Canciones que nos emocionan: Because The Night, Patti Smith

 

Beacause The Night

     En octubre de 1977 Bruce Springsteen se encierra en los Record Plant Studios para preparar y grabar el que supondrá su cuarto álbum de estudio, Darkness On The Edge Of Town. Durante esas sesiones graba el tema Because The Night, un tema compuesto por él, Pero no queda contento con el resultado. Bruce había comenzado a escribir este tema en 1976, pero no acababa de encontrar la letra apropiada, además se encontraba en medio de una batalla legal con su mánager, por entonces Mike Appel, lo que le impidió grabar durante casi tres años.

Por otro lado, en un estudio contiguo se encuentra Patti Smith grabando su tercer disco de estudio, Easter. Se da la circunstancia de que el productor Jimmy Iovine se encuentra trabajando con los dos artistas con sus respectivos discos. Jimmy conoce perfectamente el trabajo de Bruce y Patti, y cree que Because The Night le puede ir como un guante a Patti, por lo que se pone manos a la obra y consigue convencer a Bruce para que le de una copia a la cantante. 

Una vez que Patti tiene la copia de la canción de Bruce, escribe la letra en Nueva york mientras espera por la noche la llamada de su novio Fred "Sonic" Smith, quien era miembro fundador de la banda de rock MC5 y vivía en Michigan. Patti y Fred solían hablar por teléfono aproximadamente una vez a la semana, siempre por las noche, pues las tarifas telefónicas eran más baratas. La noche en cuestión, Patti, mientras esperaba la llamada de turno, al ver que no llegaba, cogió la demo de cassette que Bruce la había dado y se puso a escribir unas bonitas letras de amor que describía su amor anhelante por Fred en aquel momento, "El amor es un anillo, el teléfono". Fred se retrasó aquella noche, pero acabó llamando.

El tema se convirtió en un auténtico pelotazo, el mayor éxito en la carrera de Patti Smith, una rareza dentro de su carrera, pues su música siempre fue dirigida a un público y una audiencia más reducidos. El tema, con letra de Patti, fue interpretado por primera vez en Nueva York el 30 de diciembre de 1977 por Bruce y Patti juntos. Bruce Springsteen solía comenzar los conciertos de apertura de la gira Darkness Tour interpretando el tema con su propia letra. 

Bruce plasmó este tema únicamente en dos grabaciones, la primera en el box set  Live / 1975-85, donde Patti Smith figura como coguionista, y en el álbum recopilatorio lanzado en 2010 The Promise, donde Bruce usa la grabación original que hizo durante las sesiones de Darkness On The Edge Of Town, pero usando la letra que hizo Patti. 

Eh, What's, what's, what's 51?

(Gay rights)

What is that mean?

Does that mean that we can be happy and gay?

Well, I'm for nigger rights myself

I'm for, I'm for, eh, what's that, what's that thing we're for?

We're for, eh, making a billion dollars!

No, say, we gonna make a billion dollars and buy the Fillmore East and the Fillmore West

Turn it into a restourant for people over 33

I'm gonna be there sooner than you think

Common, America

Patti!

Take me now baby here as I am

Pull me close, try and understand

Desire is hunger is the fire I breathe

Love is a banquet on which we feed

Come on now try and understand

The way I feel when I'm in your hands

Take my hand as the sun descends

They can't hurt you now

Can't hurt you now, can't hurt you now

Because the night belongs to lovers

Because the night belongs to love

Because the night belongs to lovers

Because the night belongs to love

Have I doubt when I'm alone

Love is a ring, the telephone

Love is an angel disguised as lust

Here in my bed until the morning come

Come on now try and understand

The way I feel when I'm in your bed

Take my hand as the sun descends

They can't touch you now

Can't touch you now, can't touch you now

Because the night belongs to lovers

Because the night belongs to love

Because the night belongs to lovers

Because the night belongs to love

With love we sleep

With doubt the vicious circle

Turn and burns

Without you, oh I cannot live

Forgive, the yearning burning

I believe it's time, too real to feel

So touch me now, touch me now, touch me now

Because the night belongs to lovers

Because the night belongs to love

Because the night belongs to lovers

Because the night...

Because the night belongs to lovers

Because the night belongs to love

Because the night belongs to lovers

Because the night belongs to love

Because the night

Un país, un artista: Brasil - Caetano Veloso

 

Para el capítulo de "Un país, un artista", dedicado a Brasil, tenía claro que sólo podía ser Caetano Veloso el elegido, y no soy precisamente lo que se dice un experto en música brasileña, más bien todo lo contrario, pero no podía dejar pasar la oportunidad de contar una anécdota relacionada con su disco A Foreign Sound, de 2004. Ese año, y por motivos laborales, di con mis huesos en la bulliciosa Sao Paulo. Tras un largo día de trabajo y jet-lag, los compañeros brasileños me entregaron un periódico local, y amablemente se ofrecieron a llevarme a la actividad de ocio que yo eligiera de entre las que se ofrecían en aquel periódico.

Mi respuesta fue que quería ir a un partido de fútbol del equipo de la ciudad, y su reacción fue abrir los ojos como platos y negarse en redondo. Como europeo, no entendía que ir a un estadio fuera una actividad altamente peligrosa, pero ellos se mantuvieron firmes y se encargaron de disuadirme, así que busqué una alternativa en las páginas de aquel periódico, en el que de repente apareció un anuncio de una actuación de Caetano Veloso, presentando en primicia su nuevo disco, A Foreign Sound ("un sonido extranjero"). El destino no solo había querido que tocara esa misma noche en una sala de conciertos de Sao Paulo, sino que además el disco era su primer trabajo íntegramente grabado en inglés, y una colección de sus canciones extranjeras favoritas, principalmente grandes clásicos de la música americana, lo cual facilitaba enormemente mi transición hacia la música de uno de los grandes cantautores brasileños.

Caetano Veloso grabó su primer disco (Domingo) en 1967 junto a Gal Costa, y un año después, lanzó su primer disco en solitario (Caetano Veloso), que le dio gran popularidad, en gran parte debido a la controvertida canción É proibido proibir. Con su segundo disco, Tropicalia (1969) dio nombre al movimiento musical conocido como Tropicalismo, del que fue máximo exponente junto a Gilberto Gil y Maria Bethania, entre otros. Huyendo de la dictadura, pasó un tiempo exiliado en Londres, Madrid y Tel Aviv, antes de regresar a su país y retomar su actividad discográfica en los años 70 con discos más experimentales y colaboraciones con el resto de miembros del Tropicalismo. El éxito mundial no llegaría hasta 1981, gracias a la canción Outras palavras. A lo largo de su extensa carrera, ha ganado cinco premios Grammy, y la repercusión de su obra ha sido tan grande, que hasta llegó a oídos de alguien tan poco versado en música brasileña como un servidor, que aquel día hubiera preferido ver a unos tipos en pantalón corto persiguiendo un balón, pero que en lugar de eso, tuvo la suerte de poder asistir a un concierto único.

La interpretación de Caetano Veloso aquella noche fue perfecta, y al salir de la sala de conciertos me topé con un stand en el que vendían merchadising del artista y copias en CD del disco que en ese momento estaba proporcionando. He perdido la cuenta de cuantos discos me habré comprado en caliente, en uno de esos inevitables y, por otro lado, inteligentes stands post-concierto, pero A Foreign Sound ocupa un lugar privilegiado entre todos ellos, porque cada vez que lo escucho me trae el triple de recuerdos. Dónde otros solo evocan una noche y un concierto, éste trae de vuelta un gran concierto, pero también un increíble viaje y una gran anécdota, preciados "bonus tracks" de un disco que, además, contiene un generoso puñado de versiones de temas clásicos, y alguna que otra sorpresa tan discordante como efectiva.

El disco comienza con la pieza más "Carioca" (The Carioca) de todo el disco, quizá para que el choque producido por el cambio de estilo no sea tan impactante, y nos vayamos habituando a lo que está por llegar. De ahí salta directamente al jazz suave y sofisticado de Cole Porter y su So in Love. La delicada producción, firmada por el propio Caetano Veloso junto a Jacques Morelenbaum, consigue que el disco suene en todo momento unitario. Las revisiones de temas clásicos van cayendo una tras otra, y temas como I only have eyes for you son sinónimo de suavidad, elegancia y buen gusto musical.

 

El álbum toma el título de una frase de una canción de Bob Dylan (It's all right ma, I'm only bleeding), el primero de los curiosos ejercicios de riesgo del disco. En la voz de Caetano Veloso, el tema de Dylan gana en elegancia todo lo que pierde en fuerza, dejando en tablas cualquier veredicto al respecto. Se mueve mejor el de Bahía en temas clásicos como Body and Soul, Feelings, Cry me a river, Stardust o Smoke gets in your eyes, y en el respeto con el que aborda temas de Duke Ellington (Sophisticated lady), George Gershwin (Summertime, The man I love) o, de nuevo, Cole Porter (Love for sale).

 

No es el tema de Dylan el único incluido en el capítulo de "riesgos", hay otros momentos del álbum en los que se agradece la osadía y lo equidistante de las canciones escogidas, y aunque no sean comparables a plantarse en el estadio del Sao Paulo con la cámara de fotos y la riñonera de turista bien visibles, son curiosas las versiones de temas de Paul Anka (Diana), Elvis Presley (Love me tender), Stevie Wonder (If it's magic) y, sobre todo, la de un grupo en las antípodas de lo (poco) que conocía de este melódico artista brasileño. Creedme, no me he pasado con las caipiriñas, cuando digo que el disco esconde una rareza tan curiosa como la versión del Come as you are de Nirvana, y hay que reconocerle que la saca adelante con buena nota, pese a la considerable rebaja en intensidad y a la ausencia de guitarras eléctricas. ¿Y no es eso lo que le pedimos siempre a una versión, que sea diferente y que aporte algo nuevo respecto al original?  Pues eso lo conseguiremos siempre mirando hacia afuera, a las propuestas y las músicas de otros países y artistas, en busca siempre de la novedad y la sorpresa de un sonido extranjero.

John Lennon - Imagine (Mes John Lennon)

 

"Imagina que no hay paraíso, es fácil si lo intentas. Ningún infierno bajo nosotros, y sobre nosotros solo cielo". Son las primeras frases de la maravillosa utopía que John Lennon proponía al mundo en 1971, nueve años antes de dejarnos para emprender un viaje a ninguno de esos dos destinos. Atrás quedaba la desesperada mirada al interior que había sido Plastic Ono Band, un disco valorado por la crítica pero fallido a nivel de ventas. Así que, una vez expiados los demonios interiores, era el momento de lanzar un mensaje universal en su segundo disco en solitario, con el que volver a aunar a las masas alrededor de su talento y sus canciones.

 

Lennon era consciente de la necesidad de tomar ese rumbo, pero no iba a hacerlo con cualquier mensaje, pudiendo en su lugar, y de paso, intentar cambiar el mundo aprovechando que el Támesis pasaba por Londres. Ya se, no son esos el río y la ciudad del referido refrán, pero Lennon aún vivía por aquel entonces en la ciudad de la niebla y los bombines negros, a miles de kilómetros de la Pucela castellana. En su casa de las afueras de Londres, montó un estudio casero que se convirtió en el centro de operaciones de lo que acabaría siendo Imagine, el segundo asalto para recuperar el trono perdido tras la disolución de los Beatles. Un lugar que no era cielo ni infierno, una especie de limbo en el extrarradio, en el que pudo reunir cómodamente a una pequeña banda de secuaces, encabezados por ex-compañeros como George Harrison y Ringo Starr, o fieles amigos como Klaus Voorman y el batería Alan White, e incluso permitiéndose algún lujo estilístico como el de contar con la participación de Nicky Hopkins, el teclista de cabecera de los Rolling Stones y uno de los músicos de sesión más relevantes y virtuosos de la historia del rock.

 

Phil Spector volvió a encargarse de la producción (esta vez la pareja Lennon-Ono le dejó hacer algo más que acompañarles al piano en algún tema) para dotar al álbum de las necesarias dosis de "azúcar" con las que Lennon pretendía corregir la aspereza que había transmitido con el anterior disco. Yoko Ono volvió a campar a sus anchas durante la grabación, disfrutando de la ventaja de que las sesiones tuvieran lugar en su propia casa, y su influencia en la música del Lennon del momento siguió siendo enorme. Hay mucho de Yoko y de su libro de poemas "Grapefruit" en las llamadas a imaginar un mundo en paz y unidad de la magistral canción que da título al álbum, y la sencillez instrumental de la misma vuelve a marcar la línea que Spector nunca pudo cruzar en el disco anterior. Pero a diferencia de canciones como Mother o God, en las que el piano sonaba lúgubre y cortante, de las teclas del ritmo de Imagine manaba la luz y la energía positiva necesaria para imaginar "a todas las personas viviendo el momento" sin preocuparse por el lo que pasó o lo que estuviera por suceder.

 

De Yoko es también la foto de la portada del álbum, en la que Lennon aparece difuminado entre nubes, quizá simbolizando la bruma de pensamientos en la que se encontraba inmerso, y de la que acababan empapándose sus composiciones. En el disco Imagine hay hueco para sus sentimientos hacia su pareja (Jealous Guy o la jovial Oh Yoko!), para las dudas internas que no habían desaparecido del todo en chillonas terapias (How?), y también para el ex-beatle resentido (How do you sleep es una cruel y excesiva crítica a Paul McCartney en la que se dejó llevar por la ira del momento y de la que acabaría arrepintiéndose) y el activista combativo que se desencadenará posteriormente en Sometime in New Yor City (Gimme some truth o I don't wanna be a soldier son beligerantes descargas sociales).

No faltaron tampoco temas cuyo origen se remontaba a los Beatles, pero que no habían llegado a grabarse o publicarse. Temas como Crippled inside, con el brillante lavado de cara que supone el piano ragtime de Nicky Hopkins, y con la letra original alterada para enfocarla de nuevo a la crítica a McCartney (por si How do you sleep no fuera suficiente, y llegando al punto de que un incómodo Ringo Starr le dijera "Ya basta, John"), o la mencionada Jealous Guy (que originariamente se intentó grabar para Let it be con el título de "Nature Child") son los restos que Lennon rescata de aquel naufragio a orillas del Támesis.

 

El barco de la vida le llevó a atravesar el océano, y no solo para añadir el genial solo de saxo de King Curtis a la blusera It's so hard en los estudios Record Plant de Nueva York, sino para empezar un nuevo proyecto de vida en la ciudad que nunca duerme, no desde que, nueve años después, un demente llamado Mark Chapman nos quitara el sueño que Lennon nos había sugerido. Cinco disparos a bocajarro acabaron con la vida del hombre, pero dejaron para siempre viva la llama del mito, y una palabra escrita en el "Strawberry Fields", el sencillo memorial que en Central Park, a pocos metros del lugar en el que fue abatido, recuerda al mundo la importancia de imaginar que no hay "nada por lo que matar o morir". Allí, en un gran círculo en el suelo, una sola palabra está escrita: "Imagina".

 

"Imagina a toda la gente viviendo la vida en paz, 

Puedes decir que soy un soñador
Pero no soy el único
Espero que algún día te nos unas
Y el mundo seremos uno solo"

John Lennon - Some Time in New York City (Mes John Lennon)

 

Some Time in New York City

Nos encontramos a principios de la década de los años 70 y John Lennon, junto a Yoko Ono, se encuentra en la época más intensa en cuanto a su activismo social y político. A mediados de 1971, los trabajadores de una empresa constructora naval llamada UCS, ubicada en Clydeside (Glasgow), deciden seguir trabajando sin cobrar emolumento alguno en un intento por salvar la empresa. Al enterarse, Lennon y Ono se solidarizan con los empleados, enviándoles rosas rojas y 5.000 £. En agosto de 1971, la pareja se muda a Nueva York, donde establecen su residencia, y allí hacen amistad con dos de los integrantes de los Chicago Seven, acusados por las violentas protestas que tuvieron lugar en Chicago, Illinois. En aquellos momentos John Sinclair, poeta, activista y cofundador del partido llamado Panteras Blancas, cumplía una pena de diez años de prisión por una serie de condenas por posesión de drogas,  y en diciembre de 1971 se celebra en Ann Arbor, Michigan, la llamada "manifestación por la libertad de John Sinclair", un concierto protesta donde además de Lennon y Ono, no faltan Stevie Wonder y Bob Seger, entre otros. Lennon y Ono tocan varios temas acústicos, y cuatro de ellos formaran parte de su posterior trabajo, Some Time in New York City.

Estos cuatro temas no serán los únicos temas de compromiso social y político que aparecerán en Some Time in New York City, pues tras la masacre del famoso Domingo Sangriento en Irlanda del Norte en 1972, donde varios manifestantes son asesinados por el ejercito británico, Lennon y Ono escriben dos canciones protesta que aparecen en este disco, Luck of the Irish y Sunday Bloody Sunday. En 1972 también empiezan los problemas de Lennon en Estados Unidos para obtener la residencia permanente en dicho país, debido a su activismo en contra de la guerra y del presidente Nixon. Contra la "propaganda" de Lennon y su cruzada anti belicista, Nixon se embarca en una contraofensiva política para expulsarle del país.

Con todos estos acontecimientos como caldo de cultivo, nace Some Time in New York City, concebido por Lennon y Ono bajo el nombre de su asociación musical, The Plastic Ono Band, grabado con la ayuda del grupo neoyorquino Elephant's Memory y publicado en junio de 1972 en Estados Unidos, y en septiembre de 1972 en Gran Bretaña. Un álbum que contiene canciones que hablan sobre las relaciones raciales, los derechos de las mujeres, los problemas entre Reino Unido e Irlanda del Norte, y los problemas de Lennon para obtener la residencia permanente en Estados Unidos. Si su anterior trabajo, Imagine (1971), había resultado un gran éxito, Some Time in New York City supuso un auténtico batacazo en ventas y no fue bien recibido por la crítica, llegando a ser calificado por una parte de la misma como un disco inaudible.

Al entrar en materia, nos encontramos un doble álbum, el quinto que John Lennon publicaba junto con Yoko Ono, publicado bajo el sello discográfico Apple Records, y producido por los mismos Lennon y Ono junto a Phil Spector. Comienza la cara A con Woman is the Nigger of the World, compuesta por Lennon y Ono. El título de la canción fue acuñado por Ono en una entrevista en la revista de moda británica Nova, y la temática habla de la sumisión de las mujeres y la misoginia en todas las culturas. Lennon citó al revolucionario irlandés John Connolly como una inspiración para la canción. La mayoría de las emisoras de radio estadounidenses se negaron a reproducirla en antena, alegando que contenía un lenguaje ofensivo, como la palabra Nigger. Lennon defendió que no consideró que el lenguaje del tema fuera inapropiado, y que lo único que pretendía era manifestar que las mujeres merecían un estatus más alto en la sociedad. Le sigue Sisters, oh Sisters, un alegre alegato feminista que Yoko Ono compuso para todas las mujeres oprimidas. En un principio el tema fue concebido como una canción reggae, pero Lennon se topó con un pequeño problema. La banda de apoyo, Elephant's Memory, eran de Nueva York y no entendían este género musical. Attica State, compuesto por Lennon y Ono, es un tema que simpatiza con los presos que perdieron la vida en los disturbios de la prisión estatal de Attica, y que sirve para condenar las malas condiciones de vida de los presos en Estados Unidos. Toda una crítica directa al sistema judicial y penal estadounidense. En Born in a Prison, compuesta por Ono, se utiliza el término prisión como una metáfora de como la sociedad impone limitaciones y restricciones a las personas. Cierra la cara A New York City, escrita por Lennon, donde cuenta los acontecimientos recientes en la vida del cantante, inspirados en su viaje y traslado a Nueva York, y resume la temática del disco a través del relato de diversas experiencias, como su encuentro con un músico callejero llamado David Peel, su concierto con Frank Zappa en el Filmore East, su encuentro con los Elephant's Memory, su concierto benéfico en la prisión estatal de Attica, o sus problemas de inmigración, ya que el gobierno de Estados Unidos intentaba deportarlo. 

Comienza la cara B con Sunday Bloody Sunday, compuesta por Lennon y Ono, donde se hacen eco de los tristes sucesos que acabaron con la masacre del llamado Domingo Sangriento, ocurrida durante una marcha protesta en Derry, Irlanda del Norte, para presionar al gobierno británico para que retirara sus tropas de Irlanda del Norte, y que acabó con la muerte de 13 manifestantes a manos del 1er Batallón, Regimiento de Paracaidistas del Ejército británico. The Luck of the Irish es el otro tema, junto al anterior, que aborda los problemas que tenían entre sí Reino Unido e Irlanda del Norte, y donde nos hablan de la mala suerte de los irlandeses y de las atrocidades de los británicos en un tono más folk.

Llegamos a John Sinclair, escrita por Lennon en apoyo al activista del mismo nombre, encarcelado por posesión de drogas. Este fue uno de los temas que Lennon y Ono interpretaron en formato acústico en la famosa manifestación por la libertad de John Sinclair en Ann Arbor. Dos días después de aquella marcha, Sinclair era liberado de prisión. Angela, compuesta por Lennon y Ono en honor a Angela Davis, a quien Lennon y Ono consideraban una prisionera política. Angela Davis era y es una reconocida activista afroamericana, antirracista y feminista. We're All Water, es un alegato en pro de la igualdad escrito por Yoko Ono, quien nos recuerda en el tema que todos somos iguales sin importar nuestras aparentes diferencias o ideales. La canción hace referencia a conocidos personajes como Nixon, Marilyn Monroe, Jerry Rubin, Raquel Welch, la Reina Isabel II de Inglaterra, el papa Pablo VI, Charles Manson o Rockefeller, entre otros. Es además la última canción del primer disco y la última canción que se grabó en estudio, pues el segundo disco contiene canciones grabadas en vivo.

La cara C del disco consta de dos canciones, interpretadas y grabadas en vivo en el Lyceum Ballroom de Londres el 15 de diciembre de 1969, en un concierto caritativo organizado por UNICEF. La primera es Cold Turkey, escrita por Lennon, donde aborda de manera explícita el síndrome de abstinencia que producen las drogas. John Lennon dejó de consumir de golpe drogas, pues quería formar una familia con Yoko Ono y este tema trata sobre esa experiencia, y los estragos del síndrome de abstinencia en su propio cuerpo. La segunda es Don't Worry Kioko, escrita por Ono, e inspirada en la batalla por la custodia legal de Kyoko, la hija de Ono, entre ésta y su ex marido Anthony Cox.

La cara D del álbum consta de cuatro canciones, fruto de una colaboración de Lennon y Ono junto con Frank Zappa y The Mothers of Invention en un concierto celebrado el 6 de junio de 1971 en el mítico Filmore East de Nueva York; Well (Baby Please Don't Go), compuesta por Walter Ward, reconocido cantante estadounidense de R&B y vocalista principal del grupo The Olympics; Jamrag, acreditada a Lennon y Ono, pero que en realidad es el tema King Kong del álbum Uncle Meat, publicado en 1969 por Frank Zappa. Por razones desconocidas, este tema fue llamado Jamrag y atribuido a Lennon y Ono, cuando en realidad era una composición de Zappa. El mismo Zappa comentaba, al respecto, que la canción que tocaron era King Kong, una composición suya y alguien (Lennon, Ono ó los dos) decidió cambiar el nombre de la canción y atribuirse los créditos de la publicación en el álbum sin pagarle ni un centavo por derechos de autor.

Scumbag, acreditada a Zappa, Lennon y Ono, surge cuando la banda comienza a tocar una base rítmica sobre la que gritaban la palabra "scumbag" (escoria), y Zappa invita a la audiencia a unirse, diciéndoles que sólo tenían que repetir esa palabra. En un momento dado, durante aquella improvisación, empezaron a sucederse los famosos aullidos de Yoko Ono. Le sigue "AU", acreditada a Lennon y Zappa, y que realmente se trata de una bacanal de gritos y ruidos que empezaron a reproducir Lennon y Ono, cerrando aquella extraña colaboración en vivo entre Zappa, Lennon y Ono. Un extraño final para el dificil experimento que es Some Time in New York City, y que  resultó ser un auténtico fracaso. Lennon intentaría después retomar la senda del éxito y un estilo más cercano a los Beatles con Mind Games, pero eso es otra historia..

La música en historias: Los músicos de sesión XII

 

     The Funk brothers fue una banda de sesión estadounidense conocida por haber participado prácticamente en casi todas las grabaciones de estudio del sello Motown Records. Los orígenes de ete grupo empiezan cuando Berry Gordy, el creador del sello Motown, ficha estos músicos quienes casi todos provenían de la escena de jazz de Detroit, aunque varios de ellos también tenían experiencia en el blues, soul y R & B. Durante el día cumplían su jornada acompañando y grabando con los artistas de turno, y por la noche se dedicaban a tocar en los clubs de jazz de la zona de Detroit. Después de esta introducción en honor a los músicos que engrandecieron desde la sombra al sello Motown, vamos a por la siguiente tanda de músicos de sesion.

Jimmy Johnson, guitarrista de sesión y productor discográfico estadounidense nacido en Sheffield, Alabama en 1943, y fallecido a causa de una insuficiencia renal en Florence, Alabama en 2019. Johnson fue miembro de la famosa Sección de Ritmo de Muscle Shoals que estaba adscrita a los FAME Studios desde 1960 a 1969. Posteriormente se convierte junto al baterista Roger Hawkins, al bajista David Hood y al tecladista Barry Beckett en cofundador de los otros estudios más famosos de Alabama, los Muscle Shoals Sound Studio, ubicados en la localidad de Sheffield. Colabora en tres pistas del famoso álbum Sticky Fingers de los Rolling Stones, además de tocar durante su carrera con artistas de la talla de Wilson Pickett, Aretha Franklin, Bobby Moore, Percy Sledge, Clarence Carter, Boz Scaggs, John Hammond, J. J. Cale, Linda Ronstadt, Laura Nyro, Leon Russell, Jimmy Cliff, Paul Simon, Traffic, Canned Heat, Willie Nelson, Blackfoot, Paul Anka, Bob Seger, Cat Stevens, Lynyrd Skynyrd, Bob Dylan, James Brown, Joan Baez, Johnny Rivers, Frankie Miller, Eric Clapton y Miguel Ríos entre otros tantos.

Billy Strange, actor, cantante, compositor y guitarrista estadounidense nacido en 1930 en Long Beach, y fallecido en 2012 en Nashville. Strange fue miembro de la famosa agrupación de músicos de sesión Wrecking Crew, afincada en la zona de Los Ángeles. Sus primeros pinitos en la música profesional los da junto a Mac Davis, con quien escribe varios temas de éxito que se encarga de popularizar Elvis presley. También compone la banda sonora de dos películas de Elvis Presley, Live a Little, Love a Little, y The Trouble with Girls. Realizó arreglos para la banda sonora de la película de la saga de James Bond, You Only Live Twice. Como músico de sesión toco la guitarra en numerosos éxitos de los Beach Boys, y tocó con artistas como Nacy Sinatra, Jan & Dean, Willie Nelson, The Everly Brothers, Wanda Jackon, Randy Newman o Nat King Cole entre otros. su carrera como arreglista también fue muy fructifera, trabajando con Nancy Sinatra, Frank Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis o Elvis Presley entre otros. 

Jimmy Bond, conocido contrabajista, arreglista y compositor estadounidense nacido en Filadelfia en 1933, y fallecido en 2012 en Los Ángeles a causa de un fallo cardiopulmonar. Jimmy era un contrabajista muy versátil, lo que le permitió actuar y grabar con muchas estrellas de jazz, blues, folk y rock. De pequeño aprende a tocar el contrabajo la tuba y estudia orquestación y composición. Entre 1950 y 1955 asiste a la prestigiosa Escuela Juilliard, prestigioso conservatorio de artes situado en Nueva York, y dedicado a la enseñanza y formación de música, danza y teatro. Mientra estudiaba, alternaba tocando el contrabajo y compartiendo escenario con músicos como Charlie Parker o Thelonius Monk. Al finalizar sus estudios empieza a tocar asiduamente, tocando con artistas como Ella Fitzgerald, Sonny Rollins o George Sharing. En 1959 se muda a Los Ángeles llegando a formar parte del famoso grupo de músicos de sesión The Wrecking Crew. En sus comienzos en la ciudad angelina se convierte en el bajista de la banda del famoso club Renaissance en Sunset Boulevard. A partir de 1962 comienza a trabajar como músico de sesión hasta principios de 1970, tocando estilos tan variados como rock, folk, jazz, pop, gospel o blues. Randy Newman, Frank Zappa, Nina Simone, Lightnin' Hopkins, Linda Ronstadt, Henri Mancini, Tonny Bennett, B.B. King, Louis Bellson y The Jazz Crusaders son algunos de los artistas con los que tocó durante su extensa carrera.

Earl Van Dyke, tecladista estadounidense nacido en 1930 en Detroit, Michigan, y fallecido en 1992 en Detroit a causa de un cáncer de prostata. durante finales de la década de los 60 y principios de los 70 fue el tecladista principal de la banda The Funk Brothers, el grupo de apoyo del sello Motown Records. Earl sucedió en el puesto de tecladista en Funk Brothers a Joe Hunter, pero antes, a principios de la década de los 60 grabó como organista de jazz con los saxofonistas Fred Jackson e Ike Quebec para el sello discográfico Blue Note. Entre los instrumentos que Earl solía tocar se encuentran el piano de cola Stenway, el órgano Hammond B-3, el piano eléctrico Wurlitzer, el piano eléctrico Fender Rhodes, la campana de piano o celeste, y el clavicémbalo. 

Joe Porcaro, baterista estadounidense nacido en Harford en 1930, y fallecido recientemente, en julio de 2020 en su Hatford natal a la edad de 90 años. Sí amigos, Joe fue el padre de una de las sagas de músicos más conocidas que se conocen, los hermanos Porcaro, integrantes de la banda Toto, Mike (bajista), Jeff (baterista) y Steve (tecladista). Joe formó parte durante su extensa carrera musical del selecto grupo de músicos de sesión The Wrecking Crew. A lo largo de su carrera trabajó con gran cantidad de artistas, como Pink Floyd, Stan Getz, Gerry Mulligan, Freddie Hubbard, Don Ellis, Frank Sinatra, Sarah Vaughan, Natalie Cole, The Monkees, Gladys Knight y Madonna entre otros. También compuso y participó en bandas sonoras de películas, llegando a trabajar con James Newton Howard, John Williams, Jerry Goldsmith, James Horner e incluso con su hijo Jeff Porcaro. Joe también se interesó por la formación musical, y junto al educador y percusionista Ralph Humphrey fue fundador de la escuela de música Los Angeles College of Music en Pasadena, California. 

El disco de la semana 202: Riff - Ruedas de Metal

El disco de la semana 202: Ruedas de Metal - Riff

Vamos con la recomendación de esta semana, en particular quiero recomendar este disco, porque es parte importante del rock argentino, marca una época de descubrimientos en nuevos estilos y nuevas bandas de rock en Argentina. 

En 1980 se realizó el último recital de la banda Pappo's Blues que se conoció como “Adios Pappo’s Blues, Bienvenido Riff”. Y este evento marcará el punto de partida de una nueva banda de rock, a la cual la bautizarIan Riff. 

La historia cuenta que Riff se formaría luego de que el Pappo retornara de su travesía en Europa. Fue durante su viaje que tomó la influencia del New Wave of British Heavy Metal, es decir de bandas como Motörhead y Judas Priest, para armar su nuevo proyecto que se acercaba a un sonido más metalero y se alejaba del Blues.

Luego de esta experiencia por el viejo mundo la banda no tardaría en producir un nuevo álbum y en 1981 editarían Ruedas de Metal. Su portada con una estética similar a Motörhead pero con una moto en lugar de una imagen cadavérica o diabólica ya nos da las pautas de lo que vamos a encontrar. 

Pappo, como el motoquero que siempre fue, junto a su banda nos ofrece un sonido bien duro y potente, sin embargo nunca alcanza la intensidad y velocidad del Thrash que sí tenía la banda de Lemmy Kilmister. No, Riff es más bien una banda como AC/DC, ubicada sin problemas entre el Hard Rock y el Heavy Metal. De hecho comparten ciertas similitudes, mientras que AC/DC se apoya en los riff ultra poderosos de Angus Young, Riff se apalanca en las cualidades de Pappo. Y cuando alguno se atreve a criticar a AC/DC argumentando que “sus canciones son todas iguales”, a Riff también se le puede reprochar la misma característica.

Toda esta experiencia que tiene Pappo con Riff se demuestra en la estética que pone la banda en su primer disco Ruedas de Metal lo primero que quiero remarcar es que su hard rock es terriblemente reiterativo. ¿Cuantas bandas de los setenta hicieron un disco como este? Montones. Sin embargo, también quiero decir que su hard rock genérico es irresistiblemente entretenido, aplastante e impecable. Ninguna canción de Ruedas de Metal tiene desperdicio, todas tienen un nivel que van de muy bueno a excelente. Resaltándose algunas por alguna cualidad en particular, como el riff arrollador de la homónima “Ruedas de Metal”, el tremendo solo de guitarra de “El Marques Bajo La Luz” y la potencia impactante de “Alas del Mal”. El resto de sus temas son también remarcables, pero diluyen sus virtudes en sus semejanzas.

Pappo lo volvió a hacer con Riff. No solo hizo que su gente no extrañara a Pappo’s Blues, sino que creo una nueva banda de rock que consolidaria aún más su estilo y su imagen como un sello de la música Argentina y del Rock Argentino. 

Daniel 

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La música en el cine: The Power of Love (Regreso al Futuro), Huey Lewis & The News

 

Regreso al Futuro (1985)

En 1985 se estrenaba Regreso al Futuro, película que marcaría el inicio de una de las sagas más exitosas del cine de ciencia ficción / aventuras. La película fue dirigida por Robert Zemeckis, y entre el elenco de actores que trabajaron se encuentran Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Lea Thompson, Crispin Glover y Thomas F. Wilson entre otros. 

El guión fue escrito por Robert Zemeckis y Bob Gale, y relata las aventuras de Marty McFly, un impulsivo adolescente que vive con sus padres y viaja accidentalmente desde el año en el que vive, 1985, a 1955, la época en que sus padres se conocieron. Este hecho altera la línea original de tiempo, haciendo que el primer encuentro entre sus padres no se produzca, por lo que Marty tiene que recurrir a la ayuda de su amigo el excéntrico científico Emmett Brown, 30 años más joven, para que le ayude a restablecer el pasado tal y como estaba. 

La película supuso un auténtico pelotazo, siendo la más exitosa de aquel año al recaudar más de 380 millones de dólares en todo el mundo. El mismo año se publicó también la banda sonora de la película, Back To The Future: Music From The Motion Picture Soundtrack. Dos de los temas que incluye el disco son piezas orquestales firmadas por Alan Silvestri, conocido compositor estadounidense de bandas sonoras como Forrest Gump, Depredador, Naufrago, Capitán América: El primer vengador, The Avengers y The Polar Express entre otras. Otros tres temas están interpretados por Marvin Berry And The Starlighters en el "baile del encantamiento bajo el mar", la fiesta de fin de curso en la que sus padres se besaron por primera vez, y dónde tiene lugar el intenso final de la película. Estos tres temas son el instrumental Night Train, la balada Earth Angel (will you be mine) y el famoso Johnny B. Goode de Chuck Berry, interpretado por Marty McFly & The Starlighters. La banda sonora la completan temas sueltos de Lindsey Buckingham, Eric Clapton y Etta James, junto con las dos canciones centrales de la película, firmadas por Huey Lewis & The News.

La banda sonora fue publicada por MCA Records el 8 de julio de 1985, y uno de los temas de Huey Lewis, The Power Of Love, obtuvo un rotundo éxito en las listas de ventas, posicionándose en el puesto número 1 de la famosa lista Billboard Hot 100, permaneciendo 19 semanas consecutivas en la famosa lista Billboard 200, y alcanzando un notable éxito en las listas oficiales de singles del Reino Unido. Además este tema fue nominado por la academia de los Oscar en el apartado de Mejor Canción Original. 

The Power Of Love aparece varias veces en la película, la primera en la escena donde Marty McFly va escuchando el tema mientras va patinando desde casa de Doc hasta la escuela, la segunda mientras Marty toca con su banda una versión hard rock de la canción en una audición de la Batalla de las bandas, y donde el propio Huey Lewis hace de jurado y le dice a Marty y a su grupo que son demasiado ruidosos, y la tercera cuando Marty va de vuelta hacia su casa en el barrio de "Hill Valley". 

El director Robert Zemeckis quería que Huey Lewis & The News, que por entonces estaban en pleno apogeo, hicieran una canción para la película, pues el grupo tenía un sonido que pegaba tanto para los años cincuenta como para los ochenta, los dos períodos en los que se desarrollaba la película. Huey al principio dudó si hacer la canción, pero cuando Zemeckis le dijo que no tenía que ser una canción sobre la película, aceptó el reto. Huey, que por entonces estaba recién casado y tenía dos hijos pequeños, se inspiró en su familia para las letras y compuso el tema con sus compañeros de banda Johnny Colla y Chris Hayes.

Cuando Huey Lewis muestra a Zemeckis la canción, la película ya se encontraba en postproducción y la mayoría de las escenas se encontraban ya mezcladas, por lo que encontrar el sitio donde colocar el tema no fue fácil. Al final se optó por colocarlo en la escena en la que Marty va en patinete a la escuela, pues aunque la escena no tenía nada que ver con el amor, el tema era tan bueno y pegadizo que se adaptaría a la escena y al contexto.

You don't need money, don't take fame

Don't need no credit card to ride this train

It's strong and it's sudden and it's cruel sometimes

But it might just save your life

That's the power of love

That's the power of love

First time you feel it, it might make you sad

Next time you feel it, it might make you mad

But do be glad baby when you've found

That's the power makes the world go 'round

And it don't take money, don't take fame

Don't need no credit card to ride this train

It's strong and it's sudden, it can be cruel sometimes

But it might just save your life

They say that all in love is fair

Yeah, but you don't care

But you know what to do (to do)

When it gets hold of you

And with a little help from above

You feel the power of love

You feel the power of love

Can you feel it

Mmm-hmmm

It don't take money and it don't take fame

Don't need no credit card to ride this train

Tougher than diamonds and stronger than steel

You won't feel nothin' till you feel

You feel the power

Just feel the power of love

That's the power

That's the power of love

You feel the power of love

You feel the power of love

Feel the power of love

John Lennon/Plastic Ono Band - John Lennon/Plastic Ono Band (Mes John Lennon)

Iniciamos el #MesJohnLennon con un disco que, curiosamente, siempre ha estado rodeado de un "halo de curiosas mentiras" cuál anillos rodeando a Saturno. Y digo curiosas porque, al fin y al cabo, se trata más de pequeñas incorrecciones al describirlo, pero que han quedado para siempre asociadas a este álbum. Así que, sin más preámbulos, "vamos a contar mentiras".

La primera de ellas, es que todo el mundo conoce este disco como el primer disco en solitario de John Lennon tras la separación de los Beatles. Tra-la-rá. Puede que, efectivamente, fuera el primer disco que el ex-beatle firmara en solitario, pero antes de éste ya había publicado, junto a la ya casi omnipresente Yoko Ono, hasta tres trabajos de corte vanguardista ("Two virgins", "Life with the lions" y "Wedding album"), e incluso un álbum en directo con la Plastic Ono Band titulado "Live peace in Toronto". Y aunque todos ellos sean trabajos tan prescindibles como dignos de ser condenados al olvido, llamar a Plastic Ono Band su primer disco es, en cualquier caso, inexacto.

La segunda de las mentiras (Tra-la-rá) quizá no lo sea tanto, pero está en cualquier caso marcada por la duda. A lo largo de su carrera posterior a este disco, John Lennon firmó varios discos incluyendo a Yoko Ono en la autoría de los mismos. Es inevitable preguntarse si, un disco como éste, tan personal e introspectivo, y tan influenciado por la terapia del grito primario en la que Yoko introdujo a Lennon, fue en realidad una obra en exclusiva del ex-beatle o podría haber sido firmado "a pachas" con su mujer, que aparece junto a él en la portada, y la referencia tanto del título del disco como del nombre de la banda de acompañamiento (Plastic Ono Band) es bastante clara.

Curiosamente, Yoko Ono publicó a la par un álbum llamado "Yoko Ono/Plastic Ono Band", con la misma portada y contraportada (la foto del Lennon niño era en este caso una foto de Yoko de pequeña) al que podríamos aplicar las mismas dudas. Como el mismo John Lennon dijo en respuesta a un intento de acercamiento de Paul McCartney y de una posible reunión, él ya no era más Lennon, a partir de entonces él era ya "John and Yoko".

 

La tercera mentira es la de que es un disco árido y oscuro, y basado en su totalidad en la terapia del grito primario del Dr. Janov. Es cierto que la influencia de esta terapia, consistente en trabajar la exploración del dolor acumulado desde la niñez, para llevar al paciente hasta un estado mental en el que tenga la necesidad imperiosa de gritar, y que ese grito primario sea un instrumento de liberación y de ruptura física y mental. Es algo que impregna Mother, el desgarrador arranque del disco, en la que Lennon explora sus propios traumas infantiles (el abandono de su madre y la ausencia de su padre). La canción arranca con unas sombrías campanadas de iglesia, y musicalmente es un buen ejemplo de la austeridad (que no aridez) del disco, al basarse únicamente en piano, bajo y batería, una fórmula que se repetirá en otras canciones del álbum. Sin embargo, canciones como Hold on, tan breve como eléctrica, o I found out, con la voz distorsionada y matices blues-rock, no encajarían tanto en ese guión conceptual que se le atribuye al disco (por más que ésta última tenga sus generosas dosis de ira hacia el Cristianismo, el Hare Krishna y Paul McCartney, las tres religiones que menos le cuadraban en ese momento).

 

Otra "mentirijilla" es que se atribuya a Phil Spector la producción del disco. Basta con escucharlo para comprobar que Spector estuvo ausente de la mayor parte de las sesiones, y que su famoso "muro de sonido" brilla aquí por su ausencia. No le discutiremos que realizara una labor de canalizador de las ideas de Lennon, y quién sabe si de Yoko y en que medida, pero todo apunta a que todo el peso de la producción y de las decisiones cayó del lado de la famosa pareja. Spector tiene una breve aparición al piano en Love, tema romántico que, de nuevo, se aleja del arquetipo de canción de grito primario, como lo hace Look at me, un tema antiguo que inicialmente estuvo destinado al  "White Album" de The Beatles y que acabó siendo descartado para aquel disco.

Los detractores de Lennon, especialmente los miembros de la rama conservadora norteamericana, que eran los blancos habituales de las reivindicaciones políticas de sus canciones, le acusaron de vivir un estilo de vida acomodado y burgués, al tiempo que cantaba himnos proletarios como Working Class Hero, un tema que tiene la relevancia y el regusto folkie de los mejores temas acústicos de Bob Dylan, y que es probablemente la mejor canción del disco. Pero como este álbum tiene otras canciones igualmente buenas, también podéis decir que esta afirmación mía sea también mentira (Tra-la-rá).

Una canción como Isolation, tan aparentemente sencilla como brillante, podría discutirle a Working Class Hero ese trono. Y más aún lo haría una pieza tan perfecta como es God, en la que Lennon construye una estructura musical de corte eclesiástico y casi gospel, en la más audaz y traviesa de las mentiras, porque la letra convierte al tema en una auténtica manifestación de ateísmo. Toda una declaración de intenciones de Lennon, que reniega de Jesús y de la Biblia, pero también de Buddha, Hitler, Kennedy, Elvis, Zimmerman (Dylan) y de... los Beatles. El tema termina con la lapidaria frase "The dream is over" (el sueño ha terminado) con la que entierra definitivamente la historia del cuarteto de Liverpool. Todo un grito (primario, esta vez sí) con el que liberarse de la pesada cadena que venía arrastrando, en su búsqueda de su nueva identidad en solitario (o no, porque por allí cerquita andaba siempre "Ono").

Así que, colorín, colorado, el sueño ha terminado. Sólo me queda reconocer la última mentira, y es que, pese a todo, no es verdad que este sea un disco de mentiras. Un álbum tan honesto, con unas letras tan íntimas y directas, que toca tantos temas sin miedo alguno a exponerse demasiado en lo personal y en la la polémica que pudiera generar, nunca podría considerarse como una obra de mentira. John Lennon/Plastic Ono Band es un disco auténtico, desde la primera a la última de sus mentiras.

Un país, un artista: Bélgica - Hooverphonic

 

Hooverphonic

     Si hablamos de la música en Bélgica, inmediatamente nos viene a la cabeza el cantautor, actor y cineasta Jacques Breil, con ese particular toque poético que era capaz de imprimir en sus letras. Quien no conoce su tema más conocido internacinalmente, Ne me quitte pas (1959). Pero al igual que en el resto del mundo, en Bélgica la música ha evolucionado y hay grupos que han logrado destacar y conseguir el reconocimiento internacional de crítica y público. Uno de esos grupos es Hooverphonic, al que vamos a dedicar este espacio.

Encuadrar a Hooverphonic dentro de un estilo o género es harto complicado, pues si bien hay quien se atrevió a encuadrarlos en sus inicios dentro del trip hop (Género musical originado a principios de los 90 en el Reino Unido, consistente en una fusión de hip hop con música electrónica, y donde se pueden incorporar estilos como el jazz, funk, R&B, house, psicodelia o soul), rápidamente fueron evolucionando hasta el punto de abarcar y entremezclar otros estilos como el pop, indie pop, electropop, dream pop, electrónica o rock alternativo entre otros.

por el grupo, que actualmente está integrado por Alex Callier (bajo, teclados, programción / 1995 - presente), Raymond Geerts (guitarra / 1995 - presente) y Geike Arnaert (voz / 1997 - 2008; 2020 - presente), han pasado también las vocalistas Esther Lybeert (1995 - 1996), Liesje Sadonius (1996 -1997), Kyoko Baerstoen (1997), Noémie Wolfs (2010 -2015) y Luka Cruysberghs (2018 -2020); y el tecladista Frank Duchêne (1995 - 1998). 

El grupo echa a rodar en 1995, y un año más tarde, en julio de 1996, publican su primer álbum de estudio A New Stereophonic Sound Spectacular. El nombre del grupo en ese momento es Hoover, un nombre que cambian poco después al descubrir que había otros grupos que usaban ese nombre, y además para evitar problemas con un famosa compañía de aspiradoras estadounidense que utilizaba tal nombre. El disco se mueve entre el trip hop y el dream pop (así se llama a este subgénero surgido en los 80, que se mueve entre el tck alternativo y la neopsicodelia), y fueron lanzados como sencillos de este disco los temas 2Wicky, Wardrope, Barabas e Inhaler. Precisamente es el primer sencillo, 2wicky el que les catapulta a la fama y al reconocimiento internacional, pues es incluido en la banda sonora de la película Belleza robada (1996), dirigida por Bernardo Bertolucci. El tema se basa en un sample del tema Walk On BY,  que graba en 1969 Isaac Hayes en su disco Hot Buttered Soul, escrito originalmente por Burt Bucharach y Hal David para la cantante Dionne Warwick. En 1998 el disco ya había vendido la nada despreciable cantidad de 140.000 copias.

El grupo se embarca en una larga gira por Europa compartiendo escenario con grupos como Massive Attack, Morcheeba y Apolo 440, y otra por Estados Unidos como teloneros en 1997 de Fiona Apple. En 1998 lanzan su segundo disco de estudio, Bue Wonder Power Milk, el cual contiene menos breakbeats (subgéneros de la música electrónica caracterizados por el uso de patrones rítmicos diferentes) y samples (sonido grabado para utilizarloposteriormente), e incorporan más instrumentación tradicional y muchos elementos de teclado. De este disco, Club Montepulciano obtiene un gran éxito en Bélgica y Estados Unidos, y los temas Renaissance Affair, This Strange Effect y Eden son utilizados para diversas campañas publicitarias estadounidenses. Eden además es incluido en la banda sonora de a película Aún se lo que hicisteis el verano pasado (1998). Ese mismo año aparece publicado el EP Battersea (1998), que contiene pistas remezcladas de sus dos discos publicados hasta la fecha.

En el año 2000 publican The Magnificent Tree, un trabajo donde se muestra la evolución del grupo, que incorpora un sonido más cálido y accesible si cabe. El disco se convierte en uno de los más caros de la historia de Bélgica, pues su grabación cuesta la nada despreciable cantidad de 170.000 $. Además de buenos temas como Mad Abut You, Out of Sight o The Magnificent Tree, el disco contiene una versión del tema Guinnevere, de Crosby, Stills & Nash. El éxito y el reconocimiento del grupo es tal que es elegido para que escriba una canción para la ceremonia de apertura del Campeonato de Europa de Fútbol de 2000 de Bélgica. La banda compone para la ocasión el tema Visions, con una duración de casi 12 minutos, que se convierte en el tema principal del campeonato. Todo esto le vale a Hooverphonic para convertirse en el primer grupo belga en encabezar el reputado festival de música de su país Rock Werchter en 2001.

En 2002 el grupo vuelven a dar un giro musical y publican Hooverphonic Presents Jackie Cane, un álbum conceptual donde, además el trip hop, la música electrónica o el dream pop, están presentes influencias musicales de Pink Floyd y de los musicales de Broadway. Durante los 46 minutos aproximados de duración del disco, nos narran la historia de Jackie Cane, un personaje ficticio que abandona a su hermana gemela para convertirse en cantante profesional. Jackie alcanza el éxito, pero pronto empieza a sentir la presión de la fama, y esto la lleva al borde de la locura. Jackie decide dejar el mundo de la canción y regresa a casa en un intento de reconciliarse con su hermana, y ésta aún dolida con Jackie prepara una cena envenenada donde las dos mueren fruto de ésta. Ese año el grupo gana el premio a la mejor banda de pop / rock de Bélgica.

En 2003 lanzan Sit Down and Listen to Hooverphonic, un disco grabado en vivo con orquesta, pero con la particularidad de que su grabación se hace sin público. En septiembre se embarcan en una extensa gira en la que recorren más de 100 salas de conciertos. En 2005 publican su quinto disco de estudio, No More Sweet Music / More Sweet Music, un álbum doble que tiene la particularidad de que el primer cd y el segundo contienen los mismos 11 temas, pero los del segundo cd están remezclados por Alex Callier, y por lo tanto son versiones diferentes. 

En 2006 el grupo vuelve a dar un giro en su sonido y utilizando músicos en vivo y utilizando el Mellotron, graban The President of the LSD Golf Club, un disco donde el grupo, sin perder su esencia, se remonta a la época de la música psicodélica. La apuesta musical no deja indiferente a nadie, tampoco a los críticos, y mientras unos alaban el resultado, otros lo degradan. Con The Night Before, publicado en 2008 además de suponer el estreno de la vocalista Noémie Wolfs, alcanzan la certificación de disco de Platino en Bélgica. En marzo de 2012 publican Hooverphonic with Ochestra, disco grabado junto a una orquesta sinfónica, y que consta de 42 temas que además de incluir sus grandes éxitos y reversiones de antiguos temas, contiene una canción nueva, Happiness. En octubre de 2012 se publica Hooverphonic with Orchestra Live, en formato CD+DVD, grabado en el Queen Elizabet de Amberes (Bélgica), y donde tocan en vivo todas las composiciones de Hooverphonic with Orchestra.

Que estos chicos son camaleónicos, es algo que vuelven a demostrar con Reflection, publicado en 2013, donde la banda se mueve en un registro más pop rock. Con In Wonderland, publicado en 2016, el integrante y compositor Alex Callier nos regala un magnífico trabajo con unos excelentes arreglos de cuerda. Y en noviembre de 2018 aparece publicado su último trabajo hasta la fecha, Looking for Stars, el único dico donde podemos esuchar a la joven cantante de 17 años, Luka Cruysberghs, quien había ganado la quinta temporada de un conocido certamen musical en Bélgica. 

Hooverphonic era la banda elegida para representar a Bélgica en el famoso certamen de Eurovisión de 2020 en Rotterdam con el tema Release Me, un tema que habían compuesto para la ocasión en febrero de 2020, pero el evento fue cancelado a causa de la maldita pandemia de COVID-19 que estamos padeciendo.                Hace unos días, concretamente el 9 de noviembre de 2020 se anunciaba que la joven vocalista Luka Gruysbergs dejaba la formación y era reemplazada por Geike Anaert, fundadora de Hooverphonic junto a Alex Callier y Raymond Geerts, y que había dejado la formación en 2008. Y mientras esperamos más noticias de ésta camaleónica banda, podemos degustar la reedición de su tema Mad About You, lanzado el mismo día que se anunciaba el regreso de Geike, pues coincidía con el 20 aniversario de la primera publicación de la canción.