jueves, 14 de marzo de 2024

1169.- Señora azul - Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán

Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán o CRAG fue un grupo de música de los años 70 de la vertiente del pop, rock, el grupo nació en 1974 con la disolución del grupo Solera, donde se encontraba Rodrigo García y José María Guzmán, Juan Robles Cánovas había estado tocando la batería con Franklin y Adolfo Rodríguez había sido cantante de Los Íberos. Con un nombre así es difícil ocultar las influencias de Crosby, Stills, Nash & Young, al igual que ellos tenían categoría y cualidades como músicos y como cantantes, y al igual que ellos, sus personalidades chocaron provocando la disolución del supergrupo a la española. Sus primeros singles ('Sólo pienso en ti', 'Señora azul') fueron destacables y prometedores, así lo reconoció la crítica, aunque no el público. Y lo mismo sucedió con sus elepés: 'Señora azul' (1974) y 'Queridos Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán'. Sus canciones eran más elaboradas e intimistas de lo habitual en la época, y seguramente la promoción no fue la adecuada y su actitud con el público demasiado estelar.

"Señora Azul" es una pieza emblemática que forma parte del álbum homónimo lanzado en 1974, compuesto por Juan Carlos Calderón y arreglado por el propio grupo, destaca por su poesía lírica y su melodía cautivadora y presenta una narrativa enigmática que evoca imágenes sugerentes y emotivas. La letra describe a una figura femenina misteriosa, la "señora azul", que encarna la nostalgia y la melancolía, a través de metáforas poéticas y una prosa cuidadosamente elaborada, la canción invita al oyente a sumergirse en un mundo de sueños y deseos insatisfechos. La ambigüedad del texto permite interpretaciones diversas, desde la representación de un amor perdido hasta la personificación de un estado de ánimo introspectivo. José María Guzmán comentó lo siguiente en una entrevista:

“En 1974 dijeron que si era un tema contra la censura. Pues no, la letra habla de los críticos musicales, esas personas que ven los toros desde la barrera y que hacen todo lo posible por joderte la vida. Esos con un ego sin medida”. Y periodistas mal informados llegaron a decir que “apuntaba a un falangista, pero cuya bilis parece que se derramaba sobre algún ejecutivo discográfico”.

Musicalmente se distingue por su elegante armonía y su refinada instrumentación, la melodía con sus acordes suaves y su ritmo envolvente, crea una atmósfera de serenidad y contemplación, los arreglos vocales de CRAG añaden una capa de profundidad emocional a la interpretación. En el contexto de la música española de los años 70, "Señora Azul" representa una síntesis única de influencias internacionales y tradiciones locales. CRAG, junto con otros grupos de la época, contribuyó a la revitalización del pop español, incorporando elementos de rock, folk y música clásica en su obra. Este tema ha dejado una marca perdurable en la historia de la música española, siendo reconocida como una de las canciones más emblemáticas del repertorio nacional, su influencia se ha extendido más allá de España, llegando a audiencias internacionales y la canción ha sido versionada por Alejo Stivel.


miércoles, 13 de marzo de 2024

1168 - Invisible - Jugo de Lucuma


1169 - Invisible - Jugo de Lucuma

Invisible, la icónica banda argentina de rock progresivo, liderada por el genial Luis Alberto Spinetta, ha dejado una huella imborrable en la historia de la música latinoamericana. Su segundo álbum homónimo, lanzado en 1974, es una obra maestra que encapsula la audacia y la innovación que caracterizan a Invisible, y su pista destacada, "Jugo de Lucuma", es una joya sonora que sigue resonando con fuerza en la actualidad.

"Jugo de Lucuma" se inicia con una introducción enigmática, donde la guitarra de Spinetta establece una atmósfera melancólica que sirve como puerta de entrada a un viaje musical único. La habilidad del líder para fusionar distintos estilos, desde el rock progresivo hasta la música folklórica argentina, se evidencia en cada acorde y cada cambio de ritmo. La complejidad instrumental, acompañada por la voz distintiva de Spinetta, crea un paisaje sonoro rico y dinámico.

La canción se desarrolla como una narrativa surrealista, donde las letras poéticas desafían las convenciones y permiten diversas interpretaciones. La metáfora de "Jugo de Lucuma" se convierte en un hilo conductor que atraviesa la composición, añadiendo capas de significado a la experiencia auditiva. La lucuma, una fruta tropical, se convierte en un símbolo cargado de misterio y sensorialidad, dejando a los oyentes inmersos en un universo lírico intrigante.

La progresión dinámica de la canción es uno de sus elementos más notables. Desde momentos reflexivos y etéreos hasta explosiones de energía frenética, "Jugo de Lucuma" mantiene a los oyentes cautivados en un viaje emocional. Los solos de guitarra eclécticos y los cambios de tempo inesperados revelan la maestría técnica de los músicos de Invisible, elevando la pieza a un nivel de virtuosismo musical.

La influencia de Invisible va más allá de la composición convencional, desafiando los límites del rock progresivo. La fusión de elementos de jazz y folclore argentino dentro de la estructura de la canción demuestra la versatilidad y la originalidad del grupo. "Jugo de Lucuma" se convierte así en un testimonio perdurable de la creatividad vanguardista que define la obra de Invisible.

"Jugo de Lucuma" es una obra maestra que encapsula la esencia innovadora de Invisible. La combinación de letras poéticas, paisajes sonoros cambiantes y la maestría musical de la banda establece esta canción como un hito en la evolución del rock progresivo latinoamericano. La obra de Invisible, y especialmente "Jugo de Lucuma", sigue siendo una fuente de inspiración y admiración para los amantes de la música que buscan experiencias sonoras que desafíen y enriquezcan sus sentidos.

Daniel 
Instagram storyboy 

Red Hot Chili Peppers - One Hot Minute (Mes Red Hot Chili Peppers)

La banda del mes: Red Hot Chili Peppers y su álbum One Hot Minute #mesRedHotChiliPeppers

"One Hot Minute" es el sexto álbum de estudio de la icónica banda de rock alternativo Red Hot Chili Peppers, lanzado en 1995. Este álbum marcó un momento significativo en la carrera de la banda, ya que presentó al guitarrista Dave Navarro, quien se unió temporalmente al grupo durante ese período. La producción estuvo a cargo del renombrado productor musical Rick Rubin, conocido por su colaboración a lo largo del tiempo con los Chili Peppers.

Antes de profundizar en el álbum en sí, es esencial contextualizar el momento en que se lanzó "One Hot Minute". La banda venía de un gran éxito con su álbum anterior, "Blood Sugar Sex Magik" (1991), que consolidó su estatus en la escena musical. Sin embargo, a pesar del éxito, la banda experimentó cambios internos. El guitarrista John Frusciante dejó la banda debido a tensiones internas y problemas personales, lo que llevó a la llegada de Dave Navarro como su reemplazo.

"One Hot Minute" lleva la firma musical distintiva de Red Hot Chili Peppers, fusionando elementos de rock, funk y punk con letras que a menudo exploran temas como el amor, la lucha y la adicción. Este álbum, sin embargo, muestra una evolución en el sonido de la banda debido a la influencia de Navarro. La guitarra de Navarro aporta una dimensión adicional, introduciendo un tono más oscuro y experimental a la mezcla, lo que se refleja en canciones como "Warped" y "My Friends".

"Warped" Esta canción sirve como la pista de apertura del álbum y establece inmediatamente un tono enérgico y experimental. La guitarra de Navarro destaca aquí, mostrando una nueva dirección musical para la banda.

"My Friends"Una de las pistas más conocidas del álbum, "My Friends" presenta una melodía más melancólica y reflexiva. La letra, escrita por el vocalista Anthony Kiedis, aborda temas de pérdida y amistad.

"Aeroplane" Esta canción es conocida por su ritmo animado y su estribillo pegajoso. Explora la idea de mantenerse en movimiento y enfrentar los desafíos de la vida con una actitud positiva.

La recepción crítica de "One Hot Minute" fue mixta. Algunos elogiaron la experimentación y la evolución en el sonido de la banda, mientras que otros extrañaron la presencia distintiva de Frusciante. La naturaleza ecléctica del álbum lo hizo un tanto polarizador entre los fanáticos y los críticos. 

A pesar de las opiniones divididas en el momento de su lanzamiento, "One Hot Minute" ha ganado con el tiempo un estatus de culto entre los seguidores de Red Hot Chili Peppers. Las canciones del álbum todavía se interpretan en vivo en conciertos de la banda, y muchas han perdurado en la memoria de los fanáticos como parte integral de la discografía de los Chili Peppers.

"One Hot Minute" representa un capítulo único en la rica historia de Red Hot Chili Peppers. La llegada de Dave Navarro aportó una nueva dinámica al sonido de la banda, explorando territorios musicales menos convencionales. Aunque puede no haber alcanzado el mismo nivel de éxito comercial que algunos de sus álbumes anteriores, "One Hot Minute" sigue siendo una pieza fascinante en la evolución artística de los Red Hot Chili Peppers.

Daniel 
Instagram storyboy 

martes, 12 de marzo de 2024

1167.- Don't Eat the Yellow Snow - Frank Zappa

 

Don't Eat the Yellow Snow, Frank Zappa


     Apostrophe es el sexto álbum en solitario y el decimoctavo en total del polifacético músico Frank Zappa. El material del disco fue grabado entre 1969 y 1974 entre los Electric Lady Studios de Nueva York, Bolic Sound de Inglewood, California y los Paramount Recording Studios de Hollywood, California. Fue producido por el mismo Frank Zappa y publicado el 22 de marzo de 1974 por el sello discográfico DiscReet Records. Apostrophe fue grabado tanto en formato estéreo como cuadrafónico. Este trabajo llegó a alcanzar el puesto número 10 en la lista estadounidense Billboard 200, convirtiéndose en el mayor éxito comercial de la carrera de Zappa. Como pasó en muchos álbumes de Zappa, Apostrophe fue una mezcla de grabciones recientes con otras de archivo; La cara A de Apostrophe y el álbum Over-Nite Sensation se grabaron simultáneamente. Las canciones de la cara B proceden de varias versiones de 1972 con sobregrabaciones grabadas en 1973 y 1974, excepto Excentrifugal Forz, donde la pista de batería provino originalmente de las sesions de Hot Rats (1969), y Stinkfoot, donde la pista original de donde surgió, The Bass & Drum Song, data de las sesiones de Chunga's Revenge (1970).

Incluido en este disco se encuentra la canción que abre el mismo, Don't Eat the Yellow Snow, que llegó a ocupar el puesto 86 en las lista estadounidense Billboard Top 100. En esta canción Zappa nos relata una historia sobre el sueño de ser un bebe esquimal. Esta canción es el comienzo de una historia que continúa con las canciones que siguen, Nanook Rubs It y St. Alphonzo's Pancake Breakfast. Las tres canciones se combinan para contarnos la historia completa del anhelo de Zappa. Zappa se llama a sí mismo Nanook, nombre que proviene de una leyenda del pueblo Inuit. La leyenda es todo un homenaje a la supervivencia humana y en concreto al pueblo Inuit, reflejado en el personaje de Nanook, un simple esquimal que luchaba por sobrevivir y ganarse la vida. Zappa menciona en la historia haber tomado represalias contra un cazador de pieles en venganza por el abuso que éste había hecho contra una cría de foca. Las crías de foca fueron la causa de movimientos de celebridades a mediados de la década de 1970, junto con la difícil situación de las ballenas y la matanza de animales en general por su cotizada piel, lo que convierte esta la canción en otra brillante sátira social de Zappa.

lunes, 11 de marzo de 2024

1166 - ABBA - Waterloo

1167 - ABBA - Waterloo

"Waterloo" de ABBA es un clásico atemporal que marcó un punto de inflexión crucial en la carrera del grupo sueco. Lanzada en 1974, la canción se convirtió en la ganadora del Festival de la Canción de Eurovisión, catapultando a ABBA a la fama internacional.

La composición de "Waterloo" refleja la brillantez musical de Benny Andersson y Björn Ulvaeus, los genios detrás de las pegajosas melodías de ABBA. Con una introducción de piano distintiva y acordes vibrantes, la canción cautiva desde los primeros segundos. La elección de mezclar elementos de pop, rock y música disco demostró ser revolucionaria en esa época, contribuyendo a la singularidad y la apelación duradera de la pista.

La letra de "Waterloo" narra la historia de una rendición total al amor, utilizando la famosa batalla de Waterloo como metáfora. Las referencias históricas fusionadas con el romanticismo añaden profundidad a la canción, creando una experiencia lírica única. La voz inconfundible de Agnetha Fältskog y Anni-Frid Lyngstad, combinada con la armonía vocal característica de ABBA, eleva aún más la calidad de la interpretación.

El aspecto eurovisivo de "Waterloo" no puede pasarse por alto. La canción fue elegida para representar a Suecia en el Festival de Eurovisión de 1974, donde obtuvo una victoria abrumadora. Este triunfo no solo consolidó la reputación de ABBA en la escena musical europea, sino que también allanó el camino para su éxito mundial posterior.

El impacto de "Waterloo" en la cultura popular es innegable. Su estribillo pegajoso y su energía contagiosa la convirtieron en un himno que trasciende generaciones. Además, la victoria en Eurovisión consolidó la posición de ABBA como un fenómeno global, abriendo puertas a una carrera que abarcaría décadas.

El legado de "Waterloo" se mantiene vivo no solo en la música, sino también en el cine y la televisión. La canción ha sido utilizada en innumerables películas, programas y comerciales, demostrando su capacidad para evocar emociones y crear atmósferas memorables.

La producción innovadora de "Waterloo" también merece reconocimiento. La mezcla de instrumentos, la estructura de la canción y la producción en general destacan la habilidad de ABBA para crear algo fresco y distintivo en un panorama musical saturado.

En resumen, "Waterloo" de ABBA no es simplemente una canción de Eurovisión; es un fenómeno cultural que encapsula la magia de la música pop. Su combinación única de elementos musicales, letras ingeniosas y un rendimiento estelar en Eurovisión han dejado una huella imborrable en la historia de la música, asegurando su lugar como un clásico eterno.

Daniel 
Instagram storyboy 

domingo, 10 de marzo de 2024

1165 - Chicago - (I've Been) Searchin' So Long

1165 - Chicago - (I've Been) Searchin' So Long

La banda Chicago ha dejado una huella imborrable en la historia de la música, fusionando con maestría el jazz y el rock en una amalgama única. Desde sus inicios en la década de 1960, Chicago ha demostrado una versatilidad excepcional, explorando diferentes estilos musicales mientras mantenía una identidad distintiva.

(I've Been) Searchin' So Long es una joya que ilustra a la perfección la riqueza musical de Chicago. Lanzada en 1974 como parte del álbum "Chicago VII", la canción se destaca por su complejidad instrumental y la cautivadora voz de Robert Lamm, líder de la banda.

La introducción de la canción nos sumerge de inmediato en una atmósfera melódica, donde las líneas de trompeta y saxofón se entrelazan con la suavidad de las cuerdas. La habilidad de Chicago para combinar elementos de jazz, pop y rock es evidente desde los primeros compases de esta composición. El saxofón de Walt Parazaider y la trompeta de Lee Loughnane aportan capas sonoras que enriquecen la experiencia auditiva.

La voz apasionada de Lamm entra en juego, llevando consigo la narrativa emotiva de la canción. La lírica habla de la búsqueda constante de amor y significado, tocando temas universales que resuenan con la audiencia. La estructura de la canción, con sus cambios dinámicos, refleja la complejidad de las emociones humanas, creando un viaje musical que va más allá de la superficie.

El momento culminante de (I've Been) Searchin' So Long se encuentra en el brillante solo de guitarra de Terry Kath. Su destreza técnica y la intensidad emocional que transmite elevan la canción a nuevas alturas. Kath demuestra por qué es considerado uno de los guitarristas más subestimados de su generación, aportando una energía que resuena a lo largo de la pista.

La sección de viento, característica distintiva de Chicago, juega un papel fundamental en la creación de la rica paleta sonora de la canción. La interacción entre los instrumentos de viento y la sección rítmica establece un equilibrio perfecto, creando un sonido que es al mismo tiempo expansivo y cohesionado.

(I've Been) Searchin' So Long es un testimonio de la capacidad de Chicago para fusionar géneros de manera innovadora, sin perder la accesibilidad melódica. La producción impecable y la habilidad técnica de cada miembro de la banda se manifiestan en esta pista, que sigue siendo un hito en su extenso catálogo.

En conclusión, la canción y la banda encapsulan la esencia del jazz-rock fusion, mostrando una maestría musical que trasciende las etiquetas. Chicago ha dejado una marca indeleble en la industria musical, y (I've Been) Searchin' So Long es un ejemplo perdurable de su genialidad creativa.

Daniel 
Instagram storyboy 

Red Hot Chili Peppers - Mother's Milk (Mes Red Hot Chili Peppers)

 

Mother's Milk, Red Hot Chili Peppers


     Tendrían que esperar Red Hot Chili Peppers hasta su cuarto álbum de estudio para recibir la atención de la crítica y del público. Sería con Mother's Milk, con el que llegarían a alcanzar el puesto número 52 en la lista estadounidense Billboard 200, siendo además su primer disco en alcanzar el Disco de Oro. Fue grabado entre noviembre de 1988 y marzo de 1989 en los Ocean Way and Image Studios de Hollywood bajo la producción Michael Beinhorm, y publicado el 16 de agosto de 1989 por el sello discográfico EMI Records.

Después de la muerte del guitarrista fundador Hillel Slovak y la posterior salida del baterista Jack Irons, el vocalista Anthony Kiedis y el bajista Flea se hicieron con los servicios del guitarrista John Frusciante y el baterista Chad Smith. La influencia de Frusciante en el grupo será fundamental a partir de aquí, pues además de tocar la guitarra compone, y en este álbum el sonido de la banda empieza a sufrir variaciones, poniendo más énfasis en la melodía que en el ritmo, el cual había predominado hasta entonces. La llegada del productor Michael Bienhorm favoreció un sonido con riffs de guitarra orientados hacia el heavy metal y las sobregrabaciones, hecho que produjo contínuas confrontaciones entre el productor y el grupo, espcialmente John Frusciante, quien consideraba excesivo el gusto de Bienhorm por las capas y las sobregrabaciones. 



Hasta la grabación de este disco, el grupo tuvo que recorrer un tortuoso camino. Slovak había muerto por sobredosis de heroína y el resto de la banda se encontraba en shock. A raíz de este hecho, el baterista Jack Irons, desolado e incapaz de afrontarlo, decide renunciar. Kiedis y Flea se encontraban devastados también, pero deciden continuar a pesar de la pérdida de Slovak y de la renuncia de Irons. En septiembre de 1988 eligen al guitarritsa DeWayne "Blackbyrd" McNight, amigo de George Clinton y ex miembro del grupo Parliament, para sustituir a Slovak, y para sustituir a Irons se decantan por el baterista DH Peligro, ex miembro del grupo de punk rock Dead Kennedys. Esta nueva formación no cuaja, ya que después de tres conciertos deciden despedir a McNight ya que no encaja en la banda. McNigiht no se lo tomó muy bien, pues amenazó con quemar la casa de Kiedis. En octubre de 1988 Kiedis y Flea deciden apostar por un joven adolescente llamado John Frusciante, quien ya había coincidido anteriormente con Flea. Flea lo había dirigido en una audiión para la banda Thelonius Monster. Frusciante era un gran fan de Red Hot Chili Peppers y era  muy disciplinado, pero hasta entonces no había tocado nada de funk. Será Flea quien le enseñe todo lo que necesite saber sobre el género a parte de estudiar la forma de tocar de Slovak.

Con Frusciante ya en la banda el grupo se embarca en una pequeña gira y empieza a trabajar en el siguiente album. Sin embargo deciden prescindir de Peligro, quien hasta el momento ha ayudado a coescribir Stone Cold Bush, Taste the Pain y Sexy Mexican Maid para el nuevo disco. Kiedis y Flea consideraban a Peligro un buen amigo, pero sus numerosos problemas, entre los que se encuentran las drogas, pesaron en la decisión. El grupo se decanta para el puesto de baterista por el último músico que audicionan, un alto baterista llamado Chad Smith que proviene de un mundo diferente a sus tres compañeros de grupo. Mientras que Kiedis, Flea y Frusciante están más interesados en la escena punk-rock, a Smith le gusta más el rock clásico y el heavy metal. Smith es contratado en diciembre de 1988. 

Las sesiones de grabación no estuvieron exentas de problemas y estrés, pues existieron constantes conflictos durante las sesiones de grabación de Mother's Milk, gracias, en gran medida, al incesante deseo del productor Beinhorn de crear un éxito. Frusciante chocaba constantemente con el productor por los efectos de guitarra. En cuanto al estilo musical, la llegada de Frusciante va a hacer que este se desarrolle y evolucione. A parte de su estilo con la guitarra, las aportaciones de Frusciante en la composición van a convertir al guitarrista en una figura fundamental en el seno de la banda. El guitarrista alteró el sonido de la banda introduciendo melodías, armonías y estructuras más complejas que en sus discos anteriores, los cuales presentaban composiciones más simples basadas en ritmos y ritmos.



Entramos en materia, y la canción que abre el álbum es Good Time Boys, la cual contiene extractos de las canciones "Bonin' in the Boneyard" de Fishbone, "Try" de Thelonious Monster y "White Girl" de X. En los coros aparece el guitarrista Jack Sherman, quien había sido despedido de la banda en 1985. No fue lanzada nunca como single, pero sin embargo se filmó y lanzó un video de la misma en 1989 para promocionar el disco. Se decantaron por la versión de Higher Ground, originalmente escrita y grabada por el cantante Stevie Wonder. El grupo tuvo que reelaborarla y adaptarla para una banda más pequeña que la que solía grabar con Stevie Wonder. La parte de teclado fue reemplazada por el potente bajo de Flea, y John Frusciante se marca un popurrí con la guitarra diferente del tema original. Esta versión se ha convertido en una de las preferidas de los bajistas debido a su prominente línea de bajo slap. Turno para Subway to Venus, que nos invita al movimiento y la diversión gracias a su frenético ritmo y a su estilo único. Las letras exploran temas como el amor y el deseo con metáforas extravagantes que añaden un toque de misterio y fantasía a la canción. Magic Johnon es una canción que escribieron sobre el jugador de baloncesto y estrella de Los Angeles Lakers, Magic Johnson. Kiedis y Flea eran grandes fans de los Lakers y a menudo se podía encontrar a Flea jugando partidos informales por las calles de la ciudad. Kedis tenía una particular afinidad por Johnson, pues ambos se habían criado en Michigan antes de establecerse en Los Ángeles. Nobody Weird Like Me tiene un distintio riff de guitarra que es capaz de capturar la esencia funk rock del grupo. Las letras hablan sobre la individualidad y la singularidad de cada persona, alabando precisamente esas diferencias que los hacen únicos. Cierra la cara A Knock Me Down, que se convirtió en una canción con uno de los cambios de estilo más radicales del grupo. Las letras introspectivas analizan la muerte de Slovak y el efecto devastador que las drogas pueden tener en la vida. Sin embargo Kiedis no quería que se asociara como una canción antidrogas, afirmando que "trata sobre hacerles saber a tus amigos que necesitas ayuda y luego estar dispuesto a aceptar la ayuda de los demás cando la necesitas. Ya sea por las drogas o por una serie de otros problemas personales". Musicalmente la canción tiene las influencias punk típicas del grupo, pero aporta un mayor énfasis en la melodía y las armonías que conducen hcia un sonido más alternativo.  



La cara B comienza con Taste the Pain, donde Frusciante introduce progresiones de guitarra psicodélicas en el verso, mientras que la letra aborda temas de amor y pérdida. Fue el tercer y último sencillo del álbum, y se grabó un video musical donde la banda tocaba en una sala de arte donde los artistas estaban pintando una obra de arte en un mural. Kiedis estaba conmocionado por la muerte de Slovak y además tenía su propia lucha contra la adicción a las drogas en ese momento. Alquiló un cobertizo para botes y se encerró allí durante tres meses mientras trataba de dejar la heroína. Allí es donde escribió esta canción, donde expresaba su sentir y dolor sobre la muerte de Slovak y su propia adicción a las drogas. Curiosidad, el verso al revés al comienzo de la canción es Anthony Kiedis cantando el coro. Stone Cold Bush destaca por un ritmo frenético y unas letras crudas que exploran temas sociales como la prostitución y temas políticos. Las letras critican el sistema y la injusticia social, con un mensaje de rebeldía y resistencia ante la opresión. Todos conocemos el ejercicio de soul y Rock psicodélico que Jimi Hendrix se marcó en Fire. El grupo había comenzado a tocar este tema en 1983 y la grabaron como cara B de su sencillo "Fight Like a Brave" de 1987, y un año después la lanzaron en el EP The Abbey Road. Fue incluida posteriormente en este álbum como un tributo al guitarrista fundador Hillel Slovak. Esta versión del disco presenta algunas variaciones en la letras. Llega el turno para la instrumental Pretty Littl Ditty es una de las únicas canciones que no presentaba capas de guitarra, y contiene además unos dulces y hábiles solos de Frusciante entrelazados con toques de trompeta de Flea. Es uno de los mejores ejemplos del eclecticismo que estaba aflorando en el grupo. Punk Rock Classic contiene una improvisación del "Sweet Child o' Mine" de Guns N' Roses. También es una emulación de canciones típicas de punk rock de Black Flag y The Germs, bandas que habían influido en los RHCP. En cuanto a la letra de esta sencilla canción, la banda pedía simplemente que los pusieran en la MTV. Sexy Mexican Maid destaca por su ritmo funk y sus letras picantes que juegan con estereotipos culturales, la cuales exploran temas como el deseo y la atracción, y todo ccon un toque de humor y sensualidad. Johnny, Kick a Hol in the Sky es la canción que se encarga de cerrar el disco. Combina elementos de rock y funk con unas letras introspectivas y enérgicas que nos hablan sobre la búsqueda de significado y propósto en la vida, con un mensaje de esperanza y determinación ante los desafíos del mundo.

Mother's Milk marcó un punto de inflexión para Red Hot Chili Peppers al consolidar su sonido funk rock característico y establecerlos como una de las bandas más influyentes de la escena musical alternativa de los años 90. La incorporación de John Frusciante y Chad Smith fue todo un acierto, y revitalizó una banda que fue capaz de fusionar, con mucho acierto, su estilo punk con el funk y el rock, dando como resultado un sonido fresco y enérgico. con este álbum, Red Hot Chili Peppers habían llegado para quedarse y dominar la década de los 90, dejando una huella perdurable en la historia del rock.

sábado, 9 de marzo de 2024

1164.- Seven Seas of Rhye - Queen



"Seven Seas of Rhye" del grupo británico Queen es una canción de la que existen dos versiones, una primera versión preliminar e instrumental que vio la luz como tema de cierre del disco debut "Queen" (1973), y una segunda versión definitiva y con letra que fue incluida en el siguiente álbum, Queen II (1974), y que es la que incluimos en esta compilación de canciones para la historia de la música.

Con una letra inspirada en el mundo de fantasía que Freddie Mercury y su hermana se inventaron de pequeños, esta segunda versión ya acabada y perfeccionada de "Seven Seas of Rhye" fue el tercer single de la banda, y se convirtió además en su primer sencillo de éxito tras interpretarla en una actuación en el célebre programa de la BBC "Top of the Pops", llegando hasta el puesto 10 de las listas de ventas británicas.

Curiosamente, este enérgico e intenso tema de heavy rock con reminiscencias "zeppelianas" está también misteriosamente "presente" en el comienzo del siguiente álbum de la banda, creando un nuevo nexo entre las tres obras, porque durante los primeros segundos de "Brighton Rock", el tema con el que arranca "Sheer Heart Attack" (1974), suena en un silbido la melodía de "Seven Seas of Rhye".

viernes, 8 de marzo de 2024

1163.- The March of the Black Queen - Queen



"The March of the Black Queen" ("La marcha de la Reina Negra"), incluida en "Queen II" (1974), segundo disco de la banda inglesa de rock Queen, es una de las primeras canciones que contienen todos los elementos distintivos del inconfundible "estilo Queen", como la suave apertura de piano, los grandilocuentes coros operísticos, el tono épico combinado con impactantes solos de guitarra y los constantes cambios de ritmo, cercanos al musical y al rock progresivo.

Con sus más de seis minutos de duración y su compleja estructura cambiante (Freddie Mercury declaró que le costó una eternidad componerla), emparenta con canciones del corte de la inmensa "Bohemian Rapsody", de la que se puede considerar una precursora en la misma línea (Brian May siempre se refirió a esta canción como a la "hermana mayor" de "Bohemian Rapsody"), o la posterior y no menos impactante "Innuendo".

La letra es también un oscuro y complejo cuento épico sobre una malvada reina que tiene sometidos a sus desgraciados súbditos, y en conjunto, "The March of the Black Queen" es un auténtico regalo para los fans de las canciones más operísticas e intensas de Queen. El único pero, por poner alguno, es que su abrupto final, enganchando directamente con el siguiente tema del disco ("Funny how love is") deja una sensación de canción inacabada o cortada en la escucha aislada, pero ese el peaje a pagar con muchas de las canciones de rock progresivo, que no terminan realmente, porque continúan dentro de un todo en los discos conceptuales que las incluyen.

Disco de la semana 368: Destinología - Tan Biónica

Disco de la semana 367: Destinología álbum de la banda argentina Tan Biónica

Si estás ansioso por sumergirte en la efervescente fusión del rock alternativo y pop rock argentino, te invito a comenzar tu exploración musical con el intrigante álbum "Destinología" de Tan Biónica. Este tercer trabajo, lanzado en mayo de 2013, se destaca como una obra maestra que hábilmente entrelaza elementos de música electrónica y rock electrónico, revelando la evolución y la versatilidad de la banda.

Desde el cautivador primer sencillo "Ciudad mágica", que se erigió como un himno, hasta la conmovedora "La melodía de Dios", "Destinología" te sumerge en un viaje sonoro único. La creatividad de la banda no se limita solo a la música, sino que también se manifiesta en una estrategia intrigante: la revelación del nombre del álbum a través de pistas distribuidas en distintos lugares, creando un aura de misterio y anticipación entre los fanáticos.

La experiencia auditiva que ofrece "Destinología" es diversa y cautivadora. Canciones como "Música" y "Mis noches de enero" añaden capas adicionales a la riqueza del álbum. Este trabajo no solo marcó el regreso triunfal de Tan Biónica después de un impasse, sino que también consolidó su posición como una fuerza influyente en la escena musical argentina e internacional.

Sumérgete en la energía y la innovación de "Destinología" para descubrir por qué Tan Biónica es considerada una de las bandas más importantes en el ámbito del pop rock en Argentina. Su capacidad para fusionar géneros y crear melodías memorables hace que este álbum sea un punto de partida excepcional para explorar la riqueza musical de la banda.

El álbum inicia con "Ciudad mágica", una canción que se erige como un himno desde el momento en que resuena en los altavoces. La fusión de elementos de rock alternativo y pop rock argentino se manifiesta de manera magistral en esta pista. La potente voz de Chano, combinada con la destreza musical de la banda, crea un sonido distintivo que captura la esencia de Tan Biónica.

A medida que avanzas en el álbum, te encuentras con "La melodía de Dios", una pista que lleva la emotividad a un nivel superior. La habilidad de Tan Biónica para conectar con la audiencia a través de letras conmovedoras y una ejecución musical impecable se evidencia claramente en esta canción. Es una experiencia que va más allá de lo auditivo, tocando fibras emocionales y dejando una impresión duradera.

Lo fascinante de "Destinología" va más allá de la música en sí. La estrategia de revelar el nombre del álbum mediante pistas dispersas en diversos lugares añade un componente de juego y participación para los fanáticos. Esta táctica ingeniosa crea un vínculo único entre la banda y su audiencia, generando expectación y emoción en cada revelación.

Canciones como "Música" y "Mis noches de enero" añaden capas adicionales a la experiencia auditiva. "Música", presentada como el tercer sencillo, demuestra la habilidad de Tan Biónica para explorar diferentes sonidos y estilos dentro del álbum. La fecha de lanzamiento de su video musical, coincidiendo con el día de Santa Cecilia, patrona de la música, subraya la conexión profunda que la banda tiene con su arte.

El cuarto corte de difusión, "Mis noches de enero", presentado el 1 de enero de 2014, cierra de manera sublime el ciclo de sencillos. La canción, acompañada de un video musical lanzado a finales de enero, añade un toque introspectivo al álbum. Este cierre resuena con la audiencia, marcando el fin de un capítulo y preparando el terreno para futuras exploraciones musicales de la banda.

"Destinología" no solo es un álbum; es una experiencia musical que va más allá de los límites de género y estilo. Marca el regreso triunfal de Tan Biónica, consolidando su posición en la escena musical argentina. Sumérgete en este viaje sonoro excepcional para descubrir por qué Tan Biónica es reverenciada como una de las bandas más importantes en el ámbito del pop rock en Argentina e internacionalmente.

Daniel 
Instagram storyboy 

jueves, 7 de marzo de 2024

1162.- They Say I'm Different - Betty Davis

 

They Say I'm Different, Betty Davis


     Betty Davis, con apellido Marby de soltera, nace el 26 de julio de 1945 (aunque ella afirma que nació en 1944) en Durham, Carolina del Norte (Estados Unidos). Es en la granja de su abuela, en Reidsville, Carolina del Norte, donde empieza a escuchar a grandes músicos de blues como BB King, Jimmy Reed y Elmore James entre otros, lo que hace que se interese muy pronto por la música. A los 12 años de edad ya compone su primera canción, I'm Going to Bake That Cake of Love. Es a esa edad cuando se muda con su familia  Pittsburgh. Betty se marcha con 16 años de Pittsburgh y pone rumbo a Nueva York para vivir con su tía. Es en la ciudad neoyorkina donde se inscribe en el Fashion Institute of Technology, que es la parte de la Universidad Estatal de Nueva York que está enfocada en el arte, los negocios, el diseño y todo lo relacionado con la moda. Mientras cursa sus estudios, durante la década de los 60 se empapa de la cultura y la música folclórica de Greenwich VillageBetty trabaja como modelo, llegando a aparecer en revistas como Seventeen, Ebony y Glamour, y también frecuenta uno de los clubs de moda de la ciudad, The Cellar, un club frecuentado por una multitud artística y multirracial de modelos, estudiantes de diseño, actores y cantantes. En el Cellar solía pinchar discos y charlar con la gente. En su etapa en Nueva York conoce a varios músicos, haciendo gran amistad con Sly Stone y Jimi Hendrix. La influencia de la música de estos dos plantarán la semilla del estilo y la carrera musical de Betty. También hace amistad con el cantante y compositor de soul Lou Courtney, que será quien produzca su primer sencillo en 1963, The Cellar, inspirado en el local donde trabaja.


Mientras trabaja como modelo conoce al músico de jazz Miles Davis, quien es 19 años mayor que ella. Miles Davis se estaba separando en ese momento de su primera esposa, la bailarina Frances Davis, y estaba saliendo con la actriz Cicely TysonBety y Miles comienzan a salir a comienzos de 1968 y en septiembre de ese mismo año contraen matrimonio. En sólo un año, lo que dura su matrimonio, Betty influirá Miles tanto en cuestiones de moda como en tendencias de la música popular de la época, algo que el mismo músico reconocerá posteriormente en su autobiografía. Según MilesBetty le ayudó a plantar las semillas de sus futuras exploraciones musicales al presentarle al innovador del funk Sly Stone y a un psicodélico guitarrista llamado Jimi Hendrix. El matrimonio dura un año, Miles definía a Betty como "demasiado joven y salvaje", y la acusó de tener una aventura con Jimi HendrixBetty siempre lo negó y lo consideró una gran falta de respeto hacia ella y hacia su amigo Hendrix. La influencia de Betty en Miles fue un hecho, pues Miles se mantuvo en contacto con Hendrix, y los dos planeaban grabar algo juntos, pero la muerte de Hendrix lo impidió. Y la influencia de Sly Stone en Miles se puede ver reflejada en el álbum de MilesBitches Brew (1970), que marcaría el comienzo de la era del jazz fusión. Su primer gran logro de Betty lo consigue al escribir para los Chambers Brothers la canción Uptown (to Harlem) en 1967, y en 1968 comienza a colaborar con el trompetista, cantante y compositor sudafricano Hugh Masekela, con quien graba varias canciones para Columbia Records. Posteriormente Betty graba varias demos con Miles Davis y Teo Macero como productores, y son utilizadas por Miles Davis para intentar conseguir un contrato discográfico con Columbia Records y con Atlantic Records para Betty, pero ninguna de las dos discográficas muestra interés.

Finalizado su matrimonio con Miles DavisBetty se muda a Londres, alrededor de 1971, para trabajar como modelo, y también se dedica a escribir música. Un año después aproximadamente, regresa a Estados Unidos para grabar con Santana, pero al final graba sus propias canciones con un grupo e músicos de sesión de la Costa Oeste. Así, Betty graba su primer disco, donde todas las canciones son escritas y arregladas por ella, llamado Betty Davis en 1973, bajo el sello discográfico Just Sunshine. Con la misma fórmula y bajo el mismo sello discográfico graba y publica su segundo álbum de estudio en 1974, They Say I'm Different. dicho álbum es grabado en los Record Plant Studios bajo la producción de la propia artista, y publicado por el sello discográfico Just Sunshine Records. Estamos ante un álbum con melodías grandes y explosivas, con ritmos funk y con Davis mostrando todo su potencial musical sin tapujos.

La canicón que da título al disco, They Say I'm Different, es una potente y extravagante canción donde Betty Davis recuerda su infancia y se compara a sí misma con espíritus afines del pasado, una sucesión de leyendas del blues a las que tiene gran aprecio, y de las que se ha nutrido e influenciado: Bessie Smith, Chuck Berry, John Lee Hooker, Jimmy Reed, Big Mama Thornton, Son House o Robert Johnson. La canción es un fiel reflejo de la audacia y la independencia de Betty Davis, desafiando las convenciones sociales y de género de la época. Su estilo único y su energía cruda y explosiva, que aplicó en canciones como esta, influyeron en muchos músicos posteriores, convirtiéndola en una figura de culto en la historia de la música.

miércoles, 6 de marzo de 2024

Red Hot Chili Peppers - Freaky Styley (Mes Red Hot Chili Peppers)



Comenzamos el #MesRedHotChiliPeppers con "Freaky Styley" (1985), el que fuera su segundo disco de estudio, publicado por la discográfica EMI America Records. Fue el disco en el que debutó el guitarrista Hillel Slovak, ausente en el primer disco de la banda porque por entonces aún la consideraba uno de sus proyectos menores, y también el último disco en el que tocó el batería Cliff Martinez. Para su segundo asalto al éxito, la banda contó en la producción con George Clinton, líder de bandas funk de la talla de Parliament o Funkadelic, lo que le dio al álbum un marcado acento funky y claras influencias del rock psicodélico, que hicieron de "Freaky Styley" una rara gema de la discografía de los Peppers.

Curiosamente, la banda pensó en primer lugar en ofrecerle la producción de "Freaky Styley" a Malcolm McLaren, polémico productor de The Sex Pistols y Bow Wow Wow, pero éste propuso un radical cambio de estilo hacia el rock and roll de los 50 y un sonido mucho más simple, y lo que fue radical fue la respuesta negativa del grupo a semejante proposición, y la decisión de llamar a George Clinton, que aceptó a condición de que la banda al completo se mudara a su casa para iniciar el proceso creativo y de convivencia que consideraba necesario antes de iniciar la grabación, para la que se aseguró la participación de una sección de vientos de la talla de Benny Cowan (trompeta), Maceo Parker (saxofón) y Fred Wesley (trombón) en varios de los cortes del álbum.

La química entre grupo y productor fue muy fuerte desde el principio, y también la "química" de la que dispusieron durante ese proceso creativo en la casa de Clinton en la localidad de Brooklyn (Michigan), y en la posterior grabación en los United Sound Studios en Detroit. Tanto fue así, que la banda salió muy perjudicada físicamente de aquellas sesiones. Anthony Kiedis intentó dejar la cocaína durante dos semanas para tener bien la voz en las grabaciones, en una decisión que después describiría como "decidir ser célibe y vivir en un burdel". Fue tal la cantidad de cocaína que consumieron, que Clinton tuvo que darle a su camello una participación en los beneficios del disco, al no tener dinero suficiente para pagarle, y en la canción "Yertle the Turtle" que cierra el disco comienza con las palabras "Look at that turtle go bro," ("Mira esa tortuga marchándose, hermano") con las que el camello amenazaba a Clinton con cerrarle el grifo si no pagaba.

Quizá ese clima de libertad creativa y desenfreno fuera lo que hizo de las sesiones de "Freaky Styley" una auténtica experimentación de estilos y géneros musicales, empezando por el rock psicodélico de ritmo dance del tema de arranque "Jungle Man", dedicada a Flea, o el toque funk de "Hollywood (Africa)", una acertada versión de un tema de The Meters con la letra cambiada por Kiedis, en la que George Clinton se encargó de los arreglos vocales y participó en los coros. Otros temas destacados son "If You Want Me to Stay", la versión del popular tema de Sly & the Family Stone, "Blackeyed Blonde" (una hábil mezcla de rock y funk que interpretaron en la película de skateboard Thrashin' de 1985) y "Catholic School Girls Rule" (pieza en tono punk rock inspirada en una relación de Kiedis con una estudiante de un colegio católico de New Orleans).

"Jungle Man" y "Hollywood (Africa)" fueron publicados como singles, y se filmaron videos promocionales de "Catholic School Girls Rule" y la propia "Jungle Man", pero a pesar del esfuerzo creativo y de la variedad y brillantez de la propuesta sonora, con las que la crítica reconoció la evidente mejora respecto al disco anterior, "Freaky Styley" no consiguió entrar en la lista del Billboard 200. Según Flea, hicieron un disco "demasiado funky para la radio blanca, y demasiado punk rock para la negra". Quizá en ese momento les resultó frustrante quedarse en esa tierra de nadie, pero a día de hoy esa es la mayor virtud del disco: Plantear una propuesta de estilo tan friki como inclasificable, tan brillante que difícilmente encajaba en las listas mainstream de entonces, ni sería seleccionada por ningún algoritmo automático de los tiempos actuales, pero que brilla por si sola en su bendita diferencia y su increíble particularidad. 

1161 - The Hollies - The air that I Breathe

1161 - The Hollies - The air that I Breathe

Hoy les vengo a contar sobre una joyita de la música que nos llega bien al corazón. Se trata de la canción "The Air That I Breathe" de la banda británica The Hollies. Agárrense fuerte que esto va a ser un viaje emocional de aquellos.

Esta balada, lanzada allá por los '70, tiene un poder único para atraparnos en su atmósfera melódica desde el primer acorde. El quinteto inglés supo capturar la esencia de la época, y aún hoy, nos sigue transportando a un lugar lleno de nostalgia y sentimientos profundos.

La canción se abre con esos acordes de guitarra que son como un suspiro nostálgico, esos que te llevan directo al corazón de la melodía. El aire se llena de una suave armonía que nos envuelve y nos prepara para lo que está por venir. Desde el principio, los coros empastados del grupo nos envuelven como un abrazo musical, dándole un toque celestial a la experiencia auditiva.

La letra, escrita con maestría, nos habla de la intensidad de un amor profundo, de esa conexión que va más allá de las palabras. Las frases son como versos poéticos que nos hacen reflexionar sobre el valor de lo más esencial en la vida: el amor y la respiración misma. La voz del cantante, llena de sentimiento, logra transmitir la vulnerabilidad y la pasión que encierran estas palabras.

Pero lo que realmente hace brillar a "The Air That I Breathe" es su capacidad para perdurar en el tiempo. A pesar de los años transcurridos, la canción conserva su frescura y su capacidad para conmover. La producción impecable y la ejecución magistral de los instrumentos aseguran que cada nota resuene con la misma intensidad que cuando salió por primera vez.

Esta pieza musical ha trascendido generaciones, convirtiéndose en un himno atemporal que sigue tocando las fibras más sensibles de quienes la escuchan. No importa si estás en el auto, en tu casa o en una cita romántica; "The Air That I Breathe" siempre encuentra la manera de conectarse con tus emociones y llevarte en un viaje introspectivo.

Amigos, esta canción es más que una simple melodía. Es un pedacito de la historia musical que nos recuerda la belleza de los sentimientos profundos y la importancia del amor en nuestras vidas. Así que si están buscando una experiencia sonora que los haga sentir vivos, dense una vuelta por "The Air That I Breathe" de The Hollies. ¡Les aseguro que no se van a arrepentir!

Daniel
Instagram storyboy


martes, 5 de marzo de 2024

1160 - Grand Funk Railroad - The loco motion


1160 - Grand Funk Railroad - The loco motion

¡Embarquemonos en un viaje musical en el tiempo junto a Grand Funk Railroad y su icónica canción "The Loco-Motion"! Pero la historia no termina ahí, ya que esta joya musical ha vivido diversas reinterpretaciones, incluyendo las versiones de Kylie Minogue y Ana Belén.

Nos sumergimos en la nostalgia de los años 70 con Grand Funk Railroad, esa banda estadounidense de rock que dejó una huella indeleble en nuestro corazón con su sonido distintivo y sus actuaciones llenas de energía. Conocidos por su presencia enérgica y su habilidad para encender el escenario, estos chicos se ganaron un lugar especial en nuestra memoria musical compartida.

En el epicentro de su legado musical se encuentra la famosa canción "The Loco-Motion", que no solo conquistó las listas de éxitos en su lanzamiento en 1974, sino que también se convirtió en un himno que resuena en nuestros recuerdos colectivos. La banda demostró su versatilidad al tomar la canción originalmente escrita por Gerry Goffin y Carole King en la década de 1960 y darle un giro único lleno de energía.

Con esas guitarras potentes, ritmos pegajosos y la inconfundible voz de Mark Farner, Grand Funk Railroad transformó "The Loco-Motion" en una experiencia auditiva que aún resuena en nuestras almas. La canción se convirtió rápidamente en un éxito radial, atrapándonos con su contagioso ritmo y letras pegajosas que todos recordamos de memoria.

Grand Funk Railroad no solo fue una banda pionera en el rock de la década de 1970, sino que también dejó su huella en nuestra historia musical compartida con su enfoque fresco y lleno de vida. Su capacidad para reinventar canciones clásicas como "The Loco-Motion" demostró su destreza artística y su habilidad para conectar con audiencias diversas, incluida la nuestra.

Pero la historia no termina aquí, ya que "The Loco-Motion" ha sido reinventada en manos de otras talentosas artistas. Kylie Minogue, la icónica cantante australiana, lanzó su versión en 1987, convirtiéndola en un éxito global. La voz dulce y el estilo energético de Kylie le dieron una nueva vida a esta canción clásica, conquistando a una nueva generación de fanáticos.

Además, la talentosa Ana Belén, una de las voces más destacadas de la música en español, también se sumó a la lista de artistas que han interpretado "The Loco-Motion". Su versión en español, cargada de emotividad y estilo único, añadió un toque especial a esta joya musical, mostrando cómo una canción puede trascender fronteras lingüísticas y culturales.

Grand Funk Railroad y su inolvidable "The Loco-Motion" nos llevan en un viaje nostálgico a través de los vibrantes sonidos de la década de 1970, pero también nos recuerdan que la música es un lenguaje universal que puede ser reinterpretado de diversas maneras. Desde la energía del rock clásico de Grand Funk hasta las versiones vibrantes de Kylie Minogue y Ana Belén, esta canción sigue siendo un himno que resuena en nuestros corazones. ¡Prepárense para dejarse llevar por el inconfundible ritmo de "The Loco-Motion" en todas sus facetas!

Daniel
Instagram storyboy


lunes, 4 de marzo de 2024

1159.- Working Man - Rush

 

Working Man, Rush


     Rush es el álbum debut de la banda de rock canadiense del mismo nombre. El disco fue grabado en noviembre de 1973 en los Eastern Sound y Toronto Sound Studios de Toronto, bajo la producción de la banda, y publicado el 18 de marzo de 1974 por el sello discográfico Moon Records, el propio sello del grupo, antes de que Mercury Records lo lanzara internacionalmente ese mismo año. Este álbum fue grabado cinco años después de la formación de la banda, y muestra gran parte del sonido hard rock de las bandas populares que surgieron a principios de la década. Un sonido que cambiarían en álbumes posteriores virando hacia el rock progresivo que tan famosa ha hecho a la banda. Rush eran grandes admiradores de Led Zeppelin, Yes o Cream entre otros grupos, y estas influencias se notan en este disco.

El baterista del grupo John Rutsey interpretó todas las partes de batería del disco, pero no pudo realizar giras prolongadas debido a sus problemas con la diabetes, por lo que se retiró de la banda después del lanzamiento de este álbum. Rutsey había trabajado en las letras del disco, pero nunca se las envió a los demás miembros de la banda, el bajista y vocalista Geddy Lee y el guitarrista Alex Lifeson, quienes se encargaron de componer las letras del álbum. John Rutsey sería sustituido por Neil Peart, quien a partir de ese momento se convertiría en el baterista y letrista principal del grupo en todos los discos posteriores de la agrupación.

Incluido en este álbum se encuentra Working Man, canción que según Geddy Lee es su favorita para interpretar en vivo. La canción se ha convertido en una de las favoritas entre los fans de la banda, y el solo de guitarra de Alex Lifeson ha llegado  aparecer en la lista de los 100 mejores solos de guitarra de la revista Guitar World. La letra de la canción nos relata la historia del típico trabajador que mantiene su rutina de ira trabajar para luego volver a casa, y así día tras día. Tiene mayores ambiciones, pero lo que no parece tener es voluntad para actuar en consecuencia y dar un giro a su situacón.

La canción adquirió notoriedad gracias a una DJ llamada Donna Halper, quien trabajaba para la emisora WMMS en Cleveland, Ohio (Estados Unidos). La canción le encantaba y la empezó a pinchar en las ondas, lo que ayudó, y mucho, al despegue de la banda. Era muy extraño que alguien se decidiera a poner en las ondas una canción de más de 7 minutos pues no se ajustaba, aparentemente, a los criterios de de las ondas, Pero para Donna Halper era perfecta por tres razones, la primera porque Cleveland era una ciudad de clase obrera y la letra se identificaba perfectamente con su audiencia y la ciudad; la segunda porque WMMS era una emisora de rock orientada a álbumes, por lo que buscaban canciones que otras emisoras no reprodujeran; y la tercera porque con sus más de 7 minutos era ideal para que a la DJ le diera el tiempo suficiente para ir al baño o a fumar. Inmediatamente después de ponerla en las ondas la emisora recibió muchas llamadas de personas que preguntaban cuándo saldría el nuevo álbum de Led Zeppelin, sorprendiéndose posteriormente porque no fueran ellos y porque el vocalista no fuera Robert Plant. Gracias a la difusión por parte de WMMS el disco llamó la atención del sello discográfico Mercury Records que decidió relanzarlo fuera de Canadá, convirtiendo a Rush en una de las bandas más populares en Estados Unidos y Canadá.

domingo, 3 de marzo de 2024

1158 - Sui Generis - Instituciones

1158 - Sui Generis - Instituciones

"Instituciones" es una joya musical creada por Sui Generis, la icónica banda argentina liderada por el talentoso músico Charly García. La canción, incluida en su álbum debut homónimo lanzado en 1972, es un testimonio del brillante ingenio lírico y musical de García y de la habilidad única de la banda para fusionar diversos géneros.

La pista se distingue por su enfoque satírico hacia las instituciones sociales y políticas. Charly García, con su aguda pluma, teje metáforas y críticas en cada verso, explorando las complejidades y contradicciones de las estructuras establecidas. La letra despliega una mezcla de ironía y poesía que desafía al oyente a reflexionar sobre el significado y la función de estas instituciones en la sociedad.

Musicalmente, "Instituciones" refleja la diversidad de influencias de Sui Generis. La fusión de elementos de rock, folclore argentino y tintes progresivos crea una atmósfera única. Los arreglos intrincados y la ejecución magistral de los instrumentos elevan la canción a un nivel artístico excepcional.

La influencia de "Instituciones" se extiende más allá de sus méritos artísticos, ya que la canción también marca un hito en la evolución del rock argentino. Sui Generis, en su debut, logró consolidar una identidad única que fusiona la sensibilidad lírica de García con la experimentación musical del grupo. Este álbum sentó las bases para la prolífica carrera de Charly García y Nito Mestre, cuyas contribuciones al panorama musical latinoamericano son incuestionables.

La trascendencia de "Instituciones" no se limita a su contexto geográfico; su impacto se ha sentido a nivel global, influyendo en generaciones posteriores de músicos y artistas que han encontrado inspiración en su originalidad. La capacidad de la canción para resistir el paso del tiempo y seguir resonando con audiencias diversas destaca su lugar como una obra maestra atemporal que ha dejado una huella imborrable en la historia de la música en español.

Daniel 
Instagram storyboy 

sábado, 2 de marzo de 2024

1157 - MFSB - TSOP (The Sound of Philadelphia)

1157 - MFSB - TSOP (The Sound of Philadelphia)

"MFSB - TSOP (The Sound of Philadelphia)" es un hito musical que encapsula la esencia del sonido distintivo de Filadelfia durante la década de 1970. Lanzada en 1974, esta composición instrumental se convirtió en un himno representativo del renacimiento del soul y el funk que caracterizó la escena musical de la Ciudad del Amor Fraternal en ese período.

La canción, interpretada por la orquesta MFSB (Mother, Father, Sister, Brother) con arreglos de Thom Bell y el productor Kenneth Gamble, encapsula la energía vibrante y la sofisticación musical que definieron la época. TSOP no solo es un acrónimo de "The Sound of Philadelphia", sino que también se convirtió en un sello distintivo de la producción musical de Filadelfia. Desde sus primeros acordes, la canción revela una exuberancia contagiosa, con una sección de cuerdas lujosa y arreglos de viento cautivadores.

El rasgo distintivo de TSOP es la fusión de diversos elementos musicales. Combina la sofisticación de la música clásica con la intensidad del funk y la elegancia del soul, creando una amalgama única que trasciende géneros. La melodía, ejecutada con maestría por la orquesta MFSB, es un despliegue de dinámicas emocionales, desde momentos exuberantes hasta pasajes más melancólicos. Esta versatilidad musical contribuye a la atemporalidad de la canción, que ha perdurado a lo largo de los años.

Uno de los aspectos más notables de TSOP es su capacidad para evocar emociones sin necesidad de letras. La ausencia de palabras permite que la música hable por sí misma, lo que resulta en una experiencia auditiva universal y accesible para personas de todas las edades y trasfondos culturales. La orquestación cuidadosa y la ejecución magistral de los músicos destacan la habilidad de MFSB para comunicar narrativas emocionales a través de sus instrumentos.

El éxito masivo de TSOP no solo radica en su brillante composición, sino también en su impacto cultural. La canción se convirtió en el tema de apertura del programa de televisión "Soul Train", un ícono de la cultura afroamericana que ayudó a consolidar la influencia del soul y el funk en la escena musical. TSOP se convirtió así en un himno no oficial de la cultura negra, celebrando la diversidad y la vitalidad de la comunidad afroamericana en ese momento crucial de la historia de Estados Unidos.

Además de su éxito en los charts, la canción ha sido sampleada y versionada en innumerables ocasiones, demostrando su impacto perdurable en la música contemporánea. Artistas de diversos géneros han reconocido la influencia de TSOP en sus propias creaciones, consolidando aún más su estatus como una pieza fundamental en la historia de la música popular.

MFSB - TSOP es más que una simple canción; es un monumento musical que captura la esencia y la energía de una época dorada en la música de Filadelfia. Su legado perdura a través de su influencia duradera en la escena musical y su capacidad para evocar emociones sin palabras. Este himno instrumental sigue resonando en los corazones de los amantes de la música, recordándonos la magia del "Sound of Philadelphia".

Daniel 
Instagram storyboy 

viernes, 1 de marzo de 2024

1156.- Por el amor de una mujer - Julio Iglesias

Por el amor de una mujer es una canción emblemática del reconocido cantante español Julio Iglesias, lanzada en su álbum de 1974 titulado "A flor de piel", una balada romántica que se ha convertido en un clásico del repertorio del artista, destacando por su emotiva interpretación y la letra profunda que exploran los temas del amor y la pérdida. La canción comienza con una melodía suave y melancólica, acompañada por los característicos tonos profundos de la voz de Julio Iglesias. Desde los primeros acordes, se puede sentir la intensidad emocional que impregna cada verso, la letra narra la historia de un hombre que reflexiona sobre los sacrificios que está dispuesto a hacer por el amor de una mujer, a través de metáforas poéticas y una prosa apasionada, Iglesias expresa la profundidad de sus sentimientos y la fuerza de su compromiso.


Uno de los aspectos más destacados de "Por el amor de una mujer" es su capacidad para evocar imágenes vívidas y emociones palpables, donde se reconoce su propia vulnerabilidad y admite que muchas veces han sido ellos quienes salieron victorioso, dando a entender que frecuentemente han ganado en cuestiones de amor, sin embargo, no eran conscientes del alcance del sufrimiento que puede conllevar la pérdida de alguien. Se enfatiza el concepto de que en el amor siempre hay un perdedor y se reconoce su fortuna pasada al ganar, pero a pesar de su éxito, ha perdido a la persona a la que se dirige en la canción, esto resalta la naturaleza agridulce del amor, donde una persona inevitablemente termina perdiendo incluso si ha experimentado la victoria en el pasado. La instrumentación, característica de la música romántica de la época, complementa perfectamente la voz de Julio Iglesias. Los suaves acordes de guitarra y los arreglos orquestales proporcionan el telón de fondo ideal para la emotiva interpretación del cantante, cada nota parece resonar con la profundidad de las emociones expresadas en la letra, creando una experiencia auditiva cautivadora para el oyente. A lo largo de los años, "Por el amor de una mujer" ha sido interpretada y versionada por numerosos artistas en diferentes idiomas y estilos musicales. Sin embargo, ninguna versión ha logrado capturar completamente la esencia y el encanto de la interpretación original de Julio Iglesias. Su voz única y su pasión incomparable continúan resonando en cada nota, manteniendo viva la magia de esta hermosa canción.


Disco de la semana 367: Garbage - Garbage

 



Garbage lanzaron su álbum debut homónimo en 1995 el álbum también contenía otras canciones de éxito Queer , Stupid Girl y Milk. Butch Vig, reconocido productor de álbumes tan monumentales como Nevermind de Nirvana y Siamese Dream de The Smashing Pumpkins , decidió tomar sus baquetas, formar una banda con músicos veteranos similares, reclutar a una seductora ninfa escocesa como cantante principal y tirar del rock. Música sacada del fango que el hair metal y el grunge sin rumbo la habían abandonado, quizás estoy exagerando pero Garbage, con sus imágenes muy profundas y góticas y su sonido melódico y conductor tuvo un efecto instantáneo.

Supervixen comienza el álbum con un redoble de batería pesado y algunos riffs de guitarra pegadizos y llamativos, Shirley Manson entra con su voz suave, pero algo inquietante que suena como una versión femenina de Marilyn Manson y Billy Corgan. La canción es una gran apertura y es una de las canciones por sus excelentes riffs de guitarra y su atmósfera inquietante sobre sus excelentes voces y un solo de guitarra espectacular cerca del final. Uno de los sencillos exitosos del álbum, Queer comienza con un estilo muy de salón con bajo y sintetizadores de teclado sobre algunas voces suaves que le dan a la canción una sensación muy suave pero oscura. La letra de la canción, como sugiere el título, es bastante divertida, pero está cantada de una manera tan oscura que es difícil captar el humor ingenioso de Shirley Manson, no es muy dinámica, pero mejora en la segunda mitad de la canción cuando entran la batería y los sintetizadores de guitarra. Es bastante difícil ver por qué esta canción y no Supervixen fue un sencillo del álbum. Uno de los dos primeros sencillos del álbum, Only Happy When It Rains, sigue a Queer con algunas percusiones ligeras seguidas por el canto oscuro de Shirley Manson, ritmos distorsionados de guitarra y bajo entran en acción y crean una atmósfera oscura y de mal humor. Las voces en la pista son mucho mejores que las pistas anteriores sin romper el suave flujo de la canción. Los solos de guitarra cortos y aleatorios de la canción también ayudan a aumentar el ritmo de la canción a medida que avanza hacia una velocidad de tempo más rápida, la canción se despliega como un guiño sardónico y autocrítico al credo angustiado y de amor a la miseria de la compañía, o al menos a la apariencia del mismo, que definió en gran medida el rock alternativo durante la primera mitad de los 90. 

As Heaven Is Wide comienza con algunos sintetizadores que suenan a videojuegos seguidos de una línea de batería y un ambiente oscuro que me recuerda demasiado al trabajo anterior de Marilyn Manson, el canto encaja bien con la atmósfera oscura e industrial de la canción, que constantemente ofrece un sonido muy gótico que hace que cualquier oyente en este punto se dé cuenta de que la bonita portada rosa del álbum es una broma para ocultar el sonido oscuro y gótico de la banda, la letra gira hacia el tipo cliché "mi-novio-me-traicionó-ahora-quiero-venganza". Con algunos riffs de guitarra pegadizos y más alegres inician la siguiente canción, Not My Idea, el oyente se libera de los sonidos industriales oscuros e inquietantes por un tiempo, la canción tiene algunas de las mejores voces del álbum y los riffs de guitarra le dan una melodía muy pegadiza (especialmente cuando los sintetizadores entran en acción), quizás suena una melodía un poco más pop, pero aun así es bastante dura y una de las mejores canciones del álbum. A Stroke Of Luck aparece con un sonido realmente extraño y un ambiente de teclado muy oscuro seguido de voces más inquietantes, la canción tiene mucha más dinámica y un canto más activo que las otras canciones oscuras, lentas y atmosféricas del álbum. La pista no tiene mucho que ofrecer aparte de un estribillo poderoso y atmósferas lentas y oscuras, pero aun así es una de las pistas más destacable del álbum.


 El primer sencillo exitoso del álbum, Vow, comienza con algunos sonidos de guitarra deformados por algunas voces de Shirley Manson que de repente estallan en un sonido pesado, oscuro y pop que es muy pegadizo y dinámico. El primer sencillo del álbum que realmente puedo decir merece su estatus, la canción tiene un flujo bueno y uniforme y es muy sencilla y pegadiza. Las melodías exóticas cerca de la mitad le dan a la canción un sabor interesante en comparación con las otras canciones. En general, otra buena pista de este álbum casi clásico. Unos pocos ritmos de batería constantes y algunos sintetizadores tipo pop comienzan con Stupid Girl, el tema más conocido del álbum tiene una sensación muy oscura e inquietante, la atmósfera creada en el estribillo de esta canción es asombrosa, merece la pena destacar también el trabajo de la guitarra, una creación pop-rock casi perfecta, se convirtió en el mayor éxito de su álbum debut, alcanzando el puesto 24 en la lista Billboard Hot 100, obteniendo un par de nominaciones a los premios GRAMMY. y una codiciada nominación al premio MTV Video Music Award. Dog New Tricks es, con diferencia, la canción más pesada del álbum, los sintetizadores y guitarras iniciales están brutalmente distorsionados y el canto es más duro de lo habitual. La canción contiene su estribillo pop y cathy y algunos ritmos de guitarra geniales, pero los sintetizadores y el bajo demasiado distorsionados comienzan a volverse molestos después del primer estribillo. No hay mucho más que decir sobre la pista, aparte de que sería una gran pista si no fuera por la distorsión. My Lover's Box se parece mucho a la primera pista del álbum, con líneas de batería suaves y un trabajo de guitarra llamativo. El flujo general de la canción es mucho más lento que Supervixen, pero aún contiene una gran dinámica de coro. El flujo de las canciones no está muy equilibrado en la mezcla y simplemente no tiene el atractivo pop que impulsa muchas de las canciones del álbum. Sin embargo, el trabajo de guitarra es bastante agradable en la pista. Fix Me Now es un desastre y el título de la canción es apropiado, esta canción pide a gritos haber sido algo mejor, las voces están deformadas por las extrañas percusiones utilizadas a lo largo de la pista, el flujo de la canción es desordenado y la atmósfera está bastante deformada. Lo único bueno de la canción son los constantes y pegadizos riffs de guitarra que aparecen y desaparecen a lo largo de la canción. La última pista del álbum, Milk, es una sencilla canción tipo balada industrial. Es un sonido muy suave y tranquilo pero oscuro y ambiental, las voces son brillantes en la pista, son muy suaves, pero tienen una fuerte presencia. No sucede mucho en la canción, pero el estribillo le da a la canción una sensación atmosférica poderosa y, en general, es otra de las canciones perfectas del álbum.