0824.- L.A. Woman - The Doors

"L.A. Woman" da título al último disco de The Doors con Jim Morrison, publicado en 1971, y es una de los himnos imperecederos que nos dejó la banda angelina. Grabada en el local de ensayo de The Doors en Santa Mónica Boulevard (Los Ángeles), es un tema largo (casi 8 minutos) y con cambios de ritmo y progresiones de acordes bastante complejos, lo que hizo que el grupo solo la interpretara completa en una ocasión en Dallas, en el que a la postre sería su penúltimo concierto.

Con la excusa o hilo conductual de la vida de una mujer de Los Ángeles, la letra (inspirada en el libro "La ciudad de la noche" de John Rechyes) es en realidad una descripción de la sórdida vida en la gran urbe estadounidense, que más allá de la percepción de ser un lugar lleno de "chicas en bungalows de Hollywood" o "afortunadas señoritas en la ciudad de la luz", es un reducto de "ángeles perdidos", en el que se puede "Conducir por sus suburbios, dentro de su tristeza" o por "Callejones de medianoche" por los que "vagan Policías en coches" y están llenos de "bares de topless". Morrison se enmascara a sí mismo como el trovador de la historia, refiriéndose a un tal "Mr. Mojo Risin", en realidad un anagrama de "Jim Morrison".

Como ocurriera también con "Hyacinth house" y otras canciones del disco "L.A Woman", Morrison grabó la parte vocal en el baño del estudio, debido a la reverberación de aquella habitación, y aunque la mayor exigencia vocal de "L.A Woman" pone mucho más de manifiesto el deterioro que el constante abuso del alcohol y el tabaco estaban produciendo en sus cuerdas vocales, la canción se beneficia de la voz rasposa y desgarrada del cantante, que transmite a la perfección la tristeza y la soledad de una anónima mujer de Los Angeles, ocultas tras el brillo de las luces de los bares, en los sucios callejones de la noche, magistralmente descritas por Morrison cuando canta a voz en grito: "Nunca vi a una mujer tan sola"

0823.- Hyacinth House - The Doors

"Hyacinth House" está incluida en el álbum L.A. Woman (1971), el último disco de The Doors con Jim Morrison, que fue el responsable de las letras, mientras que la música corrió a cargo de Ray Manzarek, que tomo prestadas partes de la "Polonesa en la bemol mayor, Op. 53" de Frédéric Chopin para el solo de órgano. El título hace referencia a la mitología griega, en concreto al personaje de "Hyacinth" ("Jacinto"), una bella amante del dios Apolo, que según el mito, la mató accidentalmente durante un concurso de lanzamiento de disco. Tras su muerte, y a partir de su sangre, Apolo creó la planta del jacinto.

Existen particularidades que hacen de esta canción una "rara avis" dentro de aquel disco. Mientras que el resto de temas de L.A. Woman fueron grabados en 8 pistas, "Hyacinth House" fue registrada en una grabadora de cinta de solo 4 pistas, y la voz de Morrison se grabó en el cuarto de baño del estudio, para lograr la acústica deseada. Irónicamente, la letra de la canción menciona precisamente un cuarto de baño ("Veo que el baño está libre, como si alguien estuviera cerca, estoy seguro de que alguien me sigue"), pero tiene una profundidad lírica que va mucho más allá de lo que pudiera parecer en una primera escucha, y es en realidad una continuación del lúgubre y fatalista mensaje de "The End", la mítica canción de su álbum de debut ("The Doors, 1967"), en la que Morrison hacía referencia a un premonitorio final, que acabaría encontrando en la bañera de un hotel de París.

Desde esa perspectiva, el mensaje de un hombre en el baño, intuyendo una extraña presencia, adquiere una profundidad inquietante y premonitoria. La conexión con "The End" es aún más evidente al seguir escuchando: "¿Por que tiraste la Sota de Corazones? Era la única carta de la baraja que me quedaba por jugar... Y lo diré otra vez, necesito un nuevo amigo: El final". Sin duda, "Hyacinth House" es una de las canciones más extrañas y tristes compuestas por Morrison, pero también una de las más profundas e intensas.

El disco de la semana 319: Salisbury - Uriah Heep

Salisbury,  Uriah Heep

     Para la recomendación de esta semana nos vamos a ir a la ciudad de Lndres, allí se formó en 1969 Uriah Heep, banda de Hard Rock y Rock Progresivo que se convirtió en una de las más populares en la década de los años 70.

El germen de Uriah Heep se gestó de la mano del vocalista David Byron y el guitarrista Mick Box quienes por entonces se encontraban en un grupo llamado Spice. Poco tiempo después deciden cambiar el nombre del grupo Spice por Uriah Heep, nombre que sacan de uno de los personajes de una de las novelas más famosas de Charles Dickens, titulada David Copperfield. En 1970 se incorpora al grupo Ken Hensley el cuál provenía de un grupo de de rock psicodélico llamado The Goods. Ken es el compositor principal de casi todas las canciones en la época dorada del grupo. El grupo quedaría conformado en sus inicios por David Byron (voz), Mick Box (guitarra), Ken Hensley (voz, teclado y guitarra), Paul Newton (bajo) y Alex Napier (batería).

La formación, en 1970 y con los músicos de apoyo Colin Wood (teclados) y Nigel Olsson y Keith Baker (batería), editan su primer LP, de título Very 'Eavy... Very 'Umble, disco que no consiguió buenas críticas, de hecho de él se dijo que era una copia del grupo Deep Purple. El hecho de que el grupo compartiera local de ensayo con Deep Purple lo mismo tuvo algo que ver para que quedaran influenciados en cierto modo por el sonido del grupo púrpura.

En 1971 el grupo cambia de batería, abandonando el grupo Alex Napier y siendo sustituido por Keith Baker, el cuál había colaborado como músico de sesión en su álbum debut. Una vez conformados lo cambios se meten en faena y editan su segundo álbum de estudio, Salisbury, el recomendado para esta semana. Es un disco donde además del rock, coquetean con el rock progresivo y el jazz fusión, y con el que se acabarían resarciendo de la mala crítica de su primer trabajo.

Salisbury es grabado entre octubre y noviembre de 1970 en los estudios Lansdowne de Londres, bajo la producción de del británico Gerry Brown, y publicado en enero de 1971 por el sello discográfico Vertigo Records para el Reino Unido, por el sello Mercury Records para Estados Unidos y por los Sellos Island Records y Bronze Records para el resto del mundo. Este disco tuvo mucha importancia para Ken Hensley, quien se convirtió y asentó como el compositor principal del grupo. El grupo acaba deshaciéndose del sonido de su primer álbum, y decide potenciar y perfeccionar su sonido con una excelente combinación de hard rock y rock progresivo. 

La portada del álbum mostraba un tanque Chieftain británico, el cual está conectado con el título del disco, ya que en Salisbury Plain, en Wiltshire, Inglaterra, es un área de entrenamiento militar. El LP original tenía una carátula desplegable, con una imagen en banco y negro de la parte inferior del tanque Chieftain en el interior con la torreta mirando hacia atrás, sobre la cual estaban impresos los comentarios de Hensley en cada pista del disco. La reediciones posteriores eliminarían el desplegable y sería una portada simple, mientras que en en Estados Unidos, Mercury Records presento una imagen de portada diferente, consistente en un hombre arrancándose su propia piel, al igual que en la ediciones originales canadienses. Posteriormente en Canadá utilizarían posteriormente la portada original hecha para el Reino Unido. 

Abre fuego de este indispensable disco el tema Bird Of Prey, un poderoso tema rockero que alterna fogosos riffs con pausas instrumentales muy bien acompañadas de teclados. Esta canción apareció por primera vez en la edición estadounidense del álbum debut de la banda, Very 'Eavy ... Very 'Umble, lanzado en 1970. Posteriormente la canción sería regrabada y utilizada en salisbury. Le sigue The Park, compuesta por Ken Hensley, una suave y agradable balada con un ligero toque psicodélico, basada en una sutil mezcla de guitarras acústicas y de teclados. Más que destacable el genial falsete de David Byron muy bien acompañado por Ken Hensley en las armonías que hacen a dúo. Turno para Time to Live, que contiene unos grandes riffs de guitarra. Fue escrita por Mick Box, Ken Hensley y David Byron, y trata de un hombre que está a punto de salir de prisión después de 20 años, los cuales está cumpliendo por matar a un hombre que estaba agrediendo a su mujer. Cierra la cara A uno de los temas más excelsos de toda la discografía de la banda, Lady in Black, compuesta por Kensley, el cuál se inspiró en la visión de una niña desconocida. Se cuenta que entre 1882 y 1889, en Chentelham, Inglaterra, una veintena de personas afirmó haber visto a una misteriosa Dama de negro. También se cuenta que en Texas, Estados Unidos, la Dama de negro era la mujer de un rico hombre de negocios español y que un día fue colgada. Desde entonces cuenta la leyenda que su fantasma suele merodear cerca de la carretera 281 en Alice, Texas. De hecho muchos conductores que han pasado por allí afirman haberla visto.  Posteriormente Ken Hensley contaría en que se inspiró para componer la canción: Durante una gira por el noroeste de Inglaterra, al salir del hotel, Hensley se percató en la presencia de una joven vestida de negro con su largo cabello ondeando al viento caminando por la calle, esto hizo que se le activara su imaginación, cogió su guitarra y se puso a componer. David Byron solía ser el cantante habitual de los temas de Uriah Heep, pero éste tema en concreto no le gustó y se nego a grabarlo, por lo que a sugerencia del productor del disco, Gerry Brown, fue el propio Hensley el que la grabó. Los acordes de las guitarras eran muy simples, lo que le permitió al grupo meter cuatro guitarras, siendo dos de ellas tocadas por roadies del grupo. 

La cara B del álbum está compuesta por dos temas únicamente, High Priestess, un animado tema que junto con Time to Live son los que tienen un corte más orientado hacia el hard rock, y donde vuelven a destacar las magnífica armonías vocales de la banda; y Salisbury, otro de los grandes temas de la banda, y considerada como una de las grandes del género progresivo con sus más de 16 minutos y con la incorporación de una orquesta de 24 piezas. El tema es toda una oda al género, donde sus algo más de 16 minutos están repartidos en varias partes. La canción cuenta con un excelente acompañamiento musical orquestal de viento, madera y metales, y donde la impresionante mezcla de música clásica, rock, y jazz nos embriagará gratamente. Concebida como una larga sesión de improvisación y como una epopeya progresiva con diferentes secciones cuidadosamente elaboradas. Sobre este tema hay quien considera que los arreglos orquestales de la canción interfieren con el sonido del grupo en lugar de desarrollarlo. Sea como fuere, está claro que este tema es uno de los grandes del rock progresivo. 

Con este disco, Uriah Heep daba el espaldarazo definitivo para ser considerada como todo un referente en la historia del rock, de la que mamarían infinidad de bandas posteriores.

0750 - Led Zeppelin - That's the way

0750 - Led Zeppelin - That's the way

Esta canción That's the way fue escrita por Jimmy Page y Robert Plant en la año 1970 en un retiro que ambos tuvieron en Gales.

En esa ocasión ambos crearon esta canción, que en un primer momento la título originalmente "The Boy Next Door". La letra trata sobre los padres de un niño que están en contra de la amistad con otro niño debido a su cabello largo y a que venia del lado equivocado de la ciudad. Pero también refleja las primeras giras de la banda en Estados Unidos, cuando a veces eran acosados ​​por su apariencia.

La instrumentación de la canción es escasa y consiste en una guitarra acústica de doce cuerdas rasgueada, con mandolina sobregrabada y rellenos de guitarra; la percusión y el bajo están ausentes en gran parte de la canción hasta el final instrumental. Según lo dicho por Jimmy Page, "justo al final, donde todo cambia, toqué un dulcémele". (dulcémele una especie de citara) Y también aclara que el bajo que se escucha al final: "Estaba haciendo un montón de sobregrabaciones y me emocioné. El bajista John Paul Jones se fue a casa, ¡así que le puse la parte del bajo también! ¡Eso no pasaba a menudo, créanme!".

Las críticas de esta canción son muy buenas, en una revisión del álbum Led Zeppelin III, Lester Bangs de la revista Rolling Stone describe "That's the Way" como la primera canción de la banda Led Zeppelin que realmente lo ha conmovido. Y otros críticos como elogiaron la guitarra acústica discreta pero efectiva y el enfoque vocal del la canción. 

En una reseña posterior para AllMusic, Denise Sullivan la llamará "una de las baladas más hermosas de Led Zeppelin (en la verdadera tradición de la balada popular)".

Daniel 

Instagram storyboy 

749.- Tangerine - Led Zeppelin

En abril de 1970 Led Zeppelin terminó otra gira por Estados Unidos, ya la quinta. En dos años, Led Zeppelin se convirtió en una de las bandas más populares del planeta que podía llenar todos los escenarios del mundo. La banda ya había lanzado dos álbumes innovadores en ese momento, pero la banda quería hacer algo más. Algunas personas llamaron a Led Zeppelin una banda de Heavy Metal, un término que se extendió en esta época, pero la banda quería demostrar que su música es más que "solo" Heavy Metal. El primer indicio del cambio de sonido de la banda es el set acústico y la épica de blues “Since I've Been Loving You” que la banda toca en algunos conciertos al final de la gira por Estados Unidos. La banda ni siquiera intentó grabar otro “Whole Lotta Love”, su canción más conocida en ese momento.

'Tangerine' es la primera de tres pistas folk en gran parte acústicas teñidas de country creadas para este album y personalmente para mí es casi la mejor de las tres. La melodía y el tono, que son hermosos, comenzaron como 'Knowing I'm Losing You', una canción de Yardbirds. Con la excepción de una línea, Page reescribió completamente la letra para esta versión. Page toca una guitarra de pedal de acero y Jones toca la mandolina, lo que le da a la canción una sensación agradable. Plant ofrece una voz melancólica de ensueño y el ritmo de batería agudo y nítido de Bonham mantiene la canción unida magníficamente y le da un dinamismo inesperado. Es la última canción de Zeppelin escrita íntegramente por Jimmy Page una de las canciones de amor más bellas de la banda, con un magnífico solo de pedal steel de Page. Simplemente encantador. En Led Zeppelin: The Definitive Biography de Ritchie Yorkie, también afirma que escribió la letra, y agrega que la escribió después de un antiguo trastorno emocional y que solo cambió algunas partes de la letra para la nueva versión. En otra entrevista con Total Guitar, Page todavía afirma que escribió la canción en los Yardbirds y esperó un tiempo hasta que pensó que encajaba en la textura correcta como en el tercer álbum.

Robert Plant a veces presentaba la cancion en los conciertos diciendo: “Esta canción es para nuestras familias, amigos y personas cercanas. Es una canción de amor en sus etapas más inocentes”. Según Jimmy Page, esta canción estaba dedicada a Jackie DeShannon, quien era su novia cuando escribió la canción. DeShannon, miembro del Salón de la Fama de la Composición de Canciones, tuvo éxitos como cantante con "What the World Needs Now Is Love" y "Put a Little Love in Your Heart". Es una candidata digna para desbancar a 'Since I've Been Loving You' por el galardón de lo más destacado del álbum.

0748 -. Since I've Be Loving You - Led Zeppelin

 

Since I've Be Loving You, Led Zeppelin

     Cuando Robert Plant (vocalista), Jimmy Page (guitarra), John Paul Jones (bajo) y John Bonham (batería) publican bajo la compañía Atlantic Records el disco Led Zeppelin III, lo hacen presentándolo como una evolución de su sonido, apostando por sonidos folk y acústicos que si bien ya estaban presentes en sus dos anteriores discos ahora intensifican perdiendo peso en el disco ese sonido rockero que les caracterizaba y que tanto gustaba a los fans. Este hecho no pasó desapercibido en un principio, pues tanto fans como la crítica mostraron bastante indiferencia y desinterés por este disco. Con este disco el grupo dejó muy claro que no era una banda convencional y que eran capaces de moverse entre géneros y estilos completamente diferentes al rock y además hacerlo de forma magistral.

Led Zeppelin III es un un disco que con el tiempo obtuvo el reconocimiento que se merece, conteniendo además un material exquisito. Uno de los cortes más magistrales del disco es sin duda Since I've Been Loving You, esos primeros acordes de Page acompañados por el bombo de Bonham te dejan marcado, sin habla, un comienzo para un tema maravilloso. Fue un tema compuesto un año antes, en 1969, y fue concebido para formar parte del álbum Led Zeppelin II, pero al final éste se quedó fuera y ocupó su lugar Whole Lotta Love. El tema en cuestión había sido tocado por el grupo en sus actuaciones en directo, pero según Jimmy Page éste era un tema muy difícil de grabar, pues les supuso bastantes problemas tanto en la parte vocal como en la musical.

El tema fue grabado en vivo en los Island Estudios de Londres (excepto la parte vocal de Robert Plant), y en dicha grabación John Paul Jones se encargó de tocar el órgano hammond y los llamados bass pedals para el bajo. Otra curiosidad es como podemos escuchar durante el tema el chirrido del pedal de la batería de Bonham.

A pesar de ser un tema que ya habían tocado previamente, a la hora de grabar en el estudio a Jimmy Page se le atragantaba el sólo de guitarra, y después de varios intentos fallidos decidió parar y tomarse un descanso, pues no le salía lo que estaba buscando, y se sentó en el estudio pero ya fuera de la zona de grabación, y fue entonces cuando vio un viejo amplificador desenchufado por allí tirado, entonces lo tuvo claro, ese fue el amplificador que uso para la grabación y el resultado fue ese maravilloso sólo de guitarra con el que nos deleita en este pedazo de blues.

0747.- Immigrant song - Led Zeppelin

Immigrant Song es la primera canción de "Led Zeppelin III" (1970), el tercer álbum de estudio de Led Zeppelin, y muy probablemente la mejor canción de ese disco. Fue publicada como sencillo ese mismo año, convirtiéndose en el primer tema de los Zeppelin en alcanzar el top 15 en las listas de ventas estadounidenses, pero cada vez que pienso en Immigrant Song no es su éxito o sus cualidades musicales lo primero que me viene a la cabeza, sino la escena de "School of Rock" (2003) en la que Jack Black la escucha mientras conduce su furgoneta. El sentimiento con el que la canta refleja perfectamente el subidón de adrenalina que los feroces gritos guerreros de la canción transmiten al escucharla.

Los guerreros no eran otros que los vikingos, pues la canción está dedicada a Leif Erikson (970 - 1020), un explorador vikingo conocido como "El afortunado", y protagonista de una teoría que le considera uno de los primeros europeos que llegó a América del Norte, siglos antes del descubrimiento de América. La letra hace referencia a la mitología vikinga ("El martillo de los Dioses" se convirtió incluso en un sobrenombre no oficial de la banda), mientras que los gritos emulan los de los vikingos, remando decididos en su búsqueda de nuevas tierras que conquistar. 

Acompañando a los icónicos gritos de un pletórico Robert Plant, la excelsa guitarra de Jimmy Page y la base rítmica del bajo de John Paul Jones y la batería de John Bonham son también tan poderosas como un barco lleno de fieros vikingos listos para el abordaje, creando una pieza irrepetible que combina a la perfección la fiereza con el ritmo, una barbaridad sólo al alcance del "martillo de los Dioses" de Led Zeppelin.

0697-. All Right Now - Free

 

All Right Now, Free

     Free fue una banda británica fundada en 1968, y compuesta originalmente por Paul Rodgers (Voz, guitarra y teclados), Paul Kossoff (Guitarra), Andy Fraser (Bajo y teclados), y Simon Kirke (Batería). Este grupo se convirtió en una influyente banda dentro del panorama británico rockero, y sólo los problemas internos impidieron que esta banda perdurase más en el tiempo y se hiciera más grande, como varios de sus integrantes reconocerían posteriormente. Dejaron tras de sí 6 discos de estudio, siendo con el tercero Fire and Water, editado en 1970, con el que consiguieron despuntar, consiguiendo todo un éxito de ventas con su clásico tema All Right Now.

Fire and Water fue grabado entre enero y junio de 1970 en los Island Studios y Trident Studios, ambos en Londres, bajo la producción del mismo grupo, y publicado el 26 de junio de 1970 por el sello discográfico Island. El álbum fue todo un éxito, alcanzando el puesto número 2 en las listas de ventas del Reino Unido, llegando a alcanzar un notable éxito también en Estados Unidos, donde ocupó el puesto 17 en las listas de ventas del país. Dicho éxito les sirvió para actuar siendo uno de los cabezas de cartel del Festival de las Isla de Wight en 1970.

Incluido en el disco se encuentra All Right Now, tema que supuso de largo, el mayor éxito del álbum, y de toda la carrera del grupo británico. La canción fue lanzada como sencillo con antelación al álbum, concretamente el 15 de mayo de 1970, llegando a alcanzar el puesto número 2 en la lista de sencillos del Reino Unido y el puesto número 4 en la lista de sencillos Billboard Hot 100 de Estados Unidos. Llegó a alcanzar además el puesto número 1 en más de 20 países, y a finales de 1989 ya había sido reconocido por ASCAP (Sociedad Estadounidense de Compositores, Autores y Editores) por obtener más de 1.000.000 de reproducciones en las emisoras de radio de Estados Unidos.

La canción fue escrita por el vocalista Paul Rodgers y el bajista Andy Fraser en el edificio de estudiantes de Durham, perteneciente a la Universidad de Durham capital del condado de Durham, situada al noreste de Inglaterra. Según el baterista Simon Kirke, All Right Now surgió después un mal concierto en la localidad de Durham. El repertorio del grupo se nutría en aquel momento principalmente de canciones de blues de ritmo lento y medio, lo cual estaba bien si eras un estudiante sentado en silencio y asintiendo con la cabeza. Al terminar el show en Durham, los aplausos se habían acabado antes de que Simon Kirke se hubiera bajado siquiera de la batería. Una vez en el camerino, se dieron cuenta de la necesidad de tener una canción con un ritmo más vivo, algo más potente para cerrar los conciertos. De repente la inspiración le llegó al bajista Andy Fraser y comenzó a saltar cantando All Right Now. La canción no les llevó más de 10 minutos escribirla.

0674.- The Seeker - The Who

The Seeker ("El buscador") es una canción de The Who que salió publicada únicamente como single en 1970, con la composición de Roger Daltrey "Here for more" en la cara B, y posteriormente fue incluida en la recopilación de 1971 "Meaty Beaty Big and Bouncy". Como single, alcanzó el número 19 en las listas del Reino Unido y el número 44 del Billboard estadounidense.

Fue el primer tema en el que trabajaron después de Tommy, y es una de las canciones más valoradas por su autor, Pete Townshend. Incluye una colaboración al piano de Nicky Hopkins, habitual músico de sesión de los mejores discos de The Rolling Stones, entre muchos otros, y fue un tema habitual en la gira de The Who de 1970, pero desapareció después de las giras posteriores.

En la canción se mencionan los nombres de varios personajes relevantes de la época: Bob Dylan, The Beatles y Timothy Leary, gran defensor de las drogas psicodélicas, en una letra que trata sobre la desesperación de un hombre que acusa a todo el mundo de no preocuparse por él, mientras se comporta de un modo desagradable y egoísta y no hace nada por ganarse un trato diferente, confiado en que conseguirá lo que realmente busca en el momento de su muerte.

0670.- Ship of fools - The Doors

 A finales de 1969, The Doors se tambaleaban, en marzo de ese año Jim Morrison fue acusado, juzgado y condenado por obscenidad por supuestamente exponerse en un concierto en Miami. El resultado fue que los promotores cancelaron sus conciertos. El lanzamiento de julio de The Soft Parade proporcionó más incertidumbre, cansados del sonido que gobernaba sus anteriores trabajos, la banda incorporó arreglos de trompetas y cuerdas con una nueva accesibilidad melódica. Fue un cambio no deseado por los críticos (aunque alcanzó el número seis y fue reevaluado póstumamente). En noviembre entraron al estudio con el productor Paul Rothchild exhaustos, estresados y enojados. Volver a los conceptos básicos de blues y R&B parecía ser la única dirección a seguir.

“Ship Of Fools”, es una paradoja musical poética. Las letras de Jim Morrison contrastan con los ritmos sincopados y boyantes de la pista, ocupando un terreno familiar entre la creación y la desaparición. Como músicos, John Densmore (batería), Robbie Krieger (guitarra), Ray Manzarek (teclados) y el exmiembro de la Orquesta Don Ellis y el incondicional de la sesión Ray Neopolitan (bajo) se enganchan inmediatamente en un riff apretado y percolador de jazz, que se abandona una vez que comienza la voz de Morrison. A medida que los años 60 llegan a su fin, Morrison captura una visión un tanto apocalíptica sobre la conclusión de la era: "La raza humana se estaba extinguiendo / no quedaba nadie para gritar y gritar". Él trata de encontrar esperanza y da una perspectiva para buscar nuevos horizontes, "Gente caminando en la luna". Seré honesto y admitiré que si la canción continuara de esta manera, me aburriría bastante solo porque el tono es muy alegre y no suena tan bien. Sin embargo, después del primer verso, la canción comienza a adquirir un tono mucho más misterioso, gracias tanto a la línea de órgano de Manzarek principalmente como a la voz de Morrison. Después de esta sección, Krieger tiene un solo de guitarra antes de regresar a esa especie de sección de sonido alegre. El segundo verso es un reflejo poético adecuado de la contracultura de los años 60: "Todos estaban pasando el rato / Colgando y colgando / Colgando y aferrándose". Una vez más, Morrison contrarresta con la línea optimista "Espero que nuestro pequeño mundo dure". Después de un breve interludio de improvisación, la banda vuelve a acorralarse detrás de Morrison mientras unifica algunas imágenes religiosas y seculares obvias en el verso que comienza "Along came Mr. Goodtrips/Looking for a new ship".

0669 - Peace Frog - The Doors

0669 - Peace Frog - The Doors 

Peace Frog es una canción de The Doors, que fue lanzada en su quinto álbum de estudio Morrison Hotel en 1970, la música fue escrita y grabada primero, y su letra luego proviene de poemas del cantante Jim Morrison. 

La letra de la canción se deriva de tres poemas escritos anteriormente por Jim Morrison, titulados "Abortion Stories", "Dawn's Highway" y "Newborn Awakening". Sin embargo, debido al fracaso inicial de los compositores para escribir la letra, los otros miembros del grupo grabaron una versión instrumental de Peace Frog, en la que Jim Morrison luego superpuso su voz después de encontrar la letra apropiada para la música. 

The Doors realizó la versión instrumental en espectáculos en vivo durante 1969. El título originalmente era "Historias de aborto", pero a pedido del productor Paul A. Rothchild, Morrison lo cambió a Peace Frog, ya que temía que el título inicial creara cierta controversia.

Peace Frog presenta líneas inspiradas en hechos reales que rodean al líder de la banda, Morrison. La frase "Sangre en las calles de la ciudad de New Haven" es una referencia a su arresto en el escenario el 9 de diciembre de 1967, durante una presentación en vivo en New Haven Arena. Después del solo de guitarra, la canción entra en un verso de palabra hablada con las líneas "Indios esparcidos en la carretera del amanecer sangrando", que describe un accidente de carretera que ocurrió cuando él era joven. Según los informes, Morrison fue testigo de la muerte de nativos americanos mientras su familia cruzaba un desierto por carretera en Albuquerque, Nuevo México. Dijo: "Esa fue la primera vez que probé el miedo. Debía tener unos cuatro años". Morrison también se refería a las protestas de la Convención Nacional Demócrata de 1968 con la letra "Sangre en la calle / La ciudad de Chicago".

Daniel 

Instagram storyboy 

0668.- Waiting for the sun - The Doors

 

Waiting for the sun es una canción de The Doors que tiene la particularidad de dar título a un álbum en el que no apareció (Waiting for the sun, 1968). Se desconocen los motivos por los que Waiting for the sun no fue lanzada en el disco del mismo título, pero lo más probable es que en aquel momento no estuviera del todo terminada... ¿Por qué titular entonces el disco con el nombre de una canción que se quedó finalmente fuera? Sin duda fue una extraña decisión, que solo puede comprenderse abriendo la mente y "las puertas de la percepción" y asumiendo los designios y las rarezas de Jim Morrison y sus Doors.

El sonido psicodélico y ensoñador de Waiting for the sun parece encajar más con la propuesta sonora de Waiting for the Sun (disco) que en la de Morrison Hotel (1970), álbum en el que encontró por fin su sitio tras no ser tampoco seleccionada para The Soft Parade (1969), y en el que el grupo empezaba a derivar hacia propuestas más blues rock, en clara transición hacia lo que sería L.A Woman (1971). No solo encontró acomodo en ese álbum de The Doors, sino que se convirtió además en uno de sus principales singles, con el tema Peace Frog en la cara B. 

Como siempre les ocurría cuando salía de fiesta, la noche debió ser larga para Jim Morrison, tanto que tuvimos que esperar dos discos para ver por fin salir del sol, y disfrutar de la canción que debió dar título a aquel disco, y que además lo habría mejorado sustancialmente. Es lo que tiene la espera, que cuanto más larga sea, más se disfrutará después lo que fuera que estuviéramos esperando, aunque solo sea ver salir el sol mientras suenan las notas de Waiting for the Sun.

0667.- Roadhouse Blues - The Doors

 

Roadhouse Blues, The Doors

     El 9 de febrero de 1970 el grupo californiano The Doors publica el que  sunpondrá su quinto álbum de estudio, Morrison Hotel. El disco es grabado entre noviemebre de 1969 y enero de 1970 en los Elektra Sound Studios de Los Ángeles, bajo la producción de Paul A. Rothchild, y publicado por el sello discográfico Elektra Records.

Morrison Hotel significa la vuelta del grupo a sonidos como el blues y el rock psicodélico, marcado en parte por la fría recepción de los fans a su anterior trabajo, The Soft Parade, disco con un enfoque más hacia el jazz. En este disco la banda también hizo alguna que otra incursión en sonidos como el hard rock, el raga rock e incluso el jazz, y las letras que Morrison compuso fueron más profundas. El disco fue todo un éxito comercial, alcanzando el puesto número 4 en la lista estadounidense Billboard 200, el puesto número 12 en las listas del Reino Unido, y el 6 en las listas de ventas de Países Bajos.

Incluido en este disco se encuentra Roadhouse Blues, toda una declaración de intenciones y un decálogo de modo de vida al más puro estilo Jim Morrison. Roadhouse Blues se convertiría con el tiempo en uno de los temas más redondos e inspirados del grupo, llegando a trasladar con éxito las ideas y textos de Morrison al formato de canción de rock. Cuando Jim Morrison se emborrachaba le gustaba cantar blues en jam sessions, y esta canción surgió en una de esas sesiones. Joan Sebastian, del grupo Lovin' spoonful, tocó la armónica, y el gran guitarrista Lonnie Mack el bajo. The Doors por lo general no solían usar bajista.

0635.- Ramble On - Led Zeppelin

 

Ramble On, Led Zeppelin II

      Led Zeppelin II, el disco que consagrará definitivamente a Led Zeppelin, fue grabado en diversas localidades del Reino Unido y de Estados Unidos entre enero y agosto de 1969. El disco fue producido enteramente por Jimmy Page y fue publicado el 22 de octubre de 1969 por el sello discográfico Atlantic Records. Fue el primer álbum de la banda en utilizar las técnicas del ingeniero de sonido y productor Eddie Kramer que en este disco trabajó como ingeniero de sonido y mezclador.

En este segundo álbum se produce una notable mejoría en la producción, se mejoran y perfeccionan los temas acústicos, se siguen utilizando sonidos blues y folk, y el sonido de la guitarra suena mucho más grave, lo que convertirá a este disco en uno de los más pesados de la banda. El disco alcanza un más que notable éxito, alcanzando el puesto número 1 en las listas de ventas de Reino Unido y Estados Unidos, y consiguiendo desbancar de esa posición nada menos que al Abbey Road de The Beatles, el cual llevaba acomodado en esa posición nada menos que once semanas.

El álbum fue concebido durante un periodo muy agitado de la banda, pues durante ese año realizaron cuatro giras por Europa y tres por el continente americano. Esto hizo que cada canción fuera grabada, mezclada y producida en un sitio diferente. Robert Plant afirmaba al respecto que esa etapa fue una locura: "Estábamos escrbiendo los temas en las habitaciones del hotel, y luego debíamos ir a Londres a grabar la parte rítmica, añadir la voz en Nueva York, grabar la armónica en Vancouver y luego, para finalizar la mezcla, volver a Nueva York". Las sesiones de grabación se repartieron entre los estudios Olympic y Morgan de Londres, Inglaterra, los estudios A&M, Quantum, Sunset y Mystic de Los Ángeles, California, los Ardent Studios en Memphis, Tennessee, los estudios A&R Juggy Sound, Groove y Mayfair de Nueva York y en un estudio de Vancouver. 

Incluido en este disco se encuentra Ramble On, acreditada a Page y Plant, las letras fueron escritas por este último, quien se inspiró en la obra de J. R. R. Tolkien, autor de El Señor de los Anillos. Las referencias son al personaje de este libro Frodo Bolsom, cuando va a las profundidades más oscuras de Mordor y se encuentra con Gollum. Robert Plant admitiría más tarde que en cierto modo se entia un poco avrgonzado por las referencias a Tolkien en este tema, ya que no tenía mucho sentido encontrarse una bella doncella en Mordor y Gollum no querría tener nada que ver con ella, pues su única preocupación era el precioso anillo.

0634 - Thank You - Led Zeppelin

0634 - Thank You - Led Zeppelin 

Thank You es el cuarto tema del disco Led Zeppelin II del grupo Led Zeppelin, escrito por Robert Plant y Jimmy Page y editado en el año 1969.

Es una balada lenta que marcó una implicación más profunda de Robert Plant en la composición de canciones, siendo ésta la primera canción cuya letra fue escrita íntegramente por él, si bien las primeras líneas guardan cierta semejanza con "If 6 was 9", de Jimi Hendrix. Robert Robert Plant se la dedicó a su esposa.

Destaca la delicadeza del órgano tocado por John Paul Jones.

 Thank You fue una canción especialmente popular en conciertos en vivo, y tuvo cierto espacio al trabajo de Jones en teclado. Un ejemplo de ello se hace presente en las Led Zeppelin BBC Sessions, que captura una versión tocada en el Paris Theatre, en Londres en 1971.

 En 1992, Robert Plant cantó una parte de Thank You antes de combinarla con Crazy Little Thing Called Love de Queen, en el Concierto en Tributo a Freddie Mercury.

Jimmy Page y Robert Plant revivieron la canción en 1994 en su gira No Quarted Unledded. En ella interpretaron versiones más suaves de sus shows de 1995 a 1998.

Tori Amos ha interpretado, cantado y grabado, esta canción al piano. Y también el grupo inglés Duran Duran también realizó una versión de este tema.

Daniel 

Instagram storyboy 

0633.- What Is And What Should Never Be - Led Zeppelin

Lanzado en octubre de 1969, Led Zeppelin II encabezó la lista de álbumes a ambos lados del Atlántico, en ambos casos reemplazando el álbum The Beatles Abbey Road, recibió numerosos premios y reconocimientos, incluido uno por la portada diseñada por David Juniper. Inicialmente era una fotografía de la división Jasta 11 de la Fuerza Aérea Alemana que estaba dirigida por el Barón Rojo. Sin embargo, Juniper superpuso la cara de los miembros de la banda, el gerente Peter Grant y el gerente de gira Richard Cole en los cuerpos. ¡También puso el rostro de la actriz Glynis Johns como una obra de teatro sobre el nombre del ingeniero Glyn Johns!

What Is and What Should Never Be es el tema que sigue a continuación después del trallazo de apertura Whole Lotta Love, escrita por Plant, es una canción muy dinámica que alterna versos silenciosos con un coro muy explosivo mientras Plant canta sobre llevar a una hermosa doncella al castillo, aunque más tarde confesaría que la canción trata sobre una relación que tuvo con la hermana pequeña de su esposa. En cuanto a la producción se hace un uso liberal del estéreo mientras las guitarras van y vienen entre canales, y las voces se escalonaron durante la parte de los gritos de Robert Plant.

Brillantemente episódico y extrañamente (para Led Zeppelin , al menos) psicodélico, delinea las dos caras de este grupo como pocas otras pistas individuales: un momento folk y reflexivo, todo está expresado en esta rareza trippy del momento. Claramente asombrado por la tecnología de grabación recién descubierta de la época, Robert Plant incursiona con voces desfasadas, mientras que la guitarra de Jimmy Page se mueve de un lado a otro todo el espectro estéreo. Aún así, eso no quita nada del tema oscuramente intrigante y bastante incestuoso que recorre la canción, comenzando con un breve coqueteo susurrante antes de que Plant simplemente estalle, luego, así como así, Page los lleva de regreso a un ambiente contemplativo. Lo maravilloso en ese momento, es la delicadeza y la reserva emocional que utiliza John Bonham . 

0632.- Whole lotta love - Led Zeppelin

Whole Lotta Love es la canción con la que arranca Led Zeppelin II (1969), el segundo álbum de Led Zeppelin, y uno de los singles de la banda en ese año en los Estados Unidos (en aquella época, el grupo no publicaba singles en el Reino Unido), con Living Loving Maid (She's Just a Woman) en la cara B. Es una explosiva mezcla de rock y blues eléctrico, con una gran interpretación vocal por parte de Robert Plant y, sobre todo, un riff de Jimmy Page para la historia.

Mucho se ha hablado de las licencias que los grupos de la época, y en especial Led Zeppelin, se tomaban a la hora de tomar ideas de viejos temas de blues para la creación de las suyas propias. En el caso de Whole Lotta Love, hay partes de la letra que están sacadas de la canción de Willie Dixon "You Need Love", grabada por Muddy Waters siete años atrás. Small Faces la grabaron también como versión en 1966, con el nombre de You Need Loving, y en 1969 llegó el turno de los Zeppelin, que no acreditaron a Dixon en la canción, y en un juicio celebrado por los derechos en 1985 tuvieron que reconocer su autoría parcial en el tema y compensarle con un pago por los beneficios obtenidos por la canción.

Mas allá de los conflictos por la mayor o menor inspiración en el tema de Dixon,  lo que es innegable es que estamos ante una de las mejores canciones de la banda, la número 75 entre las mejores canciones de todos los tiempos según la revista Rolling Stone, y el mejor riff de guitarra de todos los tiempos para los oyentes de la BBC Radio 2 en 2014. El riff fue lo primero que compusieron para la canción, a partir de una grabación de treinta segundos que Page mostró al grupo en el verano de 1968, a partir de la cual fueron construyendo el resto de esta monumental canción.

0631-. Sugar Mama - Taste

Sugar Mama, Taste

     En 1966 un jovencísimo rory Gallagher crea el power trío The Taste, que después de algún que otro cambio terminará desembocando en Taste, formado por él a la guitarra y voz, Richard "Charlie" McCracken al bajo y John Wilson a la batería. Con este magnífico power trío, y a pesar de su corta vida, acabará marcando una época, llegando a tocar en el mítico Festival de la Isla de Wight en 1970, donde comparte cartel gente de la talla de Jimi Hendrix, Leonard Cohen, The Who, Emerson, Lake & Palmer, The Moody Blues o Sly Stone ente otros. En 1969 Taste debuta con su primer álbum de estudio, Taste.

El disco, una combinación de blues con potente blues rock que por momentos puede llegar a sonar a hard rock, es grabado durante el mes de agosto de 1968 en los De Lane studios de Londres bajo la producción de Tony Colton y publicado el 1 de abril de 1969 por la discográfica Polydor para el mercado europeo y Atco para el mercado estadounidense.

Incluído en este álbum se encuentra Sugar Mama, un tema estándar tradicional de blues que cuenta con los arreglos de Rory Gallagher. Si bien es difícil saber quien es el autor original de Sugar Mama, sus orígenes se remontan al artista de blues y country Yank Rachell, quien grabó el 6 de febrero de 1934 el tema Sugar Farm Blues. Tampa Red grabaría posteriormente también en 1934 dos versiones de Sugar Mama Blues en 1934, poco después de la grabación de Rachell.  Luego llegaría Sonny Boy Williamson I, a quien se asocia y se suele acreditar la autoría del tema Sugar Mama, la cual grabó en 1937. Sonny Boy fue uno de los primeros colaboradores de Yank Rachell. Más tarde llegarían innumerables versiones, John Lee Hooker, BB King, Led Zeppelin, Howlin' Wolf, Fleetwood Mac y Otis Spann son algunos de los artistas, como Taste, que realizaron versiones de este genial blues tradicional.

0603.- Desperation - Humble Pie

 

Desperation, Humble Pie

     En 1969 la banda inglesa de rock formada en Essex, Humble pie, debuta con su primer álbum de estudio As Safe as Yesterday Is. El grupo, formado por Steve Marriot (vocalista), Peter Framptom (guitarra y voces), Greg Ridley (bajo, percusión y voces) y Jerry Shirley (batería, percusión y piano), graban en los Olympic Studios de Londres el material que compone este disco debut bajo la producción del ingeniero de sonido y productor británico Andy Johns. El disco es publicado el 1 de agosto de 1969 bajo el sello discográfico Inmediate.

El disco contiene una mezcla de sonido que van desde el hard rock, pasando por el blues rock, folk, country, música pop o post mod. Rápidamente la crítica especializada, más concretamente la revista Circus, agrupó a Humble Pie junto a grupos como Black Sabbath, Deep Purple o incluso Cream, dentro del creciente y novedoso movimiento denominado Heavy Metal, llamado así por la densidad y pesadez de su sonido. En esa misma época el famoso periodista, músico y crítico John Peel, quien trabajaba para la BBC, catalogó a Humble Pie como la primera banda de Heavy Metal de la historia, y para hacerlo no se basó su sonido, si no en la cantidad de volumen utilizado en su sonido para realizar sus interpretaciones.

Incluido en este álbum debut de Humble Pie se encuentra el tema Desperation, el tema que abre el disco y que resulta ser una versión de la canción de la banda canadiense-estadounidense Steppenwolf, quienes habían publicado este tema un año antes, concretamente en su álbum debut llamado Steppenwolf. La canción fue compuesta por el vocalista y guitarrista de la banda John kay. La versión de Humble Pie es sencillamente hermosa, magistral, una gran introducción para un disco y un estilo de sonido que sería tomado por multitud de bandas que irían llegando posteriormente. Desperation es un contundente tema con unas grandes melodías y un soberbio órgano que acompaña la genial interpretación de Steve Marriot.

0590.- The Soft Parade - The Doors

The Soft Parade (1969) es uno de los álbumes menos reconocidos de The Doors. Es verdad que, en este disco, la deteriorada dinámica de grupo deja entrever un distanciamiento creativo que les llevó a firmar las canciones por separado, pero en conjunto y pese a la desconexión estilística entre los temas, entregan un puñado de buenas canciones, entre las que destaca sin duda el último tema, la larga suite de Morrison que da título al álbum.

Comienza con un recitado de Morrison que podríamos titular "Petition the lord with a prayer", que con el grito final (¡No puedes pedir al Señor con oraciones!) da pie al desarrollo de la primera parte de la canción ("Sanctuary"), una pieza psicodélica a ritmo de clavicordio clásico e inspirada en unas detenciones policiales en Miami y New Havens, y que desemboca después en tramos más coloridos de blues y rock psicodélico, a través de una interminable sucesión de variados cambios de ritmo y audaces giros en la lírica y el desarrollo musical de la canción, en la que en más de ocho brillantes minutos, se va detallando el peculiar "desfile" surgido de la imaginación del icónico cantante y poeta angelino.

Alejada de las estructuras instrumentales de otros temas largos del grupo ("The End", "When the music's over"), The Soft Parade representa un gran paso adelante en la experimentación del grupo, y es una auténtica rareza en su ya de por sí interesante discografía. Es una canción en la que la música y la poesía encuentran un perfecto vehículo de simbolismo y psicodelia en el que desfilar y brillar por si mismas, sin llegar nunca a pisarse la una a la otra. "El desfile suave ya ha comenzado", y solo tienes que darle al "play" para disfrutarlo.