La música en el cine: Theme From Shaft (Shaft, las noches rojas de Harlem), Isaac Hayes

 

Theme From Shaft

     En 7dias7notas ya dedicamos espacio a la figura de Isaac Hayes, artista muy importante por ser uno de los impulsores junto a Booker T & The Mg's y David Porter del sonido del famoso sello Stax Records, y además de ser cantante, compositor, productor y actor  fue el precursor del movimiento llamado Blaxplotation. En esta ocasión vamos a hablar del tema que dió origen a ese movimiento y que fue el tema central de una película.

Isaac nace en Covington, Tennessee (Estados Unidos), y tiene una infancia dura, pues su madre muere cuando es pequeño y su padre los abandona a él y a su hermano, siendo sus abuelos los que se ocuparán de criarlos a los dos. Sus inicios con la música son desde muy pequeño, pues a los 5 años ya canta en un coro de una iglesia local, y aprende a tocar el piano, el órgano hammond, la flauta y el saxofón. 

Se gradua en la escuela secundaria y recibe muchas ofertas a modo de becas de música de universidades, pero las rechaza todas pues quiere ayudar económicamente en casa y se pone a trabajar en una fábrica donde empaqueta carne durante el día, y por las noches toca en clubs y garitos nocturnos de los alrededores de Memphis. La carrera de Isaac comienza al ser fichado por el sello Stax Records como músico de sesión, pero es a partir de 1967 tras el fallecimiento de Otis Redding en un fatal accidente aéreo cuando Isaac es uno de los que dan un paso al frente para mantener el sello Stax a flote.

 En 1971 Isaac compone, Theme From Shaft, el tema principal de la película Shaft (Las noches rojas de Harlem), de la Metro Goldwyn-Mayer. La película se estrena en junio de 1971, y debido al éxito de la misma el sello Stax publica una edición del tema algo más corta como sencillo en septiembre de 1971. Con un estilo funk y soul, el tema llega a alcanzar el puesto número 2 en la famosa lista Billboard Soul Singles y el número 1 en la lista Billboard Hot 100.

Isaac acepta escribir y grabar la banda sonora de la película después de que el productor de la misma le prometa una audición para el papel principal de la misma, una audición que nunca llegó. El papel fue dado al actor Richard Roundtree, quizás la inexperiencia de Isaac pesa para que finalmente no se le dé la oportunidad ni siquiera de audicionar, aunque el sí mantiene el trato y compone la banda sonora. Al final haría un cameo en la película haciendo de barman.

En cuanto a la letra del tema, habla de Shaft como un tipo muy duro que se alimenta del peligro constante y no teme a nada ni a nadie, además de ser una máquina sexual, una especie de James Bond negro. El personaje de la película rápidamente se convierte en un icono, y el tema gana un premio Grammy al mejor arreglo instrumental y un Oscar a la mejor Banda Sonora Original. Isaac se convierte en el tercer artista afroamericano en ganar un Oscar, por detrás de Sidney Poitier y Hattie McDaniel, y el primer afroamericano que lo gana en la categoría de compositor. Theme From Shaft se convirtió  además en la primera canción del llamado movimiento y subgénero musical Blaxplotation, un género que consistía en bandas sonoras de cine negro que tenían como protagonista principal a la comunidad negra.

 Who's the black private dick

That's a sex machine to all the chicks? (Shaft)
You're damn right

Who is the man that would risk his neck for his brother, man? (Shaft)
Can ya dig it?

Who's the cat that won't cop out when there's danger all about? (Shaft)
Right on
You see this cat Shaft is a bad mother (Shut your mouth)
But I'm talkin' about Shaft (Then we can dig it)
He's a complicated man but no one understands him but his woman (John Shaft)

Nina Simone - I put a spell on you (Mes Nina Simone)

"Te hechicé" sería la traducción de "I put a spell on you", el disco de Nina Simone grabado entre 1964 y 1965 en Nueva York, y publicado por Philips Records en 1965. Y no deja de ser cierto, Nina nos hechizó en su momento con "Little girl blue", el genial disco de debut que ya comentamos en el #MesNinaSimone. Con esos antecedentes, nos lanzamos a la escucha de este "I put a spell on you" para que el hechizo continuara. Y lo hizo en un principio, con el mágico tema que le da título, una canción que brilla con luz propia en cualquiera de las muchas versiones que de ella se han realizado, y que nos da las primeras pistas de lo que ofrece este disco, mucho más orquestal y melódico que las propuestas anteriores, probablemente el disco más accesible y desenfadado de una artista tradicionalmente asociada a esquema de jazz más clásicos.

 

Ya en Tomorrow is my turn percibimos ese aire desenfadado, con guiños en los vientos a la melodía de las películas de James Bond, y con una producción que apuesta por los arreglos orquestales, sacrificando el sabor a club de jazz en favor de una atmósfera mucho más luminosa y alegre, y con ellos más comercial, en el sentido de la palabra que queráis darle. Ejemplo de ello es la elección del tema Ne me quitte pas, el clásico de la canción francesa, que funciona comercial y emocionalmente a la perfección, y de paso le da al disco el punto ecléctico del cambio de idioma. Le sigue Marriage is for old folks, un tema en tono amable y con ánimo de resultar incluso divertido, y un pícaro alegato en contra del matrimonio, algo que no encaja en el espíritu libre de Nina, reacia a pertenecer a nadie. Bañada en arreglos orquestales propios de un musical de celuloide, carece sin embargo de la garra y el sentimiento de las composiciones de la Nina más intimista.

Parecido resultado se obtiene de la escucha de July Tree, una balada melódica en la que de nuevo aparece arropada por la orquesta, y de la gran pieza swing que es Gimme Some, en la que nos saca de la ensoñación melódica un sorprendente arranque rock and rollero y rasgado de Nina en una de las frases centrales, justo a tiempo de reengancharnos de nuevo a la escucha, y disfrutar después de Feeling good, otro gran tema clásico en el que voz y orquesta brillan con luz propia y al máximo nivel, y su conocida melodía de vientos hace las delicias de los más aficionados al género.

Tras un nuevo viraje hacia la balada melancólica en One september day, apoyada una vez más en los arreglos de la omnipresente orquesta, el disco entra en terrenos más experimentales, tanto en el jazz instrumental de Blues on Purpose (la más cercana musicalmente a la añorada atmósfera de club de jazz de discos anteriores), como en la rareza que es Beautiful land, una breve pieza con aire a cancioncilla infantil, cuyo minimalismo contrasta en un disco tan marcadamente orquestal.

 

Por último, Nina parece retomar la senda y deja para el final un par de buenos temas. You've got to learn es, en mi opinión, el momento más álgido del disco. Tanto a nivel vocal como compositivo, es el tema que suena más redondo y que mejor le sienta a las características vocales de Nina, encajándole como un guante de terciopelo. Take care of business es otro buen tema, en el que vuelven los arreglos orquestales, de nuevo con altas dosis de condimento con sabor al séptimo arte, para poner el broche final a un disco muy trabajado a nivel instrumental, pero que al elegir ese camino, paga también un caro peaje en términos de originalidad e intensidad emocional.

Siendo I put a spell on you un muy buen disco, no puedo evitar echar de menos a la "pequeña chica triste", la reina del club nocturno de Side Street, que con tan solo un piano y un par de músicos de jazz de acompañamiento, hacía elevar la intensidad de la música hasta cotas insuperables. Quizá no estaba tan contenta, ni tan arropada, pero lograba ponerte los pelos de punta. Y eso es algo que, por más que le añadas ingredientes al guiso,  no tienes garantizado conseguir. La magia, y sus secretos, son conocidos sólo por unos pocos, que nunca los compartirían con toda una gran orquesta. Porque de hacerlo, y aunque siguieran siendo buenos trucos, perderían su capacidad de asombrar. Se rompería el hechizo.

Un país, un artista: Alemania - Michael Schenker

  

Michael Schenker

     En 7dias7notas  iniciamos una nueva aventura, o lo que es lo mismo, estrenamos una nueva sección, iniciamos un nuevo proyecto al que hemos llamado "Un país, un artista". En dicha sección y como su propio nombre indica, iremos seleccionando cada semana un país, y de dicho país escogeremos un artista como representante del mismo al que dedicaremos el artículo. Realizamos una votación a través de las redes sociales (Twitter y Telegram) para que la gente nos ayudara a elegir el país que estrenaría la sección, y resultó vencedor Alemania. Ahora tocaba darle vueltas y escoger el representante de dicho país al que dedicaríamos el artículo. Tras darle muchas vueltas decidimos que el elegido fuera Michael Schenker. ¿Y por qué Michael Schenker y no otro? Pues porque es uno de los guitarristas más influyentes dentro del genero heavy metal y sus más de 50 años de carrera le avalan. Su carrera empezó profesionalmente con apenas 12 años, fue miembro de Scorpions, una de las bandas más importantes de Alemania, y con 18 años dio el salto a otra de las bandas más influyentes del Reino Unido dentro del hard rock, UFO, banda que marcaría el camino de otras tantas que llegarían después, y posteriormente iniciaría su carrera en solitario formando varias agrupaciones como líder de las mismas. Una carrera marcada por su extraña personalidad, su fuerte temperamento y sus antiguos problemas con el alcohol, pero que no restan ni un ápice la increíble calidad que tiene y su inestimable aportación al noble arte de la música, en especial al hard rock y al heavy metal. 

Michael Schenker nace el 10 de enero de 1955 en Sarstedt, municipio alemán muy cercano a la ciudad de Hannover. Comienza a tocar la guitarra a la edad de 9 años cuando su hermano mayor Rudolph se hace con una guitarra eléctrica Gibson Flying V. Llega a practicar una media de 4 horas diarias y su hermano Rudolph para motivarle le paga un marco alemán por cada canción de los Beatles que se aprende. Entre sus tempranas influencias se encuentran Jimmy Page, Leslie West, Eric Clapton, Johnny Winter, Jeff Beck y Rory Gallagher. Con ese ritmo de práctica y aprendizaje rápidamente adquiere una gran habilidad y destreza con la guitarra, y en 1966,con sólo 9 años forma su primer grupo junto a tres amigos del colegio, The Enervates, grupo que se dedica a realizar versiones de los Beatles y donde Michael asume el papel de John Lennon, siendo la primera y única vez en su carrera que asume también el papel de vocalista principal. 

Su carrera profesional comienza a muy temprana edad, pues en 1967 y contando con 12 años forma el grupo llamado Cry, banda que posteriormente pasa a llamarse Cry Express, convirtiéndose además en el primer grupo beat que surge en la escena musical de Hannover. Recordemos que la música beat fue un género musical que combinaba el rock, blues y R&B con influencias doo wop, skiffle y rock & roll, y que surge en el Reino Unido principios de los años 60. Dentro de este estilo surge una corriente llamada Merseybeat, corriente que hace referencia a los grupos surgidos en la región de Mereyside, Liverpool, la ciudad donde nacen los Beatles. El hecho de que muchos de estos grupos beat pasen temporadas tocando en Hamburgo y las influencias de los Beatles en Michael algo tendrán que ver para que formara parte de la primera agrupación beat de la historia de Hannover. Cry Express alcanza rápidamente fama y y una gran acogida, llegando a aparecer en el programa televisivo Beat Club. Una de las consecuencias de la pronta fama de Michael es que comienza a consumir y tener problemas con el alcohol, lo que provoca que la familia de Michael se vea obligada a intervenir y apartarle de la escena musical, lo que hace que el grupo acabe desapareciendo en 1968. Michael sólo tiene por entonces 13 años de edad. 

A mediados de 1968 los músicos Klaus Meine y Mike Grimke tras su aventura en el grupo The Mushrooms están buscando músicos para su nueva banda. Klaus se interesa en Michael Schenker y le intenta contratar, pero no puede ante la negativa de los padres de Michael, ya que no quieren que su hijo vuelva a participar en un grupo de rock. Será determinante la intervención de su hermano Rudolph, quién tras unas duras negociaciones, consigue que sus padres permitan que su hermano vuelva a la escena musical. Michael acepta la invitación de Kalus Meine y pasa a formar parte del grupo The Copernicus, que en un principio realizan versiones de grupos como Black Sabbath, Led Zeppelin o Deep Purple entre otros, para más tarde tocar sus propios temas. La aventura de The Copernicus dura apenas dos años, lo que tarda en cruzarse en el camino de Michael Schenker la banda Scorpions. 

A comienzos de lo años 70 el por entonces guitarrista de Scorpions Karl-Heinz Heimberg es arrestado por posesión de drogas, por o que Rudolph, el hermano de Michael le invita a formar parte del grupo, junto a él tambien se incorpora Klaus Meine. Scorpions con Michael en sus filas se meten en octubre de 1971 en los Star Studios de Hamburgo para grabar el que será el primer disco de la formación alemana. En febrero de 1972 aparece publicado Lonesome Crow. Alguna de las canciones habían sido grabadas para ser la banda sonora de la película antidrogas Das Kalte Paradies, lo que llama la atención del sello independiente Brain Records y les ofrece un contrato discográfico. El resultado es el citado álbum, y Michael Schenker participa en la composición de todos los temas que aparecen en el disco, un disco que nada tiene que ver con el famoso sonido de Scorpions de los 80, pues está orientado a un sonido progresivo y psicodélico. El resultado es más que interesante. 

Gracias a este disco Scorpions tienen la oportunidad de telonear a artistas como Uriah Heep o Rory Gallagher, y a mediados de 1973 les sale la oportunidad de telonear durante una serie de conciertos a la banda británica UFO. El vocalista de la banda británica Phil Mogg al ver la calidad de Michael y ante la marcha de Bernie Marsden de UFO le ofrece el puesto de guitarrista. Cuenta la leyenda que al iniciar UFO aquella gira por Alemania, Bernie Marsden había olvidado su pasaporte y no podía tocar en el primer concierto. Los miembros de UFO necesitaban urgentemente un guitarrista, y habían visto la prueba de sonido de Scorpions, y Michael les había gustado mucho por lo que le invitan a tocar junto con ellos aquella noche. En junio de 1973 Bernie Marsden abandona UFO y le ofrecen el puesto a Michael. A pesar de que la pérdida de Michael para Scorpions supone un golpe muy duro, su hermano Rudolph le deja marchar a cambio de una condición, tiene que ayudarles con la composición de los temas de sus siguiente disco. Michael acepta, hace las maletas y se marcha a UFO.

A pesar de ciertos problemas iniciales con el idioma y la edad de Michael, que tiene 18 años, éste encaja en UFO como un guante y en mayo de 1974 el grupo publica Phenomenom, un disco que convierte al grupo en una pieza clave y un referente para las bandas de rock británico que fueron surgiendo posteriormente. Michael participa en la composición de ocho de los 10 temas de un disco donde encontramos joyas como Doctor Doctor ó Rock Bottom, coescritas por Mogg y Michael y que se han convertido en himnos de la formación británica. Paralelamente y como ha prometido, Michael trabaja en la composición de los temas del segundo disco de Scorpions, y en noviembre de 1974 sale publicado Fly To The Rainbow, disco con el que el grupo germano empieza a romper barreras y empiezan a ser conocido en otros países europeos como Francia y Grecia, y también en países cómo Japón y Brasil. En 1975 UFO publica Force It, disco con el que llaman la atención el mercado estadounidense, y donde empieza a hablarse de un jovencito alemán que usa una Gibson Flying V. Paralelamente a la carrera de Michael, que crece de forma exponencial, también crecen sus problemas con el alcohol y su fuerte temperamento. Y así entre problemas, abandonos repentinos y ataques de ira, UFO consigue grabar No Heavy Petting (1976), Lights Out (1977) y Obsession (1978). Las relaciones entre Mogg y Michael están muy deterioradas, y en noviembre de 1978 y sin previo aviso Michael decide abandonar UFO. En enero de 1979 UFO publica su álbum en vivo Strangers In The Night, grabado durante el Tour por Estados Unidos de 1978 de la banda, donde todavía estaba Michael. Éste disco está considerado como uno de los álbumes en vivo más grandes de la historia del rock.

Una vez fuera de UFO, en 1979 su hermano Rudolph que se encuentra inmerso con Scopions en la grabación de un nuevo álbum, le vuelve a invitar a participar en la grabación de dicho disco, Lovedrive, Michael acepta. El grupo se junta con tres guitarristas, Mathias Jabs, y Rudolph y Michael Schenker. Michael Schenker graba los solos de guitarra de Loving You Sunday Morning, Another Piece Of Metal y Lovedrive, y participa en el tema Coast To Coast. Su participación en Lovedrive genera cierta polémica y una serie de fricciones que a día de hoy siguen vigentes entre los hermanos Schenker, pues según Michael aunque el material de la banda y estaba escrito, él no era sólo un músico invitado, pues tenía un contrato como sexto miembro de la banda, y tampoco le habían incluido en los créditos por haber escrito la introducción del tema Holiday y todas las melodías de Coast To Coast. Con la banda inicia la gira Lovedrive Tour, pero en mayo de 1979 abandona Scorpions alegando que no se siente cómodo tocando canciones de otros.

Durante 1979, una vez conocida la noticia de su salida de Scorpions, artistas como Kiss, Deep Purple, Ozzy Ousburne y Aerosmith le ofrecen jugosos contratos por unirse a ellos. Llegó incluso a participar en algunos ensayos de Aerosmith, hecho que no se conocerá hasta años más tarde. Michael rechaza todas las ofertas y decide crear su propia banda. En 1980 forma Michael Schenker Group con el bajista Billy Sheenan, el baterista Denny Carmassi y el vocalista y guitarrista Gary Barden. Durante la vida del proyecto Michael Schenker Group los problemas entre sus miembro y la ida y venida continúa de componentes es una tónica que acompañará al grupo, lo que no impide que el grupo tenga un reconocido éxito sobre todo en Europa y Japón. El grupo debuta con el álbum homónimo The Michae Schenker Group, producido por el bajista de Deep Purple Roger Glover, y cuenta con la colaboración de Don Airey a los teclados y Simon Phillips a la batería. El disco obtiene una gran recepción en las listas de ventas del Reino Unido y de Estados Unidos. Incluso uno de sus temas, Armed And Ready aparece en el videojuego Guitar Hero: Metallica (2009). En 1981 se publica MSG, disco que asienta al grupo y consigue llegar hasta el puesto número 14 de las listas británicas. En éste segundo disco Michael cuenta con la colaboración de Paul McCartney como músico invitado pero no aparece en los créditos. De la gira promocional que el grupo hace se escoge material de su concierto en el Nippon Budokan en 1981 y se publica en 1982 su primer disco en directo, One Night at Budokan, disco que resulta tener un gran éxito de ventas en Reino Unido. En 1982 publican Assault Attack, disco producido por Martin Birch y que cuenta con el vocalista Graham Bonnet tras la salida de Gary Barden. En marzo de 1982, mientras Michael se encuentra grabando Assault Attack, recibe la llamada de un destrozado Ozzy Osbourne por la muerte de su guitarrista Randy Rhoads y le pide que le acompañe en las últimas citas que le quedan de la gira que tiene contratada, Michael acepta, lo que supone que Assault Attack retrase su fecha de publicación. En octubre de 1983 se publica Built To Destroy, álbum que marca el regreso del vocalista Gary Barden, ya que Graham Bonnet y Michael Schenker no han cuajado y discuten mucho, lo que supone la salida del vocalista. El disco no obtiene los resultados de sus anteriores discos suponiendo un fracaso en ventas. Para la promoción de Buil To Destroy el grupo realiza una gira por Reino Unido Y Europa como teloneros de Iron Maiden, y de esa gira se graban sus conciertos dados en el Hammersmith Odeon de Londres (22 y 23 octubre 1983) y con ese material se publica su segundo disco en directo, Rock Will Never Die, publicado en junio de 1984. El disco obtiene buenos resultados en Japón, Reino Unido, Suecia y Alemania. Como comentamos anteriormente, las discusiones, problemas y las idas y venidas en el seno del grupo son una constante, lo que provoca que Michael y la banda decidan tomarse un receso. El grupo ya no volverá a juntarse pues a principios de 1986 Michael da por finiquitado el proyecto, el motivo: Michael tiene otro proyecto en mente. En ese periodo han pasado músicos de mucho nivel, como Cozy Powell, Neil Murray, Graham Bonnet, Gary Barden, Herman Rarebell o Don Airey.

En 1984 y después de tomarse el receso Michael decide tomarse un tiempo alejado de la escena musical, un tiempo que dura dos años. en ese periodo hace amistad con el vocalista irlandés Robin McAuley, quien había formado parte de grupos como Grand Prix y Far Corporation. Michael y Robin forman el grupo McAuley Schenker Group, banda con un sonido más orientado hacia rock melódico con toques de un glam metal que estaba empezando a irrumpir en la escena musical. Los dos primeros álbumes, Perfect Timing (1987) y Save Yourself (1989) obtienen muy buenos resultados en las listas de ventas, sobre todo en Estados Unidos, Reino Unido y Suecia. En 1992 publican M.S.G., pero este supone un fiasco y no consigue acercarse a los resultados obtenidos por los dos anteriores trabajos. Ese mismo año, 1992, la banda ha grabado una presentación en acústico en la localidad de Anaheim, California, y dicha presentación deciden publicarla en 1993. Tras la presentación de este directo, Robin McAuley contrae matrimonio y decide retirarse de la escena musical, y Michael entiende que no tiene sentido continuar el proyecto sin su socio y amigo y disuelve el grupo. Esta época es frenética en cuanto a trabajo para Michael, pues en 1990 forma junto a Tracii Guns (L.A. Guns), Share Pedersen (Vixen), Robbin Crosby (Ratt) y Richard Black (Shark Island) una especie de supergrupo llamado Contraband, con el que publican un único disco de estudio llamado Contraband, el cual contiene versiones como Hang On TO Yourself (David Bowie) o All the Way from Memphis (Mott The Hoople). La banda realiza una serie de conciertos para promocionar el disco, y a finales de 1991 después de realizar una serie de conciertos teloneando a Ratt deciden separarse. En 1991 también colabora con la banda de glam metal Ratt en su álbum acústico MTV Unplugged.

Parece que Michael le ha cogido el gustillo a los discos acústicos y en 1993 decide grabar su primer álbum en solitario, precisamente acústico, llamado Thank You, disco que cuenta tanto con las llamadas power ballads como con canciones más cañeras, pero todo grabado con guitarras acústicas. El hermano de Michael, Rudolph durante la gira llamada Face At Heart Tour que Scorpions está realizando en ese momento invita a Michael para tocar en algún concierto que otro el tema Positive Forward y así ayudarle a promocionar su primer disco en solitario. Llega 1995 y recibe una llamada de Phil Mogg, Paul Raymond, Pete Way y andy Parker, sus ex compañerosde UFO, que quieren reflotar la formación clásica del grupo y Michael acepta. Ese mismo año graban y publican Walk On Water, un disco que es publicado y lanzado únicamente para el mercado japonés, relanzándose en 1997 para el mercado europeo. El disco le sirve al grupo para embarcarse en una extensa gira que dura unos dos  años por Europa y Estados Unidos. Mientras se ncuentra inmerso en dicha gira decide reflotar The Michael Schenker Group, y para ello ficha al vocalista Lief Sundin, al bajista Barry Sparks, al baterista Shane Galaas y al tecladista Claude Gaudette, éste último como músico de sesión, y graba y publica Written In The Sand, un disco donde vuelve a sus raíces y recupera el soido clásico que hacía antaño. Al igual que pasara con el disco de UFO, éste también se publica primero para el mercado japonés, donde Michael tiene mucho tirón, y meses después se publica en Europa y Estados Unidos. El disco no puede ser promocionado como se merece en directo, pues Michael tiene la agenda a tope con las presentaciones con UFO, pero no durará mucho pues en el seno de la la banda británica afloran viejas tensiones del pasado y en 1997 Michael decide abandonar el grupo, acordando únicamente tocar en las fechas de la gira que tienen programadas. Ese mismo año, 1997, aparece publicado el disco doble The Michael Schenker Story Live, un viaje por la historia de Michael con canciones resultantes de su paso por UFO, Scorpions, The Michael Schenker Group, Mcauley Schenker Group y Contraband. 

La relación de Michael con UFO, y más concretamente con Phil Mogg es de amor/odio, pues en 2000 se vuelve a reunir con la formación británica, una formación que ha sufrido algún cambio y no es la clásica, y graba Covenant. Mentras permanece en esta etapa en UFO también retoma su carrera en solitario y graba una serie de discos instrumentales, Adventures Of Imagination (2000), con el que consigue muy buenas críticas de la prensa especializada, Dreams And Expressions (2001), enfocado a un sonido más duro, The Odd Trio (2001), disco donde crea, produce y graba todos los instrumentos él mismo, creando dos personajes ficticios para acreditar el bajo y la batería, y publica tres disco más que vienen a ser una continuación de su primer disco en solitario, Thank You, vol. 2 (2002), Thank You, vol. 3 (2002) y Thank You, vol. 4 (2003), donde retorna a los sonidos acústicos e introduce también temas de corte neoclásico. Esta etapa vuelve a ser frenética para Michael, pues tampoco se olvida de The Michael Schenker Group con los que graba Be Aware Of scorpions (2001), en clara referencia a Scorpions, la banda de su hermano Rudolph, y Arachnophobiac, publicado en junio de 2003. Entre medias, en agosto de 2002 publica con UFO el disco Sharks, con el que apenas tienen impacto en las listas musicales, lo que provoca que después de terminar la gira promocional en 2003 Michael abandone la formación. 

En 2005 decide publicar con The Michael Schenker Group el álbum llamado Heavy Hitters, disco que contiene versiones de temas de Elvis Presley, UFO, Mountain, Black Sabbath, Gary Moore, Mose Alison, Pink Floyd, Nazareth, Jimi Hendrix y Cream. El disco se remasteriza en 2008 y se incluyen cuatro pistas adicionales. La particularidad de este disco es la colaboración de un buen puñado de artistas, entre los que se encuentran Joe Lynn Turner, Leslie West, Rudy Sarzo, Jeff Scott Soto, Tony Levin, Gary Barden, Sebastian Bach, Paul Di'Anno, Eric Singer y Robin McAuley entre otros. En 2006 con su banda es invitado a tocar en el festival alemán Wacken Open Air, donde coincide con Scorpions, la banda de su hermano Rudolph, y pesar de las tensiones entre ellos, sube como invitado para tocar algunos temas en ese concierto especial que da Scorpions. Posteriormente desaparece unos meses de la escena para tratarse de sus problemas con el alcohol, unos problemas que le han obligado a cancelar una extensa gira que tiene programada por Estados Unidos y Europa. Al acabar un tratamiento que dura unas semanas realiza una pequeña gira sólo en el Reino Unido llamada Michael Schenker & Friends y que recibe buenas críticas por parte de la prensa especializada. Su reaparición con The Michael Schenker Group se produce en 2008 con la publicación de su disco In The Midst Of Beauty, y cuenta con Gary Barden, Don Airey, Neil Murray y Simon Phillips. El disco alcanza una gran recepción el Alemania, Suecia el país japonés que nunca le falla, y demuestra que Michael sigue en forma, como demuestra la extensa gira que realiza por Europa y Japón.

Nos adentramos en 2011 y Michael se embarca y forma un nuevo proyecto, Michael Schenker's Temple Of Rock, y publica su primer disco con esta formación, Temple Of Rock. El grupo está formado por el vocalista Michael Voss, Wayne Findlay a los teclados y guitarra rítimica, Pete Way al bajo y Herman Rarebell al la batería. Este primer trabajo también cuenta con la colaboración de artistas de la talla de Robin McAuley, Rudolph Schenker, Leslie West, Don Airey, Paul Raymond, Neil Murray, Simon Phillips o Chris Slade entre otros. Con esta nueva formación Michael lanza dos discos más de estudio, Bridge The Gap (2013) y Spirit On A Mission (2015) ademas de dos álbumes meas en vivo. Con Michael Schenker's Temple Of Rock el genial guitarrista se aleja del clásico sonido hard rock para sumergirse en un sonido más heavy metal. En 2016 con esta agrupación se embarca en la gira llamada Michael Schenker Fest, tocando también temas de sus anteriores formaciones The Michael Schenker Group y McAuley Schenker Group, e invitando a los vocalistas que pasaron por las bandas, Graham Bonnet, Gary Barden y Robin Mcauley. Para este 2020 tenía una gira anunciada como Michel Schencker's 50th Anniversary/Michael Schenker Fest/Revelation Tour, y que iba a recorrer Reino Unido, Japón y Europa, teniendo cerrados concietos en Madrid y Barcelona. De momento la maldita pandemia que estamos padeciendo le ha obligado a cancelar en Reino Unido y Japón, y mucho nos tememos que acabará cancelando el resto y nos quedaremos sin disfrutarle este año en España. 

Al margen de sus problemas con el alcohol, con su hermano Rudolph y su fuerte temperamento, a Michael Schenker le avala una magnífica y extensa carrera de más de 50 años de actividad, y que le han convertido en uno de los guitarristas más importantes e influyentes del hard rock y heavy metal. Ha llovido ya desde que aquel chico se presentara en un escenario con una Flying V, modelo que ha seguido usando durante todas su carrera musical y que a día de hoy sigue utilizando. Esperamos y deseamos que siga estrujando y aplastando las cuerdas de esa Flying V por muchos años más.

Nina Simone - Little Girl Blue (Mes Nina Simone)

Para definir la experiencia de escuchar en el #MesNinaSimone que ahora comienza, el que fuera disco de debut de Nina Simone en 1959, nada mejor que el subtítulo con el que, en ocasiones, se conoce y se nombra a este "Little Girl Blue":  "Jazz como se tocaría en un exclusivo club de Side Street". La atmósfera de este disco es precisamente esa, la de un pequeño local lleno de mesas redondas, iluminadas por la luz de las velas, mientras en un pequeño escenario una banda de jazz deleita a los asistentes con una delicada versión de Moon Indigo. Al frente de la banda, los dedos de Nina acarician el piano, interpretando las notas del clásico Don't smoke in bed, y su aterciopelada voz emociona a todos en la intensa y taciturna He needs me, antes de regalarnos la maravilla de Little Girl Blue, el tema que da título a un álbum que brilla desde la calma y la belleza de sus temas, bañados por la tenue luz del escenario.

El ritmo sube con Love me or leave, un tema en el que Nina y la banda se dejan llevar por la magia y el swing, mientras el imaginario público no puede evitar chasquear los dedos al ritmo jazz de la batería y la brillante demostración de Nina al piano. El tema cambia el "mood" taciturno del disco justo a tiempo, haciendo de perfecta antesala de lo que está por venir, el archiconocido e irresistible My baby just cares for me, una deslumbrante pieza en las manos de una pianista veinteañera, que aún se debatía entre dedicarse al jazz o continuar con su formación como concertista clásica, y que se explaya en una demostración de sus habilidades al piano en la instrumental Good Bait.

La joven e inexperta Nina vendió los derechos del disco a Bethlehem Records por tres mil dólares, sin saber que los beneficios que acabaría generando superarían ampliamente el millón, por lo que suponemos que no pudo comprarse el anillo de oro al que hace referencia Plain Gold Ring, un tema que comienza a capella, con el lamento desnudo de Nina, al que se irán uniendo in crescendo una marcial batería y un tenue ritmo de piano, construyendo un leve manto para la cálida y arrebatadora voz de una Simone que canta como si fuera una artista consagrada con miles de kilómetros a cuestas. Y en la recta final de ese camino, Nina nos regala de nuevo su talento al piano, interpretando una sentida You'll never walk alone, para cerrar después el disco a lo grande con otro clásico de su discografía, I love you Porgy, en la que su voz aterciopelada vuelve a llenar el pequeño e imaginario club nocturno de intensidad melancólica.

Es ya noche cerrada, y no hay tiempo para los bises, aunque en posteriores reediciones del disco se incluyeran otras canciones de aquella sesión grabada en 1957 para Bethlehem, a la postre venerada por ser la única que realizaría para esa discográfica. Temas como He's got the whole world in his hands, For all we know y African Mailman no desmerecían a los que finalmente conformaron el disco, como tampoco lo hacían otros temas que la discográfica desenterró sin permiso en el álbum "Nina Simone and her friends", cuando una decepcionada Nina había dejado ya la discográfica, descontenta con las condiciones del acuerdo y la insuficiente promoción de su primera obra. Ese fue, para Bethlehem, el último intento de explotar a la gallina de los huevos de oro, que convertida ya en ave majestuosa, desplegaría sus alas y volaría en busca de su sueño, que no era otro que escapar de la melancolía de sentirse sólo una "pequeña chica triste".

Bruce Springsteen - Letter for you (Mes Bruce Springsteen)

 

Vamos con el vigésimo álbum de estudio de la carrera de Bruce Springsteen, una gozada poder recibirlo y sobre todo escribir sobre esta joya que nos ha dejado.

 

Arrancamos con “One minute you´re here” la pausa como argumento, recita la canción melancólico, y es que Springsteen cuando canta en base a los recuerdos de la infancia de Springsteen, de ser un guitarrista adolescente en su primera banda, de los talismanes que ha coleccionado, de encontrar su camino en el mundo y de la muerte de sus amigos, ha escondido su corazón rebelde y rockero y le sale la vena Dylan que desde el principio le ha empujado y aquí arrastra las palabras como un veterano de la música country con la guitarra acústica y las cuerdas, pero no penséis que es cosa de la edad, Springsteen ha estado cantando sobre la difícil situación del hombre durante tanto tiempo que toda su carrera y su trabajo es sentir el pulso de Estados Unidos y, con la única manera que sabe hacerlo acompañarles. En este tema parece que la generación que nos va dejando poco a poco nos advierte de que se acercan tiempos difícil y que tocará bajar de nuevo al rio. Pero Bruce no nos va a dejar mientras le quede un pulso que da y nos va a acompañar en este camino poniéndonos a tono “Letter to you”, donde la E Street vuelve a brillar y a lanzar sus huracanes en forma de notas musicales, y te saca de la siesta y te pone a saltar y no te deja descansar, parece que te dice ya has reflexionado demasiado con el primer tema sal a la pista y vuelve a dar saltos en la cama y a tirarte por el suelo enloquecido, y es que no para, nos puso a cien y se vuelve a desatar la tormenta con “Burnin Train” la pista más vibrante del disco y hace justicia a su nombre, tan peligrosa como un tren en llamas, dominada por la gran batería de Max Weinberg, que a pesar de sus 69 años todavía suena increíblemente vigorosa. “Jamey needs a shooter” fue escrita originalmente para Darkness On the Edge of Town en 1978 y ahora es tan actual que parece hecha adrede para este 2020, clama con fuerza la voz como hace 40 años, y su coro en el estribillo nos pone el punto melancólico perfecto.

Con “Last man standing” realiza un bellísimo homenaje al comienzo de todo, a su primera banda, The Castiles mas cuando el cantante George Theiss murió seis meses antes de que Springsteen escribiera la canción. Una canción pegadiza con un buen ritmo contundente y un saxofón brillante, un gran tema. “Power of Prayer”, aunque puede ser un himno a las alegrías de la vida de la banda y la música en vivo, es una canción bastante flojita y demasiado tópica para ser de Springsteen. “House of a Thousand Guitars” es otra de las flojitas del álbum, una melodía ligeramente pegadiza y aunque la voz de Springsteen brilla, tiene un estribillo enervante y repetitivo que se pega a tu cerebro y se te queda, pero sabes que es de esas canciones que el recorrido será muy corto porque acabara machacándote y nunca vas a poder descubrir nuevos matices de primeras, buen tema, con el tiempo acabara monótona y Springteen no necesita esto. “A veces la gente necesita creer en algo tan malo, tan malo, tan malo", canta Springsteen en "Rainmaker", que empieza tranquila pero que se va convirtiendo en una de las piezas más duras del álbum y para mí una de las joyas ocultas del mismo, con un mensaje muy fuerte sobre nuestra susceptibilidad eterna a los estafadores y vendedores de humo, personas que se aprovechan de nuestra desesperación y cuando tu moral no está como te gustaría. "If I Was the Priest" es otro de los temas grabados cuando Springsteen estaba en su fase de "New Dylan" antes de su debut en 1973 en Greetings From Asbury Park, Nueva Jersey  y se nota en todo lo que rezuma la canción, ese espíritu de los 70 y ese inconformismo y ese querer hacer lo mejor para la sociedad. Un gran tema

Y Jesús está de pie en la puerta con

una chaqueta de piel de ante, botas y espuelas tan finas que

dice: "Te necesitamos, hijo, esta noche en Dodge City

porque hay demasiados forajidos

tratando de trabajar en la misma línea"

 

Llegamos a “Ghost” de lo mejorcito del álbum, otra canción que te hace creer que el amigo Springteen va a estar supurando talento hasta el último momento, y es que se marca un número de rock operístico y lo clava perfectamente. Estas preparado para recibir una inyección de adrenalina en el corazón, una canción que pide a gritos que la lleven a la carretera y la griten frente a 120.000 fanáticos en un estadio gigante. “Song of Orphan”, es el tercer tema que escribió allá a primeros de los 70, suspiros de otro tiempo, de otra época, con un aroma a lo mejor de lo que fue la americana de finales de los 60 y los 70 con Dylan y The Band como grandes inspiradores, en esta oportunidad llevadas al terreno de la E Street Band. Esa armónica en Orphans podría clavarse como una estaca hasta en el espíritu de los más ateos. Springsteen explorando temas que le preocupaban y sigue preocupando: la búsqueda de la fe y el valor de la comunidad. Una auténtica delicatesen. La canción final, "I'll See You in My Dreams", es algo parecido a una canción de cuna, pero, aunque se llora una pérdida, también se encuentra consuelo en lo vivido

Cuando todos nuestros veranos hayan llegado a su fin

Te veré en mis sueños

Nos encontraremos, viviremos y reímos de nuevo

... Sí, en la ribera del río

Por que la muerte no es el final.

 

El disco de la semana 197: Los Suaves - Ese día piensa en mí

Ese día piensa en mí 

 

     Para hablar de Los Suaves tenemos que remontarnos a la década de los 60, donde tres hermanos procedentes de Ourense, Yosi, Charli y Javier inician cada uno su camino para labrarse un futuro, pero el destino es caprichoso y hará que los tres se junten para crear una de las mejores bandas de rock que ha dado nuestro país. 

Los tres se crían bajo la tutela de su padre Manuel, quien regenta un comercio de tejidos, y Luisa, que ejerce de maestra en un pueblo. Yosi, el mayor de ellos desde siempre se mostró como el mas rebelde de los hermanos, decide que no quiere seguir estudiando y se deja el pelo largo, y tras andar aquí y allá se prepara y consigue aprobar unas oposiciones a Subinspector de Policía Nacional. Es conocido su interés por la musica y la lectura, y también empieza a tocar la guitarra y la armónica. En su primer destino, Barcelona, mantiene una relación con una chica californiana, con la que viaja durante un par de veranos a Estados Unidos, lo que le permite vivir de cerca la cultura y la música americana. Por otro lado Charli decide dejar los estudios para trabajar en el comercio familiar y empieza a tocar la guitarra, para más tarde comenzar a realizar colaboraciones en Radio Ourense, y posteriormente en Radio Cadena, radio que luego es absorbida por Radio Nacional y pasa a llamarse Radio 4. Llega el año 1980 y Javier que acaba de terminar sus estudios universitarios regresa a Ourense, donde se reencuentra con Charli que vive allí, y con Yosi que se ha trasladado también Ourense. Charli consigue una casa en una aldea abandonada donde los tres se juntan y pueden ensayar sin ningún tipo sde problema.

A los tres hermanos se une Ángel Ruiz Cabezas, y ya como cuarteto realizan su debut en abril de 1981 en una discoteca de Ourense llamada Long Play. El grupo va fogueandose concierto tras concierto y el 13 de noviembre de 1981 les llega su gran oportunidad, telonear a Los Ramones, una oportunidad que Yosi (vocalista), Charli (bajista), Javier (batería)  y Ángel (guitarrista) no desprovechan. El grupo además adquiere la idea de utilizar el logo del famoso gato al ver el logo del águila de Los Ramones. 

La banda crece y a ella se une otro baterista, Carlos Costoya y el guitarrista Montxo Costoya, quedando el grupo compuesto por seis componentes, dos de ellos baterías. Con esta formación publican su primer disco en 1982, Esta vida me va a matar. En 1984 el grupo ha sufrido cambios y esta formado por Yosi (voz), Charli (bajo), Pepe Losada (guitarra), Hermes Alogo (guitarra) y Tino Canolas (batería), y publica su segundo disco de estudio, Frankestein, un disco que pasa absolutamente inadvertido, lo que provoca otra vez cambios en un grupo que corre peligro de desaparecer. El grupo sigue apretando los dientes y decide seguir tirando para adelante, y así Yosi (voz y armónica), Charli (bajo), Montxo Costoya (guitarra) y Hermes Alogo (guitarra) graban en 1988 en  los estudios Eolo de Gijón el que supondrá el tercer disco de la banda, Ese día piensa en mí, el disco recomendado para la ocasión para la aventura de 7dias7notas.

Para la grabación del disco cuentan con la colaboración del baterista Alejandro Cano, ya que en ese momento no tienen uno, y con la colaboración del guitarista Alberto Cereijo en el tema  No puedo dejar el Rock. Este disco marcará un antes y un después en la banda, pues les catapulta al éxito que tan esquivo les ha estado siendo. El grupo pone de manifiesto con este álbum que es capaz de moverse entre el rock duro y el rock urbano como pez en el agua y mezclar ambas vertientes con una facilidad y una calidad asombrosa. La música y las letras son obra de Yosi que se destapa como un gran letrista, no en vano es apodado "El Poeta", pues sus composiciones tratan temas como los problemas del día a día, el amor, la muerte, las mujeres, la noche ó el fracaso, y además con el tiempo va evolucionando y dotando a estas de una gran profundidad. 

Abre la traca de este discazo ¿Sabes? ¡Phil Lynott murió!, temazo dedicado a la figura del gran Phil lynott, que habia fallecido en 1986, y es que Los Suaves siempre se han declarado fieles admiradores de Thin Lizzy y la obra de Phil Lynott. Tema donde Yosi nos regala un sentido y maravilloso homenaje y donde las guitarras de Montxo y Hermes con sus riffs nos recuerdan a los irlandeses. No nos hemos repuesto del gran comienzo y le llega el turno a otro de sus grandes temas de siempre, Dolores se llamaba Lola, míticos esos riffs salvajes de guitarra y mitica la historia de Lola, quien lo ha tenido todo y al final acaba sin nada, canción que forma parte por derecho propio de nuestra historia de la música. Sólo pienso en dormir, donde nos demuestran que también saben hacer temas de corte festivo y con aires humorísticos. Nena, te voy a dejar, turno para la balada del disco donde Hermes y Montxo realizan un gean trabajo con las guitarras y Yosi nos muestra su lado más poético y sentimental, otro temazo. No puedo dejar el Rock, otro himno de la banda donde Yosi lanza una oda a nuestra gran pasión, la música. Es además el tema más cañero del disco, pues cuenta además con la colaboración de Alberto Cereijo, quien contribuye con su guitarra al endurecimiento del sonido del grupo. Ese día piensa en mí, tema que da título al álbum, rock básico, directo y al grano, junto con el tema anterior otro de los temas más duros del disco y donde más se acercan al Heavy metal. Buen suceso, tema donde se notan las influencias de la NWOBHM (Nueva Ola del Heavy Metal Británico) y que irán explotando con mas asiduidad en discos poateriores. Río y no sé por qué, tema donde hacen un guiño y explotan con mucho acierto el rock urbano. Y cierra el disco Camino de una dirección, que supone la guinda del pastel, un acelerado rock & roll con la banda desatada y Yosi dándolo todo a los mandos vocales. 

Ese día piensa en mí es un disco imprescindible en la historia del rock español y que supuso además el despegue y reconocimento de una banda que trabajó y ha trabajado muy duro para ganarse un hueco por derecho propio en el Olimpo del Rock español. 

"Siempre Suave"

BRUCE, BRUCE, BRUCE!!!! (Mes Bruce Springsteen)

Es un honor para nosotros compartir un texto que nos ha dejado el Jose Miguel Merino (Twitter: @jmerino11 ) ,presidente de los premios George de cine,  redactor del blog Habladecine y como mas de una vez nos ha confesado un devoto fan de Bruce Springsteen, el cine y el buen fútbol, esta es su historia.....

Mi conexión con Bruce comienza prácticamente desde que fui engendrado, ya que buena parte de mis 9 meses en las entrañas de mi madre, Trinidad, coincidió con los meses en los que Bruce gestaba su primer álbum, Greetings from Asbury Park, NJ, en los estudios 914 Sound, y quise venir al mundo el 22 de Diciembre de 1972, tan sólo un par de semanas antes de que Columbia Records lo lanzase al mercado. En ese primer álbum, había temas que siguen sonando con mucha fuerza, como Growin Up, Spirit in the night, o la recientemente más famosa, gracias a la magnífica película del mismo nombre, Blinded by the light.

Con el transcurrir de la infancia, nuestros caminos se separaron, aunque creo recordar escuchar The River en algún momento de mi infancia, con 8-9 años, ya que a mi padre, Alejandro, que nos observa desde el cielo desde hace algo más de un año ya, le gustaba también Bruce, y es un tema que además de ser una de las mejores baladas escritas nunca, no se porqué, pero recuerdo con mucho cariño, posiblemente tendré que hacer alguna vez hipnosis regresiva para llegar a descubrir cuando y donde la escuché por vez primera…

Pasaron unos años tan sólo, 2-3, y con 12 me llega el primer recuerdo más firme que tengo de Bruce; a mi hermano, Carlos, pidiéndole a mi madre que le comprase para su cumpleaños el disco del tipo con el pantalón vaquero, y le costó bastante conseguirlo, pero al final entró Bruce en casa, por todo lo alto, y he de decir que fue un vinilo muy usado, incluso fue pinchado en varias ocasiones durante las fiestas colegiales de aquel año, pero poco a poco fue cayendo en mis manos, ya que mi hermano comenzó enseguida a girar a unos gustos musicales más hard, y esa joya, el último con material nuevo que grabó Bruce en estudio con la E-Street Band, hasta este 2020, quedó para siempre ya en mi colección, que iría completando año tras año, con avidez, con cada disco que veía la luz, Tunnel of love, el doble lanzamiento Human Touch+Lucky Town, Tom Joad, The rising…. Y un largo etcétera.

Pero, por mucho que me gustase la música de Bruce, la fusión no estaba completa, por muchos discos que tengas, por mucho que los oigas, por mucho que te aprendas sus letras, las entiendas o no, que lo cantes en el salón de casa, o mientras estudiaba muchas noches con su música en los cascos del discman… en el interior faltaba una chispa, un algo, sin el cual no has llegado al máximo de la relación con Bruce, vivir un concierto en directo.

E-Street Band, Reunion Tour (Barcelona)

Esa chispa se produjo en 1999, durante esa mítica gira con la E-Street Band, la Reunion Tour, esa gira de los 15 conciertos seguidos en East Rutherdorf, NJ, la del cierre de gira con los 10 llenos seguidos en el Madison Square Garden en NY. Durante esos 15 meses de conciertos, que empezaban en Barcelona, un 9 de Abril de 1999, y acabarían en el Madison el 1 de Julio de 2000, el destino, caprichoso como nunca, quiso que una parada fuera en Zaragoza, mi ciudad natal, en el estadio municipal de La Romareda, el teatro de los sueños futbolísticos aragonés (con permiso de mis amigos oscenses). En ese momento, durante 3 horas, el mundo se para, y todo gira en torno a un predicador del rock y el soul, que junto a su banda celestial, la E-Street, elevan, siempre, a un entregado público, a cotas inimaginables de pasión, éxtasis, diversión…Cantos, gritos, saltos, todo da igual, y te fundes en abrazos con desconocidos al son de himnos rockeros, que cantas como buenamente puedes. Bruce es un showman sin igual, y puede estar horas y horas, tema tras tema, manteniendo su voz, su fuerza, su carisma; al sol, bajo la lluvia, la nieve, el frío… siempre está ahí, y en todo momento parece saber lo que quieren sus fieles, su público, al que nunca falla.

A partir de ahí, más discos, más conciertos, hasta un total de 5 ya, 2 de ellos, en Barcelona, de más de 210 minutos de duración, en los que la extenuación sólo es combatida por la sangre del rock que es transferida al público por el “Ministerio del Rock”, gota a gota, en forma de canciones, una tras otra, sin apenas descanso, con momentos siempre cumbres, como cuando suena el “10th Avenue Freeze Out” dando paso a presentar a la banda, con Steve Van Zandt, Nils Lofgren, Patti Scialfa, Mighty Max Weinberg, Garry Talent, y a los para siempre recordados Danny Federici, y el Big Man, el Saxo de los ángeles, Clarence Clemons, el inseparable amigo de Bruce, que desde 2012 sería sustituido por su hijo Jake.

Rising Tour Barcelona 2002

Tras ese inicio de las hostilidades en 1999, llegaría el Rising Tour en Barcelona en 2002, con la mejor compañera posible, Maite; y 6 años después… la magia, 2008, la Magic Tour, fue algo muy especial, ya que fui con varios de mis mejores amigos Caponatos al Camp Nou, y pudimos, por azares del destino, y de mi primo Alex y un ex de los Barcelona Dragons, disfrutar de Bruce en la quinta fila, llegando incluso a chocar manos con él mientras recorría incansable los pasillos del escenario, buscando el contacto siempre con sus seguidores, y a la búsqueda de coger carteles en los que le piden la próxima canción a tocar. Luego llegó el Wrecking Ball Tour, de nuevo en Barcelona en 2012 con mi inseparable JR, y el The River Tour, también en Barcelona en 2016… Todos ellos inolvidables.

Magic Tour (Anoeta)

Y ahora ya en 2020, con 47 tacos, por 71 de Bruce, y en pleno annus horribilis, cuando nos encaminamos a un final de año negro, en medio de la segunda ola de la triste pandemia que nos toca vivir desde Febrero; Bruce decide que es momento de lanzarnos una carta para todos nosotros, escrita en 2019, y grabada en Noviembre pasado durante 5 intensos días, con toda la E-Street Band, tocando todos en directo al unísono. El disco es una maravilla, un discazo, con 9 temas nuevos, y 3 escritos antes del Greetings, “If I was a priest”, “Janey needs a shooter” y “Song for Orphans”, y las 3 se intercalan a la perfección entre las 9 nuevas. Estas nuevas canciones, que Bruce empezó a escribir tras la muerte de George Theiss, el último miembro vivo de la que fue su primera banda de rock, The Castiles, y al que dedica muchos momentos del disco, en especial “Last man standing”; tienen todo lo que cualquier fan de Bruce podía esperar hace años, es pura música reconocible del sello Bruce+E-Street, pero sin ser repetitivo. Temas en los que homenajea a sus fans, como “House of a thousand guitars”, a la E-Street Band, “Ghosts”, que es un himno absoluto al nivel de su TOP5 histórico, y a los miembros que se fueron, Danny Federici y Clarence Clemons, pero a los que no podemos dejar de ver, en la muy emotiva “I´ll see you in my dreams”… merece mucho la pena, es uno de sus mejores discos, pero lo mejor, como casi siempre, aún está por llegar, y esperamos que sea en 2021, ó en 2022, cuando volvamos a encontrarnos en algún estadio, y los recibamos a todos al grito de “BRUCE, BRUCE, BRUCE”…

Bruce Springsteen - Wrecking Ball (Mes Bruce Springsteen)

 

Wrecking Ball #MesBruceSpringsteen 

En los Estados Unidos, hay una promesa que se llamada "el Sueño Americano", que es el deseo a poder vivir tu vida con algo de decencia y dignidad. Pero ese sueño solo es cierto para muy, muy, muy pocos personas. Parece que si no naciste en el lugar correcto o si no vienes de la ciudad correcta, o si crees en algo que era diferente de la siguiente persona, con esas palabras, Bruce Springsteen resumió todo su espíritu, buscar el Sueño Americano y quedarse corto y luego buscar un poco más, durante una época de desempleo desenfrenado y desigualdades económicas inquietantes. Era el año 1981. Sí, Bruce ha estado aquí antes.

En ese entonces, Springsteen expresó su creciente conciencia política, así como las historias sin salida de sus amigos en la pequeña ciudad de Nueva Jersey con las crudas historias de Nebraska. con sus personajes privados de esperanza tratando sombríamente de reconciliar sueños desvanecidos con las realidades frente a ellos. El álbum es un trabajo empático en el que la desilusión de Springsteen lo atraviesa, ofreciendo un sello personalizado en America's Promise y lo que sucede cuando ese vínculo se debilita.

Pero el Bruce Springsteen de hoy, si bien el Estado de la Unión puede sentirse familiarmente inestable, Bruce Springsteen está atacando la hipocresía, la codicia y la corrupción de su país de una manera completamente diferente en su 17 ° álbum de estudio, Wrecking Ball. La palabra clave es "ataque". Varias canciones aquí son polémicas de un hombre que ha sido traicionado demasiadas veces. "Si tuviera una pistola, encontraría a los bastardos y les dispararía a la vista", amenaza en "Jack of All Trades", mientras que nada menos que el sonido de un disparo de escopeta se escucha en el clímax de "Death to My Hometown". Quizás inspirado por las canciones populares que cubrió en We Shall Overcome: The Seeger Sessions de 2006, Springsteen llena la primera cara de Wrecking Ball con su propia música de protesta. Como casi todo lo que Bruce hace, es un gesto noble (el biógrafo Dave Marsh lo calificó como "el último de los grandes inocentes del rock" en la década de 1970, y el título aún se mantiene), pero también puede sonar equivocado.

Con Nebraska Springsteen estaba actualizando la tradición de la música folclórica americana, fuera esa su intención o no. El récord era insular y personal, que se ajustaba a sus tiempos cada vez más fragmentados. We Shall Overcome fue un retroceso común, pero revitalizó su polvoriento material de origen con actuaciones enérgicas y un aspecto accesible que a menudo se ha eludido a Springsteen durante las últimas dos décadas. Pero en Wrecking Ball, sus raíces musicales se remontan a las trampas de la Guerra Civil, los aullidos del gospel.

Parte de esto se puede atribuir a la producción del álbum, que, como casi todo el material posterior a Tunnel of Love de Springsteen, encuentra continuamente una forma de profesionalizar la crudeza de sangre azul del cantante. Si bien algunos E Streeters hacen cameos aquí y allá, la mayor parte del álbum fue interpretada por Springsteen y el nuevo socio de estudio Ron Aniello, cuyos créditos anteriores incluyen a la esposa de Bruce, Patti Scialfa, junto con Candlebox, Guster y Barenaked Ladies. La producción no es un desastre, pero la mayoría de las florituras estilísticas pueden parecer efectistas o, en el peor de los casos, como lecciones de historia seca; los cuernos parecidos a "Taps" en "Jack of All Trades" podrían estar anunciando el propio funeral de la canción, y un solo de guitarra final sorprendentemente suave de Tom Morello no ayuda en nada. También existe la sensación de que Springsteen y Aniello están tratando de encubrir algunas de las deslucidas composiciones del álbum.

Springsteen nunca cayó en el nihilismo del punk en su apogeo, sino que optó por imágenes más completas y ambiguas de los problemas de la clase trabajadora estadounidense. Así que es extraño escucharlo criticar a los de "Banker's Hill" en el tipo de términos en blanco y negro que continúan plagando y dividiendo a su país de origen. No quiere decir que tenga la obligación moral de contar la historia del banquero (no la tiene), pero su furia arremetida lo supera en gran medida (y su escritura) en la primera mitad de Wrecking Ball, de los simplistas ladrones de "Easy Money". "a la caracterización demasiado amplia de "Jack of All Trades". Para Springsteen, la Promesa siempre ha sido una noción compleja y hay belleza en los enredos. Nada es fácil, ni alegría ni venganza. Siempre hay repercusiones, siempre un segundo, tercer y cuarto pensamiento detrás de cualquier acción dada. "El camino de las buenas intenciones se ha secado como un hueso", canta en el abridor "We Take Care of Our Own", y lamentablemente la petición se lleva a cabo a través de las primeras cinco canciones del disco.

En ese sentido, la mitad trasera de Wrecking Ball actúa como una especie de misión de rescate, para el alma de Springsteen y para el álbum en sí. Las dos mejores canciones están aquí, y no es coincidencia que sean las melodías más antiguas del grupo, las que fueron escritas con la E Street Band completa en mente. Ambos, "Wrecking Ball" y especialmente "Land of Hope and Dreams", también cuentan con los inconfundibles sonidos de saxo de Clarence Clemons, quien falleció el verano pasado. Ese peso emocional agregado ciertamente contribuye al peso de estas canciones, pero también lo hace el hecho de que encajan con la misión de toda la vida de Springsteen de una manera que el resto del álbum no lo hace. "Wrecking Ball" se escribió originalmente para rendir homenaje al Giants Stadium de Meadowlands en 2009, cuando Springsteen y la E Street Band tocaron los conciertos finales del lugar. Y, de hecho, Springsteen personifica el estadio en la canción: "Me criaron de acero aquí en los pantanos de Jersey hace unos brumosos años", comienza. Ahora, esto puede parecer un poco tonto y aleatorio. Pero tenga en cuenta que Giants Stadium se estaba levantando en el estado natal de Springsteen justo cuando su propia carrera despegaba en la década de 1970, y que abrió el Brendan Byrne Arena de Meadowlands (ahora el Izod Center) con seis espectáculos con entradas agotadas en 1981. Estos cascos de acero significan mucho para Springsteen, son su púlpito. Y sobrevivir a uno de ellos no es poca cosa. 

A lo largo de los seis minutos de "Wrecking Ball", Springsteen recuerda sus extensos arreglos de antaño y lo marca con un puente glorioso que reconoce la mortalidad del jugador de 62 años y, al mismo tiempo, la desafía. "Trae tu bola de demolición", canta, una y otra vez, disfrutando de la alegría de este final.

"Land of Hope and Dreams", escrita en la época de la gira de reunión de E Street en 1999, sigue su ejemplo: tiene siete minutos y cuenta no con uno, sino con dos solos de Clemons. (En el folleto Wrecking Ball, Springsteen analiza el logro invaluable del dúo: "Juntos, contamos una historia más antigua y rica sobre las posibilidades de amistad que trascienden las que había escrito en mis canciones y en mi música"). Esta canción es enorme, no solo en longitud sino también en alcance, y está imbuido de una grandeza que lo abarca todo y que hace saltar la arena de la que Springsteen ha evitado en su nuevo material durante años. Continúa usando una de las metáforas favoritas de Bruce: el tren. Este es el que hablaba Curtis Mayfield en "People Get Ready" (que se llama aquí), el que el crítico Greil Marcus habló con entusiasmo en su tomo esencial Mystery Train, el que da la bienvenida a todos los estadounidenses independientemente de su clase, raza o credo. . Saliendo de la boca de Springsteen, y del cuerno de Clemons, sigue siendo un ideal conmovedor, un testimonio de esperanza cuando más lo necesitamos. Y para continuar 40 años ahora, ese es el trabajo de Bruce: recordarnos qué une a las personas cuando todo lo que nos rodea parece empeñado en demostrar lo contrario. ¿Demasiado cursi? Probablemente. Pero el verdadero poder de una canción como "Land of Hope and Dreams" reside en su capacidad para superar la timidez y el cinismo, una hazaña que es más difícil de lograr ahora que nunca. Los tiempos difíciles van y vienen, pero sigue teniendo la misma fuerza y presencia del Rock Americano. 

Daniel
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Bruce Springsteen - Lucky Town... y Human Touch (Mes Bruce Springsteen)

 

El nacimiento del primer hijo te cambia la vida, los planes, las prioridades... Y si no, que se lo pregunten a Springsteen, que en 1992 tenía ya terminado su siguiente disco, Human Touch, pero al que el nacimiento de su primer hijo le sumió en un estado de alegría y felicidad que activó además su creatividad artística, produciendo hasta quince canciones nuevas en un corto período de tiempo. La frescura y energía de aquellas canciones, en contraste con el tono más elaborado y producido del disco que esperaba a ver la luz, le hicieron plantearse la idoneidad de publicar uno u otro, o de sustituir algunas canciones por otras antes del lanzamiento definitivo. Tras varias pruebas, llegó a la conclusión de que aquellas nuevas canciones no encajaban entre los temas de Human Touch, y no porque no estuvieran a su altura (de hecho estaban muy por encima de ella) sino porque aquellas canciones tenían vida propia y unidad como posible disco.

De todas las posibles soluciones (elegir canciones para un solo disco, sacar solo uno de ellos...), Bruce Springsteen optó por la más salomónica, y la que más respetaba las diferencias entre las dos propuestas. Como ya habían hecho Guns and Roses con Use Your Illusion I y II, sacó al mercado simultáneamente Human Touch como nave nodriza... y Lucky Town como rareza, formado finalmente por diez de las quince nuevas canciones. La diferencia estaba en que los Guns mantuvieron cierta unidad en ambos discos, y la calidad de ambos hizo difícil decantarse por uno de ellos. Por el contrario, en el caso de Springsteen el disco "importante" palidecía ante el "adicional" o, dicho de otro modo, la actuación del "telonero" acabó eclipsando al grupo principal.

Human Touch había surgido de una etapa de búsqueda, en la que el Boss intentó jugar con varios estilos, añadiendo al rock de siempre algunas probaturas con el soul, el pop y el R&B, y el resultado fueron algunas canciones brillantes (Human Touch, Gloria's eyes, I wish I were blind) mezcladas con otras que se mostraron carentes de la fuerza de sus temas clásicos. Por el contrario, Lucky Town se presentó al mundo con unas credenciales tan básicas como efectivas: Canciones desenfadadas, honestas y directas, grabadas con un sonido más crudo que el de su "hermano mayor", bañadas de la intensidad y frescura que Springsteen solía mostrar en sus proyectos más intimistas e "inesperados" (Nebraska, The Seeger Sessions...)

 

Ya desde el inicio, con Better Days, Springsteen se muestra pletórico y en forma, regocijándose en el hecho de estar viviendo "días mejores". La tormenta ha pasado, desde que decidió trasladarse a Lucky Town (la ciudad afortunada), la canción que da título al álbum, y el lugar en el que planea deshacerse de la tristeza que antaño le acompañaba. El tono optimista sigue en Local Hero, la optimista descripción de uno de esos "héroes anónimos" que trabajan duro día a día en las fábricas y en los campos, antes de ofrecernos uno de los mejores momentos del disco en If I should fall behind, inspirado y sentido himno a la camaradería y la fidelidad: "Yo te esperaré... Y si me quedo atrás, espérame". Casi parece un aviso a los oyentes, porque aunque canciones como Leap of faith o The Big Muddy son también frescas e interesantes, hay que esperar a Living proof para volver a comprobar que Springsteen estaba "de dulce" en aquellos momentos.

Hay también momentos para la calma. Book of dreams tiene ese tono crepuscular y melancólico tan marca de la casa, y sus tenues teclados transitan por terrenos que ya había pisado en discos anteriores como Born in the USA o Tunnel of love, alejándose del tono eléctrico que domina el disco. Es solo un leve espejismo, porque el disco retoma enseguida el tono enérgico con The souls of the departed, provista además de una fuerte carga crítica y social ("Ahora ejerzo mi oficio en la tierra del Rey Dólar... y todas las odiosas y sucias mentiras se han borrado de los libros, y se escriben en los ojos de los hombres decentes...") y de una generosas dosis de electricidad. Un disco tan personal y directo necesitaba, para el cierre, una canción tan desnuda y honesta como My beautiful reward, otro de los (muchos) momentos álgidos de un disco que pasó casi desapercibido en su momento, escondido bajo la sombra del gigante que pretendió ser Human Touch. Y eso nos lleva a una inevitable pregunta:

 

¿Se equivocó Springsteen al sacar ambos discos de manera simultánea? Para que encontréis cada uno vuestra propia respuesta, os propongo escuchar ambos discos, y que veáis las enormes diferencias entre ellos. Las "radio-fórmulas" seguirán pinchando la canción "Human Touch", pero yo seguiré creyendo que "días mejores" están por llegar, y que en algún lugar lejano hay una "ciudad afortunada" dónde reina la alegría y la esperanza, y en la que se pueda encontrar una mejor recompensa. Si decidís ir algún día, os estaré esperando. Y si me quedo atrás... ¡esperadme!