inició en el estudio de la trompeta  con el propósito de convertirse en una gran  trompetista al estilo de Louis Armstrong o Harry James, los mejores exponentes del género por aquellos años, está claro que no llegó a eso pero al menos consiguió pequeñas actuaciones en los shows televisivos de Jackie Gleason  y Ray Anthony que le sirvió para convertirse en un “ídolo adolescente” a finales de la década de 1950 y principios de la de 1960, ser conocido en todo el país como cantante y posteriormente estrella de cine, especialmente en películas denominadas de "playa", tenía la estampa del vecinito perfecto, alguien muy familiar. John Wayne había sido su mentor y defensor lo que ayudó a su carrera como cantante y como actor. En verdad, Avalon probablemente era mejor actor que cantante. Dio la casualidad de que se topó con la oportunidad de cantar esta canción muy bien escrita, "Venus", en 1959 y no lo desperdició. Frankie Avalon fue considerado dentro del grupo de los llamados "Caras bonitas", del rock junto a Paul Anka, Bobby Rydells, Fabian o Ricky Nelson entre otros  por su agraciado rostro, situación que contribuía –al menos en aquella época-, de manera importante al éxito comercial de los artistas, especialmente a través de las presentaciones televisivas y actuaciones en directo, pero, como con tantas otras cosas que componían la “escena” de la música pop estadounidense a mediados de la década de 1960, el atractivo de Avalon se desvaneció con la avalancha de la invasión británica.

 

Sociológicamente, "Venus" es un reflejo de una época diferente a la nuestra, una época de valiosa inocencia, tal vez un último reflejo musical pop de la ingenuidad de la posguerra acrecentada por una excelente grabación pop. Escuchar ese clavicémbalo, y por encima de todo, deteneros en esas voces femeninas de acompañamiento de ensueño, una percusión ligera y cambiante, el ritmo inusual, una mezcla de cha-cha y calipso. Era un caramelo que eclipsó todo lo que había hecho antes y por supuesto nunca volveria a cantar otro tema como este, una canción de ídolos adolescentes que trascienda su género. La canción pasó cinco semanas en el número 1 en las listas de éxitos e incluso llegó al número 10 en la lista de R&B, un logro poco común para un cantante pop italoamericano.

0053 La música en canciones: My baby just cares for me - Nina Simone

 

Para definir la experiencia de escuchar "Little Girl Blue", el que fuera disco de debut de Nina Simone en 1959, nada mejor que el subtítulo con el que, en ocasiones, se conoce y se nombra a este disco: "Jazz como se tocaría en un exclusivo club de Side Street". La atmósfera del álbum es precisamente esa, la de un pequeño local lleno de mesas redondas, iluminadas por la luz de las velas, mientras en un pequeño escenario una banda de jazz deleita a los asistentes con, por ejemplo, My baby just cares for me, el tema más famoso del disco, y una deslumbrante pieza en las manos de una pianista por entonces veinteañera, que aún se debatía entre dedicarse al jazz o continuar con su formación como concertista clásica.

My baby just cares for me fue escrita por Walter Donaldson y Gus Kahn en 1930 para la película Whoopee!, pero fue con la versión de Nina Simone con la que se convirtió en un auténtico himno del jazz, sobre todo desde que, en 1987 alcanzara el éxito masivo al ser usada como canción para un anuncio de Chanel Nº5, y ser promocionada en su versión completa a través de un vídeo musical en "claymation" que fue dirigido por Peter Lord.​

Pero volviendo a Little girl blue, la joven e inexperta Nina vendió los derechos del disco a Bethlehem Records por tan sólo tres mil dólares, sin saber que los beneficios que acabaría generando superarían ampliamente el millón, lo que le llevó finalmente a abandonar la discográfica, descontenta con las condiciones del acuerdo y la insuficiente promoción de su primera obra. Bethlehem Records aún llegó a publicar, sin permiso de la artista, el álbum "Nina Simone and her friends" con material sobrante y grabaciones inéditas disponibles del período en el que Nina trabajó con ellos, en un último intento de explotar a la gallina de los huevos de oro, que convertida ya en ave majestuosa, desplegaría sus alas y volaría en busca de su sueño, el de escapar de la melancolía de sentirse sólo una "pequeña chica triste".

0052 La música en canciones: You are my destiny - Paul Anka

Paul Anka grabó su primer sencillo, "I Confess", cuando tenía 14 años. En 1957 fue a la ciudad de Nueva York donde hizo una audición para Don Costa en ABC, cantando lo que se creía que era un verso enamorado que había escrito a un ex niñera. En una entrevista con Terry Gross de NPR en 2005, declaró que se trataba de una chica de su iglesia a la que apenas conocía. Del pop adolescente al swing, pasando por el rock y el jazz, ha interpretado himnos imperecederos de calado intergeneracional que siguen habitando en nuestra memoria colectiva. Es el caso de «Diana» (que le convirtió en uno de los primeros ídolos juveniles de la música) «Put Your Head On My Shoulder», «Lonely Boy», «She’s A Lady», «(You’re) Having My Baby» o la mítica «My way», reinterpretación de la canción francesa «Comme d’habitude». Conviene saber que Paul Anka fue el encargado de trasformara My way en el mercado anglosajon para Frank Sinatra dándoles uno de los mayores éxitos a la voz. 

"You Are My Destiny" es una canción escrita e interpretada por Paul Anka. Fue lanzado en 1958 y alcanzó el número siete en el Billboard 100 de Estados Unidos a principios de ese año y el número catorce en la lista de R&B. La canción también fue lanzada en el Reino Unido, donde alcanzó el número seis.

La letra narra cómo le dice a su amante que es su destino ser amado porque es capaz de compartir su soledad, sus sueños y sólo un tonto rechazaría a alguien como él/ella. Un poco ñoña, o mucho, la canción ha quedado casi como un himno de esos que te gusta escuchar al lado de la persona que amas, (o imaginarte que la escuchas) a pesar que rebose el azúcar por cada nota musical. 

0051: The Twist - Hank Ballard & The Midnighters

 

The Twist, Hank Ballard & The Miidnighters

     Hank Ballard fue un cantante y compositor estadounidense de R&B, uno de los primeros artistas de Rock and roll que surgieron en al década de los años 50, y que además jugó un importante papel en el desarrollo de éste género musical, tocándolo y mezclándolo con otros géneros como rock, gospel y country. De hecho, fue el padre del popular tema llamado The Twist, que a su vez es la canción originaria del baile del  mismo nombre, que se basa en el rock and roll, y es básicamente un baile de pareja donde ésta no tiene contacto alguno mientras transcurre dicho baile.

Hank Ballard tuvo la idea de la canción al fijarse en su grupo en el escenario, The Midnighters, pues bailaban sobre él como si estuvieran tratando de apagar un cigarrillo. De ahí el título, pues en cierto modo, se movían retorciéndose y haciendo giros. El tema es grabado por Hank Ballard & The Mindnighters el 11 de noviembre de 1958, y publicado por la discográfica Cameo-Parkway Records en 1959 como cara B del sencillo Teardrops On Your Letter, que ocupa la cara A. La canción alcanzó un éxito moderado, consiguiendo el puesto número 28 en la lista estadounidense Billboard Hot 100. 

Curiosamente habría que esperar al año siguiente para que el tema consiguiera un éxito absoluto, cantado por otro artista, Chubby Checker. La canción se había hecho popular en un programa de televisión de Baltimore presentado por el presentador local Buddy Deane. Éste presentador recomienda la canción al por entonces famoso presentador del programa nacional American Bandstand, Dick Clark. Al parecer a Clark, que tiene intereses en varias discográficas, le encanta la canción, pero entre que Ballard no está disponible, y que tampoco se fía demasiado de él porque es conocido por tener varias canciones consideradas obscenas, decide buscar a alguien con la voz similar a la de Ballard. Clark realiza unas audiciones y encuentra a un joven desplumador de pollos llamado Earnest Evans, que clava el registro vocal de Ballard. En junio de 1960, el joven, bajo el pseudónimo de Chubby Checker, graba y publica bajo el sello discográfico Parkway la versión de la canción The Twist, y en julio la interpreta por primera vez en vivo en el Rainbow Club de Wildwood, Nueva Jersey. La canción rápidamente se convierte en un gran éxito, y el 6 de agosto de 1960 Chubby Checker la interpreta en el programa American Bandstand de Dirk Clark. 

La versión de Chubby Checker es prácticamente un clon de la versión original de Hank Ballard. De hecho, Ballard, la primera vez que le escuchó pensó que era él mismo quien la estaba interpretando. como hemos comentado anteriormente, el tema originó la locura por el singular baile del mismo nombre. Un baile que además de ser muy sencillo de bailar, pues no requería ninguna habilidad extraordinaria, ayudó a romper barreras generacionales, pues era bailada tanto por niños como por adultos.

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0050: Smoke gets in your eyes - The Platters

 

Que te entre humo en los ojos no es, hoy en día, una imagen demasiado placentera, pero The Platters supieron encontrarle el punto romántico a esa situación en 1958, y lo plasmaron en Smoke gets in your eyes, uno de sus singles de mayor éxito a lo largo de una carrera que iniciaron en 1953 como un grupo de cinco voces que hacían "doo wop" convencional.

Tras varias grabaciones en las que no lograron un sonido que les diferenciara de otras bandas del momento, fue Buck Ram (manager, productor y profesor vocal entre otras muchas ocupaciones, que podrían agruparse en la de gran "mentor" del grupo) el que obró el milagro y les convirtió en un grupo de éxito, utilizando sus contactos en el mercado y tomando decisiones en el seno del grupo, como la de darle la voz principal a Tony Williams, dueño de una voz muy característica y emocional, y dar un giro musical hacia el R&B. La combinación de melodías con gancho y efectivas voces logró pronto el efecto deseado en temas como "Only You", "The Great Pretender" y, sobre todo, Smoke gets in your eyes, una versión de un viejo tema escrito en 1933 por Jerome Kern y Otto Harbach.

Con el abandono del grupo por parte de Tony Williams a principios de los sesenta, comenzó el principio del fin de los Platters, que acabarían por disolverse durante esa década. Más de cincuenta años después, entraría en vigor la prohibición de fumar en locales y espacios cerrados, así que si veis que, de repente, os entra humo en los ojos, fijaros bien en quién tenéis delante porque os podríais estar enamorando, porque como dice la inmortal letra de Smoke gets in your eyes: "Cuando tu corazón arde, debes darte cuenta, el humo entra en tus ojos..."

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0049: Rama Lama Ding Dong - The Edsels

 

Conocidos hoy en día principalmente por su sencillo "Rama Lama Ding Dong", los Edsels se formaron en Ohio a mediados de la década de 1950. El grupo estaba compuesto por George Jones, Jr. James Reynolds, Marshall Sewell, Harry y Larry Greene. En un principio se llamaron The Essos, por la compañía petrolifera Esso que tenía muchos intereses comerciales en su localidad de Ohio, pero cuando los de coches Ford sacaron el nuevo modelo Edsel decidieron tomar ese nombre. Las primeras grabaciones de los Edsels fueron "Bone Shaker Joe", "What Brought Us Together", "Do You Love Me" y "Rama Lama Ding Dong", la última de las cuales se lanzó en 1958. The Edsels se convertirían en el primer grupo de doo-wop en firmar con un sello importante (Capitol), mientras que el resto de grupos encontraron éxito en sellos pequeños, pero fue "Rama Lama Ding Dong" lo que realmente puso a los Edsels en el mapa. Y esa canción resistió la prueba del tiempo y eclipsó la fama momentánea de la banda.

 

"Rama Lama Ding Dong", fue escrito por Jones Jr. y lanzada originalmente en 1957 con el título incorrecto de "Lama Rama Ding Dong". En cualquier caso, fue un éxito a nivel local pero no llegó a ningún otro lado, si exceptuamos que les permitió salir en el programa televisivo American Bandstand y que la discográfica Roulette les ficharon solo para editar una canción similar, "Rink-A-Din-Ki-Do", que fue un fracaso diluyéndo la fama del grupo. En 1961, un disc jockey local de Nueva York empezó a poner en la emisora "Rama Lama Ding Dong" ya que por aquel entonces estaba de moda una canción de The Marcels (Blue Moon) que tenía un sonido idéntico. Gracias a ese disc jockey, todo el mundo empezó a solicitar ese tema lo que llevó al relanzamiento de la canción como single. Y esta vez, "Rama Lama Ding Dong" fue lanzado en su título correcto. Desafortunadamente, los Edsels no habían seguido adelante (se disolvieron en 1961) y no pudieron aprovechar el que fue su único éxito catalogándolos como una de las primeras bandas con el sobrenombre de “One Hit Wonder” (cantante de un solo éxito). Sin embargo, hay han dejado su legado, la canción se volvió bastante influyente y ha sido objeto de varias versiones de artistas. Se ha llegado a escuchar en el Show de los Muppets, donde “Rama Lama Ding Dong” fue cantada por un gran elenco que incluía a Mark Hamill, C-3PO, R2-D2 y Chewbacca de Star Wars asi como en distintas películas y programas de televisión convirtiéndose en el paradigma del doo-wop. Fue versionada por multitud de grupos vocales entre los que cabe destacar a Rocky Sharpe & the Replays, que la auparon al número uno de las listas de media Europa en 1979, cuando estaba en todo lo alto el punk.

0045: Fever - Peggy Lee

Huérfana de madre con cuatro años, durante toda su niñez sufrió en silencio el maltrato cruel de una madrastra loca, después de que su padre se fuera del hogar. Se casó cuatro veces sin nunca dar con el amor verdadero. Tuvo que esperar treinta y seis años para que por fin un tribunal de California le diera la razón en su batalla judicial contra Disney, que le negaba royalties por la composición e interpretación de la canción principal de La Dama y El Vagabundo, He’s a Tramp (But i Love Him). Luchó toda su vida contra una salud delicada, pero en 1998 sufrió un derrame cerebral que le quitó el habla.

Peggy Lee, conocida por su entrega sensual, sincronización impecable y entonación de blues, ya se había ganado el respeto de los grandes del jazz, mientras que sus éxitos comerciales ganaron legiones de admiradores. Versátil y prolífica, se ha convertido en una de las voces más reconocidas de la era del swing, famosa por éxitos como “Why Don't You Do Right” y “It's a Good Day”, siendo esta última una de sus muchas composiciones originales. En Estados Unidos, era considerada como una de las más grandes damas del Jazz, codeándose con Ella Fitzgerald o Bessie Smith. Billie Holiday le admiraba, Duke Ellington le llamaba The Queen, Sinatra estaba permanentemente fascinado, y Dios Elvis le consideraba como una de sus principales influencias. 

En julio de 1958, casi 20 años después que empezara su carrera Peggy Lee tuvo la posibilidad de hacer una versión de un tema compuesto dos años antes por Eddie Cooley y Otis Blackwell, este último hizo muchas contribuciones al canon del rock'n'roll temprano, incluyendo "All Shook Up", "Don't Be Cruel" y "Great Balls Of Fire", entre otros. Los dos coescribieron “Fever” y fue grabado por la joven estrella de R&B y rock'n'roll Little Willie John, que tenía solo 18 años en ese momento. El original había vendido un millón de copias, pero a Peggy Lee le pareció poco y que podía tener más recorrido, hizo la canción suya, para ello adaptó la letra, quitó todo lo superfluo, quedándose solo con el contrabajo y la batería, ralentizó el tempo, le metió unos chasquidos de los dedos y le implantó una narración satírica de la que se hizo eco la Generación Beat. Lee tenia las cosas claras y vio la nueva época que se acercaba y quería tener su lugar en esta nueva era aprovechando la creciente audiencia del rock'n'roll, y consiguió que Fever fuera su éxito más grande, dejando una de las grandes canciones de la historia de la música popular y sobre todo un sofisticado espectáculo que destacó entre el mercado juvenil mientras, ya que la canción estaba llena de insinuaciones que incomodaban a los padres. Una brillante culminación de la experimentación y la excelencia del pop, “Fever” de Lee fue la voz subversiva de la sexualidad bajo el espíritu represivo de los conservadores años 50: una señal para la revolución sexual que estaba por venir.

0044: You've Changed - Billie Holiday

You've Changed es un tema del disco Lady in Satin, el último disco publicado en vida por Billie Holiday, que salió al mercado en 1958 a través de la discográfica Columbia Records. Su última grabación fue el disco Last Recording que ya vio la luz en 1959, poco después de su muerte, pero fue Lady in Satin su última obra maestra y el mejor de sus últimos discos. Tras una docena de discos para otras discográficas, no estaba del todo contenta con el sonido que había desarrollado en su carrera, y recurrió al productor Irvin Townsend y a la banda de acompañamiento de Ray Ellis para lograr su objetivo de realizar un álbum de sonido bello y delicado, en el que su voz estuviera arropada por una banda de peso y solvencia. 

Holiday lo vivió como un nuevo comienzo para su carrera, y para Ellis fue un honor que una estrella de su categoría conociera a su banda y la eligiera para la grabación del disco. Ambos se volcaron en el proyecto, y Ellis cumplió el deseo de Holiday de sentirse arropada, adaptando los arreglos de las canciones elegidas a la por entonces ya áspera voz de Holiday, dañada tras años de excesos de alcohol y drogas, y nutriendo su orquesta con con hasta cuarenta músicos, incluyendo trompas, cuerdas y una sección de coros para darle al conjunto el empaque que la ocasión requería.

Todo esto puede escucharse, y sentirse, en You've Changed, una canción escrita por Bill Carey con música de Carl Fischer en 1942. La versión de Holiday tiene la intensidad de la voz y el sentimiento de la venerada cantante, y la banda de Ray Ellis la envuelve en ese satén al que hace referencia el título del disco, meciéndola en un suave lecho orquestal, diseñado para hacer especial esta versión de un clásico que ha sido tantas y tantas veces re-interpretado.

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0043: The Everly Brothers: All I Have to Do Is Dream

 

Esta canción, que vendió más de un millón de copias, fue escrita por Boudleaux Bryant, quien era la mitad del mundialmente famoso equipo de compositores de marido y mujer, Boudleaux y Felice Bryant . Juntos, esta talentosa pareja consiguió grandes éxitos para los hermanos Everly y otros artistas, como "Bye, Bye Love", "Wake Up Little Susie” que ya hemos reseñado en el blog, vamos con la tercera:

 

Una dulce balada de rock and roll con un coro de voces extremadamente romántico y ligeramente rockero, la leyenda del country Chet Atkins toca la guitarra en la grabación. La canción se basa en la armonía cerrada de las dos voces y la perfecta coordinación de las dos guitarras, creando un efecto magnífico, siendo apoyados por un leve ritmo de batería. La letra nos habla de un amor que es un sueño, en el que tan sólo precisa soñar par tener a su amante en sus brazos, a quien quiere hasta morirse. Lo único malo es que así puede que pase su vida soñando sin dar el paso al mundo real. Para muchos All I Have to Do is Dream fue uno de los primeros ejemplos del nuevo "sonido Nashville" que dominó la música country en los años 60. La idea era eliminar todos los elementos folklóricos del country (violines, flautas, etc.) para que la música fuera más agradable para el público pop, si lo escuchas detenidamente queda claro que es formalmente una balada country clásica que ha sido afinada para adaptarse a las distintivas armonías pop de Everlys.

 

"All I Have to Do Is Dream" se encuentra entre las pistas más melancólicas y etéreas de la época dorada del rock & roll. El atractivo atemporal de su hermosa melodía la ha convertido en una de las canciones más duraderas del canon de la música pop. Ocupa el puesto 142 en las 500 mejores canciones de todos los tiempos según la revista Rolling Stones

0041: Lollipop - The Chordettes

 

Las Chordettes eran un grupo vocal femenino de Sheboygan, Wisconsin, formado en 1946 por Jinny Lockard y tres de sus amigas de la universidad. A finales de los años 40 eran asiduas al programa televisivo de Arthur Godfrey que amenizaban mediante su canto a capella hasta que en el año 1950 les llegó una oferta de una discográfica para grabar un disco. "Mr. Sandman" en 1954, fue su primer éxito, actualmente la canción es muy reconocida por una secuencia en la película Regreso a Futuro de Robert Zemeckis, este tema estuvo entre el puesto 2 y 3 de las listas de exitos durante 7 semanas. Para entonces el cuarteto estaba formado por Janet Ertel (bajo), quien se casó con Archie Bleyer, el dueño de Cadence Records, para quien ahora estaban grabando, así como la cuñada de Janet Ertel Carol Buschman (barítono), Lynn Evans (cantante principal) y Margie Needham (tenor), quien había reemplazado a Jinny Lockard en 1953. Existen dos canciones que este cuarteto de mujeres "dóciles" ha dejado para la posteridad. Digo dóciles porque en todas las fotos que se ven de ellas, no hay rasgo alguno de mujer fuerte e independiente. Era un poco pronto para ello, en los años cincuenta, las niñas pasaban a ser esposas sin poder desarrollar su vida como quisieran. 

Lollipop fue escrita por Beverly Ross y Julius Dixon. Ross ya había estado escribiendo para artistas como Bill Haley And The Comets y se estaba forjando una exitosa carrera como compositora. Tiene 186 canciones registradas con Broadcast Music Incorporated, incluyendo "Candy Man", de Roy Orbison, "Judy's Turn To Cry", de Lesley Gore y "Remember When" de los Earls.

Hay una historia interesante detrás de esta canción. Julius Dixson (quien también usó la ortografía Dixon) y Beverly Ross tuvieron una reunión importante con un editor de música. Ross llegó a tiempo, pero Dixson llegó tarde, puso como excusa de que a su hija se le había pegado una piruleta en el pelo. Como su esposa no era capaz de quitársela ya que el niño gritaba y se ponia historica, Dixson decidio que tenía que quedarse en casa hasta que la crisis se calmara. Al escuchar esta historia, Beverly Ross se sentó al piano e inmediatamente escribió esta canción, grabó una demo de la canción con Ronald Gumm, un vecino de 13 años de Dixson, bajo el nombre de Ronald & Ruby. Ruby es el seudónimo que tuvo que por razones de seguridad, los dúos interraciales estaban amenazados en aquella época.

0037: Tequila - The champs

Finales de 1957 y nos encontramos al cantautor Dave Burgess en Challenge Records intentando grabar un par de canciones bajo el sobrenombre "Dave Dupree", la popularidad de este cantante oriundo de California estaba pasando por uno de sus momentos más bajos y las radios no pasaban sus nuevas grabaciones, la situación era limite y la compañía de discos le citó y le dió una última opción para que sacara un single que por lo menos entrara en las listas de venta y no pasara sin pena ni gloria por las casas comerciales. Estaba cerca la Navidad y tenía en la recamara su última bala, decidió contactar con una banda que conocía, The Flores Trio para que lo acompañara en sus nuevas canciones que tenía preparadas para grabar. En esa sesión de grabación, Burgess y su banda de apoyo grabaron la pegajosa "Train to Nowhere,", "Night Beat" y "All Night Rock", de ellas fue la primera la única que les convenció, pero aun necesitaban un tema del mismo empuje para la cara b del single y el tiempo de grabación se había terminado, la orquesta poco a poco se fue retirando, mientras estaban esperando los músicos que quedaba se  pusieron a tocar una canción que hacia tiempo le rondaba en la cabeza al saxofonista Daniel Flores, era un gran bebedor de tequila (una bebida alcohólica que lleva el nombre de un pueblo de México donde el ingrediente clave son las margaritas, a menudo, se prepara como un trago, lamiendo sal, tomando la bebida y luego chupando una rodaja de limón)  y durante su ejecución soltaba la palabra “Tequila”, Burgess se quedó escuchando y pensó que ahí estaba la solución a su cara B.

En enero de 1958 fue lanzado el single, con muchas buenas sensaciones, era el momento preciso para volver a ser reconocidos en las radios e intentar ser invitados a la Tv. La primera medida que tomó fue dejar su nombre y junto a la banda crear “The Champs”, pero "Train to Nowhere" no tuvo una gran recepción en las radios, y estaba pasando sin pena ni gloria desde su publicación, se acercaba el fin de su carrera como músico, pero como en una película le llegó una carta donde le mencionaban que, en gran parte de Cleveland, su single era todo un éxito gracias al lado B. La salvación fue "Tequila". Poco a poco los Dj's fueron poniendo en las radios y las fiestas esa melodía extremadamente divertida y ruidosa que despegó como una bala, hasta que un 28 de marzo de 1958 la canción llegaba al número 1 del Billboard donde se mantuvo 3 semanas seguidas, la banda no se lo podía creer. Aun en este siglo XXI empieza a sonar los primeros acordes del saxofón y un inexplicable movimiento empieza a recorrer tus piernas.

0036: John Coltrane: Blue Train

 

Seguimos saliéndonos del rock, pero es que la ocasión merece la pena, estamos ante uno de los grandes discos de John Coltrane, quizás el mejor saxofonista tenor que ha dado el Jazz, nacido el 23 de septiembre de 1926 en un poblado llamado Hamlet en Carolina del Norte, su padre fue un sastre que lo motivó a tocar el clarinete. Su madre también tocaba el piano en casa, por lo que siempre estuvo rodeado de música. En 1947 John Coltrane conoció a Miles Davis y tocaron junto a Sonny Rollins en Manhattan. Luego tomaron caminos separados y Coltrane tuvo la oportunidad de tocar con uno de sus ídolos y colega de “Bird” Parker, Dizzy Gillespie. Fue en 1955 cuando volvió a reunirse con Davis hasta que la adicción de Coltrane a la heroína interfirió en su carrera. En ese periodo difícil, John hizo equipo con el pianista Thelonious Monk, a quien se refería como un “arquitecto musical de primer orden”. Sin embargo, Monk, que dirigía su propio grupo de jazz, terminó acoplándose al sonido de Coltrane. Con 32 años de edad, John Coltrane se rehabilitó en su casa, según le gustaba decir 1957 le trajo “por la gracia de Dios” un despertar espiritual que le guiaría a una vida más rica, completa y productiva cuyo primer episodio fue Blue Train que no es sólo uno de los grandes discos de Coltrane, sino uno de los más destacados del jazz de los 50 y, sin exagerar, de toda la historia del género.

 

El disco se abre con el tema que le da el título, una de las composiciones más recordadas y celebradas de John Coltrane, en la que, partiendo de una melodía de blues, desarrolla una asombrosa improvisación con sus inimitables “sheets of sound” pero, también, con Charlie Parker como principal influencia presente. En este tema participa el sexteto al completo, el trompetista Lee Morgan, el trombonista Curtis Fuller, el pianista Kenny Drew, el tono bop de Lee Morgan (que incluso tocaba con una trompeta deformada hacia arriba, como Dizzy Gillespie) y unos soberbios riffs de Paul Chambers. La música que nos ofrecen es puro jazz, con un sonido duro, pero a la vez amable al oído. Una muestra del mejor hard bop. Sus melodías ricamente líricas son instantáneamente identificables por los oyentes veteranos, así como por los aspirantes a estudiantes de saxofón. Pero las canciones del álbum también provocan vagos recuerdos incluso de aquellos no iniciados en el mundo del jazz. La icónica pista principal, uno de los temas más pegadizos de todos los tiempos de Coltrane, podría fácilmente pasar por música de fondo reconfortante en una fiesta ruidosa o servir como un acompañante de jazz para cenar en tonos tranquilos que no alterará las conversaciones a la luz de las velas.

0035: Come fly with me - Frank Sinatra

 

El 6 enero de 1958 Capitol presenta la primera colaboración entre Frank Sinatra y Billy May, (este ultimo fue culpable de que el álbum tuviera un tono agradable, divertido y acompañó de manera muy elegante a la magnífica voz de Sinatra) se publica un exquisito álbum titulado Come Fly With Me. Concebido libremente como un diario de viaje musical, el álbum mezcla atrevidos temas de swing, con exuberantes orquestaciones en las baladas más tranquilas. Entre ellas destaca la canción que da título al álbum, una legendaria y genial composición especialmente pensada para Frank Sinatra, para su voz, para la clase de swing donde más brillaba, la base, una melodía insuperable de Jimmy Van Heusen con letra de Sammy Cahn, los dos eran muy famosos en la escena musical estadounidense y muy amigos del cantante al punto de que siempre le cedían alguna que otra pieza musical para sus discos, entre las que destacaron “High Hopes" y la archiconocida "Love And Marriage”. Come fly with me fue ideada por Van Heusen y tuvo su inspiración en su pasión por volar y pilotar aviones, a la que sumó a una exótica letra, anuncia el viaje que vamos a emprender durante el album, nombrando lugares como Perú, Acapulco o Bombay. No olviden que el album incluyen títulos tan sugerentes como "La isla de Capri" ... "Claro de luna en Vermont" ... "Otoño en Nueva York" ... "En el camino a Mandalay" ... "Abril en París" ...

 

La canción es magnífica desde el crescendo de los violines que imitan el despegue y el viento haciendo un sonido que emula el de los reactores de un avión, después te deja en una agradable sensación como si estuvieras flotando a kilómetros de altura, mientras se desliza suavemente la voz incomparable de Sinatra en un swing relajado que nació para ser historia. El interludio musical, después del primer "Let's fly, let's fly away!", es un estallido que saca lo mejor de la orquesta de Billy May y que posteriormente ha sido muchas veces imitado. ¿Y qué decir de ese final? Después de "angels cheer,'cause we're together..." y el chasquido de los dedos de Sinatra, la canción se encamina hacia una conclusión con un Sinatra espectacular hasta ese culminante y sensacional "Pack up, let's fly away!". Toda una invitación irresistible.

 

No es de extrañar que “Come Fly With Me” sea un álbum tan popular. Aprovechó el optimismo de los Estados Unidos de la era Eisenhower a la perfección ... una época en la que nada era imposible y el éxito estaba ahí para tomar mientras la economía de la posguerra se aceleraba. Para el propio Frank Sinatra, este álbum también significó un hito en su carrera. Después del éxito de “Come Fly With Me”, su posición en la cima por fin estaba asegurada. Puede parecernos increíble ahora recordar a Frank Sinatra como la leyenda musical en la que se convirtió, pero había pasado por momentos difíciles.

0029: You send me - Sam Cooke

 

No pudo tener mejor ojo el malogrado Sam Cooke en la elección de su sencillo de debut. You Send Me, escrita por el propio Sam Cooke pero acreditada en un primer momento a su hermano menor para evitar que su editor se beneficiara de las ventas, fue un éxito enorme tanto en el Billboard estadounidense como en las listas de Rhythm & Blues de la época. La canción estuvo, de hecho, planteada originalmente para que fuera grabada por su hermano, pero tras grabar Cooke una primera toma de demostración, se dio cuenta de que la joya que tenía entre manos brillaría aún más con su privilegiada voz.

La versión definitiva de You Send Me se editó como single en 1957, junto a una versión del popular tema Summertime en la otra cara. Aunque You Send Me era una incógnita, y Summertime la clara apuesta de aquel single, las emisoras radiofónicas lo tuvieron mucho más claro que los asesores musicales del cantante, y acabaron casi siempre programando You Send Me en detrimento del otro tema, hasta llegar a encumbrarla en el número uno de las listas, y con ella situar al recién llegado Sam Cooke en el Olimpo de los artistas del momento.

0028: The Everly Brothers - Wake Up Little Susie

Como comentamos en un artículo anterior (Bye, bye love), The Everly Brothers fue una gran banda que se convirtieron en uno de los referentes del pre-pop y del pre-rock en los años 50, con unas melodías muy exquisitas y un particular sonido muy personal.

Wake up Little Susie fue escrita el matrimonio Bryant, responsables de su anterior éxito antes mencionado y responsables de las canciones de The Everly Brothers en los años 50. El matrimonio también hicieron temas para Bob Dylan, Elvis y Buddy Holly. Fue el primer número 1 de los hermanos Everly y se han realizado versiones maravillosas de lo que ya puede considerarse un clásico: entre ellos Simon & Garfunkel y los Rattlesnakes, un grupo que acabó evolucionando para ser Bee Gees.

Contaros que el tema fue prohibido por todas las emisoras del Boston ya que entendieron que su título “Levántate Susanita” tenía veladas referencias sexuales, ya que la canción cuenta la historia de una pareja de jóvenes que se quedan dormidos dentro de un coche en un cine al aire libre y despiertan a las 4:00 de la madrugada cuando tenian que estar a las 22:00 h en casa. La canción incide en los miedos (exagerados) de su novio, por las consecuencias de un error involuntario y aparentemente inocente como es haberse quedado dormido en un coche, un acto fortuito y no deseado que podrían consecuencias como la vergüenza, el miedo a que dirán y a quedar marcado lo que supondría una gran mancha en ellos, mentalidad total años 50 Estadounidenses, sin duda muy particular, no podemos imaginarnos una canción como está, explicándoles a tus padres que llegas de madrugada porque te has dormido en tu coche

0027: Diana - Paul Anka

Diana fue el primer éxito de Paul Albert Anka, músico y actor canadiense nacido el 30 de julio de 1941. A esta canción, con la que logró fama internacional a finales de los años 50, le siguieron otros grandes temas de la talla de "Lonely Boy", "Put your head on my shoulder" o "She's a lady", esta última popularizada en la voz de otro grande, el "Tigre de Gales" Tom Jones. Paul Anka es también el autor de la letra de "My Way" de Frank Sinatra, por lo que podría decirse, si nos ponemos muy literales, que las cosas que Frank decía hacer "a su manera", en realidad estaban hechas a la manera de Paul. Como lo estaba la canción Diana, una canción tan personal e intransferible, que aunque ha sido versionada por multitud de artistas, siempre estará dedicada a una sola Diana, la antigua niñera adolescente a la que un imberbe Anka declaraba su amor, a lo largo de los versos de esta canción eterna.

Diana nunca correspondió al joven Anka, y no sabemos si se acabo arrepintiendo, aunque solo fuera un poquito, al escuchar este tema basado en el ritmo del calypso caribeño y combinado con el del cha-cha-chá, que alcanzó  a toda velocidad los primeros puestos de las listas de ventas, tanto canadienses como norteamericanas, y que pasaría a la historia como una de las mejores canciones románticas de todos los tiempos. Paradójicamente, el jovenzuelo rechazado se convirtió, gracias a esta canción, en todo un ídolo de adolescentes, que sucumbían a los encantos de su voz aterciopelada, que rogaba desesperadamente a Diana que se quedara a su lado.

Cantantes de la talla de Elvis Presley, Caetano Veloso, Raphael o Enrique Guzmán nunca conocieron a Diana, pero no resistieron la tentación de hacer también suya esta canción e incluirla en sus repertorios, con resultados notables en la mayoría de los casos, pero sin llegar nunca a superar al original, demostrando una vez más que Diana no hubo más que una, porque solo Paul Anka podía cantarla "a su manera".

0026: The Lady is a tramp - Frank Sinatra

“The Lady is a Tramp” es una canción con música de Richard Rodgers (1902-1979) y letra de Lorenz Hart (1895-1943) compuesta para el musical Babes in Arms, que se estrenó en Brodway en 1937, con Mitzi Green y Ray Heatherton en los papeles protagonistas. “The Lady is a Tramp” parodia la alta sociedad de Nueva York y su estricta etiqueta, se canta desde una perspectiva femenina de igual manera que "My Funny Valentine" es del mismo programa y cantada por el mismo personaje. 

La letra se burla de la alta sociedad de Nueva York al retratar a una mujer fuerte e independiente con sus propias prioridades en la vida. No se preocupa lo mas mínimo de las reglas sociales que le imponen, la frivolidad o mantener las apariencias. Así, los estereotipos de la alta sociedad adinerados la etiquetan como una vagabunda (una persona bohemia o de clase baja).

Durante la década de 1950 fueron muchos los cantantes y músicos  –especialmente del mundo del jazz– que la incorporaron a su repertorio y las grabaciones proliferaron. Su éxito fue a más y el cine volvió a tenerla en cuenta al adaptar a la gran pantalla otro magnífico musical de Rodgers y Hart de 1940. La adaptación al cine se hizo en 1957, dirigida por George Sidney y con la coreografía de Hermes Pan, que contaron con un trío de excepción en los principales papeles: Frank Sinatra (Joey), Rita Hayworth (Vera) y Kim Novak (Linda). La película es mucho menos ácida que el musical original, ya que en el film Joey es cantante y Linda es una bailarina del club, y cuando Vera, celosa, obliga a Joey a despedirle pero ante la negativa de él. Linda sabiendo lo que significa el club para Joey habla con Vera diciendo que se marchará si reabre el club, pero Joey lo descubre y corre tras Linda que termina caminando junto a él. Hoy en día la versión más popular es la de Frank Sinatra en esta versión (y otras con cantantes masculinos) él está defendiendo a la mujer por ser poco convencional, aunque las grabaciones de Ella Fitzgerald, Bing Crosby, Wesla Whitfield y Mel Torme también merecen grandes elogios. Los instrumentistas tienden a acelerar el tempo incluso más que los cantantes; Stephane Grappelli, Oscar Peterson, Gerry Mulligan y Kenny Drew también han ofrecido interpretaciones superiores.

0023: The Everly Brothers - Bye Bye Love

The Everly Brothers eran hermanos (Don y Phil Everly) tal como anuncian en su nombre artístico, nacen en 1937 y 1939 respectivamente dentro de una familia de artistas country que recorrían el país dando recitales en pequeños locales. Su primer sencillo apenas tendrá repercusión, pero atrae la atención de ese genio de la guitarra que fue Chet Atkins que los apadrina y les consigue un gran contrato y el inicio de una carrera fulgurante. Bandas como The Beatles, The Hollies, The Byrds, The Mamas and The Papas o el dúo Simon & Garfunkel, reconocieron su influencia y entre las versiones más conocidas están las de Roy Orbison, Ray Charles, The Righteous Brotheres, Simon and Garfunkel, George Harrison, The Proclaimers o The Coral.

“Bye Bye Love” fue grabada en 1957 en los estudios RCA de Nashville bajo la supervisión del gran guitarrista y productor de country Chet Atkins amigo de la familia que ayudó a los Everly Brothers a conseguir su primer contrato discográfico con Columbia Records. Sin embargo, su primer sencillo, "Keep A 'Lovin' Me", fracasó y el sello los eliminó. Chet les presentó un nuevo tema compuesto por una reconocida pareja de autores, el matrimonio Felice y Boudleaux Bryant, y que llegó por casualidad a las manos de Chet Atkins después de haber sido despreciada por más de una treintena de artistas. El éxito fue impactante en gran parte debido al arreglo que el dúo le implementó con su famoso trémolo al inicio y aderezado con la perfecta armonía de sus voces, lo cual desencadenaría en el popular “Sonido Everly” creado también por sus famosas guitarras Gibson acústicas de tapa plana. El tema fue un bombazo y enseguida llegó al nº 2 de las listas Billboard USA. Fue tan rápido que los hermanos Everly, recién regresados de una gira de tres semanas a lo largo del Mississippi, se encontraron con la sorpresa de haberse convertido en los ídolos musicales de toda América.

La canción arranca con un riff de guitarra mítico que da paso a la armonía cerrada de las dos voces y la perfecta coordinación de las dos guitarras, creando un efecto magnífico, siendo apoyados por un leve ritmo de batería. La letra nos habla de un amor que ha terminado por culpa de un tercero y de la tristeza que deja.

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0022: Venus de Milo - Miles Davis

Venus de Milo es una de las canciones más destacables del disco Birth of The Cool de Miles Davis, publicado en 1957 en el sello Capitol. La historia de la canción se remonta a finales de los años cuarenta, una época en la que el apartamento de Gil Evans en la calle 55 de Nueva York era un lugar frecuentado por muchos músicos de jazz, que siempre encontraban la puerta abierta para pasar el rato improvisando con sus instrumentos. Varios de aquellos músicos (John Carisi, George Russell, John Lewis, Johnny Mandel y Gerry Mulligan) decidieron formar un grupo, y pensaron en Miles Davis como trompetista principal. Gerry Mulligan compuso la mayor parte del material para aquel grupo, incluyendo una canción llamada Venus de Milo, que acabaría formando parte del disco Classics in Jazz: Miles Davis, una primera versión, de solamente ocho temas, de lo que después sería Birth of the Cool. 

Venus de Milo es una grabación particularmente compleja, debido a la inclusión de una trompa y una tuba, instrumentos que tienen prestaciones más lentas que las del saxofón o la trompeta, por lo que fueron necesarios muchos ensayos y varias tomas para lograr ajustar toda la sección de vientos y lograr la ligereza en el ritmo que Mulligan había imaginado para la canción. Formó parte tanto de la primera versión del disco, como de la versión definitiva de 1957, ya bajo el título de Birth of the Cool, y con los once temas que se grabaron para el disco, entre los años 1949 y 1950 en los estudios WMGM de Nueva York.

La crítica trató bien a ambas versiones del disco, considerando la obra final como una de las referencias clave del jazz, creada por un Miles Davis inquieto y veinteañero, que se rodeó de solventes músicos de la efervescente escena jazz neoyorkina, para plasmar en el disco sus pioneras ideas sobre la improvisación, aplicando ese particular tratamiento a temas como Move, Jero, Budo o la ya mencionada Venus de Milo.

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