1074 - All the way from Memphis - Mott The Hoople

 

Mott the Hoople fue una banda marcada por la tragedia, pero no porque les pasara algo grave, la tragedia radica en que con demasiada frecuencia se pasa por alto si trabajo. Durante su mejor momento en la década de 1970, fueron un elemento anónimo del rock and roll, un gusto adquirido. El tiempo no les regaló nada más que un estatus de culto. Antes de ser Mott the Hoople, eran Silence, la banda de rock inglesa, compuesta formalmente por el líder Ian Hunter, el guitarrista Mick Ralphs, el organista Verden Allen, el bajista Pete Overend Watts y el baterista Dale “Buffin” Griffin, se llamó por primera vez Silence cuando se formaron en 1968, cambiaron su nombre a regañadientes a Mott the Hoople en 1969 con la promesa de un contrato discográfico. Su nombre fue tomado de una novela de 1966 del mismo nombre escrita por Willard Manus. En el libro, el personaje principal, Norman Mott, se considera un “grosero”, una palabra que el propio Manus tomó prestada de una tira cómica de un periódico llamada Our Boarding House."Hoople" es un término del argot para referirse a alguien que no lo hace bien. Consiguieron un fan en el gran David Bowie que acepto producir su álbum de 1972, Bowie también ofreció a la banda su recientemente escrita “All the Young Dudes”, una canción que se convertiría en la canción principal del álbum y en su mayor éxito.

All the Way From Memphia podría haber sido simplemente otra historia sobre una banda en la carretera que se dirige a Memphis para un concierto cuando se dan cuenta de que se han dejado us guitarras, pero Ian Hunter siempre tuvo la habilidad de no contar una historia de la manera ordinaria, y mientras menciona lo embarazoso de la situación ("¡Hombre, ese es tu instrumento!", le dice un tipo, y cuando agrega, "Me sentí tan ¡avergonzado!", se nota que no cubre ni la mitad), pronto Hunter comienza a asociarse libremente con el lento ascenso de Mott the Hoople hacia el éxito de la noche a la mañana ("De los muelles de Liverpool al Hollywood Bowl"), sus propias dudas sobre éxito ("Tu nombre se calienta mientras tu corazón se enfría") y su obstinada negativa a hacerse ilusiones sobre el estrellato del rock ("Pareces una estrella, pero todavía estás en el paro"). Pero nadie se habría atrevido jamás a argumentar que a Ian Hunter no le encantaba el rock & roll (Hunter incluido), y desde el áspero pisotón de los primeros acordes de piano (tocados por el propio Hunter) hasta el solo de saxo al final. (cortesía de Andy Mackay de Roxy Music), "All the Way From combina el rock & roll de la primera ola que hizo famoso a Memphis con la arrogancia glamorosa del rock británico de alrededor de 1973 de una manera que sólo un verdadero fan podría haber evocado.

1071.- Tubular Bells Pt.1 . Mike Oldfield

 

Tubular bells, Mike Oldfield

     Finales de la década de los 60 y principios de los 70, un joven británico llamado Richard Branson se dedica a comprar discos pirata y de saldos para luego venderlos a través de outlets o desde su coche como improvisado punto de venta, y posteriormente se dedica a venderlos por correo bajo pedido. Este joven visionario y emprendedor consigue abrir a principios de los 70 un pequeña y modesta tienda de discos en situada en Oxford Street, Londres. Poco a poco va creciendo, y su siguiente paso es comprar con los beneficios obtenidos un lugar donde instalar un estudio de grabación.

Nos encontramos en 1972, y un joven multiinstrumentista británico llamado Mike Oldfield, había compuesto con tan sólo 17 años una pieza instrumental. Oldfield había ofrecido la maqueta de su composición a varias discográficas, pero no había consguido que ninguna se interesara por ella, la razón, se trataba de una composición instrumental muy extensa, a diferencia de las composiciones de la época, lo cual no hacía su producto atractivo de cara a la venta. 

Ese mismo año, 1972, Richard Branson, que poseía ya unas cuantas tiendas de venta de discos a domicilio, funda Virgin Records, su propia discográfica junto a dos amigos más, Simon Draper y Nick Powell. El estudio de la compañía era una mansión llamada The Manor, situada en Oxfordshire, a las afueras de Londres, y era pionero en Inglaterra, pues allí las grabaciones se hacían de manera artesanal. A manos de Tom Newman y Simon Heyworth, que trabajaban por entonces en The Manor, llega la maqueta de Mike Oldfield y quedan fascinados e impresionados. Mike y Simon se la muestran a Richard Branson y hacen que éste se interese por ella. 

Richad Branson apuesta entonces por el joven Mike Oldfield, y graban la composición de éste. Al tratarse de una larga sinfonía ejecutada por multidud de instrumentos (Casi todos ellos grabados por Mike Oldfield), tuvieron problemas técnicos para poder grabarlos en The Manor, pues sólo disponian de una mesa de ocho canales para grabar todas las pistas, y tuvieron que recurrir a trucos artesanales para conseguirlo. El 25 de mayo de 1973 se publica la composición de Mike Oldfield, llamada Tubular Bells, bajo el sello discográfico de Virgin Records, convirtiéndose en el primer lanzamiento de la joven discográfica. Parte de la música de Tubular Bells también se usa para la banda sonora original de la película El Exorcista (1973), dirigida por William Friedkin. 

Tubular Bells, el primer lanzamiento de la joven compañía, se convierte en uno de los discos más vendido de la historia del rock, vendiendo más de 16 millones de copias en todo el mundo, encaramándose en las listas británicas de éxitos durante 279 semanas seguidas, y además da un espaldarazo fundamental tanto a Mike Oldfield como a la compañía, que crecerá hasta convertirse en una de las más potentes del mercado mundial.

El álbum de divide en dos partes, parte I y parte II, cada una de algo más de veinte minutos de duración. Nos vamos a centrar en la Parte I, llamada originalmente por Oldfield como "Opus One". Fue grabada durante una única semana, que era la que tenía asignada el músico en The Manor. Oldfield estaba muy interesado en comenzar la pieza con un riff repetido e ideó la secuencia de piano de apertura después, mientras experimentaba. El músico grabó el riff inicial en un piano de cola Steinway, pero tuvo problemas para tocar el tiempo, y uno de los productores, Symon Heyworth, resolvió el problema colocando un micrófono junto a un metrónomo en otra habitación y conectándolo a los auriculares de Oldfield. La breve sección de piano honky-tonk se incluyó como homenaje a la abuela de Oldfield, que había tocado el instrumento en clubes antes de la Segunda Guerra Mundial. Otro de los problemas a los que el músico se enfrentó fue a la hora de reproducir el sonido con las campanas tubulares, ya que quería una nota fuerte de dichas campanas, pero tanto los martillos estándar cubiertos de cuero como los de metal no producía el volumen que deseaba. Al final se obtuvo el sonido con un martillo de garra más pesado (usado en carpintería para clavar clavos). El martillo era tan pesado que Oldfield rompió las campanas durante el proceso. La pista se cierra con un segmento de Vivian Stanshall, miembro del grupo de rock cómico Bonzo Dog Doo-Dah Band, que presenta cada instrumento que se toca uno por uno. Al músico le gustó la forma en que Stanshall introducía los instrumentos uno por uno en la canción "The Intro and The Outro" del álbum Gorilla (1967), y le dijo al otro productor del álbum, Tom Newman, que le gustaría que Stanshall hiciera lo mismo en su álbum. Stanshall aceptó, pero dicho trabajo fue más complicado de lo que parecía, pues Stanshall olvidó los nombres de los instrumentos a incluir y los introdujo equivocadamente, por lo que Oldifeld tuvo que apuntarlos en una lista en el orden correcto para que Stanshall los introdujera en el orden correcto. La forma en que Stanshall dijo "más... campanas tubulares" a la hora de introducir los insturmentos, inspiró a Oldfield para usarlo como título del álbum, Tubular Bells y sus dos partes, Part I y Part II.

1064.- Entre dos aguas - Paco de Lucía

 

Entre dos aguas, Paco de Lucía

     En 1973 Paco de Lucía publica, bajo la compañía discográfica Fonogram, su quinto álbum de estudio, Fuente y caudal. Este disco marcará un punto de inflexión en la carrera del artista, mostrando un nivel de perfección técnica y de estilo al que ningún guitarrista flamenco había conseguido acercarse. Con este disco Paco de Lucía conseguirá alcanzar una gran popularidad y proyección tanto dentro como fuera de España, consiguiendo además acercar el flamenco a muchas personas que habían permanecido indiferentes a dicho género. Curiosamente, este disco fue un trabajo surgido de la necesidad de cumplir con el contrato con la compañía discográfica. Una vez grabado siete temas, fue añadido a última hora un último corte, una rumba semiimprovisada llamada Entre dos aguas, una obra que a la postre revitalizará el flamenco.

Entre dos aguas es una rumba flamenca instrumental compuesta por Paco de Lucía, y fue grabada con dos guitarras, paco de Lucía a la primera, y su hermano Ramón de Algeciras a la segunda, el bajo de Eduardo García y con un bongó tocado por Pepe Ébano en lugar de las tradicionales palmas que se solían tocar en las rumbas. En un principio el álbum Fuente y caudal no tuvo mucho éxito comercial, pero esto dará un giro cuando Jesús Quintero, representante de Paco de Lucía por aquel entonces, y varios periodistas más convencen a la discogáfica para que edite como single Entre dos aguas, el cual saldrá publicado como tal en 1974. Una vez editado como single, consigue vender más de 300.000 copias y permanece unas 22 semanas en los primeros puestos de las listas de ventas, llegando a ser "Single de oro" en 1976, lo que ayudará a catapultar aún más la carrera del excelso guitarrista. Al parecer, Paco se inspiró para componer la canción en otros temas: Te estoy amando locamente de Las Grecas y el tema Caramba, carambita de Los Marismeños, del cual el guitarrista era coautor. Musicalmente no es un tema trabajado con tiempo, sino una improvisación que Paco realizó en el momento de la grabación para completar Fuente y caudal, ya que el productor del disco, José Torregrosa, consideraba que el álbum estaba incompleto. 

Em definitiva, Entre dos aguas es una obra maestra y una de las canciones más influyentes en la historia del flamenco.

1059.- Book of Saturday - King Crimson

Book of Satuday, King Crimson

 

     Lark's Tongues in Aspic es el quinto álbum de estudio del grupo inglés de rock progresivo King Crimson. Este trabajo es grabado entre enero y febrero de 1973 bajo la producción del propio grupo, y publicado el 23 de marzo de 1973 por el sello discográfico Island Records en Reino Unido y Atlantic Records en Estados Unidos y Canadá. Este disco supone el debut junto al fundador Robert Fripp de cuatro nuevos miembros, el bajista y vocalista John Wetton, el violinista y teclista David Cross, el percusionista Jamie Muir y el baterista Bill Bruford. La importancia de este disco radica en su evolución de sonido, basado en la música clásica de Europa del Este y en la improvisación libre europea.

Incluido en este álbum se encuentra Book of Saturday, una de las piezas más suaves del álbum, con una letra que refleja un tono introspectivo y nostálgico en la que el John Wetton parece sumergirse en recuerdos personales, explorando la sensación de nostalgia y reflexión asociada con los sábados pasados. En contraste con otros temas del disco que son más experimentales, Book of Saturday presenta una delicada melodía con un enfoque acústico que resalta la habilidad musical y lírica de la banda. La guitarra acústica y la voz de Wetton se entrelazan para crear una atmósfera conmovedora. Destaca esta canción por su belleza lírica y su contraste con el enfoque más experimental de la banda, y por su capacidad para transmitir emociones a través de una sutil melodía, demuestrando además la versatilidad y la profundidad creativa del grupo.

1056-. Drive-In Saturday - David Bowie

 

Drive In Saturday, David Bowie

     El 19 de abril de 1973 David Bowie lanza su sexto álbum de estudio, Aladdin Sane. El disco fue grabado entre octubre, diciembre de 1972 y en enero de 1973, coproducido por Bowie y por Ken Scott, y publicado por el sello discográfico RCA Records. Bowie contó con la contribución de su banda de acompamieno, The Spiders from Mars, Mick Ronson, Trevor Bolder y Mick Woodmansey, con el pianista Mike Garson, dos saxofonistas y tres coristas. La mayoría de las canciones fueron escritas mientras Bowie viajaba por Estados Unidos y están influenciadas por las percepciones del artista sobre el país durante el viaje. En cuanto a sonido presenta un aire de glam rock más duro, y las letras reflejan las ventajas del nuevo estrellato y las desventajas, como las giras, transmitiendo imágenes sobre las drogas, el sexo, la decadencia urbana o la muerte. 

Una de las canciones que encontramos en este disco es el tema Drive-In Saturday, lanzado como sencillo una semana antes del álbum, convirtiéndose en un éxito Top 3 en el Reino Unido. El tema está fuertemente influenciado por el doo-wop de la década de los 50, y Bowie nos describe cómo los habitantes de un mundo post-apocalíptico en el futuro han olvidado cómo hacer el amor y necesitan mirar películas antiguas para ver como se hace, una mirada hacia atrás en el tiempo en toda regla. Para su composición, Bowie se inspiró en los áridos paisajes de Seattle, Washington y Phoenix, Arizona, mientras estaba de gira por el país americano. En la letra hace referencia a artistas como el cantante Mick Jagger, la modelo Twiggy o o el psiquiatra y psicoanalista Carl Jung. Originalmente la canción fue escrita por Bowie para el grupo Mott The Hoople, sin embargo fue rechazada por el grupo, lo que provocó el final de la relación profesional entre ambos, y Bowie decidió grabarla para sí mismo. Apenas unas horas después de su composición, el artista ya la estaba estrenando en el escenario, concretamente el Phoenix el 4 de noviembre de 1972.

1050.- Over the Hills and Far Away - Led Zeppelin

 

Over the Hills and Far Away, Led Zeppelin

     Houses of the Holy es el quinto álbum de estudio de la banda británica Led Zeppelin. Fue el primero en romper con la tradición del grupo de tener en el título el nombre del grupo. Fue grabado entre enero y agosto de 1972 en el estudio móvil del los Rolling Stones, y en los Olympic Studios de Londres y los Lady Studios de Nueva York. Contó con la producción del guitarrista de la banda Jimmy Page, y fue publicado por el sello discográfico Atlantic Records en 28 de marzo de 1973. Este disco marcó un cierto distanciamiento con la corriente blusera del grupo de sus anteriores trabajos, apostando por otros estilos como el reggae o el funk. De la mezcla del álbum se encargó en productor Eddie Kramer. La recepción, por parte de la crítica, del álbum en un principio fue bastante moderada, aunque posteriormente ha sido aclamado e incluido en carias listas de los mejores álbumes de la historia del rock. Comercialmente si fue un éxito desde el principio, llegando al puesto número 1 en países como Estados Unidos, Canadá, Reino Unido y Australia, además de muy buenas cifras en el resto de Europa y en Japón. 

Incluido en este disco se encuentra el tema Over the Hills and Far Away, compuesta inicialmente por Jimmy Page durante su estancia en la cabaña de Bron-Yr-Aur en Gales en el año 1970. Durante la introducción podemos escuchar una suave guitarra acústica de seis cuerdas tocada por page, que luego se entrelaza con el sonido de una guitarra de doce cuerdas, y seguidamente irrumpe la voz de Plant seguida del bajo de John Paul Jones y la batería de John Bonham, que siguen el ritmo de la canción ya a todo ritmo. La canción se llamó en un primer momento Many Many Times como muy bien aparece acreditado en la web de la banda, y evolucionó a partir de la canción White Summer de The Yairdbirds. Para la música, Jimmy Page se inspiró en su ascendencia celta, y a Robert Plant se le ocurrieron pistas de acompañamiento y luego las letras. Para dichas letras, Plant se inspiró en el libro de J.R.R. Tolkien El Hobbit y en el poema también de Tolkien Over Old Hills and Far Away, donde se describen las aventuras que emprenden los Hobbits. Esta canción también fue una de las pocas que el grupo editó como sencillo en Estados Unidos.

1047.- In Every Dream Home a Heartache - Roxy Music

 

In Every Dream Home a Heartache, Roxy Music

     For Your Pleasure es el segundo álbum de estudio del grupo de rock inglés Roxy Music. Este disco fue el último que contó con la colaboración del sintetizador del especialista de sonido Brian Eno. Fue grabado durante el mes de febrero de 1973 en los AIR Studios de Londres, fue producido por Chris Thomas, John Anthony y el propio grupo, y publicado el 23 de marzo de 1973 por los sellos discográficos Island Records y Warner Bros. Records.

El grupo pudo pasar más tiempo trabajando en el estudio, y eso se traduce en un potente material de canciones de Bryan Ferry combinado con una producción más elaborada, como es el caso de la canción que nos ocupa, In Every Home a Heartache, escrita por Bryan Ferry. En esta canción, Ferry le canta a su fantástico amante, que resulta ser un muñeco hinchable, el cual flotará muy bien en su nueva piscina de la nueva casa señorial que acaba de comprar. Estamos ante un siniestro monólogo, el cual resulta ser una crítica de la opulencia y la abundancia. En el LP original la canción era la última de la cara A y parecía desvanecerse en el ritmo final para finalmente volver a sonar. Esta canción se convirtió en una de las más icónicas y populares del catáolgo de Roxy Music, y según el propio Bryan Ferry, se inspiró en el collage del artista bvritánico Richard Hamilton llamado "Just what is it that today's homes so different, so appealing?" (Qué es lo que hace que los hogares de hoy sean tan diferentes y tan atractivos?), creado en 1956. Este collage está considerado como una de las primeras obras del arte pop. Bryan Ferry recibió clases de bellas artes en la Universidad de Newcastle de la mano de Richard Hamilton, y este artista llegó a definir al propio Bryan Ferry como su "mayor creación".

1044.- Ooh la la - Faces

 

Ooh la la, Faces

     Ooh La La es el cuarto y último álbum de la banda inglesa Faces, grabado entre septiembre de 1972 y genero de 1973 bajo la producción de Glyn Johns, y publicado en marzo de 1973 por el sello discográfico Warner Bros. Records. 

A finales de 1972, y tras los éxitos comerciales que estaban teniendo los álbumes en solitario de Rod Stewart, se había producido un distanciamiento entre el grupo y el vocalista. Los demás componentes del grupo sentían frustración por la falta de reconocimiento por parte del público ya que sentían que eran percibidos como la banda de acompañamiento de Rod Stewart más que como grupo. Por otro lado Rod Stewart se encontraba absorbido por su creciente popularidad y esto hizo que incluso se perdiera las dos primeras semanas de las sesiones de grabación de este último álbum. El productor Glyn Johns fue capaz de mantener cierta cohesión en el grupo mientras trabajaban en las sesiones de grabación a pesar de las continuas tensiones entre los miembros de la banda. Todo esto acabaría desembocando, primero, en el abandono de Ronnie Lane poco después de este álbum, y finalmente, tras una edición del directo Coast to Coast: Overture and Begineers con muy pobres resultados en 1974, y tras alguna que otra grabación para un intento de nuevo álbum, el grupo acabaría finalizando sus andanzas en 1975. 

Incluido en este último álbum de estudio se encuentra el tema que da título al disco, Ooh La La, compuesta por los miembros Ronnie Lane y Ronnie Wood. De las voces en esta canción se encargó Ronnie Wood, toda una rareza. Fueron grabadas dos versiones más, una con voces de Lane y otra con voces de Stewart, pero como ninguno quedó satisfecho con el resultado, al final fue utilizada la versión de Wood. Wood nos describe con su voz el diálogo entre un abuelo y su nieto. En este diálogo el abuelo advierte a su nieto sobre los peligros de las relaciones con las mujeres. 

Ronnie Lane posteriormente grabaría su propia versión poco después de dejar Faces en 1973: La canción presentaba unas letras ligeramente modificadas de la versión original con Faces. Dicha versión nunca fue lanzada mientras Lane vivía, pero sí fue interpretada por el músico en conciertos y programas de radio a lo largo de su carrera hasta que se retiró del negocio de la música en 1993 por problemas de salud. Rod Stewart hizo una versión también la canción en 1998 en su álbum de 1998 When We Were the New Boys como homenaje a Ronnie Lane, quien había fallecido en 1997.

1043.- International Feel - Todd Rundgren

 

International Feel, Todd Rundgren

     A Wizar, a True Star es el cuarto álbum de estudio del músico estadounidense Todd Rundgren. Este trabajo fue concenbido entre 1972 y 1973 enntre los Secret Sound Studio de Nueva York y los Advantage Studios, estos últimos sede de una única grabación, Just One Victory. El disco fue producido enteramente por Rundgren, y publicado el 2 de marzo de 1973 por el sello discografico Bearsville Records. Este cuarto trabajo marcó una desviacón de su anterior disco, Something/Anything (1972), con una menor dependencia de canciones de pop sencillas, lo que contribuyó a un avance en post de la experimentación con drogas psicodélicas y su comprensión según el artista de "como eran la múscia y el sonido en mi entorno interno, y cuán diferentes eran de la múscia de había estado escuchando y haciendo".

Tras su lanzamiento el álbum obtuvo muchos alogios por parte de la crítica, pero esto no acompañó con el tema de las ventas, pues llegó a alcanzar un modesto puesto 86 en las listas de ventas de Estados Unidos, lo que se tradujo según Rundgren en "la pérdida de aproximadamente la mitad de mi audiencia en ese momento". Aunque se negó que el disco fuera conceptual, fue concebido como un "plan de Vuelo", con todas las pistas perfectamente acopladas unas con otras, comenzado con un estado de ánimo caótico y terminando con un popurri de sus canciones favoritas. 

La primera cara del álbum se titula "The International Feel (in 8), donde se encuentra el tema International Feel. Sus temas giran radicalmente entre diferentes estados sde ánimo musicales. Nos encontramos ante un álbum donde canciones y melodías flotan dentro y fuera de una neblina post-psicodélica, y es precisamente donde se mueve International Feel, una canción conocida por su estilo psicodélico y experimental. Es una pista instrumental que combina elementos de rock progresivo y pop psicodélico, y es notable por el uso de sintetizadores y efectos de snido creativos. La canción contribuye al ambiente único y ecléctico del álbum en su conjunto. Dicho álbum es considerado uno de los trabajos más vanguardistas de Rundgren.

1037.- Time - Pink Floyd

 

Time,Pink Floyd

     Dark Side of the Moon es, por derecho propio, uno de los álbumes más icónicos y alclamados de la música, obra del grupo de rock británico Pink Floyd. El disco es grabado en dos sesiones entre el 31 de mayo de 1972 y el 9 de febrero de 1973 en los EMI Studios de Londrs, bajo la producción del propio grupo, y publicado el 1 de marzo de 1973 bajo el sello discográfico Harvest Records en Reino Unido y Capitol Records en Estados Unidos. Este fue el octavo álbumde estudio de la banda y fue desarollado durante presentaciones en vivo antes de que la banda comenzara la grabación. Concebido como un álbum conceptual, se centró en las presiones a las que se enfrentó el grupo durante su difícil y complicado estilo de vida. También abardó los problemas de salud mental del ex miembro de la banda Syd Barrett, quien había dejado el grupo en 1968.

El disco está basado en ideas exploradas en grabaciones y actuaciones anteriores del grupo, omitiendo los instrumentales extendidos que caracterizaron el trabajo anterior de la banda. Para ello usaron grabaciones multipista, bucles en cinta y sintetizadores analógicos, incluidos los experimentos con varios sintetizadores. Estamos ante un disco que se centra en la idea de la locura, explorando temas como el conflicto, la codicia, la muerte, las enfermedades mentales o el tiempo. Se encuentra entre los álbumes más aclamdos por la crítica de todos los tiempos y le dio a Pink Floyd la consagración, una gran fama internacional y una gran reputación. Este disco ayudó además a impulsar la venta de discos en toda la industria musical durante la década de los 70. 

Inncluido en este álbum se encuentra Time, la cuarta pista del disco, donde la voz principal es compartida entre el teclista Richard Wright y el guitarrista David Gilmour. Este es uno de los temas que afronta la temática del tiempo. Sorprendente y memorable es la primera vez que escuchamos la canción y oímos por primera vez la multitud de relojes sonando a todo volumen. A Roger Waters se le ocurrió la idea cuando se dio cuenta de que ya no se estaba preprando para nada en la vida, sino que estaba sin haberse dado cuenta en mitad de ella. Los sonidos reales de relojes y alarmas fueron grabados en una tienda de antigüedades realizados a modo de prueba cuadrafónica por el ingeniero Alan Parsons. Este experiemtno fue previo al disco y fue rescatado para la ocasión. Esta es la única pista del álbum que da crédito a los cuatro miembros del grupo, y sería la última en hacerlo en toda la discográfia de la banda.

1033 - Alice Cooper - Hello Hooray

1035 - Alice Cooper - Hello Hooray

La canción "Hello Hooray" de la banda Alice Cooper es un tema que destaca por su poderosa energía y su capacidad para elevar el ánimo. Con una apertura dramática y grandiosa, la pista establece de inmediato un tono teatral y emocionante. La voz distintiva de Alice Cooper se luce con su entrega apasionada y ligeramente siniestra.

La instrumentación es rica en detalles, con guitarras y teclados que se entrelazan para crear una atmósfera vibrante. La canción evoca una sensación de celebración y triunfo, con un estribillo pegajoso que invita a los oyentes a unirse en un coro de alegría. La producción cuidadosamente elaborada resalta la habilidad de la banda para crear una experiencia auditiva inmersiva.

"Hello Hooray" es un ejemplo destacado del estilo teatral y provocador de Alice Cooper, que ha influido en generaciones de músicos. Esta canción en particular captura la esencia de su capacidad para cautivar a la audiencia y llevarla a un mundo de emoción y extravagancia musical.

Daniel 

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1031.- Search and Destroy - The Stooges

 

Search and Destroy, The Stooges

     Raw Power es el tercer álbum de estudio de la banda estadounidense The Stooges. Fue grabado entre septiembre y octubre de 1972 en los CBS Studios de Londres bajo la producción de David Bowie e Iggy Pop, y publicado el 7 de febrero de 1973 por el sello discográfico Columbia Records. Para este tercer trabajo, la banda se apartó de canciones de ritmo y basadas en los sentimientos para darle un enfoque más agresivo y más pesado, tirando hacia el hard rock. Parte de este cambio vino por parte del nuevo guitarrista de la banda, James Williamson, quien coescribió las ocho canciones del disco junto a Iggy Pop. Fue lanzado bajo el sobrenombre de Iggy Pop and The Stooges, en contraste con los dos primeros álbumes, que fueron acreditados a The Stooges. Aunque el disco inicialmente no tuvo éxito comercial, con el tiempo fue ganando exponencialmente seguidores de culto y está considerado junto con los dos primeros álbumes del grupo como precursor del punk rock. 

Incluido en este disco se encuentra Search and Destroy, que fue uno de las dos canciones lanzadas como sencillo. En 2004 la revista Rolling Stone clasificó esta canción en el puesto 468 de su lista de "Las 500 mejores canciones de todos los tiempos". Fue escrita por Iggy Pop y por el guitarrista James Williamson, y su título proviene de un artículo de la revista Time que vio Iggy sobre la Guerra de Vietnam. Una potente canción con letras plagadas de referencias a la guerra, incluido el napalm, las bombas nucleares, los tiroteos o la radiación. El título es también una referencia a una táctica militar usada por el ejército estadounidense en la Guerra de Vietnam: Buscar al enemigo, destruirlo y retirarse. En una entrevista en el año 2013, el guitarrista James Williamson afirmaba sobre la canción: "Bueno, se me ocurrió un poco ese 'bum bum bum bum bum bum bum', pero se trataba más de imitar una ametralladora, por así decirlo. Porque estábamos en la era de la Guerra de Vietnam. Y entonces estábamos jugando con eso. Luego, el resto de la canción giraba en torno a eso".

En 1997 Search and Destroy junto con el resto del álbum fue remezclado y remasterizado por Iggy Pop y Bruce Dickinson, dando como resultado un tema más agresivo y sencillo que el lanzamiento original, que había sido mezclado por David Bowie. Con este tema el grupo estableció un modelo a imitar en el punk rock. Estamos ante una canción con una potente e inmejorable combinación, por un lado unas letras que nos hablan de caos, destrucción y rebeldía, y por el otro un potente riff de guitarra distorsionada, que juntos convierten esta canción en una de las más emblemáticas del punk rock.

1027.- Little Jack - The Velvet Underground

 

Little Jack, The Velvet Underground

     

     Squeeze es el quinto y último álbum de estudio de The Velvet Unerground. Este útlimo trabajo es grabado durante el otoño de 1971 en Londres, y publicado en febrero de 1973 por la compañía discográfica Polydor Records. El disco presenta a Doug Yule en la formación, quien se había unido al grupo en octubre de 1968 antes de que el grupo grabara su tercer álbum homónimo. Yule tras ls salidas de los miembros fundadores Lou Reed y Sterling Morrison, se posicionó como líder del la banda y grabó este disco con los músicos adicionales Malcolm (saxofón) e Ian Paice (batería). Tras una breve gira promocional del disco acompañado de músicos de acompañamiento, Yule decidió poner fín al grupo. El grupo volvería a aparecer en una reunión en el año 1993.

Aunque este último trabajo está considerado como uno de los trabajos menos influyentes de la banda, contiene alguna que otra notable canción, como Little jack, la canción de apertura que con un alegre ritmo nos relata la historia de un niño llamado Jack, quien ha tenido una difícil infancia, siendo ignorado hasta por su madre. A medida que crece, decide no tener ningún tipo de familiay vivir de forma libre e independiente. Squeeze es a menudo considerado como un desastre oportunista, un equivocado y descarado intento de continuar con el legendario sonido de la era Reed. Esto es así porque quizás no se han detenido a escuchar detenidamente el disco, pues tiene algunos destacables temas además de Little jack, y muestra una fase diferente y evolucionada, que puede se acertada o no, de The Velvet Underground después de la marcha de Lou Reed. Y es precisamente ese intento de evolucionar y de hacer algo diferente lo que hay que valorar en su justa medida.

1022.- Spirit In The Night - Bruce Springsteen

 

Spirit in the Night, Bruce Springsteen

     Greetings from Ausbury Park N. J. es el álbum debut de Bruce Springsteen. El disco fue grabado entre junio y octubre de 1972 en los 914 Sound Studios en Blauvelt, Nueva York, bajo la producción de Mike Apple y Jim Cretecos, y publicado el 5 de enero de 1973 por el sello discográfico Columbia Records. El éxito de este disco en Reino Unido fue tardío y a raíz de la llegada de la gira Born in the USA del Boss en dicho país e 1985, permaneciendo entre 100 primeros durante diez semanas. La revista Rolling Stone lo situó en 2003 en el puesto 379 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Springsteen y su primer mánager, Mike Apple decidieron trabajar en los 914 Sound Studios porque eran económicos y así podían ahorrar la mayor cantidad del dinero adelantado por la discográfica Columbia Records. Sobre el disco hubo un disputa, pues poco después de grabado el álbum, Apple y John Hammond preferían las canciones del mismo en solitario, mientras Springsteen prefería las canciones grabadas por la banda. Al final llegaron a un acuerdo, El disco incluiría cinco canciones con la banda y cinco grabadas en solitario. Otro de los problemas que se plantearon fue cuando el presidente de Columbia, Clive Davis, escuchó el álbum que había de ser definitivo, sentía que carecía de ningún potencial sencillo de éxito y lo rechazó. Springsteen se puso rápidamente a trabajar para salvar este escollo y poder presentar el disco y escribió Blinded by the Light y Spirit in the Night. El disco siguió adelante gracias a estos dos temas de última hora.

Nos vamos a centrar en Spirit in the Night. En ese momento gran parte de la banda tenía otros compromisos adquiridos, por lo que esta canción fue grabada únicamente por tres hombres, Vini López a la batería, Bruce Springsteen a la guitarra, bajo y piano, y Clarence Clemons al saxofón. Clarence dotó de una nueva dimensión a la música del tema. Esta es, quizás, la única canción donde la letra y la música encajan a la perfección, todo está en su sitio, el saxo de Clemons le da un aire nuevo al tema y encaja a la perfección con las letras del Boss. La letra describe a un grupo de adolescentes que va a un lugar llamado Greasy Lake, para una noche de libertad, sexo y bebida. Grasy Lake es un lago situado cerca de Howel, Nueva Jersey, y debe su nombre a que, al parecer, las personas que vivían alrededor y que no tenían hogar acudían allí para bañarse, lavar los platos, etc. Esas personas sin hogar eran conocidas como Gypsy Angels (Ángeles gitanos) o Spirits in the Night (Espíritus en la noche). Las letras de la canción también hacen un guiño al poema Crazy Jane del poeta irlandés William Butler Yeats.

1019 - Bruce Springsteen - Blinded by the Light

1019 - Bruce Springsteen - Blinded by the Light

"Blinded by the Light" es una canción del influyente artista Bruce Springsteen, que ganó reconocimiento especialmente en su versión interpretada por la banda británica Manfred Mann's Earth Band. Esta canción se lanzó en 1976 como parte del álbum "The Roaring Silence".

La canción es conocida por su pegajosa melodía y letras poderosas que exploran temas de identidad y la lucha por encontrar un camino en la vida. La letra narra la historia de un joven que se enfrenta a las incertidumbres y desafíos de la vida adulta, pero también transmite un mensaje de esperanza al sugerir que, a pesar de los obstáculos, siempre existe una luz al final del túnel.

La instrumentación de la canción es enérgica, con guitarras eléctricas y teclados que se combinan para crear un sonido distintivo. La interpretación apasionada de Manfred Mann's Earth Band, junto con la voz única de Bruce Springsteen, contribuyen a hacer de esta canción una experiencia auditiva memorable.

"Blinded by the Light" ha perdurado a lo largo de los años como una canción que capta la esencia del rock 'n' roll y aborda temas universales de la vida y la búsqueda de significado. Esta canción es un ejemplo del talento perdurable de Bruce Springsteen y su capacidad para conectar con las experiencias humanas a través de la música.

Daniel 

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1018 - Many Rivers To Cross - Jimmy Cliff

Many Rivers To Cross, Jimmy Cliff

  

     El 7 de julio de 1972 se publica The Harder They Come, un álbum de Jimmy Cliff, y que resulta ser la banda sonora de la película del mismo nombre. El disco, que abarca géneros como el ska, el reggae o el rocksteady ( estilo musical surgido a mediados de la década de los 60 en Jamaica, sucesor del ska, y que fue el estilo musical dominante en Jamaica durante casi 2 años), es publicado por el sello discográfico Island Records. La película fue dirigida por Perry Henzell y protagonizada por el mismo Jimmy Cliff, sin embargo la banda sonora fue de largo mucho más famosa y tuvo mucho más impacto que la película, pues se dice que fue dicha banda sonora la que trajo el reggae al mundo. En el año 2021 La Biblioteca del Congreso de Estados Unidos consideró que el álbum era "cultural, histórica o estéticamente significativo" y lo seleccionó para su conservación en el Registro Nacional de Grabaciones.

Incluido en este álbum se encuentra la canción Many Rivers To Cross, escrita allá por el año 1969 por Jimmy Cliff, y que a lo largo de su historia ha sido grabada por multitud de artistas, incluidos Harry Nilson, John Lennon, Joe Cocker, Percy Sledge, Little Milton, Desmond Dekker, UB40, Cher, Eric Burdon & The Animals, Linda Ronstadt, Annie Lennox, Bryan Admas o Jimmy Barnes entre otros muchos. Jimmy Cliff tenía 25 años cuando escribió y grabó la canción, y sobre ella afirmó que escribió la canción debido a los problemas que estaba teniendo para convertirse en un artista de éxito después de haberlo alcanzado en su Jamaica natal desde los 14 años. Sobre su llegada al Reino Unido también afirmaba: "Cuando llegué al Reino Unido, todavía era un adolescente. Llegué lleno de vigor: lo lograré, estaré allí arriba con los Beatles y los Stones, Y en realidad no fue así, estaba de gira por clubes, sin abrirme paso. Estaba luchando con el trabajo, la vida, mi identidad, no podía encontrar mi lugar; la frustración alimentó la canción". 

Cliff cuando escribió la canción estaba trabajando para su segundo álbum para Island Records, pero la retuvo porque no creía que una balada fuera apropiada en este trabajo, hasta que llegó a Nueva York para mezclarla y añadirle sobregrabaciones. Es una de las únicas pistas en las que Cliff utiliza un órgano, lo que ayuda a darle una sensación de gospel junto con los coristas del tema. La canción originalmente fue publicada en su tercer álbum de estudio, titulado Jimmy Cliff en 1969. Pero donde alcanzó verdadero impacto fue en su inclusión en 1972 en la banda sonora de la película del mismo nombre, The Harder They Come. La canción fue clasificada por la revista Rolling Stone en el puesto 325 de su lista de las "500 mejores canciones de todos los tiempos". 

Many Rivers To Cross es un imperecedero viaje a través de la resliencia, pues se ha convertido por derecho propio en todo un himno a la perseverancia y la resiliencia. Las hermosas letras nos relatan el conmovedor viaje de una persona que enfrenta numerosos desafíos y obstáculos en la vida. El protagonista se encuentra metafóricamente innumerables ríos, soportando adversidades de todo tipo y buscando un lugar de consuelo. La canción es un pilar fundamental de la historia, pues junto a la banda sonora de la película, atrajo la atención internacional hacia el género reggae. No estamos ante una canción más, estamos ante un viaje, un himno a la resiliencia del espíritu humano ante las adversidades, da igual donde te encuentres, pues la canción te dará consuelo sin importar el lugar y te guiará a través de los desafíos de la vida.

1015.- You're So Vain - Carly Simon

You're So Vain, Carly Simon

     No secrets es el tercer álbum de estudio de la cantautora estadounidense Carly Simon. Este trabajo fue grabado en los Trident Studios de Londres bajo la producción de Richard Perry, y publicado el 28 de noviembre de 1972 por el sello discográfico Elektra Records. Para la portada se utilizó una fotografía tomada por el fotógrafo, ilustrador y diseñador gráfico estadounidense Ed Caraeff, y fue tomada frente al hotel Portobello, en Stanley Gardens en Nothing Hill de Londres. El disco llegó a situarse en el puesto número 1 de la lista estadounidense Billboard 200 durante cinco semanas.

Incluido en este disco se encuentra su sencillo principal, You're So Vain, que permaneció también en el puesto número 1 de la listas de ventas estadounidenses durante tres semanas. La canción fue escrita por la propia Carly Simon, y es una balada que a través de su pegajosa melodía nos narra la historia de una relación pasada. La letra refleja la decepción y el desencanto de la cantante hacia un amante egocéntrico y vanidoso. Carly relata la arrogancia de su ex pareja y como esta actitud narcisista conduce al fracaso de la relación. 

La canción, a lo largo de su historia, está rodeada también de cierto misterio. Un misterio que viene por la incertidumbre de saber quien es el verdadero destinatario de la canción. A lo largo de los años han sido muchas las apuestas y las teorías sobre la identidad de esta persona. Una identidad que Carly ha mantenido en secreto durante décadas, y que no ha hecho más que añadir más misterio a la canción. Entre la multitud de teorías existentes, las más populares sobre quién inspiró la canción incluyen nombres como Warren Beatty, Mick Jagger o James Taylor (esposo de Carly en aquel momento). Durante todos estos años, Carly ha ido dando pistas vagas sobre la identidad de esta persona, pero nunca ha revelado quien es el protagonista de la canción.

You're So Vain se ha mantenido como un himno atemporal de la música pop y ha sido objeto de numerosas interpretaciones y versiones de otros muchos artistas. El atractivo y éxito de la canción radica en el misterio de la identidad del protagonista sumado a la pegajosa melodía y a unas letras que abordan temas como el amor, la desilusión y la vanidad.

1011.- Walk On The Wild Side - Lou Reed

 

Walk On The Wild side, Lou Reed

     Transformer es el segundo álbum estudio del artista estadounidense Lou Reed. Dicho trabajo fue grabado en agosto de 1972 en los Trident Studios de Londres, bajo la producción de Mick Ronson y de David Bowie, y publicado el 5 de noviembre de 1972 por el sello discográfico RCA Records. Aunque su primer álbum tuvo cierto éxito, sería con Transformer cuando le llegaría el verdadero éxito, ya que este trabajo se convertirá con el tiempo en todo un himno del glam rock. Al igual que su primer disco, Transformer contiene canciones que Reed había compuesto mientras estaba en la formación Velvet Underground. Mick Ronson y David Bowie apostaron por producir Transformer ya que ambos habían sido influenciados por el trabajo de Reed en Velvet Underground. Bowie llegó a incluir notas en la portada de su disco Hunky Dory que hacían referencia al grupo de Reed, y  Mick Ronson, además de coproductor, colaboró en el disco como arreglista y músico de sesión tocando varios instrumentos.

Incluido en este álbum se encuentra todo un himno atemporal donde Reed nos habla de ese Nueva York del que nadie se atreve a hablar. Ese Nueva York al que los travestis se dirigían en busca de algo de fortuna y acababan ejerciendo la prostitución, todo un paseo por el lado salvaje de la ciudad. La canción no puede ser otra que  Walk On he Wild Side, Cada verso de la canción introduce un nuevo personaje, están Holly Woodlawn, Candy Darling, Joe Dallesandro, Jackie Curtis y Joe Campbell. Todos los personajes, al igual que Reed,  son compinches de la fábrica de Andy Warhol. Reed sentía empatía por todos estos personajes de la canción ya que el mismo estuvo luchando con su sexualidad durante la mayor parte de su vida. Sus padres incluso intentaron "curar" su homosexualidad cuando era joven. Según el propio Reed, fue la novela de Nelson Algren de 1956, A Walk on the Wild Side, la que le inspiró para crear la canción, y mientras avanzaba en la composición fue incorporando personajes de su propia vida. La canción también puede ser una alusión a la película Walk on th Wild Side de 1962, de Mack David y Elmer Bernstein, basada en la novela de Algren. 

Lo que está claro es que la canción no es solo uno de los buques insignia de Reed, es todo un himno generacional y atemporal que toca temas por entonces tabú como el de las personas transgénero, las drogas, la prostitución masculina o el sexo oral.

1009.- Mama Weer All Crazee Now - Slade

 

Mama Weer All Crazee Now, Slade

     Slayed? es el tercer álbum de estudio del grupo británico, pionero del glam rock, Slade. Fue grabado bajo la producción de Chas Chandler, y publicado en noviembre de 1972 por el sello discográfico Polydor Records. El disco llegó a alcanzar el puesto número uno en las listas de ventas del Reino Unido, permaneciendo en dicha lista nada menos que 34 semanas. También se convirtió en el disco más exitoso del grupo en Estados Unidos de la década de los 70, llegando a alcanzar el puesto 69 en dicho país y permaneciendo durate 26 semanas. En el año 2001fue incluido en el libro 1001 álbumes que debes escuchar antes de morir, y en el año 2010 la revista especializada Classic Rock consideró Salyed? como un "clásico esencial", incluyendo además que la grandeza y majestuosidad de este disco residía en las baladas melancólicas.

Incluido en este álbum se encuentra Mama Weer All Crazee Now, lanzada como sencillo principal del álbum. La canción llegó a alcanzar el puesto número uno en las listas de sencillos del Reino Unido, permaneciendo en dicha lista durante diez semanas. Esta fue la primera canción que el bajista Jim Lea escribía por su cuenta, siendo la letra escrita por Noddy Holder, quien se inspiró al ver el escenario después de un concierto en Londres y observando el estado en el que habían quedado los asientos, al borde del destrozo. Entonces pensó que todos debían haber estado como locos aquella noche, lo que le sirvió de inspiración. La canción se tituló originalmente My My We're All Crazy Now, el cual fue cambiado por su mánager Chas Chandler, y el error ortográfico intencional que aparece se convirtió en una marca registrada del grupo, mucho antes incluso de que Prince hiciera algo similar.

1008.- Reelin' in The Years - Steely Dan

 

Reelin' In The Years

     En noviembre de 1972 la banda de rock estadounidense Steely Dan lanza su álbum debut, Can't Buy a Thrill. El disco es grabado en los estudios The Village Recorder de Los Angeles, California, bajo la producción de Gary Katz, y publicado en agosto de 1972 bajo el sello discográfico ABC Records. Está considerado uno de los discos más eclécticos de la banda, merced a su mezcla de sonidos que abarcan, soft rock, folk rock, jazz-rock y pop, y a unas letras muy filosóficas. El disco alcanzó un notable éxito comercial, llegando a alcanzar el puesto número 17 en las listas de ventas de Estados Unidos.

Este disco es el único que presenta a David Palmer como vocalista, ya que fue reclutado después de que Donald Fagen expresara su preocupación a la hora de cantar en directo. Fagen fue convencido posteriormente para que asumiera el papel de vocalista principal en los siguientes discos. Estamos ante un disco con aroma a suave rock en el que se entremezclan otros elementos como el mambo, el swing, el jazz y los elementos latinos. En cuanto al título del álbum, es una referencia a la primera línea de la canción de Bob Dylan It Takes a Lot to Laugh, It takes a Train to Cry. La portada del disco presenta un fotomontaje realizado por Robert Lockart que incluye una imagen de una fila de prostottas paradas en una zona de Rouen, Francia, esperando clientes. Esta portada fue prohibida en España y sustituida por una fotografía de la banda tocando en concierto. 

Incluido en este álbum se encuentra Reelin' in the Years, que fue lanzada como segundo sencillo del disco. La canción llegó a alcanzar el puesto número 11 en la lista estadounidense Billboard Hot 100, y el puesto número 15 en las listas de Canadá. La canción nos habla sobre recordar momentos con una novia y también trata de una ruptura romántica. Curiosamente, este tema está dentro del estilo de canciones más populares de la banda, pero de las que menos gustaban a la banda, que la consideraban como una canción tonta pero eficaz. 

Steely Dan era conocido por su meticuloso trabajo con el sonido, cada nota debía ser perfecta. Esta canción a veces a sido criticada precisamente por eso, por incluir música convencional de los 70 demasiado pulida. El sólo de guitarra fue grabado por el músico de sesión Elliot Randall, que no era miembro del grupo y que había pasado por el estudio por invitación de Skunk Baxter mientras estaban grabando. Acabó tocando el solo de guitarra y fue grabado en una sola toma. La mezcla cuadrafónica de esta  canción tiene rellenos de guitarra solista adicionales de Elliot Randall que no se escucha en la versión estéreo de dos canales. En 1999, en la revista Classic Rock, el guitarrista Jimmy Page llegó a catologar el solo de Randall como su solo favorito de todos los tiempos.