0123: Night Train (Live at the Apollo) - James Brown

 

Live at the Apollo, James Brown

     Night Train es un clásico tema de R&B que fue grabado por primera vez en 1940 por Johnny Hodges, saxofonista que solía acompañar a Duke Ellington, bajo el título That's the Blues, Old Man. Posteriormente Duke Ellington utilizaría el mismo riff como tema de apertura y cierre de una composición más larga, Happy-Go-Lucky Local, que a su vez era una de las cuatro partes que formaban parte de su famosa Deep South Suite.

Una de las versiones más famosas de Night Train es la que hizo Jimmy Forrest en 1952, saxofonista que formaba parte de la banda de Duke Ellington la primera vez que la interpretó. Posteriormente, al dejar la banda de Ellington, Forrest grabó el tema con la compañía discográfica United Records. El tema conservaba la esencia de las composiciones originales a la vez que se dotaba al tema de un sabor a R&B. La versión de Forrest se convirtió en un auténtico éxito, y Night Train rápidamente se convirtió en un tema básico en los repertorios de las bandas de R&B.

En cuanto a la composición del tema, era puramente instrumental y se le atribuye la composición de la letra a Lewis P. Simpkins, copropietario de United Records, y al guitarrista Oscar Washington. La composición es un blues de doce compases, un típico lamento de blues de un hombre que se lamenta por haber tratado mal a su mujer, y ahora ella le ha dejado. 

James Brown no era ajeno a este temazo, y en 1961 grabó una versión de Night Train con su banda. James Brown reemplazó la letra original de la canción por una lista de ciudades que formaban parte de su itinerario de gira por la Costa Este de Estados Unidos, alternando con muchas repeticiones del título del tema, Night Train. El tema fue lanzado como sencillo en 1962 y alcanzó un gran éxito, ocupando el puesto número 5 el las listas de ventas de R&B del país.

James Brown grabaría una memorable versión en vivo de Night Train en 1963 en su mítica actuación en el Teatro Apollo de Harlem. Brown, al darse cuenta del tirón y éxito que tenía en sus conciertos, le propuso la idea de grabar un álbum en directo a Syd Nathan, director de su sello discográfico, King Records. Syd Nathan se negó, pero Brown no se detuvo y grabó el concierto que dió en el teatro el 24 de octubre de 1962, asumiendo él de su propio bolsillo todos los costes de aquella grabación, que ascendieron a $ 5700. Para sorpresa de syd Nathan, el álbum se vendió increíblemente rápido y paso 66 semanas en la lista estadounidense Billboard Top Albums, llegando a alcanzar el puesto número 2. 

La musica en canciones: Canciones reseñadas de 1962

 

La música es como el amor, bueno, es amor, todos tenemos el nuestro y no a todos nos tiene que gustar lo mismo, esta lista no son las mejores canciones, ni siquiera tus favoritas o nuestras favoritas (bueno eso casi que si), simplemente nuestras elegidas, y a modo de índice os dejamos una lista de todas las canciones de 1962 reseñadas para que puedas conocer mas sobre la canción, además de una lista creada en Spotify con todos los temas para escucharlas. 

Clickea sobre el titulo de la canción y te llevara al articulo de cada una de las 12 canciones reseñadas de 1962. Disfrútenlas

Ac-Cent-Tchu-Ate the Positive - Aretha Franklin

Back door man - Howlin’ Wolf

Boom boom - John Lee Hooker

Desafinado - Stan Getz / Charlie Byrd

Fingertips - Stevie Wonder

Green Onions - Booker T. & the M.G.'S

In my time of dying - Bob Dylan

Maria - West side story 

Return to sender - Elvis Presley

Sealed with a kiss - Brian Hyland

Song to Woody - Bob Dylan

Spoonful - Howlin’ Wolf

Surfin' Safari - The Beach Boys

Tous Les Garçons Et Les Filles - Françoise Hardy

You Can't Judge a Book by the Cover - Bo Diddley

You don´t know me - Ray Charles

0122: Ring of fire - Johnny Cash

 

Lanzado el 19 de abril de 1963, "Ring of Fire" fue uno de los mayores éxitos de Cash y apareció en el álbum Ring of Fire: The Best of Johnny Cash. La canción fue coescrita por la futura esposa de Cash, June Carter, y la compositora y productora Merle Kilgore. A Carter supuestamente se le ocurrió la idea de "Ring of Fire" mientras conducía una noche, pensando en el hecho de que se sentía atraída por este hombre peligroso, a pesar de su estilo de vida salvaje y confuso. Ella no pudo resistirse a él. Carter, que se casaría con Cash cinco años después, supuestamente tomo el título de la canción de un libro de poesía isabelina que pertenecía a su tío. Sin embargo, no escribió la canción con la intención de que fuera para su futuro esposo, sino para su hermana, Anita Carter, quien grabó una versión de la canción bajo el título “(Love's) Ring of Fire”. Cuando la escucho a Cash le gustó la canción y quiso hacer su propia versión. Le dijo a Anita que le daría a su versión seis meses y que si no se convertía en un éxito, la grabaría a su manera.

 

Así fue que el 25 de marzo de 1963, Johhny Cash entró en el estudio con el legendario productor de country Don Law para grabar su versión de "Ring of Fire", la estructura musical e instrumental de la interpretación más famosa de dicha canción nació en un sueño de Cash, quién cuenta que escucho la canción acompañada de trompetas mexicanas y procedio a hacerla realidad en su version de "Ring Of Fire" en colaboración con su banda Tennessee Three, que contaba con Luther Perkins a la guitarra. Perkins, quien murió trágicamente en 1968 después de quedarse dormido con un cigarrillo encendido, jugó un papel decisivo en la innovación del sonido característico de Cash, “boom-chicka-boom”. Miembro fundador de la banda original de Cash, Tennessee Two, el guitarrista tocó en todas las primeras grabaciones de Cash, incluidas "Folsom Prison Blues", "I Walk the Line" y, por supuesto, "Ring of Fire". Hijo de un predicador bautista, Perkins tenía un estilo de guitarra vibrante y se adaptaba perfectamente a la calidad de tren desbocado de las primeras grabaciones de country con rockabilly de Cash.

 

"Ring of Fire" es una canción perfecta, universalmente identificable, contiene ese acento de la música country, pero también ese ambiente de rock and roll, y también podría ser una visión divina de la relación entre dos íconos de la música (Cash y Carter) que vivieron vidas complicadas, fascinantes y edificantes tanto separados como juntos. Clasificada en el puesto 87 en "Las 500 mejores canciones de todos los tiempos" de la revista Rolling Stone y en el número 4 en "Las 100 mejores canciones de música country" de CMT, "Ring of Fire" ha inspirado a una legión de versiones de todo el mundo, y se ha convertido en una de las canciones más emblemáticas de la historia de la música y unas de las que más han sido versionadas en otros repertorios, haciéndola suya entre otros Eric Burdon and The Animals, Wall Of Voodoo, Social Distortion, Frank Zappa, Coldplay y muchos artistas más.

La música en historias: La primera formación, Mark I - #MesDeepPurple

 

Deep Purple (Mark I) 

     Corre el año 1968, y el músico Chirs Curtis, quien ha vivido los  años dorados del mersybeat como cantante y batería de la banda The Searches, llegando a rivalizar incluso con los primeros Beatles, tiene una loca idea, según se mire. Llama a un mánager y empresario llamado Tony Edwards y le propone que sea su manager para llevar a cabo un proyecto musical que tiene en mente. En aquel momento Curtis comparte apartamento con un pianista llamado John Lord, el cual tiene una más que notable experiencia como músico de sesión, al que también convence para que se involucre en su proyecto. Otro de los músicos que Curtis tiene en mente es un guitarrista explosivo que ha conocido en Hamburgo, Alemania, llamado Ritchie Blackmore, quien también acepta embarcarse en el proyecto de Curtis. 

El proyecto de Curtis es sencillo, ellos son el grupo fijo, y alrededor de ellos habrá músicos itinerantes que irán rotando según las necesidades de cada tema, una especie de tiovivo musical con músicos entrando y saliendo constantemente. El nombre del grupo: Roundabout. Desde el primer momento Blackmore y Lord encajan como un guante, hay mucha química, el que no encaja tan bien es precisamente Curtis, el ideólogo del proyecto, pues tenía un comportamiento bastante errático lleno de constantes fantasías. Para muestra la anécdota que Lord, su compañero de piso relata sobre Curtis: Un día, Lord, al llegar al apartamento que los dos compartían, este estaba todo cubierto de papel de plata, las sillas, las mesas, todo, en ese momento supo que su compañero Curtis se había perdido, demasiado ácido en el cuerpo. 

La primera formación que acompañan a Lord en los teclados, Blackmore en la guitarra, y Chris Curtis como vocalista en Roundabout, son el baterista Woodman Clarke y Dave Curtiss al bajo.Tony Edwards se ha asociado a John Coletta y Ron Hire, y juntos han fundado la sociedad HEC (Hire-Edwards_Coletta Enterprises), la empresa que pone la pasta en el proyecto y que guiará los designios de la banda durante años, y con una parte de responsabilidad, además de la de nuestros protagonistas, de la caída a los infiernos del grupo más adelante, por no haber sabido gestionarlo. La sociedad tiene claro que Lord y Blackmore apuntan maneras de grandes músicos y tienen claro que deben ser el eje su inversión, también tienen claro que Curtis, el padre del proyecto, es caso perdido preso de sus viajes con el LSD, por lo que le despiden.

Poco después, despiden al bajista Curtiss y fichan a Nick Simper, por lo que el curteto (Lord, Blackmore, Woodman y Simper) se instala en una granja al norte de Londres para ir rodando y perfilando los temas de Roundabout. El grupo no tiene cantante, y el baterista Woodman no acaba de encajar en la banda, por lo que acaba marchándose, y el grupo inicia un casting para buscar un cantante. Así es como fichan al cantante Mick Angus, de la banda Mark Barry. Angus comenta al grupo que conoce a un talentoso baterista que además toca el doble bombo, un tal Ian Paice, del grupo The Maze. Paice es fichado, y éste a su vez les habla de un cantante que podría ser idóneo para el puesto, un tal Rod Evans, el cual se acaba haciendo con el puesto de cantante, por lo que Angus acaba convirtiéndose en pipa del grupo. 

Echaba a andar un grupo que comienza sus primeras presentaciones con el nombre de Roundabout con una gira por Escandinavia en abril de 1968, pero el nombre no cuadra y tienen que cambiarlo, por lo que se empieza a imponer la fuerte personalidad de Blackmore que impone el nombre de Deep Purple, la canción favorita de su abuela, compuesta por el pianista Peter Rose y popularizada por Nino tempo Y April Stevens. Comenzaba la primera etapa de Deep Purple con la primera formación, llamada Mark I, con la grabación de tres discos, y que curiosamente alcanzaron bastante éxito en Estados Unidos, mientras que en su tierra, Reino Unido, pasaban ciertamente inadvertidos.

Shades of Deep Purple

Publican en julio de 1968 bajo el sello discográfico Tetragrammaton Records en Estados Unidos, y en septiembre de 1968 bajo el sello Parlophone, su primer disco de estudio, Shades of Deep Purple, grabado en tan sólo tres días en los estudios Pye de Londres. La banda había grabado anteriormente una demo en los estudios Trident de Londres y la habían enviado al sello estadounidense Tetragrammaton Records, que buscaba nuevas bandas británicas que descubrir. La banda, que no tiene mucho presupuesto, lo graba sólo en tres días, con todo lo que eso conlleva, y apuesta por un sonido progresivo y psicodélico. La versión que el grupo graba de Hush, tema escrito por el músico estadounidense Joe South, y grabado por pimera vez un año antes por Billy Joe Royal, obtiene una gran acogida en el mercado estadounidense, alcanzando el puesto número 4 en la lista Billboard Hot 100, lo que le proporciona una fama y reconocimento en el país. Sin embargo, tanto el exitoso single como el disco pasaron sin pena ni gloria por su tierra, el Reino Unido.

The Book of Taliesyn

En diciembre de 1968, bajo el sello Tetragrammaton Records en estados Unidos,  en julio de 1969, bajo el sello Harvest/EMI en Reino Unido, y bajo el sello Polydor en Canadá y japón, el grupo publica su segundo álbum de estudio, The Book of Taliesyn. El disco es grabado en los De Lane Studios de Londres, entre los meses de agosto y octubre de 1968. El grupo no había asimilado ni asentado todavía su primer trabajo, cuando la compañía les presiona para sacar otro disco de estudio. El sonido, sin dejar el rock progresivo ni el psicodélico, se acercan en algunos temas a la música clásica y al hard rock, acercándose algo al mítico sonido que desarrollará más tarde la formación Mark II en su por la época dorada. Incluyen tres versiones, Kentucky Woman de Neil Diamond, Exposition/We Cant Work It Out, de los Beatles, y River Deep, Mountain High, popularizado por Ike & Tina Turner dos años atrás. En Estados Unidos, el tema Wring That Neck, fue censurado por su título (Estrangula ese cuello) y fue titulado y editado en dicho país bajo el nombre Hard Road (Camino duro). El tema más exitoso del disco fue el single Kentucky Woman, y también la cara B de dicho sencillo, Hard Road, obteniendo buenos puestos en las listas de éxitos estadounidenses y canadienses. En Reino Unido, la cosa sigue igual, incluso peor, pues EMI, su compañía en Europa, edita el disco bajo el subsello Harvest Records, creado para dar salida a bandas de rock progresivo británicas. Siguen sin ser reconocidos en su tierra.

Bajo la misma fórmula que el anterior, Tetragrammaton Records en Estados Unidos, en junio de 1969, Harvest/EMI en Reino Unido en noviembre de 1969, y Polydor en Canadá y Japón, publican su tercer disco de estudio, titulado Deep Purple. Grabado también en los De Lane Studios de Londres, entre los meses de enero y marzo de 1969. El sonido se va endureciendo acercandose más hacia el hard rock, producto del peso que Blackmore ya va ganando en el grupo, quien va imponiendo sus ideas sobre el sonido que la banda debe tener. El sello discográfico Tetragrammaton está arruinado, lo que sumado a la elección en Estados Unidos del tema Emmaretta, el cual pasa inadvertido, y la escasa promoción del disco, hacen que en estados Unidos pase inadvertido. En Reino Unido, el disco es presentado en Septiembre de 1969, y si tenía alguna posibilidad de triunfar, estás fueron arruinadas por el anuncio de la banda del concierto con la Royal Philarmonic Orchestra. Estos hechos desencadenan el final de la formación Mark I, y el comienzo de la época dorada del grupo de la mano de la formación Mark II...

Deep Purple

0121: Please Please Me - The Beatles

 

Please Please Me, The Beatles

     El 11 de septiembre de 1962, los Beatles realizaron en los EMI Studios una primera grabación del tema Please Please Me, tema que daría título a su primer álbum de estudio, y que sería lanzado como sencillo para promocionar dicho disco. Esta primera grabción no convenció al productor George Martin, que emplazó al grupo a intentarlo más adelante.

John Lennon era un gran seguidor de Roy Orbison, y escribió Please Please Me inspirándose en el estilo de canto dramático que Roy Orbison solía imprimir a sus temas. En cuanto a la letra del tema, John Lennon le pide a una chica que le complazca al igual que él hace con ella. Muchos asumieron que se refería al sexo oral, algo que los Beatles siempre negaron y que iba en contra de la impoluta imagen que aquellos chicos tenían en aquel entonces.

El 26 de noviembre de 1962 el grupo regresó a los EMI Studios para otra sesión de grabación, y George Martin no faltó a su palabra en cuanto a la grabación del tema, pero sugirió que grabaran el tema más acelerado y le añadieran armonías vocales. Justo al finalizar la regrabación del tema, George Martin quedó tan entusiamado que cogió el micrófono del intercomunicador y le dijo al grupo "Chicos, acabáis de grabar vuestro primer número 1.", y no se equivocaba.

Please Please Me fue publicado como sencillo por Parlophone en Reino Unido el 11 de enero de 1963, y posteriormente el 30 de enero de 1964 por Vee-Jay Records en Estados Unidos. El tema sería incluido en el primer álbum  de la banda, al que además da título, y que fue publicado el 22 de marzo de 1963. El sencillo alcanzó el puesto número 1 el 22 de febrero de 1963 en las listas de sencillos del Melody Maker y del New Musical Express, la lista de éxitos más reconocida del momento, y el puesto número 2 en la lista del Record Retailer, lista que acabaría evolucionando hasta convertirse en la Lista Oficial del Reino Unido.

La música en historias: Presentación Mes Deep Purple

 

     Se acabó el mes de abril, un mes en el que nos ha acompañado Prince, el genio de Minneapolis. Ahora toca despedirle y recibir al artista que nos acompañará durante el mes de mayo. Cambiamos de artista, cambiamos de género, pero no de color, pues el color púrpura que nos ha acompañado en abril de la mano de Prince, nos va a seguir acompañando, en esta ocasión de la mano de uno de los grupos más influyentes del rock, bienvenidos al mes de Deep Purple. Un grupo que durante más de 50 años de trayectoria, en el aspecto musical nos ha reglado discos, tanto en estudio como en directo, memorables, pero que en el aspecto personal su historia ha estado rodeada de egos, luchas internas y traiciones que han hecho descender al grupo al abismo de los infiernos en varias ocasiones, y con las mismas, ha  sabido resurgir cual Ave fénix. Y que mejor manera de presentar el mes de Deep Purple que presentando a los actores principales: 

John Lord

John Lord; nacido en Leicester (Inglaterra) en 1941. Su padre, Reginald Lord, era un saxofonista aficionado con estudios musicales, y tuco claro que su hijo debía de tener una buena educación musical como base de su formación. a los cinco años comenzó a estudiar piano, una formación clásica con gustos por las músicas barroca, medieval y tradicional británica que le serviría para potenciar en el futuro su obra con Deep Purple. Con un ámplio abanico de influencias clásicas, dos de las que le marcarán son la de Johan Sebastian Bach y Antonio vivaldi. A finales de los 50 se empieza a interesar por el blues escuchando discosde Jimmy McGriff y Jimmy Smith, y el rock & roll le impactará al ver en 1958 una actuación de Buddy Holly. Una de las grandes obsesiones de Lord fue la de mezclar música clásia y rock, algo que acaba consiguiendo el 24 de septiembre de 1969 en el Royal Albert Hall de Londres, al interpretar su Concert for Group and Orchestra.

Ritchie Blackmore

Ritchie Blackmore; Dicen los que han trabajado con él, que es huraño, malencarado, excéntrico, algo paranóico, con un egocentrismo patológico, falta de remordimientos, antisocial y manipulador. Pero lo que si está fuera de toda duda es que es uno de los mejores guitarristas de la historia, a la altura de los más grandes. Nacido en Somerset (Inglaterra) en 1945, dos años después de su nacimiento por motivos detrabajo de su padre se muda a Middlesex. Su padre, desesperado por lo mal que le va en los estudios a Ritchie, con un caracter introvertido al que no le llama nada la atención, le regala su primera guitarra cuando este tiene 11 años. Esa guitarra provoca un cambio radical en él, progresa muy rápidamente y toca con suma facilidad temas de Elvis Preseley y Buddy Holly entre otros. A los 15 años abandona los estudios, su padre le coloca a trabajar en el aeropuerto de Heathrow, donde él trabaja, y con su primer sueldo se compra su primera guitarra eléctrica. En esa época conoce a Big Jim Sullivan, guitarrista cuatro años mayor que él, quien se convertirá en su maestro y mentor. A principios de los años 60, Ritchie comenzaba a trabajar como músico de sesión, inciando aquí su carrera musical.

Ian Paice

Ian Paice; El único múscio del grupo que ha estado en todas las formaciones de la banda. Nacido en Nottingham (Inglaterra), se crió muy cerca de Oxford, donde comenzó a tocar el violín alentado por su padre, director de orquesta, aunque finalmente se decantó por la batería ante la posibilidad de tocar con la orquesta de su padre. La batería que comenzó a tocar, bajo la supervisión de su padre, era adaptada para zurdos, pues Paice es zurdo. Con quince años monta su primera banda de rock, llamada Georgie and the Rave Ons en 1965, con quienes llegó a grabar dos singles con escasa repercusión comercial. Esto le hace cambiarse de grupo, y se marcha a The Maze, grupo con el que llega a girar por Italia y Alemania, y que le sirve de trampolín hacia Deep Purple.

Rod Evans

Rod Evans; Nacido en 1947 en Berkshire (Inglaterra), fue el primer vocalista de Deep Purple, el de la llamada formación Mark I. Rod formaba parte de la banda MI5, después llamada The Maze, donde coincide con Ian Paice, y luego estuvo un corto periodo de tiempo en The Horizons. Además de cantar, trabajaba paralelamente como modelo, algo que se truncó con su entrada en Deep Purple. Grabó los tres primeros discos de la banda.

Nick Simper

Nick Simper; fue el primer bajista del grupo, grabando al igual que Rod Evans, los tres primeros discos de la banda. Nacido en Norwood Green, Middlesex (Inglaterra). Desde muy pequeño ya se interesó por la música, y a los quince años ya formaba parte de una banda, The Renegades. Antes de la mayoría de edad ya había militado en varas agrupaciones, The Delta Five y Some Other Guys. Con 18 años pasó por Buddy Britten & The Regents. Las bandas donde milita, no tienen demasiada repercusión, pero le sirven para ganar experiencia y poder fichar por Johnny Kidd & The Pirates, con quien está sólo un año, hasta que sufren un accidente de coche donde Kidd pierde a vida. Tras una largo periodo de rehabilitación, pasa a formar parte de The Garden, donde coincide con John Lord, su pasaporte a Deep Purple.

Ian Gillan

Ian Gillan; Por derecho propio, uno de los vocalistas más influyentes y respetados de la historia del rock. Nacido en 1945 en Hounslow (Inglaterra), su padre trabajaba en una fábrica, y su madre provenía de una familia con vínculos por la música, pues el padre de su madre, su abuelo, fue pianista y cantante de ópera aficionado. De hecho, el piano fue el intrumento que su  madre le inculcó desde bien pequeño. También desde pequeño, Gillan ya tuvo claro que quería dedicarse al mundo de la música. Abandonó muy pronto los estudios, al parecer el detonante fue al ver en el cine a King Creole y Elvis Presley. Comenzó su carrera cantado y tocando la batería en Garth Rockett and The Moonshiners. Tras darse cuenta de que tocando la batería no puede cantar como el desea, se marcha a Ronnie and The Hightones ya como vocalista, grupo que pasará a llamarse The Javelins. Tras separarse The Javelins, y tras formar parte de un proyecto abocado al fracaso, Gillan se une a Episode Six, donde comparte andanzas con Roger Glover. Este será el grupo que le sirva de escaparate para fichar por Dee Purple.

Roger Glover

Roger Glover; El eterno bajista del grupo. Nacido en 1945 en Brecon (Gales), su familia se mudó muy pronto a Kensington, Londres. Se interesó a edad muy temprana por el rock, y en un principio se decantó por la guitarra eléctrica. Empezó montando sus primeros grupos ya en la escuela. Su primera formación seria fue The Madisons, banda que rivalizaba por entonces con otra llamada The Lightnings. Las dos bandas, rivales pero con un repertorio muy similar, acaban fusionándose y pasan a llamarse Episode Six, donde Roger coincide por primera vez con Ian Gillan. Cuando John Lord y Ritichie Blackmore echan el ojo a Ian Gillan y le piden que se una a Deep Purple, éste impone una condición, llevarse de la mano a Roger Glover, convirtiéndose éste en el nuevo bajista del grupo en detrimento de Nick Simper.

David Coverdale

David Coverdale; Nacido en Saltburn-By-the-Sea, North Yorkshire (Inglaterra) en 1951. Desde bien pequeño se interesó por la música, pues esta formaba parte de su entorno familiar. En un principio se interesa por la guitarra al descubrir a gente como Jimi Hendrix y Pete Townsend entre otros, pero finalmente se decanta por las artes vocales, sintiendo atracción por cantantes de la talla de Otis Redding, Wilson Pickett, Joe Cocker, Van Morrison y Eric Burdon entre otros. Quién le iba a decir a este vendedor de una tienda de pantalones que se dedicaba a cantar por las noches buscando alguna banda de rock que le quisiera, que iba a marcar una de las épocas doradas de Deep Purple al contestar un anuncio del Melody Maker que buscaba un cantante para una banda de rock. La demo que presentó para la prueba tenía graves deficiencias técnicas y apenas se dejaba escuchar quien cantaba, pero había un momento donde aparecía un grito de Coverdale de unos cinco segundos, que según John Lord te helaba la sangre. Ahí el grupo lo tuvo claro y lo fichó.

Glenn Hughes

Glenn Hughes; Nacido en 1951 en Cannock, Staffordshire (Inglaterra). Sus padres le pusieron el nombre de Glenn por la adoración de los padres por el músico Glenn Miller. Desde pequeño se involucró en los estudios musicales, y cuando la edad se lo permitió se dedicó a recorrerse los clubs de música en vivo para empaparse de rock & roll y blues. Su primera banda fue Finders Keepers, donde ya demostró su enorme talento como bajista y vocalista, y con 17 años ya había editado con el grupo un single. El grupo el sirve de trampolín par fichar por una banda llamada Trapeze, donde milita también Dave Holland, a la postre baterista de Judas Priest. Con 18 años graba su primer álbum de estudio con dicha banda. tras dos discos más donde Hughes es el indiscutible líder de la banda, recibe una invitación de Deep Purple para unirse a ellos como bajista y segundo vocalista, pues la tarea de vocalista líder iba a recaer en Paul Rodgers. La idea de formar parte de un proyecto donde estuviera Rodgers atraía mucho a Hughes que acepta. al final Rodgers declinó la oferta, y la banda reclutó a un desconocido David Coverdale. Tan mal no el fue a Hughes formando pareja con el novato. 

Tommy Bolin

Tommy Bolin; Llamado a hacer grande cosas como guitarrista, con una clase excepcional y una fulgurante carrera, su adición a la droga se lo llevó por delante cuando contaba únicamente con 25 años. Nacido en Sioux City, Iowa (Estados unidos) en 1951, se dedica desde bien pequeño a tocar la guitarra, y con trece años ya había montado una banda de rock, llamando la atención de un grupo semiprofesional llamado Denny and the Triumphs, que lo fichan. Es en ese grupo  donde Bolin se foguea en directo y coge experiencia. Más tarde ingresa en la banda Ethereal Zephyr, grupo que se acaba llamando Zephyr, con el que graba dos discos. Con 20 se une a la banda de James Gang, y colabora con el batería de jazz Billy Cobham grabando el álbum Spectrum, y en 1974 consigue un contrato con el sello discográfico Nemperor con el que graba su primer disco en solitario. En 1975, y tras realizar una prueba para Deep Purple, en agosto de 1975 estaba de camino a Munich para grabar el álbum Come Taste the Band de Deep Purple. Bolin no fue fichado para suplir a Ritchie Blackmore, fue fichado para darle ese aire de funky, soul y blues que el guitarrista tenía, y que fue el complemento perfecto al estilo de soul y blues que traían los nuevos vocalistas Coverdale y Hughes bajo el brazo.

Joe Lynn Turner

Joe Lynn Turner; nacido en 1951 en New Jersey (Estados Unidos) en el seno de una familia italoamericana muy religiosa y amante del bel canto. Turner se cria escuchando cantos religiosos, pero también a Enrico Caruso, a Beniamino Gigli y al mismísimo Frank Sinatra. El canto espiritual le hace llegar al gospel, y después al blues y al rhythm & blues, conociendo a bandas como Led Zeppelin, Free y a Jimi Hendrix. Si bien acabó decantándose por ser cantante, era un muy buen guitarrista y un virtuoso del acordeón. Su primera banda seria es Fandango, y después de desaparecer ésta, ficha por Rainbow en 1980, con los que graba dos discos que le permiten a Ritchie Blackmore conquistar el tan ansiado mercado americano. Tras trabajar en diferentes proyectos durante la década de los 80 recibe la llamada de Balckmore, que ha despedido a Ian Gillan, para suplirle en la grabación del nuevo disco de Deep Purple, Slaves and Masters (1990).

Joe satriani

Joe satriani; Si amigos, aunque estuvo muy poco tiempo en la banda, figura como miembro oficial de la misma. Nacido en Westbury, Nueva York (Estados Unidos) en 1956, comenzó a tocar la guitarra eléctrica al enterarse que Jimi hendrix había muerto, abandonando un carrera más que prometedora como futbolista. comenzó como profesor de guitarra, impartiendo clases a guitarristas de la talla de Steve vai, Kirk Hammett, David Bryson, Marty Friedman Y Tom Morello entre otros muchos. Satriani entró en Deep Purple para sustituir, en la gira en la que el grupo estaba inmersa, a Ritchie Blackmore, que se enfadó y abandonó la banda, esta vez para siempre. Comenzó tocando el 2 de diciembre de 1993 en Nagoya, Japón, y dió el último concierto con la banda el 5 de julio de 1994 en Kapfenberg, Austria. Todos los músicos de la formación Mark VI, con la que Satriani coincidió, decían lo mismo del guitarrista, llegó en una época donde el grupo estaba abonado a la desidia y les inyectó fuerza y alegría, les devolvió las ganas de subir a divertirse en el escenario. 

Steve Morse

Steve Morse; Nacido en 1954 en Hamilton, Ohio (Estados Unidos) en el seno de una familia de músicos. Empezó estudiando de pequeño el piano y el clarinete, pero la guitarra le atrajo ya desde bien pequeño. Estudió en la Escuela de Música de la Universidad de Miami, donde por entonces impartían clases Pat Metheny y Jaco Pastorius. En 1975, junto con su amigo el bajista Andy West, crea el grupo Dixie Dregs (posteriormente se llamarían The Dregs), con el que graba nueve discos hasta 1994, si bien se separaron en 1983 para volver a juntarse otra vez al final de la dédaca. En 1984 crea la Steve Morse Band, con la que no ha parado de grabar y tocar hasta la fecha, y tuvo un breve paso por el grupo de rock progresivo Kansas. A finales de 1994, Steve Morse entraba en Deep Purple, y a día de hoy sigue siendo miembro de la banda. 

Don airey

Don Airey; Nacido en 1948 en Sunderland (Inglaterra), su padre, pianista aficionado, le inculca el arte del piano, y a los siete años domina perfectamente dicho instrumento y se maneja como pez en el agua entre partituras. Hasta la fecha, este genio de los teclados se ha ganado un currículum espectacular, tanto en solitario, con 4 discos editados, como en artistas de la talla Black Sabbath, Ozzy Osbourne, Michael Schenker Group, Gary Moore, Heliz, Jethro Tull, Colosseum II, Tony Iommi, Thin Lizzy o Judas Priest. En 2001 recibió la llamada de Deep Purple para sustituir a John Lord, que se enconraba lesionado. En 2002 ya era miembro oficial de la banda, y hasta la fecha. 

Una vez presentados los protagonistas, sólo queda ponerse cómodo, porque comienza el #MesDeepPurple...

0120: Twist and shout - The Beatles

 

Twist and shout además de una de las canciones mas conocidas de la primera etapa de The Beatles fue el título del primer EP del grupo de Liverpool que incluían las canciones “Twist and Shout” y “A Taste of Honey” por la cara A y “Do you Want to know a secret?” y “There’s a Place” por la cara B. 

Estamos ante una de las grandes joyas del repertorio de los cuatro de Liverpool y, de hecho, solía ser el tema con el que abrían sus intervenciones cuando todavía tocaban en los salones de baile de su ciudad y en el emblemático Cavern Club. Entró en el repertorio en vivo de The Beatles en 1962, existe una versión grabada en vivo del Star-Club de Hamburgo en diciembre de ese año aunque nunca se ha editado. La primera versión conocida, sin embargo, fue grabada para el programa de radio Talent Spot de la BBC el 27 de noviembre de 1962 en el Paris Studio de la corporación en Londres. La canción había sido originalmente compuesta por Bert Berns, un pionero del rock and roll y de la música soul en los años sesenta y luego popularizada por los Isley Brothers en 1962.

Este tema siempre ha estado mal vista entre los miembros del grupo, creando polémicas que el tiempo y el éxito borraron, la más trascendente la protagonizaba Lennon ya que decía que se sentía incómodo por tocar ese tema cuando había un artista negro en el mismo evento que ellos. Al respecto, llegó a declarar públicamente en 1963: "No parece correcto. Me siento un poco avergonzado... Siempre siento que ellos podrían hacer la canción mucho mejor que nosotros". Y es que Twist and Shout nos pudo costar la existencia del grupo más grande de la historia, ya que cuando Lennon y sus compañeros finalmente grabaron la canción en 1963 como parte del disco Please Please Me, la interpretación vocal de John prácticamente desgarró sus cuerdas vocales, la historia es que estaban al final de la sesión de grabación y el cansancio hacia mella en músicos y cantante, nadie puede recordar quién lo hizo pero alguien sugirió cerrar la sesión con "Twist And Shout" (posiblemente George Martin), pero a pesar de que la voz de John se había ido especialmente en ese momento, accedió a regañadientes a cantarla. Lennon chupo un par de Zubes (dulces para la garganta), hizo gárgaras con un poco de leche, se quitó la camisa (por alguna razón) y regresó con la banda para grabar la última canción del día.  Debido al mal estado de la garganta de Lennon, todos sabían que tenían que hacerlo bien la primera vez, incluso en la cabina de control… y salió, no obstante, empezaron a grabar una segunda toma pero la voz de Lennon se quebró sin haberla terminado, con lo que esa primera toma seria la que incluirían en el álbum, The Beatles tocaron aquella noche en vivo exactamente lo que escuchas en el disco hasta el día de hoy, no se necesitaron sobregrabaciones. Esa actuación legendaria de aquella noche aproximadamente a las 10:15 pm tuvo un efecto tremendo en todos los presentes. Richard Langham, uno de los ingenieros presentes ese día histórico, calificó esta toma como "una demostración asombrosa". El propio George Martin exclamó asombrosamente en ese momento: “No sé cómo lo hacen. Hemos estado grabando todo el día, pero cuanto más avanzamos, mejor se vuelven”, para McCartney es una de las actuaciones vocales más memorables de la historia del grupo.

 

La versión fue publicada como sencillo en los Estados Unidos el 2 de marzo de 1964, con «There’s a Place» en la cara B, por el subsello discográfico Tollie, de Vee-Jay Records. En las listas de éxitos alcanzó el segundo puesto el 4 de abril de 1964, la semana en que los primeros cinco puestos del Top-Ten fueron ocupados por canciones de The Beatles.

Disco de la semana 223: The dream of the blue turtle - Sting

 

La composición de Sting creció a pasos agigantados mientras The Police estaban juntos. Pero lo que creció más fue su paleta musical, ya que la policía pasó de una banda que tocaba un estilo de música (esencialmente poppy art punk-reggae) a una variedad de estilos. Básicamente, la policía nunca se llevó bien entre ellos, pero, en algún momento, Sting decidió que había superado a los otros dos musicalmente. Y entonces se fue solo y le dio al mundo ... esto. 

Sting izó su bandera de la libertad en junio de 1985, declarando "Si amas a alguien, déjalo en libertad". Para muchos, este primer disco de Sting como solista no coincidía con lo que conocíamos hasta ahora de él con Police: allí su imagen era la de príncipe arrogante, no un trovador reflexivo y seductor al frente de una banda de músicos consumados que, la mayoría de las veces, parecían estar creando la música alrededor de Sting. Janice Pendarvis y Dolette McDonald fueron las primeras voces que se escucharon en el álbum: "Free, Free ... déjelos libres", Branford Marsalis adornó cada frase con un saxofón fluido, Omar Hakim proporcionó florituras rítmicas que aún tocaban las habilidades de Stewart Copeland, Kenny Kirkland infundió jazz y gospel en los sonidos con su asombroso dominio de los teclados, y Daryl Jones manejó acertadamente el bajo, dando rienda suelta al propio instrumento de Sting. Aquí había algo nuevo, algo diferente y, después de escucharlo por primera vez, algo emocionante. Desde el principio, The Dream of The Blue Turtles se elevó por encima de The Police, por encima de la turbia nueva ola y me llevó a una nueva apreciación de Sting como letrista y compositor.

 

Y desde el minuto uno del álbum con los primeros acordes y palabras de If You Love Somebody Set Them Free hace un perfecto llamamiento a valorar en libertasd y dignidad a todo ser humano con el respeto que se merece, la canción repite la frase “libre, libre, liberalos” y durante todo el tema repasa muchas formas de esclavitud que podemos tener en la modernidad, la gran denuncia es que si te aferras a tu único pensamiento seguramente estés necesitado de una liberación, de mirarte en un espejo y ver lo que realmente eres. Sting dice que escribió la canción como un «antídoto» de «Every Breath You Take» de The Police. «Si amas a alguien, déjalo libre», frente a «Cada vez que respiras te estaré controlando», ten claro que por mucho que ames nunca podrás encerrar el corazón de una persona y convertirlo en tu posesión, tienes que dejar que el control lo tenga cada uno y si amas a alguien, dale la libertad incluso aunque en su libertad te diga que no. Love Is the Seventh Wave, tiene un ritmo claramente caribeño donde Sting nos describe cómo el amor es la séptima onda, o la ola más fuerte, eliminando todos los problemas. Existe una leyenda, extendida en la cultura popular de muchos pueblos que dice que cada seis olas llega una séptima que es especial, única, capaz de modificar lo que nos perturba y aportar algo nuevo… y con este fondo nos entrega una canción muy simpática y que te arranca una sonrisa en el rostro. Russians fue escrita en plena guerra fría, en una época donde tanto Estados Unidos como Rusia (y de golpe el mundo entero) se veían amenazados por los misiles nucleares, Sting se pregunta retóricamente, si los rusos también aman a sus hijos no tiene sentido entrar en una guerra de este tipo. La melodía está inspirada en un Romance de Sergei Prokofiev titulado Lieutenant Kije y Sting tuvo la idea de grabar la canción en Rusia con la orquesta estatal de Leningrado, sin embargo, las tensiones entre los países se lo impidieron. En la letra de la canción se menciona al físico nuclear Robert Oppenheimer, al líder Nikita Khrushchev o al presidente Ronald Reagan, como podéis comprobar, el mensaje de Sting era directo y sin medias tintas y si te lo hace con una canción de esta belleza, sin duda llega mejor, porque no olvidéis que no existe “una guerra ganable”.

Children’s Crusade es un gran tema donde hay que destacar por encima de todo el solo de saxo de Brandford Marsalis, una canción con una dedicatoria especial para los adictos a la droga, para todas aquellas personas que han perdido todo al caer en ese abismo, y para ello conecta con un hecho histórico, la cruzada de los niños sucedida en 1212 cuando miles de niños de Francia y Alemania iniciaron un viaje a tierra santa para recuperar Jerusalén de las manos de los turcos. Este acontecimiento le sirve para compararlo con todos los jóvenes que durante la Primera Guerra mundial perecieron de forma estúpida en una guerra sin sentido, y como mencionamos al principio con todos aquellos que los años ochenta, en gran parte por la estupidez de la sociedad y la falta de información, perecieron bajo el yugo de las drogas. Shadows in the Rain es un remake de un tema de The Police homónimo del disco «Zenyatta Mondatta». Kenny Kirkland bombea acordes de órgano sobre los pisotones de Omar Hakim; mientras, Sting y Marsalis esquivan síncopas alrededor de la línea de bajo. Comienza de forma divertida y entra Sting con un tono de voz áspera para convertir inesperadamente la canción en una melodía exuberante, optimista, a través de una mezcla de jazz y soul que te deja boquiabierto…. temazo! We Work the Black Seam habla de una huelga de unos mineros ingleses, la canción contiene un ritmo de casi música industrial mientras la voz de Sting va recitando su mensaje, hasta que llega el estribillo que casi se convierte en una especie de oración. Muy buen tema. Consider me gone es un tema oscuro, blues y jazz… con un final a golpe de caja del gran Hakim. La canción fue escrita en 1980 con intención de incluirla en el álbum Zenyatta Mondatta pero el resto de componentes no estaban de acuerdo y en su primer disco en solitario Sting la reivindicó.

 

The Dream of the Blue Turtles, corte que da título al disco, es una pieza instrumental de jazz progresivo. Las risas que se escuchan al final, cuentan las malas lenguas, son los músicos del disco descojonándose de la precariedad de Sting tocando la guitarra. En Moon over Bourbon Street Sting se luce en la voz y en el contrabajo, magnífica composición con arreglos inmejorables. La canción está inspirada en la novela de Anne Rice, Entrevista con el vampiro, que posteriormente se llevó al cine. Sting estaba fascinado por el personaje de Louis, un vampiro con conciencia que tiene que vivir con la idea de ser un vampiro y un depredador y que se arrepiente todo el tiempo de su existencia porque sabe que hay algo malo, como dice la canción “¿Cómo puedo llevar esta vida? Estoy rezando al Dios de arriba ya que tengo que amar lo que destruyo, y destruyo todo lo que amo. Moon Over Bourbon Street es una de las míticas calles de Nueva Orleans, una calle con nombre de alcohol está condenada a que sea el centro de la fiesta. El álbum cierra con Fortress Around Your Heart, tema inspirado en el divorcio de Sting. El dolor que sentía cuando se rompió su primer matrimonio lo llevó a escribir algunos de sus más grandes éxitos. Aquí lo que busca es una canción de reconciliación, utiliza una fortaleza abandonada dentro de una ciudad amurallada como metáfora de una relación que ha pasado por una guerra pero que dejan atrás para unirse de nuevo y construir un puente

0119: I saw her standing there - The Beatles

 

 

"Ella me miró, y yo pude ver que, en poco tiempo, me enamoraría de ella. Y ella no bailaría ya con otro, desde que la vi parada allí" cantaba Paul McCartney en el primer tema de "Please Please Me", el disco de debut de The Beatles en 1963. La canción, compuesta principalmente por McCartney, pero acreditada como todas al dúo Lennon-McCartney, es una celebración de los típicos guateques sesenteros, en los que las chicas esperaban en un rincón a que alguno de los chicos se atrevieran a sacarles a bailar.

Pese a ser una de las mejores canciones del disco, y la elegida para encabezar el listado de canciones del mismo, quedó relegada a la cara B del sencillo de "I want to hold your hand", uno de los temas de los Beatles que alcanzaron el número 1 en Estados Unidos, lo cuál no impidió que I saw her standing there estuviera durante más de tres meses en el Billboard Hot 100 en 1964, llegando a alcanzar el puesto 14. La revista Rolling Stone la situó en el puesto 139 en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, publicada en 2004. La canción se titulaba originariamente "Seventeen", en referencia a la edad de la chica, mencionada en el primer verso del tema. McCartney se inspiró en la canción tradicional "As I Roved Out", una versión a su vez del tema "Seventeen Come Sunday", y en la línea de bajo del "Talkin' About You" de Chuck Berry.

Tras darle varias vueltas a la letra y los acordes, terminó de completarla en la casa de los McCartney en Forthlin Road, con la ayuda de John Lennon, siguiendo el "modus operandi" con el que el dúo solía componer, en el que uno de ellos llevaba una canción casi acabada, y el otro sugería cambios y aportaba propuestas añadidas. Con I saw her standing there y la voz de McCartney contando "1,2,3,4" para que sus compañeros entraran al unísono, comenzaba la carrera discográfica de The Beatles, y desde ese momento en que les vimos parados allí, ya no quisimos bailar con ninguna otra banda.

La música en historias - El final del Mes Prince

 

Qué difícil es cerrar el #MesPrince sin tener la sensación de que, pese a haber reseñado más de una docena de sus obras, nos hemos dejado muchos discos buenos en la "bóveda" de 7días7notas. Para aliviar esa sensación de obra inconclusa, he creído necesario terminar el #MesPrince con uno de esos recuerdos asociados al momento en que su música se convirtió en la banda sonora de mi adolescencia. Después de que discos como Sign of the Times y Lovesexy "me volaran la cabeza", me embarqué en la búsqueda de todos sus discos anteriores, con la ayuda de una página de una revista que reseñaba brevemente todos los discos publicados hasta entonces, ordenados cronológicamente y con las fotos de las portadas. Como mencioné en la reseña de Parade, "recorté esa página y la colgué en la pared de mi habitación, y se convirtió en la hoja de ruta de mi búsqueda de Prince". Ha llovido mucho (y púrpura) desde entonces, y lamentablemente no se dónde fue a parar aquel recorte, pero su recuerdo me invita a cerrar el #MesPrince continuando aquellas breves reseñas, y que esta "segunda parte" pueda serviros de guía a todos los que queráis profundizar en los mejores discos de su obra posterior, quizá menos conocida, pero no por eso menos interesante:

 

Love Symbol (1992)

El mejor disco de Prince en los 90, con singles rotundos como My Name is Prince, Sexy MF o Seven, rodeadas de un buen puñado de buenos temas como The Continental, Love 2 the 90's, Damn U o The Morning Papers. Prince juega con la melodía de Rave unto the Joy Fantastic en los arreglos orientales de The Max, explora ritmos reggae en la juguetona Blue Light, y muestra su gusto por el erotismo y las películas de Roger Vadim en And god created woman. Las concesiones al rap están más acotadas que en Diamonds and Pearls, y sólo llegan a lastrar un tema como The Flow, al que salva el genial final instrumental, con la sección de vientos a tope. El disco iba a ser conceptual, pero los tramos hablados en los que se contaba la misteriosa historia de tres antiguas monedas de oro (3 chains O'gold) fueron en su mayoría eliminados para incluir canciones prescindibles (I wanna melt with U, Arrogance), pese a las cuales sigue siendo un disco sólido y desbordante, en el que anticipa ya la travesía entre el My Name is Prince del primer tema, y el sacrificio de cambio de nombre (The Sacrifice of Victor) que dejaba entrever en el tema final.

The Undertaker (1993) 

En 1993, Prince convocó al baterista Michael Bland y el bajista Sonny Thompson, miembros de New Power Generation para grabar un disco de power trío. Eran las 3 de la mañana, y dedicaron aproximadamente una hora a hacer un disco rudo y en directo, sin añadidos, basado en la canción que le da título, un alegato antidrogas y violencia de diez minutos de duración. La secuencia de canciones del disco es exactamente como la tocaron, y entre ellas hay joyas como la blusera The Ride, curiosidades como la revisión de Bambi, también en clave de blues, canciones que después encontrarían su sitio en discos posteriores (Dolphin, Zannalee) y hasta una versión del Honky Tonk Woman de los Rolling Stones Prince planeaba distribuir The Undertaker junto con la revista Guitar World, pero Warner Brothers lo impidió. La canción The Undertaker terminó saliendo en el disco The Voice de Mavis Staples en 1993.

 

The Gold Experience (1995)

El primer disco que sacó firmado con el símbolo impronunciable con el que renunciaba a su nombre, era un disco muy especial para Prince, y es uno de los mejores discos que sacó durante la década. Temas como Dolphin, Billy Jack Bitch, Gold y, sobre todo, I hate U serían suficientes para elevar este disco a la categoría de grande, pero además es el disco en el que finalmente incluyó una versión de The most beautiful girl in the world, su single de mayor éxito en esa década. Un disco que podría haber sido aún más grande, porque inexplicablemente en la selección de temas Prince descartó canciones como Days of wild o Interactive, superiores a otros temas que acabaron formando parte de The Gold Experience.

 

Chaos and Disorder (1996)

A lo largo de la década de los noventa, Prince entregó los trabajos que tenía pendientes con Warner sin demasiado ánimo, tirando de la "bóveda" para rescatar temas antiguos. Y, sin embargo, varios de esos discos entregados por contrato, tienen un nivel de calidad elevado y, en el caso de Chaos and Disorder, una estimable unidad como disco, gracias al marcado enfoque oscuro y rockero que comparten la mayoría de sus canciones. Chaos and Disorder, I like it there o The same december suenan frescas y rotundas, y Dinner with Delores es un correcto single de sonido limpio y áspera letra. Junto con The Undertaker, podría decirse que es el disco más "heavy" de Prince, sin llegar a serlo realmente.

The Truth (1998)

The Truth es uno de los discos más consistentes e interesantes de Prince, a la vez que uno de los más ocultos y desconocidos. Un disco de cuidada y minimalista producción acústica, que hace que el talento musical de Prince se disfrute de manera desnuda y directa. Canciones como The Truth, Don't Play Me, The other side of the pillow o Welcome 2 The Dawn están entre lo mejor de este disco, en el que también hay espacio para sensuales y sencillas baladas de sugerentes teclados (Circle Of Amour, Dionne) y otros temas destacados como 3rd Eye o One of our tears. Un disco en el que sólo sobra el innecesario tema Animal Kingdom, una anecdótica oda al veganismo que musicalmente es pobre y poco acertada, dentro de un disco de producción impecable, una auténtica rareza acústica dentro de su discografía.

The Vault: Old Friends 4 Sale (1999) 

Al igual que ocurriera con Chaos and Disorder, estamos ante un disco obligado por contrato, y de nuevo basado en una colección de temas que Prince tenía almacenados y sin publicar (Old Friends for Sale se quedó fuera de Parade), o que habían sido inicialmente ofrecidos a otros artistas (Five Women había sido compuesto para Joe Cocker), y de nuevo el resultado es un disco bastante unitario e, incluso, de mayor calidad que el disco publicado como "El Artista" en ese mismo año (Rave unto the joy fantastic), gracias al marcado toque jazz de la mayor parte del disco. She spoke 2 me, en una versión extendida con una improvisación jazzistica, se erige como el mejor tema del disco, y temas como When the lights go down o Extraordinary brillan también con luz propia en este disco.

 

The Rainbow Children (2001)

Su disco más valiente e interesante de la década de los 2000. Una apuesta arriesgada y conceptual que narra una historia de tintes bíblicos, con un marcado regusto a jazz-funk, y con transiciones en las que Prince va contando la historia con voz distorsionada. El tema The Rainbow Children son diez minutos de jazz experimental, mientras The Work pt I o 1+1+1=3 son funk al más puro estilo James Brown. El disco tiene tramos que parecen parodiar los musicales (Everywhere), con toques incluso operísticos (Wedding feast), y en su tramo final alterna reivindicativos temas funk que incluyen recitados de Martin Luther King (Family Name, The Everlasting now) con brillantes temas acústicos (She loves me 4 me, The Last December) No llega al nivel de sus discos de los ochenta, pero es innegablemente valiente.

 

One Nite Alone (2002)

Los mismos halagos que se llevó un disco como The Truth son aplicables a One Nite Alone, un disco concebido con la misma dinámica de producción sencilla y minimalista, pero dónde The Truth se basaba en guitarra acústica y la voz, aquí el protagonismo es para el piano de Prince y su voz aterciopelada y de falsete, con apenas añadidos adicionales. El resultado es también el mismo, estamos ante uno de los discos más consistentes e interesantes de Prince, y de nuevo pasa a engrosar las filas de sus "discos rareza" de no muy fácil adquisición. Encontramos aquí joyas como la propia One Nite Alone, U're gonna C me, Here on Earth o Have a Heart, canciones para sentarse y disfrutar en la oscuridad, y dejarse llevar por las notas del piano de Prince y su voz cálida y directa. Incluye una versión de A Case of U de Joni Mitchell, uno de los temas favoritos de Prince, que encuentra en "el disco de Piano de Prince" el sitio perfecto para ser incluida. Una rareza que de nuevo es impecable y altamente recomendable.

 

Musicology (2004): El deseo de Prince de regresar a la primera línea le llevó en este disco a alejarse de la experimentación y a entregar un álbum de corte más convencional. Consiguió el objetivo, con canciones destacables como Call my Name, A million days y, especialmente, Musicology, el single de lanzamiento y la canción que representó ese ansiado regreso  al calor de los focos, el éxito y el reconocimiento, ya como artista consagrado más que como el admirado innovador de antaño. Se cuelan en este disco un par de canciones en las que Prince muestra su preocupación por los problemas raciales post 11-S (Cinnamon Girl) y las demandas de los menos favorecidos, en forma de carta abierta al presidente en Dear Mr. Man,  el mejor tema del disco.

 

 Art Official Age (2014): El regreso del hijo pródigo a Warner, veinte años después, era un acontecimiento por el que Prince puso toda la carne en el asador, con temas tan rotundos como Clouds, y aunque seguía esforzándose por sonar moderno (Art Official Age), le salió un disco que volvía a esquemas pasados (Breakdown recuerda a The Beautiful Ones en estructura, y The Gold Standard a Superfunkycalifragisexy). Por si fuera poco, el mejor tema del disco (This could be us) es el recuerdo nostálgico de la relación con Apollonia en Purple Rain.

 

Hit 'N' Run Phase Two (2015): Tras la decepcionante primera parte de la saga Hit 'N' Run, esta segunda entrega supuso un regreso / homenaje a las raíces de la música negra (Look at me, look at you) el soul (When she comes) y el funk clásico (Black Muse). Grabado en analógico y a la vieja usanza, y apoyado en una sección de vientos de hasta 11 miembros en algunos temas (Big City), con guiños al pasado (Stare incluye, por un instante, la guitarra de Kiss perfectamente ensamblada en el ritmo) y visitas a la "bóveda" (Xtraloveable) que no desentonan en un conjunto sobrio y equilibrado. Una brillante despedida para una carrera inigualable.