Canciones que nos emocionan: Holy Diver, Dio

Dio

     En 1982, Ronnie James Dio, después de abandonar Black Sabbath decide formar su propia banda, Dio, y para ello ficha al baterista Vinny Appice, que había estado sustituyendo durante la gira de 1980 a Bill Ward en Black sabbath, a Jimmy Bain (bajo y teclados) y a un desconocido guitarrista norirlandes de veinte años llamado Vivian Campbell.

     Dio publica el 25 de mayo de 1983 su primer álbum de estudio, Holy Diver, un disco que alcanzó rápidamente una gran recepción por parte de la crítica y el público, conviriténdose además en disco de culto dentro del género heavy metal. El disco además conseguiría la certificación de disco de Oro en 1984 en Estados Unidos, llegando a conseguir la de Platinum en el mismo país en 1989. También lograría la certificación de disco de Plata en Gran Bretaña.

     La portada del álbum fue diseñada por Randy Berrett, y representa a la mascota de la banda, Murray, girando unas cadenas alrededor de las olas donde flota una persona que parece ser un sacerdote encadenado. Al respecto de la portada Ronnie James Dio comentaba que las apariencias pueden ser engañosas y que no había que juzgar un libro por su portada.

     Incluido en el álbum se encuetra otro de esos temas que a mí tanto me emocianan, Holy Diver, tema que además da título al disco. El tema fue compuesto por Ronnie James Dio, un tema que trata sobre la figura de Satanás y su descenso al infierno. Pero el tema esconde mucho más, pues según Ronnie el tema realmente trataba de la figura de una especie de Cristo que en un lugar que no es la Tierra hace lo mísmo que experimentamos aquí con Cristo, morir por los pecados del hombre. Una vez cumplida su misión su intención es ir a otro mundo a salvar a sus habitantes de la misma forma, sacrificándose por sus pecados, pero la gente no quiere que abandone su planeta, no quieren ser abandonados pues lo necesitan. Ronnie quería mostrar en este tema cuán egoísta es la humanidad.

     Este tema fue una forma de expresar la rebeldía de Ronnie contra la educación católica, y de como distorsianaba según él el mensaje de la religión, pues en lugar de enseñar con amor, las monjas y los curas golpeaban a los niños amenazándoles con ir al infierno si no se portaban bien.

Hmm hmm

Yeah, yeah

Holy diver

You've been down too long in the midnight sea

Oh what's becomin' of me

Ride the tiger

You can see his stripes but you know he's clean

Oh don't you see what I mean

Gotta get away, holy diver, yeah

Got shiny diamonds

Like the eyes of a cat in the black and blue

Something is coming for you, look out

Race for the morning

You can hide in the sun till you see the light

Oh we will pray it's all right

Gotta get away, get away

Between the velvet lies

There's a truth that's hard as steel, yeah

The vision never dies

Life's a never ending wheel

Say, holy diver

You're the star of the masquerade

No need to look so afraid

Jump, jump, jump on the tiger

You can feel his heart but you know he's mean

Some light can never be seen, yeah

Holy diver

You've been down too long in the midnight sea

Oh what's becomin' of me

No, no, ride the tiger

You can see his stripes but you know he's clean

Oh don't you see what I mean

Gotta get away, get away

Gotta get away, get away, yeah

Holy diver

Soul survivor

You're the one who's clean

Holy diver

Holy diver

There a cat in the blue comin' after you

Holy diver

Holy diver

Yeah, all right

Get away, get away, get away

Holy diver

Holy diver

Holy diver

El disco de la semana 174: Rival Sons - Great Western Valkirye

Great Western Valkirye, Rival Sons

     Long Beach, California (Estados unidos), año 2006, el guitarrista Scott Holiday busca un vocalista, y a través de MySpace conoce a Jay Buchanan. A este proyecto se une el baterista Michael Miley, que ya había trabajado anteriormente con Jay. Michael a su vez había conocido anteriormente al bajista Robin Everhart. Se acababan de poner los cimientos de Rival Sons.

     El sonido de Rival Sons se cimenta en el blues rock, hard rock y rock & roll, y en 2009 debutan con su primer álbum de estudio, Before The Fire. El disco resulta tener una buena recepción, lo que hace que Jay Buchanan, que era bastante escéptico al hecho de dedicarse por entero a la banda, cambie de opinión y se involucre al 100%.  Este álbum debut es producido por Dave Cobb, compositor y productor musical, ganador de seis premios Grammy, y que ha trabajado con gente de la talla de Chris Stapleton, Zac Brown ó Morgane entre otros.

    Debido al éxito de su álbum debut, la banda decide lanzar en 2010, de forma totalmente independiente, un EP homónimo. Es el lanzamiento de este trabajo el que llama la atención de Digby Pearson, fundador de la compañía discográfica Earache Records, el cuál les ofrece un contrato y los ficha para su compañía. A principios de 2011 Earache vuelve a relanzar este EP digitalmente, y su primer sencillo Torture es relanzado en el mercado europeo, consiguiendo un gran éxito.

     En junio de 2011 Rival Sons publica su segundo álbum de estudio, Pressure & Time, álbum donde la banda capta la esencia del hard rock de finales de los años 60 y la década de los 70, consiguiendo una buena recepción de la crítica especializada. La banda se va afianzando en el difícil circuito musical, y en septiembre de 2012 publican su tercer álbum de estudio, Head Down, disco que sigue en la mísma línea que el anterior, basando su sonido en el hard rock de los años 60 y 70, y  vuelve a recibir buenas críticas por parte de los especialistas en la materia.

     En octubre de 2013, el bajista Robin Everhart decide dejar la banda, aduciendo que los rigores de las agotadoras giras no eran para él. La banda ficha a Dave Beste para sustituirle y se meten en el estudio para grabar el que será su cuarto álbum de estudio, Great Western Valkirye, y que es además el disco recomendado para la semana número 174 de la aventura de 7dias7notas.

     En junio de 2014 ve la luz Great Western Valkirye, disco que los afianza en el panorama internacional, consiguiendo situarse dentro del Top 40 en varios países, tales como Reino Unido, Suiza, Noruega, Finlandia, Dinamarca, Alemania y Suecia entre otros. Para la producción el grupo vuelve a ponerse a las ordenes de Dave Cobb, y se meten en los Estudios LCS de Nashville. El resultado vuelve a ser un brillante disco que nos vuelve a sumergir en el blues rok y hard rock de finales de los 60 y la década de los 70, que podemos ver brillantemente reflejados en temas como la electrizante Electric Man, tema con influencias de Led Zeppelin; el magnífico tema Good Things, uno de los momentos brillantes del disco; Secret, tema que cuenta con la aportación a los teclados de Ikey Owens (Mars Volta) y donde el bajo de Beste y la  guitarra de Holiday están sensacionales; Open My Eyes, tema que va coqueteando entre el hard rocky el country-rock; Belle Star, tema con cierto aire psicodélico; ó Destination Of Course, tema donde Jay Buchanan se luce vocalmente y demuestra la calidad que atesora.

     Es Great Western Valkirye un álbum donde realmente el grupo no nos descubre nada nuevo, pero nos traslada a ese sonido de los 60 y 70, y lo hace con una excelentes composiciones, unos magníficos arreglos musicales dotados de una gran fuerza, y todo ello combinado con mucha clase y mucho gusto.

La música en historias: Eddie Kramer

Eddie Kramer

     En 7dias7notas nos gusta tener presente a toda esa gente que sin ser músicos, hacen que este noble arte sea posible. En esta ocasión queremos rendir nuestro pequeño homenaje a la figura de Eddie Kramer, pero ¿Quien es Eddie Kramer?

     Edwin H. "Eddie" Kramer nace en 1942, en Ciudad del Cabo, Sudáfrica. sus padres eran amantes del arte y la música, por lo que Eddie empieza a estudiar piano con cuatro años de edad. Sus padres además eran opositores activos del apartheid, por lo que acaban mudándose por razones políticas a a ciudad de Londres a principios de la década de los 60, si bien él, contando con 19 años se acabaría mudando 6 meses después con ellos. Eddie después de su primera incursión en la música con el piano siguió con el violín y el violonchelo.
Sus comienzos en Londres fueron realizando grabaciones para grupos de jazz con equipos caseros y muy rudimentarios, trabajando e instalando también equipos de alta fidelidad en muebles antiguos y sistemas de reproducción de discos para el Soho Record Center, la cadena de tiendas de discos más importante de Londres que había por entonces.

     Su primer trabajo en la ingeniería de sonido la consigue en 1962 al ser contratado por Advision Studios, situados en el centro de Londres, trabajo en el que dura poco, pues al año siguiente es contratado por los famosos Pye Studios, trabajando en grabaciones de obras clásicas, y ayudando en la grabación de artistas como The Kinks, Petula Clark ó Sammy Davis Jr. entre otros. Eddie funda en 1964 KPS Studios, una instalación que es adquirida un años después en 1965 por Regent Sound. Regent Sound le pide entonces a Eddie que le ayude a diseñar y construir un  nuevo estudio de cuatro pistas, estudio donde los Beatles grabarán su tema Fixing A Hole, incluido en su álbum de 1967 Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. También trabaja en los singles All You Need Is Love y Baby you're Rich Man, incluido en Magical Mistery Tour de los Beatles. Es 1967 un año muy importante para Eddie, pues además de trabajar en algunos singles de los Beatles, también lo hace para los Rolling Stones, Small Faces y Traffic, además de empezar a trabajar con Jimi Hendrix, iniciando una asociación con el genial guitarrista que se prolongará hasta la muerte de éste.

     En 1968 Eddie se muda a Nueva York, para poder seguir trabajando con Hendrix, concretamente a los Record Plant estudios, donde trabaja en el disco Electric Ladyland de Hendrix. También trabaja ese año en proyectos para Vanilla Fudge, Joe Cocker y NRBQ. En 1969 Eddie empieza a trabajar como productor independiente, produciendo el primer disco de Johnny Winter y el álbum Led Zeppelin II de Led Zeppelin. Junto con su equipo ese mismo años graban el mítico Festival de Woodstock 69 en tres días, poniéndole este trabajo, si no lo ha hecho ya con sus anteriores trabajos, en la élite de la producción y la ingeniería musical.

     En 1970 Hendrix contrata a Eddie y al arquitecto John Storyk para que creen un estudio de grabación que esté a la cabeza de la vanguardia, trece meses después ven la luz los Electric Lady studios en Greenwich Village, Nueva York, donde Eddie trabaja como responsable de los mismos desde 1970 hasta 1974. En 1973 dos músicos por entonces desconocidos, Pau Stanley y Gene Simmons le enseñan una demo y le preguntan si estaría interaso en producirles su primer trabajo. Se iniciaba una duradera relación durante la década de los 70 con el grupo Kiss que daría como resultado sus álbumes Alive!, Alive II, Platinum, Rock And Roll Over y Love Gun. Durante esa década también destaca su trabajo en los discos Love You Live de los Rolling Stones y Physical Graffiti de Led Zeppelin. 

     Durante la década de los 80 Eddie sigue produciendo discos para artistas como Buddy Guy, Anthrax, Whitesanake, Alcatrazz, Raven, Ace Frehley, Loudness ó Kiss y su alive III entre otros. Durante esa década la familia de Jimi Hendrix recupera los derechos del artista y Eddie vuelve a hacerse cargo y trabajar desde entonces en todos los proyectos posteriores y trabajos relacionados con el  genial guitarrista. En 1999 Eddie Kramer gana el premio Grammy por su trabajo en la producción de audio en el vídeo del álbum en vivo de Jimi Hendrix Band of Gypsys, un Grammy que volverá a ganr en 2003 por su trabajo en el single The Game of Love de Carlos Santana, donde colabora Michelle Branch con su interpretación vocal del tema. En 2005 Eddie se vuelve a juntar con el arquitecto John Storyk para diseñar los Anacapa Estudios de Malibú.

     Además de su legendaria carrera en la ingeniería y producción musical, Eddie Kramer es un reputadísimo fotógrafo en el mundo del rock, su trabajo durante décadas y el acceso a a artistas y sitios vetados para la mayoría de la gente le han permitido mostrarnos una obra fotográfica y mostrarnos un  mundo que la mayoría de las personas no ve. En la actualidad Eddie sigue en activo. Vaya nuestro homenaje a la figura de este Ingeniero, productor y fotógrafo por su contribución y ayudar a engrandecer un poquito más si cabe el noble arte de la música.

Canciones que nos emocionan, De música ligera, (Mes Soda Stereo)

Hace ya algunos años, en un viaje de trabajo en el que coincidimos compañeros de diferentes nacionalidades, después de una de las jornadas tuvimos la inevitable cena en común en el hotel. A la cena siguieron las copas y, creyendo firmemente que una retirada a tiempo es una victoria, a la segunda copa lancé una bomba ninja y desaparecí entre la humareda, para poder dormir un tiempo razonable antes de la jornada de trabajo siguiente. Hasta entonces, cuando el DJ ponía una canción representativa de una nacionalidad, se producía el consiguiente subidón por parte de los nacidos en ese país, pero nada comparable a lo que estaba por llegar en el caso de los argentinos.

Mi habitación estaba en la primera planta, lo suficientemente alejada del bar de la planta baja como para que la música no fuera más que un murmullo lejano. Estaba ya a punto de dormirme, cuando sonaron las primeras notas de "De música ligera" y fue como si un terremoto argentino estuviera azotando los cimientos del hotel. Tan sorprendido e intrigado estaba, que salí en pijama hasta el pasillo de la planta y me acerqué a los ventanales que daban al bar del hotel. Desde allí, pude ver al grupo de argentinos invadir el escenario destinado al karaoke, saltando y gritando a los micrófonos cuando llegó el estribillo de aquella canción, hasta entonces desconocida para mí:

"De aquel amor, de música ligera
Nada nos libra, nada más queda"

Me quedé tan impactado con la fuerza de aquella canción, y con el sentimiento que provocaba entre los argentinos, que al día siguiente pregunté a uno de ellos, al que presidía el centro de aquel escenario y cantaba a voz en grito con los ojos cerrados y una gran sonrisa en su rostro, por el grupo y el significado de la canción. Y así fue como Storyboy me habló por primera vez de Soda Stereo, de Gustavo Cerati, de música ligera y de lo que ocurre cuando llega un temblor como el que se produjo aquella noche, al llegar una y otra vez aquel mágico estribillo.

Ya de vuelta en Madrid, busqué la canción y todo lo que pudiera encontrar relacionado con ella y, para ver si su magia iba más allá de fronteras y edades, probé el experimento con infantes españoles. Busqué la versión en directo con la que Andrés Calamaro cerraba "Los chicos" en una de sus giras, y se la puse por sorpresa a mis hijos, como el que oculta la verdura entre una gran capa de tomate para que los niños la tomen. El resultado, tras la primera escucha, fue pedir ansiosamente una segunda, ante el influjo de aquellos versos finales añadidos a la canción. Y en la segunda, hacia el final de la canción, cuando Calamaro atacó de nuevo el mágico estribillo de Soda Stereo, la escena volvió a repetirse. Mis hijos, presa de un extraño paroxismo, cerraron los ojos y cantaron a voz en grito, con una gran sonrisa en su rostros, presos de la magia que desprendía, pese a no saber todavía lo que era aquel amor, de música ligera, del que desde entonces nada nos libra, y nada más queda. Ni nada menos.

Homenaje Moraes Moreira

Homenaje Moraes Moreira

Esta semana un amigo, me hizo un comentario sobre Moraes Moreira, un cantante Brasileño, cantante y compositor nacido en el estado de Bahia (noreste) de Brasil, pero no me llamo para contar sobre un nuevo concierto, o un nuevo disco, sino con una mala noticia, que Moraes Moreira había fallecido, y se me ocurrió porque no hacer un homenaje a este artista, aunque desconocido para mi, creo que todo artista debe tener su homenaje. 

Antes que nada contar quien era, su verdadero nombre Antonio Carlos Moreira Pires, quien fue uno de los fundadores de Novos Baianos (1969-1979), una banda formada por Paulinho Boca de Cantor, Pepeu Gomes, Luiz Galvão y Baby do Brasil, que marcó a varias generaciones de músicos brasileños con su mezcla de samba, choro, rock y psicodelia, bajo la influencia del movimiento tropicalista protagonizado por Caetano Veloso y Gilberto Gil, entre otros.

El disco más célebre de la banda es "Acabou Chorare" (1972), fue catalogado por la Revista Rolling Stone Brasil en 2007 como uno de los mejores 100 de la música brasileña.

"El álbum incorporó varios consejos del padre de la Bossa Nova Joao Gilberto, quien frecuentaba el apartamento en el que los Novos Baianos vivían en comunidad en Río de Janeiro", según Rolling Stone.

Moreira dejó el grupo en 1975 para dedicarse a su carrera de solista, en la que lanzó más de 20 álbums y se consagró como el primer músico en cantar a bordo de un "trío eléctrico", un formato de música en vivo con instrumentos amplificados a bordo de un camión en movimiento, surgido en Salvador (la capital de Bahia) en 1950 y popularizado en las décadas siguientes en los carnavales de todo Brasil.

Así que este homenaje a un artista que seguro seguirá en el corazón de sus fans, gracias Moraes Moreira. 

Daniel 

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Soda Stereo - Canción Animal (Mes Soda Stereo)

Canción Animal, Soda Stereo

     Entra la década de los noventa, y Soda Stereo ya había conseguido conquistar el mercado lationoamericano y el mercado estadounidense además del consiguiente reconocimiento internacional, como lo que era una gran banda, con su cuarto álbum de estudio Doble Vida. Sería a principios de ésta década cuando Gustavo Cerati (guitarra y voz), Zeta Bosio (bajo) y Charly Alberti (batería) conseguirían la consagración definitiva con su siguiente disco de estudio, el quinto de la banda, Canción Animal. De hecho es éste disco el considerado por la crítica especializada y gran parte de los fans como el mejor álbum de la banda en toda su carrera.

     Después de Doble vida, Gustavo Cerati decide dar una vuelta y un giro radical al sonido de Soda Stereo y empieza a componer temas dotados de una gran crudeza y fuerza, endureciendo el sonido de los temas. Una vez tiene ya varias demos grabadas convoca a sus compañeros Charly Alberti y Zeta Bosio para mostrarles lo que tiene avanzado, y el grupo se pone a trabajar sobre esa base que Cerati ha estado creando.

     Para la grabación de Canción Animal, el grupo se trasalada a Miami, para grabar en los Estudios Criteria. Para la grabación cuentan con las colaboraciones y aportaciones en algunos temas de Daniel Melero a los teclados (Cae el sol y Hombre al agua), Andrea Álvarez a la percusión (1990, Hombre al agua y Cae el sol) y Tweety González a los teclados, todos ellos reputados músicos de la escena rockera argentina.
El resultado es un disco que demuestra la enorme calidad y madurez alcanzada por el grupo, realizando un sonido más crudo, con muchos riffs de guitarra y con unas baterías más pesadas. El grupo dejaba atrás la estética y sonido new wave y synthpop y apostaba por el rock alternativo y el rock, tomando como influencia el rock argentino de artistas de la década de los 70, tales como Luis Alberto Spinetta, Vox Dei, La Pesada del Rock and Roll ó Manal entre otros.

     La gira de promoción de Canción Animal, llamada Gira Animal fue la más extensa que una banda latinoamericana había realizado hasta entonces, pues entre agosto de 1990 y mayo de 1992 Soda Stereo recorrió las Américas y Europa, poniendo el broche de oro a la gira con un concierto gratuito el 14 de diciembre de 1992 que ofrecen en la Avenida 9 de Julio de la ciudad de Buenos Aires (Argentina), donde son capaces de congregar a nada menos que 250.000 personas. En España no sería menos y en mayo de 1992 las ciudades de Madrid, Oviedo, Sevilla, Valencia y Barcelona pudieron disfrutar de la Gira Animal.

     Un álbum donde encontraremos temas emblemáticos de Soda Stereo, cómo Canción Animal, Hombre al agua, (En) El séptimo día ó Té para 3. Mención especial para el tema De música ligera, el tema quizás más emblemático de la banda y que fue el primer tema que compusieron para este disco, y que significó el giro de sonido de la banda. Un tema que habían compuesto un años antes, en 1989 en México y que surgió como una prueba de sonido y el cambio de dirección que la formación quería dar. El resultados de ese cambio de sonido no pudo ser mejor, Canción Animal, un disco que hay que escuchar al menos una vez en la vida

Ruta 77 - Las 7 Canciones de @1789Juancarlos

....."Es una larga historia, mejor os la cuento en el camino de vuelta"..... vamos Nevermind que nos tienes que contar?... pero rápido subir al coche, que tenemos que llegar a Madrid lo antes posible, he hablado con Juan Carlos (@1789Juancarlos) nos esta esperando en Malasaña que me ha dicho que tiene algo que contarnos. 

Siempre me han gustado las historias de Juan Carlos, será porque no soy de acá, y escuchar las anécdotas de juventud siempre me hace gracia, demuestran un tiempo felicidad, porque marcan una época, quizás un Madrid que no he conocido y estoy muchas veces ansioso de conocer. 

Juan Carlos siempre nos cuenta que las canciones de cuna que lograban hacerlo dormir, no eran las de un niño convencional, mientras otros se dormían con nanas infantiles, a él le gustaba hacerlo con canciones de The Beatles, y da gusto escuchar decirlo, se le nota el orgullo de una pasión proveniente de su padre, seguramente fans de los chicos de Liverpool. 

No esta de más decirlo, no creo que se sienta incomodo, pero con su guitarra a los 8 años, imaginaria ser un guitarrista de la talla de George Harrison, me habría encantado verlo subir a un escenario, aunque el diga que solo fuese un sueño, no lo habría hecho nada mal, me lo imaginaria ahí interpretando "Lucy in the sky whit diamonds" - The Beatles, se que es una de sus favoritas ya que las solía escuchar junto a su padre, así que en homenaje al padre de nuestro amigo, hay va! 

Así que mejores maestros para un niño que The Beatles no me imagino, los barrios de Madrid y sobre todo aquellos donde la clase obrera demostraban el esfuerzo de forjar un futuro para sus hijos, y donde fueron pasando rápidamente los años, pero no creo que en vano, nuestro querido amigo guarda mucho Rock and Roll en sus venas, nos suele contar historias de finales de los '80 y esos primeros años de los '90, donde el Punk Rock se adueñaba de Malasaña y Lavapies, no eran los barrios de hoy con restaurantes de comida de autor, hoteles boutique donde el barman te pone un Gin Tonic, otro Madrid era ese, el de las guitarras eléctricas, el de las bandas de Rock, el de su propia banda de Rock, pero como imaginar ese Madrid sin hacerlo con una canción, yo se que el suele escuchar Twitin' the night away - Sam Cooke, como lo hacia mientras se preparaba para la noche. 

Y como no deleitarnos con sus historias, si él ha estado ahí, le esperaban los mejores antros de la zona, las calles de Madrid eran distintas, ni mejor ni peores, distintas, y en mi cabeza suena una melodía, que resuena e imagino ese Madrid, duro, canalla, de frío temple marcado por el vicio y la locura, mientras imaginas escucha  20th century man - The Kinks, y las calles de Madrid se abrirán a tus pies, y llegaras a "El Sitio"

  

Suele contarnos que "El Sitio" era un buen lugar para una primera parada, tomar unas cervezas, escuchar algo de música, como el tema de Baba O'riley - The Who, buen comienzo para una noche Madrileña que se las traería, todo era posible en esos tiempos, "Guapos y Malevos" diría yo si hablamos de Buenos Aires, pero no, Punck, Bomber azul, intolerancia en las venas, una aventura en cada esquina, pero pese a la brutalidad de esos tiempo, creo que en el fondo lo prefiere a la aparente inocencia de los trajes y corbatas de hoy. Creo que sigue prefiriendo los Bomber azules.  

Los bares, los garitos, los amigos, la música y sobre todo las noches en aquel Madrid, no me hacen más que tener en la cabeza las interminables noches, de juventud, quien no ha estado en Madrid quizás no puede imaginar el ritual de salir por las noches en búsqueda casi sin sentido del mejor de los bares, así que ese recorrido solo me hace pensar en Dr. Feelgood - Back in the Night, acoso la noche negra no nos invita a la aventura.

La noche era joven, y un Madrid esperaba, me se los pasos de memoria, como si fuera un ritual, inevitable Loui loui, Café La Palma, Hotel California y sus videos, San Mateo Seis con sus conciertos, pasar por delante de la Via láctea, donde no lo dejaban entrar, quizás por las pintas que llevarían, hasta llegar a número 12 de la calle Quiñones, esta Moloko, quien diría más de dos décadas y sigue ahí, pero nuestro amigo con sus 20 años también ha estado allí, se que es un jodido nostálgico y me lo va a gradecer al volver a escuchar Going undergound - The Jam. 

Pero aunque pareciera que todo finalizara allí, no tan lejos existía un lugar que él lo suele indicar como el templo, un paraíso sobre la tierra, tierra de punk rockers “el Nueva visión” donde los himnos de una cultura rockera, eran los temas de los Ramones, aunque yo creo que London Calling - The Clash marcaba las horas. 

Mil anécdotas seguiría escuchando de nuestro amigo, por eso nos gusta tanto ir a verlo, sabemos que es un jodido nostálgico, si lo sabemos muy bien y eso es lo que nos gusta de él, porque no se uds, pero hoy el viaje se ha suspendido, pero solo por un tiempo, cada uno de nosotros estamos cumpliendo nuestra cuarentena en casa, pero por un momento me he sentido estar bebiendo unas cañas, caminado por esas calles del centro de Madrid, las que extrañamos mucho y cuando todo esto pase queremos volver, junto con cada uno de nuestros seguidores, aunque sea cerrando los ojos e imaginando ese día. 

Los esperamos perdidos en las calles del centro de Madrid, los estaremos allí en algún bar, sala de concierto, restaurante, o solo de paso.. 

Daniel 

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Nota: La realidad muchas veces supera cualquier ficción, y desde 7dias7notas, queremos con nuestras historias reconocer a nuestros seguidores, pero en esta ocasión también no dejar de hacer el reconocimiento a todos los que hoy hacen el esfuerzo de salir adelante de este crisis, desde los trabajadores de la salud, policías, los trabajadores que salen desde sus casas para que podamos tener el pan en nuestras mesas, a los autónomos que hoy la están pasando muy mal también, a todos ellos que han perdido un ser querido en este duro momento, a todos ellos este reconocimiento. 

El disco de la semana 173: Patricio Rey y Sus Redonditos de Ricota - Glup!

Glup!

Hemos vuelto a los clásicos, y cuando hablamos de clásicos, los clásicos del R&R argentino, ese rock nacional que corre en las venas de cualquier banda de rock de estos tiempo, sin un ADN, no se podría identificar un sonido único,

Aquí en 7dias7notas, hemos hablado ya de esta banda, si los Redondos, como para simplificar su nombre, ya que si hablamos de nombres y apellidos, Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota por hablar con propiedad.

Pero no hablaremos de su historia, esta ya la hemos contado, y hemos contado sus orígenes en la ciudad de La Plata que es la capital de la Prov. Buenos Aires, así que nos centraremos en uno de sus primeros discos que saco la banda allá por 1984.

En lo personal Los Redondos marcaron una época, con aires de rebelde anti-comercial, hasta hoy en día su ex líder de la banda, el Indio Solari, lleva por costumbre que sus conciertos faraónicos y multitudinarios continúen con el ritual del boca a boca, nada más lejos de lo que sucedía en los años '80. Así que Glup!, nos llega de la mano del Indio Solari junto a Skay Beilinson, quienes conformaban la banda, pero Glup!, no vendrá solo, otros artistas ayudaran en su creación y difusión, es un disco que tiene mucho de festivo, trae a la imaginación imágenes de feria o de festejos, será por las raíces circenses de la banda que sea así, pero sobre todo lleva sonidos de guitarras, fuertes instrumento de vientos y un marcado saxofón. 

Si hablaLa esencia de la banda de carácter bohemio y artístico, y esto lo demuestran en las primeras ediciones del disco, cuenta el artista plástico que realizo la tapa del disco (Rocambole Cohen) que fueron hechas a mano, en una declaración hecha por el artista menciona "No me acuerdo cuántos hicimos: estuvimos una semana armando las tapas, eran brigadas de trabajo, un término que se coló de la izquierda cuban".

La lista de canciones de Glup!, contiene algunos de sus más preciados clásicos de la banda, y hasta la banda introdujo una pista oculta para sorpresa de sus fans. 

"Barbazul versus el amor letal" (04:14)
"La Bestia Pop" (04:03)
"Roto y mal parado" (04:31)
"Pierre, el vitricida" (01:01)
"Unos pocos peligros sensatos" (03:02)
"Yo no me caí del cielo" (03:00)
"Te voy a atornillar" (03:30)
"Superlógico" (03:01)
"Ñam fi frufi fali fru" (02:36)
"El infierno está encantador esta noche" (04:49)
"Criminal Mambo" (04:04)
"Pianito - Jam (pista oculta)" (00:53)

No creo que sea necesario recorrer cada una de sus canciones, eso se los dejare a Uds que eso seguro luego de leer esta recomendación les picara la duda e iran a cada uno de los link de Youtube que les dejo en la lista de canciones. 

Patricio Rey y sus redonditos de ricota, un clásico del rock, espero que lo disfruten. 

Daniel 

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Canciones que nos emocionan: Cissy Strut, The Meters

Cissy Strut, The Meters

     En 1967 nacía en Nueva Orleans, Luisiana, una de las bandas más influyentes de a historia del funky, The Meters, grupo al que ya dedicamos espacio en 7dias7notas con su disco Rejuvenation.
Art Neville (teclado y voz) lideraba la formación Art Neville & The Sounds, que incluía a los hermanos de Art, Aaron y Charles que se hacían cargo de la parte vocal, George Porter Jr (bajo), Joseph Zigaboo Modeliste (batería) y Leo Nocentelli (guitarra). Esta formación se habia hecho un nombere dentro del circuito local de Nueva Orleans, lo que llama la atención del cantante, compositor y productor musical Allen Toussaint, que por entonces trabajaba para el sello discográfico Sansu.

     Allen Toussaint, consciente del potencial de la banda, los ficha en 1967 como grupo de de sesión para los estudios Sansu, pero ficha a todos menos a los dos vocalistas y hermanos de Art Neville. Acababa de nacer The Meters, compuesto por Art Neville (teclados y voz), George Porter Jr (bajo), Joseph Zigaboo Modeliste (batería) y Leo Nocentelli (guitarra).
El grupo  realiza innumerables grabaciones como músicos de sesión hasta 1969, algo que aprovechan también para ir afinando y perfeccionando su sonido, un estilo basado en la fusión de estilos como el groove funk.

     Durante los años 1967 y 1969 el grupo había grabado para el sello discográfico Josie una serie de sencillos que resultan tener un notable éxito, entre los que se encuentran Sophisticated Cissy, Cissy Strut y Look Ka Py Py. El grupo viendo la gran acogida de sus temas se lía la manta a la cabeza, y bajo la producción de Allen Toussaint publica en 1969 su primer álbum de estudio, que incluye además los anteriores temas. Su primer disco, llamado The Meters pone de manifiesto su depurado estilo, sencillo, con garra y con un sonido muy funky.

     Incluido en ese disco se encuentra otro de esos temas que a mí tanto me emocionan, Cissy Strut, si bien ya había sido publicado con anterioridad e incluido posteriormente en su primer trabajo, The Meters. De hecho este tema la compusieron en su etapa de Art Neville & The Sounds y ni siquiera tenía nombre. Cuando iban a tocar a los locales en directo observaban como todas la bandas que allí lo hacían tenían un tema de apertura de sus actuaciones, un tema que hacían siempre al principio y que servía para enchufar a la gente. Así que ellos deciden componer un tema que les sirva para realizar la apertura de sus directos, así surgió el instrumental Cissy Strut. Cuando empezaron a tocar este tema en sus aperturas ni siquiera tenía nombre, el nombre vendría después, cuando deciden grabarla en el estudio.

Canciones que nos emocionan: Cuando pase el temblor, Soda Stereo (Mes Soda Stereo)

Soda Stereo

     Año 1985, Soda Stereo publicaba su segundo álbum de estudio, Nada Personal, un disco que pilló desprevenidos a Cerati, Bosio y Alberti por lo que estaba a punto de llegar tras su publicación. El disco causó furor en Argentina, y no sólo allí, pues resulto un rotundo éxito internacional. Un éxito que pilló desprevenido a la banda, que ni mucho menos se esperaba tener el impacto que consiguió tener.

     En varios países latinoamericanos el disco consiguió certificaciones de oro y platino, incluso en Chile consiguieron tener un éxito sólo comparable a la Beatlemanía, de hecho los medios se referían al fenómeno que la banda causó con los términos Sodamanía ó El Temblor.
Para la grabación de Nada Personal, el grupo recurre a los estudios Moebio de Buenos Aires, donde es grabado y mezclado. Incluido en este segundo álbum se encuentra el tema Cuando pase el temblor, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan.

     El tema fue compuesto por Gustavo Cerati, que se inspiró en el hecho de que su familía solía frecuentar el Pucará de Tilcara, un sitio arqueológico formado por numerosas construcciones realizadas por los indígenas tilcaras, y que se encuentra situado sobre la Quebrada de Humahuaca, a 1 kilómetro al sur de loa ciudad de Tilcara, en la provincia de Jujuy, Argentina.
Es Cuando pase el temblor un tema que contiene una letra críptica, como si se hubieran entremezclado una serie de mensajes y frases al azar, donde nos habla de la angustia, el temor, la vergüenza ó la paz, todo ello con un tono y un aire de oscuridad. Hay quien entendió que el tema hablaba del orgasmo, otros entendieron que lo hacía de una tragedia personal.

     Es ese aire y esa letra críptica lo que hizo que cada país entendiera el significado de la misma a importantes momentos momentos de su historia. México por ejemplo ese año, 1985, había sufrido el peor terremoto de su historia, de magnitud 8.1 en la escala Richter, y en Chile era éste el tema que la gente abanderaba y cantaba cuando se acabó el régimen de Augusto Pinochet. Hay quien definió el tema en el apartado musical como rock andino, pues contenía una fusión de carnavalito (música tradicional de raíces prehispánicas que se practica en el norte de Argentina, Colombia, Chile y Perú), reggae y new wave. Para la grabación, Cerati (guitarra y voz), Bosio (bajo) y Alberti (batería) contaron con la colaboración de Fabián Vön Quintiero a los sintetizadores.

     Es Cuando pase el temblor uno de los temas más emblemáticos de Soda Stereo y del rock en español. Tiene además una curiosidad, es el único tema que Soda Stereo se atrevió a grabar en inglés. El hecho de grabar una versión en inglés fue una prueba del grupo para entrar en el mercado musical de habla inglesa. Esta versión es una rareza muy difícil de encontrar, pues apenas hay copias y no se ha vuelto a comercializar. A Soda Stereo no le haría falta hacer más probaturas en inglés, pues acabarían conquistando el mercado internacional, incluido el de habla inglesa más adelante, y todo ello cantando en español.

Yo, caminaré entre las piedras

Hasta sentir el temblor, en mis piernas

A veces tengo temor, lo sé

A veces vergüenza

Oh oh oh

Estoy sentado en un cráter desierto

Sigo aguardando el temblor, en mi cuerpo

Nadie me vio partir, lo sé

Nadie me espera

Oh oh

Hay una grieta en mi corazón

Un planeta con desilución

Sé que te encontraré en esas ruinas

Ya no tendremos que hablar (que hablar)

Del temblor

Te besaré en el temblor (lo sé)

Será un buen momento

Oh oh

Hay una grieta en mi corazón

Un planeta con desilución

Oh oh oh oh oh oh oh

Oh oh oh oh, el temblor

(Despiértame) cuando pase el temblor

(Despiértame) cuando pase el temblor

(Despiértame) cuando pase el temblor

(Despiértame) uo uh ou uh, ou uh, uh oh

La música en el cine: Born To Be Wild - Steppenwolf

Cartel película Easy Rider

     Quien no se ha imaginado recorriendo una carretera solitaria en moto mientras resuena Born To Be Wild de Steppenwolf. Y gran parte de culpa de que asociemos este tema con la libertad representada en un viaje en moto es de la película Easy Rider.

     Easy Rider se gestó como una película independiente dramática, incluida en el genero llamado road movie, dirigida por Dennis Hopper e interpretada por el mismo y por Peter Fonda y Jack Nicholson. Esta película se inspiró en la película italiana de culto Il Sorpasso  (La Escapada) de 1962, dirigida por Dino Risi y protagoniazada por Vittorio Gassman y Jean-Louis Trintignant. En Easy Rider sus personajes realizan un viaje en motocicleta cruzando el sur de Estados Unidos con el objetivo de asistir al carnaval Mardi Grass en Nueva Orleans, el famoso carnaval que se celebra un día antes del miércoles de ceniza. Por el camino, nuestros intrépidos motoristas se van encontrando a personajes de lo más diverso.

     Una película de culto como Easy Rider tiene a su vez una banda sonora también considerada de culto, donde podemos encontrar temas de The Jimi Hendrix Experience, Smith, The Birds, The Holy Modal Rounders, Fraternity Of Man, The Electric Prunes, Roger McGuinn y Steppenwolf. Una banda sonora que sería reeditada en edición de lujo en 2004 con los temas originales en la cara A y otros tantos añadidos como cara B.

     Incluida en la banda sonora de la película nos encontramos con el tema Born To Be Wild, que incialmente no fue un tema que agradara a los editores de la película demasiado y que incluyeron simplemente por el hecho de que estaba compuesta por Mars Bonfire. En un principio, Peter Fonda, uno de los protagonistas de la película quería que se encargaran de la banda sonora de la misma Crosby, Still & Nash, al final serían Steppenwolf y los demás artistas anteriormente citados los que aparecerían en la BSO.

     Born To Be Wild aparece en el primer disco de Steppenwolf en 1968, titulado también Steppenwolf. La banda por entonces estaba formada por John Kay (voz y guitarra), Jerry Edmonton (batería), Michael Monarch (guitarra), Goldie McJohn (teclados) y Rushton Moreve (bajo). Steppenwolf era una banda canadiense, aunque se gestó y formó en California sobre la base de la banda Sparrow. El tema fue compuesto por Mars Bonfire, nombre artístico de Dennis Edmonton, quien era a su vez hermano de Jerry Edmonton, el batería de Steppenwolf. Mars escribiría además de esta algunas canciones más para la banda a lo largo de su historia.

     Mars Bonfire relataba cómo se le ocurrió la composición del tema, un día mientras estaba paseando por Hollywood Boulevard se fijó en un cartel que había en una ventana que rezaba "Born to Ride" con una imagen de una motocicleta saliendo de la tierra y rodeada de fuego alrededor. Por aquel entonces Mars se acababa de comprar su primer coche, un Ford Falcon, y rápidamente asoció la idea de la motocicleta saliendo en busca de la libertad al igual que la alegría y la libertad que sentía él con aquel coche, el cuál podía conducir cuando le apetecía y hacia donde quería. Es en este tema donde aparece por primera vez el término "heavy metal", y hay quien define este tema como la canción original que dio paso al heavy metal. Si es la primera o no eso dejo que lo valoréis vosotros, pero lo que si hay una cosa clara, cuando se referían a "heavy metal", se estaban refiriendo a una moto.

Soda Stereo - Signos (Mes Soda Stereo)

No hay un modo
No hay un punto exacto
Te doy todo

Y siempre guardo algo..

Estamos hablando de Signos el tercer álbum de estudio de la banda Soda Stereo, que fue grabado en 1986, este sera uno de los mejores álbum de la historia de la banda, y el que dio paso a una gira que permitió que la banda lograra un mayor reconocimiento. 

La gira se extendió no solo por Argentina sino que por Chile, Paraguay, Perú, Bolivia, Ecuador, Colombia, Costa Rica, México y Venezuela., el poder que había alcanzado Soda Stereo se podría decir que su fama ya los etiquetaban como una leyenda del Rock en toda latinoamérica. 

Pero no seria todo color de rosa, en esta gira, comenzarían con mal pie, ya que uno de los primeros conciertos de la banda en la ciudad de San Nicolás de los Arroyos, en la discoteca Highland Road mientras la banda realizaba su show, se desprendió un balcón donde murieron 5 de los espectadores otros resultaron heridos. 

Este terrible accidente, no desmotivo a la banda quien luego se presentaría en la ciudad de Buenos Aires, en el Estadio Obras Sanitarias, este show dio paso a la presentación del disco Signos el 8 y 9 de mayo de 1987. 

Nada de lo ocurrido detendría a la banda, cuya gira habría comenzado en la ciudad de Quita, Ecuador el 3 de diciembre de 1986, y terminaría en la ciudad de Villa Gessel, Provincia de Buenos Aires, Argentina, pero esta gira por toda latinoamérica, dejaría uno de los álbumes de la banda en vivo (Ruido Blanco) que fuera grabado en diferentes conciertos, durante toda la gira. 

Signo México 1987 - Gira Signos

Signos había alimentado la maquina viviente, que venia creciendo por toda latinoamérica, Soda Stereo, había dejado de ser una banda local, para convertirse en aquella banda de rock que los jóvenes y adolescentes de toda latinoamérica querían ser, demostrando que el rock latino había llegado para quedarse. 

Ya hemos dicho que pocas bandas de Rock de la época habían alcanzado semejante fama, como lo habían hecho estos tres jóvenes nacidos en la ciudad de Buenos Aires, Gustavo Cerati diría que  "Escribí todas las letras de un solo tiro. Vivíamos al palo, parecía que estábamos lejos del arte y, sin embargo, fue uno de nuestros discos más profundos, quizás porque no la estábamos pasando bien."

Punta Arenas, Chile 1987 Gira Signos

Desde luego pienso que no se imaginaria junto a sus compañeros de grupo (Charly Alberti y Zeta Bosio), el éxito que alcanzaría Signos, no solo por la monumental gira que la banda haría por toda latinoamérica, y la huella que dejaría en ella, sino que entre las canciones del álbum se encuentran muchas de las canciones que son historia en la discográfica de Soda Stereo. 

No solo Signos, corte que da nombre al disco, sino temas como Persiana Americana, Prófugos, El rito, verdaderos clásicos de la banda que hoy en día siguen sonando en las radios, permiten soñar con aquella gira monstruosa por todo latinoamérica.

No cabe duda que Soda Stereo se ha ganado su fama, esa Sodamania que se generaba a cada paso que daba la banda.  

Signos no es un álbum más en la historia de Soda Stereo, es el comienzo de una nueva época para el Rock Latino, Soda Stereo ya había surcado los rumbos en esta latinoamérica que quería cada vez más tener su identidad dentro de la música del Rock, un rock que hasta el momento no se hacia escuchar, y Soda Stereo llevo ese sonido a cada rincón del continente. 

Así que te invito a descubrir Signos un verdadero culto a la música, en el #MesSodaStereo. ... Signos Uniendo fisuras Figuras sin definir Signos, oh...


Daniel 
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Canciones que nos emocionan: Boom Boom, John Lee Hooker

Boom Boom, John Lee Hooker

     En esta ocasión me voy a centrar en otro de esos temas que a mí tanto me emocionan, y que se ha convertido por derecho propio en uno de los estandartes de este artista y del género blues, ni más ni menos que Boom Boom de John Lee Hooker.

     John Lee Hooker nace en 1912 en una granja de Clarksdale, Mississippi (Estados Unidos), en 1928 sus padres se separan y el queda a cargo de su madre. Su madre se vuelve a casar con un músico de blues llamado william Moore. Es William quien enseña a tocar la guitarra a Hooker cuando este tenía 13 años.

     En 1931 Hooker decide mudarse al norte de Estados Unidos, primero Memphis, donde estuvo tocando y trabajando en cines locales. Posteriormente se marcha a Cincinnati, donde alterna trabajos de limpiabotas o acomodador en teatros con actuaciones en grupos de gospel. En 1943 acaba instalandose en Detroit, consiguiendo un trabajo en a industria de automóvil y cantando en bares de los suburbios.

   En 1948 comienza la carrera musical de Hooker al conseguir su primer éxito con el tema Boogie Chillen. Hooker solía tocar sólo o como mucho acompañado de un segundo guitarrista. En la década de los 50 grabó con varios nombres diferentes antes de hacerlo como John Lee Hooker, tales como Delta John ó Birmingham Sam entre otros. Pero eso cambiaría a partir de 1955, cuando acaba contrato con la discográfica Modern Records y ficha por la compañía Vee-Jay, de Chicago. Esta compañía disponía de músicos de sesión que ponía a disposición de sus artistas para que grabaran. Así se gesta en 1962 la grabación del tema que el mismo compone Boom Boom.

    John Lee Hooker solía tocar en un bar de Detroit llamado Apex Bar, y siempre solía llegar tarde, algo que la banda de acompañamiento que tocaba con él siempre le recriminaba. En aquel bar trabajaba una camarera llamada Luilla (hay quien dice que se llamaba Willa), que siempre que veía llegar tarde a Hooker le decía "Boom Boom, llegas tarde otra vez". Hooker pensó que aquello que le decía la camarera podía ser el nombre de un tema, tenía gancho. Una noche de camino a casa se puso a darle vueltas al asunto en cuestión, y al día siguiente se puso a escribirla. Una vez que la tuvo hecha se la mostró a cierta gente, y esta alucinó, así que lo siguiente que hizo fue enviarla a Washington DC y registrar los derechos de autor. Una vez registrado como autor del tema ya podía tocarla en el bar y y mostrarla a Luilla que en cierto modo y sin saberlo le había inspirado y le había dado aquella canción .