Disco de la semana 291: White Light/White Heat - The Velvet Underground

Las decepcionantes ventas de su primer disco, el gran The Velvet Underground and Nico, el nulo interés de la prensa y la necesidad de generar ingresos (los integrantes de la banda vivían prácticamente en la pobreza) dieron al traste con su relación laboral-artística con Andy Warhol, el enfoque musical del grupo evolucionó hacia la rabia pura, el caos controlado. Este primer disco es historia por haber generado una cantidad increíble de rasgos estilísticos, desde los golpes de batería aporreadores y obsesivos (que luego se convertirán en la columna vertebral del punk y el post-punk), hasta las modulaciones mántricas indias, desde influencias de formatos de canciones tradicionales de varias metrópolis. , hasta ser casi totalmente el inventor de géneros como el dream pop, el indie rock, el art rock, el rock alternativo, y el iniciador de una larga y gloriosa serie de estrellas y actos maravillosos de "soft" rock. White Light/White Heat es, en cambio, su contraparte infernal, a la que se atribuye la completa invención del punk y el noise rock, fundamentales también para el desarrollo del no wave, new wave, metal, rock industrial e industrial; pero sobre todo, le regala a la música rock dos cajas de Pandora, dos tesoros ocultos que, una vez abiertos, han marcado el rostro de la música rock para siempre. El primero es su espíritu: rebelde, diabólico, pura apoteosis del caos con sus temas de sexo, drogas y compulsiones inconscientes, el espíritu caótico y fuertemente expresionista que dominará, con los años, el alma del rock, desde Stooges hasta Judas Priest , desde Led Zepelín a Contorsiones , de Desenrollado aThrobbing Gristle ya Dead Kennedys . El rock como música politizada, el rock como música perversa, el rock como música de la contracultura y el rock como el arte de los debutantes, Durante las sesiones de grabacion de White Light / White Heat surgieron diferencias entre Reed y Cale, las cuales terminarían por desencadenar la partida del galés meses después. Un foco de tensiones constantes era la elección de las tomas para enlatar el máster, cada integrante luchaba por que se eligiera la toma en la que mejor había tocado. La portada del álbum no se quedaba atrás con respeto al espíritu sórdido de su música, en base a la idea (no acreditada) de Andy Warhol de usar una imagen en negro sobre fondo negro, utilizaron la fotografía de un tatuaje de una calavera. Este tatuaje era de Joe Spencer (uno de los «actores» de Warhol). Es realmente difícil distinguir el tatuaje, lo cual le dio un aura de misterio a una portada considerada mítica.

El lanzamiento de White Light/White Heat, el 30 de enero de 1968, no se diferenció casi en nada con el del primer álbum. Peor aun, fueron directamente satanizados por parte de la crítica, y su sello discográfico, haciendo nuevamente de las suyas, directamente se olvidó por completo de cualquier tipo de promoción o distribución. Sólo llegó al puesto 199 en el Billboard. Sin embargo, White Light/White Heat con el tiempo adquirió el estatus de clásico absoluto, siendo una fuente de inspiración directa para el punk y el rock experimental. Es un álbum que hizo historia y a fecha actual sigue sonando rabiosamente actual.... empezamos: White Light/White Heat es la puerta al infierno un clásico infernal y palpitante en apenas dos minutos y medio resumen todo lo que proponía el debut, los instrumentos marcan el compás al unísono, un estribillo lascivo cantado/recitado por un Reed bañado en gloria que esta perfectamente complementado perfectamente por un coro de respaldo, la forma en que los elementos individuales se compenetran es lo que hace de ella una joya, un ritmo simple y obsesivo en primer plano, los golpes marciales de platillos orquestales, convirtiendola en un hipnótico rock garaje fuera de tiempo, podrido y a la vez celestial. Conmovedores espejismos del hedonismo desatado, paraísos solemnes de la metanfetamina, el placer del sexo y las drogas como única libertad frente al dolor de la vida. En menos de tres minutos, The Velvet Underground junta y supera todas las canciones del primer álbum con respecto a la idea de un  uso persistente de la percusión. El tema que da título al album es, efectivamente, la cima de la perfección formal de White Light/White Heat , un álbum que se revela perfecto desde el primer tema, una de sus mayores obras maestras a pesar de su relativamente corta duración. The Gift en una pista estéreo, por la derecha encontramos la repetición interminable, catártica y neurótica, que nos da un ritmo pulsante que rebota en las cadencias elásticas de un bajo resonante, un compás que por sí solo podría ser incluso bailable, pero aquí acelera a través de tics psicopáticos y obsesiones enloquecidas, comprimida por mil desasosiegos, por mil turbulencias inconscientes y repelentes, este ritmo es acompañado por una larga improvisación de guitarra, bajo y distorsiones letales que continuamente inyectan venenos tóxicos, escupen amenazadoramente con silbidos paranoicos, se encierran en ruidos podridos que se derrumban sobre sí mismos sin cesar. La parte instrumental de The Gift es uno de los intentos mejor conseguidos de la historia (no sólo de los años sesenta) de llevar unas estructuras vanguardistas al formato rock, es una revolución desproporcionada musicalmente, por las implicaciones de utilizar técnicas de vanguardia con tanta soltura. Por la izquierda encontramos un recitado informal de Cale, que hace el papel de un narrador aburrido y descuidado en una historia de decadencia moral y frustración sexual que se sumerge en el psicoanálisis freudiano, un lúcido sueño del absurdo, cinematográfico y profundamente psicológico. La narración se refiere a Waldo Jeffers, un joven enamorado que tiene una angustiosa relación a larga distancia con su novia de la universidad , Marsha Bronson. Después de que terminan sus períodos escolares, Waldo regresa a su ciudad natal de Locust, Pensilvania donde se vuelve cada vez más paranoico preocupado de que Marsha no le sea fiel como prometió, teme constantemente que ella se involucre en relaciones sexuales solo por placer. Al carecer del dinero necesario para visitarla en Wisconsin , inventa un plan para enviarse a ella por correo en una gran caja de cartón, esperando que sea una grata sorpresa para Marsha, el plan lo ejecuta un viernes, se mete en una caja y se envía el viernes. El lunes siguiente, Marsha tiene una conversación con su amiga Sheila Klein sobre Bill, un hombre con el que Marsha se acostó la noche anterior, cuando el paquete llega a la puerta, las dos luchan por abrir la caja mientras Waldo espera emocionado adentro, incapaces de abrir la caja por otros medios y frustrada, Marsha recupera un cortador de chapa de su sótano y se lo da a Sheila, quien introduce violenta y directamente a través de la caja y………

Lady Godiva's Operation es una meditación india con un ritmo repetitivo vagamente oriental, sobre el cual giran las retroalimentaciones distorsionadas torpes de Reed, Cale y Morrison, un réquiem desolado y nostálgico,  cubierta de desechos, de tonos de guitarra debilitados antinaturalmente y de cacofonías enfermizas. Al contrario de la densa y oscura The Gift, esta cancion es mucho más onírica, a veces incluso onírica, una especie de la psicodelia, que en vez de pintar fantasías que se acolchan con colores, refleja con crudo realismo una escenario que es gris, pastoso, sórdido como una habitación de hospital. El tema es igualmente relevante: Reed canta los pensamientos de ansiedad y nostalgia, de melancolía y de esperanza de una mujer trans en una operación que durante toda la canción parece ser una cirugía de cambio de género, pero al final se revela como una lobotomía. En 1968, este fue un acto inedito de crítica social. Nada que ver con el disco tiene Here She Comes Now (cuyo título hace referencia a un orgasmo), una elegante y tierna miniatura de pop rock mágico y embrujado, una estampa melancólica e hipnótica que lleva a la perfección la sensación de trance onírico de Femme Fatale, en su haber, una sensación latente de peligro inminente, escondida tras el hipnótico beat de Maureen Tucker, el tono oscuro y ominoso del canto mántrico y el giro casi cursi de las guitarras, que regularmente se hunden en repetitivas, rasgueos ligeramente distorsionados, como si presagiaran una explosión que nunca llega.

Completamente al otro lado del espectro encontramos I Heard Her Call My Name, desenfrenado sobre un ritmo pesado y obsesivo y desgarrado por solos de guitarra distorsionados electrónicamente, un torrente de silbidos ensordecedores, de convulsiones chirriantes en medio de arcadas violentas, estallantes, que escupen ácido en todas direcciones, apoyado por el pulso corporal de los tambores, primitivos y psicóticos. Reed a veces entra en escena, contando la historia de un ataque de esquizofrenia con un par de estribillos heroicos, pero el verdadero protagonista de la canción es Cale, torturador despiadado y cirujano de la cacofonía, que disecciona enfermizamente la forma del "canto" como un buitre sobre su presa, como un caníbal que hunde los dientes y arranca y arranca la epidermis del cadáver de su botín, mostrando la piel viva. Por primera vez se cuentan, sin filtros, las historias de heroinómanos, de proletarios, de esquizofrénicos y marginados, de marginados sociales que luchan día a día por sobrevivir en la selva metropolitana. Angustias psicoanalíticas y sobredosis de libido sexual, deformaciones del yo y turbulencias freudianas se mezclan en un viaje desconectado y podrido en los rincones más inconfesables del subconsciente humano. El origen del "lado oscuro" del rock. Y si fuera poco lo expresado hasta ahora, hacemos un punto y aparte, cerramos los ojos, abrimos la mente y nos entregamos a algo que esta por encima de un album, preparados, os esperamos despues de los puntos suspensivos…….

Por mucho que estas canciones hasta ahora mencionadas sean revolucionarias, atrevidas y brillantes, por mucho que estén perfectamente construidas e impecables tanto en la teoría como en la práctica, por mucho que un disco formado por sólo estos 5 temas ya hubiera sido una inmensa obra maestra, todo palidece y todo desaparece frente a la infinita majestuosidad de la mayor composición de todo el movimiento rockero y de todos los tiempos, la suprema y definitiva obra maestra de toda la música, los 17 minutos y medio de locura sobrenatural que se conocen con el nombre, grabados en la piedra de historia del arte, como Sister Ray. Velvet Underground, da un salto prodigioso que basta para llevar este disco a cotas de calidad y perfección inimaginables y nos entrega una larga orgía de forma libre que es también el manifiesto último de la música como estruendo y ruido, una improvisación que viene directamente de las profundidades más negras del infierno, con todos los instrumentos preparados para dañar y desgarrar el tejido armónico con tanta violencia como sea posible: las desafinaciones monumentales de múltiples guitarras que chocan y se comen, el órgano distorsionado que pulsa como un meteoro enloquecido, el ritmo apremiante y abrumador , los zumbidos aulladores y colosales y las convulsiones psicóticas que constantemente parecen a punto de estallar, juntos forman un terrible terremoto musical cuyo poder es inhumano, el himno más extremo a la locura humana, a la inmoralidad, al hedonismo, a los instintos animales. Con un estribillo triunfal bestialmente gritado, los versos, cada vez más obscenos y vulgares, se desintegran en triangulaciones bestiales provenientes del free jazz, víctima y presa de una cacofonía extrema e inigualable, cuando Reed no está ocupado vomitando blasfemias la escena pasa a testarudos minimalismos de puntos, de toques de colores demacrados, aterrorizados y paralizados ante este inmenso horror cósmico, alucinación mística víctima de las pesadillas progresivamente más negras y progresivamente más abstractas regurgitadas por la cornucopia de signos sesgados y solemnes, apenas insinuados en la sobrecogedora y chamánica , vórtice monumental y catastrófico de distorsiones abominables, una delicada pintura abstracta en el estruendo ensordecedor de tan luciferina desintegración. Reed se eleva sobre tal caos enloquecido, presa de alucinaciones demoníacas y convulsiones maníacas, que grita histéricamente y proféticamente el destino final del hombre, un Día del Juicio espiritual a través de la parábola paradójica de una orgía donde los asistentes se inyectan heroína y son presa de su efectos, matar a algunos de los invitados. La hermana Ray , la anfitriona, interviene solo para advertir a los asesinos que mancharon su alfombra con sangre, y cuando la policía aparece para arrestar a todos, los personajes se niegan porque están "demasiado ocupados chupando un ding-dong", una farsa del absurdo donde es descarada la crítica social vitriólica de su sátira. Un Apocalipsis moral donde no hay distinción entre hombre y animal, donde se disgrega la frontera entre nuestro cuerpo y el resto del universo, donde se anula la naturaleza más alta y noble de la razón humana, favoreciendo todo lo superficial, primitivo, instintivo, y como tal, la concreción final de todo lo que la naturaleza humana quiere : sexo y muerte, aquí elevados a propósitos trascendentes. Lo divino se busca en lo humano y, peor aún, en lo infrahumano. Al hacerlo, Sister Ray se eleva a la representación terminal de la locura y, más en general, al manifiesto definitivo de toda condición humana.

Acabamos de disfrutar de uno de los álbumes más dramáticos, si no el más dramático, de todos los tiempos, el más inventivo, el más destructivo y caótico, el más conceptualmente cargado y uno de los más importantes de todos los tiempos. Uno de los mayores de este arte a la humanidad. Porque como siempre, el verdadero arte está en la destrucción del arte. Es perfectamente razonable concluir que, muy simplemente,White Light/White Heat es la obra más alta, sagrada y fundamental de la música en su conjunto.

0603.- Desperation - Humble Pie

 

Desperation, Humble Pie

     En 1969 la banda inglesa de rock formada en Essex, Humble pie, debuta con su primer álbum de estudio As Safe as Yesterday Is. El grupo, formado por Steve Marriot (vocalista), Peter Framptom (guitarra y voces), Greg Ridley (bajo, percusión y voces) y Jerry Shirley (batería, percusión y piano), graban en los Olympic Studios de Londres el material que compone este disco debut bajo la producción del ingeniero de sonido y productor británico Andy Johns. El disco es publicado el 1 de agosto de 1969 bajo el sello discográfico Inmediate.

El disco contiene una mezcla de sonido que van desde el hard rock, pasando por el blues rock, folk, country, música pop o post mod. Rápidamente la crítica especializada, más concretamente la revista Circus, agrupó a Humble Pie junto a grupos como Black Sabbath, Deep Purple o incluso Cream, dentro del creciente y novedoso movimiento denominado Heavy Metal, llamado así por la densidad y pesadez de su sonido. En esa misma época el famoso periodista, músico y crítico John Peel, quien trabajaba para la BBC, catalogó a Humble Pie como la primera banda de Heavy Metal de la historia, y para hacerlo no se basó su sonido, si no en la cantidad de volumen utilizado en su sonido para realizar sus interpretaciones.

Incluido en este álbum debut de Humble Pie se encuentra el tema Desperation, el tema que abre el disco y que resulta ser una versión de la canción de la banda canadiense-estadounidense Steppenwolf, quienes habían publicado este tema un año antes, concretamente en su álbum debut llamado Steppenwolf. La canción fue compuesta por el vocalista y guitarrista de la banda John kay. La versión de Humble Pie es sencillamente hermosa, magistral, una gran introducción para un disco y un estilo de sonido que sería tomado por multitud de bandas que irían llegando posteriormente. Desperation es un contundente tema con unas grandes melodías y un soberbio órgano que acompaña la genial interpretación de Steve Marriot.

0598 Lodi - Creedence Clearwater Revival

 

Lodi, Creedence Clearwater Revival

     El 3 de agosto de 1969 la banda estadounidense Creedence Clearwater Revival publica su tercer álbum de estudio, Green River. Doug Clifford, Stu Cook, y John y Tom Fogerty graban el material de este disco entre marzo y junio de 1969 en los estudios Wally Heider de San Francisco bajo la producción de John Fogerty. El álbum es publicado el 3 de agosto de 1969 bajo el sello discográfico Fantasy Records. En diciembre de 1970 Green River ya había conseguido la certificación de disco de Oro merced a sus ventas. En 2003 la revista Rolling Stone situó este disco en el puesto número 95 de "Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos". También apareció en el influyente libro de Robert Dimery "1001 álbumes que debes escuchar antes de morir".

Incluido en este álbum se encuentra la canción Lodi, compuesta por John Fogerty, y publicada como cara B del sencillo Bad Moon Rising en abril de 1969. A pesar de no llegar al Top 40 de ventas esta sombría canción, rápidamente se convirtió en un elemento básico de las emisoras de rock y en uno de los temas favoritos de los seguidores de grupo. La canción describe la difícil situación de un músico pobre que lucha por sacar adelante su carrera, lo que le lleva a tocar en Lodi, una pequeña localidad agrícola situada en el Valle Central de California, a unas 70 millas de la ciudad natal de John Fogerty, Berkeley. Después de tocar en bares y otros locales de Lodi, el músico se encuentra con que no puede pagarse ningún billete de tren o autobús para marcharse de la ciudad.  

Sobre la canción, John Fogerty diría más adelante que nunca había visitado Lodi antes de escribir la canción, y simplemente la eligió porque el nombre tenía gancho y sonaba genial. También comentaba John que Lodi provino de la etapa en la que hacía viajes con su padre al centro de California, un área del mundo cálido donde  uno se podía sentir especial. Esta canción era un reflejo de los días de John Fogerty con The Golliwogs, donde el grupo luchaba por conseguir el éxito tocando en pueblos de ninguna parte como Lodi,  con equipos en mal estado y para una audiencia a menudo indiferente.

0597.- Commotion – Creedence Clearwater Revival

 

Sin duda alguna, para muchos si tenemos que elegir una banda sonora sobre la guerra de Vietnam y todo el movimiento social que se generó alrededor de ella, nos tenemos que quedar con este álbum de Creedence Clearwater Revival que titularon Green River, un disco que sonaba verde, sonaba fangoso, la música irradiaba ondas de calor y una fuerza trascendental que no solo fue capaz de sostenernos, sino de darnos el coraje emocional para seguir adelante, como parecía la narración del álbum, para hablar con aquellos de nosotros en uniforme, donde un guiño o una sonrisa de complicidad dirían que ya era hora de terminar el día, acostar a los helicópteros, quitarnos las botas, encender un cigarro y prepararnos para la noche. mientras observábamos luces de viaje y luminarias que iluminaban el cielo nocturno. No estoy diciendo que Creedence Clearwater Revival hizo que estar en Vietnam fuera placentero, lo que estoy diciendo es que había una magia contenida dentro de esos ritmos que hacían la vida tolerable, y nos dio a todos algo con lo que bailar en nuestras cabezas mientras nos poníamos en marcha, ya sea en la guerra de Vietnam o en la guerra particular que cada uno tenemos en nuestro dia.

No es de las más conocidas, esas se las dejo a mis compañeros que son más expertos en el grupo, pero si hay un tema que me fascina es este Commotion, el chasquido acelerado y sin cesar que tenemos durante la canción, se comenta que a Fogerty no le gusta el ritmo frenético y el ruido constante de la vida moderna, Commotion surgió de su frustración con ese aspecto y quizás por eso la guitarra tan acelerada. Pero si cierras los ojos y montas en ese ritmo, veras que es la excusa perfecta para entregarte después de la batalla a el sonido de las cálidas y húmedas noches de verano en el sur en el porche delantero y disfrutando de la luz de la luna. La música parece reflejar la vida en los bosques profundos del país con ritmos resoplando, ritmos rock-steady y el aullido vocal de John Fogerty tan salvaje y libre como el aire libre. Creedence Clearwater Revival era especialista en traernos una serie de éxitos de rock de raíces que se alejaron de muchas de las influencias de la música que estaban mandando en ese momento, les daban su toque y volábamos con esa música.

 

 

 

 

0596 - Green River - Creedence Clearwater Revival

0596 - Green River - Creedence Clearwater Revival

Green River es una canción de la banda de rock estadounidense Creedence Clearwater Revival. Fue escrito por John Fogerty y lanzado como sencillo en julio de 1969, un mes antes del lanzamiento del álbum del mismo nombre. 

Green River alcanzó el puesto número dos durante una semana, y Billboard la clasificó como la canción número 31 de 1969.

La canción se basó en un lugar de vacaciones de la infancia de John Fogerty. En una entrevista que John Fogerty concedió a la revista Rolling Stone en 2012, declaró:

Lo que realmente sucedió es que usé un escenario como Nueva Orleans, pero en realidad estaría hablando de cosas de mi propia vida. Ciertamente, una canción como Green River, que puede pensar que encajaría perfectamente en el ambiente de Bayou, pero en realidad se trata de Green River, como lo llamé, en realidad se llamaba Putah Creek en Winters, California. No se llamaba Green River, pero en mi mente siempre lo llamé Green River. Todas esas pequeñas anécdotas son parte de mi infancia, son cosas que me pasaron en realidad, solo escribí sobre ellas y la audiencia cambió de lugar y de tiempo.

John Fogerty agregó que la referencia a Green River, la obtuve de una etiqueta de gaseosa cuyo sabor se llamaba Green River.

Aunque la canción parece tratar principalmente sobre recuerdos idílicos, en el último verso un personaje llamado Old Cody Junior advierte al cantante que encontrará el mundo ardiendo pero que siempre puede volver a Green River. El nombre Old Cody Junior era una referencia al hecho de que Buffalo Bill Cody era dueño de la cabaña junto al arroyo que inspiró la canción.

En cuanto a la música Green River el ritmo de la guitarra acústica y luego el bajo haciendo ese ritmo oscilante, tiende a la canción Dream Baby de Roy Orbison. Sin embargo, Green River era mucho más rockera que esa canción, pero el ritmo encaja.

Daniel
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0589.- Touch Me - The Doors

 

Touch Me, The Doors

     El 18 de mayo de mayo de 1969 The Doors publican su cuarto álbum de estudio, The Soft Parade. Jim Morrison, Ray Manzarek, Roobby Krieger y John Densmore graban el material que compone este disco entre julio de 1968 y mayo de 1969 en los Elektra Sound Recorders de Hollywood, California bajo la producción de Paul A. Rothchild. El álbum es publicado en julio de 1969 bajo el sellos discográfico Elektra Records.

El disco no tuvo tanto éxito como los anteriores, en parte debido al cambio de sonido característico del grupo, ya que integran instrumentos de bronce y cuerdas y la guitarra de Krieger adquiere más protagonismo en este disco. Es el primer disco donde se atribuye cada tema a sus autores en lugar de firmar como The Doors como en sus anteriores trabajos.

Incluido en este cuarto trabajo de estudio de la banda se encuentra Touch Me, compuesto Robby Krieger, y que fue además el primer sencillo promocional del álbum. Es muy llamativa la utilización de instrumentos de cuerda y bronce para acentuar la voz de Jim Morrison, y podemos disfrutar de un magnífico solo de saxofón interpretado por el saxofonista, clarinetista y flautista estadounidense Curtys Amy. 

La canción fue compuesta por Robby Krieger inspirándose en las peleas que había tenido con su novia. En un principio el título de la canción que Krieger puso al tema era Hit Me (pégame), pero Jim Morrison, haciendo gala de una rara muestra de moderación consideró que Tocuh Me (tócame) era un nombre más correcto para la canción. Al final de la canción se puede escuchar a Morrison decir. "Stronger than dirt" (Más fuerte que la suciedad), que era el eslogan de la conocida empresa de limpieza Ajax, incluyendo además los tres acordes finales del conocido comercial de la marca.

0585.- Living In The Past - Jethro tull

 

Living In The Past, JethroTul

     El 2 de mayo de 1969 Jethro Tull publica la que a la postre se convertirá en una de sus canciones más emblemáticas, Living In The Past. El tema fue grabado entre el 3 y el 28 de marzo de 1969 bajo la producción de Ian Anderson y Terry Ellis, y publicado el 2 de mayo de 1969 en Reino Unido bajo el sello discográfico Island Records. El tema vería la luz en Estados Unidos en octubre de 1972.

Living in The Past fue escrito por Ian Anderson para su álbum Stand Up, que fue publicado en 1969, pero al final quedaría descartado y sería publicado como sencillo, viendo la luz más tarde en septiembre de 1972 con el recopilatorio Living In The Past. Una de los aspectos más característicos de esta canción es que usa un compás no estandard: 5/4, donde hay cinco tiempos por compás. 

Según Ian Anderson, escribió la melodía en aproximadamente una hora en su habitación en un hotel a orillas del río Charles, Boston, Massachusetts, el 12 de febrero de 1969. Cuando Anderson le entregó a Terry Ellis la canción este respondió emocionado que reservaría el estudio a la semana siguiente, cuando estuvieran en Nueva York, para grabar el tema. 

Que Ian Anderson es uno de los artistas más intelectuales del rock queda claro con Living In The Past, donde hace gala de un astuto y fino sentido del humor, realizando toda una burla y una crítica del estilo de vida hippie y de la ingenuidad general de la época, donde la gente abanderaba una revolución sin saber realmente contra que estaban luchando, y abogando por permanecer en un mundo más realista con valores más directos, fuera de las modas, el amor libre y las experiencias y la cultura de las drogas.

0582.- Venus - Shocking Blue

 

Venus, Shocking Blue

     En 1969 la banda holandesa Shocking Blue publica su segundo álbum de estudio, At Home, que les servirá para alcanzar la fama fuera de sus fronteras. El disco fue grabado en los Sound Push Studios de Blaricum, Psíses Bajos, bajo la producción del mismo grupo, y publicado el 30 de septiembre de 1969 por el sello discográfico Pink Elephant. Este fue el primer trabajo que presentó a su vocalista Mariska Veres, con la que el grupo daría un salto de calidad.

El líder de la formación, el guitarrista Robbie Van Leeuwen, fichó a a Mariska Veres en un intento de imitar a grupos como Jefferson Air Plane, que contaban con cantantes femeninas. Gracias a la notable interpretación de Mariska Veres y su impresionante apariencia, la banda encontró la pieza adecuada que le faltaba al proyecto.

At Home fue una mezcla de influenias que iban desde el pop rock hasta el rock psicodélico, además de mostrar el interés de la banda en la música americana. Pero el gran éxito de la banda llegaria de la mano de Venus, tema que originalmente no fue incluido en el disco y que si sería incluido en la reedición en formato CD del álbum en 1989. 

El country rock Venus fue escrito por Robbie Van Leeuwen, grabado en lo ya citados Sound Push Studios y publicado como sencillo en julio de 1969 en Países Bajos y en noviembre de 1969 en Estados Unidos. Robbie se basó para escribirla en The Banjo Song de Tim Rose and The Big 3, que a su vez era una canción basada en la canción del siglo XIX Oh! Susanna de Stephen Foster. La canción contenía un error tipográfico al ser escrita, en la línea donde debía figurar "A goddes on the mountain top" por ese error tipográfico figuraba "A goddnes on the mountain top". Mariska Veres interpretó y grabó la canción exactamente como constaba escrita, con el error tipográfico. En un principio la mayoría de los oyentes no se dieron cuenta, y aunque en versiones posteriores de portada se corrigió el error, ya daba igual porque la canción ya se había convertido en todo un éxito con error tipográfico incluido.

0581 - A Boy Named Sue - Johnny Cash

0581 - A Boy Named Sue - Johnny Cash 

A Boy Named Sue es una canción escrita por el humorista, autor infantil y poeta Shel Silverstein y popularizada por Johnny Cash.

La canción cuenta la historia de la búsqueda de venganza de un joven de un padre que lo abandonó a los tres años de edad y cuya única contribución en toda su vida fue darle una guitarra y llamarlo Sue, comúnmente un nombre femenino, lo que resulta en el joven que sufre el ridículo y el acoso de todos los que conoce. Avergonzado de su nombre, de joven se convierte en un nómada de corazón duro; jura que encontrará y matará a su padre por darle "ese nombre horrible".

Más tarde, Sue localiza a su padre en una taberna un día de verano en Gatlinburg, Tennessee, y lo confronta diciendo: "¡Mi nombre es Sue! ¿Cómo estás? ¡Ahora vas a morir!". Esto da como resultado una pelea feroz que se extiende al aire libre en una calle embarrada. Mientras los dos apuntan con sus armas el uno al otro, el padre de Sue sonríe con orgullo y admite que él es el hombre ("hijo de puta" en la versión de Johnny Cash) que lo llamó Sue. Debido a que el padre de Sue sabía que él no estaría allí para su hijo, le dio el nombre como un acto de amor duro, creyendo (correctamente) que el ridículo resultante lo obligaría a "ponerse duro o morir". Al enterarse de esto, Sue hace las paces y se reconcilia con su padre. Sue cierra la canción admitiendo el punto de vista de su padre, pero que si alguna vez tiene un hijo, lo llamará "Bill, o George, cualquier maldita cosa menos Sue" porque "todavía odia ese nombre".

Daniel 

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0579 - Philosophy of the World - The Shaggs

 

0579 - Philosophy of the World - The Shaggs 

The Shagg es una banda que estaban compuestos por las hermanas Helen, Betty y Dorothy (o "Dot") Wiggin, de Fremont, New Hampshire, EE. UU. Fueron dirigidos por su padre, Austin Wiggin, Jr., ya veces los acompañaba otra hermana, Rachel. Actuaron casi exclusivamente en el ayuntamiento de Fremont y en un hogar de ancianos local, comenzando en 1968 y terminando en 1973.

La canción que referenciamos hoy Philosophy of the World, de la banda The Shagg, según los críticos de música, es una de las peores canciones y esto lo demuestra en la reseña que se dieron en al revista Rolling Stones. 

"Philosophy of the World es el disco maravilloso más enfermizo, asombrosamente horrible que he escuchado en mucho tiempo: el purgante mental perfecto para el estancamiento de cualquier tipo", escribió Debra Rae Cohen para Rolling Stone en una reseña de la reedición de 1980. 

"Como los cantantes de la familia Trapp lobotomizados, The Shaggs cantan letras de tarjetas de felicitación (...) en feliz y desventurado casi al unísono a lo largo de líneas ostensibles de melodía mientras rasguean sus pequeñas guitarras como alguien que se preocupa por una cremallera. El baterista golpea valientemente hasta el final. llamada de una musa diferente, como si tuviera que adivinar qué canción estaban tocando, y se la perdiera cada vez". "Sin exagerar", escribió Chris Connelly en un artículo posterior de Rolling Stone, "puede ser el peor jamás grabado". 

Un artículo para The New Yorker describe cómo un crítico de Internet describió el álbum como "inquietantemente malo". 

Sin embargo el líder de Nirvana, Kurt Cobain, incluyó a Philosophy of the World como su quinto álbum favorito de todos los tiempos. El disco también ha sido citado como muy influyente por Frank Zappa, Kimya Dawson de The Moldy Peaches y Deerhoof.

Pese a las criticas horribles que recibió el álbum en su lanzamiento años después, en 2010, se incluyó en la lista "Los 100 mejores álbumes que nunca has escuchado" de NME. En 2016, Rolling Stone clasificó el álbum en el puesto 17 de su lista de las "40 maravillas más grandes de un álbum".

Daniel
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0576.- Strange Feelin' -Tim Buckley

 

Strenge Feelin', Tim buckley

     Happy Sad fue el tercer álbum publicado del cantautor estadounidense Tim Buckley. el disco fue grabado en los estudios Elektra Sound Recorders de Los Angeles en diciembre de 1968, contó con la producción de Zal Yanovsky, sustituido posteriormente por Jerry Jester, y fue publicado en marzo de 1969 bajo el sello discográfico Elektra Records en abril de 1969. Este disco marcó el comienzo de un periodo más experimental del cantautor ya que incorporó elementos de jazz que nunca había utilizado.

Muchas de las canciones de este álbum se alejan de la forma binaria (forma musical) que habia predominado en gran parte de su trabajo anterior. El sonido del disco se caracteriza por el uso del vibráfono del percusionista David Freeman y las canciones son  mucho más largas. Tim Buckley había dejado de trabajar con el letrista Larry Beckett, con el que había trabajado en sus dos anteriores álbumes, y comenzó a escribir las letras el mismo. 

Gran parte del material de Happy Sad fue escrito al mismo tiempo que el material que formaría parte de sus dos disco posteriores, Lorca y Blue Afternoon, convirtiendo esta etapa en la más productiva y prolífica del cantautor. Incluido en en Happy Sad se encuentra el tema Strange Feelin', con una duración de algo  más de 7 minutos y medio, y escrito por Buckley. Este tema se inspiró instrumentalmente en la canción All Blues de Miles Davis, el cual había aparecido publicado en su disco Kind Of Blue de 1959. La melodía que Tim utilizó para la canción era totalmente original. Lo toques de blues de la guitarra de Lee Underwood en este tema se hacen notar y ensamblan perfectamente con la voz de Buckley, y los efectos jazzisticos de Buckley, recurso que utiliza durante todo el álbum, hacen que se recuerde a los discos finales de Miles Davis.

0573 - Pinball Wizard - The Who

0573 - Pinball Wizard - The Who

Pinball Wizard es una canción escrita por Pete Townshend e interpretada por la banda de rock inglesa The Who, incluida en su álbum de ópera rock de 1969 Tommy. 

La grabación original se lanzó como sencillo en 1969 y alcanzó el puesto número 4 en las listas del Reino Unido y el número 19 en el Billboard Hot 100 de EE. UU.

Esta canción es una de las canciones en vivo más famosas de la banda y se toca en casi todos los conciertos de The Who desde su presentación en vivo en su debut el 2 de mayo de 1969. Las presentaciones en vivo rara vez se desviaron del arreglo del álbum, salvo por un atasco ocasional al final que a veces conduce a otra cancion. Las grabaciones piratas muestran que se sabe que esta canción dura hasta 8 minutos, y estos sucedió en un concierto en el Rainbow Theatre de Londres el 3 de febrero de 1981, aunque las versiones en vivo que duran tanto son extremadamente raras. Pinball Wizard también se jugó durante el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl XLIV el 7 de febrero de 2010.

La canción fue interpretada por el músico inglés Elton John en la adaptación cinematográfica de Tommy de Ken Russell de 1975. Esta versión se lanzó en 1975 como sencillo promocional solo en los EE. UU., y en 1976 en el Reino Unido, donde alcanzó el número 7. Debido a que no se lanzó como sencillo comercial en los EE. UU., no era elegible para ser incluido en el Billboard Tabla de 100 calientes. Sin embargo, llegó a la lista de reproducción al aire de US Radio & Records, donde alcanzó el número 9.

Daniel 

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0572.- I'm Free - The Who

 

I''m Free, The Who

     Tommy es considerada la ópera prima de la banda británica The Who, el cuarto álbum de estudio del grupo, y que precedió a las mini óperas que el grupo ya había  compuesto anteriormente, A Quick One, While He's Away y Rael. El grupo, dentro de su creciente interés por técnicas de composición más refinadas en el campo de la música popular dentro de la década de los 60, culminó ese interés con la publicación de Tommy, su primera ópera rock completa, un disco de rock and roll con una narrativa lineal completa a través de su progresión de canciones.

Tommy es grabado entre septiembre de 1968 y marzo de 1969 en los IBC Studios de Londres, Inglaterra, bajo la producción de Kit Lambert, y publicado el 23 de mayo de 1969. El álbum se convirtió en uno de los discos más vendidos de la carrera de The Who, llegando a alcanzar la certificación de doble  disco de platino al superar la cifra de los dos millones de copias vendidas, cifra únicamente superada por su disco Who's Next, publicado por el grupo dos años después. 

Tommy fue compuesto en su mayoría por Pete Townshend, y se inspiró para escribirlo en las enseñanzas de Meher Baba, un gurú que enlazaba elementos de las escuelas de venta y mística a partes iguales. Townshend había sentido interés en las enseñanzas del gurú después de la publicación de The Who Sell Out en 1968. 

En esta ópera rock se detallan todas las etapas de la vida del protagonista, un chico que queda sordo, mudo y ciego tras un episodio traumático. Durante su convalecencia Tommy sufre abusos  de su primo Kevin y de su tío Ernie, es engañado por  una prostituta que intenta curarle mediante el uso de drogas y descubre su afición al pinball, al que juega con gran éxito mediante su único sentido disponible: el tacto. 

La trama evoluciona hacia la recuperación de sus sentidos cuando su madre rompe los espejos de la casa y la ganancia de adeptos que reconocen en Tommy una figura de culto por su cura milagrosa. Sin embargo, la actitud despótia de Tommy en el campamento de verano creado por su tío Ernie hace que sus discípulos le abandonen y el protagonista vuelva a refugiarse en su fuero interno. 

Incluido en este doble álbum se encuentra la canción I'm Free, compuesta por Pete Townshend. Esta canción relata la visión de Tommy para iluminar a otros espiritualmente debido a su inmensa y creciente popularidad. Tommy se ha liberado porque su madre acaba de romper el espejo de la casa en el cual se encontraba atrapado y se ha liberado. El riff principal de otro de los temas del álbum, Pinball Wizard, aparece en el final de la canción. Pete Townshend escribió Tommy, pero su mánager, Kit Lambert tuvo bastante que ver, el padre de Kit era director de orquesta y bastante reputado en el mundo de la música clásica, y Kit ayudó a Pete a pensar en la idea de una ópera rock.

0571.- Stand! - Sly & The Family Stone

 

Stand!, Sly & The Family Stone

     Entra en escena una de las primeras bandas que se adentraron en el mundo de la psicodelia dentro del género funk, Sly & The Family Stone.

Sly Stone, al frente de su formación clásica, no entendía de razas ni sexo, entendía de música, por lo que estaba integrada por blancos y negros y mujeres y hombres por igual. La banda, liderada por el mítico Sylvester Stewart, más conocido como Sly Stone, surge en 1966 de la fusión del grupo liderado por Sly, Sly & The Stoners y el grupo del hermano de Sly, Freddie Stone, llamada Freddie & The Stone Souls. La fusión más alguna incorporación a la recien creada banda dio como resultado una formación compuesta por Sly Stone (teclados y voz), Freddie Stone (guitarra y voz), Gregg Erico (batería), Cynthia Robinson (trompeta) y Larry Graham (bajo). Al grupo se unen los componentes de un grupo de gospel que se hacían llamar Little Sister, compuesto por la hermana de los Stone, Vaetta Stone, Mary McCreary Y Elva Mouton, que se suman al proyecto como coristas. Acababa de nacer Sly & The Family Stone, una de las bandas más influyentes del género funk, una banda que se movía como pez en el agua con géneros como el funk, soul, soul psicodélico ó rock psicodélico entre otros.

En mayo de 1969, publican bajo el sello Epic Records, su cuarto álbum de estudio, Stand!, disco que supone el lanzamiento definitivo del grupo hacia el estrellato vendiendo más de tres millones de copias. Stand! era un álbum lanzado por un grupo compuesto por músicos de todas las razas y sexos, en una época donde imperaban los mensajes de paz, amor y tolerancia, y donde sus músicos derrochaban soul y funk de muchos kilates, aderezado con altas dosis de rock, blues, pop ó jazz, siendo capaces de envolverlo todo en un aire de psicodelia. Sly & The Family Stone estaban rompiendo moldes.

Incluido en el álbum se encuentra el tema que da título al álbum, Stand!, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan, un medio tiempo donde los coros a modo de gospel nos acompañan durante todo el tema. El tema fue compuesto por Sly Stone, un alegato que nos anima a afrontar los obstaculos y defender nuestros derechos, todos somos libres y nadie debe decirnos que hacer ni como pensar, y si queremos algo debemos ir a por ello.

0569 - Cowgirl in the Sand - Neil Young

0569 - Cowgirl in the Sand - Neil Young

Cowgirl in the Sand es una canción escrita por Neil Young y lanzada por primera vez en su álbum de 1969 Everybody Knows This Is Nowhere.

Neil Young ha incluido versiones en vivo de la canción en varios álbumes y en el álbum 4 Way Street de Crosby, Stills, Nash and Young. 

También ha sido versionada por The Byrds en su álbum homónimo. Al igual que otras tres canciones de Everybody Knows This Is Nowhere, "Cinnamon Girl", "Down by the River" y la canción principal, Neil Young escribió Cowgirl in the Sand mientras sufría de gripe y fiebre alta en su casa en Topanga, California.

El crítico de Allmusic Matthew Greenwald describió Cowgirl in the Sand como "una de las composiciones más duraderas de Neil Young" y "un verdadero clásico". El crítico de Rolling Stone, Rob Sheffield, las llama "Down by the River" y "Down by the River" como las "pistas clave" de Everybody Knows This is Nowhere, llamándolas "atascas de guitarra largas y violentas, divagando sobre la marca de los nueve minutos sin ningún rastro de virtuosismo". solo explosiones de guitarra entrecortadas que suenan como si Neil Young se lanzara en paracaídas en medio de la disputa Hatfield-McCoy ".

Daniel 

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0564 .- Feeling Allright - Joe Cocker

 

Feeling Allright, Joe cocker

     El 23 de abril de 1969 se producía el debut discográfico del cantante británico Joe Cocker con el álbum With A Little From My Friends. Este disco debut es concebido entre los Olympic Studios y los Trident Studios de Londres bajo la producción de Denny Cordell, y publicado bajo el sello discográfico Regal Zonophone para Reino Unido y bajo el sello discográfico A&M para Estados Unidos. En estados Unidos el disco debut de Joe Cocker alcanzó el  puesto 35 en la lista Billboard 200, consiguiendo la certificación de oro merced a sus ventas. En Reino Unido alcanzaría el puesto 29 en 1972 gracias a su relanzamiento como disco doble junto a sus segundo álbum de estudio, ¡Joe Cocker!. 

Incluido en este magnífico disco debut de Cocker encontramos el tema Feeling Allright, compuesto por Dave Mason, de la banda de rock inglesa Traffic, y publicado en el disco homónimo de dicha banda en 1968. El tema fue lanzado por Traffic como sencillo y no logró posicionarse ni en las listas de éxitos de Estados Unidos ni Reino Unido. Joe Cocker grabó este tema para su álbum debut un año después, en 1969, y modificó el título original Feeling Allright? por Feeling Allright. El tema grabado por Joe Cocker fue lanzado como sencillo y consiguió buenas cifras, alcanzado el puesto 69 en las listas de sencillos de Estados unidos y el puesto 35 en las canadienses. Feeling Allright? se ha convertido a lo largo de su historia en un tema muy versionado, además de Joe Cocker han sido numerosos artistas los que han hecho versiones del tema, entre los que se encuentran Rare Earth, Three Dog Night, Hubert Laws, The 5th Dimension, Gladys Night & The Pips, The Jackson 5, Gran Funk Railroad, Isaac Hayes, The Bar-Kays, Little Milton, Paul Weller, Juliette Lewis y Ohio Players entre otros.

El disco de la semana 284: Stonedhenge - Ten Years After

Stonedhenge, Ten Years After

     

     En 1967 el grupo británico de blues rock y hard rock compuesto por Alvin Lee (guitarra y voz), Leo Lyons (bajo), Chick Churchill (teclados) y Ric Lee (batería), publican su álbum debut, de título homónimo, Ten Years After. Con dicho disco consiguen tener éxito en Reino Unido, lo que les vale realizar una gira por los países escandinavos y Estados Unidos.En mayo de 1967 el grupo lanza su primer disco en vivo, Live Undead, el cual contiene una más que notable versión del tema I'm Going Home, uno de sus mayores éxitos de siempre.

La confirmación y consagración de la banda llega con su segundo álbum de estudio, Stonedhenge. Este disco es grabado entre el 3 y el 15 de septiembre de 1968 en los estudios Decca, ubicados en el área londinense de West Hampstead, bajo la producción de Mike Vernon y publicado en enero de 1969 en Estados Unidos y en febrero de 1969 en Reino Unido por Deram Records, sello discográfico subsidiario de Decca Records.

Alvin Lee y compañía tenían una amplia experiencia con el boogie rock, y en Stonedhenge, con la ayuda de Mike Vernon, el grupo entra en una etapa más experimental y se orientan hacia otros sonidos como el blues y el jazz. mezclados, con mucho acierto, con la fuerza del rock and roll. En definitiva, en este disco se mezclan el potencial creativo con ese sonido explosivo de la banda para regalarnos un disco lleno de virtuosismo por parte de estos cuatro músicos. A lo largo de la escucha del disco descubriremos que todos los integrantes del grupo tienen su momento para lucir sus grandes habilidades instrumentales. Stonendhenge es un disco que contiene temas donde se producen grandes momentos de improvisación, algo que a día de hoy se echa mucho en falta. 

Abre este disco Going To Try, la voz de Alvin Lee en conjunción con los teclados y el toque rockero mezclado con unas magníficas percusiones tribales hacen que este tema sea la apertura perfecta para engancharnos. I Cant't Live Without Lydia es un corto tema de apenas minuto y medio que sirve para que el tecladista Chick Churchill nos de una muestra de todo su potencial. Woman Trouble ,donde la voz y la guitarra de Alvin, el swing de la batería de Lee, el bajo de Lyons y el sonido del hammond de Churchill se combinan a la perfección para reglarnos un majestuoso blues de doce compases. Skoobly-Oobly-Doobob, es el prefecto ejemplo de la calidad técnica de Alvin Lee con la voz y la guitarra, pues es capaz de unirlas y crear una única melodía. Cierra la cara A Hear Me Calling,uno de los mejores temas del disco, un blues donde los músicos vuelven a demostrar la compenetración que tienen. La cara B comienza con la trepidante A Sad song, la cual precede a la tradicional canción infantil Three Blind Mice, tema de apenas un minuto de duración y que cuenta con arreglos de Ric Lee. No Title, con sus más de ocho minutos de duración es otro de los grandes momentos del álbum, pues el tema va creciendo a base de improvisar y donde encontraremos secciones para la improvisación de los cuatro músicos. Faro, canción instrumental de poco más de un minuto de duración y que sirve para lucimiento del gran bajista que es Leo Lyons. cierra la el disco Speed Kills, el tema emula una locomotora en marcha y la banda se desenfrena con un ritmo salvaje, lo que convierte a este tema en el cierre perfecto y nos deja con ganas de más.

     Ten Years After es mucho más que aquel grupo que se hizo famoso por la interpretación de I'm Going Home en el Festival de Woodstoock 69, y su disco Stonedhenge es una buena forma de empezar a conocer su discografía. 

0557.- Dog Breath, In The Year Of The Plague - Frank Zappa

 

Dog Breath, In The Year Of The Plague

     Frank Zappa y sus Mothers of Invention publican en  abril de 1969 su quinto álbum de estudio, Uncle Meat, un disco desarrollado como parte del llamado No Commercial Potential, un poyecto que generó tres álbumes más que comparten una conexión conceptual: We're Only en It for the Money, Lumpy Gravy y Crusing with Ruben & the Jets. Zappa quería que el disco sirviera como disco de la banda sonora de una película de ciencia ficción que no se llegaría a completar. posteriormente Zappa lanzaría en 1987 una película que contiene imágenes de prueba del proyecto. En este doble álbum Zappa se mueve por infinidad de estilos, rock experimental, música orquestal, jazz, blues, rock y doo wop entre otos. Uncle Meat, un doble álbum que se convirtió en un éxito comercial desde su lanzamiento y ha sido muy aclamado por sus innovadoras técnicas de grabación y edición, incluidos los experimentos en la manipulación de la velocidad de la cinta y el doblaje, y su grabación.

Frank Zappa ya había mostrado su gran interés en el cine desde la escuela secundaria, y decidió desarrollar un vehículo para los Mothers of Invention, titulado Uncle Meat. La película combinaría elementos de ciencia ficción e historias de carretera inspiradas en las escapadas sexuales de la banda. Finalmente este álbum quedaría englobado dentro del proyecto que empezaría posteriormente, No Commercial Potential, donde todo el material de los discos del proyecto esta relacionado.

Para las sesiones de grabación Zappa utilizó la tecnología de grabación de 12 pistas así como una variedad de técnicas que hicieron realidad su genial y particular visión, incluida una gran cantidad de sobregrabaciones, tocando instrumentos no convencionales a través de efectos de estudio y acelerando o ralentizando dichas grabaciones para lograr un efecto artístico. Zappa quería desafiar la complacencia de los fanáticos de la música contemporánea, ya que sentía que su base de fans estaba acostumbrada a aceptar todo lo que se les daba, ya fuera política, social o musical. Quería sacar a los fans de la zona de confort y complacencia y que se empezaran a cuestionar las cosas.

Un claro ejemplo de todas las innovaciones técnicas de grabación es el tema Dog Breath, In The Year Of The Plague, canción que está concebida como una canción de rock and roll y que se repite posteriormente en el álbum como un instrumental de poco más de minuto y medio de duración, interpretado por teclados, percusión y guitarra acústica. La versión rock and roll presenta tres versos con el primer coro a cargo del cantante de ópera Nelcy Walker, y el segundo coro presenta las voces aceleradas. Acabado el tercer verso, la canción se convierte en una pieza de vanguardia, una pieza orquestal interpretada por percusión, teclados y varios instrumentos. La sección central de la canción tiene nada menos que cuarenta pistas integradas, y contiene rarezas como la trompetas que suenan, que en realidad son clarinetes tocados a través de un dispositivo eléctrico, o varios sonidos peculiares hechos con un órgano eléctrico Kalamazoo. Dog Breath, In The year Of The Plague es una clara muestra de la maestría, visión y destreza compositiva de Frank Zappa.

0554 Bird on the Wire - Leonard Cohen

0554 Bird on the Wire - Leonard Cohen

Bird on the Wire es una de las canciones emblemáticas del artista Leonard Cohen. que fue grabado el 26 de septiembre de 1968 en Nashville e incluido en su álbum de 1969 Songs from a Room.

Existe otra grabación de mayo de 1968 producida por David Crosby, titulada Like a Bird, se agregó al CD remasterizado de 2007. Judy Collins fue la primera en lanzar la canción en su álbum de 1968 Who Knows Where the Time Goes. Joe Cocker también hizo una versión de la canción en su segundo álbum de estudio al año siguiente a este.

En la década de 1960, Leonard Cohen vivía en la isla griega Hydra con su novia Marianne Ihlen, la mujer representada en la contraportada de Songs from a Room. Ella relató cómo lo ayudó a salir de una depresión entregándole su guitarra, después de lo cual comenzó a componer Bird on the Wire, inspirado en un pájaro posado en uno de los cables telefónicos recientemente instalados de Hydra, seguido de recuerdos de noches húmedas en la isla. Lo terminó en un motel de Hollywood.

Leonard Cohen ha descrito Bird on the Wire como una simple canción country, y la primera grabación, de Judy Collins, se hizo en un ambiente country. Más tarde realizó varios cambios menores, como las modificaciones presentes en Cohen Live. Se incluyen diferentes versiones en todos sus álbumes en vivo. En ocasiones también interpretó en concierto la versión francesa de Serge Lama, "Vivre tout seul".

En las notas de portada de un relanzamiento de 2007 de Songs From A Room, la canción se describió como "simultáneamente una oración y un himno, una especie de 'My Way' bohemio".

En las notas de la compilación de 1975 The Best of Leonard Cohen, Cohen escribió sobre la canción:

"Siempre comienzo mi concierto con esta canción. Parece que me devuelve a mis deberes. Se comenzó en Grecia y se terminó en un motel de Hollywood alrededor de 1969 junto con todo lo demás. Algunas líneas se cambiaron en Oregón. Parece que no puedo hacerlo perfecto. Kris Kristofferson me informó que le había robado parte de la melodía a otro escritor de Nashville. También dijo que pondrá las primeras dos líneas en su lápida, y me dolerá si no lo hace."

Se ha sugerido que la canción a la que se refería Kristofferson es "Turn Me On", escrita por el compositor de Nashville John D. Loudermilk, que fue grabada originalmente por Mark Dinning en 1961 y luego versionada por muchos otros artistas, incluida Nina Simone, y que comparte una melodía similar y algunos patrones líricos con la canción de Cohen.

Daniel 

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0553 - Darkness, Darkness - The Youngbloods

0553 - Darkness, Darkness - The Youngbloods

Vamos que una canción del año 1969 que fue escrita por Jesse Colin Young, cuyo título es Darkness, Darkness, que ha sido cubierto por muchos artistas, ya hablarnos de sus tantos covers.

La banda que interpreta esta canción es la banda The Youngbloods, quienes fueron los encargados de lanzar una primera versión en su álbum de 1969 Elefante Montaña. Lanzaron una versión de la canción como una sola dos veces: en 1969, que alcanzó el número 124 en la tabla de carteleras, y en 1970, que alcanzó el número 86 en la planta.

Otras de las versiones fue la de Robert Plant que lanzó una versión de la canción como single en 2002 que alcanzó el número 27 en la tabla de rock..Fue presentado en su álbum de 2002 Dreamland.

Pero como unas de las tantas canciones versionada de la historia Darkness, Darkness, lleva muchísimas versiones producida por diferentes artistas entre ellas la versión de Robert Plant, pero desde su lanzamiento en 1969, alrededor de 15 artistas ha hecho si propia versión, no alcanzará los primeros puestos pero queda claro que no será por oportunidad. 

Daniel 

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