lunes, 9 de octubre de 2023
1012 - Lou Reed - Satellite of love
domingo, 8 de octubre de 2023
1011.- Walk On The Wild Side - Lou Reed
Walk On The Wild side, Lou Reed |
Transformer es el segundo álbum estudio del artista estadounidense Lou Reed. Dicho trabajo fue grabado en agosto de 1972 en los Trident Studios de Londres, bajo la producción de Mick Ronson y de David Bowie, y publicado el 5 de noviembre de 1972 por el sello discográfico RCA Records. Aunque su primer álbum tuvo cierto éxito, sería con Transformer cuando le llegaría el verdadero éxito, ya que este trabajo se convertirá con el tiempo en todo un himno del glam rock. Al igual que su primer disco, Transformer contiene canciones que Reed había compuesto mientras estaba en la formación Velvet Underground. Mick Ronson y David Bowie apostaron por producir Transformer ya que ambos habían sido influenciados por el trabajo de Reed en Velvet Underground. Bowie llegó a incluir notas en la portada de su disco Hunky Dory que hacían referencia al grupo de Reed, y Mick Ronson, además de coproductor, colaboró en el disco como arreglista y músico de sesión tocando varios instrumentos.
Incluido en este álbum se encuentra todo un himno atemporal donde Reed nos habla de ese Nueva York del que nadie se atreve a hablar. Ese Nueva York al que los travestis se dirigían en busca de algo de fortuna y acababan ejerciendo la prostitución, todo un paseo por el lado salvaje de la ciudad. La canción no puede ser otra que Walk On he Wild Side, Cada verso de la canción introduce un nuevo personaje, están Holly Woodlawn, Candy Darling, Joe Dallesandro, Jackie Curtis y Joe Campbell. Todos los personajes, al igual que Reed, son compinches de la fábrica de Andy Warhol. Reed sentía empatía por todos estos personajes de la canción ya que el mismo estuvo luchando con su sexualidad durante la mayor parte de su vida. Sus padres incluso intentaron "curar" su homosexualidad cuando era joven. Según el propio Reed, fue la novela de Nelson Algren de 1956, A Walk on the Wild Side, la que le inspiró para crear la canción, y mientras avanzaba en la composición fue incorporando personajes de su propia vida. La canción también puede ser una alusión a la película Walk on th Wild Side de 1962, de Mack David y Elmer Bernstein, basada en la novela de Algren.
Lo que está claro es que la canción no es solo uno de los buques insignia de Reed, es todo un himno generacional y atemporal que toca temas por entonces tabú como el de las personas transgénero, las drogas, la prostitución masculina o el sexo oral.
sábado, 7 de octubre de 2023
1010.- You Turn Me On I’m a Radio - Joni Mitchell
Joni Mitchell es una de las intérpretes más veneradas e influyentes de su tiempo, pero su prodigiosa producción contiene muy pocos éxitos en las listas, en gran parte porque no escribió canciones del gusto popular aunque tiene varios álbumes clásicos en su haber y quizás sea mejor conocida por su melancólica obra maestra Blue , seguramente uno de los mejores álbumes de cantautores en una época repleta de ellos, pero un año después, escribió y grabó el subestimado For the Roses, una mirada íntima y poética a la desaparición de una pareja de celebridades, décadas antes de que Internet hiciera tan transparentes los altibajos de tales relaciones.
You Turn Me On, I'm a Radio' nació por el interés de su discografica por conseguir un éxito y, si bien carece de estribillo o ganchos obvios, la tematica de la canción que habla sobre locutores y emisoras de radio, lo que la ayudó a obtener una gran difusión. El tema se incluiría en el álbum For The Roses de Mitchell de 1972 y fue lanzado como el primer sencillo del LP y fue el primer gran éxito de Mitchell, alcanzando el puesto 25 en el Billboard Hot 100 y entre los diez primeros en su Canadá natal. Con una duración ordenada de 2:40, contiene una introducción de 19 segundos, lo que les da a los locutores mucho tiempo para hablar sobre la canción (¡y mencionar ese increíble título que tanto les gustaría) la canción cumplió su objetivo y se convirtió en el primer éxito Top 40 de Mitchell en Estados Unidos como artista. Había llegado a las listas como compositora, con la versión de Judy Collins de "Both Sides Now" en el puesto número 8 en 1968 y la versión de Crosby, Stills, Nash & Young de "Woodstock" alcanzando el puesto 11 en 1970. Graham Nash, David Crosby y Neil Young participaron en las sesiones de la canción, pero en el lanzamiento final solo se utilizó una parte de armónica de Graham Nash. La letra de la canción es una metáfora en la que la narradora se compara con la radio de un automóvil y una estación de radio, con la esperanza de complacer a su oyente La estación siempre está ahí para servirle y, aunque no siempre tenga una señal clara, sabe lo que usted quiere escuchar, esta emisora de radio también podría verse como otra metáfora de una persona que también busca agradar. Vale la pena indicar que la canción se parece a "You've Got a Friend", una canción que recientemente había sido un éxito número uno para James Taylor (de quien algunos escritores han sugerido que es la persona a la que se dirige este tema)
martes, 3 de octubre de 2023
1006.- Sweet Surrender - Tim Buckley
Greetings from L.A. es una oda al desmoronamiento cínico en Los Ángeles post-hippie, y las intensas lecturas de sus letras encapsuladas, a menudo inmaculadas, logran superar la escasa producción y los deslices en la aceleración del ritmo, por raros que sean. Una síntesis perfecta entre lo social y lo personal, la mentira y la verdad absoluta, el sexo y la desesperación, el vals de la guitarra acústica y los shakedowns de órgano y conga. Sin mencionar la inminente proposición edípica del hecho de que la palabra "¡mamá!" aparece al menos cien veces en este mismo disco. Lástima que la mayor parte de la comunidad indie nunca reconocerá esto como lo que es y seguirá aferrándose a a la dulce juventud de Tim, o, Dios no lo quiera, a su hijo. Después de todo, muchas personas consideran que muchos temas como la revolución sexual y California son demasiado abstractos e inadecuados para una existencia con gafas y suéteres, en cuanto a los demás, desahoguen su sexo sin sentido, esta es la herramienta elegida por el señor Tim Buckley y mas si se encuenta acompañado de el guitarrista de Cokefiend, Joe Falsia, un verdadero genio, déjame decirte que las guitarras de "Hong Kong Bar" en realidad respiran una fusión inaudita de folk, blues y boogie rock (piensa en esta última frase), y "Sweet Surrender". serpentea de manera tan inteligente y, al mismo tiempo, tan apasionada que está completamente más allá de toda descripción: un número de crooner ampliado más allá de toda medida, mezclado con ritmos latinos y adoración a la tecnología de los 70 sintetizada, y estas son las dos pistas que no son funk.
Y esta ultima canción, Sweet Surrender es la que vamos a destacar, vo tenía un amigo que sabía mucho de música, especialmente jazz, blues, música clásica y material para depresivos (Radiohead, Muse, etc.) y Tim Buckley. Un día voy a su casa y al cruzar el umbral de su puerta escucho los cánticos de música suave con una voz que me congela directamente. Por supuesto, con la curiosidad que tengo, le pregunté qué era, me dice el color y luego le digo que me acaba de matar, una vez más. ¡¡¡Me presentó a TIM BUCKLEY, nada menos que al Sr. Tim Buckley!!!. La canción que sonaba era Sweet Surrender. Se me erizaron los pelos de los brazos, provocando escalofríos por todo el cuerpo, y no voy a exagerar al decir que se me llenaron los ojos de lágrimas y lloré. ¡Era la segunda vez que me pasaba esto desde Nina Simone! Era magnífico ! Yo, fanático del punk, del hard metal, de los pogos y de otras agitaciones preadolescentes, allí descubrí otra naturaleza escondida en mí. Emocionalidad a través de la calma musical, la trascendencia vocal. Esta canción es LA canción, el asesino sin nombre que debes haber escuchado al menos una vez en tu vida, sentado tranquilamente, con los ojos cerrados o con los ojos mirando al frente y durante los 6'50 de la canción, la película de tu vida. Pasa, tus recuerdos resurgen, tu sensibilidad está al límite, la nostalgia llama a la puerta de tu corteza. Sensación única, sensación abrumadora. Experiencia única.
domingo, 17 de septiembre de 2023
0990.- Dama, dama - Cecilia
Evangelina Sobredo vivió una infancia cargada de traslados, durante su niñez, su padre, diplomático de profesión, estuvo destinado en Gran Bretaña, Estados Unidos, Portugal y Jordania. Desde pequeña se aficionó a la música, simultaneando el español y el inglés en sus canciones y primeras composiciones a su regreso a España, estudia la carrera de Derecho en la universidad madrileña conoce al pope del folk español, Joaquín Díaz, este le pone en contacto con otros dos músicos importantes: Nacho Saenz de Tejada y Julio Seijas, que formaban parte de Nuestro Pequeño Mundo y Aguaviva respectivamente. Juntos graban un single en 1970 bajo el nombre de Expresión pero aquella aventura apenas dura unos meses. En el descanso de una actuación en la sala JJ en la que hacía coros para Canarios, toma el micrófono y canta su tema “Portraits and pictures”, la escucha Tomás Muñoz, director de la CBS, recién instalada en España y la ficha inmediatamente y cambia su nombre por el de Cecilia en honor a un tema de Simon & Garfunkel, muy en boga por aquellas fechas.
La canción "Dama, Dama" de Cecilia retrata la vida de una mujer que aparenta ser una esposa obediente y cumplidora, que se ajusta a las expectativas sociales y principios religiosos. Las letras la describen como alguien que sigue el tercer mandamiento (presumiblemente "Recuerda el día de reposo para santificarlo") y mantiene una fachada adecuada como buena madre y esposa con una educación religiosa. Sin embargo, debajo de esta apariencia bien comportada, se esconde un deseo oculto de independencia y libertad. La frase "Y si no fuera por miedo, sería la novia en la boda" sugiere que si no fuera por el miedo, ella rompería con sus circunstancias actuales y elegiría su propio camino, simbolizado por ser la novia en una boda. Esto implica que ella se siente atrapada o limitada en su matrimonio. Las letras también mencionan que ella es amante de un "vividor", que puede interpretarse como un hombre que vive a costa de los demás o lleva un estilo de vida despreocupado. Esto podría simbolizar su anhelo de una relación más apasionada y emocionante, en contraste con su papel de esposa obediente de su esposo. A lo largo de la canción, las letras la retratan como una mujer que se esfuerza por ser más que solo una esposa y madre. Se la describe como una ávida lectora y escritora, expresando su lado intelectual y su deseo de ser creativa, incluso si va en contra de las normas de la sociedad. Sin embargo, sus intereses y ambiciones pueden ser considerados anticuados o pasados de moda, resaltando las limitaciones impuestas sobre ella. Éste era un tema bastante sorprendente para la época. Contaba muy ácidamente las miserias y las alegrías de una mujer de la aristocracia de entonces, se trataba de un mundo que conocía perfectamente, ya que la carrera diplomática de su padre la había puesto de sobrados antecedentes. “Dama, dama”, al margen de una letra que bien podría formar parte de cualquier selectiva antología de poesía social del siglo XX, es una de esas sencillas canciones perfectas con los que uno se topa de tarde en tarde. El tono airado de la voz de la cantante contrata con la suave cuerda y el ritmo comedido del acompañamiento. Los arreglos de Juan Carlos Calderón también ayudan lo suyo a la brillantez de uno de los temas más conocidos de su década. Las dos canciones de este disco pequeño formaron parte del LP “Cecilia” (CBS, 1972) que consagraría a su autora.
Cecilia es parte de la mejor historia de la música española. Su sensibilidad, su rebeldía, su dulce protesta feminista y sus composiciones inolvidables la convierten seguramente en la más grande cantautora que ha dado nuestro país. La universalidad de sus músicas y de sus letras se pone de manifiesto cuando vemos que artistas tan dispares como Manzanita, Mocedades, Julio Iglesias, Fangoria, Rocío Durcal, Manolo Tena, Le Mans, Rosario Flores y un largo etcétera han grabado sus composiciones.
jueves, 31 de agosto de 2023
0973.- Love's enought - David Ackles
David Ackles sólo hizo un total de cuatro álbumes, entre 1968 y 1973. Sus compañeros compositores Elton John y Elvis Costello se preguntan por qué su música no es más conocida. Costello describió una vez la falta de reconocimiento como un “misterio”. También se aseguró de reconocer a Ackles como una de sus principales influencias en su discurso de incorporación al Salón de la Fama del Rock and Roll en 2003. Quizás la música de Ackles, producto de la influencia combinada de las melodías de los espectáculos de Broadway, Jacques Brel, Brecht y Weill, el music hall inglés y el naciente movimiento de cantautores del sur de California no estaban lo suficientemente de moda. Ackles comenzó su carrera como compositor como compositor de Elektra Records, pero sus canciones eran tan únicas e idiosincrásicas que simplemente no funcionaban para otros artistas. El legendario jefe de Elektra, Jac Holzman, sugirió que Ackles hiciera sus propios álbumes, y el sello lanzó su debut homónimo en 1968. El lanzamiento tuvo un éxito de crítica, pero poco reconocimiento público, y se publicó un segundo álbum, Subway to the Country de 1970 . , corrió la misma suerte.
American Gothic fue su tercer trabajo un album de 11 piezas organizado en torno al tema "buscar América", en este caso, el redescubrimiento de uno mismo a través de la contemplación de la América rural en desaparición. Los sonidos musicales del álbum son brillantemente eclécticos y están ordenados con total precisión formal. Las principales influencias de la música de Ackles son Kurt Weill y Aaron Copeland, quienes para Ackles representan, respectivamente, la actualidad descarada y la búsqueda mítica. Como cantante, Ackles se sitúa a medio camino entre el folk y la comedia musical, dado que su fuerza vocal es modesta y su estilo de canto muy sencillo, a menudo emplea un discurso modificado para dramatizar sus letras. Para algunos puede sonar cursi, pero para mí funciona ya que el impulso hacia el melodrama está prácticamente controlado, aun así estamos ante una obra de un genio y que en gran medida no esta reconocida, uno de los álbumes estadounidenses más pasados de moda e intransigentes de todos los tiempos. Ackles pinta un retrato colorido y poético de Estados Unidos, una obra de teatro inquietantemente oscura filtrada a través de la sensibilidad melódica de un compositor, elaborado capa tras capa, se revela más como una obra dramática que como un lanzamiento de rock o pop convencional, basándose en compositores clásicos estadounidenses modernos como Charles Ives y Aaron Copland, y con apariciones determinates de gospel, rock, blues y soul. Imagine un álbum de arte folk que une la apasionada narración de Woody Guthrie y las orquestaciones de Kurt Weill, ademas hay una tensión extraña entre las letras dolorosamente reminiscentes, las vidas tranquilas y desesperadas de la masa media y las melodías llamativas y vibrantes, salpicadas de algo de disonancia al estilo de Scott Walker. Ackles parece empatizar profundamente con la situación y denigrarla (y, sí, es una situación difícil; la pobreza rural es profundamente entristecedora y, desafortunadamente, de alguna manera no cumplió con la agenda de corrección política) de los habitantes de tierras agrícolas desperdiciadas y dependientes. Ackles tiene una agenda y la logra, la pregunta es si el oyente está de acuerdo. En mi caso, no siempre, pero a veces esto es profundo y es fenomenal cuando lo hace.
Love's Enough es quizas su cancion más sobria, la que menos os va a costar y luego podeis seguir dando pasos, es un tema que podría haber sido editado por cualquier artista de cualquier época con sólo cambios mínimos en los arreglos y la producción para hacerlo adecuado a su época. En los años ochenta, sus tambores cepillados casi inaudibles habrían sido reemplazados por tambores enormes-súper-mega-gigantes-que-golpean-en-una-cueva. En los años cincuenta podría haber contado con la atención de Gordon Jenkins o Nelson Riddle, aun asi esta cancion te hubiera tocado la fibra la escuches como la escuches...
lunes, 28 de agosto de 2023
0970 - Van Morrison - Saint Dominic's Preview
0970 - Van Morrison - Saint Dominic's Preview
"Saint Dominic's Preview" es una cautivadora y enigmática canción del cantante y compositor norirlandés Van Morrison. Lanzada en 1972 como la pista principal de su álbum homónimo, la canción se ha convertido en un ícono del género del rock y ha dejado una huella significativa en la música contemporánea.
La canción se distingue por su intrincada mezcla de estilos musicales, fusionando elementos del rock, blues y jazz, todo ello respaldado por la distintiva voz de Van Morrison. La interpretación apasionada y emotiva del artista agrega una capa adicional de profundidad a la pista, logrando transmitir una amplia gama de emociones a lo largo de sus más de seis minutos de duración.
La lírica de "Saint Dominic's Preview" es notablemente poética y evocadora, característica típica de las composiciones de Van Morrison. El tema de la canción parece girar en torno a una exploración introspectiva y mística, con referencias crípticas a diversos aspectos de la vida y la espiritualidad. La narrativa se desarrolla con un sentido elusivo, lo que permite a los oyentes interpretar y conectar con la canción de manera personal, a medida que se sumergen en sus enigmas líricos.
Musicalmente, la canción se despliega en una serie de cambios de tempo y dinámicas, lo que aporta una sensación de viaje sonoro a lo largo de su ejecución. Los músicos acompañantes de Van Morrison aportan su destreza en la instrumentación, contribuyendo a la atmósfera enigmática y atractiva de la pista.
"Saint Dominic's Preview" ha sido aclamada por la crítica y es considerada como una de las obras maestras de la carrera de Van Morrison. Su capacidad para fusionar géneros y su profundidad lírica han dejado una impresión duradera en la música contemporánea y en la audiencia que sigue descubriendo su obra.
En conclusión, "Saint Dominic's Preview" es una canción fascinante que encapsula la destreza artística de Van Morrison y su habilidad para trascender géneros musicales. Su lírica enigmática y emotiva interpretación hacen que esta pista siga siendo relevante y disfrutable incluso décadas después de su lanzamiento, lo que demuestra el impacto perdurable de la obra de este legendario músico.
Daniel
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domingo, 27 de agosto de 2023
0969 - Van Morrison - Jackie Wilson Said (I'm in Heaven When You Smile)
0969 - Van Morrison - Jackie Wilson Said (I'm in Heaven When You Smile)
En la historia de la música, hay canciones que perduran en el tiempo y siguen deleitando a generaciones. "Jackie Wilson Said (I'm in Heaven When You Smile)" es una joya atemporal del legendario cantante y compositor norirlandés Van Morrison. Lanzada en 1972 como parte de su álbum "Saint Dominic's Preview", esta canción ha dejado una huella indeleble en el mundo musical gracias a su mezcla distintiva de ritmos, suavidad vocal y letras encantadoras. En esta reseña, exploraremos los aspectos destacados de este himno musical y su influencia duradera en la industria.
"Jackie Wilson Said" se inicia con una melodía contagiosa y alegre que, desde el primer acorde, invita al oyente a unirse a este viaje musical. La habilidad de Van Morrison para fusionar elementos del jazz, R&B y rock and roll se hace evidente en esta canción, creando una fusión única y atractiva de estilos. El ritmo animado y el ritmo pegajoso invitan a la gente a moverse y cantar al unísono, haciendo de esta pieza un clásico inolvidable en el repertorio de Van Morrison.
La voz distintiva de Van Morrison es el ingrediente clave que hace que esta canción sea tan especial. Su entrega suave y emotiva transmite una sensación de calidez y felicidad, lo que concuerda perfectamente con el título de la canción. La manera en que Van Morrison expresa la lírica es encantadora, transmitiendo un sentimiento genuino de amor y alegría. Su estilo vocal único ha sido una influencia significativa para muchos artistas posteriores, y es un aspecto que ha dejado un impacto duradero en la música popular.
La composición lírica de "Jackie Wilson Said" también merece mención. La canción está inspirada en el famoso cantante de soul Jackie Wilson, y en sus letras, Van Morrison celebra el poder del amor verdadero para elevar el espíritu humano y ofrecer un estado de felicidad divina. La analogía de estar en el cielo cuando el ser amado sonríe crea una imagen emotiva y romántica, lo que la convierte en una canción atemporal para enamorados y soñadores por igual.
El legado de "Jackie Wilson Said" es innegable. A lo largo de los años, esta canción ha sido versionada por numerosos artistas de diferentes géneros, lo que demuestra su relevancia continua en el panorama musical. Además, ha sido incluida en diversas bandas sonoras de películas y programas de televisión, reafirmando su estatus como un clásico imperecedero.
"Jackie Wilson Said (I'm in Heaven When You Smile)" de Van Morrison es una obra maestra musical que ha resistido el paso del tiempo. Su encantadora combinación de ritmos, la voz distintiva de Van Morrison y su emotiva lírica hacen de esta canción un tesoro para la música en general. Con su poder para levantar el ánimo y transmitir un mensaje de amor y felicidad, esta pieza continúa resonando con oyentes de todas las generaciones. Van Morrison ha dejado un legado imborrable con "Jackie Wilson Said", y su influencia en la música sigue siendo admirada por artistas y seguidores en todo el mundo.
Daniel
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martes, 15 de agosto de 2023
0957.- Elegía - Joan Manuel Serrat
Miguel Hernández Gilabert, nace el 30 de octubre de 1910 y muere el 28 de marzo de 1942, de tuberculosis, (31 años), cuando estaba preso por el gobierno español, después de la guerra civil española. Sus padres eran campesinos; en 1925 obligan a Miguel para que deje la escuela a los 15 años para que siga los pasos de su padre y se convierta en pastor. Situación que no acepta, se hace autodidacta, y a los 23 años después de un fracaso que lo fortalece, vuelve a Madrid donde comienza a mostrar sus poemas, allí conoce a poetas de la altura de Pablo Neruda. Quien será su amigo y mentor. Haciendo que su poesía sea más de corte social y comprometida con los pobres.
Miguel Hernández escribió tal vez, la "Elegía" más grande elegía de la literatura española del siglo XX, dedicada a Ramón Sijé, el amigo con el que había mantenido una relación estrecha desde los primeros años y del que de una manera gradual había ido separándose hasta el momento en que el poeta viaja a Madrid y conoce a algunos miembros de la generación del 27 y a Pablo Neruda, estando alli, Ramon Sijé fallece demasiado joven, pero quien fue ese amigo. José Ramón Marín Gutiérrez -Ramón Sijé- (Orihuela,1913 - 1935) fue un escritor, vecino de niño, amigo de Miguel Hernández, y admirador entusiasta de su obra poética. Compartieron ideales políticos y literarios: Ramón fue ferviente católico, defensor de la República y, al principio, compartieron ambos ideario falangista. Miguel publicaría sus poemas en la revista El gallo en crisis (subtitulada libertad y tiranía) que fue un proyecto literario de Ramón Sijé que desde el catolicismo tenía una actitud crítica con la realidad del momento (1934-35). En 1935 la ideología de Miguel Hernández cambia de rumbo (en 1936 se afiliaría al Partido Comunista de España) y empieza su relación con el entorno de Pablo Neruda que le influiría para considerar su relación con Ramón como un lastre. En esa época comienza a colaborar con las Misiones Pedagógicas de la Institución Libre de Enseñanza. Ramon Sijé murió el 13 de diciembre de 1935 en Orihuela al enfermarse de una infección intestinal, que le produjo una septicemia que le infectó el corazón a la edad de 22 años. Su amigo del alma, al enterarse de su fallecimiento, le escribió este hermoso poema en su memoria, que está dentro del libro El rayo que no cesa (1936), a modo de último homenaje. Se puede decir que es un poema que exalta la emotividad, leyéndolo puedes recrear en ti las emociones que Miguel estaba sintiendo, su entristecimiento. A demás, se puede experimentar propiamente, muchas personas habrán tenido recientemente un fallecimiento, ya sea de un amigo, o de alguien querido, al cual no le habías expresado tu afecto. La música que se le añade posteriormente por Joan Manuel Serrat recrea un ambiente de dolor todavía más profundo.
En 1972 Joan Manuel Serrat estrenó su noveno álbum, titulado Miguel Hernández y dedicado por entero a sus poemas. Gracias a este disco muchos pudieron conocer la figura de este poeta perseguido y muerto por una dictadura que, cuando este disco salió, daba sus últimos coletazos. Serrat popularizando la poesia castellana como ningún interprete antes había hecho. Y tanto en este caso como en el de Antonio Machado impulsó de una manera impensable el conocimiento, cuanto menos superficial, de estos grandes poetas y a muchos nos abrió el camino de la lectura poética más allá de ponerle "tonillo" a los versos. Impecable, por cierto, la adaptación musical que hace Serrat en este y en otros casos de modo que hace indisoluble, a quien lo escuchó, la letra del poema y la música que lo acompaña.
lunes, 14 de agosto de 2023
0956 - Joan Manuel Serrat - Nanas de la cebolla
0957 - Joan Manuel Serrat - Nanas de la cebolla
"Nanas de la cebolla" es una canción icónica del reconocido cantautor español Joan Manuel Serrat, que ha cautivado a oyentes de diferentes generaciones desde su lanzamiento en 1969. Esta emotiva melodía, basada en el poema homónimo del poeta y dramaturgo Miguel Hernández, no solo destaca por su belleza musical, sino también por la profundidad y la carga emotiva que encierra.
La canción comienza con unos acordes de guitarra suaves y melancólicos, que establecen una atmósfera nostálgica desde el primer momento. La voz de Joan Manuel Serrat se desliza por las estrofas con delicadeza y pasión, transmitiendo la angustia y el sufrimiento que impregnan las letras del poema original. Su interpretación es sencilla pero llena de intensidad, permitiendo que la poesía y el mensaje se conviertan en los protagonistas indiscutibles de la canción.
"Nanas de la cebolla" aborda la realidad dolorosa de una madre que llora la pérdida de su hijo debido a la miseria y la opresión social. Las metáforas poéticas utilizadas por Miguel Hernández para describir esta situación se entrelazan con maestría en la composición de Joan Manuel Serrat, generando un impacto emocional profundo en quienes escuchan la canción. Cada verso es una bofetada de realidad que nos hace reflexionar sobre las injusticias y las desigualdades sociales que aún persisten en nuestro mundo.
La habilidad de Serrat para capturar la esencia de la poesía de Hernández y transformarla en música es admirable. La melodía fluye con elegancia, respetando el ritmo y la cadencia de las palabras, y otorgando a la canción una fuerza adicional. Los arreglos musicales son sutiles, permitiendo que la voz de Joan Manuel Serrat brille y que el mensaje llegue directamente al corazón de quienes escuchan.
"Nanas de la cebolla" es una obra maestra que trasciende el tiempo y las fronteras. Su mensaje sobre la injusticia social y el sufrimiento humano sigue siendo relevante en la actualidad. A través de esta canción, Joan Manuel Serrat y Hernández nos invitan a reflexionar sobre la importancia de la empatía y la lucha por un mundo más justo.
"Nanas de la cebolla" es una joya musical que nos conmueve y nos invita a la reflexión. La combinación de la poesía de Miguel Hernández con la sensibilidad interpretativa de Joan Manuel Serrat crea una experiencia artística inolvidable. Esta canción demuestra el poder de la música y la poesía para transmitir emociones y despertar conciencias. "Nanas de la cebolla" es una obra atemporal que merece ser escuchada y apreciada por todos aquellos que valoran la belleza y la profundidad en la música.
Daniel
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domingo, 13 de agosto de 2023
0955.- Para la libertad - Joan Manuel Serrat
domingo, 23 de julio de 2023
0934.- The Kids - Lou Reed
The Kids, Lou Reed |
En octubre de 1973 aparece publicado el tercer álbum de estudio del músico estadounidense Lou Reed, Berlin. El disco es grabado en los estudios Morgan de Londres y los Record Plant de Nueva York, bajo la producción de Bob Ezrin, quien además colabora en el álbum tocado el piano, el mellotron y con los arreglos. Berlin es publicado bajo el sello discográfico Rockart Records.
Berlin es un álbum conceptual que nos relata la historia de la lucha de una pareja contra la adicción y el abuso de las drogas. Estamos ante una opera rock muy oscura que gira en torno a dos bohemios drogadictos. La portada del disco fue concebida por Pacific Eye & Ear, quien también se encargó del diseño de Muscle of Love de Alice Cooper ese mismo año. Las primeras líneas líricas de Berlin se muestran debajo de una collage donde aparecen los personajes de este trabajo conceptual.
Inicialmente la recepción de la crítica ante este álbum fue mixta, hay quien lo consideró un gran trabajo, y quien lo catalogó como un desastre, como la revista Rolling Stone en su momento. Sin embargo, con el tiempo este disco ha ido cogiendo fuerza e importancia, hasta el punto de ser catalogado por la misma Rolling Stone, quien lo defenestró en su momento, en el puesto 344 de su lista de los "500 mejores álbumes de todos los tiempos" en el año 2012.
En su debut, alcanzó el puesto número 7 en las listas del Reino Unido, sin embargo en Estados Unidos consiguió muy bajas cifras, llegando únicamente al puesto número 98 en sus listas de ventas. Todo esto hizo que Lou Reed se sintiera muy desilusionado con el disco.
Incluido en este álbum se encuentra The Kids, una canción que habla de una madre a la que las autoridades le quitan a sus hijos. No hay nada peor para una madre, quien en la siguiente canción, The Bed, acaba quitándose la vida en la cama donde fueron concebidos los niños. El productor Bob Ezrin usó a sus propios hijos, David y Josh, para los sonidos de los niños llorando y gritando por su mamá. Hay una leyenda urbana, que no deja de ser precisamente eso, que dice que Bob les dijo a sus hijos que su madre había muerto para que los niños se sintieran devastados y se notara en la grabación. Esta canción contiene una última curiosidad, el grupo británico The Waterboys tomó su nombre de una línea de la canción: "And i am the water boy, the real game's not over here" (Y yo soy el chico del agua, el verdadero juego no esta aquí).
sábado, 22 de julio de 2023
0933.- Caroline Says II - Lou Reed
viernes, 21 de julio de 2023
0932 - Lou Reed - Berlin
lunes, 17 de julio de 2023
0928.- Pink Moon - Nick Drake
Nicholas Rodney Drake nació el 19 de junio de 1948 de padres Molly y Rodney Drake en Yangon Myanmar cuatro años después del nacimiento de su hermana Gabrielle Drake. Poco después en 1950 se mudaron a Inglaterra, Warwickshire donde Nick viviría el resto de sus días hasta su fallecimiento el 25 de noviembre de 1974 a la edad de 26 años. La causa de la muerte fue una sobredosis de Tryptizol vendido bajo la marca Amitriptyline, que es un antidepresivo que le recetaron a Nick para combatir sus crecientes problemas de salud mental. No se ha resuelto si su muerte fue un suicidio intencional o un error devastador, pero citando a su hermana Gabrielle Drake, ella "prefirió que muriera porque quería ponerle fin a su vida a que fuera el resultado de un trágico error". Y creo que la mayoría estaría de acuerdo.
En octubre de 1971, Nick Drake se acercó al productor John Wood, el hombre que diseñó a Bryter Layter y comenzó a trabajar en su último álbum, Pink Moon es Nick Drake en su forma más cruda y vulnerable, no queda ni rastor de la amplia gama de instrumentación y orquestación que definió sus 2 álbumes anteriores, solo se trata de la voz de Nick, su guitarra y, en la canción principal de apertura, su piano. Este álbum es una aventura seria en la mente de un músico brillante y talentoso que enfrenta dificultades extremas, para muchos la mente es el lugar más difícil para estar, y esa es una de las mejores cualidades de este álbum: la capacidad de relacionarse y cómo la música puede hablarle al alma. Hay un momento en el disco devastador cuando dice. "Ahora soy más oscuro que el mar más profundo". 'mostrando cómo la depresión puede arruinar a una persona y su perspectiva de la vida, su perspectiva deprimida le hace ver cómo son realmente las cosas y está deprimido por eso y sus pensamientos y estado de ánimo son oscuros. Otra letra que se te clava es aquella en la que dice "Puedo tomar el camino que me llevará a través", siempre he interpretado esta letra como una declaración de despedida del camino que lo verá. Nick se ve a sí mismo como una carga para los demás y nada más que un parásito repugnante este siendo enfatizado aún más en la línea 'puedes verme en la tierra', esta puede ser otra alusión al suicidio y estar bajo tierra, también podría significar que se siente muerto por dentro e inútil para quienes lo rodean sintiéndose como si estuviera mejor muerto. A principios de 1972, después del lanzamiento del álbum, Nick sufrió una crisis nerviosa y fue ingresado en un hospital psiquiátrico durante 5 semanas, su ex psiquiatra creía que podría haber tenido esquizofrenia
La canción de apertura 'Pink Moon', comienza con una alegre y hermosa melodía de guitarra seguida por la voz relajante y magníficamente inquietante de Nick cantada en un rango clásico de barítono. él canta sobre una luna rosa y cómo todos sucumbiremos a ella, esto se demuestra en la línea 'La luna rosa los atrapará a todos'. La luna rosa de la que habla podría aludir a la muerte y podría presagiar su propia muerte. Drake tranquiliza al oyente con acordes agradables y letras repetitivas, deja que la audiencia se deleite en una ola de tranquilidad. La falta de otros instrumentos nos permite conectarnos directamente con Drake, casi como si estuviéramos en la misma habitación que él. Se siente personal, como si te estuviera contando un secreto: "Una luna rosa está en camino". Esta pista se usó en un anuncio de Volkswagen que impulsó la popularidad de Nick y aumentó sus ventas de discos en los EE. UU. de solo 6.000 a 74.000 para el año 2000. En febrero de 1973, Drake se puso en contacto con el ex productor Wood y le dijo que estaba listo para trabajar en su cuarto álbum de estudio. La sesión inicial se realizó en julio de 1974. Luego, el 25 de noviembre de 1974, falleció, su cuerpo fue incinerado y sus cenizas puestas debajo de un roble en la iglesia. Nick Drake vivirá a través del arte que creó durante su breve vida y seguirá impactando a millones con su música.
sábado, 15 de julio de 2023
0926.- Time in a bottle - Jim Croce
domingo, 9 de julio de 2023
0920.- Heart of gold - Neil Young
sábado, 8 de julio de 2023
0919.- Harvest - Neil Young
Harvest, Neil Young |
El 1 de febrero de 1972 Neil Young publica su cuarto álbum de estudio en solitario, Harvest. El disco es grabado entre varios estudios de Nashville, Londres y California, bajo la producción de Elliot Mazer, Henry Lewy, Jack Nitzsche y el propio Neil Young, y publicado bajo el sello discográfico Reprise Records. Young contó con la Orquesta Sinfónica de Londres para grabar dos pistas y con las voces de invitados de la talla de David Crosby, Grahamn Nash, Linda Rondstadt, Stephen Stills y James Taylor. El álbum llegó a encabezar las listas de ventas en Estados Unidos en la lista Billboard 200 durante dos semanas.
después de la separación de Crosby, Stills, Nash & Young, Young reclutó un grupo de músicos de sesión, que bautizó como The Stray Gators, y grabó un disco enfocado hacia el country rock. El disco resultó ser un auténtico éxito y cogió con la guardia baja al músico, que reaccionó de primeras alejándose del estrellato. Incluido en este disco se encuentra la pista Harvest, que al parecer fue escrita por Young inspirándose en su por entonces novia, la actriz Carrie Snodgress, cuando ambos estaban hasta arriba de ácido. Young le pedía a su novia que le diera detalles sobre su madre Carolyn, que era una mujer alcohólica que solía fingir suicidarse para llamar la atención y así probar constantemente el compromiso y amor de sus hijos. Harvest es una canción donde Young expresa su culpa por no poder aceptar y corresponder todo el amor que una mujer quiere darle. el músico siempre ha defendido que este subestimado tema es una de sus mejores canciones.
sábado, 1 de julio de 2023
0912.- Me & Julio Down By the School Yard - Paul Simon
Una cosa que Paul Simon comenzó a investigar inmediatamente después de que terminaron sus años con Art Garfunkel en 1970, fue la exploración de los estilos musicales del mundo. Desde el principio, tenemos "Mother and Child Reunion" de estilo reggae, "Me and Julio Down By the Schoolyard" que presenta instrumentación brasileña en su enfoque latino similar a la samba. En "Duncan", Simon presenta a Los Incas, el grupo musical andino que apareció en Bridge Over Troubled Water previamente. Estas tres canciones serían los primeros sencillos de la carrera en solitario posterior a Garfunkel de Paul Simon.
" Me And Julio Down By The Schoolyard" no necesita
justificaciones, esta en el Top ten de canciones del año 1972, y mirando las
listas de éxitos de ese año, creo que eso habla por si solo. El significado
detrás de uno de los éxitos en solitario mas recordado de Paul Simon, menudo es
difícil de ubicar, una valiente melodía popular, llena de inocencia juvenil y
plagada de imágenes que se remontan a la propia adolescencia de Simon, donde cuenta
una historia, pero al mismo tiempo no cuenta nada. ¿Hay algo que no ame en esa
canción? ¿De qué trata la letra? ¡No tengo ni idea! Y, sin embargo, esas
imágenes oscuras son tan hermosas, tan infantiles como parece ('Lo que vio tu
mamá / esta fuera de la ley'). Juventud e inocencia, silbando una melodía que
se te quedó grabada mientras volvías de la escuela a casa. Encantadora, aunque
a veces sin sentido, deja muchas preguntas sin respuesta como "¿Qué vio
mamá exactamente?" y "¿Por qué es contra la ley?" Pero la
belleza de la canción está en su ambigüedad, que ofrece a los oyentes la
libertad de crear su propia narrativa a partir de la melodía. La canción sigue
a dos niños, el narrador de la canción y su presunto amigo, Julio, se supone
que uno o ambos están en algún tipo de problema, cada vez que se menciona el
nombre del narrador, mamá escupe en el suelo y papá dice: "si consigo a
ese niño / lo pondré en la casa de detención".
Terminar una canción simplemente tocando los mismos tres
acordes de siempre pero más fuerte. Para mí, la genialidad más cautivadora
proviene de la forma en que Paul trabaja de tres maneras diferentes para que se
cante el título de la canción: si vas a cantar algo tres veces, el
procedimiento habitual es usar una estructura ABA, donde el la primera y la última
repetición son iguales. En cambio, opta por un tipo de estribillo ABC, donde la
última línea de la canción se siente totalmente inconclusa, muy ambivalente en
cuanto al estado de ánimo. Tanto ABA como ABB se habrían sentido como
resoluciones claras, pero ese último 'nos vemos a mí y a Julio en el patio de
la escuela' es... un cambio tan preciso y genial en la forma habitual de
proceder que llama la atención. (Ah, y Simon también logra la pronunciación
correcta del nombre 'Julio'. Eso es tan elegante que no hace falta decirlo).
miércoles, 7 de junio de 2023
0888 - Neil Diamond - I am I said
"I Am... I Said" es una canción icónica del cantante y compositor estadounidense Neil Diamond. Fue lanzada en 1971 como parte de su álbum "Stones". La canción destaca por su emotiva letra y la poderosa interpretación vocal de Neil Diamond, convirtiéndose en uno de sus mayores éxitos.
La letra de "I Am... I Said" refleja la sensación de soledad y desorientación de un individuo en busca de su lugar en el mundo. Neil Diamond canta sobre un sentido de desarraigo y una búsqueda interna de identidad. La frase repetitiva "I am... I said" (Yo soy... dije) se convierte en un estribillo pegadizo y se convierte en el leitmotiv de la canción, reforzando el tema central.
La melodía de la canción es melancólica y evocadora, con un piano y una guitarra acústica que brindan un acompañamiento sencillo pero efectivo. La voz distintiva de Neil Diamond transmite una profunda emoción y vulnerabilidad, capturando la angustia y la determinación del narrador mientras lucha con su propio sentido de identidad y propósito.
"I Am... I Said" ha perdurado en el tiempo como una de las canciones más memorables de Neil Diamond. Su resonancia emocional y la habilidad del cantante para transmitir sus sentimientos de manera auténtica la han convertido en un clásico atemporal. La canción ha sido interpretada en conciertos y continúa siendo apreciada por sus seguidores, ya que se conecta con la experiencia humana universal de buscar un sentido de pertenencia y autenticidad.
"I Am... I Said" es una poderosa balada de Neil Diamond que explora temas de identidad y búsqueda de propósito. Con una melodía emotiva y una interpretación vocal conmovedora, la canción ha dejado una huella duradera en la música popular y sigue siendo admirada como una de las obras maestras de Neil Diamond.
Daniel
Instagram Storyboy