El disco de la semana 102: Triana - El patio

El patio

     El disco elegido para la ocasión es un homenaje a los dos mundos a los que pertenezco.  En mi corazón llevo grabado a fuego el Rock, pero de niño me crié escuchando día y noche Flamenco, estilo del que no reniego ni mucho menos, es más se podría decir que también lo llevo grabado a fuego en mi corazón.
     Recuerdo sobre todo los fines de semana, cuando en el cassette de mi casa sonaban Camarón, Enrique Morente, Rafael  Farina, Ana Reverte, El Cabrero, El Lebrijano, y tantos otros. Pero los designios del destino me llevaron a descubrir el Rock.
     "Triana" es la fusión perfecta de esos dos estilos que llevo en el corazón. El Patio es todo un homenaje al Rock y al Flamenco.

"Abre la puerta niña

Y dale paso a la luz

Mira que destello tiene 

Esa nube con el sol

Por la mañana amanece

La vida y la ilusión "

     Jesús de la Rosa Luque (Teclista, vocalista y compositor), nace en 1948 en Sevilla, en los años 60 formó parte de la banda llamada "Los Nuevos Tiempos", cuyo estilo era el Rock, y cantaban en inglés. Posteriormente a esta aventura, cuando se encontraba en Madrid, intentó entrar en el famoso grupo "Los Bravos", no siendo aceptado por culpa de su remarcado acento andaluz. Ya en los años 70 tocó como teclista sustituto en una de los grupos de moda "Flor y Nata", donde adquirió mucha experiencia tocando por toda España, hasta que es despedido.

     Eduardo Rodríguez Rodway (Guitarrista), nace en Sevilla en 1945. En su juventud recorría ferias y plazas por su tierra junto con otros jóvenes, tocando la guitarra. Más tarde formó parte del grupo de Rock sevillano "Flexor's", donde tocaría fundamentalmente la guitarra eléctrica. Posteriormente estuvo en la formación del conocido grupo de la época "Los Payos", cuyo mayor éxito fue la célebre canción "María Isabel".

     Juan José Palacios Orihuela "Tete" (Batería), nace en Alcorcón, Madrid en 1943. Aunque empieza tocando la guitarra, su instrumento acabaría siendo la batería, la cuál toca para numerosos grupos, aunque debido a su estilo, no acaba de cuajar en ninguna.

"Vimos juntos el amanecer

y el lago reflejó nuestro sueño

En silencio fuimos a caer

junto al gran monte aquél

que nos dio el amor"

     En 1973, Jesús de la Rosa, Eduardo Rodríguez y "Tete", acaban coincidiendo en un grupo llamado "Tabarca", el cuál no llega a cuajar, pero que sentaría las bases de "Triana". Quedando los tres ya deciden llamarse "Triana" y se incorporan al grupo dos músicos más: "Dolores Montoya y Manuel Molina", aunque estos dos músicos duran muy poco y se marchan fundando el ´famosos dúo "Lole y Manuel".

     "Gonzalo García Pelayo", que trabajaba para el sello "Movieplay" como productor musical, cuando conoce a "Triana", estos ya tienen el disco casi hecho, y decide ficharlos apostando por la fusión musical que traen. Aunque antes que el grupo "Triana" había grupos como "Gong" y "Smash", que ya hablaban de Rock andaluz y fusión, esta no es una fusión verdadera, pues lo que hacen es alternar temas de rock progresivo, con temas flamencos. Y lo que "Triana" trae bajo el brazo es fusión de verdad, por lo que acabarían convirtiéndose en los padres del Rock andaluz.

      El disco, primero del grupo, ve la luz en 1975, y no tiene título; se le acaba llamando 'El patio" debido a la portada, donde aparece un patio andaluz. Debido a su escasa repercusión llegó a descatalogarse de las tiendas, pero por cosas del destino, aproximadamente año y medio después el grupo empieza a despuntar, y dicho disco se convierte en objeto de culto y colección.

     Este es el disco de esta semana, "El Patio", de la mítica banda "Triana", que supo mezclar como nadie el flamenco con el Rock progresivo, con un arte increíble, con unas letras dignas de cualquier poeta de renombre. "El Patio" es el resultado de tres incomprendidos que se juntaron para hacer algo maravilloso.
   
     Temas como "Abre la puerta", "Se de un lugar", ó "En el lago", donde los elementos flamencos se entremezclan a la perfección  con los elementos rockeros; o temas cómo "Luminosa mañana", "Recuerdos de una noche","Diálogo", y "Todo es de color ", donde el flamenco está mas presente, pero siempre acompañado de fondo con una instrumentación rockera que encaja como un guante.

Todos los temas fueron compuestos por Jesús de la Rosa, menos "Todo es de color" tema compuesto por "Juan José Palacios "Tete" y "Manuel Molina", que nos dejó este pequeño regalo antes de abandonar la banda con "Lole".

      En definitiva, siete temas, siete pequeñas obras maestras, antología poética,  oda al amor, que dejo que descubráis............

La musica en el cine: Nino Rota - El padrino

El padrino es una pelicula de 1972 realizada por Francis Ford Coppola y en casi todas las listas de las mejores películas de la historia aparece entre las 3 mejores. Esta historia de familia basada en la novela de Mario Puzo e interpretada magistralmente entre otros por Marlon Brando tiene en su música uno de los temas mas evocadores que el cine a creado, muchas veces cuando estamos hablando de algún movimiento "mafioso" contra un amigo con solo tatarearle la música el interlocutor se da por enterado de cuales son nuestras intenciones.


Debido a la gran influencia que tiene el mundo Italiano en la pelicula, Coppola estuvo buscando un compositor que supiera reflejar la particularidad de esa sociedad y dio con Giovanni Rota Rinaldi (Nino Rota), que si bien había trabajado en Hollywood, los resultados de sus creaciones musicales no habían sido del agrado de la critica. No obstante pensó que nadie como él podría imprimir ese carácter a la banda sonora de la película y apostó fuertemente por él.

Dentro de la banda sonora existen 2 temas que brillan con fuerza por encima de todos, el primero es "Waltz", para este tema, lleno de una transcendencia sublime en la película, Nino Rota utiliza un vals a sugerencia del propio Coppola ya que el movimiento circular del tema representa muy acertadamente la espiral de crímenes y violencia en el que se ven sumergidos los protagonistas de la película, y para realzar esa idea utiliza un vals lento, triste, melancólico que casa perfectamente con la transcendencia que vemos en pantalla. Es el tema elegido para sonar en momentos claves de la película, escuchándose hasta once veces, con diversas particularidades, en las tres horas de la película, el tema va cambiando y se convierte en la huella de los Corleone, es un tema totalmente repercutido, porque se modela y se modifica en función de la trama argumental, de lo que le esta pasando a la familia Corleone.

El segundo tema archiconocido es Love theme, suena muy melancólico, presagio de una relación que sera complicada y es sin duda el tema mas famoso de toda la banda sonora,  el uso de instrumentos tradicionales, inusuales en el entorno de la banda sonora orquestal como acordeón, trompeta y mandolina nos remiten a los orígenes, a una Sicilia idealizada. Como su nombre deja entrever, suena cuando le esta desarrollando una historia de amor entre los protagonistas.



Nino Rota nacido en Italia en 1911 y fue el compositor de cabecera del maestro del cine italiano, Federico Fellini. Nieto del pianista y compositor Giovanni Rinaldi, en 1923 ingresó en el Conservatorio de Milán, y destacó por su precocidad; a los once años ya compuso un oratorio, y a los trece una comedia lírica en tres actos. El compositor consiguió un particular éxito con sus óperas Il cappello di paglia di Firenze (El sombrero de paja florentino), y La visita meravigliosa (La visita maravillosa) y con sus sonetos Mysterium Catholicum y La vita de Maria (La vida de María). Realizo numerosas bandas sonoras para el cine italiado entre las que destacan La dolce vita, Fellini Roma, Romeo y Julieta, El gatopardo y Amacord. Ganó el Oscar por la banda sonora de El padrino 2, ya que la primera no fue admitida porque uno de sus temas habia salido anteriormente en otra pelicula.

El disco de la semana 101: Garaje Jack - Todo eran canciones

Todo eran canciones

     El grupo elegido para la ocasión es español, se trata de Garaje Jack, banda procedente de Madrid, formada por Laura Rubio a la voz, Oscar Rama a la guitarra, Jorge Galaso al bajo y Carlos Toja "Trujo" a la batería. Se fundó en 1998, y por desgracia en 2015 dejan los escenarios y se separan, dejando tras de sí cinco discos publicados. Compartieron cartel con grupos y gente de la talla de "Barricada", "Fito y Fitipaldis", "Amaral" o "Pereza". Banda con claras influencias de Rock setentero, sonido de garaje y Rock & Roll.

     Nos vamos a centrar en su tercer disco, elegido para la ocasión, publicado en 2010 bajo el título "Todo eran canciones", incluye temas de corte rockero, y temas con una base más folk, e incluso country. En definitiva un disco más que recomendable de una muy buena banda, con una vocalista muy buena, un guitarrista excelente, y un bajista y un batería que no se quedan atrás.
En conjunto todos tienen mucho oficio, saben a que juegan y tocan realmente bien.

     Y llega el primer corte "Sin red", tema con un contundente riff de guitarra acompañado de una voz muy buena, que hacen que vayamos aventurando lo que nos espera. Tema con una letra de corte optimista y positiva.

     "No te veo", sigue la tónica del tema anterior, apoyado en unos buenos riffs de guitarra, nos vamos dando cuenta de las influencias de rock setenteras que tienen.

     ""El domador", balada en plan acústico que trata el tema de la soledad, donde Laura empieza a dar claras muestras de la calidad que atesora, demostrando que puede tener una voz dulce y delicada cuando toca, y romper con garra y fuerza cuando es necesario.

     "Todo eran canciones", el tema que da título al álbum, es un tema de corte más comercial, rozando el pop, y Laura según avanza el tema lo hace crecer gracias  a su trabajo vocal. Tema muy rico en matices.

     "Tu y yo",  La joya del disco, una pieza de corte Blues que empieza con la banda dándolo todo,  y Laura se sale, dándole calidez, color y un toque Soul al tema con su voz. Desde el principio del tema hasta el final es muy bueno, Gran tema.

     "Seguimos en pie", Temas que empieza con un toque de Swing, mezclado con un ritmo más folk, y que incorpora un trombón y una sección de viento dándole un toque muy interesante, demostrando la versatilidad de estos cuatro músicos.

     "Adiós Jack" es una balada donde Laura vuelve a demostrar las tablas que tiene, sabiendo modular en todo momento la voz en función de las necesidades del tema. Gran poderío vocal.

     "Héroes" es un tema en una línea algo más comercial, y no llega quizás como los anteriores, pero aguanta el tipo.

     "Vida" es un tema muy bueno, con  una base country, que empieza en plan acústico y va creciendo según avanza el tema. Garaje Jack dan un giro en este tema demostrando que además de rock también dominan un sonido más folk.

     "Tienes prisa" al igual que "Héroes" va en una línea más comercial.

     "Voy a disparar", en este tema vuelven a la senda del rock con un tema muy cañero, con unos muy buenos riffs. Rock de verdad con claras influencias setenteras.

     "Casino" es otro tema rockero con claras influencias de rock sureño. La batería entra a saco, y entra en juego Oscar, realizando un trabajo enorme en este tema, y es que el guitarrista es muy bueno y lo deja claro.

     "Tiempo de asueto", vuelven a dar otro giro en su sonido con este excelente tema con toques de Bluegrass, todo acústico, con guitarras y mandolinas.

     Resumiendo, disco con claras influencias setenteras, Rock & Roll del bueno, plasmados en un disco muy elaborado y trabajado, con unos músicos muy buenos y con mucho oficio. Atención también a las letras, son buenas letras que abordan en general la temática de la soledad, el amor y el optimismo.

     Este grupo se separó hace algún tiempo, y es que desgraciadamente aquí no vale sólo con ser bueno, trabajar muy duro y darlo todo día a día. Parece que la comercialidad, ya sea buena o mala, tiene que estar por encima de la Calidad. Una lástima.

    

Canciones que no soporto: Should I Stay or Should I Go, The Clash

The Clash



     "Should I Stay or Should I Go" vió la luz en el quinto álbum de estudio editado por la banda "The Clash" titulado "Combat Rock" en 1982.

    

    "The Clash", banda británica de Punk, da sus primeros pasos en 1976 de la mano de Joe Strummer (Voz), Mick Jones (Guitarra), Paul Simonon (Bajo), Keith Levene (Guitarra) y Terry Chimes (Batería). En 1977 lanzan su primer disco titulado "The Clash", con el que obtienen bastante éxito en su tierra natal, convirtiéndose más tarde en el disco más importado en la historia de Estados Unidos.

Poco después Terry, el batería abandona la banda por diferencias con la banda y fichan a Topper Headon, que si al principio tiene algunas dudas, decide apostar por el proyecto y se convierte en miembro permanente del grupo.

     Con su tercer disco "London Calling", publicado en 1979 ,dieron el espaldarazo definitivo y empezaron a gestar su leyenda, con un disco doble, impensable por aquellos tiempos en una banda punk, pues se consideraba que los discos dobles solo tenían cabida en bandas de Rock Progresivo y poco más. Disco por cierto absolutamente recomendable.

     The Clash, además se caracterizaron por ser un grupo de música punk poco convencional, pues además de su sonido punk, también utilizaron otros como el Reggae, el rock o el jazz entre otros. Lo que da una idea de que no eran un grupo más con la simpleza musical de la mayoría de grupos punk de la época.

     En 1982 editan su quinto trabajo de estudio, "Combat Rock", y haciendo gala de su polivalencia, incluyen varios estilos musicales además del punk. Con este disco alcanzan el puesto nº 2 en las listas de éxitos de Reino Unido, y el nº 7 en las listas de Estados Unidos.

Entre sus temas, se encuentra "Should I Stay or Should I Go", que se convertiría rápidamente en nº 1 en las listas británicas, convirtiéndose también en uno de sus temas más reconocidos. Este tema también ha sido versionado multitud de ocasiones por artistas tan variopintos como Ice Cube, Nirvana, L.A. Guns, Living Colour o Kylie Minogue, por nombrar solo algunos.

     Pues bien, como he comentado ya en post anteriores en esta sección, el que no me acabe de entrar el tema no es ni mucho menos por cuestiones de la calidad del mismo, pues siendo uno de los temas referentes de la banda, por algo será. El problema sigue siendo mi cerebro, que por alguna extraña razón lo rechaza constantemente................

El disco de la semana 100: Bruce Springsteen - Nebraska

Corría el año 1981 y Bruce Springsteen acababa de terminar una larga gira de promoción del disco "The River", durante la cual ya había empezado a gestar una canción llamada "Mansion on the Hill". La semilla de "Nebraska" estaba plantada.

Ya de vuelta en su casa de New Jersey, siguió dando forma a las ieas de nuevas canciones que le llegaban, y empezó a pensar en lo que pudiera ser un nuevo disco.

Para las canciones se dejó influir por las andanzas de un asesino en serie de los años 50, así como por películas en blanco y negro y libros sobre la historia de Estados Unidos, entre ellos el libro en el que se basó una película posterior llamada Nacido el 4 de Julio, que muchos de vosotros conoceréis.

Historias de perdedores, de desencanto y crisis en el país de las oportunidades, de veteranos de Vietnam perdidos sin rumbo en el regreso a casa y de post hippies que comprobaron que el sueño americano había acabado.

Para este disco decidió cambiar el método de trabajo habitual, en lugar de ir al estudio con algunas ideas y trabajarlas allí hasta darle forma a las canciones, decidió que trabajaría él las canciones en su casa con su guitarra y su armónica, las grabaría en su estudio personal con menos medios, y luego esas maquetas serían la guía para volver a grabar las canciones en el estudio con todos los medios habituales a su alcance.

Con solo una grabadora de cuatro pistas, dos micrófonos, su guitarra acústica y una armónica, grabó las canciones con la ayuda de su técnico de guitarras. La mayor parte de los temas se grabaron en un solo día el 3 de Enero de 1982.

Posteriormente y durante varios días más, añadió algunos arreglos como doblar la voz, incluir ecos, algún teclado aislado y ligeras percusiones en algunos temas. La mezcla se registró en un viejo radio cassette barato de andar por casa, del que salió la "cinta" final que contenía las canciones que finalmente planeaba grabar en el estudio.

Springsteen mandó la cinta a su manager con una nota en la que mostraba que esas canciones no eran más que ideas que quería desarrollar en el estudio para ver si finalmente llegaban a algo, asumiendo que algunas ideas funcionarían y otras no, pero quería ver hacia adonde le llevaban esos temas. La carta completa está publicada en el libro "Songs", junto con la descripción que Springsteen hacía de cada una de las 15 canciones que la cinta incluía.

El siguiente paso fue la grabación de lo que iban a ser realmente las canciones, basadas en las canciones/ideas de la cinta de cassette de Springsteen, siempre en su bolsillo para tirar de ellas cuando fuera necesario.

Las canciones se trabajaron en el estudio con la E Street Band, pero pese a intentarlo una y otra vez los resultados no eran satisfactorios, las canciones perdían su fuerza en su traspaso del formato acústico/minimalista al formato eléctrico/banda completa. Perdían la intimidad y la intensidad que transmitían en su formato de maqueta original.

Como la cinta estaba en su bolsillo, Bruce no paraba de sacarla para decir que quería que sonase así, que esas eran las canciones de Nebraska, hasta que por fin se hizo caso a si mismo. Esas eran las canciones de Nebraska, ese era el disco.

Descartó las grabaciones en estudio y decidió publicar el disco con las canciones que había grabado en el cassette. Canciones desnudas, acústicas, un álbum oscuro y áspero en su minimalismo que era la única manera de retratar la crudeza de las historias sobre personajes frustrados en el país de la decepción y los sueños rotos.

Un disco muy especial para el número 100 de esta gran aventura, que abre con "Nebraska", la canción que le da título, basada en la fuga desesperada por Nebraska y Wyoming de un asesino en serie.

El tono del resto del disco seguirá el mismo camino lúgubre y sombrío, como el personaje con "deudas que ningún hombre honesto podría pagar" en "Atlantic City" (uno de los mejores temas del cancionero de Springsteen) o la sucesión de circunstancias que conducirá a "Johnny 99" al patíbulo.

En Nebraska hay también espacio para aludir a la infancia de Springsteen, especialmente cuando recuerda la casa encantada a la que nadie se atrevía a ir (la brillante "Mansion on the hill") o la casa de su padre ("My father's house", una de las canciones que se añadieron posteriormente y que no estaban en la famosa cinta de cassette), con quien nunca tuvo una relación fácil. La "trilogía" de canciones sobre su infancia se completa con "Used Cars".

La única canción en la que aparece la guitarra eléctrica es "Open All Night", la más intensa del disco en lo musical con un ritmo rockabilly y un título que podría hacer referencia al cartel en la entrada de alguno de esos oscuros y anónimos bares de la América profunda, en los que ahogar las penas al ritmo de la música y el lubricante del alcohol.

El disco encierra otras muchas curiosidades, como que la película de Sean Penn "The Indian Runner", protagonizada por Viggo Mortensen, está basada en la canción "Highway Patrolman", en la que dos hermanos, uno policía y otro delincuente, están condenados a encontrarse en un fatídico desenlace.

Auténtica rareza en la discografía de Springsteen, un discazo para la historia y un puñado de historias para escuchar cuando estás triste, tomando un café bajo la protección de una manta en algún rincón especial de tu casa, en un día cualquiera de invierno en el que te apetezca hacer un viaje por esa América profunda y maldita que en el fondo tanto nos fascina.

El disco de la semana 99: George Michael - Listen without prejudice Vol 1

Georgios Kyriacos Panayiotou es el nombre real de un artista Ingles nacido en Londres y que allá por los años 80 revoluciono a toda la juventud junto a un compañero de escuela. ¿Ingles y años 80 revolucionando la juventud? no cabe duda de que diréis... ese es George Michael, y efectivamente nos referimos a el mismo, pero en realidad su nombre de pila es con el que empiezo este articulo, ya que la familia proviene de Grecia.

Si, George Michael junto a su compañero de escuela Andrew Ridgeley revolucionaron los escenarios con una música popera y pegadiza repleta de letras optimistas y divertidas, tonos musicales fácilmente recordables, Wham! fue sin duda una de las  Mejor Boy Band de Todos los Tiempos, pero las ambiciones de George Michael eran otras y el alma y el cerebro de la banda era propio George
Michael por lo que decidió iniciar una carrera en solitario. Comercialmente estaba preparado para dar el salto en solitario y a modo de prueba lanzo un sencillo, titulado "Careless Whisper" que alcanzó el primer puesto en los rankings de veinticinco países, vendiendo más de seis millones de copias alrededor del mundo.

Para la publicación de su primer disco en solitario Faith, el cantante decidió romper con su look y transformo su imagen cándida de adolescente con una barba de varios días y una cazadora de cuero, y como era de prever fue un éxito absoluto, el propio George fue el encargado de componer y escribir todas las canciones menos una. George había llegado al nivel de popularidad de artistas como Michael Jackson o Madonna que por aquel entonces copaban la música pero el éxito no le hizo feliz, no le gustaba en lo que se estaba convirtiendo, ademas todo el proceso de Faith  lo dejó agotado y frustrado, y lejos de su familia. Durante 1990, le dijo a su compañía discográfica, Sony, que no quería seguir ese camino.


Su segundo disco  Listen Without Prejudice Vol. 1 (el elegido para esta semana) dio un cambio rotundo a su carrera, era un disco mas intimista, menos comercial, con sonidos mas alejados del
estándar de popularidad al que ademas nunca apoyo con campañas promocionales (un detalle, en la portada del disco, no es que no saliera su foto, en que ni siguiera salia su nombre), lo que le costo un enfrentamiento directo con la compañía y una caída de ventas de la que no se recuperaría. El disco es una maravilla y paro aqui mi relato para meternos a fondo con él.





1.- Praying for time. El primer tema del album es una reflexión sobre la sociedad de ese momentos y sobre los males que se aquejaban. Ademas del mensaje la canción es poderosa musicalmente, con un fondo de eco sobre la voz del cantante distorsionando la calidad voz a la que estábamos acostumbrados, con una guitarra acústica y orquestada creciendo y creciendo la la vez que transcurre la canción y una letra realmente brillante en la voz de George Michael, soltándole a la cara al ser humano que sigue perdiendo el partido de la vida, en medio de guerras, discriminación, ambición, miseria... Mi canción top de este disco


(...)

Los ricos se declaran pobres
Y la mayoría de nosotros no estamos seguros
Si tenemos demasiado
Pero nos arriesgaremos

(...)

Estos son los días de la mano vacía
Te aferras a lo que puedes
Y la caridad es un abrigo que usas solo 2 veces por año

Así que gritas detrás de tu puerta
Dices “lo que es mío, es mío y no tuyo”
Puede que tenga demasiado, pero me arriesgaré, porque Dios ha dejado de vigilar
Así que gritas detrás de tu puerta
Y te aferras a las cosas que te venden
¿Te cubriste los ojos cuando te dijeron
Que el no puede regresar

Por que no tiene niños por los cuales regresar?

Dependes de las cosas que te han vendido
Y arriba, los cielos heridos
dicen que es demasiado tarde
Bueno, quizás deberíamos suplicar tiempo...
Cerraste los ojos cuando te lo dijeron...


2.- Freedom '90: Nos encontramos quizás con la canción mas comercial del disco, aun asi con ese comienzo con bongos africanos se sale de lo esperado, una canción fácilmente bailable y que transmite muy buen rollo. La particularidad de esta canción esta en su videoclip comercial, realizado por el mismísimo David Fincher (realizador de El club de la lucha o Seven) y protagonizado por las modelos TOP de aquella época, es decir, Cindy Crawford, Naomi Campbell, Christy Turlington, Linda Evangelista y Tatjana Patitz. Sin duda este fue el gran single del disco y paradojicamente es el que mas desentona con el estilo del disco.. ¿imposición de la discográfica?

3.- They won't go when I go: Tenemos en esta ocasión una versión, el tema original es de Stevie Wonder y George le da su toque. Un tema intimista, piano y voz en una batalla frente a frente en el tercer tema del disco, una autentica exhibición vocal con una letra nuevamente reivindicativa que se acoplaba perfectamente a su filosofía humana.

Las sucias mentes engañan a las puras 

La inocencia de seguro se ira,

Para ellos no hay un lugar de descanso 

Gente pecando solo por diversión. 

Ellos nunca verán el sol 

Porque nunca podrán mostrar sus rostros

No hay lugar para el pecador desesperado,

Que tomara mas de lo que puede brindar

No podrá dar nada

La codicia del hombre estará muy

Lejos de mí 

Y mi alma será libre 

porque ellos no se irán cuando me vaya 

4.- Something to save: Aquí nos sorprende con una canción luminosa, apoyada en fondo de guitarra y cello, una buena canción que no desentona con el nivel hasta ahora exhibido, pero no de las mas brillantes

5.- Cowboys and Angels: Otro absoluto pelotazo del disco, nuevamente el piano domina la canción con la voz de George, unos primeros 40 segundos solo de piano y entra el escenario de jazz orquestal acolchando y la voz que te susurra a ritmo de vals que dominaran los 6 minutos restantes, al final de la canción el protagonismo lo toma un solo de viento realmente soberbio. Una canción en este caso de desamor, que consigue trasladarme a lugares mejores.. imprescindible.

Puedes llamarlo amor, pero yo no creo que sea cierto
A estas alturas deberías saber
Que no soy el adecuado para ti
No te culpes
Siempre acaba igual.

6.- Waiting for that day: Y después del sufrimiento vuelve a salir el sol en otro tema comercial y que trasmite un buen rollo considerable, para nuestro compañero "Nevermind" es "Una vuelta a lo acústico, canta como si estuviera en un desfiladero de Escocia con el viento dándole en la cara, mientras lamenta que no es capaz de seguir el consejo de sus amigos que le dicen que conocerá a otra persona que le hará olvidar" de postre nos sugiere el guiño final al "You can´t always get what you want" de los Stones.

7.- Mothers Pride:  Aquí tenemos otro de los grandes temas del disco, y de nuevo el piano es el que consigue llegar a las mas altas cimas a la canción. El tema con reminiscencias bélicas fue descrita por la revista Rolling Stone como “una representación de los hijos que eternamente aprenden de sus padres las diversas formas de la guerra“. La canción fue utilizada sin el consentimiento del autor en muchas representaciones de la guerra del golfo que por aquella época se estaba desarrollando, ya que sus letras se adherían a un amplio inventario de creaciones orientadas a los conflictos bélicos. George Michael en cambio declaro sobre ella  “Supongo que cualquier tipo de canción racional sobre la guerra aborda la inutilidad de ésta, pero más que eso, ésta es acerca de la forma en que las mujeres ven a sus esposos e hijos, y de cómo influyen en ellos”.

8.- Heal the pain:  Volvemos al positivismo, una canción fácilmente audible que irradia y alto positivismo. Existe una versión grabada a dúo con Paul McCartney, no se si seria premeditado porque se grabó años mas tarde de la publicación del álbum, pero esos coros son tan de Los Beatles que estaba claro. Para mi no es de lo mejor del álbum

9.- Soul Free: La segunda canción del disco claramente bailable y para discoteca, mediocre y comercial y para el que escribe nada reseñable

10.- Waiting (Reprise): Dos minutos y medio para hacer una versión del sexto tema, Waiting for that day, en acústico, una curiosidad intimista.


Merece la pena eliminar cliches y pararse a escuchar este gran disco. Ya sabeis, podeis dejar vuestros comentarios en el blog o en la cuenta de Twitter  @7dias7notas  donde vamos desvelando los discos semanales y muchas curiosidades musicales,

El disco de la semana 98: Led Zeppelin - IV (Mes Led Zeppelin)

LED ZEPPELIN IV

Esta semana estaremos escuchando el cuarto disco de Led Zeppelin, sin nombre pero con una calidad tremenda, uno de los ¿20? ¿10? mejores discos de la historia, con temas ya eternos como Black Dog, Rock and Roll, y como no Stairway to heaven, la obra maestra de Led Zeppelin y la canción más emitida por radio de la historia, junto con "Yesterday" de los Beatles, ambas rondan los 4 millones de emisiones desde su publicación.

El disco abre con "Black Dog", llamada así porque en la villa en la que estaban grabando aparecía frecuentemente un perro labrador que aparentemente no tenía dueño. Nada que ver realmente con la letra, que habla de una ruptura sentimental. En el aspecto musical se trata de un blues progresivo pero bañado en un riff contundente y con la voz de Robert Plant dándolo todo.

Le sigue "Rock and Roll", que como su nombre indica tiene una estructura clásica de rock and roll con un toque acelerado, pero de nuevo el regalo viene envuelto en una capa de guitarras rock de Jimmy Page que lo convierte en un tema contundente. También destaca la aparición de Ian Stewart, teclista de los Rolling Stones, que participó en la jam-session en la que se gestó la canción.

"The Battle for Evermore" es el primer descanso en el camino dentro de un disco de rock. Las mandolinas, por obra y gracia de John Paul Jones, toman el mando y nos trasladan al universo folk tradicional británico. La letra es de Robert Plant y está basada en las guerras de independencia de Escocia. Otra curiosidad es que es de las pocas canciones en las que alguien ajeno al grupo colabora en la canción en los coros, la cantante de Fairport Convention, Sandy Denny.

"Stairway to heaven", poco que decir que no se haya dicho ya, obra maestra que arranca con guitarra y voz y progresivamente va creciendo, entra la batería de Bonham y el propio crecimiento sonoro de la canción desemboca en el furioso tramo final con los solos de guitarra de Page y la desatada voz de Plant. 7 minutos para la historia.

"Misty Mountain Hop" abre lo que era la cara B en vinilo. Se repite la fórmula de dos canciones rockeras para tomar después aire con una más acústica y cerrar con un tema épico y denso. En esta predomina el rock pero los teclados de John Paul Jones le dan un toque pop. 4 Non Blondes firmaron una versión de este tema. La letra tiene referencias al "Hobbit" a través del viaje alucinógeno de unos hippies que creyeron estar en la cima de unas montañas entre la niebla.

"Four sticks" la sigue y alterna tramos rockeros con partes más acústicas, en una mezcla de gran complejidad y mérito, el nombre viene de la manera de tocar de Bonham a la batería.

"Going to California" marca la pausa de la cara B y la vuelta a lo acústico. Es un homenaje a Joni Mitchell, gran influencia tanto para Page como para Plant.

Y el disco cierra a lo grande con "When the Leeve Breaks", canción que no terminaba de despegar en las primeras tomas, hasta que decidieron poner la batería en un piso y subir los micrófonos al piso superior, lo que le dió la sonoridad que el tema merecía. Una de las canciones más grandes del disco, y en realidad una versión prácticamente irreconocible de un tema de blues de finales de los años 20. Final a la altura de un disco irrepetible.

El disco de la semana 97: Black Sabbath - Paranoid

 

Paranoid, Black Sabbath

     Birmingham, Inglaterra, corre el año 1968 y el guitarrista Tony Iommi y el baterista Bill Ward acaban de dejar un grupo llamado Mythology, un fallido proyecto, deciden entonces crear su propia banda y se lanzan a la búsqueda de músicos para su nueva aventura. El dúo tras la búsqueda ficha al bajista Geezer Butler y al cantante Ozzy Osbourne, los cuáles venían de tocar juntos en un grupo llamado Rare Breed. También fichan al guitarrista Jimmy Phillips y al saxofonista Alan Clarke, y llaman al grupo The Polka Tulk Blues Company, nombre que copian de una compañía textil de la India, aunque a poco después acortan el nombre quedando sólo en Polka Tulk. Phillips y Clarke duran poco en el proyecto y abandonan la banda, quedando sólo Iommi, Osbourne, Butler y Ward, quienes vuelven a cambiar el nombre del grupo, en esta ocasión el elegido es Earth.

El grupo en sus inicios comienzan haciendo versiones de blues y rock y se caracteriza por realizar largar improvisaciones bluseras. En diciembre de 1968 y por cosas del destino Tony Iommi abandona la banda para fichar por Jethro tull, pero su aventura dura sólo un par de meses, hasta enero de 1969, volviendo a Earth. Una vez estabilizado el grupo, y mientras se encuentra de gira por Inglaterra se da cuenta que está siendo confundido por otro que tiene el mismo nombre por lo que deciden cambiarse el nombre.

Un día, mientras se encuentran los 4 componentes en el local donde ensayaban habitualmente, Butler observa frente al local un cine, en dicho cine había una cola enorme de gente para ver una película de terror, concretamente del director Mario Brava, un reputado director de cine italiano del género, y protagonizada por Boris Karloff. La película databa del año 1963 y se titulaba I Trie Volti Della Pura (Las tres caras del diablo), y en inglés había quedado traducida como Black Sabbath. Iommi, Butler, Osbourne y Ward tenían claro desde ese momento el nombre del grupo, Black Sabbath. En cuanto al sonido del grupo, acaba apostando por el famoso tritono ó intervalo del diablo,  dotando a sus composiciones con una música y unas letras muy oscuras. Sería este estilo el sello de identidad del grupo, precursor del género heavy metal, conviriténdose además en referencia de infinidad de bandas de rock y metal posteriores. El famoso tritono era rechazado ya desde la época medieval por su dificultosa entonación y su sonido se consideraba siniestro. En el Renacimiento se considera que el tritono es inestable y los teóricos y eruditos musicales lo rechazan, quedando este estilo abocado al abandono.

En febrero de 1970 el grupo publica bajo la discográfica Vertigo, perteneciente a Philips Records, su primer álbum de estudio titulado Black Sabbath, grabado sólo en dos días con un presupuesto de 600 libras. En un principio el disco no consiguió acaparar la atención de la crítica, pero poco a poco y con el tiempo el disco, que estuvo mucho tiempo posicionado en las listas, obtuvo certificación de platino en Estados Unidos y de oro en Reino Unido. Debido a la portada del disco y el estilo del grupo, éste recibe la fama de ser una banda satánica, llegando a ser invitados por una secta satánica para que tocara en uno de sus ritos en Stonehenge. La banda lógicamente se negó, pero al parecer fueron maldecidos por un integrante de la secta. Como medida de protección, el padre de Ozzy les fabricó a cada uno de los integrantes una cruz de plata que debían llevar colgada del cuello a todas partes.

Para aprovechar el éxito que el disco ha tenido en estados Unidos el grupo se mete en el estudio en junio de 1970, y en septiembre de 1970 lanzan al mercado su segundo álbum de estudio, Paranoid, el recomendado para la ocasión por 7dias7notas para la semana número 97 de su aventura. Lo cojas por donde lo cojas y lo mires por donde lo mires este disco es una auténtica obra maestra. Las composiciones de los temas están dotadas de esa oscuridad tan característica del famoso tritono, y las letras de Paranoid se encargan de hablarnos de la parte más negativa y mala de la condición humana. Todas las composiciones de este álbum están acreditadas a los 4 componentes de la banda. Sobre el título del disco, el grupo lo quería llamar War Pigs, pero debido a presiones de la discográfica tuvieron que cambiarlo por Paranoid. De hecho la portada del álbum fue diseñada por Keith Macmillan y fue concebida para el título War Pigs, pues ilustra un cerdo con una espada y un escudo.

Comenzamos este viaje por la oscuridad de la condición humana con War Pigs, una auténtica joya, un trallazo donde el grupo habla de los horrores de las guerras y lanza una dura crítica a éstas, concretamente a la guerra de Vietnam, a los militares y a los políticos, a los que califican como "Cerdos de guerra". Al grupo se le ocurrió la idea de escribir el tema mientras se encontraban tocando por Europa en una base de la Fuerza Aérea Estadounidense. El tema fue escrito en algún lugar de un desierto de Zurich, Suiza, cuando aún se encontraban tocando para audiencias más pequeñas. Paranoid, nos encontramos ante uno de los riffs más famosos del heavy metal. El bajo, la guitarra  y la voz de Ozzy crean una atmósfera vertiginosa y paranoica, aunque realmente el tema hace alusión a la depresión. Geezer Butler escribió la letra, y el reconocía que en el momento de escribirla no sabía la diferencia entre una persona paranoica y una deprimida. según él tenía que ver con las drogas y la relación que hay entre la paranoia que te entra cuando tomas drogas y la depresión posterior después de haberlas consumido. En cuanto al origen del famoso riff, al parecer en un descanso durante las grabaciones y mientras el grupo se había ido a por cervezas se quedó solo en el estudio Iommi, quien empezó a tocar el famoso riff, y como en ese momento no había grabadoras y para que no se le olvidara, estuvo tocándolo continuamente hasta que el resto del grupo volvió. Planet Caravan, un relajado tema que trata de un hombre que flota junto con su amante por el universo. Ozzy utilizó un micrófono Leslie para lograr los efectos de vibración y los agudos del tema. Las partes de piano fueron grabadas por el ingeniero del álbum Tom Allom, y Iommi utilizó un sonido de flauta que luego invirtieron y trataron con retardo estéreo. Cierra la cara A Iron Man, tema que trata de un hombre que viaja a través del tiempo y ve el fín del mundo, y en su camino de regreso a la Tierra para advertir a la humanidad de dicho fín atraviesa una tormenta magnética y se convierte en un hombre de hierro. Nadie le cree sobre el fín del mundo, por lo que enfurece y descarga su rabia sobre la Tierra, provocando él mismo ese fín del mundo que él había visto. Este tema contiene a demás un hipnótico y singular de riff de guitarra que se repite de forma constante, que además se ha convertido en otro de los más famosos del grupo y de la historia.

El tema que se encarga de abrir la cara B es Electric Funeral, quizás uno de los temas más siniestros del grupo por su tono apocalíptico y su ritmo lento y pesimista. El tema trata de la devastación producida por un holocausto nuclear. Hand Of Doom, tema que habla sobre la adicción a la heroína. El tema fue ideado por la banda al ver como muchos soldados estadounidenses que regresaban de Vietnam, llegaban a Inglaterra con graves adicciones a las drogas. y Butler se inspiró para la letra al ver las jeringuillas dejadas y abandonadas en el suelo por la audiencia que iba a verles tras acabar los conciertos. Ratad Salad, nos encontramos con el único tema instrumental del disco, un tema de apenas dos minutos y medio donde la batería de Ward y la guitarra de Iommi son los protagonistas y nos regalan detalles que por momentos rozan el rock progresivo. Esta obra mestra cierra la cara B y el disco con Fairies Wear Boots, temazo del que no está claro su procedencia pues Ozzy ha llegado a afirmar que escribió la letra sobre el LSD, y también ha llegado a afirmar que realmente no recuerda sobre que escribió la canción. Y por otro lado Geezer Butler afirma que la letra del tema trata de los Skinheads, y que fue compuesta a raíz de un incidente con un  grupo de estos tras un concierto donde a Ozzy lo llamaron "Hada" por su largo cabello y al final se produjera un pelea en la que Iommi resultó herido, por lo que se vieron obligados a cancelar su siguiente concierto. Quizás la respuesta a este tema la tenga Iommi, que declaró en su momento que durante esa época fumaban mucha droga, y ese podría ser el motivo por el que algunas de sus letras son algo inusuales, como puede ser el caso de este tema.

El disco de la semana 96: The Presidents of the United States of America - The Presidents of the United States of America

 

 

 

El Presidente de los Estados Unidos es el cargo político más alto del país de las barras y estrellas. Ostenta los poderes de Jefe de Estado y de Gobierno, y lidera el poder ejecutivo. O sea, que el puesto no es moco de pavo. Hasta la fecha, ha habido cuarenta y cuatro presidentes. Entre los más famosos, podemos destacar al primero (George Washington), al que fue actor (Ronald Reagan) y al que, sin serlo, conocemos por decenas de películas de la II Guerra Mundial (Franklin D. Roosevelt). No podemos dejar sin mencionar al primer presidente afroamericano (Barack Obama), y como nos está quedando un poco largo, cerramos el capítulo de menciones con el actual presidente Donald J. Trump, en el cargo desde 2017.

 

Sin embargo, repasando la lista completa, y pese a encontrar hasta un presidente que le cogió gustillo al cargo y repitió años después (Grover Cleveland), no hemos encontrado rastro alguno de Chris Ballew y Dave Dederer, los auténticos "Presidentes de los Estados Unidos de América" para 7días7notas, esos que a una edad muy temprana, se conocieron mientras esperaban el autobús escolar en Seattle en los ochenta. Años después, en el verano de 1993, Ballew volvió a Seattle y se reencontró con su amigo, formando un dúo musical al que, tras esos primeros comienzos, incorporaron a Jason Finn a la batería. Habían nacido los Presidentes de los Estados Unidos de América, sin haber sido elegidos mediante sufragio indirecto por un colegio electoral.

 

 

La Constitución de los Estados Unidos otorga a los presidentes la ejecución de la ley federal, y les autoriza a nombrar a los poderes ejecutivos y judiciales con la aprobación del Senado. Ellos no sabían muy bien como hacer todo eso, así que optaron por hacer lo que sabían, que no era otra cosa que grabar un disco. A principios de 1994, grabaron Froggystyle (Estilo rana) una cassette con diez demos, que vendían en los conciertos o en la barra del bar en el que Jason Finn trabajaba. Allí estaban algunos de los temas que acabarían formando su homónimo disco de debut de 1995, un sorprendente éxito de ventas, a pesar de haberlo publicado sin la aprobación explícita del Senado.

La crítica también les acompañó en ese momento, describiendo los singles "Kitty", "Lump" y "Peaches" como canciones altamente irónicas, divertidas y pegadizas, y provistas de un sonido limpio y sencillo que se alejaba totalmente de la tendencia grunge dominante. Kitty abría el disco, seguida de una Feather Pluckn que en la versión original del disco, que sufrió varias remezclas y reediciones, incluía un verso que era un guiño al "I got a feeling" de los Beatles, una influencia en las Antípodas de sus grupos vecinos de Seattle. La referencia desapareció de ediciones posteriores, así como la foto interior del disco en la que los Presidentes de los Estados Unidos de América aparecían junto a Bill Clinton, el "otro" presidente de los Estados Unidos de entonces, que no tocó el saxofón en el disco.

Lump es, sin duda, su tema más redondo y significativo, y una de las pocas canciones de las que se haya documentado que surgieran de los efectos de un tratamiento contra la neumonía. Según Chris Ballew, los antibióticos del tratamiento le generaron una reacción alérgica y varias noches de sueños muy locos, de los que acabaría surgiendo la letra de la canción. No sabemos si, durante su convalecencia, se planteó que en caso de muerte del presidente, el vicepresidente asumiera la presidencia, pero afortunadamente la neumonía pasó, dejando como recuerdo la canción más emblemática del grupo, que no la más exitosa.

 

Porque las mieles del éxito se las llevo realmente Peaches, un tema sobre una chica de la que Ballew estaba enamorado. La chica tenía un melocotonero en su jardín, y el día en que por fin Ballew se armó de valor, entró en el jardín y se dirigió con firmeza hacia la puerta de la casa, dispuesto a confesarle a la chica su amor incondicional, pero las dudas le frenaron bajo el melocotonero, y aplastó nervioso varios melocotones con el puño, hasta desistir y darse la vuelta sin decirle nada a la chica. Más allá de la divertida letra y la arrolladora música, el éxito vino de la mano de un impactante y enloquecido vídeo en el que los Presidentes de los Estados Unidos de América se enfrentan a un ejército ninja en un jardín lleno de melocotoneros. Algo nada sorprendente, si tenemos en cuenta que, como comandantes en jefe de las fuerzas armadas, podían embarcar al país en una guerra si lo consideraban necesario.

En su segundo mandato, publicado como "II" en 1996, siguieron mostrando su gracias y talento a partes iguales, pero el disco no alcanzó los niveles de éxito de su debut. Otros discos les siguieron, pero la crítica les estaba ya esperando con las manos llenas de arrojadizos melocotones, por lo que el grupo entró en una dinámica de idas, venidas y abandonos, para acabar reuniéndose de nuevo en 2004, con el lanzamiento de una edición especial del disco de debut con motivo del décimo aniversario de su publicación, con temas inéditos, demos  y caras B, a pesar de que, de acuerdo con la ley electoral, no pudieran presentarse a una reelección después de dos mandatos de cuatro años. Y es que fueron demasiadas las normas que acarreaba la responsabilidad del cargo, para unos tipos que sólo seguían los dictados de los sueños de su cabeza, y que pese a salvar a la "tierra de los valientes y las oportunidades" de una invasión ninja en un solitario jardín de melocotoneros, fueron condenados al destierro y al olvido, en lugar de darles su merecido hueco en la historia, o al menos en la lista de los cuarenta y cuatro Presidentes de los Estados Unidos de América.

La música en historias: El músico pintor

Ronald David Wood, más conocido cómo Ronnie Wood nació en 1947 en Inglaterra, hijo de una humilde familia de Gitanos del Agua. Junto a sus hermanos, fueron los primeros en nacer en tierra firme, pues sus padre habían venido al mundo en las barcazas que había orilladas en Paddinton Basin, al oeste de Londres. Desde su infancia estuvo rodeado del ambiente musical, pues en su casa era muy común que sus hermanos montaran fiestas  donde tocaban música, pues también eran amantes del blues y del jazz.

    

No era de extrañar que Ronnie se acabara haciendo una carrera musical, y que carrera. En 1964 empieza su carrera como guitarrista del grupo "The Birds". Posteriormente, en 1967 Ronnie se une, pero esta vez como bajista, a la banda de Jeff Beck "The Jeff Beck Group", grupo con el que realiza varias giras y graba dos álbumes. Mientras estaba en esta banda también trabaja paralelamente con el grupo "The Creation"

En 1969 Steve Marriot abandona el grupo "Small Faces" y Ronnie empieza a colaborar con los miembros restantes de la banda, Rod Stewart y Kim Gardner, a los que se une el hermano de Ronnie, "Art Wood". Con el tiempo esta formación acaban fundando el grupo "The Faces". Con ellos, Ronnie, toca la guitarra y graba cuatro discos, además de tocar la armónica, cantar y tocar el bajo en varios temas.

    

Y llega el año 1974, y Mick Taylor deja los "Rolling Stones" y llaman a Ronnie, que colabora en la grabación del álbum "Black and Blue", convirtiéndose en miembro oficial de los Rolling en 1976.

A partir de aquí, la historia de Ronnie Wood con los Rolling Stones es de sobra conocida.

    

Pero sabían que Ronnie también es un reputado pintor? Se podría suponer que Ronnie, gracias a la fama y el tirón que se creó por su exitosa carrera con los Rolling Stones, aprovechó este hecho para hacerse un hueco en el mundo del arte. Pues no, nada que ver, Ronnie estudió desde los 7 años en el "Art College" de Londres, al igual que sus dos hermanos, y gracias a su talento ganó un concurso de pintura de la cadena de televisión británica BBC. Creó la portada del álbum "Crossroads" de Eric Clapton en 1988 entre otras obras. Varios de sus trabajos han sido expuestos en reputadas galerías, y es propietario junto a sus hijos Jamie y Tyrone de una galería de arte en Londres llamada "Scream".

    

Me atrevería a decir, que la carrera del Ronnie Wood pintor empezó incluso antes, si cabe, que la carrera del Wood guitarrista y compositor. Y tampoco le fue nada mal, porque de talento va sobrado.

Crossroads by Ronnie Wood



    

El disco de la semana 95: The Smiths - The Queen Is Dead

 

The Queen Is Dead, The Smiths

     En la semana 95 de nuestra aventura nos fuimos al Reino Unido, de donde proviene el grupo al que vamos a dedicar este espacio, concretamente a Manchester, lugar donde se gesta una banda que llevando el rock alternativo por bandera, tocando además otros palos como la música indie ó el post-punk. The Smiths se convirtieron en la formación más importante en la década de los 80 dentro de la escena británica de música independiente. 

Corría el año 1982 y un joven llamado Johnny Marr se encuentra buscando personal para formar una banda, entonces unos amigos suyos le hablan de un tal Morrissey, un chico que vivía cerca de él y que poseía un estilo muy personal y particular a la hora de escribir, pero con un carácter difícil. Por otro lado Morrissey es un gran aficionado a la literatura, y uno de sus autores preferidos es Oscar Wilde, al que se referirá en muchas de sus composiciones posteriormente. Morrissey había formado parte de un proyecto, una banda punk llamada The Nosebleeds, pero por su particular estilo no acaba de encajar. También había probado fortuna en el periodismo musical sin suerte. Una vez juntos Marr y Morrissey reclutan al baterista Mike Joyce tras una audición, y al bajista Dale Hibbert, si bien éste dura muy poco y es sustituido por Andy Rourke. The Smiths quedaba conformada por Johnny Marr (guitarra), Morrissey (voz), Andy Rourke (bajo) y Mike Joyce (batería), una banda que marcaría una época dentro de la escena musical británica.

Se creía que el origen del nombre de la banda fue sacado de una historia que impactó en su juventud a Morrissey, la de David Smiths, que denunció ante la policía de Manchester la identidad de los asesinos de los páramos, una pareja de asesinos que se hicieron célebres en la década de los 60. Sin embargo fue el mismo Morrissey quén aclaró en una entrevista que el nombre de la banda surgió porque ese era el apellido más corriente y común y era hora de que la gente más corriente se mostrara al mundo.

En 1984 debutan con su primer álbum de estudio, The smiths, con el que llegan a los primeros puestos de las listas británicas. Un disco con multitud de referencias a la literatura y la cultura pop. después de su magnífico debut, el grupo publica un año depués, 1985, su segundo disco, Meat Is Murder, un disco con connotaciones políticas y con alusiones a favor del estilo de vida vegetariano, de hecho Morrisssey había prohibido al resto del grupo ser fotografiados comiendo carne. El disco alcanza el puesto número 1 en las listas del Reino Unido.

Y llegamos a 1986, año en el que la banda publica The Queen Is Dead, el disco recomendado para la semana 95 de la aventura de 7dias7notas. si la banda ya había dado muestras de una gran sensibilidad artística y creativa, con este disco se iban a doctorar, pues es una obra maestra que contiene 10 fascinantes temas que van desde las piezas lentas a temas más bailables con ritmos frenéticos. Durante 1985 el grupo se ecuentra de gira por Reino Unido y Estados Unidos, tarea que alternan con la grabación de éste tercer disco. Un álbum donde donde se entremezclan lo sombrío y lo humorístico con una gran maestría.

Todos los temas del disco son compuestos por la dupla Marr/Morrissey excepto el tema Take My Back To Dear Old Blighty, tema que fue muy popular durante la I Guerra Mundial y cuenta la hsitoria de tres soldados ficticios. Este tema realmente es una introducción al primer tema, The Queen Is Dead, tema que muestra la disconformidad con la realeza británica, un ataque en toda regla contra la realeza británica. Morrissey comentaba sobre este tema que si bien no quería atacar a la realeza británica, a medida que pasaba el tiempo iba perdiendo la confianza y la fé en esta misma. Frankly, Mr. shankly, tema del que se dice questaba dirigido a Geoff Travis, quien era el director del sello discográfico de la banda por entonces, Rough Trade, sello con el que la banda había tenido una disputa legal y que había provocado que la salida del disco se retrasara unos meses. En este tema fue invitada a tocar el piano Linda McCartney pero ella declinó la invitación. I Know It's Over, una sombría balada donde un moribundo hombre reflexiona sobre lo que ha sido su solitaria vida y como la ha desperdiciado. Never Had No One Ever, tema donde Morrissey expresa que nunca se sisntió a gusto en su Manchester natal, pues durante 20 años siete meses y 27 días que estuvo allí viviendo nunca tuvo a nadie, siempre estuvo solo. Cierra la cara A Cemetry Gates, tema donde el narrador mientras pasea por un cementerio nos cuenta lo triste que se siente por todas las personas que han muerto y con ellas sus pasiones, amores, ilusiones y odios. 

Comenzamos la cara B con Bigmouth Strikes Again, un claro ataque a los medios de comunicación y sus tácticas exigentes y agresivas. Hay un verso que alude al "audífono de Juana de Arco que se derrite"; en el momento del lanzamiento de la canción Morrissey había empezado a usar audífonos cuando actuaba en una muestra de apoyo a un fan con problemas de audición que le había escrito recientemente. The Boy With The Thorn In His Side, tema que fue el primer sencillo de la banda acompañado de un video promocional. La banda se negaba a hacer videos de sus temas, pero al final accedieron para apaciguar los ánimos con su sello Rough Trade,con el que no había buena sintonía. Sobre la temática Morrissey afirmaba que el tema hacía alusión a la industria de la música, pues el título, El niño de la espina en el costado, reflejaba a la industria de la música personificada en la espina, y como se había intentado deshacer de él, de aquel niño. Vicar In A Tutu, tema donde Morrissey habla sobre no ser aceptado por la sociedad. aunque la letra se burla de los valores religiosos y su mentalidad cerrada, Morrissey es católico de nacimiento y ha afirmado muchas veces que nunca ha abandonado su fe en Dios. There Is a Light That Never Goes Out, joya y obra mestra de la banda. Sobre este tema Marr decía que era la mejor canción que jamás había escuchado. Es maravilloso escuchar a Morrissey como desde el asiento del pasajero del coche le suplica a su pareja que se encuentra en el lado del conductor que no le deje en casa, y que está tan agusto que no el importaría que un autobus de dos pisos se estrellara contra ellos, ya que morir al lado de su amada pareja sería una experiencia celestial. Sencillamente Magnífico. y cerramos la cara B y esta obra maestra con Some Girls Are Bigger Than Others, donde Morrissey explora el concepto de la feminidad en la mujer, tema sobre el que reconocía que estaba en gran parte inexplorado por él.

La musica en el cine: John Barry - James Bond Theme

Otra de las sintonias inconfundibles es el tema que acompañaba al agente 007, Bond.... James Bond. El autor de este tema superconocido el John Barry y fue utilizado en 22 peliculas del agente 007, si bien como tema principal sonaba en 11 de ellas, usándose en el resto como Leitmotiv en momentos de peligro del agente.

 Pero detrás de esta canción hay mucho mas ya que Monty Norman ha sido acreditado como el creador del Tema de James Bond contra el Dr. No, a pesar que finalmente el tema fue orquestado por John Barry, ya que los productores no estaban satisfechos con el arreglo de Norman, fue John Barry reorganizó el tema. Más tarde, Barry afirmó que fue él quien escribió el tema, pero Norman ganó dos acciones por difamación contra los editores por afirmar que Barry era el compositor. Barry fue posteriormente el encargado de componer la música de 11 filmes para la serie de James Bond y aunque legalmente Norman es reconocido como el creador del Tema de James Bond, la mayoría de los aficionados reconocen a Barry como el verdadero creador del tema al ser él quien le dio el sonido y la orquestación definitiva.



Barry tiene en su haber cinco premios Oscar: mejor Banda sonora y Canción por Nacida Libre (1966), mejor Banda Sonora por El León en Invierno (1968), y Mejor Banda sonora por Memorias de África (1985) y Bailando con lobos (1990).
Empezo su carrera estudiando piano y trompeta, y posteriormente hizo un curso de composición por correspondencia mientras hacía su servicio militar.
En 1957 montó un grupo de rock and roll, "The John Barry Seven", que triunfaria en la televisión y luego rápidamente dio el salto al cine, donde fue uno de los primeros en utilizar los sintetizadores para las bandas sonoras.

El disco de la semana 94: Andres Calamaro - Honestidad brutal

 

“La honestidad no es una virtud, es una obligación” ….. Eso puede leer nada más abrir la locura del poeta loco, la vomitona de un ser dolido y medio muerto que trata mediante la música de seguir adelante utilizándola como un bálsamo que cure sus heridas físicas y sobre todo las del corazón…. Le entiendo, siendo joven tuve una crisis con mi actual mujer, y este disco fue bálsamo y a la vez punto de partida para retorcerme en el dolor de aquella situación, porque como poeta loco nos gusta soplarnos con gasolina en las heridas. Una locura donde encontramos 37 canciones, algunas mejores, otra muy malas, muchas excelsas y es justo en esas donde voy a pararme a escribir, a recordar, a volver a sentir. Pero tener claro, este viaje va a tocar muchos palos… blues, reggae, funk, ska, tango, dub, rancheras, bossa nova, soul y pop. Honestidad Bruta’ está repleto de frases que me marcaron de por vida, me voy a hinchar a marcarlas en este texto, disculpen la pesadez.

 

El álbum empieza con El día de la mujer mundial a ritmo de guitarras afiladas, a ritmo casi de grunge y nos mete en una especie de viaje físico y mental, metido en un coche….. y esa primera frase lapidaria con la que nos recibe. “¿Quién escribirá la historia de lo que pudo haber sido? Yo que soñaba despierto ya no sueño dormido”. El siguiente tema es quizás uno de los más famosos del disco Te quiero igual, quizás uno de los más happys que vamos a encontrar, aunque escondido encontramos una vez más el desamor, una canción en la que se reta a decir cuantas más veces posibles “te quiero”, esa expresión tan poco chic, y que en su propia contradicción termina por vertebrar un corte al más puro estilo Dylan, porque si Dylan de una manera u otra tuvo su parte de culpa en este disco. Confieso que La parte de adelante es quizás uno de mis favoritos del álbum, y posiblemente uno de los menos trascendentales temáticamente, pero el gusanillo que nos mete dentro con ese ritmo cadencioso y chisposo a la vez te embruja, comentó Andres sobre esta canción que fue una de las que primero escribió, pero de las ultimas que cerró y que para él es especial… “Es una canción de varón domado y feliz, escrita mientras ves a tu chica pasearse por la casa y ni se te pasa por la cabeza que esa chica va a abandonarte. Tal vez por eso es una de las favoritas de las mujeres" porque al fin y al cabo “Que más quisiera que pasar la vida entera, como estudiante el día de la primavera, siempre viajando en un asiento de primera, el mejor carpintero de tu balsa de madera” Clonazepan y el circo es su gran critica a su país natal Argentina. Los Aviones llega a ser dolorosa cuando descubres a un Calamaro medio susurrando con un ritmo muy brasileño “…Se acabó todo lo que había, queda un cigarro mojado, porque quiero dormir y soñar con ella mientras por afuera pasan los aviones….”  Mas duele es psicodelia pura, una de las prescindibles. Calamaro escribió Cuando te conocí en un avión mientras leía la letra de “Tangled Up In Blue” de Bob Dylan y después, según sus palabras, se estrelló.  Es claro que se tratan de dos canciones hermanas, la temática es similar: un recuerdo de un amor, de esos esquivos, jodidos y un tipo envuelto en la tristeza. Prefiero dormir comienza como una especie de jazz para desembocar en una especie de rap a medias. Jugar con fuego es un brillante tango, como no, de desamor, otra de las canciones en las que colgarse de lo que has llegado a ser “Es inmoral sentirse mal, por haber querido tanto, debería estar prohibido haber vivido y no haber amado” .. que nos quiten lo bailado.. para vos, reina. Maradona son dos minutos festivos como siempre fue el juego del astro Argentino, merecido homenajes y un poco de respiro para el corazon. Una bomba, parece un reggae, no me hace gracia.  Socio de la soledad, es un pequeño cuento con un ritmo muy divertido, que esconde la resignación en sus notas. Son las nueve es una puta locura de canción, se deshace en cada una de sus notas y en su voz el dolor del trabajo que puede llegar a ser la composición, es quizás el gran HIT del álbum, aunque haya quedado sepultada por temas más comerciales y fáciles. Con Las dos cosas vuelve a los ritmos extraños, otro tema prescindible a mi entender al igual que Veneno. Preludio de otra gran cancion, esta Ansia en Plaza Francia, un tema donde la calidad vocal de Andres sale a relucir. Llega otra brutalidad, Paloma, una cancion de una belleza lirica y musical casi inigualable, un tema circular y en perpetuo crescendo mientras las guitarras vuelven a estar afiladas y la armonica pone orden en todo ello, con una letra en la que detenerse en cada verso.

Quiero vivir dos veces 
Para poder olvidarte
Quiero llevarte conmigo
Y no voy a ninguna parte
No te preocupes paloma
Hoy no estoy adentro mío
Tu amor es mi enfermedad
Soy un envase vació
No te preocupes paloma
No hay pájaros en el nido
Dos ilusiones se irán a volar
Pero otras dos han venido
…..
Te bajaría del cielo mujer
La luna hasta tu cama
Porque es muy poco de amor
Solo una vez por semana

Con Abuelo es el homenaje a un compañero muerto, Miguel Angel Peralta. Miguel Abuelo, era el líder del grupo Los abuelos de la nada, e hizo que Andrés formara parte del grupo. Miguel murió de Sida, y Calamaro creó esta obra maestra, en homenaje a su compañero y amigo. Es una especie de carta que le manda, dándole las gracias, alabándole por su obra y contándole como siguen las cosas por aquí. No tan Buenos Aires es otro tema dedicado a su país, un poco largo pero interesante. Con El tren que pasa volvemos al reggae con toques de música autóctona de su argentina, muy interesante. Victoria y Soledad es una una cancion festiva, un tema muy divertido donde juega de forma muy interesante con esos dos nombres. Con Mi propia trampa vuelve el dolor, otra cancion excelsa “Prefiero solamente un beso tuyo, antes que el amor de mil mujeres, es el beso que núnca te dí, cuando mis alas se quemaron y caí” Negrita una cancion de admiración a tu pareja que te ha dejado, dolorosa en si misma. Voy a dormir vuelve a las fumadas que me aburren.  Eclipsado parece un rock and roll made in Tequila, normalita. Mi quebranto es un rock and roll clásico no es redondo pero te lleva un poquito a esos tiempos donde las guitarras empezaron a sonar. Volvemos al dolor y a la pena son Me pierdo, otra de mis favoritas, hay que detenerse y disfrutar de ella. Hacer el tonto sirve para tratar de relajar, esta ranchera con mucha guasa. Naranjo en flor es uno de los grandes tangos argentinos, que aquí borda junto a Victor Exposito. Aquellos besos es tierna y romántica, pero se queda corta después de la montaña de sensaciones que hemos pasado. No son horas es otra de las maravillas del álbum, la canción del resurgimiento, después de sufrir y llorar por amor es el momento de levantar el vuelo, con el viento en las venas, y volver a respirar, volver a mirarse a uno y sentir la alegría de lo que eres. Masterpiece. Las heridas, vuelven los porros a las canciones, cuando le pone tan extraño me saca un poco de quicio. Misma impresión para Hay queremos innovar y hacer locuras y no sale bien. El ritmo del Lunes es un hibrido bastante interesante aunque no llega al nivel de otros temas. Con Para que se desastas de nuevo el rock and roll aunque de forma estrafalaria. No va mas podía haber sido la despedida del álbum, pero sinceramente no hubiera sido digno esta especie de jazz de taberna, como remedio cierra el disco con una versión mas pausada de su magnifica La Parte de adelante a la que titula La parte de atrás, no llega al nivel de la anterior pero es muy buena.

37 canciones es un burrada, seguramente quitando mas de la mitad hubiera tenido un disco redondo pero yo a Andres, le quiero de cualquier manera