0552.- In the Year 2525 (Exordium & Terminus) - Zager and Evans

 

In the Year 2525, Zager and Evans

     En 1969 el dúo de folk-rock y pop-rock Zager and Evans, formado por Denny Zager y Rick Evans, publica su primer álbum de estudio, 2525 (Exordium & Terminus). El dúo graba el material de su disco debut en los RCA Studios de Chicago y en unos estudios de Odessa, Texas, bajo la producción del propio dúo y de Ted daryll, y es publicado en julio de 1969 por el sello discográfico RCA Victor. Este disco llegó a alcanzar el puesto 30 en la lista estadounidense Billboard Top LPs.

Incluido en este disco se encuentra el que se convertiría en el único éxito en la carrera del dúo estadounidense, In the Year 2525 (Exordium & Terminus). Este tema, por su temática, fue un tanto raro para la época pues reflejaba la aprensión de los tiempos a la vez que se hacía eco de las maravillas de la tecnología. Comienza la canción con un verso introductorio que explica que si la humanidad ha sobrevivido hasta ese punto será testigo de los eventos posteriores en la canción. Los siguientes versos relatan la historia en intervalos de 1010 años desde el año 3535 hasta el año 6565. Según vamos avanzando por milenios la vida se va volviendo más sedentaria y automatizada, con pensamientos ya programados en píldoras para que las personas los consuman. Durante los siguientes tres milenios la canción se vuelve más apocalíptica, hasta llegar al año 9595, donde la en la Tierra se han agotado ya todos los recursos y se especula con la muerte de la humanidad. La canción termina después de 10.000 años con la extinción de los humanos y dejando la puerta abierta a que quizás esto no haya sucedido en un universo alternativo. La temática de un mundo condenado por su aquiescencia pasiva y dependencia excesiva de sus propias tecnologías exageradas tocó una fibra sensible en millones de personas en todo el mundo a finales de la década de los 60. En la grabación de la canción participó la Sinfónica de Odessa, Texas, y el tema fue grabado en un estudio en un pastizal de vacas de dicha localidad.

La canción alcanzó el puesto número 1 en las listas de éxitos de Estados Unidos y de Reino Unido, alcanzando también buenos resultados en las listas canadienses. Curiosamente esta canción fue número 1 en la lista estadounidense Billboard Hot 100 durante el alunizaje del Apolo XI.

0551 - Penelope - Joan Manuel Serrat

0551 - Penelope - Joan Manuel Serrat 

Vamos un clásico de Joan Manuel Serrat, que está inspirada en la mitología griega, en 1969 se presentó en el IV Festival Internacional da Canção Popular de Río de Janeiro, de ahi en más se convertiría en una de las favoritas del público de Serrat, en especial en la Argentina. 

Pero hace cincuenta o sesenta años era común que grandes hechos de la historia o mitología se convirtieran una camcio. 

Hace medio siglo se leía de otra manera, se pensaba de otra manera, se escribía de otra manera. Penelope es uno de los mejores ejemplos de cómo un tema universal que atraviesa de manera tangencial una obra cumbre de la literatura antigua se convierte en una canción popular. 

Cuenta una historia oculta detrás de los versos que aún hoy resuenan en nuestros oídos, por la voz Joan Manuel Serrat. En las palabras de Serrat, en la música de Augusto Alguero y en los arreglos de Ricard Miralles está el secreto.

Para quien no conozca la historia relatada por Homero en la Odisea, Penelope será, simplemente, una canción editada como single en 1969, en la cara B del disco aparecía Tiempo de lluvia a la que le debemos la llegada de Serrat a Sudamérica.

Sin dudas por peso propio Joan Manuel habría llegado de cualquier modo y con cualquier otra canción. Pero lo cierto es que el catalán desembarcó en Brasil aquel año. Participó con el tema Penélope en el IV Festival Internacional da Canção Popular de Río de Janeiro y siguió viaje por estas tierras. 

La canción ganó en las categorías de mejor letra, música e interpretación, lo que propició su llegada a otros países, como Chile, Uruguay y la Argentina.

Penélope habla de fidelidad y espera, en el contexto de aquellos años, con la música que se escribía y se escuchaba en aquellos años, eso de finales de la década del sesenta. Penélope era aquella mujer que se sentaba a esperar en el banco del andén de una estación de tren el regreso de su amado. O al menos eso es lo que “dicen en el pueblo”, esto es lo que expresa Joan Manuel Serrat pero palabras más, palabras menos esa fue la voz de Odiseo cuando se despidió de Penélope y se fue a pelear la Guerra de Troya.

Otro artista que interpreto este éxito de Joan Manuel Serrat fue Diego Torres la grabó en el tercero de sus discos, Luna nueva, de 1996 como último track, incluyó su versión de Penélope. Si bien no fue el primer corte de difusión, terminó imponiéndose como uno de los favoritos, especialmente desde el lanzamiento de su video, el poder de esta canción de Joan Manuel Serrat es imposible que no termine en éxito. 

Daniel 

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0549.- Poema de Amor - Joan Manuel Serrat

 

Poema de Amor, Joan Manuel Serrat

     En 1969, bajo el sello discográfico Zafiro/Novola, Joan Manuel Serrat publica su cuarto álbum de estudio, con la particularidad de que éste será su primer trabajo en castellano, pues los tres anteriores habían sido lanzados en catalán. El álbum, titulado La paloma, de género cantautor, contó con los arreglos y dirección musical de Ricard Miralles, excepto en tres temas del disco, El Titiritero, Poema de Amor y Mis Gaviotas, que contaron con arreglos de Juan Carlos Calderón. El disco alcanzó el puesto número uno en las listas de ventas españolas, ayudando a Serrat a consolidar su fama tanto dentro del país como en el extranjero. El disco fue grabado en los estudios Fonit-Cetra de Milán, Italia. El hecho de grabar su primer álbum en lengua castellana, le convirtió en un principio en blanco de las críticas por parte de algunos componentes del llamado movimiento "Els Setze Jutge", que le echaron en cara el abandono de la lengua catalana en la canción para abarcar un mercado de ventas más amplio.

El disco se compone de canciones que ya habían sido publicadas en los meses anteriores, y de temas inéditos. Incluido en este disco se encuentra Poema de Amor, tema que al igual que el resto, excepto La Paloma, cuenta con letra y música del cantautor catalán. Poema al Amor, al igual que su demás compañeros de viaje del álbum, es una canto al amor, a la poesía, a la esperanza o a la emoción. En este tema, y al igual que en todo este magnífico álbum, Joan Manuel Serrat, hace gala, con apenas 25 años, de extraordinario dominio literario y del lenguaje a la hora de escribir, impropio de alguien con su edad.

0545-. Who Do You Love? -- Quicksilver Messenger Service

 

Happy Trails, Quicksilver Messenger Service

     Entra en escena una de las bandas de San Francisco que alcanzó gran popularidad en e área de la Bahía de San Francisco, que ese momento estaba en auge, el grupo de rock psicodélico Quicksilver Messenger Service.

El 29 de marzo de 1969 el grupo de San Francisco publica su segundo álbum de estudio, Happy Trails. Este disco tiene la particularidad de ser grabado a partir de dos presentaciones en vivo en los míticos Filmore East y Filmore West en 1968. El material del disco fue arreglado y mezclado en los Golden State Recorders de San Francisco, y publicado por el sello discográfico Capitol Records. 

Incluido en el álbum se encuentra Who Do You Love Suite, una suite de seis partes de unos 25 minutos de duración que ocupa toda la cara A y que era básicamente un cover en directo del tema de Bo Diddley Who Do You Love?. El tema fue compuesto por el mismo Bo Diddley bajo su nombre real, Ellas McDaniel, y publicado por el mismo en 1956, convirtiéndose en uno de sus temas más populares y perdurables. Diddley utiliza un juego de palabras con la palabra Hoodoo, que era una religión similar al vudú y muy popular en el sur de Estados Unidos. Era habitual que los artistas de blues de la época utilizaran el término Hoodoo en sus canciones. El distintivo riff de guitarra usado por Diddley en este tema fue llamado "The Bo Diddley Beat". Diddley se inspiró para componer este tema en el éxito de Muddy Waters "I'm Your Hoochie Coochie Man", quería superar la arrogancia lírica de su compositor Willie Dixon, y la arrogancia interpretativa el propio Waters. 

Quicksilver Messenger Service empezó a realizar asiduamente en vivo este tema de Bo Diddley entre 1966 y 1967 con su primer cantante y armonicista, Jim Murray. La canción tenía  un arreglo de blues rock muy al estilo y ritmo de la original de Diddley. En 1967 intentaron grabarla para su primer álbum de estudio, pero la grabación quedó aparcada hasta que finalmente vió la luz en 1999 en el álbum Unreleased Quicksilver Messenger Service - Lost Gold and Silver. El tema, muy representativo de sus primeras actuaciones, tenía una duración de poco menos de seis minutos. Sería en 1968 cuando el grupo hizo con el tema un arreglo diferente, dividiendo su duración de unos 25 minutos en una suite de seis partes. En esta suite la melodía original de Bo Diddley desaparece casi por completo, y donde es más apreciable es Who Dou you Love Pt. 1 y Pt. 2, precisamente el inicio y el final de la suite de seis partes, la segunda sección, When You Love, tiene un sólo de guitarra interpretado por el gran John Cipollina y que está influenciado por el artista de jazz Gary Duncan, la tercera sección, Where You Love, contiene básicamente efectos de guitarra y la interacción de la audiencia, la cuarta sección, How You Love, regresa al tema de Diddley con la guitarra de Cipollina como protagonista, y la quinta sección, Which Do You Love, presenta unas magníficas líneas de bajo de David Freiberg.

0543.- The Thrill Is Gone - B B King

 

The Thrill Is Gone, B B King

     Completely Well, editado en 1969, es el decimoséptimo álbum de estudio que B B King. El disco fue grabado entre el 24 y el 25 de junio de 1969 en los estudios The Hill Factory de Nueva York, bajo la producción de Bill Szymczyk, y publicado el 5 de diciembre de 1969 bajo el sello discográfico Bluesway. En un principio el disco fue lanzado únicamente en formato Lp para el mercado estadounidense, siendo relanzado en 1987 en formato CD en Estados Unidos y en formato LP en Reino Unido.

Incluido en este disco fundamental dentro de género blues se encuentra la maravillosa The Thrill Is Gone, tema escrito por el bluesman estadounidense Roy Hawkins y por Rick Darnell en 1951, siendo grabada por primera vez por el propio Roy Hawkins en 1951, llegando a alcanzar el puesto número 6 en la lista estadounidense Billboard R&B de 1951. 

Por aquel entonces B B King trabajaba como DJ para una emisora de radio de Memphis, y uno de los temas que solía tocar en directo era The Thrill Is Gone. La versión grabada por B B era un blues lento de doce compases tocado en una tonalidad de si menor y en un tiempo de 4/4. El tema, donde el artista nos habla de una relación sentimental que no sale bien, fue grabado varias veces por el bluesman hasta que le convenció finalmente el resultado. 

La grabción de B B King supuso su primer gran éxito y uno de los mayores de su carrera, además de convertirse en una de sus canciones más emblemáticas, llegando a alcanzar el puesto número 3 en la lista Billboard Best Selling soul Singles y el puesto 15 en la lista Billboard Hot 100. El tema además le valió a B B King obtener un premio Grammy a la Mejor Interpretación Vocal masculina de R&B en 1970, y posteriormente un premio Grammy Hall of Fame en 1998. La revista Rolling Stone llegó a colocar la versión de King en el puesto 183 en su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

0541 - Pale Blue Eyes - The Velvet Underground

0541 - Pale Blue Eyes - The Velvet Underground

Pale Blue Eyes es una canción de la banda de rock alternativo. The Velvet Underground. 

Actualmente es una de sus canciones más populares, aunque nunca fue lanzada como un sencillo oficial para el álbum The Velvet Underground 

Dentro de los artistas que han versionado esta canción están 

Patti Smith interpretó la canción en vivo desde la década de 1960 hasta la década de 1970.

Edwyn Collins grabó la canción con Paul Quinn y la lanzó como sencillo en 1984.

REM. hizo una versión de la canción para la cara B del sencillo de "So. Central Rain", lanzado en 1984 y recopilado en su álbum Dead Letter Office de 1987 . 

Marisa Monte tiene una versión de la canción en su álbum de 1994 Verde, Anil, Amarelo, Cor de Rosa e Carvão (también conocido como Rose and Charcoal).

Hole hizo una versión de la canción en vivo en el Whiskey a Go Go en febrero de 1992, y la líder Courtney Love la presentó como "la nueva ola original".  La versión de Hole incluía versos alterados líricamente pero retuvo la letra del coro y la progresión de acordes.  La grabación finalmente terminó en el primer EP de la banda, Ask for It (1995).

Alejandro Escovedo incluye una versión en vivo de la canción, a dúo con Kelly Hogan, en su lanzamiento de 1999 Bourbonitis Blues.

Counting Crows hizo una versión de la canción varias veces en shows en vivo en 2003 y más tarde.

The Kills grabaron la canción en 2010 y la lanzaron como cara B a principios de 2012. 

Sin muchos los artistas que han hecho  un cover algunos de ellos muy famosos otros no tanto, pero marca lo importante que es esta canción en la historia del rock.

Pale Blue Eyes se escribió sobre alguien cuyos ojos eran color avellana, como señala Reed en su libro Between Thought and Expression. Se dice que la canción se inspiró en Shelley Albin, el primer amor de Reed, que en ese momento estaba casada con otro hombre.

Daniel 

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0535.- My Cherie Amour - Stevie Wonder

 

My Cherie Amour, Stevie Wonder

     El 29 de agosto de 1969 Stevie Wonder publica bajo el sello Tamla Records (Motown) el álbum My Cherie Amour, su undécimo trabajo de estudio. El material del disco es grabado en el estudio del sello Motown, conocido como Hitsville, de Detroit en 1969, excepto el tema que da título, My Cherie Amour, que había sido grabado entre 1967 y 1968. El álbum, que se mueve entre el pop-soul y el R&B, obtuvo bastante éxito, alcanzando el puesto número 12 en las listas de ventas del Reino Unido, y el número 34 en las listas de ventas de Estados Unidos.

Incluido en el álbum se encuentra el tema que da título al álbum, My Cherie Amour. Wonder escribió la canción en 1967 mientras estudiaba en la Escuela para Ciegos de Michigan, grabando una primera versión y guardándosela en su "Caja de Cintas", donde guardaba todas sus ideas para canciones. Escribió la canción para su por entonces novia Marcia y la titulo originalmente Oh My Marcia. El cantante acabaría cambiando el título de la canción por My Cherie Amour porque cuando se realizó la versión final ya no eran novios. Cuando Berry Gordy, fundador de Tamla - Motown Records, escuchó la canción pensó que la canción podía mejorarse y puso a trabajar sobre ella a los compositores del sello Henry Cosby y Silvia Moy, quienes figuran en los créditos de la canción junto a Wonder. A Silvia Moy se le ocurrió el título de la canción, una sutil combinación de inglés y francés que dió como resultado My Cherie Amour. 

0529.- Dazed and Confused - Led Zeppelin

 

Dazed and Confused, Led Zeppelin

     En 1969 la banda británica led Zeppelin debutaba con su primer álbum de estudio de título homónimo, Led Zeppelin. El disco es grabado por la banda entre septiembre y octubre de 1968 en los Olympic Studios de Londres bajo la producción del guitarrista de la banda Jimmy Page, y publicado por el sello discográfico Atlantic Records el 12 de enero de 1969 en Estados Unidos y el 31 de marzo de 1969 en Reino Unido. Este disco debut contiene una mezcla de material original elaborado en los primeros ensayos de la banda, además de remakes y arreglos de blues contemporáneo y canciones populares. Las sesiones de grabación fueron realizadas antes de que la banda consiguiera un contrato de grabación, y fueron pagadas por el guitarrista Jimmy Page y por el mánager de la banda Peter Grant. Curiosamente este álbum, cuyo éxito e influencia son ampliamente reconocidos, no obtuvo muy buenas críticas, llegando a alcanzar el puesto número 10 en las listas de ventas estadounidenses y consiguiendo la certificación de disco de oro en dicho país en julio de 1969.

Incluido en este disco debut encontramos el tema Dazed and Confused, basada en una canción acústica con el mismo título que Jimmy Page había visto interpretar al cantante de folk Jake Holmes. Cuando Page era miembro de The Yardbirds, tocaron compartiendo cartel  con Holmes en el Village Theatre de Nueva York. La versión de Holmes tata sobre una experiencia con las drogas, más concretamente sobre un viaje con ácido. The Yardbirds llegaron a tocar la canción en concierto pero nunca la grabaron una versión de estudio, llegando a interpretarla para una grabación de la BBC en marzo de 1968.  La versión de Led Zeppelin no fue acreditada a Jake Holmes porque Jimmy Page consideraba que había cambiado lo suficiente la melodía y agregado letras nuevas para así no tener ningún tipo de problema. Sin embargo, en 2010 Jake Holmes presentó una demanda sobre la citada canción, llegando a un acuerdo posterior con Jimmy Page, quien figuraba en los créditos. A partir del acuerdo, en los créditos de la canción figuraría: "Jimmy Page, inspirado por Jak Holmes".

0526.- Graveyard Train - Creedence Clearwater Revival

 

Graveyard Train, CCR

     Mientras la Creedence Clearwater Revival lleva un cargado calendario para promocionar su álbum debut, paralelamente trabaja en su siguiente proyecto. Este proyecto acabará llamándose Bayou Country, que supondrá un antes y un después en la carrera del grupo, ya que será el primero de los considerados grandes discos del grupo. El disco es grabado en los RCA Studios de Los Ángeles a finales de 1968 bajo la producción del propio John Fogerty, y publicado bajo el sello discográfico Fantasy Records el 5 de enero de 1969. El disco alcanzará el puesto número 7 en las listas de ventas de Estados Unidos, siendo el primero de una larga lista de éxitos que abarcarán dichas listas durante los siguientes tres años.

John Fogerty, Tom Fogerty, Doug Clifford y Stu Cook, los miembros de la banda, eran conscientes de que después de su primer álbum de estudio debían sacar otro buen disco para que la crítica y las ventas les acompañaran, ya que estaba en juego la  continuidad de la banda o la disolución de la misma y la vuelta a la vida normal para ganarse la vida trabajando como habían estado haciendo. Alentado por todo esto John Fogerty se puso a trabajar sin descanso y a componer lo que acabarían siendo clásicos no sólo de la banda, sino de la música rock. El resultado es la fusión de las influencias de John Fogerty, un disco que abarcará el rock, el blues y el rock sureño. El grupo, tratando de cuidar todos los detalles, se traslada a los famosos RCA Studios de Hollywood, donde los Rolling Stones habían grabado la memorable Satisfaction, y graban todos los temas en riguroso directo. Una vez grabado, John Fogerty perfeccionó todas las partes vocales y algunas partes instrumentales, añadiendo material también a éstas. El resultado no pudo ser mejor, nacía Bayou Country, el primero de los grandes discos y uno de los más influyentes de la Creedence Clearwater Revival

Incluido en este álbum se encuentra Graveyard Train, un tema donde la banda mezcla grandes dosis de experimentación e improvisación, con todo el protagonismo para los solos de guitarra y armónica y la voz de John mientras se repite la misma estructura rítmica de bajo y batería durante toda la canción. La canción tiene un estilo que nos recuerda a Howlin' Wolf, el cual era uno de los grande ídolos e influencias de la banda, y donde nos hablan del amor y la muerte, temáticas muy habituales y que solían combinarse mucho en el blues. Sobre esta canción John Fogerty relataba cómo la grabó : "Me senté para hacer esta canción cantando una partitura con notas escritas para mí. Las luces estaban apagadas y yo simplemente me senté allí, como si estuviera en mi habitación, como cuando era un niño pequeño. Ni siquiera podía ver a los otros chicos, sólo yo y el micrófono en la oscuridad. Tenía que estar evitando que mi guitarra entrara tocara y se acoplara con el micrófono vocal, y además tuve que agarrar una armónica y tocarla. Fue muy incómodo y difícil para mí.

0521.- Spinning Wheel - Blood, Sweat & Tears

 

Spinning Wheel

     Blood, Sweat & Tears es un banda de música de jazz rock fundada en Nueva York en 1967, y que se caracteriza por sus complejos arreglos fusionando rock, blues, pop y jazz. Con su peculiar sección rítmica clásica y su sección de instrumentos de viento, crearon también una peculiar forma de entender el R&B y el soul. En enero 1969, bajo la discográfica Columbia Records, publican Blood , Sweat & Tears, el segundo álbum de estudio de la banda. El disco es grabado en octubre de 1968 en los CBS Studios de Nueva York bajo la producción de James William Guercio. El disco alcanzó un gran éxito comercial, alcanzando tres sencillos del álbum el top 5 en las listas de Estados Unidos, y ganando un premio Grammy por el Álbum del Año en 1970.

Incluido en el álbum se encuentra la canción Spinning Wheel, escrita por el  vocalista principal del grupo, el canadiense David Clayton-Thomas. La canción fue lanzada como sencillo en mayo de 1969, y logró alcanzar el puesto número 2 en la lista estadounidense Billboard Hot 100, permaneciendo en esa posición durante tres semanas. También fue nominada a tres premios Grammy en 1970, en la categoría de Mejor Arreglo Instrumental, Grabación de Año y Canción del Año, ganando el premio en la categoría de Mejor Arreglo Instrumental. La canción tiene una curiosidad, termina con la melodía austriaca de 1815 O Du Lieber Austin, seguido de un comentario del baterista Bobby Colomby que dice: "Eso no fue demasiado bueno", para finalizar on las risas del resto del grupo. Según el productor de la canción, James William Guercio, esta sección final se agregó en el último instante después de que uno de los ingenieros de sonido lo grabara accidentalmente en el final de la cinta maestra. En cuanto a la temática de la canción, Spinning Wheel (La rueda giratoria) era una metáfora intrigante de los ciclos y las cosas por las que pasamos durante la vida. La canción estaba inspirada en una canción de Joni Mitchell llamada The Circle Game, donde la cantante hablaba sobre los ciclos estacionales. El cantante y compositor de la canción, David Clayton-Thomas, era canadiense al igual que Joni Mitchell y conocía muy bien la obra de la cantante y compositora. Tal fue el éxito de esta canción, que Blood, Sweat & Tears se convirtieron por entonces en un banda muy solicitada, formando parte del famoso Festival de Woodstock de 1969 y siendo los segundos mejor pagados del citado festival, sólo por detrás del gran Jimi Hendrix.

0520.- Stray Cat Blues - The Rolling Stones

 

Stray Cat Blues, The Rolling Stones

     Beggars Banquet supuso el séptimo álbum de estudio en el Reino unido y el noveno en Estados Unidos de la banda británica The Rolling Stones. El álbum fue grabado entre marzo y julio de 1968 entre los Olympic Studios de Londres y los Sunset Sound de Los Ángeles, y publicado el 6 de diciembre de 1968 por el sello discográfico Decca Records para el Reino Unido y por el sello London Records para Estados Unidos. Este álbum es considerado como el primero de los cuatro álbumes considerados como la cima de la obra de los Stones, y al que seguirían Let It Bled (1969), Sticky Fingers (1971) y Exile On Main St. (1972). Este disco cuenta con una base de rhythm & blues con la que la banda regresaba a un sonido más basado en sus raíces, abandonando sus experiencias con los sonidos psicodélicos de sus anteriores trabajos.

Incluido en este álbum se encuentra la canción Stray Cat Blues, escrita por Mick Jagger y Keith Richards, y producida por Jimmy Miller. La canción es muy representativa del estilo característico de la banda británica, y cuenta con Brian Jones tocando el mellotron, Keith Richards tocando todas las guitarras, Mick Jagger a las voces, Bill Wyman al bajo, Charlie Watts a la batería, y con la colaboración al piano de Nicky Hopkins y de Rocky Dijon tocando las congas. La canción se inspiró y uso el sonido de Heroin de The Velvet Underground, por lo que las introducciones de ambos temas son similares. En cuanto a la letra, la canción trata sobre sexo con menores y es contada desde la perspectiva de un hombre que desea tener relaciones sexuales con una groupie de 15 años de edad, argumentando que "it's no hanging matter, it's no capital crime" / "no es cuestión para colgarse, no es un crimen capital". En la gira del grupo por Estados Unidos de 1969 y posteriores Mick Jagger quiso llegar más allá y poner al limite la opinión pública al cantar la canción y redujo la edad de la joven a los 13 años de edad.

0517 - Sympathy for the Devil - The Rolling Stones

0517 - Sympathy for the Devil - The Rolling Stones 

Sympathy for the Devil es una canción de la banda de rock inglesa The Rolling Stones y la canción de apertura del álbum Beggars Banquet del año 1968. No es ni más ni menos producto de la asociación del dúo entre Mick Jagger y Keith Richards.

 Sympathy for the Devil se le atribuye a Jagger y Richards, aunque la canción fue en gran medida una creación de Mick Jagger.  El título provisional de la canción era "The Devil Is My Name", después de haber sido llamado anteriormente "Fallen Angels". Mick Jagger canta en primera persona como el Diablo, que se jacta de su papel en cada una de varias atrocidades históricas y pide repetidamente al oyente a "adivinar mi nombre."  El cantante entonces exige irónicamente cortesía del oyente hacia él, de manera implícita castigar a los oyentes de su culpabilidad colectiva en los homicidios y crímenes enumerados.  

En el 2012 documental Crossfire Hurricane, Mick Jagger declaró que su influencia para la canción vino de Baudelaire y del autor ruso novela de Mijaíl Bulgákov. El maestro y Margarita (que acababa de aparecer en la traducción Inglés en 1967).  El libro fue dado a Jagger por Marianne Faithfull y se confirmó la inspiración en una entrevista con Sylvie Simmons de la revista Mojo en 2005.

Otras de las interpretaciones de esta canción es la hecha por la banda Guns N' Roses que hizo un cover en 1994 que alcanzó el número 55 en el Billboard Hot 100; esta versión apareció en los créditos de cierre de la adaptación de la película de Neil Jordan, Interview with the Vampire y se incluyó en su álbum de grandes éxitos.  Este cover  es digno de mención por causar un incidente relacionado con el guitarrista entrante, Paul "Huge" Tobias, que fue parcialmente responsable de la guitarra de Slash apartarse de la banda en 1996. Slash ha descrito el Guns N' Roses versión de la canción como 'el sonido de la banda de romper'.

Daniel 

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0512.- Blackbird - The Beatles

Blackbird, The Beatles

 

     En muy pocos años John Lennon, Paul McCartney, Ringo Starr y George Harrison habían pasado por muchas cosas, habían tocado la cima con Revolver y Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, pero también habían sufrido los sinsabores de la crítica tras el fallido proyecto de Magical Mystery Tour. Según relata el ingeniero de sonido Geoff Emerick en sus memorias sobre el grupo, a su vuelta del viaje de la India, donde habían estado realizando meditación trascendental con el Masharishi Mahesh Yogi en Rishikesh, India, parecían personas diferentes, si antes eran modernos y exigentes, ahora iban desaliñados y descuidados, donde antes había ingenio y buen humor, ahora había irritación y enfado, si antes era divertido estar con ellos, ahora era un sufrimiento ya que siempre estaban enfadados.

Las sesiones de grabación fueron extremadamente difíciles, siempre estaban discutiendo y nunca se ponían de acuerdo, un álbum muy tenso en todos los sentidos. John, Paul, Ringo y George habían ido en busca de la paz interior, pero a su vuelta no se sabe si la encontraron. Un indicador fue cuando empezaron a llegar de su retiro en la India por separado, si antes hacían todo juntos, ahora no iba a ser el caso. A los problemas personales entre el grupo, entre los que también se encontraba la gran pérdida de Brian Eipstein, se le juntaron los problemas en los negocios. El grupo había decidido representarse a sí mismo y además habían creado una empresa llamada Apple Corps, para dar oportunidades a artistas desconocidos. En definitiva, los cuatro chicos de Liverpool, quizás acuciados por la presión, empezaron a llevarse los problemas al estudio. A todo esto hay que sumar que Ringo Starr abandona la banda brevemente en agosto de 1968, que Yoko Ono empieza a irrumpir y asistir a las sesiones de grabación del álbum, algo que molesta a Paul, George y Ringo, que George Martin decide bajarse del barco pidiendo un permiso vacacional, y que Geoff Emerick, el mago de la ingeniería de sonido, harto de tanta presión y ante la dificultad de trabajar en ese tumultuoso ambiente, el 16 de julio de 1968 renuncia y abandona el trabajo de grabación del álbum. Todo se desmoronaba. 

En ese ambiente fue creado The Beatles, también conocido como White Album (Álbum Blanco), publicado el 22 de noviembre de 1968 por la propia discográfica del grupo, Apple Records, y grabado entre el 30 de mayo y el 14 de octubre de 1968 en los EMI Studios y los Trident Studios de Londres. La mayoría de las canciones fueron escritas entre marzo y abril de 1968, durante el curso de meditación trascendental que el grupo había realizado en Rishikeshi, India. El álbum consiguió el puesto número uno tanto en las listas del Reino Unido como las de Estados Unidos, y si en un principio recibió críticas mixtas por parte de los críticos musicales, con el tiempo ha sido considerado como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. La revista Rolling Stone colocó en el años 2003 este álbum en el puesto número 10 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Irónico que en un clima de tanta tensión externa como interna del grupo, fueran capaces de sacarse una de sus mejores álbumes. The Beatles fue concebido como un doble álbum con 30 temas. Más adelante surgiría la duda en el grupo sobe si quizás hubiera sido mejor  haber sacado un LP normal en vez de doble. 

Incluido en el este álbum se encuentra la canción llamada Blackbird, escrita por McCartney mientras se encontraba en Escocia. Lo hizo como una reacción a las tensiones que se estaban intensificando en Estados Unidos en la  primavera de 1968. La canción es interpretada por Paul en solitario, acompañado únicamente de una guitarra acústica. También se puede oír de fondo un sonido que fue confundido en un principio con un metrónomo. En realidad es el sonido de los zapatos de Paul, que fueron capturados al poner Geoff Emerick un micrófono al lado de estos. El canto de los pájaros fue grabado con una de las primeras grabadoras portátiles de la discográfica EMI.

0506.- Voodoo Chile - Jimi Hendrix

 

Voodoo Chile, Jimi Hendrix 

El 25 de octubre de 1968 se publica el tercer y último álbum de The Jimi Hendrix Experience, titulado Electric Ladyland. Sería el último trabajo donde Jimi hendrix colaboraría con el bajista Noel Redding y el baterista Mitch Mitchell. Concebido como álbum doble, es grabado entre los Olympic Studios de Londres y los Record Plant de Nueva York entre julio y diciembre de 1967, enero de 1968, y abril y agosto de 1968, bajo la producción del mismo Jimi hendrix, y publicado el 25 de octubre de 1968 por el sello discográfico Reprise Records y para Europa por Polydor Records.

La grabación del álbum no estuvo exenta de problemas. Después de una complicada gira por Escandinavia e Inglaterra, Hendrix decidió regresar a Estados Unidos. Frustrado por las limitaciones de las grabciones comerciales, decidió crear un moderno estudio de grabación en Nueva York en el que no tuviera ninguna limitación a la hora de expandir su particular visión musical. La construcción de este estudio, llamado Electric Lady, tuvo numerosos problemas y no fue terminado hasta mediados de 1970, por lo que Hendrix acabó grabando gran parte de Electric Ladyland en The Record Plant estudios. Los disciplinados hábitos de trabajo de Hendrix se habían vuelto erráticos, a los que se sumaban unas sesiones interminables y que los estudios solían estar llenos de gente sin nada que hacer más que adular al genial guitarrista. Todo esto hace que Chas Chandler renuncie como mánager de Jimi Hendrix en mayo de 1968.

Incluido en este álbum se encuentra el mítico Voodoo Chile, considerada como una jam de estudio, escrita por Jimi Hendrix, y cuya duración, con casi 15 minutos, hace que sea la más larga grabada en estudio por el guitarrista. La canción está basada en el tema de blues Rollin' Stone de Muddy Waters, pero con letra y música originales. El tema se grabó en los Record Plant estudios de Nueva York, después de una jam sesión nocturna en la que participaron además de Hendrix, Mitch Mitchell a la batería, Steve Winwood al órgano y Jack Casady al bajo. 

Voodoo Chile puede parecer una simple jam improvisada, nada más lejos de la realidad, y sobre esto Jack Casady comentaba: "No era tan simple, había una estructura completa en la canción, por lo que era una canción extendida en la que podías improvisar. Tomamos instrucciones a través del lenguaje de la interpretación. Jimi pudo experimentar con su habilidad y con efectos para crear una atmósfera. Voodoo Chile tiene un sonido espeluznante que te coloca en un mundo diferente". Voodoo Chile se convirtió en la base de Voodoo Child (Slight Return), tema de unos 3 minutos de duración que fue grabado por el trío The Jimi Hendrix Experience, el cual también aparece en Electric Ladyland, y que a la postre se convertiría en una de las canciones más conocidas de Hendrix.

0504 - In the Heat of the Morning - David Bowie

0504 - In the Heat of the Morning - David Bowie 

In the Heat of the Morning es una canción escrita por el músico británico David Bowie, está canción fue grabada por primera vez en el año 1968, ​pero una de las versiones que se grabó en 2008, tuvo una gran popularidad en 2008, esta versión interpretada por la banda británica the Last Shadow Puppets.

La primera versión de estudio fue grabada en los estudios Decca, en la ciudad de Londres el 12 de marzo de 1968, junto con Tony Visconti como productor. Fue completada con los overdubs grabados el 29 de marzo y el 10 y 18 de abril.

Los estudios Decca ya había rechazado a When I Live My Dream como un lanzamiento de sencillo, y tampoco aceptaron a In the Heat of the Morning.

The Last Shadow Puppets grabó su versión en los estudios RAK en agosto de 2007. La versión de the Last Shadow Puppets fue publicada como lado B del lanzamiento de sencillo de The Age of the Understatement.

Esta canción fue versionada en otras ocasiones, una de esas versiones, es una versión más lenta de la canción grabada en el mes de julio de 2000 para el álbum Toy de David Bowie. 

Como así también una versión demo grabada en su casa a mediados de 1968 fue publicado en la caja recopilatoria de 2019, Spying Through a Keyhole, y más tarde en Conversation Piece.

Daniel 

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0501.- A Song For Jeffrey - Jethro Tull

 

A Song For Jeffrey, Jethro Tull

     This Was es el álbum de estudio debut de la banda británica liderada por Ian Anderson, Jethro Tull. El material de disco es grabado entre el 13 de junio y el 28 de julio de 1968 bajo la producción de Terry Ellis y el propio grupo, y publicado bajo el sello discográfico Island Records en Reino Unido el 4 de octubre de 1968, y por el sello discográfico Reprise Records en Estados Unidos el 3 de febrero de 1969.

Este disco cuesta grabarlo a la banda unas 1200 libras esterlinas, y es el único disco donde aparece el guitarrista Mick Abrahams, quien resultó ser una influencia para el sonido y el estilo de la banda. Ian Anderson comparte tareas de composición con el citado guitarrista, y se incorporan sonidos e influencias de rhythm and blues, jazz fusión y blues rock. El rock progresivo por el que la banda se hizo conocida aparecerá más adelante en trabajos posteriores. 

Incluido en este álbum debut se encuentra el tema A Song For jeffrey, compuesta por Ian Anderson y publicada como segundo sencillo del disco en Reino Unido el 13 de septiembre de 1968. El tema comienza con un riif de bajo de Glenn Cornick seguido de la flauta de Ian Anderson, luego el tema se convierte en una melodía de blues psicodélico, con el guitarrista Mick Abrahams tocando la guitarra slide. 

Ian Anderson dedicó esta canción a Jeffrey Hammond, a quien conoció en la escuela primaria en Blackpool, donde se hicieron buenos amigos. Jeffrey fue la inspiración para dos de las primeras canciones de Jetrho Tull además de A song For Jeffrey, también Jeffrey Goes to Leicester Square (álbum Stand Up - 1969) y For Michael Collins, Jeffrey and Me (álbum Benefit - 1970). Jeffrey Hammond se convertiría más tarde en el bajista del grupo, en sustitución de Glenn Cornick, entre 1970 y 1975. Curiosamente Jeffrey no sabía tocar el bajo y Anderson tuvo que enseñarle. 

Ian Anderson explicó la historia de la canción: "No tiene una letra inteligente, pero en realidad se trata de Jeffrey, un muchacho un poco descarriado que no estaba muy seguro de que hacer con su vida. Sabía que le enca6ntaba la pintura, pero a veces parecía sin dirección y bastante solo. Así que pensé, bueno, escribiré una canción con su nombre". En 1975 Jeffrey Hammond dejó la banda y decidió dedicarse a la pintura, y sobre A Song For Jeffrey afirmaba: "Siempre pensé que la canción estaba pensada como un regalo o un dedicatoria encantadores, más como algo que tuviera que ver conmigo líricamente".

0499.- Kentucky Woman - Deep Purple

 

Kentucky Woman, Deep Purple

     En diciembre de 1968, bajo el sello Tetragrammaton Records en estados Unidos,  en julio de 1969, bajo el sello Harvest/EMI en Reino Unido, y bajo el sello Polydor en Canadá y japón, el grupo publica su segundo álbum de estudio, The Book of Taliesyn. El disco es grabado en los De Lane Studios de Londres, entre los meses de agosto y octubre de 1968. El grupo no había asimilado ni asentado todavía su primer trabajo, cuando la compañía les presiona para sacar otro disco de estudio. El sonido, sin dejar el rock progresivo ni el psicodélico, se acercan en algunos temas a la música clásica y al hard rock, acercándose al mítico sonido que desarrollará más tarde la formación Mark II, que será la encargada de marcar su época dorada.

En este segundo álbum de estudio de la banda se incluyeron tres versiones, Kentucky Woman de Neil Diamond, Exposition/We Cant Work It Out, de los Beatles, y River Deep, Mountain High, popularizado por Ike & Tina Turner dos años atrás. El tema más exitoso del disco fue el single Kentucky Woman, tema en el que nos vamos a centrar. Esta canción fue escrita por Neil Diamond y grabada por él mismo en 1967. Deep Purple decidió incluir esta canción como parte de su política de darle su propio toque a canciones populares y exitosas, y a fé que lo consiguieron. Hay una parte de los entendidos en la materia que califican Kentucky Woman como la primera canción de heavy metal, un punto discutible, sobre todo si tenemos en cuenta que el propio grupo negó que esto fuera así. Neil Diamod escribió esta canción y la dio un toque country, nada que ver con el toque personal que Deep Puple le daría a la canción. Neil Diamond la escribió mientras se encontraba como parte de la gira organizada por la personalidad de radio y televisión y productor Dick Clark Caravan, y que recorría 32 ciudades de Estados Unidos. Según Diamond, el público que solían atraer en aquella gira era prácticamente chicas adolescentes de la escuela secundaria, por lo que generalmente los auditorios se llenaban de mujeres gritando noche tras noche. La canción fue escrita en la parte de atrás de una limusina cuando estaban llegando a a las afueras de la localidad de Paducah, Kentucky, de ahí el título. El sencillo de Kentucky Woman grabado por Deep Purple obtuvo el puesto número 38 en las listas de ventas de Estados Unidos. La popularidad de Deep Purple iba paulatinamente in crescendo en Estados Unidos y Canadá, pero curiosamente en casa, Reino Unido, siguen sin ser reconocidos y tanto The Book of Taliesyn como Kentucky Woman pasan de puntillas, casi inadvertidos.

0498 Feeling Alright? - Traffic

0498 Feeling Alright? - Traffic

Feelin' Alright?, también conocida como Feeling Alright, es una canción escrita por Dave Mason del grupo de rock inglés Traffic para su álbum homónimo de 1968, Traffic.

También fue lanzada como single, y no llegó a las listas de éxitos ni en el Reino Unido ni en EE.UU., pero sí alcanzó la posición #123 en el Billboard Hot 100. 

Joe Cocker interpretó la versión más popular de la canción que sí llegó a las listas de éxitos en EE.UU. Tanto la versión de Traffic como la de Cocker aparecen en la película de 2012 Flight. La canción también apareció en la película de 2000 Duets, cantada por Huey Lewis.

La versión de Joe Cocker la grabó para encabezar su álbum de su debut With a Little Help from My Friends en 1969. También modificó el hizo un cambio en el título original de la canción de llamarse "Feelin' Alright?" paso a ser  "Feeling Alright". Publicada como sencillo en 1969, alcanzó el número 69 en la lista de singles de EE.UU., y el número 49 en Canadá. 

En una reedición de 1972, alcanzó un puesto aún más alto, el número 33 en la misma lista, y el número 35 en Canadá. Se incluyó una versión en directo en su álbum doble Mad Dogs & Englishmen de 1970. Cocker interpretó un 'dúo' de esta canción con John Belushi imitando a Cocker en el tercer episodio de la segunda temporada de Saturday Night Live, que se emitió el 2 de octubre de 1976. Cocker también interpretó la canción con Huey Lewis en el programa Jimmy Kimmel Live!, que se emitió el 19 de julio de 2012.

0493.- Ball And Chain -Big Brother & The Holding Company

Ball and Chain

     En 1966 Janis Joplin decide entonces mudarse a San Francisco con Chet Helms. Chet era el productor de una banda llamada Big Brother & The Holding Company, y le invita a unirse a la banda, quedando esta conformada por Peter Albin (bajo), Sam Andrew (guitarra, voces), James Gurley (guitarra), David Getz (piano, batería) y la propia Janis (vocalista). Con la Big Brother Janis graba en diciembre de 1966 el primer álbum de la banda y empieza a actuar junto con otros grupos psicodélicos como Jefferson Airplane, The Grateful Dead y Quicksilver Messenger Service en los famosos locales Avalon Ballroom, Filmore East y Filmore West, y en festivales al aire libre como el Golden Gate Park ó en Hight-Ashbury. En junio de 1967 Janis y la Big Brother actúan en el famoso Fetival de Monterey, compartiendo cartel con artistas de la talla de Jimi Hendrix, The who y Jefferson Airplane entre otros. Sería allí, en aquel festival donde Janis deja a toda la audiencia asombrada con la versión que se marca del tema de Big Mama Thornton Ball And Chain. Producto del éxito de la banda en Monterey deciden publicar aquel primer álbum de la banda grabado en 1966, viendo éste la luz en septiembre de 1967. Han llamado la atención de mucha gente, y uno de ellos es Albert Grossman, productor por entonces de Bob Dylan quien los contrata, además la banda consigue un contrato con la discográfica Columbia Records.

En agosto de 1968 la banda estadounidense Big Brother and the Holding Company, con Janis Joplin como vocalista y miembro de la banda, publica Cheap Thrills. Este sería el último disco del grupo donde Janis participaría. El disco, bajo la producción de John Simon, es publicado por el sello discográfico Columbia Records, llegando a alcanzar un modesto puesto número 60 en las listas de ventas de Estados Unidos. Incluido en este disco se encuentra el referido Ball And Chain, con el que Janis había encandilado a la audiencia un par de años antes. El tema fue Compuesto por la gran cantante de blues y rhythm & blues Big Mama Thornton, una de las grandes influencias Janis. La cantante se encarga de elevar esta versión a cotas increíbles, no en vano se convirtió en uno de sus temas más emblemáticos. En cuanto a la temática de la canción, la imagen de la bola (ball) y la cadena (chain) suele estar asociada a los prisioneros, a los que se les solía poner una bola pesada atada a una cadena al tobillo para evitar que escaparan. Big Mama Thorton también relacionaba y hacía alusión en la canción a esta imagen con la de su pareja, la cual le estaba deprimiendo.

Zeppelin - Led Zeppelin II (Mes Led Zeppelin)

 

Led Zeppelin II, Led Zeppelin

     Led Zepppelin había lanzado a principios de 1969 su primer álbum de estudio, de título homónimo, Led Zeppelin, llegando a alcanzar el puesto número 10 en la lista de ventas estadounidense Billboard 200, y el puesto número 6 en el Reino Unido. El disco, con potentes ritmos pesados, grandes riffs de guitarra, con toques de blues,  psicodelia y folk, fue catalogado por parte de los expertos como un "punto de inflexión significativo en la evolución del hard rock y el heavy metal". Hay quien fue más allá y catalogó directamente el álbum como heavy metal, algo con lo que Robert Plant, Jimmy Page, John Paul Jones y John Bonham nuunca estuvieron de acuerdo, ¿Cómo podían catalogar el trabajo de una banda como heavy metal si un tercio de su música era acústica?. La primera respuesta del público británico a este álbum debut no fue muy efusiva, lo que provocó que la banda decidiese no publicar ningún sencillo en Inglaterra, deteriorando la promoción del disco y de sus trabajos posteriores.

Durante el resto de 1969 la banda se las arregló para terminar las giras europea y americana que tenían por delante y además grabar su segundo álbum de estudio, Led Zeppelin II, el disco que los consagrará definitivamente. Debido a las giras en las que estuvieron inmersos, el disco fue grabado en diversas localidades del Reino Unido y de Estados Unidos entre enero y agosto de 1969. El disco fue producido enteramente por Jimmy Page y fue publicado el 22 de octubre de 1969 por el sello discográfico Atlantic Records. Fue el primer álbum de la banda en utilizar las técnicas del ingeniero de sonido y productor Eddie Kramer que en este disco trabajó como ingeniero de sonido y mezclador.

En este segundo álbum se produce una notable mejoría en la producción, se mejoran y perfeccionan los temas acústicos, se siguen utilizando sonidos blues y folk, y el sonido de la guitarra suena mucho más grave, lo que convertirá a este disco en uno de los más pesados de la banda. El disco alcanza un más que notable éxito, alcanzando el puesto número 1 en las listas de ventas de Reino Unido y Estados Unidos, y consiguiendo desbancar de esa posición nada menos que al Abbey Road de The Beatles, el cual llevaba acomodado en esa posición nada menos que once semanas. 

Como hemos comentado anteriormente, el álbum fue concebido durante un periodo muy agitado de la banda, pues durante ese año realizaron cuatro giras por Europa y tres por el continente americano. Esto hizo que cada canción fuera grabada, mezclada y producida en un sitio diferente. Robert Plant afirmaba al respecto que esa etapa fue una locura: "Estábamos escrbiendo los temas en las habitaciones del hotel, y luego debíamos ir a Londres a grabar la parte rítmica, añadir la voz en Nueva York, grabar la armónica en Vancouver y luego, para finalizar la mezcla, volver a Nueva York". Las sesiones de grabación se repartieron entre los estudios Olympic y Morgan de Londres, Inglaterra, los estudios A&M, Quantum, Sunset y Mystic de Los Ángeles, California, los Ardent Studios en Memphis, Tennessee, los estudios A&R Juggy Sound, Groove y Mayfair de Nueva York y en un estudio de Vancouver. 

La carátula del álbum fue diseñada sobre la base de un póster hecho por David Juniper, quien fue llamado por la banda para que creara algo interesante. Su diseño se basó en una vieja fotografía de la Undécima División Jasta de la Fuerza Aérea Alemana durante la Primera Guerra Mundial, el Circo Aéreo conducido por Mamfred Von Richthofen, más conocido como el Barón Rojo. Luego la fotografía fue coloreada y las caras de los cuatro miembros de la banda fueron pintadas con aerógrafo, así como las de su mánager Peter Grant y el mánager de giras, Richard Cole. La mujer que aparece en la portada es Glynis Johnson (actriz que interpretó a la madre de lo niños Banks en Mary Poppins) en un obvio juego de palabras del nombre del ingeniero de sonido Glyn Johns. Parte de la portada del álbum incluye un dirigible en un fondo marrón, esto haría que el álbum también fuera llamado  Brown Bomber. 

Entramos en materia y el primer tema que nos encontramos es Whole Lotta Love, todo un pelotazo que nos pone patas arriba con ese demoledor riff inicial. Este tema contiene algunas de las letras más lascivas de un Robert Plant que así hace saber a una chica que está preparado para darle todo su amor. El tema aparece acreditado a los cuatro componentes del grupo y a Willie Dixon. Partes de la letra fueron tomadas directamente del tema You Need Love, compuesto por Dixon y grabado por Muddy Waters, lo que llevó al grupo a ser demandado por plagio. todo se resolvería en un acuerdo extrajudicial. El arreglo también tiene semejanza con la canción de Small faces, You Need Loving. La pistas básicas fueron grabadas en la casa de Jimmy Page y la sección central de la canción contenía una variedad de instrumentos y voces sobregrabados que Page y Kramer mezclaron en vivo. Esta fue la última canción que el grupo interpretó en vivo con el baterista Bonham, el 7 de julio de 1980. La canción ha sido elogiada por la crítica y definida como una de las canciones heavy metal definitivas, aunque el grupo nunca consideró que este  tema encajára en este estilo específico. What Is and What Should Never Be es el tema que sigue a continuación después del trallazo de apertura, escrito por Plant. Es una canción muy dinámica que alterna versos silenciosos con un coro muy explosivo mientras Plant canta sobre llevar a una hermosa doncella al castillo. En cuanto a la producción se hace un uso liberal del estéreo mientras las guitarras van y vienen entre canales, y las voces se escalonaron durante la parte de los gritos de Robert Plant. The Lemong song, este tema nació y fue un arreglo de la canción Killing Floor de Chester Arthur Burnett, más conocido como Howlin' Wolf. The Lemong Song era tan similar a Killing Floor que finalmente se le acreditó a Howlin' Wolf también como compositor en el tema. Se incluyeron nuevas letras, incluida la frase "squeeze my lemon", que el grupo  tomó prstada de la canción Traveling Riverside Blues de Robert johnson. Thank You es el tema que cierra la cara A. Aceditado a Page y Plant, fue escrita por Plant como una declaración de amor a su esposa Maureen. Page tocó la guitarra de doce cuerdas y Jon Paul Jones el órgano Hammond en esta canción. Dos curiosidades: esta canción fue la primera donde Plant escribía toda la letra, y Plant realiza un sólo con la guitarra acústica, cosa que rara  vez hacía. 

Abre la cara B Heartbreaker, tema acreditado a toda la banda pero que fue escrito principalemente por Page para demostrar sus habilidades a la guitarra. Led Zeppelin a veces abría sus conciertos con este tema, y durante éstos, Jimmy Page solía estirar los sólos de guitarra e inorporaba frgamentos de otras canciones, como Greensleves, The 59th Street Bridge Song (Feelin' Groovy) y Bouree In C minor de Bach. Linving Loving Maid (She's Just a Woman) fue escrita sobre una groupie que la banda se encontró durante una gira por Estados Unidos. Al grupo no le gustaba mucho este tema, especialmente a Jimmy Page, que la odiaba y consideraba que este tema no estaba a la altura del resto del álbum. Como consecuencia este tema no fue ocado nunca en directo. Habría que esperar a 1990 para que Plant la interpretara en solitario dentro de su gira de quel año. El tema anterior, Heartbreaker, y éste solían ser reproducidos juntos por las estaciones de radio. Ramble On, acreditada a Page y Plant, las letras fueron escritas por este último, quien se inspiró en la obra de J. R. R. Tolkien, autor de El Señor de los Anillos. Las referencias son al personaje de este libro Frodo Bolsom, cuando va a las profundidades más oscuras de Mordor y se encuentra con Gollum. Robert Plant admitiría más tarde que en cierto modo se entia un poco avrgonzado por las referencias a Tolkien en este tema, ya que no tenía mucho sentido encontrarse una bella doncella en Mordor y Gollum no querría tener nada que ver con ella, pues su única preocupación era el precioso anillo. Moby Dick fue compuesto para lucimiento y escaparate de las grandes habilidades de John Bonham a la batería. Originalmente el tema se llamó Pat's Delight en honor a la esposa de Bonham. El tema presentaba una gran variedad de tambores e instrumentos de percusión que se tocaban con baquetas y con las manos a pelo. Fue compuesto para incluir también percusión adicional y batería electrónica. Era un tema que la banda solía tocar en directo y el sólo de batería de Bonham podía extenderse hasta los 20 minutos. Bring It On Home es el tema que tiene el honor de cerrar este disco. Este tema es una versión del tema del mismo nombre escrito por Willie Dixon y grabado por primera vez por Sonny Boy Williamson II en 1963, aunque no fue publicado hasta 1966. El grupo incluyó un sección central mucho más rápida que la estructura original. Como hemos comentado anteriormente, la banda grabó Led Zeppelin II entre gira y gira, y para ello se llevaron las cintas maestras del disco, por lo que se detenían cuando podían a grabar. Por eso la parte de la armónica de este tema fue grabdo en otro sitio, concretamente en Vancouver.