0589.- Touch Me - The Doors

 

Touch Me, The Doors

     El 18 de mayo de mayo de 1969 The Doors publican su cuarto álbum de estudio, The Soft Parade. Jim Morrison, Ray Manzarek, Roobby Krieger y John Densmore graban el material que compone este disco entre julio de 1968 y mayo de 1969 en los Elektra Sound Recorders de Hollywood, California bajo la producción de Paul A. Rothchild. El álbum es publicado en julio de 1969 bajo el sellos discográfico Elektra Records.

El disco no tuvo tanto éxito como los anteriores, en parte debido al cambio de sonido característico del grupo, ya que integran instrumentos de bronce y cuerdas y la guitarra de Krieger adquiere más protagonismo en este disco. Es el primer disco donde se atribuye cada tema a sus autores en lugar de firmar como The Doors como en sus anteriores trabajos.

Incluido en este cuarto trabajo de estudio de la banda se encuentra Touch Me, compuesto Robby Krieger, y que fue además el primer sencillo promocional del álbum. Es muy llamativa la utilización de instrumentos de cuerda y bronce para acentuar la voz de Jim Morrison, y podemos disfrutar de un magnífico solo de saxofón interpretado por el saxofonista, clarinetista y flautista estadounidense Curtys Amy. 

La canción fue compuesta por Robby Krieger inspirándose en las peleas que había tenido con su novia. En un principio el título de la canción que Krieger puso al tema era Hit Me (pégame), pero Jim Morrison, haciendo gala de una rara muestra de moderación consideró que Tocuh Me (tócame) era un nombre más correcto para la canción. Al final de la canción se puede escuchar a Morrison decir. "Stronger than dirt" (Más fuerte que la suciedad), que era el eslogan de la conocida empresa de limpieza Ajax, incluyendo además los tres acordes finales del conocido comercial de la marca.

0588 - Tell All the People - The Doors

0588 - Tell All the People - The Doors 

Tell All the People es una canción de la banda de rock estadounidense The Doors y fue escrita por el guitarrista de la banda Robby Krieger. Era la cara A del single junto con "Easy Ride", un tema descartado de Waiting for the Sun grabada en marzo de 1968, y fue lanzada en junio de 1969. También conocida como "Follow Me Down" debido al uso de la frase, fue el tercer single del cuarto álbum de The Doors, The Soft Parade. La instrumentación de la canción incorpora instrumentos de metal y otros instrumentos orquestales.

Por primera vez en un álbum de The Doors, todas las canciones de The Soft Parade tenían créditos de compositores individuales. Previamente, todas las canciones habían sido acreditadas a todo el grupo. Este cambio fue instigado por Jim Morrison, quien no quería que la gente pensara que él había escrito la letra de "Tell All the People", que incluye una línea de Robby Krieger que alienta a los oyentes a "... obtener sus armas". Krieger diría más tarde que a Morrison no le gustó la letra porque temía que la gente viniera a los conciertos de la banda con armas. Sin embargo, Krieger se negó a cambiar la línea. 

Cuando Jerry Hopkins lo entrevistó para Rolling Stone, Morrison dijo: "Al principio, escribí la mayoría de las canciones, la letra y la música. En cada álbum sucesivo, Robby (Krieger) contribuyó con más canciones. Hasta que finalmente en este álbum casi se divide. entre nosotros."

Escribiendo para Ultimate Classic Rock en una reseña retrospectiva, el crítico Nick DeRiso afirma que "Tell All the People" intenta "un tipo de alquimia (single de éxito anterior de The Doors) 'Touch Me'", pero en cambio "resulta extrañamente malhumorado". En una reseña del álbum de AllMusic de The Soft Parade, el crítico Richie Unterberger la describió como una melodía "inusualmente melancólica" que "no era tan buena y Morrison no la cantaba de manera muy convincente".

Daniel

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0574.- We're not gonna take it / See me, feel me - The Who

We're Not Gonna Take It/See me, feel me es la última canción de la ópera rock Tommy, de los ingleses The Who. La canción es en realidad un compendio de dos canciones, ya que en su parte final retoma los temas See me, feel me y Listening to you, himnos centrales de la densa ópera rock ideada por Pete Townshend, autor de la letra de ésta y de la mayor parte de las canciones de la banda.

Sin embargo, We're Not Gonna Take It no fue originalmente escrita para Tommy, y su letra describía en realidad una reacción del pueblo a, en palabras del propio Townshend, las políticas "fascistas" de los gobernantes de la época en el Reino Unido. La canción encontró su lugar en el disco transformada en la respuesta airada de los seguidores de Tommy a la nueva religión de éste, que prohibía el alcohol y las drogas y se centraba en jugar al "pinball" ("Él dice 'no puedes beber, no puedes fumar droga, no puedes hacer esto, no puedes hacer aquello, tienes que jugar al pinball, tienes que hacerlo a mi manera; si no lo haces a mi manera, estás fuera").

Además de ser incluida en el álbum de Tommy, We're Not Gonna Take It fue lanzada como single en Estados Unidos, como cara B de I'm Free, otro de los grandes temas del disco, mientras que ya en 1970, la parte de la canción en la que se retomaba See Me, Feel Me fue también lanzada como sencillo, esta vez como cara A, con la apertura del álbum (Overture from Tommy) en la cara B. En un formato o en otro, la combinación de estos tres temas (We're Not Gonna Take It/See me, feel me/Listening to you) es probablemente la mejor manera de acercarse y de entender la tan desproporcionada como impactante ópera rock de Tommy. 

0573 - Pinball Wizard - The Who

0573 - Pinball Wizard - The Who

Pinball Wizard es una canción escrita por Pete Townshend e interpretada por la banda de rock inglesa The Who, incluida en su álbum de ópera rock de 1969 Tommy. 

La grabación original se lanzó como sencillo en 1969 y alcanzó el puesto número 4 en las listas del Reino Unido y el número 19 en el Billboard Hot 100 de EE. UU.

Esta canción es una de las canciones en vivo más famosas de la banda y se toca en casi todos los conciertos de The Who desde su presentación en vivo en su debut el 2 de mayo de 1969. Las presentaciones en vivo rara vez se desviaron del arreglo del álbum, salvo por un atasco ocasional al final que a veces conduce a otra cancion. Las grabaciones piratas muestran que se sabe que esta canción dura hasta 8 minutos, y estos sucedió en un concierto en el Rainbow Theatre de Londres el 3 de febrero de 1981, aunque las versiones en vivo que duran tanto son extremadamente raras. Pinball Wizard también se jugó durante el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl XLIV el 7 de febrero de 2010.

La canción fue interpretada por el músico inglés Elton John en la adaptación cinematográfica de Tommy de Ken Russell de 1975. Esta versión se lanzó en 1975 como sencillo promocional solo en los EE. UU., y en 1976 en el Reino Unido, donde alcanzó el número 7. Debido a que no se lanzó como sencillo comercial en los EE. UU., no era elegible para ser incluido en el Billboard Tabla de 100 calientes. Sin embargo, llegó a la lista de reproducción al aire de US Radio & Records, donde alcanzó el número 9.

Daniel 

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0572.- I'm Free - The Who

 

I''m Free, The Who

     Tommy es considerada la ópera prima de la banda británica The Who, el cuarto álbum de estudio del grupo, y que precedió a las mini óperas que el grupo ya había  compuesto anteriormente, A Quick One, While He's Away y Rael. El grupo, dentro de su creciente interés por técnicas de composición más refinadas en el campo de la música popular dentro de la década de los 60, culminó ese interés con la publicación de Tommy, su primera ópera rock completa, un disco de rock and roll con una narrativa lineal completa a través de su progresión de canciones.

Tommy es grabado entre septiembre de 1968 y marzo de 1969 en los IBC Studios de Londres, Inglaterra, bajo la producción de Kit Lambert, y publicado el 23 de mayo de 1969. El álbum se convirtió en uno de los discos más vendidos de la carrera de The Who, llegando a alcanzar la certificación de doble  disco de platino al superar la cifra de los dos millones de copias vendidas, cifra únicamente superada por su disco Who's Next, publicado por el grupo dos años después. 

Tommy fue compuesto en su mayoría por Pete Townshend, y se inspiró para escribirlo en las enseñanzas de Meher Baba, un gurú que enlazaba elementos de las escuelas de venta y mística a partes iguales. Townshend había sentido interés en las enseñanzas del gurú después de la publicación de The Who Sell Out en 1968. 

En esta ópera rock se detallan todas las etapas de la vida del protagonista, un chico que queda sordo, mudo y ciego tras un episodio traumático. Durante su convalecencia Tommy sufre abusos  de su primo Kevin y de su tío Ernie, es engañado por  una prostituta que intenta curarle mediante el uso de drogas y descubre su afición al pinball, al que juega con gran éxito mediante su único sentido disponible: el tacto. 

La trama evoluciona hacia la recuperación de sus sentidos cuando su madre rompe los espejos de la casa y la ganancia de adeptos que reconocen en Tommy una figura de culto por su cura milagrosa. Sin embargo, la actitud despótia de Tommy en el campamento de verano creado por su tío Ernie hace que sus discípulos le abandonen y el protagonista vuelva a refugiarse en su fuero interno. 

Incluido en este doble álbum se encuentra la canción I'm Free, compuesta por Pete Townshend. Esta canción relata la visión de Tommy para iluminar a otros espiritualmente debido a su inmensa y creciente popularidad. Tommy se ha liberado porque su madre acaba de romper el espejo de la casa en el cual se encontraba atrapado y se ha liberado. El riff principal de otro de los temas del álbum, Pinball Wizard, aparece en el final de la canción. Pete Townshend escribió Tommy, pero su mánager, Kit Lambert tuvo bastante que ver, el padre de Kit era director de orquesta y bastante reputado en el mundo de la música clásica, y Kit ayudó a Pete a pensar en la idea de una ópera rock.

0538.- Kick out the Jams - MC5

Si bien no sería justo considerar a los MC5 como un "one hit wonder", lo cierto es que nunca llegaron a superar el éxito de su tema Kick Out the Jams, que daba título al primer álbum de la banda, grabado en vivo en octubre de 1968 en el Grande Ballroom de Detroit, y publicado ya en 1969. Mientras el álbum llegó a alcanzar un meritorio puesto 30 en el Billboard estadounidense, la canción Kick Out the Jams solo llegó al puesto número 82, pero en la actualidad es el tema más recordado de la banda y de aquel álbum.

Kick out the jams se convirtió rápidamente en un slogan revolucionario utilizado en manifestaciones de toda índole, asociado a una llamada a desprenderse ("Kick out") de las prohibiciones y las reglas de una sociedad controladora contra las que los jóvenes y las minorías se rebelaban en la década de los sesenta, cuando en realidad el origen de este título era una provocación de la banda para que el grupo que tocaba antes que ellos en el Ballroom "dejara los instrumentos" y se bajara del escenario para que ellos ocuparan su lugar.

Tanto el disco como la canción están considerados, junto con los dos primeros discos de The Stooges, como las primeras obras de punk rock que se recuerdan. Tanto se adelantaron al fenómenos musical que explotaría a finales de los setenta, que en su momento la música de estos dos míticos grupos fue considerada inclasificable. No ayudó tampoco que en el comienzo de la canción gritaran "Kick out the jams, motherfuckers!" antes de que comenzara el riff inicial. Los ejecutivos de Elektra trataron por todos los medios de censurar aquella frase, y la multinacional Hudson's se negó a vender el disco en sus tiendas. Elektra se quitó el problema del medio invitando a la banda a "dejar los instrumentos y bajarse del escenario", en un despido tan icónico y fulminante como el que años después protagonizarían los Sex Pistols, abanderados del punk al otro lado del charco.

531.- Communication Breakdown - Led Zeppelin

Communication Breakdown (Avería en la comunicación) es una de las canciones más significativas del álbum de debut de la banda inglesa de rock Led Zeppelin, publicado en 1969 con el nombre de la banda como título. La letra habla de un corte en la comunicación, pero se refiere en realidad a la dificultad del protagonista en lograr trasladarle a su amada todos los sentimientos y la excitación que ella le provoca:

En las estrofas se da rienda suelta al sentimiento ("Hey chica, hay algo que tú necesitas saber, Hey cariño quiero decirte que te quiero. Quiero tenerte entre mis brazos, nunca te voy a dejar marchar..."), pero al llegar al estribillo comprobamos que o bien no ha logrado decírselo, o sus palabras no han tenido el efecto deseado en ella (¡Avería en la comunicación, siempre es lo mismo, avería en la comunicación, me pone de los nervios!)

Más árida y rockera que otras grandes obras posteriores de Led Zeppelin, en Communication breakdown destacan por igual todos los miembros de la banda, empezando por la intensa voz de Robert Plant, continuando por las fieras guitarras de Jimmy Page y las densas líneas de bajo de John Paul Jones y terminando con la contundente batería de John Bonham. Todos juntos entregan una pieza de hard rock rabioso y atemporal, posteriormente versionada por artistas del calibre de Iron Maiden o Wolfmother.

530.- Babe I'm Gonna Leave You - Led Zeppelin

"Babe, I'm Gonna Leave You" comienza como una pequeña y agradable pieza acústica, pero alterna entre la bondad acústica y la dureza del grupo, cabe destgacar a Plant, quien posiblemente da su mejor voz del álbum debut, y posiblemente de las mejores de toda su carrera, la emoción y el poder que se respira en la canción es realmente impresionante, simplemente ese estilo particular y es voz son solo un par de muchas razones para disfrutar del debut homónimo de Led Zeppelin aunque la cancion no sea original del grupo, es el momento de hacer un poco de historia de la misma.

Este tema aparece por primera vez en 1960, cuando Anne Bredon apareció en un programa de música folk en directo en la emisora de radio KPFA en Berkeley, California, donde interpretó "Babe I'm Gonna Leave You", esa version la escucho más tarde Joan Baez y le gustó tanto que la aprendió y la hizo suya, incluyendola en el álbum de 1962 Joan Baez in Concert en una magistral actuación en solitario con su guitarra vocal y acústica. El copropietario/productor de Vanguard Records, Maynard Solomon, comentó: "La extraña cualidad y el poder de la canción es que el narrador desea internamente exactamente lo contrario de lo que hará, y está desgarrado por la perspectiva de su partida autoimpuesta". También describe la canción como un "blues blanco", pero no identifica al compositor. Cuando más tarde se publicaron versiones en CD del álbum de Baez, Anne L. Bredon aparece como la única compositora. Debido a la popularidad de su álbum, la interpretación de Baez fue adaptada por Plebs (con miembros de Nashville Teens ), The Association, Mark Wynter o Quicksilver Messenger Service hasta que llega Led Zeppelin que la incluyen en su album debut

El guitarrista Jimmy Page escuchó la versión de Baez y comenzó a desarrollar "Babe I'm Gonna Leave You" al principio de su carrera como guitarrista de sesión. Tocó la canción para el cantante Robert Plant durante su primer encuentro en la casa de Page junto al río en Pangbourne a fines de julio de 1968. En su libro Stairway to Heaven , el gerente de la gira de Zeppelin, Richard Cole , afirma que el arreglo fue definitivo fue cuando se incluyó la parte de guitarra que finalmente apareció en el álbum; sin embargo, esto ha sido refutado por Page. En una entrevista, Page comentó: "Solía ​​tocar esta canción en los días en que me sentia en la oscuridad y refugiba en mi instrumento de seis cuerdas". Aunque basado en la versión de Baez, Led Zeppelin ideó un enfoque muy diferente, incorporan secciones de hard rock con guitarra eléctrica interpretadas por todo el grupo, duplicando así con creces la duración del original de Baez. 

0529.- Dazed and Confused - Led Zeppelin

 

Dazed and Confused, Led Zeppelin

     En 1969 la banda británica led Zeppelin debutaba con su primer álbum de estudio de título homónimo, Led Zeppelin. El disco es grabado por la banda entre septiembre y octubre de 1968 en los Olympic Studios de Londres bajo la producción del guitarrista de la banda Jimmy Page, y publicado por el sello discográfico Atlantic Records el 12 de enero de 1969 en Estados Unidos y el 31 de marzo de 1969 en Reino Unido. Este disco debut contiene una mezcla de material original elaborado en los primeros ensayos de la banda, además de remakes y arreglos de blues contemporáneo y canciones populares. Las sesiones de grabación fueron realizadas antes de que la banda consiguiera un contrato de grabación, y fueron pagadas por el guitarrista Jimmy Page y por el mánager de la banda Peter Grant. Curiosamente este álbum, cuyo éxito e influencia son ampliamente reconocidos, no obtuvo muy buenas críticas, llegando a alcanzar el puesto número 10 en las listas de ventas estadounidenses y consiguiendo la certificación de disco de oro en dicho país en julio de 1969.

Incluido en este disco debut encontramos el tema Dazed and Confused, basada en una canción acústica con el mismo título que Jimmy Page había visto interpretar al cantante de folk Jake Holmes. Cuando Page era miembro de The Yardbirds, tocaron compartiendo cartel  con Holmes en el Village Theatre de Nueva York. La versión de Holmes tata sobre una experiencia con las drogas, más concretamente sobre un viaje con ácido. The Yardbirds llegaron a tocar la canción en concierto pero nunca la grabaron una versión de estudio, llegando a interpretarla para una grabación de la BBC en marzo de 1968.  La versión de Led Zeppelin no fue acreditada a Jake Holmes porque Jimmy Page consideraba que había cambiado lo suficiente la melodía y agregado letras nuevas para así no tener ningún tipo de problema. Sin embargo, en 2010 Jake Holmes presentó una demanda sobre la citada canción, llegando a un acuerdo posterior con Jimmy Page, quien figuraba en los créditos. A partir del acuerdo, en los créditos de la canción figuraría: "Jimmy Page, inspirado por Jak Holmes".

0528 - Good Times Bad Times - Led Zeppelin

0528 - Good Times Bad Times - Led Zeppelin

Good Times Bad Times es una de las canción de la banda de rock británica Led Zeppelin, que aparece como tema de apertura en su álbum debut de 1969, Led Zeppelin I.

La canción fue uno de los primeros singles de la banda Led Zeppelin que se publicara en los Estados Unidos, donde alcanzó la lista Billboard Hot 100.

Esta canción tiene un solo de guitarra principal, interpretado por el guitarrista Jimmy Page que amplifico la salida de su guitarra Fender Telecaster a través de un altavoz Leslie para crear un efecto de remolino. Jones dice que el riff que escribió para esta canción fue el más difícil que jamás escribió.

La canción Good Times Bad Times, rara vez se tocó en vivo en los conciertos de Led Zeppelin en su totalidad se sabe que fue interpretada. 

En algunos casos en 1969 se utilizó como una introducción a Communication Breakdown, y esto se puede ver en Led Zeppelin al edición de Deluxe Edition. También apareció en forma casi completa dentro del popurrí de Communication Breakdown interpretado en el Forum de Los Ángeles el 4 de septiembre de 1970, donde incluyó un solo de bajo de Jones, existen grabaciones pirata de Led Zeppelin Live en Blueberry Hill, y varios popurríes de "Whole Lotta Love" en 1971. También fue la canción de apertura del espectáculo de reunión de Led Zeppelin en el O2 Arena de Londres el 10 de diciembre de 2007. y por por último tenemos una aparición de la versión de "Good Times Bad Times/Communication Breakdown" publicada el 15 de abril de 2014, en iTunes, es del 10 de octubre de 1969 en París, en la gira europea de otoño de 1969.

Daniel

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0489.- Magic Bus - The Who

Magic Bus fue grabada por The Who en 1968, pero es una canción que data de unos años atrás (1965), y que fue escrita por Pete Townshend casi al mismo tiempo que My Generation. Una versión demo interpretada por Townshend circuló en 1966, y una banda llamada The Pudding lanzó al mercado una versión de la canción en 1967. Ni The Pudding ni su versión tuvieron mucho recorrido, mientras que la versión definitiva de The Who en 1968 se convirtió, nada más publicarse, en una de las canciones más populares de la banda.

​ La canción se estructura en un formato de dueto, con Roger Daltrey cantando las partes del "pasajero" que, cada día, sube al autobús mágico para ir a ver a su chica. El pasajero acaba haciendo al "conductor" (Townshend) una oferta para comprarle el autobús. El conductor se niega en un principio, pero finalmente acaba vendiéndole el autobús al pasajero, para que cumpla su promesa de conducirlo a diario hasta la casa de su novia.

La canción destaca por el uso de claves en la percusión, y por un característico ritmo "a lo Bo Diddley", pero también por una línea de bajo casi inexistente, por la que John Entwistle declaró que no soportaba interpretarla en directo, en lo que para el suponía estar tocando una sola nota hasta sentir náuseas. Publicada únicamente como sencillo, alcanzó el puesto 26 de las listas inglesas y el 25 en las de Estados Unidos, pero el recorrido del mágico autobús fue mucho más largo, convirtiéndose, mal que le pese a Entwistle, en pieza imprescindible de los conciertos de la banda.

0485 - Five to One - The Doors

0458 - Five to One - The Doors

"Five to One" es una canción de la banda de rock estadounidense The Doors, de su álbum de 1968 Waiting for the Sun. La letra de la canción fue escrita por Jim Morrison, aunque los créditos de la canción, fue dado a cada uno de los miembros de la banda The Doors como compositores.

La interpretación más famosa de la canción fue en el concierto de Miami de 1969 en el Dinner Key Auditorium. Hacia el final de la actuación, Jim Morrison borracho grito a la audiencia "idiotas" y "esclavos". El concierto terminaría con Jim Morrison acusado de "intentar incitar un motín" entre los asistentes al concierto, lo que resultó en su arresto y posterior condena por exposición indecente.

Durante la reunión de la formación original de The Doors sin Jim Morrison en VH1 Storytellers, Scott Weiland de Stone Temple Pilots asumió la voz. Antes de la actuación, John Densmore dijo que Weiland era uno de los pocos líderes que podía "llenar los pantalones de cuero de Jim". Scott dijo que "Five to One" fue lo que lo inspiró a comenzar una carrera en la música rock.

Daniel 

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0484.- Not to touch the Earth - The Doors

Not to Touch the Earth, tema incluido en Waiting for the sun, el tercer disco de estudio de The Doors, es en realidad una de las partes del mítico poema "Celebration of the Lizard" (La celebración del lagarto) de Jim Morrison. Muchas de las canciones de The Doors se basaban en musicar algunos de los poemas que previamente Morrison había escrito, y no fue diferente en el caso de "Celebration of the Lizard". Durante las sesiones para Waiting for the sun, se intentó una grabación del extenso poema, que muchos años después se incluyó como tema extra en una reedición especial del disco, pero en el momento de la grabación se descartó finalmente por considerarlo demasiado largo y denso, y no encajar con el resto de temas del disco.

La parte que tenía una estructura de canción más clara y potente era el tramo conocido como Not to Touch the Earth, y sobrevivió a la quema para acabar formando parte del álbum. El primer y segundo versos (No toques la tierra, No mires al Sol) son los títulos de dos partes de "Between Heaven and Earth (Entre el Cielo y la Tierra), un capítulo de la novela The Golden Bough (La rama dorada) de James Frazer, cuya obra fue una gran influencia en las composiciones de Morrison.

Como poema, es una críptica declaración del llamado "Rey Lagarto", una especie de sacerdote o dios animal al que seguir en un rito iniciático, y está plagada de misticismo y referencias a tabúes y supersticiones ancestrales. Como canción es, junto a Hello I love you y Five to one, una de las tres canciones más agresivas de un disco, por lo general, marcado por la melancolía de los teclados y las melodías vocales. En Not to touch the Earth el ritmo es asfixiante e intenso, y solo en los momentos en los que Morrison repite "Run with me" ("Corre conmigo"), los teclados parecen cobrar vida para describir la epopeya de un viaje del que es difícil imaginar un destino.

0483.- Love Street - The Doors

 

Love Street, The Doors

     El 3 de julio de 1968 se publica bajo el sello discográfico Elektra Records el tercer álbum de estudio de la banda de Los Ángeles The Doors, titulado Waiting for the Sun. El disco es grabado entre febrero y mayo de 1968 en los TTG Studios de San Diego, bajo la producción de Paul A. Rothchild. Este tercer trabajo fue criticado por la suavidad de su sonido, el cual contrastaba con la fuerza de las letras y ese sonido tenso y denso que había hecho famoso a la banda. Sin embargo fue el primero en alcanzar el puesto número uno en las listas de ventas de Estados Unidos, consiguiendo también el éxito en Reino Unido, llegando a colocarse en el puesto 16 en sus listas de ventas. A pesar de las criticas por su sonido, el disco contiene clásicos como Hello, I Love You, Not to Touch the Earth, Spanish Caravan, el himno antibélico The Unknow Soldier o Love Street, este último tema en el que nos vamos a centrar.

Love Street fue escrita por Jim Morrison, y publicada como sencillo en junio de 1968. La canción se desvía del habitual sonido psicodélico de la banda para incluir sonidos acústicos y convertirla en una balada casi convencional. Este tema, al igual que algunos otros, es un tema que Jim Morrison dedicó a su novia Pamela Courson. La canción trata sobre Laurel Canyon, California, donde Jim Morrison vivía con su novia Pamela, más concretamente en el 1812 de la calle Rothdell Trail. Dicha calle era conocida por los dos amantes como Love Street, porque solían pasar largos ratos sentados en el balcón de la casa viendo pasar a los hippies. La canción también hace referencia a la tienda que Pamela tenía en la misma calle. Jim había comprado una pequeña boutique de moda a Pamela en esa mima calle, su intención era que estuviera distraída y mantenerla fuera de las giras, pero la tienda terminó cerrando al entrar en quiebra.  Este tema rara vez fue tocado en directo, aunque se llegó a capturar una grabación en directo en Estocolmo, Suecia, durante la gira europea del grupo en 1968.

0482.- Spanish Caravan - The Doors

Después de dos notables álbumes lanzados en 1967, The Doors regresaron al año siguiente con un nuevo trabajo, 'Waiting for the Sun', y los resultados en general no fueron los que esperaban, no consiguió el brillo de sus primeros dos albums. Aún así, tenemos delante un disco enorme,  un disco de rock bastante variado, y del que vamos a disfrutar sin duda. Si bien la canción que mas conocida de Waiting for the sun e 'Hello, I Love You', reconozco que es un tema memorable donde se muestra a la banda tocando en un modo obviamente 'pop', que aunque no era uno de sus fuertes si saben hacerlo de forma magnifica, sin embargo para mi la mejor canción del álbum es la exótica 'Spanish Caravan', ya que es algo inusual en su carrera y sabe darle ese toque personal inconfundible.

Spanish Caravan destaca por su atrevida intro de guitarra flamenca dejando uno de los momentos más virtuosos de Krieger. La canción se basa en la famosa pieza clásica de Isaac Albéniz “Asturias (Leyenda)” y demuestra las influencias flamencas de la banda en general. Tras la guitarra, la canción avanza hacia un órgano conducido por la oscuridad, convirtiéndose en una jam de rock progresivo. Una canción estructurada en dos partes: una sección romántica donde predomina la guitarra flamenca y una parte más áspera, con teclado y guitarra eléctrica cada una por separado es magnífica, las combinas y tienes una canción realmente fascinante y cautivadora con un sello muy particular. Lo que hace tan especial esta canción es que comienza como folk español acústico con solo percusión y luego se electrifica y con un tempo más rápido (esto de mezclar música clásica y folk en el álbum me hace pensar en los byrds).

La letra fue compuesta íntegramente por Jim Morrison, y se caracteriza por sus simbolismos y alegorías. Aunque Morrison nunca dio pistas de ello, Spanish Caravan la podemos interpretar como tema romántico sobre la búsqueda de tierras bellas y ricas, una temática que parecía mucho en la obra del poeta Lord Byron y que pudo servir de inspiración a Jim Morrion ya que en la canción se menciona que viaja en una caravana a Portugal y Andalucía en España, donde "un tesoro le está esperando" (a treasure is waiting). Esos medios de transportes tan típicos de la época del poeta Byron pueden dar una pista de que algo de la obra de Byron tenga además el sujeto misterioso quiere ser "enviado" de vuelta a Europa a través de un desierto africano, pero ya sabemos que nada es fácil en la poesía de Morrison, y también está mencionado 'galleons lost in the sea' (galeones perdidos en el mar). Por supuesto, el tesoro podría ser una simbolización de otra cosa o concepto, no especificada con claridad sino como metáfora, algo habitual en muchas de las composiciones de Jim Morrison y sus compañeros.

0481.- Hello, I love you - The Doors

Hello, I Love You es uno de los mayores éxitos comerciales grabados por The Doors. Una canción pegadiza y rotunda que, como le ocurrió a otras composiciones de la banda, fue escrita en 1965 durante los comienzos del grupo, pero no vio la luz hasta que fue grabada para ser el tema de arranque del tercer disco Waiting for the Sun de 1968.

La letra de Morrison se inspira en una bella mujer afroamericana que vio pasear por la playa de Venice, en California. Al verla, se le ocurrió esa frase tan directa que es la base de toda la canción: "Hola, te quiero, me dices tu nombre?" Ignoramos cual fue su respuesta, pero si cual fue la del público y los fans del grupo. Pese a que muchos consideraron que el impactante zumbido de guitarras del tema lo convertía en una rareza y no era el sonido característico del grupo, las ventas del single de Hello, I Love You se dispararon hasta catapultarlo al primer puesto de las listas de Estados Unidos y Canadá.

Su publicación no estuvo exenta de polémica, ya que el grupo británico The Kinks interpuso una demanda aduciendo que el ritmo y el riff de la canción eran demasiado parecidos a los de su canción All Day & All of The Night. El guitarrista Robbie Krieger negó haberse inspirado en la canción de The Kinks, reconociendo por contra que sí que había influencias del Sunshine of your love de Cream en el ritmo de batería. Morrison y Manzarek acabarían admitiendo que el parecido entre ambos riffs era muy grande pero al final, y no se sabe si gracias a un acuerdo extrajudicial entre las dos bandas, la demanda no llegó a buen puerto. 

0433.- Pictures of Matchstick Men - Status Quo

La banda británica Status Quo publicó en 1968 su álbum Picturesque Matchstickable Messages from the Status Quo, y la canción que cerraba aquel disco, Pictures of Matchstick Men ("Imágenes de los hombres cerilla"), fue la elegida como single de lanzamiento, a pesar de que inicialmente se pensó en ella como cara B del single, en favor de "Gentleman Joe's Sidewalk Cafe".

Debieron acertar con el cambio, porque en el mismo día del lanzamiento del que fue su single de debut, llegó al top 10 de las listas en el Reino Unido, donde permaneció durante siete semanas consecutivas y llegó a alcanzar el séptimo puesto. Se convirtió además en su single de mayor éxito en Estados Unidos, dónde llego al puesto 12 del Billboard.

Escrita por el cantante y guitarrista Francis Rossi, e inspirada en la obra del pintor L.S. Lowry, comienza con un riff de guitarra, al que se unen poco a poco el bajo, la guitarra rítmica, el órgano, la batería y la voz, pero existen dos versiones de Pictures of Matchstick Men, en estéreo y en mono, con algunas diferencias relevantes, ya que la versión en mono del single original tenía unos interesantes tramos de guitarra "wah-wah" entre las estrofas, que desaparecieron en la versión en estéreo.

0413.- I can see for miles - The Who

I Can See for Miles ("Puedo ver a millas de distancia") fue el único single que The Who publicó de su disco The Who Sell Out, quizá por tratarse de un álbum que, en su mayor parte, parodiaba las canciones de las cuñas publicitarias radiofónicas, y no era fácil encontrar en él canciones que pudieran funcionar como sencillos. I can see for miles no solo lo hizo, sino que sigue siendo el sencillo de mayor éxito de la banda en los Estados Unidos, llegando al top 10 del Billboard. Su autor, Pete Townshend, la valoraba tanto que, pese a este éxito, se sintió decepcionado y consideró que no se había vendido lo suficiente.

Mucho se ha escrito sobre este tema de rotundas guitarras, intrincadas armonías vocales y complejas partes de batería, pero es especialmente curiosa la anécdota sobre la influencia que tuvo, sin siquiera haberla escuchado, en que Paul McCartney escribiera el tema Helter Skelter. Paul leyó una reseña de The Who Sell Out, en la que se tildaba a I Can See for Miles como la canción con el sonido más "pesado" ("heavy") que se había escuchado hasta el momento. Ese comentario alentó a McCartney a intentar escribir una canción cuyo sonido y estructura superaran en "peso" al tema de los Who.

La influencia de esta gran canción aumentó también, posteriormente, con su inclusión en la mítica película Easy Rider, y la gran Tina Turner la versionó en 1975 en su disco de debut en solitario. Algo de razón tendrían los que la catalogaron como una pieza marcadamente "heavy", porque fue uno de los temas que acabó formando parte de la banda sonora del juego Rock Band. Aunque Townshend se sintiera decepcionado, y hubiera esperado mucho más reconocimiento del que tuvo, la canción llegó tan lejos como la enorme capacidad de visión que su título indicaba. Se veía a la legua, o a millas de distancia, que acababan de entregar una de sus obras maestras.

0396.- Strange Days - The Doors

 

Strange Days, The Doors

     El 27 de septiembre de 1967 se publica, bajo el sello discográfico Elektra Records, el segundo album de estudio del grupo The Doors, Strange Days. El disco es grabado entre mayo y agosto de 1967 en los estudios Sunset Sound Recorders de Hollywood, California, bajo la producción del destacado productor estadounidense Paul A. Rothchild. El Disco alcanzó el puesto número 3 en la famosa lista de ventas estaounidense Billboard 200.

Dentro de este álbum, que abarca géneros que van desde el rock psicodélico, pasando por el acid rock y hasta el pop psicodélico, se encuentra el tema que da título al álbum, Strange Days. Para la grabación de esta canción, la voz de Jim Morrison fue procesada utilizando un sintetizador Moog, el cual fue conectado con la ayuda de Paul Beaver, pionero en el uso de este instrumento. El ingeniero del grupo en aquel momento, Bruce Botnik, que participó en el proceso, relataba como lo hicieron, "crearon una envolvente en la que podían enviar la pista de Morrison para que pudiera tocar cualquier nota en el teclado y éste procesara su voz. Luego Botnik agregó un poco de retardo y pasó todo a una repetición de cinta infinita".

Sobre la temática de la canción, el crítico de Allmusic Tom maginnis afirmaba que esta es una reflexión donde Morrison habla sobre el estado de la cultura juvenil hippie emergente en aquél momento, y como eran percibidos entonces por la sociedad dominante del momento. Según John Densmore en el libro The Doors: Unhinged, Morrison decía que se estaba destruyendo la antigua y artesanal forma de hacer música, y que deberían encontrar otro lugar. Para escribir Strange Days el grupo, al parecer, se inspiró en una visita que habían realizado a la ciudad de Nueva York.

0395.- Love Me Two Times - The Doors

0395 Love Me Two Times - The Doors 

Love Me Two Times es una canción del grupo de rock estadounidense The Doors. Fue editada por primera vez en su segundo álbum de estudio, Strange Days, y posteriormente se editó con una duración de 2:37 y se publicó como segundo sencillo después de haber editado  People Are Strange de ese álbum. El sencillo alcanzó el número 25 en las listas de éxitos de Estados Unidos.

La canción Love Me Two Times se consideró un poco atrevida para su emisión en la radio, y fue prohibida en New Haven por ser demasiado controvertida, para consternación de la banda, The Doors tiene más de una canción cemsura para la época. 

Al igual que con las demás canciones de Strange Days, en las notas del álbum los autores son The Doors, al igual que en el single Love Me Two Times; la organización de derechos de ejecución ASCAP indica que los autores son los miembros individuales de The Doors.

Love Me Two Times incorpora elementos de la música barroca y ha sido clasificada como una canción de pop y de blues El guitarrista Robby Krieger declaró a Alan Paul, de Guitar World, que la idea musical de la canción procedía de un lick de una de las composiciones de Danny Kalb. El teclista de The Doors, Ray Manzarek, tocó la versión final de esta canción en un clavicordio. Ray Manzarek describió el instrumento como "un instrumento muy elegante que normalmente no se asocia con el rock and roll".

Daniel 

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