Ray of Light - #MesMadonna

Años después de facturar "Like a prayer" (1989), el que probablemente sea su mejor disco, un rayo de luz iluminó de nuevo la carrera de Madonna con "Ray of Light" (1998), su séptimo disco de estudio y el responsable del "probablemente" de esta reseña, porque estamos ante el otro gran disco de Madonna, y otro gran paso adelante en el proceso de maduración y sofisticación que comenzó con "Like a prayer". Casi diez años después, y de nuevo en los albores de una nueva década, Madonna volvía a entregar un disco en el que sonaba más seria, moderna y enfocada que nunca, dando un gran giro estilístico respecto a sus discos recientes para explorar terrenos más electrónicos y géneros tan variados como el ambient, el trip hop o la psicodelia, y todo ello salteado de ritmos y melodías con sabor a Medio Oriente, y letras relacionadas e influenciadas por el estudio de la Cábala y la interpretación de la Torah, el hinduismo o el budismo.

Madonna empezó a trabajar en algunas canciones con los productores Babyface y Patrick Leonard, pero tras varias sesiones fallidas, buscó dar al disco un enfoque totalmente distinto, y llamó al productor de música electrónica William Orbit, que aportó el enfoque experimental e innovador con el que las nuevas canciones despegaron. No fue un proceso fácil, y de hecho "Ray of Light" es, de todos los discos grabados por Madonna, el que más tiempo requirió en el estudio. Orbit prefería trabajar con sintetizadores y sampleados electrónicos en lugar de con músicos de estudio, y durante la mayor parte del proceso la dupla Madonna-Orbit solo contó con la presencia de un ingeniero de sonido y su ayudante. Madonna escuchaba los ritmos y sampleados de Orbit una y otra vez, y escribía las letras que los sonidos le iban sugiriendo, y después Orbit iba dando forma a las canciones finales.

El disco comienza con "Drowned World/Substitute For Love", una balada con con toques jungle e influencias del drum and bass y el trip hop, con un título inspirado en la novela de ciencia ficción de J. G. Ballard "The Drowned World" (1962). Es una de las mejores canciones del disco, y un acertado tercer single que curiosamente fue número 1 de ventas en España. Tras este brillante comienzo, vuelve la Madonna más espiritual en "Swim", un tema que grabó el mismo día que su amigo Gianni Versace había sido asesinado en Miami, lo que influyó en que su interpretación vocal fuera aún más sentida e impactante.

"Ray of Light" es el tema que da título al álbum, y el segundo single que se lanzó para su promoción. De nuevo, estamos ante uno de los mejores temas de un gran disco, una brillante canción de dance-pop electrónico, con un riff de guitarra eléctrica que le da un efectivo toque rockero. El single fue también número 1 en España, y fue un gran éxito a nivel internacional tanto de ventas como de crítica por su combinación de atmósferas dance con toques progresivos y por la efectiva actuación vocal de su protagonista. El nivel no decae con "Candy Perfume Girl", un sorprendente tema de aires grunge y ramalazos de guitarra acompañados por un ritmo electrónico oscuro y posmoderno. No es un tema susceptible de convertirse en single, pero da mucho empaque a un álbum caleidoscópico y, por momentos, sorprendente, como los sonidos de orquesta electrónica de "Skin", o el afilado techno dance de "Nothing Really Matters", otro de los momentos álgidos del álbum, y el sexto single que se publicó de un disco que también tiene sus momentos valle, como en "Sky Fits Heaven" dedicada a la cábala y a su hija Lourdes, pero menos inspirada respecto al tono general del disco.

Más interesante, aunque solo sea por la curiosidad de estar cantada por Madonna en sánscrito, es "Shanti/Ashtangi", una oración hindú sobre un ritmo techno dance que requirió que la cantante tomara clases telefónicas de sánscrito para mejorar su pronunciación. Es un buena introducción a "Frozen" (nada que ver con la princesa de Disney), probablemente el mejor tema del álbum y su single de lanzamiento, un brillante medio tiempo de ambient electrónico adornado por capas de sintetizadores y cuerdas medievales generadas por ordenador. El single fue número 1 en Reino Unido, Finlandia, Italia y, de nuevo, España. La canción fue posteriormente acusada de plagio por el parecido de los primeros acordes con las canciones "Ma vie fout le camp" de Salvatore Acquaviva y "Blood Night" de Edouard Scotto Di Suoccio, pero los tribunales dictaminaron que el parecido entre las tres canciones no era suficiente como para considerar un plagio entre ellas.

"The Power of Good-Bye", cuarto single publicado del disco, es una vuelta de Madonna al terreno de las baladas emotivas e intensas. Tras este último fogonazo de luz, el disco se va apagando poco a poco con temas menores o más superficiales como "To Have and Not to Hold" o "Little Star" (de nuevo dedicada a su hija Lourdes). La última canción del disco es "Mer Girl", una meditación sobre la muerte de su madre, un tema que ya abordó en ese otro gran disco que fue "Like a prayer", una oración que no había tenido rival hasta que un "rayo de luz" iluminara a unas canciones tan inspiradas como aquellas y, si cabe, aún más arriesgadas. Considerado por muchos como su mejor trabajo, "Ray of light" fue top de ventas en 17 países, vendiendo más de 16 millones de copias, y sigue brillando con luz propia entre los mejores discos de la década de los noventa.

1207 - Barry White - My First My Last My Everything

1208 - Barry White - My First my Last My Everything

Barry White, el legendario cantante, compositor y productor estadounidense, fue un ícono del género soul y del amor romántico en la música popular. Nacido el 12 de septiembre de 1944 en Galveston, Texas, Barry White dejó una huella imborrable en la industria musical con su distintiva voz profunda y su estilo inconfundible. Una de sus canciones más icónicas, "My First, My Last, My Everything", lanzada en 1974, encapsula perfectamente su habilidad para transmitir pasión y romanticismo a través de la música.

La canción, que forma parte del álbum "Can't Get Enough", no solo se convirtió en un éxito instantáneo, sino que también se ha mantenido como un clásico atemporal, continuando su impacto en las generaciones posteriores. Desde su introducción con un ritmo animado y alegre, acompañado de cuerdas exuberantes y un coro celestial, hasta la entrada inconfundible de la voz profunda y seductora de Barry White, "My First, My Last, My Everything" cautiva a los oyentes desde el primer compás.

La letra de la canción, escrita por Barry White junto con Peter Radcliffe y Tony Sepe, expresa un amor inquebrantable y eterno. La declaración de amor que White ofrece a través de sus letras es sincera y apasionada, resonando con cualquier oyente que haya experimentado la profundidad de un amor verdadero. Las líneas como "You're the first, the last, my everything" ("Eres el primero, el último, mi todo") encapsulan la esencia del romance y la devoción absoluta.

La voz de Barry White es el alma de la canción. Con su distintivo timbre profundo y su entrega suave pero convincente, transmite una intensidad emocional que trasciende las palabras mismas. Cada nota está impregnada de emoción, desde la dulzura de las líneas melódicas hasta la pasión ardiente que se eleva en los momentos más emotivos de la canción. Es esta combinación de habilidades vocales y emotividad lo que convierte a Barry White en uno de los artistas más queridos y respetados de su generación.

La producción musical de "My First, My Last, My Everything" es igualmente impresionante. Barry White, quien también era conocido por su habilidad como productor, creó un acompañamiento musical exquisito que complementa a la perfección su voz distintiva. Los arreglos orquestales son ricos y exuberantes, añadiendo una dimensión adicional de grandeza y romance a la canción. Los elementos de la música disco, que estaban en su apogeo en ese momento, se combinan con el estilo característico de Barry White para crear una melodía que es al mismo tiempo moderna y atemporal.

La influencia de "My First, My Last, My Everything" en la cultura popular es innegable. La canción ha sido incluida en innumerables bandas sonoras de películas, programas de televisión y comerciales, y sigue siendo un elemento básico en las listas de reproducción de música romántica en todo el mundo. Además, ha sido versionada por varios artistas, lo que demuestra su perdurable relevancia y su lugar como una de las grandes canciones de amor de todos los tiempos.

Más allá de su éxito comercial, "My First, My Last, My Everything" trasciende las barreras del tiempo y el género para convertirse en una expresión universal del amor y la pasión. La habilidad de Barry White para capturar la esencia misma del romance en esta canción es un testimonio de su genio musical y su legado perdurable en la industria de la música.

"My First, My Last, My Everything" es mucho más que una simple canción. Es un testimonio del talento artístico de Barry White y su capacidad para conmover y emocionar a través de la música. Con su voz inconfundible, sus letras conmovedoras y su producción exquisita, esta canción sigue siendo un clásico atemporal que continúa inspirando y enamorando a oyentes de todas las edades.

Daniel 

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1206.- They Won't Go When I Go - Stevie Wonder

No es de extrañar que Stevie sea uno de los hombres más famosos de la historia de la música. Su virtuosismo en el piano junto con sus habilidades absolutamente estelares para escribir canciones son un dúo implacable y como si eso no fuera suficiente, su voz altísima y poderosa es una de las más reconocibles del soul. Simplemente tiene tanto talento que es casi un hecho que haya alcanzado el estatus que tiene. La década de 1970 generalmente se conoce como su período dorado, debido al lanzamiento de una serie de fuertes esfuerzos, incluidos Innvervisions , Songs In The Key Of LIfe y Fulfillingness' First Finale. Este ultimo es quizás uno de los discos más pasados por alto de Stevie, eclipsado por el gigantesco legado dejado por los discos antes mencionados. Atrapado entre los dos, a menudo se olvida, pero de ninguna manera deja de ser memorable, es decididamente más tenue que la mayoría de sus discos, con diez pistas escasas, carece de las composiciones extensas presentes en Innervisions . Líricamente, es menos político en su mayor parte y más centrado en sí mismo, por lo que es un disco más personal que los trabajos anteriores. Quizás fue el accidente automovilístico casi fatal en el que se metió en 1973 lo que hizo que su música fuera más cautelosa. A pesar de esto, todavía contiene la mezcla característica de funk pegadizo, soul downtempo y baladas tranquilas.

El núcleo emocional de todo el disco es la dolorosamente desoladora They Won't Go When I Go, que se remonta en sonido a Look Around, pero en una versión más extendida y abarcadora, con un sonido igualmente claramente clásico (probablemente influenciado por finales del siglo XIX), se nota su parte de piano casi improvisada y su escalofriante TONTO, parecido a una flauta, crean su tono sombrío, casi desesperado. La magistral interpretación vocal arqueada de Stevie es lo que hace que la canción sea tan conmovedora, aumentando la ira y el dolor hacia la sección media con su ataque a los pecadores y los políticos corruptos antes de volver a la silenciosa tristeza del principio. Desde su bella y oscura introducción de piano hasta los siniestros sonidos de sintetizador que se tambalean detrás de las voces, es una melodía que justifica la voz más sobreexcitada de Wonder en el álbum, el dramatismo, el tono y el tiempo de ejecución de seis minutos. Stevie Wonder realizó una versión de la canción en el funeral de Michael Jackson el 7 de julio de 2009.

1205.- Sea Song - Robert Wyatt

Robert Wyatt es todo un icono de la primeriza "jazz fusion" dentro de la corriente del rock psicodélico y progresivo de los setenta, y un miembro fundador de bandas tan influentes en los setenta como Soft Machine y Matching Mole, en las que inicialmente tuvo el rol de batería y cantante, hasta que en 1973 sufrió una caída accidental desde una ventana y quedó parapléjico. Tras el accidente, Robert decidió abandonar Matching Mole, para explorar otros sonidos y alejarse del trabajo en una banda, comenzando una interesante carrera en solitario que se prolongó durante cuarenta años, hasta su retirada definitiva de la música en 2014.

Su segundo álbum en solitario ("Rock Bottom", 1974), grabado con la ayuda de músicos cercanos a Robert como Mike Oldfield, Ivor Cutler o Fred Frith, comienza con "Sea Song", un apasionante tema de más de seis minutos de intensa y profunda música en la que destaca sobre todo el uso del teclado, instrumento en el que Wyatt basó su actividad compositiva tras el accidente. Como el resto del álbum, "Sea Song" fue alabada por parte de la prensa británica especializada, con críticas positivas en NME, Melody Maker o Sounds, entre otras publicaciones del momento.

"Rock Bottom" llegó a entrar en las listas de éxitos de Estados Unidos, alcanzando en 1975 un meritorio puesto 13 de la lista Billboard, en su apartado de "rock progresivo", y su tema estrella "Sea Song" tuvo gran influencia en grupos posteriores como Rachel Unthank and the Winterset, que la versionaron en su álbum "The Bairns" (2007), y más conocida quizá sea la versión de Tears for fears, grabada en 1985 e incluida como cara B del single "I Believe", una canción que además dedicaban a Robert Wyatt en las notas del LP "Songs for the big chair" (1985).

El disco de la semana 374: Africa Brasil - Jorge Ben

 

A finales de los años 60 hubo un boom en la música brasileña. Al movimiento se le llamó Tropicália, y devenía de lo que se conocía como Música Popular Brasileira, o MPB, que a su vez tomaba elementos del Bossa Nova de principios de los 70. Sus principales exponentes eran chavales idealistas que buscaban crear una identidad musical contemporánea al tiempo que le hacían frente al cada vez más enrarecido ambiente político y social del país, producto de la dictadura militar que se había instaurado en 1964. Caetano Veloso, Gilberto Gil, Gal Costa, Tom Zé, Os Mutantes, Chico Buarque, estaban entre sus principales exponentes. Pero entre todos ellos había uno que sobresalía porque había transitado las tres etapas arriba mencionadas, como si cualquier cosa: Jorge Ben. Africa Brasil es el disco más excelso de Jorge Ben, de hecho, escucharlo detenidamente puede simular a la sensación de estar tomando algunas drogas fuertes que te dejan paralizado por el miedo por dentro pero peligrosamente hiperactivo por fuera. Esa portada del álbum, mira la expresión de su rostro. 

Este es un álbum de fiesta, pero no particularmente alegre y de "buenas vibraciones". Es más bien un viaje peligroso, uno por el que pagaste sólo para experimentar algo de emoción. De cualquier manera... ¡ritmos funk! ¡Muchos ritmos funk! Este es también su álbum más enérgico rítmicamente, fácilmente al nivel de la música más sofisticada en este sentido que se produjo en los Estados Unidos durante la década. El ritmo lo es todo en África Brasil, no hay un momento a lo largo de sus 40 minutos que no esté cargado de energía cinética y impulso extático. Esta es música que siempre está en movimiento, tanto literalmente como en cualquier otro sentido posible, su pulso sube y baja, pero siempre presente e innegable. Mientras que en sus álbumes anteriores, como Forca Bruta de 1970 y A Tabua Da Esmeralda de 1974, Ben había abrazado influencias cada vez más eclécticas como el rock y la psicodelia, África Brasil es sin ambigüedades un álbum de funk, que refleja tanto el groove hipnótico del Afrobeat como el bolsillo más profundo del Funk y soul norteamericanos por igual, así como la libertad e imprevisibilidad del jazz.

“Umbabaraumba” pone el listón alto, comenzando con un riff que podría seguir repitiendo durante horas y nunca perder su paradójica sensación de intensidad sudorosa y fresca, apaga las luces y las paredes tiemblan, no existe un mejor riff de guitarra, ni siquiera uno que se acerque. La canción está impulsada por ese riff, una potente sección rítmica y tres o cuatro ganchos distintos, todos excelentes. Apuesto a que, entre todo ese ruido, ni siquiera notaste la nota de sintetizador en el estribillo, pero encaja tan bien allí que se esconde a simple vista. El único elogio que puedo dar sería decir que esta canción debería ser el himno de todas las Copas Mundiales de la FIFA. ¿Por qué los jugadores en el campo de batalla no querrían ser comparados con los guerreros africanos en el campo de batalla? ¿Podría haber algo que te haga mas fuerte?. “Hermes Trismegisto Escreveu” suena aún más profundo, con brillantes destellos de trompetas y un urgente pavoneo rítmico. La energía frenética y los BPM fuera de serie del penúltimo tema del álbum, “Cavaleiro Do Cavalo Imaculado”, se sienten como si estuvieran sumergidos en el carnaval mientras está en pleno apogeo. Y en “O Plebeu”, hay una alegre llamada y respuesta entre Ben, sus coristas y el sintetizador centelleante que hace cosquillas en el borde de su manifestación funk, que de otro modo sería más física. La única canción que quizás sea tan reconocible como “Ponta de Lança Africano” es “Taj Mahal”. Lanzado originalmente en la colaboración del año anterior con Gilberto Gil, Ogum Xangô, pero en una versión mucho más larga y más libremente improvisada, aquí es más conciso y centrado, un himno altísimo que se centra en su gancho altísimo. Lo cual se abrió camino en la conciencia más amplia por una razón completamente diferente, aunque más dudosa: Rod Stewart tomó prestada la melodía de su éxito disco "D'Ya think I'm Sexy". Como solución a la disputa resultante, Stewart decidió donar los derechos de autor de la canción al Fondo de las Naciones Unidas para la Infancia. Fijaros en la batería de Gustavo Schroeter, suena excepcional: Escuche el tamborileo incansable de "Hermes Trismegisto escreveu" en contrapunto a un ritmo digno de Prime Sly y The Family Stone. Lo mismo ocurre con los vistosos rellenos de batería en "O plebeu" (sobre todo en el minuto 1:45) y "Xica da Silva", todos ellos lo suficientemente potentes como para hacerte sentir temblar el suelo. La sección rítmica también cuenta con Dadi Carvalho (ex-Novos Baianos, fue el bajista del coro de Acabou ) encargándose de las tareas del bajo. La línea de bajo de "Historia de Jorge" es extática, y la de "Hermes Trismegisto escreveu" golpea con fuerza como si no pudiera decírtelo (lo mejor es el pequeño truco que hace en 1:20 y 2:25, más o menos el ideal de cómo volver a la pista después de haber engañado al oyente haciéndole creer que había matado todo el impulso que tenía la canción).

 

La celebración de la música negra en toda África Brasil está esencialmente entrelazada con su celebración más amplia de la identidad negra, en sintonía con el surgimiento del orgullo negro en Estados Unidos, así como con la conciencia afrobrasileña. El álbum en parte rinde homenaje a las raíces africanas de Ben, ya que su madre emigró a Brasil desde Etiopía y él creció escuchando a su familia cantar canciones tradicionales de su país de origen. No hay nada tradicional en este conjunto de canciones, pero cuentan historias de héroes que a menudo quedan fuera de los libros de historia, como “Zumbi”, una reelaboración de una canción anterior que rinde homenaje a un líder de una quimboa brasileña en el siglo XVII. O, en el caso de “Umbabarauma”, elevar un ideal en lugar de una figura específica. Aunque fue revelador en su lanzamiento tanto por sus innovaciones musicales como por ser una verdadera obra maestra para el propio Ben, África Brasil se popularizó un poco más gradualmente en el hemisferio norte. David Byrne seleccionó “Ponta de Lança Africano (Umbabarauma)” como tema inicial de una compilación en su sello Luaka Bop en 1989 y, sorprendentemente, su video apareció en VH1. En los años siguientes, el auge de las redes de intercambio de archivos y, finalmente, el streaming hizo que el interés en el álbum se extendiera entre las generaciones más jóvenes y entre aquellos que tal vez nunca hubieran tenido acceso al álbum tras su lanzamiento en 1976. Aunque está lleno de sonidos que definieron un estilo específico era, es alegre en su expresión de ritmo y empoderamiento. La música que se esfuerza tanto simplemente no envejece. Jorge Ben nunca tuvo el placer de ser titular en un equipo ganador de la Copa del Mundo. ¿Pero lanzar una obra transformadora de la música popular brasileña cuya influencia resuena después de casi cinco décadas, con su propio himno futbolístico perdurable? Nada mal para un premio de consolación.

1204.- I Want to See the Bright Lights Tonight - Richard and Linda Thompson

I Want to See the Bright Lights Tonight

     I want to See the Bright Lights Tonight es el segundo álbum de estudio lanzado por Richard Thompson, y el primero que incluye a su por entonces esposa, Linda Thompson. Fue grabado en los Sound Techniques Studios de Chelsea, Londres, bajo la producción de Richard Thompson y John Wood, y publicado el 30 de abril de 1974 por el sello discográfico Island Records para Reino Unido, y por el sello Hannibal Records en 1983 para Estados Unidos y Canadá. Aunque el disco no se vendió apenas y fue ignorado por la critica (no fue lanzado hasta 1983 fuera del Reino Unido), ha sido considerado como "una obra maestra atemporal" y considerado como uno de los mejores lanzamientos de los dos cantantes, ya sea trabajando juntos o en solitario.

Después del fracaso de su primer trabajo, Henry the Human Fly, el cantautor y guitarrista británico Richard Thompson inició una relación personal y profesional con Linda Peters, una cantante de sesión. Fruto de esa relación nació I Want to See the Bright Lights Tonight, que fue titulado provisionalmente Hokey Pokey, y se grabó con un reducido presupuesto de 2.500 libras esterlinas. Este segundo trabajo de Richard, y primero con su mujer, fue considerado por la crítica como una obra maestra, un clásico del folk rock inglés. 

Incluido en este álbum se encuentra la canción que da título al mismo, una canción que con su melodía melancólica y letras evocadoras, se ha convertido en un himno para aquellos que anhelan escapar de la monotonía de la vida cotidiana y sumergirse en la promesa de la noche. La canción comienza con una introducción atmosférica de guitarra acústica, que establece de inmediato un ambiente íntimo y contemplativo. A medida que avanza, la voz distintiva de Richard Thompson entra en juego, transmitiendo una sensación de anhelo y urgencia. Su estilo de canto directo y emocional se combina perfectamente con la letra, que narra el deseo de escapar de la rutina y buscar la emoción de la vida nocturna. Las letras pintan vívidamente imágenes de la ciudad iluminada por luces brillantes, evocando una sensación de fascinación y asombro. Richard y Linda Thompson logran capturar la dualidad de la noche, mostrando tanto su atractivo seductor como su aura de misterio. A medida que la canción avanza, la intensidad aumenta, con arreglos de guitarra eléctrica que añaden un toque de energía y emoción.

Uno de los aspectos más destacados de I Want to See the Bright Lights Tonight es la armonía vocal entre Richard y Linda Thompson. Sus voces se entrelazan de manera hipnótica, creando una sensación de unidad y complicidad que eleva la canción a nuevas alturas. Esta colaboración única entre marido y mujer añade una capa adicional de profundidad emocional a la canción, haciendo que resuene aún más en el corazón del oyente. A lo largo de la canción, se exploran temas universales como el deseo de escapar, la búsqueda de la felicidad y la tentación de lo desconocido. Es una canción que trasciende el tiempo y el espacio, transportando al oyente a un lugar donde los sueños y la realidad se entrelazan en la oscuridad de la noche.

1203.- Boogie On Reggae Woman - Stevie Wonder

 

Boggie On Reggae Woman, Stevie Wonder

     En 1974 Stevie Wonder publica su decimoséptimo álbum de estudio, Fulfilllingness' First Finale. Es grabado en los Record Plant y los Westlake Studios de Los Angeles, y en los Mediasound y lo Electric Lady Studios de Nueva York, bajo la producción de Robert Margouleff, Malcolm Cecil y del propio Stevie Wonder, y publicado el 22 de julio de 1974 por el sello discográfico Tamla Records, subsidiario de Motown Records.

Este disco fue el segundo del artista en encabezar la lista estadounidense Billboard Top LPs & Tapes, permaneciendo dos semanas, y también alcanzó el puesto número 1 en la lista Billboard Soul LPs, donde estuvo instalado durante nueve semanas, anunque no  consecutivas. Tuvo su culminación en la entrega anunal de los Premios Grammy de 1975, donde ganó en tres categorías: "Álbum del año", "Mejor Voz Pop Masculina" y "Mejor Interpretación Vocal Masculina de Rythm and Blues".

Incluído en este álbum se encuentra Boogie On Reggae Woman. Fue lanzada además como sencillo y continuó con la exitosa racha de Wonder en las listas de ventas. De hecho, con esta canción fue con la que ganó el premio Grammy a la "Mejor intepreetacón vocal masculina de R&B". En este punto de su carrera, Wonder se había ganado el derecho a negociar un contrato con Motown Records que le daba prácticamente el control total de sus grabaciones. Aprovechó para hacer algunas cancones de corte muy político, pero también grabó algún material más ligero, como Boogie On Reggae Woman. El éxito de Johnny Nash de 1972 con la canción "I Can See Clearly Now" demostró que el reggae podía tener hueco en las listas de éxitos, y Wonder apostó por utilizar este rirmo para esta canción.

Stevie Wonder grabó la canción en un momento muy prolíficio en su carrera. Tenía 21 años y había conseguido ya un más que prometedor contrato con Motown records. Con la ayuda de los ingenieros Margouleff y Cecil grababa constantemente, reservando tiempo en el estudio dondequiera que estuviera. Boogie On Reggae Woman fue una de esas muchas canciones que se grabron en aquel periodo, la cual estaba originalmente programada para su álbum Innervisions (1973), pero Margouleff logró convencerle de que encajaba mejor con su disco siguiente, Fulfillingness First Finale.

Madonna - Bedtime Stories (Mes Madonna)

 

Bedtime Stories, Madonna

Bedtime Stories es el sexto álbum de estudio de la polifacética cantante estadounidense Madonna. Fue grabado entre febrero y agosto de 1994 en varios estudios de Estados Unidos y en Londres, bajo la producción de la propia Madonna, y de Dallas Austin, Babyface, Dave Hall y Nellee Hooper, y publicado el 24 de agosto de 1994 por el sello discográfico Sire Records, y Maverick Records, perteneciente este último a Warner Bros. Records. El objetivo de trabajar con los productores anteriormente mencionados era el de suavizar la imagen de Madonna después de la reacción crítica y comercial a la que se enfrentó después de lanzar proyectos sexualmente explícitos durante los dos años anteriores, el álbum Erotica y su papel principal en el thriller erótico Body of Evidence.

Estamos ante un álbum con sonidos pop, R&B, soul y pop, donde explora temas como la tristeza, el amor y el romance, pero con un enfoque más suave y menos sexual. para promocionar el disco, Madonna interpretó las canciones del álbum en los American Awards de 1995 y en los Brit Awards también de 1995. También se había planeado una gira, pero no se llevó a cabo debido a que Madonna adquirió el papel principal de la película Evita (1996). El disco tuvo dos sencillos, Secret y Take a Bow, entre los tres primeros puestos de la lista estadounidense Billboard Hot 100, y otros dos, Bedtime Stories y Human Nature, que se colaron entre los diez primeros puestos en las listas del Reino Unido. A finales de 1995 Madonna era galardonada como "Artista Femenina del Año" por el Billboard Hot 100. 

Bedtime Stories recibió críticas generalmente positivas por parte de la crítica especializada, que elogiaron las letras y la producción del álbum, llegando a ser nominado a "Mejor Album Pop" en la edición de los Premios Grammy. En el apartado de ventas llegó a alcanzar el puesto número tres en la lista Billboard 200 de Estados Unidos, y fue certificado "Triple Platino" por la industria discográfica de Estados Unidos. Alcanzó también muy buenas cifras en las listas de ventas de países como Australia, Canadá, Francia, Alemania y Reino Unido. La obra de arte del álbum fue tomada por el fotógrafo de moda francés Patrick Demarcheller en el Hotel Eden Roc Miami Beach en los Estados Unidos en agosto de 1994. La portada mostraba a la cantante boca abajo, mirando hacia arriba con mucho maquillaje, un aro en la nariz, cabello rubio y todo en tonos de color pastel. Inspirada en la actriz Jean Harlow, la cantante lució cejas demasiado depiladas para las fotos.

El disco abre con Survival, un tema sobre una base funky que intenta transmitir lo que la artista tuvo que soportar por parte de los medios de comunicación y sus sentimientos previos a la liberación. También tiene una alusión lírica al sencillo de 1986 de la cantante "Live to Hell", con contundentes voces y armonías de doble pista. Madonna mejoró más los sonidos rítmicos y comprimió los sonidos de los graves, con el fin de satisfacer la tendencia musical de entonces. Secret comienza con la voz de la artista cantando sobre una guitarra rítmica, para pasar después a una sección de ritmo retro. En  I'd Rather Be Your Love Madonna codicia lo inalcanzable a través de un proceso de negociación, y se permite hasta un rap de ocho compases hacia mitad de la canción. Utiliza en este tema un sample del tema "Its Your Thing" de Lou Donaldson. Don't Stop se caracteriza por el sonido de un prominente bajo mientras la artista no deja de dar órdenes: "No dejes de hacer lo que estás haciendo nena, no te detengas, sigue moviéndote, sigue moviéndote, sigue bailando". Inside fo Me comienza con el mismo tempo que la canción anterior, con un gran bajo y unos teclados de jazz, con Madonna cantando en un registro vocal entrecortado. A pesar de que pueda parecer la letra de corte erótico, la cantante confirmó en una entrevista de MTV que la letra sonaba como una canción de amor al principio, pero de hecho, escribió esa canción en memoria de su difunta madre. En Human Nature, uno de sus exitosos sencillos, la cantante se enfrenta al machismo. En cuanto al apartado musical, la cantante le dio un toque nasal que recuerda al estilo soul imperante en la década de los 90. Fue otra de las canciones, junto a Survival, donde Madonna descargó sus frustraciones con respecto a la controversia que la rodeaba.

En Forbidden Love, compara el rechazo con un afrodisiaco y la instrumentación se mantiene durante toda la canción al mínimo para enfatizar las voces, terminando con un desvanecimiento. Love Tried to Welcome Me es una balada que se inspiró en un stripper que Madonna había conocido. La canción pretende proyectar un estado de ánimo sombrío y melancólico. En Sanctuary la artista cita el poema "Vocalism" de Walt Whitman, y alinea el amor y la muerte. Todo ello bajo un toque techno y con una introducción atmosférica que contiene una variedad de ruidos extraños. Bedtime Stories es una canción electrónica en la que Madonna se pregunta: "Las palabras son inútiles, especialmente las frases, no significan nada, ¿Cómo podrían explicar como  me siento?". Es la canción que además da título al álbum y fue escrita por Björk. A Madonna le gustaba esta canción como título ya que sentía que tocaba la idea de "cuentos que se cuentan, de palabras que se enseñan a los niños". Hay quien cree que la canción se refería a historias contadas a la hora de acostarse, la sexualidad explicada a los niños. Debido al miedo a las represalias y a que fuera malinterpretada, Madonna consideró cambiar el título, pero al final decidió mantenerlo, afirmando: "a la mierda, es un título hermoso". Take a Boss es la canción que cierra el álbum, una balada de medio tiempo de corte pop. La canción hace referencia a la línea "Todo el mundo es un escenario" (All the world's a stage). de la obra de William Shakespeare "Como gustéis" (As You Like), 

Bedtime Stories es un recomendable disco donde Madonna consiguió resurgir después de todas las polémicas en las que se había visto envuelta durante los dos años anteriores. 

1202.- On the Beach - Neil Young

On the Beach fue la primera grabación de estudio que Neil Young lanzó después de su gran éxito Harvest, a pesar de haber grabado las canciones que luego aparecerían en Tonight's the Night mientras tanto, también había publicado una banda sonora que no tuvo éxito, Journey Through the Past, y el ahora bien considerado álbum en vivo Time Fades Away. Distinguido por su producción flexible, On the Beach representó una especie de enigma para muchos oyentes que compraron Harvest. Las canciones eran meditaciones sobre la fama, la política y los ideales desvanecidos de los años 60. Pero, en última instancia, Young demostró tener esperanzas a su manera. “Ellos hacen lo suyo/yo haré lo mío”, canta en “Walk On”. También reclutó a músicos que tocaron en sus álbumes anteriores, creando un conjunto que se erige como una de sus declaraciones más fuertes y sentidas. Tras el éxito de “Harvest”, el mundo parecía necesitar más sonidos suaves del vaquero solitario, continuadores de ese corazón de oro tan melancólico que nos acompañaba a todas horas en la radio, y que dio lugar a una serie ininterrumpida de hits en la misma onda como “A Horse Without a Name”, “Rose of Cimarron”, o “Take It Easy”. Pero Neil ya había acumulado decepciones, sinsabores y había conocido el daño de la aguja a su alrededor. Y el todavía peor del triunfo y la adulación en medio de unos años negros en la política norteamericana. Vietnam + Nixon, era una combinación destructiva insuperable, incluso para un país tan inmenso, por muchos recursos y poder que se tengan.

La hermosa y triste canción que da título al quinto álbum de estudio es la canción con la comienza las tres últimas pistas del álbum que forman la cara b y que juntas que componen uno de los mejores momentos musicales en la carrera de Young. “On The Beach” es una grabación lenta y confusa que describe la alienación que siente Young debido a su fama, sus fans y los medios musicales. Young repite este estribillo con líneas como: "Necesito una multitud de personas, pero no puedo enfrentarme a ellas día a día". Young también agrega la advertencia de que estos problemas de alienación y ansiedad social que tiene son básicamente nulos y sin valor en comparación a los problemas del mundo, pero incluso con ese conocimiento, “eso no los hace desaparecer”. Esta canción es la definición de belleza en la tristeza y es una de mis canciones favoritas en toda su discografía, la guitarra de Neil es un puro lamento, parece que llorara, un excepcional Molina en la percusión ayuda a crear un tema hipnótico en su no escasa duración, que no te importaría en absoluto que se alargase el doble o el triple, tal es la tela de araña tejida a tu alrededor. Comienza con una secuencia de acordes desolados respaldados por un djembé, ambientando el escenario de una playa abandonada. Al comienzo de la canción, murmura la esperanza de que el mundo "no se dé la vuelta". Al final de la canción, acepta que así será, pero solo espera no verlo y, en cambio, elige concentrarse en sus propios problemas. La letra y la música de la canción pintan perfectamente la atmósfera sombría de un hombre en conflicto.

1201 - Neil Young - Walk on

1201 - Neil Young - Walk on

"Walk On" es una canción emblemática del legendario cantautor Neil Young, que forma parte de su álbum de estudio de 1974, "On the Beach". Con una duración de casi siete minutos, la pista es una mezcla perfecta de letras introspectivas y melodías cautivadoras que capturan la esencia del estilo distintivo de Neil Young.

Desde los primeros acordes de guitarra acústica, "Walk On" establece un ambiente melancólico y reflexivo que se mantiene a lo largo de toda la canción. La letra, característica de Young, está impregnada de una profunda introspección y un sentido de búsqueda de autenticidad y libertad. A medida que la canción avanza, las letras sugieren un viaje personal, con referencias a dejar atrás las cosas que ya no sirven y seguir adelante hacia lo desconocido. Es un himno para aquellos que buscan encontrar su propio camino en un mundo complejo y cambiante.

La instrumentación de "Walk On" es igualmente impresionante. La guitarra acústica de Neil Young se combina magistralmente con una variedad de instrumentos, incluyendo el piano y la armónica, creando una textura musical rica y evocadora. La estructura de la canción es orgánica y fluida, con cambios de tempo que reflejan la narrativa lírica de la búsqueda y el movimiento.

La voz de Neil Young, áspera y emocional, agrega una capa adicional de profundidad a la canción. Su entrega apasionada y sin pretensiones resuena con autenticidad, haciendo que las letras cobren vida de una manera única y poderosa. A medida que canta sobre dejar atrás el pasado y abrazar el futuro, su voz transmite una sensación de determinación y esperanza que es palpable.

"Walk On" es una de esas canciones que trasciende el tiempo y el espacio. A pesar de haber sido lanzada hace décadas, sigue siendo relevante y conmovedora hoy en día. Su mensaje atemporal de perseverancia y búsqueda de autenticidad resuena con personas de todas las edades y experiencias. Es una canción que invita a la reflexión y alienta a los oyentes a seguir adelante, incluso cuando los tiempos son difíciles.

"Walk On" es una obra maestra musical que encapsula todo lo que hace que la música de Neil Young sea tan perdurable y significativa. Con su mezcla única de letras profundas, melodías conmovedoras y una ejecución magistral, esta canción sigue siendo un testimonio perdurable del talento incomparable de Neil Young y su capacidad para tocar los corazones y las mentes de su audiencia.

Daniel 

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1200.- It ain't no use - The Meters

"It ain't no use" fue el single principal de "Rejuvenation" (1974), el quinto álbum de estudio del grupo funk de New Orleans The Meters, y el segundo con la discográfica Reprise, tras tres discos prácticamente instrumentales grabados con Josie Records. Producido por Allen Toussaint, que participó también en los arreglos de viento de muchas de las canciones, es un disco imprescindible del funk de los setenta, y su canción bandera es "It ain't no use", una joya funk de 12 minutos de duración y tantos o más quilates como minutaje.

Este himno funk de The Meters es un claro ejemplo de como la música puede transmitir determinadas emociones y sentimientos, porque la combinación del abrasivo ritmo funk y la sincera letra consiguen que, al escucharla, vivamos con intensidad las dudas del protagonista, que se debate entre romper una relación complicada, y el temor a arrepentirse después y acabar echando de menos a su pareja.

Ponemos aquí el cartel de "Alerta Spoiler" porque las dudas no se resuelven al final de la canción, y todo apunta a que seguirá con ella a pesar de ser consciente de que lo mejor sería dejarla, así que no sabemos si de haber hecho lo contrario habría terminado por arrepentirse, pero de lo que seguro os acabaréis arrepintiendo es de dejar pasar la ocasión de escuchar "It ain't no use" si no lo habéis hecho ya.

Madonna - Erotica (Mes Madonna)

 

Madonna es conocida por ser una maestra del "arte" de la reinvención, su vista siempre está al tanto de la escena musical underground para descubrir qué es genial y qué no, y luego convertirlo en algo accesible y fresco para el público estandar de música en general. El sexo en la imagen de Madonna siempre estuvo ahí, desde la ambición impulsora de sus días New Wave de finales de los 70 y principios de los 80 hasta su personalidad coqueta que impulsó sus dos primeros álbumes, Madonna de 1983 y Like a Virgin de 1984. Luego aposto por esa línea embriagadora y borrosa entre sexo y religión en el seminal Like a Prayer de 1989, pero fue su éxito de 1990 "Justify My Love", un sencillo navideño muy improbable si alguna vez hubo uno, el que realmente le abrió un nuevo camino, un juego apasionante y entrecortado con un video perverso en blanco y negro a juego, que sorprendió a aquellos cuya única exposición a Madonna fue a través de dulces canciones pop como "True Blue" o "Cherish", o incluso provocativas, descaradas pero no completamente sucias como "Material Girl" o "Express Yourself". Es una pena que las esperanzas de credibilidad de Erótica se vieran frustradas por un recurso fuera de lugar, ya que realmente fue un movimiento artístico valiente. Era el año 1992 y tres años antes, Madonna había producido Like a Prayer, un álbum ampliamente anunciado por la mayoría de los críticos como una obra maestra de la música pop moderna. Like a Prayer también había presentado una buena cantidad de controversia, con tener un Jesús negro en el video musical de la canción del mismo nombre, nadie, sin embargo, había predicho que Madonna se transformaría de ídolo pop a seductora sexual en el espacio de un par de álbumes. En entrevistas posteriores, Madonna dijo que esto era para darles a los periodistas entrometidos y voyeristas todo lo que querían para que se saturaran y comenzaran a concentrarse en la música, y Madonna no es de medias tintas.

La canción de apertura y el primer sencillo, "Erotica", son todo ritmos tintineantes y susurros fríos, con Madonna informándote que su nombre es Dita y que su boca irá a donde quiera. Es totalmente diferente a todo lo que ha hecho antes y, sospecho, demasiado para los niños que esperan otro sencillo boppy como "Holiday" (iba a mencionar "True Blue", pero luego me di cuenta de que eso es exactamente lo que obtuvieron). Sorprendentemente en este caso, también resulta extrañamente poco atractiva la siempre maestra del cálculo, Madonna supo exactamente cómo causar controversia y eso parece ser lo que sucedió aquí. Los jadeos sin aliento y la producción chirriante están muy bien, pero, al final del día, en realidad no es tan erótico, incluso con ese famoso video negro que solo se mostró tres veces en MTV. "Fever" siguió los pasos dance de Deeper and Deeper, siendo una versión optimista del original de Little Willie John en 1956 y dos años más tarde llevada a la fama por Peggy Lee, queda como un tema útil al objetivo al aumentar el tempo, y por tanto la temperatura, la verdad que la reelaboró radicalmente hasta convertirlo en un tema de fuego que podría quemar la pista de baile. La dualidad entre placer y dolor resurge en el atrevido sexto y último sencillo “Bye Bye Baby”, pero desde la perspectiva del amor roto, mientras Madonna interroga a su amante, cantando “Esto no es una canción de amor / Me gustaría hacerte daño / ¿Qué te excita? ¿Qué te excita? / ¿Qué te hace sentir bien? / ¿Te hace sentir bien verme llorar? / Creo que sí / Por eso es hora de decir adiós / Adiós”. Madonna inflige un tipo diferente de dolor en este beso asesino, la amarga frialdad de esta despiadada canción de ruptura se filtra a través de un chirrido computarizado que hace que Madonna suene completamente desprovista de emoción humana mientras da una patada con una bota de látex en la acera. De lo más destacado del álbum es el segundo sencillo, “Deeper and Deeper”, una porción sublime de disco house eufórico que todavía suena tan fresco como siempre, 30 años después. Un himno vigorizante del despertar sexual, la narrativa también puede interpretarse a través de la lente de un hombre que reconoce y revela su homosexualidad, como quizás mejor se evidencia en el segundo estribillo (Voy a esconderlo otra vez / Más dulce y más dulce y más dulce y más dulce / Nunca tendré que fingir”) y el cuarto y último verso de la canción (“Este sentimiento dentro / No puedo explicar / Pero mi amor está vivo / Y nunca Lo esconderé de nuevo”). "Where Life Begins" tiene un agradable ambiente de jazz, combinado con las obscenas proclamaciones de Madonna sobre la bondad del sexo oral (todo lo cual significa que es mucho más sensual que la canción principal), es la canción más abiertamente sexual del álbum, pero también la única que hace referencia al sexo seguro. 

Entre los otros tres sencillos lanzados oficialmente por Erótica, “Bad Girl” deja la impresión más fuerte, y no solo por su memorable video. Una balada sinfónica y llena de drama sobre una mujer atormentada y autodestructiva que ha hecho daño a su amante al sucumbir a la tentación, bellamente orquestada, refuerza la inclinación de Madonna por crear baladas que tengan peso emocional sin parecer exageradas, a su estilo. Hay una belleza melancólica en el largo camino de la vergüenza mientras la “Chica Material” regresa a casa después de una noche donde ha tenido un mal comportamiento. A pesar de todos esos placeres temporales, llega a la conclusión de que "no soy feliz cuando actúo de esta manera”. "Waiting" continúa el estilo jazzístico de Where Life Begins, pero agrega una caja de ritmos fuera de lugar y una melodía casi desafinada, una verdadera secuela de la férrea y directa palabra hablada de Justify My Love, aborda el rechazo y el amor no correspondido de una manera más brutalmente honesta: “No vayas a romper mi corazón como dijiste que lo harías”, canta abatida pero sinceramente. Aquí hay una mujer que inició una relación después de que el hombre que ama le dijera que él no podría amarla. Y aun así corrió el riesgo, que es exactamente de lo que se trata. “Thief of Hearts” tiene los encantos de los grupos de chicas de los años 60, “Cherish”, “True Blue” y “Angel”, a un ritmo contundente, Madonna te lleva desde la cama hasta la pista de baile. Es un momento de tonta frivolidad en medio de tanta rareza. En "Words" sorprenden los efectos tipo máquina de escribir de esta canción producida por Pettibone, eran ingeniosos hace 30 años, pero no han envejecido bien, simplemente no se obtiene el mismo sonido con el teclado de una MacBook Air, aún así, el ritmo contundente del deep house habla más fuerte que las palabras cuando se trata de mover el cuerpo.

 

La pulida “Rain” es posiblemente la única oferta banal entre las catorce pistas del álbum, el cuarto sencillo norteamericano de Erotica (y su tercer mayor éxito, alcanzando el puesto 14 en el Hot 100, detrás de la canción principal y “Deeper and Deeper”) puede parecer una concesión comercial a las masas por parte de Madonna, aunque si miras más profundamente, esta balada desesperadamente romántica imagina un amor en la era del SIDA que “lavará mi pena, quitará mi dolor”. Por muy bueno que sea un álbum de Madonna como Erótica, hay un par de cosas que nos sorprenden, y “Why's It So Hard” es de las más interesantes, es una llamada a “ama a tu hermana, ama a tu hermano” con un ritmo de reggae con mucho bajo que suena como si hubiera estado inspirado tanto en Soul II Soul como en Bob Marley. "In This Life" presenta algunas de las letras más conmovedoras que Madonna haya escrito jamás, pero lamentablemente están acompañadas de un aburrido canto fúnebre que no inspira a seguir escuchando, un homenaje de Madonna a dos confidentes cercanos que perdieron trágicamente sus batallas contra el SIDA: Martin Burgoyne , artista y su primer manager de gira, y Christopher Flynn , su maestro de ballet y mentor. “Did You Do It?” es exagerada pero ridículamente divertida, la marca de viruela en el trasero impecable de Madonna de 35 años, es el huésped que pasó la noche y que parece mucho menos deseable a la luz del día. Lo que nos lleva a, quizás, el momento más personal y revelador de Erótica, el inesperado cierre del jazz house “Secret Garden”, otra producción de Betts.

 A lo largo de las catorce composiciones de Erotica (trece en la versión editada del LP), Madonna subvierte con éxito el diálogo anticuado y dominado por hombres heterosexuales sobre el sexo al tomar el control total de la conversación y brindar una clínica de liberación sexual. Con confianza y carisma a raudales, le da la vuelta a los roles y la ética tradicionales impulsados ​​por el género, desdibuja las líneas socialmente construidas entre la multitud de identidades sexuales que existen y da voz y validación a aquellos tradicionalmente marginados hacia los márgenes de la sociedad. aceptación. Y si bien Erótica es un álbum conceptual del calibre más cautivador, ya sea que compartas o empatices con la perspectiva de Madonna o no, su impulso temático con demasiada frecuencia eclipsa su importancia dentro del contexto de la progresión musical de su creador.

1199.- Porque te vas - Jeanette

"Porque te vas" fue publicada por la compañía Hispavox en 1974, compuesta por José Luis Perales y producida por Rafael Trabucchelli, en el momento de su lanzamiento no alcanzó gran éxito, pasó desapercibida e inicialmente no tuvo apenas reconocimiento, hasta que Carlos Saura tuvo la brillante idea de incluirla en la BSO de su película Cría Cuervos. En 1976 se estrenó esta película con la hermosa Geraldine Chaplin y una joven Ana Torrent, la película tuvo el Gran Premio del Jurado en Cannes 76, empatada con La Marquesa de O, luego ya sabemos lo que pasó. En el momento en que formó parte de "Cría cuervos", no solo se produjo el gran impulso de Perales como compositor, sino que también contó con una amplia difusión consolidada al ganar en Cannes. Tal fue así que estuvo en el "Top 10" de países como Portugal, Alemania, Francia o Suiza, se hizo una versión en Japones y la revista "Rolling Stone" la incluyó en el listado de "Las 200 mejores canciones del pop-rock español".

Comienzo afirmando que sí, que el título de la canción no es una pregunta, no es «¿por qué te vas?», sino una afirmación, un «porque te vas» con mucho mensaje dentro y una melodía sencilla, lineal pero pegadiza. Musicalmente hablando, el acento de «porque te vas» suena en el «qué», y creo que de ahí viene la confusión la mayoría de las veces con su título, pero este punto, que si analizáramos desde un punto de vista musical estricto sería considerado un error en la forma de acoplar letra y música, a mí me parece un detalle bonito, porque este acento musical es capaz de aportar varias interpretaciones a la letra, al tono de la canción, a las imágenes que transmite y hasta a su historia. Todo comenzó en una tarde lluviosa, la inspiración de Perales nació cuando el artista pasaba unos días en Castejón, su tierra natal, la soledad en su casa de campo se sumó a la nostalgia y anhelo que produce cualquier tarde de tormenta, lo que produjo que la letra estuviese envuelta de añoranza. Habla de ese amor adolescente que cuando menos lo esperas se escapa de entre las manos, una letra y melodía que fueron compuestas de manera intencionada para una artista determinada: el cantautor explicó en 2012 en un programa de televisión mexicano que "cuando no había grabado nadie conocido canciones mías, yo soñaba que una intérprete como Jeanette, que entonces era número uno, me grabara una canción que había hecho pensando en ella. Se titulaba 'Porque te vas'. Pero aquello era simplemente un sueño". Sin duda Porque te vas es uno de los mejores, sino el mejor tema cantado por Jeanette, una instrumentación llena de desparpajo con intervenciones casi burlonas de los metales y el crash de la batería soltando inesperados trallazos arropan una voz que esta vez se aleja un tanto de la dulzura habitual para convertirse en un aire infantil y juguetón. 

El disco de la semana 373: Explorando la Energía Reveladora de Onda Vaga, Una Inmersión en su Álbum Debut "Fuerte y Caliente"

El disco de la semana 373: Explorando la Energía Reveladora de Onda Vaga. Una Inmersión en su Álbum Debut "Fuerte y Caliente"

En el vasto universo de la música independiente argentina-uruguaya, hay una constelación de talentos que iluminan el panorama sonoro con su frescura y originalidad. Entre estas estrellas brillantes se encuentra Onda Vaga, una banda cuyo nombre evoca la energía insondable de las olas del mar y cuya música fluye con la misma vitalidad y vitalidad. En este artículo, nos sumergiremos en el hipnótico océano de sonidos de Onda Vaga, centrándonos en su álbum debut, "Fuerte y Caliente", un viaje auditivo que cautiva y revela la esencia misma de la banda.

El Espíritu de la Ola: Onda Vaga

Onda Vaga, formada en el año 2007, se distingue por su estilo ecléctico y su enfoque innovador hacia la música. Conformada por Nacho Rodríguez (voz y guitarra), Marcos Orellana (voz, guitarra y acordeón), Marcelo Blanco (voz, guitarra y percusión), Tomás Justo Gaggero (bajo y voz) y Germán Cohen (batería y voz), la banda fusiona una amplia gama de influencias musicales que van desde el folk hasta el reggae, pasando por el rock y la música tradicional argentina.

Desde sus primeros pasos, Onda Vaga irrumpió en la escena musical con una frescura y una energía contagiosas. Su música, impregnada de un espíritu nómada y aventurero, invita al oyente a embarcarse en un viaje sonoro lleno de sorpresas y emociones. Con una instrumentación variada que incluye guitarras, acordeones, percusión y voces que se entrelazan en armonías exquisitas, Onda Vaga crea paisajes sonoros que son al mismo tiempo íntimos y expansivos.

Fuerte y Caliente: El Debut Revelador

En el año 2008, Onda Vaga lanzó su álbum debut, "Fuerte y Caliente", un trabajo discográfico que sentó las bases para su ascenso meteórico en la escena musical. Desde el primer acorde, el álbum emana una energía palpable y una sensación de calidez que envuelve al oyente. Con once canciones que exploran una amplia gama de temas y emociones, "Fuerte y Caliente" es un viaje musical que deja una impresión duradera.

El álbum se abre con "Parque", una canción que establece el tono con su ritmo animado y sus letras evocadoras. Con su melodía pegajosa y su atmósfera festiva, "Parque" invita al oyente a sumergirse en el mundo vibrante de Onda Vaga y dejar atrás todas las preocupaciones.

A lo largo del álbum, Onda Vaga demuestra su habilidad para fusionar diferentes estilos musicales de una manera fluida y cohesiva. Canciones como "Mambeado" y "Serpientes y Escaleras" son ejemplos perfectos de esta fusión, combinando elementos de reggae, folk y rock en una mezcla irresistible. Con letras que oscilan entre lo poético y lo mundano, Onda Vaga teje historias cautivadoras que resuenan con la experiencia humana.

Una de las joyas ocultas de "Fuerte y Caliente" es "Tataralí", una balada melancólica que destaca por su belleza lírica y su emotiva interpretación vocal. Con su melodía delicada y su letra conmovedora, "Tataralí" es una canción que deja una marca indeleble en el corazón del oyente.

El álbum cierra con "Juntito", una canción que resume perfectamente el espíritu de camaradería y conexión que define la música de Onda Vaga. Con su ritmo contagioso y sus armonías exuberantes, "Juntito" es un himno a la amistad y la solidaridad que deja al oyente con una sensación de alegría y satisfacción.

Un Viaje Inolvidable "Fuerte y Caliente" de Onda Vaga es mucho más que un simple álbum debut; es un testimonio del talento y la creatividad de una banda que ha sabido conquistar corazones con su música sincera y emotiva. Con su mezcla ecléctica de estilos y su enfoque audaz hacia la composición, Onda Vaga ha creado un trabajo discográfico que resiste el paso del tiempo y sigue siendo tan relevante y estimulante como el día en que fue lanzado.

Al sumergirse en las profundidades de "Fuerte y Caliente", el oyente se encuentra inmerso en un mundo de sonidos y emociones que despiertan los sentidos y alimentan el alma. Con cada nota y cada palabra, Onda Vaga nos invita a explorar los rincones más oscuros y luminosos de la experiencia humana, recordándonos que, en última instancia, somos todos viajeros en este vasto océano de vida.

Así que la próxima vez que necesites un impulso de energía o un recordatorio de la belleza del mundo que nos rodea, simplemente ponte "Fuerte y Caliente" de Onda Vaga y déjate llevar por la marea de su música etérea y transformadora. Te prometo que no te arrepentirás.

Daniel 

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1198.- Don't let the sun go down on me - Elton John

"Don't Let the Sun Go Down on Me" fue originalmente escrita por Elton John y su colaborador habitual Bernie Taupin para formar parte de Caribou (1974), el octavo disco de estudio de Elton John. Fue lanzada además ese mismo año como primer single promocional del disco, con la canción "Sick City" en la cara B, y alcanzó el segundo puesto del Billboard Hot 100 estadounidense, y el 16 de las listas de ventas del Reino Unido.

En esta versión original, el estribillo de "Don't Let the Sun Go Down on Me" está apoyado con un arreglo de vientos de Del Newman, una línea de percusión de Ray Cooper, un mellotron interpretado por Dave Hentschel, y cuenta además con los coros de Carl Wilson y Bruce Johnston de los Beach Boys.

Años después, volvió a gozar de popularidad y repercusión mediática, cuando Elton John la regrabó en 1991 a dúo con George Michael, con quien ya la había interpretado en directo en el concierto Live Aid celebrado en Londres en el estadio de Wembley en 1985. Ya sea en una versión o en otra, "Don't Let the Sun Go Down on Me" es una de las canciones más poéticas que Elton John ha escrito jamás, una balada intensa y melódica imprescindible en cualquier colección de discos que se precie.

1197.- Step Into Christmas - Elton John

En 1973, Elton John acababa de lanzar dos álbumes número uno: Don't Shoot Me I'm Only the Piano Player y Goodbye Yellow Brick Road. Luego, culminó el año con el lanzamiento de su primer sencillo navideño, “Step Into Christmas”. “¡Hagamos un disco navideño! pensamos”, dijo Elton al contar cómo él y su compañero compositor Bernie Taupin escribieron la canción. “En aquellos días hacíamos discos todo el tiempo. A Bernie le encantan las canciones navideñas, así que estuvo totalmente de acuerdo”. Lanzado como sencillo único, "Step Into Christmas" alcanzó el número 1 en la lista Billboard Christmas Singles y alcanzó el puesto número 4 en la lista de singles del Reino Unido, donde permaneció durante siete semanas.  En la canción, John invita a los oyentes a adentrarse de lleno en la temporada navideña. Enviar tarjetas de Navidad. Mirar cómo cae la nieve , por los siglos de los siglos. Come, bebe y regocíjarte, la letra también sugiere llevar el espíritu navideño de asombro y alegría al nuevo año y los días siguientes.

John escribió “Step Into Christmas” con Taupin el domingo 11 de noviembre de 1973 y lo grabó esa misma tarde en Trident Studios en Londres, Inglaterra. "Fue escrita y grabada el domingo y estará en las tiendas esta semana", dijo John sobre la rápida producción de la canción en el momento de su lanzamiento. “Queríamos hacer un homenaje a Phil Spector. Parte de lo que hizo que Phil Spector grabara fueron las salas, los músicos y el ambiente”, dijo Elton sobre la canción, que también cuenta con Kiki Dee como coros no acreditados. La canción fue lanzada como sencillo independiente con la cara B “Ho, Ho, Ho (Who'd Be a Turkey at Christmas)”, una canción irónica sobre un encuentro con Santa Claus después de una noche llena de brandy. Step Into Christmas” apareció más tarde en la caja de John de 1990, To Be Continued… , la canción que cierra su versión de lujo de 2023 de su álbum de grandes éxitos Diamonds , y continúa resurgiendo y escalando en las listas del Reino Unido cada temporada navideña. En 2009, "Step into Christmas" figuraba como la novena canción navideña más reproducida de la década de 2000 en el Reino Unido y la canción fue certificada triple platino por la Industria Fonográfica Británica por ventas y transmisiones de 1.800.000 unidades. Estamos ante una clásico absoluto de la navidad sobre todo en Reino Unido.

Like a Prayer #MesMadonna

Tras el gran éxito de "True Blue" (1986), la fórmula de música pop enfocada a un fiel público adolescente había llegado a su momento más álgido, pero Madonna sentía que era el momento de dar un giro con el que lograr también el respeto y la admiración de un público más adulto y el deseado reconocimiento por parte de la crítica especializada. Esa era su aspiración y su gran objetivo cuando empezó a trabajar en "Like a prayer", su cuarto disco de estudio, publicado por Sire y Warner Bros. Records en marzo de 1989.

Llamado "Like a prayer" ("Como una oración") por la fuerte influencia del catolicismo en su infancia y sus conflictos interiores con sus creencias durante su juventud, y dedicado a la memoria de su madre, fallecida siendo ella una niña, el álbum es una descarnada exploración y declaración de sus sentimientos y vivencias más personales, y un impresionante despliegue de estilos entre los que, además del pop, hay inspirados momentos dance, funk, góspel y soul. Estamos ante su trabajo más serio e introspectivo, una obra que en lo musical supuso un tremendo salto de calidad respecto a los discos anteriores, y en las letras presentó un enfoque mucho más oscuro y sincero, con continuas referencias a sus complicadas relaciones familiares y de pareja, así como a sus convicciones religiosas y sus conflictos con sus sentimientos más personales, que hasta entonces había escrito y guardado en un cajón sin llegar a plantearse que pudieran convertirse en letras de canciones.

Pese al evidente cambio estilístico que se estaba planteando, seguía confiando plenamente en sus compositores y productores habituales Patrick Leonard y Stephen Bray, con quienes ya había trabajado en "True Blue". Su método de trabajo no contemplaba que los dos productores escribieran o produjeran juntos, sino que era la propia Madonna la que trabajaba con uno u otro por separado, escribiendo letras para la música que ellos le presentaban. Bray tendía más hacia el dance y el pop más luminoso de temas como "Express Yourself" o "Keep It Together", mientras que Leonard tenía una mayor predilección por estilos más orquestales y melódicos, y de sus sesiones salieron temas como "Spanish Eyes", "Till Death Do Us Part", "Dear Jessie", "Promise to Try", "Like a Prayer" y "Cherish". 

Y no quedó la cosa ahí, porque para diversificar aún más la producción y elevar la temperatura creativa del disco, Madonna llamó a Prince para participar en el álbum. Prince aportó la canción "Love Song" en la que canta a dúo con Madonna y, aunque no acreditado, participó con su guitarra en "Keep it together", "Act of Contriction" y "Like a prayer", el tema que titula y abre el disco, y la primera de las canciones que se crearon en las sesiones con Patrick Leonard, que interpretó en el estudio los primeros acordes para que Madonna fuera escribiendo mientras la escuchaba la letra sobre "una joven tan enamorada de Dios que sentía como si Él fuera la única figura masculina en su vida". "Like a prayer" comienza con un riff de guitarra de Prince (y parece que algunos efectos de guitarra en el puente y el estribillo llevarían también su firma, aunque no quedó acreditado) para después dar protagonismo a un órgano de iglesia, que junto a los impactantes coros góspel de The Andrae Crouch Chorus contribuyen a la atmósfera religiosa de la canción, que juega con el doble sentido carnal y religioso ("Estoy de rodillas, quiero llevarte allí") y en la que destaca sobremanera la gran línea de bajo interpretada por Guy Pratt.

Para "Express Yourself" el enfoque fue similar. Bray le envió a Madonna un cassette con la música, y se reunieron después para trabajar juntos en las partes que a ella más le gustaron. Aquí el enfoque es mucho más cercano al dance y al pop, mientras que la letra es una llamada al empoderamiento femenino, a no conformarse con estar en un segundo plano y a superar los obstáculos mediante la libre "autoexpresión". Más optimista que "Like a prayer", es otro de los grandes singles del disco, con una producción que brilla entre palmadas, cajas de ritmos y unos potentes coros de acompañamiento.

Tras estos dos cañonazos, llega la calma en "Love Song", el único tema completo que surgió de la colaboración con Prince, que en principio iba a ser producido por Stephen Bray, pero era un reconocido admirador del "príncipe" y se sintió abrumado ante la posibilidad de trabajar con material suyo. Alegando no estar "emocionalmente preparado" para asumir esa responsabilidad, Bray rechazó la proposición de producir el tema. "Fue una de las pocas cosas de las que me arrepiento en la vida" declararía después de dejar que Madonna y Prince se encargaran de la producción. El trabajo entre los dos grandes divos se produjo a distancia, y comenzó con Prince grabando un loop con partes de guitarra que envió a Madonna, que añadió teclados y voces y lo envió de vuelta, y entonces Prince añadió más voces y otros instrumentos, y así poco a poco fueron dando forma al tema hasta lograr una balada funk que es a la vez bella y extraña, y completamente diferente al resto del disco.

Tras la singular rareza de "Love Song" el disco entra en uno de sus tramos más personales y oscuros con "Till Death Do Us Part", en la que Madonna saca a la luz las heridas emocionales de su reciente ruptura matrimonial con el actor Sean Penn, y "Promise to Try", que describe el dolor por la muerte de su madre, y lo importante del proceso de aceptación de la muerte y la necesidad de "dejar ir" a las personas queridas para curar el dolor de su marcha. Musicalmente, es quizá la canción más desnuda del disco, con una base de piano y un cuarteto de apoyo, para no quitarle protagonismo al descarnado mensaje de la letra y la voz de Madonna.

"Cherish" es un buen tema pop, quizá con menos encaje en el marco de este disco, pero que habría sido pieza clave en cualquiera de los anteriores. Algo parecido ocurre con "Dear Jessie", y juntas parecen conformar el tramo del disco dedicado a la infancia, con melodías pegadizas pero no exentas de una cierta melancolía. Nada que ver con lo que viene a continuación, porque en "Oh Father", que describe desde la tristeza y el recuerdo la difícil relación con su padre, vuelve la oscuridad y una temática claramente emparentada con "Promise to try", con la salvedad de que para este tema sí que se optó por el revestimiento de una orquesta, y el resultado es simplemente impresionante.

La vertiente funk, dance y pop del disco vuelve a aflorar en "Keep it together", un tema sobre la importancia de mantener a la familia unida, en el que Stephen Bray sí que se atrevió a trabajar con la guitarra de acompañamiento que Prince interpretó para el disco. Tras la correcta "Spanish eyes", el músico de Minneapolis aún tuvo una nueva aparición para cerrar el álbum en "Act of Contriction", un recitado de Madonna sobre la base invertida de la canción "Like a prayer", la guitarra distorsionada de Prince y un coro góspel. Es apenas un susurro enmarañado en distorsión y psicodelia, el reverso de una extraña plegaria, o algo que pudiera entenderse "como una oración", y al mismo tiempo y por todo ello, es el mejor final imaginable para un disco como "Like a Prayer".

La obra en conjunto, apoyada por la publicación de seis de sus canciones como singles ("Like a Prayer", "Express Yourself", "Cherish", "Oh Father", "Dear Jessie" y "Keep It Together") obtuvo la aclamación unánime de crítica y público, y su producción "múltiple" no solo no afectó a la unidad de su mensaje, sino que acabó siendo el mejor y más cohesionado de todos sus discos. Fue además una "oración" muy lucrativa, vendiendo más de 15 millones de copias y llegando al primer puesto de las listas de ventas en más de treinta países. El mundo entero valoró la grandeza de un disco que en su mayor parte se grabó con los músicos tocando juntos y en vivo en el estudio, en lugar de las sobregrabaciones en las que se basaban sus discos anteriores, y la cruda sinceridad de las letras de la nueva Madonna, que se abría con franqueza a hablar de temas muy personales y profundos, dando un golpe sobre la mesa de los que, hasta entonces, le negaban el calificativo de artista "seria". Si, a pesar de todo, hay alguien que aún hoy se lo siga negando, no tiene más que aprovechar el #MesMadonna en 7días7notas.net y animarse a escuchar "Like a Prayer" para comprobar lo que sus prejuicios hacia esta artista le han impedido disfrutar todos este tiempo.

1196 - Eric Clapton - Motherless Children

1196 - Eric Clapton - Motherless Children

Eric Clapton, una leyenda viviente del rock y el blues, ha dejado una marca indeleble en la música con su habilidad incomparable en la guitarra y su voz distintiva. Con una carrera que abarca décadas y numerosos éxitos, Eric Clapton se ha ganado el respeto y la admiración de músicos y fanáticos de todo el mundo. Una de sus piezas más emblemáticas es "Motherless Children", una canción que encapsula la esencia del blues y muestra la maestría de Eric Clapton como intérprete y compositor.

Lanzada en 1974 como parte de su álbum "461 Ocean Boulevard", "Motherless Children" es un himno que fusiona el blues tradicional con el rock contemporáneo de la década de 1970. La canción comienza con un riff de guitarra inconfundible, marcado por la destreza técnica y el estilo único de Eric Clapton. Este riff establece el tono para la canción, que irradia una sensación de melancolía y desesperación.

La letra de "Motherless Children" aborda temas de soledad, pérdida y redención. Eric Clapton canta sobre la ausencia de una figura materna, una experiencia que resuena con la audiencia debido a su universalidad y emotividad. A través de sus letras sinceras y emotivas, Eric Clapton logra conectar con los oyentes a un nivel profundamente personal, transmitiendo una sensación de vulnerabilidad y autenticidad.

La estructura de la canción es típica del blues, con versos repetidos que se entrelazan con improvisaciones de guitarra. Sin embargo, lo que distingue a "Motherless Children" es la forma en que Eric Clapton infunde nueva vida en este género clásico con su estilo único y su pasión palpable por la música. Su interpretación vocal está llena de emoción y matices, capturando la angustia y el anhelo que impregnan la canción.

La instrumentación en "Motherless Children" es igualmente impresionante, con solos de guitarra ardientes que muestran la virtuosidad de Eric Clapton. Cada nota está imbuida de emoción, transmitiendo la intensidad y el poder del blues. La sección rítmica proporciona un fondo sólido para la expresión ardiente de Clapton, creando un contraste efectivo entre la melancolía de la letra y la energía cruda de la música.

Además de su impacto musical, "Motherless Children" también es significativa por su influencia en generaciones posteriores de músicos. La canción ha sido versionada y reinterpretada por numerosos artistas, demostrando su duradera relevancia en el mundo de la música. El legado de Eric Clapton como uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos se ve reforzado por joyas como esta, que continúan inspirando y emocionando a oyentes de todas las edades.

"Motherless Children" es una obra maestra del blues-rock que destaca el talento incomparable de Eric Clapton como músico y compositor. Con su emotiva letra, potente instrumentación y la pasión palpable de Clapton, la canción se ha ganado un lugar especial en el canon de la música popular. Es un testimonio perdurable del impacto duradero de Eric Clapton en la música y su habilidad para tocar los corazones de sus oyentes.

Daniel 

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