Historia del rock and roll 17.- Eddie Crochan y Buddy Holly

Hoy os traemos al blog la vida y obra de dos talentos del rock and roll que lamentablemente fallecieron a causa de sendos accidentes y que nunca podremos saber el potencial que hubieran desarrollado y lo mucho que aparentemente iban a aportar a la música.

Eddie Cochran

El talento mas grande de la segunda generación blanca murió a los 21 años, cantaba y tocaba todos los instrumentos, debuto en 1956, la fiebre Elvis Presley se extendía por todo el país y los jóvenes de Estados Unidos querían seguir sus pasos, uno de ellos se llamaba Eddie Cochran, había nacido en Minnessota, lejos del centro neurálgico del rock and roll y desde muy pequeño le había llamado la atención la música, se quedaba escuchándola horas y horas hasta que llego a sus manos una guitarra que rápidamente aprendió a tocar. A los 15 años actuó en su colegio y después por bares donde no exigía ningún pago por los servicios, la calidad de su música hizo que el auditorio municipal de South Gate le ofreciera una paga por actuar allí. Tras esas actuaciones decidió crear un grupo de Country, junto a Hank Cochran donde él tocaba la guitarra, pero fue un auténtico fracaso, por lo que también prestaba sus servicios como guitarrista en otros grupos, pero fue tras una visita a Texas donde pudo ver a Elvis Presley cuando decidió girar su estilo musical hacia el rock and roll. El primer single con el que debuto fue un absoluto fracaso, “Skinny Jim”

El primer éxito fue en 1957, se tituló “Sitting in the balcony”, la canción era buena pero ni siquiera estaba escrita por él, sin embargo le reportó cierta fama y su nombre empezó a sonar en el mundo de la música, eso le hizo que pudiera publicar “Jeannie Jeannie Jeannie” donde se marcaba un gran solo de guitarra y “Pretty Girl” pero el resultado comercial fue decepcionante, cambio el estilo y se decantó por la balada pero “Teresa” sumo un nuevo fracaso, sin embargo no decayó el empeño y con la que quizás es su peor canción de aquellos años le llego el éxito “Love Again” otra balada que en esta ocasión si conquisto a las emisoras. Sin embargo, el espaldarazo final la dio la cara B de ese single donde encontramos esa joya titulada “Summertime Blues” un descomunal éxito, un nuevo concepto empezando por la letra que narraba los deseos de diversión y libertad de los jóvenes de aquella epoca, era toda una declaración de principios juvenil que reflejaba las ganas de fiesta de los adolescentes estadounidenses, incluyendo divertidas frases en las que parodiaba las voces de los aburridos adultos. Repetiría éxito con “C’mon Everybody” y con “Somethin’ Else” sin duda su buque insignia. Era un artista popular y hacía giras que abarrotaban los escenarios, pero no vendía muchos discos, y eso sin duda le dejaba un poso amargo.

El 16 de Abril de 1960 estaba de gira por Inglaterra, cuando un taxi tras sufrir un reventón chocó contra una farola. En el vehículo se encontraba junto a Gene Vicent (autor de la famosa canción “Be-Bop-A-Lula”), que sufrió graves heridas en una pierna y Sharon Sheeley, compositora y novia del cantante a la que se le diagnosticó rotura de Pelvis. Eddie salió disparado del coche lo que le produjo graves heridas en la cabeza y aunque llego al hospital vivo falleció horas después, tenía 21 años. Sin duda fue una gran pérdida para el rock and roll, empezaba a tener éxito y él solo había creado nuevos sonidos para la música que otros años más tarde imitarían y amplificarían.

Ya a título póstumo llegó “Three Steps To Heaven” donde nos contaba como en solo tres pasos llegamos a la felicidad absoluta, 1.- Encuentra una chica, 2.- Haz que se enamore de ti, 3.- Haz que se sienta amada… sencillo y justo lo que la juventud necesitaba.

Buddy Holly

Charles Hardin Holley nació el 7 de septiembre de 1936 en Lubbock, Texas, Estados Unidos. La familia Holley se había mudado hacia Lubbock para conseguir trabajo en la industria algodonera. A principios de la década de 1950 fundó una pequeña empresa constructora con capital ahorrado. En esa empresa familiar trabajaron sus cuatro hijos. La familia Holley tenía una gran devoción por interpretar y escuchar música, sobre todo por géneros como el blues, folk y country. El pequeño Charles aprendió a muy temprana edad a tocar violín, banjo, mandolina, piano y guitarra, todo esto ocurría cuando solo tenía cinco años. Precisamente a esa edad, pisó por primera vez un escenario, cantando junto a sus hermanos Larry y Travis (de dieciséis y catorce años respectivamente), la canción "Down the River of Memories", en este concurso los hermanos ganaron cinco dólares. Su familia siempre lo llamaba Buddy, y de allí surgió su nombre artístico.

Cuando Holly empezó a asistir al instituto, entablo amistad con Bob Montgomery. Ellos tenían en común el gusto por el country y el blues, muchas noches se quedaban juntos para escuchar emisoras que trasmitían canciones y decidieron tocar juntos en las fiestas de los institutos. Registraron las canciones "I'll Just Pretend" y "Take These Shackles from my Heart",

Por 1954 Buddy Holly, Bob Montgomery y Larry Trio visitaron el estudio Nesman Recording Studios en Wichita Falls. Entre 1954 y 1955 volvieron a grabar, realizaron cinco sesiones en ese mismo estudio de Wichita Falls. En un principio el interés de Holly y Montgomery se dirigió hacia la música country, pero este interés cambió cuando vieron actuar por primera vez a Elvis Presley en su ciudad en 1955.

Después de las malas ventas de sus primeros sencillos en mayo de 1957 publicaron el sencillo "That'll Be The Day" obteniendo un gran éxito y llegó al número uno. Más tarde se publicaron los sencillos "Peggy Sue", "Everyday" y "Oh Boy!”  obteniendo un gran su éxito. La casa discográfica Coral Records publicó el primer álbum en solitario del artista en el otoño de 1958, poco a poco se fue distanciando de sus compañeros y a finales de 1958 se separó definitivamente de The Crickets. Se mudó a Nueva York y se editó el sencillo "It Doesn't Matter Anymore” , llegando al numero uno en el Reino Unido. Su música era bastante innovadora para su época. Abandonó el primitivo rockabilly de sus primeros tiempos y enriqueció notablemente el lenguaje de la música popular de su tiempo. Utilizó instrumentos poco usuales en el rock'n'roll, como la celesta (en el tema Everyday), o las percusiones latinas. Muchos de sus temas tienen melodías y armonías bastante más complejas que lo que se había hecho hasta el momento.

Para finales de 1958 Buddy Holly se encontraba con problemas económicos, y ya separado de The Crickets, decidió unirse a la gira Winter Dance Party, durante sólo tres semanas, junto a Ritchie Valens, Dion and the Belmonts y The Big Bopper. Tras actuar en Clear Lake, Iowa, Holly con cansancio acumulado, decidió alquilar una avioneta ya que la calefacción del autobús se había roto y hacía mucho frío ese día (unos -30ºc). El avión tenía la capacidad para tres pasajeros (cuatro contando el piloto), la avioneta despegó de Clear Lake, a la una de la madrugada, dos horas y media más tarde, se denunció la desaparición del avión. En ese avión, Holly estaba acompañado por Ritchie Valens y The Big Bopper. En esa misma mañana del 3 de febrero de 1959, se encontró en un campo de maíz un avión totalmente destrozado, alrededor de ese avión se encontraron los tres cuerpos de los músicos, habían salido despedidos por la gran colisión del avión contra el suelo del campo muriendo instantáneamente.

La muerte de Holly, Ritchie Valens y Big Bopper -tragedia conocida como El día que murió la música- causó un gran impacto en su época. Las dramáticas fotografías del accidente dieron la vuelta al mundo, Elvis Presley envió un telegrama de condolencia desde Alemania, a su entierro acudieron numerosos artistas y disc jockeys del momento. Su féretro fue llevado por sus antiguos compañeros de The Crickets y por Phil y Don Everly. La prematura muerte significó el último gran golpe que recibió el rock and roll.

La música en historias: Isaac Hayes

Isaac Hayes

     Isaac Hayes nació en 1942 en Covington, Tennessee (Estados Unidos), Compositor, cantante, productor y actor, fue uno de los estandartes e impulsores junto a Booker T & the MG's del famoso sonido del sello Stax Records aparte de muchas más cosas.

     Isaac fue criado por sus abuelos ya que su madre murió cuando él era pequeño y su padre los abandonó a él y su hermano. 

A los cinco años empezó cantar en el coro de la iglesia local y aprendió a tocar el piano, el órgano Hammond, la flauta y el saxofón. Después de graduarse en la escuela secundaria Isaac recibió multitud de ofertas a modo de becas en colegios de música y universidades pero las rechazó todas y para ayudar económicamenteen casa se puso a trabajar en una fábrica dónde se empaquetaba carne durante el día, y durante las noches tocaba en clubs nocturnos de Memphis y alrededores.

     En 1960 Isaac es fichado cómo músico de sesión del sello Stax Records. Dentro del sello Stax además de ser músico de sesión, también compuso y produjo temas para numerosos artistas del sello, no olvidemos que la forma de trabajar del sello Stax era además de poner músicos de sesión era darles libertad con los artistas para así crear más afinidad a la hora de trabajar con éstos. En esa época compone varios éxitos, del que destaca el famoso tema Soul Man, compuesto en 1967 por Isaac y por David Porter e interpretado por Sam & Dave, tema reconocido como uno de los más influyentes de los últimos cincuenta años. 

     Después del fallecimiento de Otis Redding en 1967 a causa de un fatídico accidente aéreo y de que el sello Stax perdiera a su gran estrella, Isaac Hayes fue uno de los que dio un paso adelante en el sello para que este se mantuviera a flote. 

Isacc junto con Booker T & the MG's y David Porter entre otros, fueron los precursores del famoso sonido Stax que rivalizó con el famoso sonido Motown de la potente compañía Motown Records.

     En 1971 Isaac compone el tema de la banda sonora de la película Shaft (Las noches rojas de Harlem), dónde además aparece haciendo un cameo en la película haciendo de barman. Un tema por el que en 1972 recibe el Oscar de la academia del cine por la mejor canción original, convirtiéndose en el tercer artista afroamericano después de Sidney Poitier y Hattie McDaniel en lograrlo.

Además el tema de la película sería la primera canción del llamado movimiento y subgénero musical Blaxplotation, el cuál consistía en bandas sonoras de cine negro que tenían cómo protagonista principal a la comunidad afroamericana. 

     En 1974 Isaac Hayes es liberado de su situación contractual debido a los graves problemas financieros del sello Stax y funda su propio sello discográfico, Hot Buttered Soul, asociado a ABC Records. También hizo sus pinitos en elmundo cinematográfico y sus pinitos en el ámbito deportivo convirtiéndose en 1974 en unos de los propietarios de la franquicia del equipo de baloncesto de la NBA de Memphis.

     Isaac se une al equipo de la famosa serie South Park y pone voz al personaje Chef de la famosa serie durante las primeras nueve temporadas, dejándolo tras esas temporadas por diferencias con los creadores de la serie.

     Como se puede observar la actividad creadora y artística de Isaac Hayes durante su vida fue brutal, y desde 7dias7notas queremos resaltar su figura y la importancia de éste para el mundo artístico, así que vaya nuestro pequeño homenaje hacia su persona en éste modesta reseña.

El disco de la semana 147: Enrique Bunbury - Flamingos

Empiezo dejando las cosas claras, para mi el disco Flamingos es la gran piedra sobre la que hizo dar un giro a la carrera musical de Enrique Bunbury, tras su paso por Héroes de Silencio, alma mater del grupo y sus dos trabajos anteriores en solitario, Radical Sonora y Pequeño, notamos aquí un cambio musical muy trascendente, al artista gira su sonido y explora nuevos ambientes de fusión sin olvidar el rock and roll en cada una de sus extensiones. Es para mí un disco sublime, autentico, lleno de fuerza y sobre todo lleno de emoción que se desparrama en muchas de sus letras y melodías.

El disco comienza fuerte, con un rock and roll con aires de Bowie, nos da la bienvenida con “El club de los imposibles” toda una declaración tanto musicalmente como temáticamente de lo que nos vamos a encontrar… de momento te mete en pelea, la canción empieza con el sonido de una campana de un ring y un homenaje al boxeo. Con “Si”, Enrique nos mete en un cabaret mientras la batería va marcando el ritmo de un tema que no nos deja ni un minuto de respiro, la voz disparada de Enrique con los multiples instrumentos que se enlazan con la batería nos da un tema loco, esquizofrénico, con un frenesí desde el minuto uno, paralizado curiosamente y a contraposición del titulo por un Nooooooo lacónico y con aires de lamento que nos saca del maravilloso atolladero por el que la canción nos ha movido hasta este ese final de canción melodica. Son un poco de más de tres minutos realmente aprovechados, se le ha tildado de comercial, pero para mi gusto es uno de los grandes picos del álbum. Con el siguiente tema “Contar conmigo” nos mete directamente en una mezcla curiosa y arriesgada, empieza con toques de Western y piensas ahí esta un Country, me estoy frotando las manos pero enseguida gira y te encuentras con sonidos árabes totalmente apabullantes mientras la guitarra chirria y desentona con melodía la voz de Enrique amplificada y distorsionada…. “Que pueda contar contigo, como sabes que conmigo siempre. Que no cuente la suerte, no, sólo el destino que nos presentó. Que pese menos el pasado o se recuerde al menos todo. Que no cambien a su modo un episodio de historia.” Ademas encontramos al final de este tema un nuevo homenaje al boxeo, en esta ocasión al campeón del mundo en 1974, con la inclusión de la narración de ese momento… emotivo.

Gira el disco a la transcendencia con el cuarto tema “Sacame de aquí”, maravillosa balada con una letra llena de frases contundentes y lapidarias, una canción desesperada, un grito de lamento y desolación, con una riqueza de instrumentación y de instrumentos abrumadora, otro de los grandes picos del álbum.

“Escribiremos nuevas reglas, Esta es la primera de ellas, Está prohibido prohibir”

“Hubo un momento en que pudimos, Decir que no, que lo sentimos, Nos debimos confundir”

“Nos hemos equivocado, Teniendo toda la razón, Aun podemos ser libres, Dentro de una canción”

“Dicen que si continuas, Algún un lugar llegarás”

“No son mala hierba, Sólo hierba en mal lugar”

Y enlaza con “Enganchado a ti” otra de las grandes joyas del disco, y de nuevo el cabaret y otro alarde de instrumentación, una canción con doble sentido.. ¿esta hablando de drogas? ¿Esta hablando del amor?... yo me quedo con la segunda ya que no deja de ser una variante de la primera… pero yo iria mas lejos, poner imagen a cualquier cosa que sea imprescindible en vuestra vida y será el reflejo de la canción. Genio!. Y cerramos la trilogía con la mistica “Lady Blue” que con un sonido medio futurista cercano al synth pop nos deleita con una canción de amor, de perdida, de dolor, de soledad, con ese grito en el estribillo que demole tus cimiento o frases demoledoras y geniales como esa de “…. No volverás a ver la mirada triste del chico que observaba el infinito….” Que bestialidad, acompáñen la audicion de un buen licor y una oscuridad palpable.

En “San Cosme y San Damián” hace el mismo juego que Contar conmigo, comienzan los sonidos y parece que te encuentras en pleno desierto fronterizo Norteamericano pero rápidamente gira hacia la psicodelia con extraños sonidos que se reparten por la canción, magníficos, brillantes, resaltando el mensaje, mientras Enrique nos relata su relato de misterio y extraña situaciones, no en vano he leído que es un homenaje a un hermano fallecido en 1994, además San Cosme y San Damián es una ermita en la provincia de Huesca que el hermano del cantante solía ir… “un enjambre de estrellas, para que no te pierdas, talismán, contra toda clase de males y un christmas de Navidad, que sepamos donde estas….”. Nuevo giro en el siguiente tema, “Un bastón para mi corazón”, tiempo de swing, de dandy, de canción melódica, en un disco que nos había llevado por tantas emociones nos rebaja un poco la adrenalina, y no le sale nada mal…. 2 minutos de relax para lo que está por venir, y es que “No se fie” es otra rareza en el mundo Bunbury hasta ahora escuchado, y es que rápidamente te recuerda a Joaquín Sabina, si es cierto que el Aragonés le ha metido muchísima más instrumentación a esta historia fatal, y encima jugando con ritmos de tango, aunque tratar de emular al maestro de Ubeda es una tarea inabarcable, no digamos que le salió mal, más bien ha pasado con nota este reto…. Y siguen los retos porque “Ciudad de Bajas Pasiones” se atreve a hacer una especie de ranchera con el toque personal, mucha instrumentación y una historia realmente magnifica, no sabemos si autográfica, pero si que todos quisiéramos vivir. Brillante para cantar en coro con los amigos después de que los efluvios del alcohol nos hayan nublado las neuronas.

Inicia la última parte del disco con la maravillosa “Hermosos y malditos” una canción llena de ritmo y de un estribillo de una calidad extrema, en medio de la canción incluye el sampler de la retransmisión del combate entre Perico Fernández y João Henrique por el título mundial… ”…rumba que tumba al más 'pintao', ¿cómo puedes creer que te hayan olvidado? si una rumba no tumba a un ganador a un peso pesado y campeón no le damos de lao. Deja de acostumbrarte a la inmolación y vuelve a casa ya nadie te desea la humillación todos te extrañan…” escuchando la letra detenidamente no sé si realmente es un homenaje al boxeador Aragonés, que por tan malos momentos paso, si fuera así me parece excelente tributo por parte de Bunbury. El siguiente tema sigue la senda top que nos dejó la anterior canción, y es que en este “One, Two, Three” vuelve la psicodelia bien entendida, con un aire de bolero brillante, el mensaje extraño y encriptado al que nos tiene acostumbrados en una especie de balada magnifica, dolorosa y triste, les invito a que se detengan a escuchar detenidamente la letra y los múltiples instrumentos y curiosidades musicales que nos regala. Magnifica. “Hoy no estoy para nadie” tiene ecos de The Doors, la pausa, los sonidos psicodélicos, ese tono que nos recuerda al grupo americano, incluso su duración que se va mas allá de los 7 minutos, particularmente se me hace un poco pesada. En cambio con “Mundo Feliz” aun llevando el mismo estilo que la anterior, quizás algo más pop, me resulta una absoluta delicia, empezando con esa letra tan crítica, y sobre todo por esa corista que suena desacompasada tras la voz de Enrique, una gran canción. Y terminamos por todo lo alto a ritmo de vals y con un titulo que lo deja todo claro “…y al final” desde el minuto uno, con ese soniquete que adelanta lo que va a ser la canción y que se te mete en la cabeza, roto por el instrumento de viento dando paso a un Vals en toda su extensión…. Un emocionante alegato a la amistad, a la compañía, al amor y a la solidaridad entre los amigos….. un epilogo para recordar

Permite que te invite a la despedida

no importa que no merezca mas tu atención

así se hacen las cosas en mi familia

así me enseñaron a que la hiciera yo.

Permite que te dedique la última línea

no importa que te disguste esta canción

así mi conciencia quedara más tranquila

así en esta banda decimos adiós.

...y al final

te atare con todas mis fuerzas

mis brazos serán cuerdas al bailar este vals

...y al final

quiero verte de nuevo contenta

sigue dando vueltas si aguantas de pie.

Canciones que nos emocionan: Las 5 canciones de Led Zeppelin

Ya tenemos el resultado de las votaciones sobre las mejores canciones de Led Zeppelin, y por alguna extraña razón todos mis compañeros de @7dias7notas estaban de acuerdo en que era yo quién tenía que hacer este artículo. Y no entiendo bien por qué, sólo porque Stairway to heaven o Kashmir me parezcan obras maestras, o porque me encante la escena de "School of Rock" en la que Jack Black escucha Inmigrant Song mientras conduce su furgoneta, no me parecían razones de peso para que me consideraran un fanático de Led Zeppelin.

Reconozco que pueda parecer un dato relevante que, en una visita a Nueva York con la familia, obligara a mi mujer, hijos y suegra a recorrer Manhattan en busca de la calle en la que está el edificio de la portada de Physical Grafitti, que quedó documentada en este blog en "El Navegador del Rock". Pero lo que decantó definitivamente la balanza, y me hizo reconocer abiertamente mi "culpabilidad" en lo referente a los Zeppelin, fue una anécdota contada por el padre de un amigo de mi hijo pequeño, que se lo había llevado en coche junto a varios niños a un cumpleaños.

Mientras conducía, se le ocurrió preguntar a los niños que canción querían escuchar en el equipo de música del coche. Mientras el resto de niños pedían canciones como Despacito y otras aberraciones por el estilo, mi hijo pidió escuchar Stairway to heaven... Este padre alucinó con aquella respuesta, y al contarlo aportó la prueba irrefutable. "Señoría, no hay más preguntas", el veredicto es claro y el caso está visto para sentencia. ¿A quién pretendía engañar? Es el legado que les estoy dejando. Me encanta la música, uno de mis grupos favoritos es Led Zeppelin, y coincido con vuestro acertado criterio en la mayoría de las canciones a las que habéis votado:


Las 5 canciones de Led Zeppelin


En el puesto nº 5, Rock and Roll, del disco sin nombre conocido como Led Zeppelin IV, un tema de estructura clásica de rock and roll, aderezado y acelerado por una capa de guitarras rockeras que lo convierte en un tema muy contundente. El tema tiene la particularidad de ser uno de los pocos temas en los que aparece un músico adicional a la formación en cuarteto de los Zeppelin. Se trata de Ian Stewart, teclista de los Rolling Stones, que participó en la jam-session en la que se gestó la canción, y que además prestó al grupo el estudio de grabación portatil de sus Satánicas Majestades.





Se cuela en el nº 4 una canción del Physical Graffiti, nada más y nada menos que Kashmir, un temazo con arreglos orquestales y aires árabes, en parte porque la letra de la canción se le ocurrió a Robert Plant durante un viaje por del Desierto del Sahara.

Titulada originalmente "Driving to Kashmir", acabó siendo la canción favorita del grupo, la que según ellos mejor reflejaba de lo que eran capaces, y como comentó el propio Robert Plant: "Ojalá se nos recuerde por Kashmir en lugar de por Stairway to heaven"



En el nº 3, de nuevo volvemos a Led Zeppelin IV, su disco más reconocido, con Black Dog, blues progresivo de riffs contundentes que toma su nombre del perro labrador que aparecía frecuentemente en la villa en la que estaban grabando el disco.
Aquel perro, aparentemente sin dueño, acabó dando nombre a una canción que, en realidad, habla de la dureza y la complejidad de una ruptura sentimental, y que se convirtió inmediatemente en uno de los temas imprescindibles de la banda.

En el nº 2, uno de sus temas más conocidos, Whole Lotta Love, tema que abre su disco Led Zeppelin II. Contiene uno de los riffs más famosos de la historia del rock (entre los 50 mejores solos de la historia según una lista elaborada por la marca de guitarras Gibson). La temática es bastante recurrente en las canciones de los Zeppelin, traducido sería algo así cómo "Muy abajo y dentro, voy a darte mi amor, todo y mucho amor".





Y en el nº 1, no hay espacio para la sorpresa, cómo no podía ser de otra manera... Stairway to heaven, obra maestra del grupo que apareció dentro de Led Zeppelin IV. Tema largo e intenso que arranca en acústico con guitarra y voz, y progresivamente va creciendo con la entrada de la batería y el bajo.

El tema sigue subiendo en intensidad y grandeza a lo largo de sus 7 minutos para la historia, hasta desembocar en el intenso y eléctrico tramo final, con los solos de guitarra de Jimmy Page y la desatada voz de Robert Plant.

Poco más se puede decir, para reflejar lo que se siente escuchando la canción. Hablar de ella es querer escucharla, así que eso es lo que voy a hacer. Hasta aquí las 5 canciones de Led Zeppelin, tengo una cita con mi tocadiscos y ya estoy subiendo los primeros peldaños de la escalera hacia el cielo.


6. Inmigrant song 47
7. Since I've been loving you 35
8. Dazed and confused 34
9. Babe, I'm gonna leave you 26
10. Communication breakdown 25
11. Ramble on 23
12. When the leeve breaks 17
13. Good times, bad times 16
14. Trampled underfoot 14
15. Moby Dick 13
16. All my love / No quarter 12
17. Heartbreaker 10
18. Fool in the rain / In my time of dying / The rover 9
19. Aquilles last stand 8
20. Custard pie / How many more times / The ocean 7
21. Tangerine 6
22. Out on the tiles / Rain song / Thank you / What is and what should never be 5
23. Night flight 4
24. Celebration day / Dyer Maker / Tea for one / The song remains the same 3
25. Down by the seaside / I'm gonna crawl / Nobody's fault but mine / Over the hills and far away / Ten years ago / The rain song / Bron-Y-Aur Stomp 2
26. Gallows pole / Going to California / Misty mountain 1

La música en historias: Los Viernes en Canciones

Los días de la semana han sido una gran fuente de inspiración para muchos músicos a lo largo de la historia. Este blog es, de alguna manera, un gran diario de nuestras experiencias en la vida, diseminadas en las historias que os contamos sobre los discos, artistas y canciones que nos han influenciado y acompañado a lo largo de todos estos años. Así que, en esta ocasión, vamos a apuntar en nuestro diario todo lo correspondiente a la página del VIERNES.

VIERNES


Estoy casi totalmente de acuerdo con la frase de la foto, Friday I'm in love de The Cure es probablemente la mejor canción con la temática de Viernes. El tema está incluido en el disco Wish, que continuaba la estética oscura de su antecesor Disintegration en muchos de los temas, pero que también dejaba entrever rendijas de luz y de una vuelta a esquemas más comerciales. En particular este tema, que ensalza los viernes pero que también es un repaso al estado de ánimo durante el resto de días de la semana, fue un auténtico bombazo comercial que ha quedado para la historia del grupo.
 

El "casi" de la anterior afirmación viene motivado por Friday on my mind, un tema de The Easy Beats, que conocí a través de una versión de Gary Moore que, en mi humilde opinión, mejora a la original, y que me hace dudar si el podio de los viernes debe ser sólo para la canción de The Cure, o debería compartirlo con la vitalista y guitarrera canción del genial guitarrista irlandés, que por otra parte tiene una temática muy parecida a la canción de The Cure.
El protagonista, de nuevo, relata la evolución de su estado de ánimo conforme pasan los días de la semana, y el momento más álgido y positivo, tanto a nivel emocional como musical, se produce al llegar el viernes y el estribillo.

El resto de temas que hemos encontrado sobre los viernes no tienen la relevancia y el magnetismo de los dos temas descritos, sin dejar por eso de ser buenas canciones como el One February Friday de Frankie goes to Hollywood, o el Friday Night, Saturday Morning de The Specials, comodín válido tanto para los viernes como para los Sábados que vendrán.

Cerramos este repaso a las canciones de los viernes con un tema de los oscuros y metaleros Megadeth. Su tema Good Mourning / Black Friday (Buen luto, viernes negro) contrasta con la alegría con la que The Cure abría este artículo, pero es la perfecta excepción para confirmar la regla. Salvo para los Megadeth, los viernes son un día enérgico y positivo, el gran portal hacia el fin de semana. Puede que incluso para ellos, ya que la oscuridad y la destrucción es dónde se sienten más cómodos y felices. Para gustos los colores, y los días de la semana.

Historia del rock and roll: 16.- Louis prima, Miles Davis, Neil Sedaka, Ella Fitzgerald

Vamos a tocar ligeramente a una serie de artistas que en los años que estamos tratando tuvieron su cuota de exito, pero que no estan enmarcados en lo que denominamos rock and roll.

Louis Prima

“Tenía una voz de negro, tocaba la trompeta como un negro, se reía como un negro, pero bailaba como un italiano”. Era hijo de inmigrantes sicilianos y nació en 1910, en la Nueva Orleans vivía en un barrio popular y sus vecinos eran judíos, negros y como no italianos y una madre que tenía a gala obligar a sus hijos a tocar un instrumento, el pequeño Louis Prima estudió el violín y luego hizo suya la trompeta de su padre al escuchar por primera vez a Louis Armstrong en la radio.

Ya en los años 20 los clubs musicales eran regentados por italianos que tenían la “cortesía” de dejar tocar a los negros y siendo él Italiano tenia el privilegio de acceder donde quisiera asi pues a los doce años montó su primera formación y con dieciséis empezó a tocar con The Eastonites, banda de su colegio. Un año más tarde, tocaba todas las noches en el Club The Whip, y con dieciocho años, decidió dejar los estudios para dedicarse de pleno a la música. Pero los comienzos no fueron nada fáciles, la paga en esos locales no le daba para vivir asi que se marchó a Florida, donde conoció a su primera mujer, Louise Polizzi, con la que se casó en 1929. Durante dos o tres años más, siguió en la cuerda floja, tocando donde podía, sin rumbo ni futuro. Después de intentarlo en Cleveland y luego Chicago, aterrizó en Nueva York, última oportunidad, allí el dueño del club Leon & Eddie’s no le contrató por confundirle con un negro pero poco después, la fortuna le empezó a sonreir, montó una banda, Louis Prima & His New Orleans Gang, grabaron sus primeras canciones, actuaron en clubs de jazz prestigiosos de la 52ª calle, compusieron sus propios temas, jazz & swing, y viajó por toda la costa oeste, dio representaciones en un teatro de Washington, tocó en la casa blanca para el cumpleaños de Roosevelt, sacó pecho en las fotos con el Presidente, se volvió popular, publicó canciones en italiano, pidió una auténtica fortuna para actuar en Las Vegas, cantó ante Kennedy, se divorció, montó su propio sello, trabajó para Walt Disney. Subido en la cresta de la ola sufrió un infarto, y posteriormente se le descubrió un tumor cerebral, falleciendo en 1978.

Cuatro décadas adaptándose a la evolución de los estilos, desde el sonido Nueva Orleans hasta el rock’n’roll, pasando por el swing, las big bands, y el lounge de las Vegas y tuvo tiempo de crear uno de los grandes estándares de la música popular del siglo XX, mezclando con maestria “I’m Just a Gigolo” –canción austriaca inicialmente adaptada en 1928 por un tal Irving Caesar- y “I Ain’t Got Nobody” –de Spencer Williams, 1915-.

Miles Davis

Miles Davis, trompetista de jazz, compositor y líder de banda pequeña, fue el músico de jazz más importante durante más de dos décadas.Su leyenda siguió creciendo incluso después de que la mala salud y la disminución de la creatividad lo alejaron de la realeza del jazz.

Miles Dewey Davis III nació de Miles Davis Jr. y Cleota Henry en Alton, Illinois, el 25 de mayo de 1926. También había otros dos niños, una hermana mayor y un hermano menor. En 1928 la familia se mudó a East St. Louis, Illinois, donde el padre de Davis se convirtió en un exitoso cirujano oral. Davis disfrutó de una infancia confortable y la familia vivía en un barrio blanco. A la edad de trece años su padre le dio una trompeta y pronto Davis se unió a su banda de la escuela secundaria. En 1944 Davis se mudó a la ciudad de Nueva York donde trabajaría dos semanas en la talentosa Billy Eckstine Band, y luego se matriculó en la Juilliard School of Music.

De día estudió música clásica, y de noche adquirió experiencia en el movimiento más nuevo del jazz, el bebop, con los líderes del movimiento, en particular Charlie Parker (1920-1955), Dizzy Gillespie (1917-1993), Fats Navarro, y Max Roach (1924-).

La etapa de Davis de 1947 a 1948 en un quinteto (grupo de cinco músicos) dirigido por el genio del bebop Charlie Parker le dio fama temprana. Davis, un buen trompetista de bebop, pronto sintió la necesidad de liberar su música del estilo del bebop y de restaurar los elementos más melódicos del jazz. El resultado fue la influyente grabación Birth of the Cool (1949), que dio “nacimiento” a la llamada “cool”, o costa oeste, escuela de jazz. Esta grabación estableció la identidad musical de Davis, separada de Parker y los otros beboppers.

A principios de la década de 1950, Davis se convirtió en un adicto a la heroína. Su carrera estuvo a punto de detenerse durante tres años, pero su exitosa lucha contra el hábito de las drogas en 1954 le llevó a su mayor período: mediados y finales de los años cincuenta. Durante esos seis años realizó una serie de grabaciones de pequeños grupos considerados clásicos del jazz. En 1954, con el saxofonista tenor Sonny Rollins (1930-), grabó memorables grabaciones de tres originales de Rollins -“Airegin”,”Doxy” y”Oleo”- así como dos brillantes versiones del estándar de Tin Pan Alley (un respetado grupo de músicos y compositores)”But Not for Me”.

En 1955 Davis formó su grupo más famoso, un quinteto de notable talento que incluía al saxofonista tenor John Coltrane (1926-1967), al pianista Red Garland, al bajista Paul Chambers y al baterista Philly Joe Jones. Hasta que Coltrane se fue en los años 60, la banda de Davis era el grupo más visible y dominante en todo el jazz. En 1964 formó una nueva banda, y Davis siguió siendo la mayor atracción (y la mayor fuente de ingresos) de todo el jazz.

Durante las dos últimas décadas de la carrera de Davis, se convirtió más en una curiosidad por el jazz que en un músico que debe tomarse en serio. Davis ganó una mala reputación en su actuación por darle la espalda al público, por expresar hostilidad racial hacia los blancos, por vestirse mal al principio de su carrera y salvajemente después, todo lo cual contribuyó a su misteriosa imagen. Pero luego, según cuentan, Davis a menudo se burlaba de él por motivos raciales. Un entusiasta del acondicionamiento físico (con su propio gimnasio privado), sin embargo, tomó grandes cantidades de drogas (a veces, pero no siempre, para el dolor). Murió el 28 de septiembre de 1991 en Santa Mónica, California, de neumonía, insuficiencia respiratoria y un derrame cerebral.

Neil Sedaka

Neil Sedaka nacido en Brooklyn, el 13 de Marzo de 1939 es un cantante, pianista y compositor frecuentemente asociado a The Brill Building  En un comienzo, el timbre de su voz, -un poco chillona para lo que a fines de los 50’s estaba de moda-, no convencía a los editores musicales pero Sedaka aportaba unas canciones de indudable calidad y con un ritmo y arreglos diferentes al estilo du-duá tan en boga en aquellos años. Su primer éxito como compositor lo constituyó el tema “Stupid Cupid” (Estúpido Cupido) que en 1958, grabara Connie Francis quien en su exitosa carrera como cantante grabara luego, otros temas del dúo  Sedaka-Greenfield como fueron los temas “Where the boys are” o “¿Who Sorry Now?” A partir de entonces, Sedaka fue contratado por la RCA Records como intérprete solista posición desde la cual obtuvo sus mayores éxitos y canciones como “Oh Carol”, (dedicada según se dice- a la que fue su novia en el instituto como compañera de clases, la también compositora y cantante Carole King), alcanzó de manera fulminante los primeros puestos del Top 100 del Billboard.

Entre 1958 y 1963 Sedaka ubicó con frecuencia varios de sus temas entre los más taquilleros del Billboard americano: “Oh! Carol”, “La chica del calendario”, “Feliz cumpleaños, dulces dieciséis” y “Es difícil decir adiós”. Entre 1960 y 1962, Sedaka tuvo 8 temas dentro del Top 40 pero pronto se encontró entre los intérpretes que vieron como sus carreras eran asediadas por la «invasión británica» y otros cambios de rumbo en la industria musical. Sus sencillos comenzaron a declinar en las listas de popularidad, antes de desaparecer por completo, hacia fines de 1965.

Ella Fitzgerald

Conocida como la "Primera Dama de la Canción" y "Lady Ella", fue una cantante estadounidense de jazz y canciones que interpretó gran parte del Gran Cancionero Americano.

Nacida el 25 de abril de 1917 en Newport News, Virginia, la cantante Ella Fitzgerald fue el producto de un matrimonio de hecho, Ella experimentó una infancia problemática que comenzó con la separación de sus padres poco después de su nacimiento. Con su madre, Fitzgerald se mudó a Yonkers, Nueva York. Vivían allí con el novio de su madre, Joseph Da Silva. La familia creció en 1923 con la llegada de la media hermana de Fitzgerald, Frances. Luchando economicamente, la joven Fitzgerald ayudó a su familia trabajando como "mensajera" de mensajeros y como vigilante de un burdel. Su primera aspiración profesional fue convertirse en bailarina. Después de la muerte de su madre en 1932, Fitzgerald terminó mudándose con una tía. Ella comenzó a faltar a la escuela. Fitzgerald fue enviada a una escuela de reforma especial, pero no se quedó allí por mucho tiempo. En 1934, Ella estaba tratando de sobrevivir sola y viviendo en las calles aún albergando sueños de convertirse en artista, participó en un concurso de aficionados en el Teatro Apollo de Harlem. En el concurso, cantó la canción de Hoagy Carmichael "Judy", así como "El objeto de mi afecto", sorprendiendo a la audiencia. Fitzgerald ganó el primer premio de $ 25 del concurso. Esa actuación inesperada en el Apollo ayudó a poner en marcha la carrera de Fitzgerald. Pronto conoció al líder de banda y baterista Chick Webb y finalmente se unió a su grupo como cantante.

Fitzgerald grabó "Love and Kisses" con Webb en 1935 y se encontró actuado regularmente en uno de los mejores clubes de Harlem, el Savoy. Fitzgerald también lanzó su primer éxito número 1, "A-Tisket, A-Tasket" de 1938, que ella co-escribió. Más tarde ese año, Ella grabó su segundo éxito, "I Found My Yellow Basket". Tras la muerte de Webb en 1939, Ella se convirtió en la líder de la banda, que pasó a llamarse Ella Fitzgerald y su famosa orquesta. (Algunas fuentes se refieren al grupo como Ella Fitzgerald y Her Famous Band).

A mediados de la década de 1940, Granz había comenzado Jazz at the Philharmonic, una serie de conciertos y discos en vivo con la mayoría de los grandes artistas del género. Las décadas de 1950 y 1960 fueron un momento de gran éxito comercial y de crítica para Fitzgerald, y se ganó el apodo de "Primera Dama de la Canción" por su popularidad y talento vocal sin precedentes. Su capacidad única de imitar sonidos instrumentales ayudó a popularizar la improvisación vocal de scatting, que se convirtió en su técnica característica. En los primeros premios Grammy en 1958, Fitzgerald recogió sus dos primeros Grammys, e hizo historia como la primera mujer afroamericana en ganar el premio, a la mejor interpretación individual de jazz y mejor interpretación vocal femenina para los dos proyectos de cancioneros Ella Fitzgerald Sings la Duke Ellington libro de canciones y Ella Fitzgerald canta el Irving Berlin Song Book , respectivamente .  (Ella trabajó directamente con Ellington en el álbum anterior).

En 1960, Fitzgerald entró en las listas de éxitos con su interpretación de "Mack the Knife". Ella todavía iba bien en los años 70, tocando conciertos en todo el mundo. Una serie de conciertos especialmente memorable de esta época fue un compromiso de dos semanas en la ciudad de Nueva York en 1974 con Sinatra y Basie. En la década de 1980, Fitzgerald experimentó graves problemas de salud. Se sometió a una cirugía cardíaca en 1986 y sufría de diabetes. La enfermedad la dejó ciega y le amputaron ambas piernas en 1994. Ella Fitzgerald murió el 15 de junio de 1996 en su casa en Beverly Hills.