1129 - Roxy music - Street life

1133 - Roxy music - Street life

Roxy Music, una banda británica pionera del glam rock y art rock, ha dejado una huella indeleble en la historia de la música desde su formación en 1971. Liderada por el carismático Bryan Ferry, la banda fusionó diversos estilos musicales, desde el glam hasta el avant-garde, creando una experiencia sonora única.

La canción "Street Life", lanzada en 1973 como parte de su álbum "Stranded", es un brillante ejemplo de la diversidad musical de Roxy Music. Con un inicio impactante de sintetizadores y la distintiva voz de Ferry, la canción envuelve al oyente en un viaje sonoro fascinante. La instrumentación compleja, característica de la banda, incorpora elementos de rock, pop y música electrónica de manera magistral.

"Street Life" transmite una energía vibrante y sofisticada, reflejando la estética glam rock que Roxy Music abrazó. La letra, escrita por Ferry, narra la vida urbana desde una perspectiva enigmática y emocional. La combinación de su voz melódica con la instrumentación ecléctica crea una atmósfera cautivadora, transportando a los oyentes a las calles iluminadas de la ciudad que la canción describe.

El virtuosismo musical de Roxy Music se manifiesta en cada elemento de "Street Life". Las capas de guitarras eléctricas, los intrincados arreglos de teclado y la percusión dinámica se entrelazan de manera impresionante, creando una sinfonía de sonidos que desafían las convenciones musicales. La producción meticulosa resalta la calidad artística de la banda y su habilidad para fusionar elementos aparentemente dispares en una obra cohesiva.

La influencia de Roxy Music se extiende más allá de su tiempo, dejando un legado duradero en la música contemporánea. "Street Life" encapsula la esencia experimental y vanguardista de la banda, marcando un hito en la evolución del rock. La combinación de letras poéticas, arreglos intrincados y la presencia magnética de Bryan Ferry convierte a esta canción en un clásico atemporal.

A medida que la industria musical ha evolucionado, la relevancia de Roxy Music y "Street Life" persiste, sirviendo como fuente de inspiración para generaciones futuras de artistas. La habilidad de la banda para desafiar las normas y fusionar géneros ha dejado una marca indeleble, consolidando su lugar en la historia musical como innovadores inigualables. En definitiva, "Street Life" es un testimonio del ingenio musical de Roxy Music y su capacidad para trascender las barreras del tiempo.

Daniel 

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1128 - John Lennon - Mind games

1128 - John Lennon - Mind ganes

"Mind Games" de John Lennon es una joya musical lanzada en 1973 que destaca por su combinación única de letras reflexivas y arreglos eclécticos. El tema central de la canción gira en torno a la idea de participar en un juego mental, desafiando las barreras autoimpuestas que limitan nuestra comprensión del mundo.

La apertura intrigante con la frase "We're playing those mind games together, pushing the barriers, planting seeds" establece la tonalidad de la canción, invitando a los oyentes a un viaje introspectivo. John Lennon aboga por la conexión mental, sugiriendo que la clave para la comprensión mutua y la paz radica en superar las limitaciones superficiales.

A lo largo de la canción, las metáforas y referencias literarias añaden capas de significado, enfatizando la importancia de la comunicación profunda. El estribillo pegajoso, donde John Lennon proclama "Love is the answer," resuena como un mantra optimista, instando a los oyentes a buscar el amor como un poder unificador.

La música complementa magistralmente el mensaje de la canción, con arreglos fluidos, cambios de ritmo y una instrumentación diversa que reflejan la dinámica del pensamiento. Desde los acordes iniciales de piano hasta los toques de cuerdas, cada elemento contribuye a crear una experiencia auditiva envolvente.

En resumen, "Mind Games" va más allá de ser simplemente una canción; es una invitación a la reflexión profunda y a la conexión mental. La habilidad de John Lennon para fusionar estilos y transmitir complejas ideas a través de la música se destaca, creando una obra atemporal que sigue resonando con su llamado a superar barreras y cultivar el amor como respuesta universal.

Daniel 

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1126.- Birds of Fire - Mahavishnu Orchestra

 

Birds of Fire, Mahavishnu Orchestra

     Birds of fire es el segundo álbum de estudio de la banda de jazz fusión Mahavishnu Orchestra. Fue el último trabajo de estudio lanzado por la formación original antes de su disolución, la cual estaba integrada por John McLaughlin (guitarra), Rick Laird (bajo), Billy Cobham (batería, percusión), Jan Hammer (teclados) y Jerry Goodman (violín). Fue grabado en agosto de 1972 entre los CBS Studios de Nueva York y los Trident Studios de Londres, bajo la producción del mismo grupo, y publicado el 26 de marzo de 1972 por Columbia / CBS Records. 

Estamos ante un disco con una textura de sonidos más variada y más organizada que su anterior trabajo, donde podemos disfrutar de un gran intercambio de solos protagonizados por McLaughlin, Goodman y Hammer, todos trabajando al unísono como una sola mente, brillantemente apoyados por la sección rítmica de Cobham y Laird. A diferencia también de su álbum debut, donde únicamente una sola pista tenía duraba menos de 5 minutos, Birds of Fire tiene todas las pistas más cortas excepto dos que superan esa marca de 5 minutos, siendo una de ellas la canción que da nombre al álbum. 

La canción Birds of Fire es un torbellino de sensaciones y energía musical que fusiona elementos de jazz, rock y música étnica de manera única. La intensidad  desatada por McLaughlin, Goodman y Hammer nos llevan a un ritmo frenético e hipnótico a la vez. El título nos evoca una imagen de criaturas mitológicas, y la música nos lleva a una sensación de vuelo libre y desenfrenado provocado por tales criaturas, mientras la banda nos dirigen por territorios sonoros inexplorados. Elementos de música hindú, jazz y rock progresivo se entrelazan como una sinfonía arrolladora, donde la destreza técnica de cada miembro queda de sobra demostrada, pero más aún la perfecta sincronización entre ellos. Estamos ante una obra maestra donde el grupo nos regala una experiencia auditiva que va más allá de las barreras del género.

1124 - Herbie Hancock - Watermelon Man

1124 - Herbie Hancock - Watermelon Man

Herbie Hancock es un virtuoso del jazz y un icono en la escena musical internacional. Nacido el 12 de abril de 1940 en Chicago, Herbie Hancock ha dejado una marca indeleble en la historia del jazz, destacándose como pianista, compositor y líder innovador. Su carrera abarca décadas y abarca una diversidad de estilos, desde el hard bop hasta el jazz fusión, estableciéndolo como un pionero y visionario en el mundo de la música.

Herbie Hancock comenzó a destacar en la década de 1960 como parte del segundo quinteto de Miles Davis, donde su destreza técnica y su capacidad para explorar nuevas fronteras sonoras se volvieron evidentes. Su contribución al álbum "Maiden Voyage" (1965) es particularmente memorable, ya que exhibe su habilidad para combinar la complejidad armónica con una sensibilidad melódica excepcional.

Uno de los momentos más emblemáticos de la carrera de Herbie Hancock es su álbum "Head Hunters" (1973), que marcó su incursión exitosa en el jazz fusión y la música popular. "Chameleon", una de las pistas destacadas del álbum, se convirtió en un clásico instantáneo con su fusión única de ritmos funk y progresiones de acordes sofisticadas. Este trabajo no solo consolidó su estatus como un innovador, sino que también le otorgó un lugar en la historia de la música contemporánea.

En cuanto a la canción "Watermelon Man", es un tema clásico de Herbie Hancock que apareció originalmente en su álbum "Takin' Off" (1962). La pieza fusiona elementos de hard bop, blues y ritmos afrocubanos, creando una amalgama única que ha resistido la prueba del tiempo. "Watermelon Man" se destaca por su irresistible energía y su distintivo riff de piano, convirtiéndola en una de las composiciones más reconocibles de Herbie Hancock.

La pieza ha trascendido los límites del jazz convencional y ha sido reinterpretada por diversos artistas en diversos géneros. La versión de Herbie Hancock encapsula su capacidad para incorporar influencias diversas en su música, mostrando su habilidad para fusionar lo tradicional con lo innovador.

Herbie Hancock ha recibido innumerables premios y reconocimientos a lo largo de su carrera, incluyendo múltiples premios Grammy. Su legado va más allá de la mera técnica pianística; es un visionario que ha desafiado constantemente las expectativas y ha llevado la música jazz a nuevas alturas. Hancock sigue siendo una figura influyente en la escena musical, tanto por su contribución continua como por su capacidad para inspirar a generaciones de músicos.

En resumen, Herbie Hancock es un titán del jazz, cuya creatividad y genialidad musical han dejado una marca perdurable en la historia de la música. "Watermelon Man" es solo un ejemplo de su habilidad para fusionar estilos y crear obras maestras que trascienden géneros. Su legado continuará resonando en el mundo de la música mucho después de su tiempo.

Daniel 

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1122.- Wishing Well - Free

 

Wishing Well, Free

     Heartbreaker es el sexto y último álbum de la banda de rock inglesa Free. El disco fue grabado entre octubre y noviembre de 1972 en los Island Studios de Londres, bajo la producción del grupo y de Andy Johns, y publicado en enero de 1973 por el sello discográfico Island Records. El disco fue grabado después de que el bajista Andy Fraser dejara la banda y mientras el guitarrista Paul Kossoff tenía ya una fuerte adicción a las drogas. Para sustituir a Fraser fue contratado el bajista Tetsu Yamauchi, y también fue contratado el teclista John "Rabbit" Bundrick para compensar a un cada vez más poco confiable Paul Kossoff debido a sus adicciones. Las tensiones crecían en el seno de la banda, y el hecho de que el grupo contratara al guitarrista de sesión "Snuffy" Walden para proporcionar partes de guitarra no ayudó, ya que Kossoff se mostró extremadamente resentido ante tal hecho.  La partida de Fraser ponía en jaque la famosa dupla compositiva de la banda, pues él y Paul Rodgers habían proporcionado la mayor parte del catálogo del grupo. De ahí que muchas de las canciones del disco fueran escritas únicamente por Rodgers, aunque algunas fueron atribuidas a toda la banda como gesto simbólico, como es el caso del exitoso sencillo Wishing Well. 

Sin embargo hubo ocasiones en las que las grabaciones salieron bien, y dieron como resultado algún tema notable, como es el caso de Wishing Well, donde curiosamente no está acreditado en la guitarra principal Paul Kossoff, aunque su sonido en la pista es inconfundible. Simon Kirke lo llegaría a confirmar posteriormente. Muchos han interpretado las letras de Wishing Well como una canción dirigida expresamente a Paul Kossoff, quien había desarrollado un peligroso y grave hábito a las drogas que acabarían costándole la vida. Sin embargo el vocalista y letrista Paul Rodgers negó tal hecho: "Es sólo una canción que escribí sobre una persona imaginaria".  También llegaría a admitir más tarde: "Escribí la canción como canción divertida para tocar en vivo, pero inconscientemente puede haber sido sobre personas que conocía". Estamos ante una canción que fusiona elementos de blues y rock, característicos del sonido del grupo, y la energía cruda y la poderosa ejecución de la banda nos recuerdan esa banda que nació a finales de los 60 y no ese grupo que se acercaba inevitablemente a su fín debido a sus múltiples problemas internos.

1121 - Steve Miller Band - The Joker

1121 - Steve Miller Band - The Joker

"The Joker" es una icónica canción de la Steve Miller Band que ha dejado una huella imborrable en la historia del rock desde su lanzamiento en 1973. Con su distintivo sonido y letras ingeniosas, la canción se ha convertido en un himno atemporal que ha perdurado a lo largo de las décadas.

Desde los primeros acordes de la guitarra, "The Joker" establece su tono único y relajado. La melodía, que combina elementos de rock, blues y pop, captura la esencia del sonido característico de la Steve Miller Band. La guitarra de Miller es la protagonista, con sus riffs suaves y su estilo distintivo que le da a la canción un toque de frescura y energía.

La letra de "The Joker" es un viaje surrealista a través de imágenes poéticas y referencias culturales. La famosa línea "Some people call me the space cowboy, some call me the gangster of love" se ha convertido en una de las más reconocibles en la historia del rock. La canción es una mezcla de metáforas y juegos de palabras que crean un ambiente lúdico y misterioso. Las referencias al Tarot, como el "midnight toker" (consumidor de marihuana a medianoche), añaden un toque de misticismo y misterio a la narrativa.

A medida que la canción avanza, se revela una sensación de libertad y desenfado. La letra refleja la actitud despreocupada de los años 70 y encapsula el espíritu contracultural de la época. La figura del "Joker" simboliza la rebeldía y la individualidad, personificando la filosofía de vivir la vida sin preocupaciones y disfrutar del momento presente. Esta actitud hedonista y liberadora resuena en la letra y se combina perfectamente con la melodía relajada de la canción.

La instrumentación, además de la destacada guitarra de Miller, incluye una armoniosa combinación de teclados y percusiones que contribuyen a la riqueza sonora de la canción. La producción impecable realza cada elemento musical, creando una experiencia auditiva envolvente.

"The Joker" ha trascendido el tiempo y ha mantenido su relevancia en la cultura popular. Su inclusión en películas, programas de televisión y anuncios ha asegurado que nuevas generaciones descubran y aprecien esta obra maestra del rock. La canción ha sido versionada y reinterpretada en varias ocasiones, pero la versión original de la Steve Miller Band sigue siendo la definitiva y la más querida por los fanáticos.

En conclusión, "The Joker" es mucho más que una simple canción; es un hito en la historia del rock. Con su combinación única de sonido, letras ingeniosas y actitud desenfadada, la Steve Miller Band creó una obra maestra que sigue resonando con oyentes de todas las edades. La canción es un recordatorio intemporal de la importancia de la individualidad, la diversión y la libertad en la experiencia humana.

Daniel
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1120.- Daughter of the Everglades - Rory Gallagher

 

Daghter of the Everglades, Rory Gallaghr

     Blueprint es el tercer álbum de estudio del genial guitarrista irlandés Rory Gallgher. Fue concebido originalmente como disco de vinilo, grabado en diciembre de 1972 en los Marquee Studios y Polydor Studios, ambos en Londres, bajo la producción del guitarrista, y publicado en febrero de 1973 por el sello discográfico Polydor Records. El disco llegó a alcanzar el puesto número 12 en las listas de ventas del Reino Unido. 

Después de trabajar con la fórmula de Power Trío, Rory decide apostar por la inclusión de teclados en sus grabaciones incluyendo al teclista Lou Martin, y reemplaza en la batería a Wilgar Campbell, siendo sustituido por Rod de'Ath. Estos dos nuevos miembros se unen al guitarrista y a su inseparable bajista Garry McAvoy, llegando a consolidarse como una de las formaciones más exitosas con las que llegó a trabajar Rory, de hecho, compartieron andanzas durante cinco años. 

Este álbum muestra la versatilidad y maestría de Rory fusionando elementos de blues, rock y folk. Destacan canciones como la cautivadora Daughter of the Everglades, donde el guitarrista se sumerge precisamente en dicha fusión fusión. Su habilidad para mezclar géneros crea una experiencia auditiva y emocional única. Las letras de la canción evocan imágenes vividas en algún lugar misterioso, y la narrativa sigue los pasos de una figura enigmática, conectado con la naturaleza y la esencia misma de las Everglades (región de humedales tropicales que se encuentra en el sur del estado de Florida, Estados Unidos, y donde e encuentra en Parque Nacional de los Everglades, el parque subtropical más grande de los Estados Unidos). Y para la narrativa, Rory utiliza la guitarra como hilo conductor, la interacción entre la guitarra y la voz del artista nos envuelven en un cúmulo de cautivadoras sensaciones y emociones. La canción ha sido interpretada como una metáfora de la búsqueda de la identidad y conexión con la naturaleza, estamos ante una canción que transporta al oyente a un viaje a través de diversos paisajes sonoros, y todo ello a través de la guitarra y la voz de Rory.

1119 - Genesis - Frith of Fifth

 

1119 - Genesis - Frith of Fifth

"Frith of Fifth" es una joya progresiva que se erige como un pilar fundamental en el legado musical de la icónica banda británica Genesis. Lanzada en 1973 como parte del álbum "Selling England by the Pound", la canción es un viaje auditivo que fusiona virtuosismo instrumental, letras poéticas y una narrativa musical envolvente.

Desde los primeros acordes de piano interpretados por Tony Banks, "Frith of Fifth" establece un tono melancólico y evocador que cautiva de inmediato. La habilidad de Banks para crear paisajes sonoros complejos se destaca, y su piano sirve como el hilo conductor a lo largo de la canción. La introducción instrumental es una obra maestra en sí misma, con cambios de tiempo y arreglos que demuestran la destreza técnica y la creatividad del tecladista.

La entrada de la guitarra de Steve Hackett agrega capas adicionales a la composición, fusionando a la perfección con la rica paleta sonora creada por Banks. Los solos de guitarra de Hackett son intrincados y emotivos, contribuyendo a la complejidad emocional de la canción. La sección instrumental, en particular, es un despliegue impresionante de la maestría musical de Genesis, con cada miembro de la banda aportando su talento de manera única.

El componente lírico, a cargo del carismático vocalista Peter Gabriel, agrega una dimensión narrativa profunda a "Frith of Fifth". Las letras son poéticas y enigmáticas, tejiendo una historia que invita a la reflexión sobre temas como el tiempo, la realidad y la búsqueda de significado. La voz distintiva de Gabriel transmite las emociones encapsuladas en las letras, complementando la complejidad instrumental de la canción.

La sección central de la canción, a menudo conocida como "Los Desfiles de Euterpe", es un punto culminante que destaca por su atmósfera etérea y su enfoque en la improvisación instrumental. Este segmento muestra la capacidad de la banda para fusionar elementos clásicos y progresivos, creando una amalgama única de estilos musicales.

"Frith of Fifth" es un testimonio del enfoque experimental y la ambición artística de Genesis en la era de los setenta. La habilidad para fusionar elementos clásicos con el rock progresivo, la complejidad técnica y la profundidad lírica hacen de esta canción una obra maestra atemporal. Su impacto perdura a lo largo de las décadas, consolidándola como una pieza fundamental en el vasto catálogo de Genesis y como una referencia ineludible en la historia del rock progresivo.

Daniel
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1112.- Can The Can - Suzi Quatro

Can the Can, Suzie Qatro

 

Suzi Quatro es el primer álbum de estudio en solitario de la cantante, compositora y bajista estadounidense del mismo nombre. Fue grabado en el Audio International Studio de Londres bajo la producción de Mike Chapman y Nicky Chinn, y publicado en octubre de 1973 bajo los sellos discográficos Bell Records en Estados Unidos y Canadá, EMI Records en Japón, Columbia Records en algunos países europeos, y Rak Records en el resto de países. En Australia el álbum fue titulado Can the Can. El disco, orientado hacia el glam rock, con toques de hard rock, fue todo un éxito comercial y de crítica, llegando a alcanzar el top 50 en las listas de varios países, como el número 32 en Reino Unido, el 4 en Alemania, el 5 en Países Bajos o el 2 en Australia.

La mayoría de los lanzamientos fuera del Reino Unido incluyeron el tema Can the Can, sin embargo, las ediciones posteriores en el Reino Unido también incluyeron dicho tema. Esta canción era el segundo sencillo que publicaba Suzi Quatro, y el primero en alcanzar el puesto número 1 en las listas de ventas del Reino Unido. También alcanzó dicho puesto en varios países europeos y en Australia. Australia fue el mercado donde Suzi mayor consistencia con su trabajo. 

Para Can the Can, suzi había organizado su propia banda, que había realizado una gira por Estados Unidos teloneando a Slade y Thin Lizzy. la cantante y bajistai tenía además nuevos compositores y productores, Mike Chapman y Nicky Chinn, para la ocasión. Su primer sencillo, Rolling Stone, no había tenido apenas éxito, por lo que se le pidió a los nuevos productores que escribieran y produjeran un tema impactante, el resultado fue Can the Can, que se convirtió en un gran éxito al instante. Esta canción ayudó a Suzi a convertirse en parte de la revolución del glam rock. 

Sobre la el significado de la canción, Nicky Chinn afirmaba que "Significa algo que es bastante imposible, no puedes meter una lata dentro de otra si son del mismo tamaño, así que estamos diciendo que no puedes poner a tu hombre en la lata si está fuera y no está dispuesto a comprometerse. La frase sonaba bien y no nos importaba que el público no entendiera el significado de la misma". Este sencillo convirtió a suzie Quatro en la primera bajista femenina en convertirse en una gran estrella de rock, y, por lo tanto, ayudó a romper barreras para la participación de las mujeres en la música rock.

1110.- Let's Get It On - Marvin Gaye

 

Let's Get It On, Marvin Gaye

     Let's Get It On es el decimotercer álbum de estudio del cantante, compositor y productor estadounidense de soul Marvin Gaye. Las grabaciones tuvieron lugar entre junio de 1970 y julio de 1973 en los Hitsville U. S. A. y Golden World Studios de Detroit, y en los Hitsville West Studios de Los Ángeles, bajo la producción del propio Marvin Gaye y de Ed Townsed, y publicado el 28 de agosto de 1973 por el sello discográfico Tamla Records, el cual pertenecía a Motown Records. Además de incorporar estilos como el soul y el doo-wop, Marvin realizó la primera incursión en el género funk. Estamos ante uno de los discos con más carga sexual jamás grabados. 

Este álbum ha sido considerado por la crítica como una grabación histórica en el soul, y también ayudó mucho al crecimiento de la popularidad del funk durante la década de los 70. El sonido de soul suave del disco marcó un cambio con respecto a su éxito anterior, que había sido grabado con la fórmula del sonido Motown. Let's Get It On ayudó a establecer la figura de Marvin como un icono sexual y amplió mucho más su atractivo comercial.

De este disco se produjeron tres sencillos, entre los que se encuentra el tema Let's Get It On, que cuenta con un lirismo romántico y muy sexual, y una instrumentación funk a cargo de The Funk Brothers que contiene una más que notable guitarra funky. La canción fue escrita por Marvin y por el productor Ed Townsend, y rápidamente se convirtió en una de las canciones más conocidas del cantante. Estamos ante una súplica de Marvin Gaye por la liberación sexual. Originalmente fue escrita por Townsend como un tema religioso. Townsend había salido recientemente de un centro de rehabilitación para alcohólicos y escribió la letra como un deseo del protagonista de seguir adelante con la vida después de vencer al alcoholismo. Marvin cambió por completo la letra y el significado de la canción después de conocer a Janis Hunter, quien se convertiría después en su segunda esposa. Let's Get It On encabezó la lista estadounidense Billboard Pop Singles durante dos semanas y la Billboard Soul Singles durante ocho semanas, convirtiéndose además en el lanzamiento más exitoso del sello Motown en Estados Unidos hasta la fecha. La canción ayudó a cimentar la reputación de Marvin Gaye como uno de los mejores cantantes de música para hacer bebes.

1109 - Status Quo - Caroline

1109 - Status Quo - Caroline

Status Quo es una banda de rock británica que ha dejado una marca indeleble en la escena musical desde su formación en 1962. Con un estilo distintivo de boogie rock y un enfoque enérgico, la banda ha cosechado éxitos y seguidores leales a lo largo de las décadas.

Una de las canciones más emblemáticas de Status Quo es "Caroline", lanzada en 1973 como parte de su álbum "Hello!". Esta pista se ha convertido en un himno clásico del rock, reconocible al instante por su poderoso riff de guitarra y su ritmo frenético. La energía implacable de "Caroline" encapsula perfectamente el sonido distintivo de Status Quo.

La canción comienza con una entrada memorable de guitarra, cortesía de Francis Rossi y Rick Parfitt, los líderes de la banda. El riff inicial establece el tono para el resto de la canción, que se desarrolla con una combinación de poderosos acordes y letras pegajosas. La voz distintiva de Rossi agrega carácter a la canción, mientras que la sección rítmica, con Alan Lancaster en el bajo y John Coghlan en la batería, proporciona un impulso constante.

La letra de "Caroline" es simple pero efectiva, con referencias a una mujer que ha cautivado al narrador. La canción irradia una sensación de diversión y libertad, capturando el espíritu despreocupado del rock and roll. Es esta combinación de letras accesibles y ritmo contagioso lo que ha hecho de "Caroline" una favorita entre los fanáticos del rock durante décadas.

Status Quo ha mantenido una presencia constante en la escena musical, y "Caroline" ha sido un pilar en sus actuaciones en vivo. La canción ha resistido la prueba del tiempo, manteniendo su frescura y atrayendo a nuevas generaciones de oyentes. Su impacto en la cultura del rock es innegable, y la longevidad de "Caroline" es un testimonio del talento duradero de Status Quo.

En resumen, Status Quo y su icónica canción "Caroline" han dejado una marca duradera en la historia del rock. Su estilo distintivo, liderado por potentes riffs de guitarra y letras pegajosas, ha asegurado un lugar para ellos en el panteón de los grandes del rock. Con más de cinco décadas de carrera, Status Quo y "Caroline" siguen siendo una celebración atemporal del espíritu del rock and roll.

Daniel 

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1108.- Camarillo Brillo - Frank Zappa

 

Camarillo Brillo, Frank Zappa

     Frank zappa grabó Over-Nite Sensation junto con The Mothers of Invention, que por entonces estaba formado por Kin Vassy (voces), Ricky Lancelotti (voces), Sal Marquez (trompeta y voces), Ian Underwood (clarinete, flauta, saxofón alto y saxofón tenor), Bruce Fowler (trombón), Ruth Underwood (percusión, marimba, vibráfono), Jean-Luc Ponty (violín, violín barítono), George Duke (sintetizador, teclados), Tom Fowler (bajo) y Ralph Humphrey (batería).

La grabación del álbum se realizó en  los estudios construidos por Ike Turner en Inglewood, California. Para la grabación del disco Zappa le pidió a Ike que tanto Tina Turner como el grupo de respaldo de ambos, The Ikettes realizaran los coros del disco. Las sesiones de grabación fueron un tanto complejas tanto para Tina como para las Ikettes, de hecho Tina llevó a Ike al estudio mientras estaban preparando el tema Montana para que viera el resultado de aquella complicada grabación, Ike al oir la grabación del tema respondió ¿Que es esta mierda?, acto seguido insistió a Frank Zappa para que en los créditos de Over-Nite Sensation no aparecieran ni Tina Turner ni The Ikettes.

En cuanto a la temática del disco Frank hace gala del humor para tratar temas como el que nos ocupa, Camarillo Brillo donde habla sobre sexo. Frank Zappa y The Mothers of Invention incluyen una magnífica sección de viento y juega con el vocabulario inventándose muchas palabras y utilizando muchos coloquialismos. El título hace alusión a Camarillo, una ciudad de California donde había una institución mental, y Brillo era una marca registrada de esponjas de acero inoxidable (cómo el Nanas para que nos entendamos). La letra habla de una mujer peculiar con un cabello salvaje, que echa las cartas del tarot tiene una serpiente como mascota y un amuleto. Después de mucho insistir ella logra convencerle al final a él para que entre en su casa, y ya podéis imaginar como acaba: "ellos lo hicieron....".

1103.- Dancing with Mr D. - The Rolling Stones

 

Dancing with Mr. D., The Rolling Stones

     Goats Head Soup es el undécimo álbum de estudio británico y el decimotercer estadounidense de la banda de rock inglesa The Rolling Stones. El grupo compuso y grabó gran parte de este trabajo fuera del Reino Unido debido a su condición de exiliados fiscales. Fue concebido entre Jamaica, Estados Unidos y Reino Unido. Fue grabado entre el 25 de noviembre de 1972 y el 5 de febrero de 1973 entre los Dynamic Studios de Kingston, Jamica, The Village de Los Angeles, Estados Unidos y los Island Studios de Londres, Reino Unido, bajo la producción de Jimmy Miller, y publicado el 31 de agoto de 1973 bajo el propio sello de la banda, Rolling Stones Records.

El disco fue producido por Jimmy Miller, el arquitecto y artífice clave del sonido del grupo durante su periodo dorado que comenzó con Beggars Banquet en 1968. El bajista Bill Wyman aparece únicamente en tres de las diez pistas del álbum, mientras que el resto de la banda, Mick Jagger, Keith Richards, Mick Taylor y Charlie Watts si tocan en todas las pistas. Tambien participaron colaboradores habituales del grupo, incluido el saxofonista Bobby Keys, el organista Billy Preston y los pianistas Nicky Hopkins e Ian Stewart. El disco llegó a alcanzar al puesto número uno en las listas de ventas de Reino Unido, Estados Unidos y varios países más, sin embargo recibió críticas buenas y malas a partes iguales, y está considerado como el comienzo del declive del grupo después de una serie de grandes álbumes aclamados por la crítica y el público. 

Incluido en este álbum se encuentra Dancing with Mr. D., tema que abre el disco. Una canción más oscura que la mayoría de los trabajos anteriores de los Stones, y que marca la tónica y el sonido general de Goats Head Soup. Escrita por Jagger y Richards, es un inquietante tema que comienza con un riff que se repite de manera destacada a lo largo de la canción, mientras que Jagger coquetea con unas letras que hablan sobre la muerte. Mr. D. hace referencia al diablo o la muerte, y además Jagger da argumentos en favor de la muerte mientras también especula en la forma de morir: por veneno, mordedura de serpiente, picadura de una araña o por un disparo. Estamos ante unas letras más autorreflexivas incluso que las de Sympathy for the Devil.

1101.- Simple Man - Lynyrd Skynyrd

 

Simple Man, Lynyrd Skynyrd

     Pronunced 'Leh-'Nérd 'Skin-'Nérd, el álbum debut de la banda de rock sureño Lynyrd Skynyrd, fue grabado entre e el 27 de marzo y l 1 de mayo en el Studio One de Doraville, Georgia (Estados Unidos), bajo la producción de Al Kooper, y publicado el 13 de agosto de 1973 por la compañía discográfica MCA Records.

Los músicos que componen el grupo en el momento de la grabación son Ronnie Van Zant (líder y vocalista), Gary Rossington (guitarra), Allen Collins (guitarra), Ed King (bajo y guitarra), Billy Powell (teclados y piano), Bob Burns (batería), y Leon Wilkenson (bajo), que si bien no participó en la grabción del disco, si era parte de la formación, habiendo trabajado con el grupo en los temas, pero por problemas personales justo antes de empezar a grabar tuvo que dejar la banda, incorporándose de nuevo justo después de la grabción del disco. También aparece acreditado en la grabación Roosevelt Gook (bajo, melotrón y coros), quien en realidad era el productor Al Kooper. 

Incluido en este disco se encuentra Simple Man, canción que tiene el honor de ser la tercera más descargada de la historia de la banda únicamente por detrás de Sweet Home Alabama y Free Bird, habiendo vendido hasta la fecha más de un millón trescientas mil copias sólo en Estados Unidos. Fue compuesta por Ronnie Van Zant y Gary Rossington, y se gestó poco después de la muerte de la madre de Gary  y la abuela de Ronnie. Un día, al poco de estos sucesos, Gary se reunió con Ronnie en el apartamento de este último, y allí empezaron a contarse anécdotas de la madre de Gary y la abuela de Ronnie. Es en aquel momento cuando a Gary se le ocurrió tocar unos acordes, y entonces Ronnie empezó a escribir la letra basándose en todos los consejos que tanto su abuela como la madre de Gary les habían dado a ambos a lo largo de los años. En una hora estaba escrita. 

EL visionario productor que los descubrió, Al Kooper, no estaba de acuerdo en incluir esta canción en el disco y se negó en un principio. Pero Ronnie y compañía tenían muy claro que este tema se incluiría en el disco. Lo que la banda hizo fue grabar el tema cuando Kooper no estaba en el estudio y luego posteriormente le hicieron grabar las partes de órgano que incluía la canción. Al Kooper llegaría a admitir más tarde que con este tema se equivocó al vetarlo. Hay una leyenda popular que alimenta la versión que el día que la banda grabó Simple Man, Kooper si se encontraba en el estudio, y Ronnie le cogió, le llevó hasta su coche, y luego le dijo: "Cuando hayamos acabado ya te llamaremos"; Quien sabe...

1100.- Tuesday' Gone - Lynyrd Skynyrd

 

sTuesda' Gone, Lynyrd Sknyrd

     Han pasado unos 7 años desde que Lynyrd Skynyrd viera la luz con el nombre de The Noble Five, y entre 1971 y 1972, con mucho esfuerzo, logran grabar varios temas. Dichos temas tienen que guardarlos en el cajón por falta de fondos, y no les queda más remedio que volver a su Jacksonville natal arruinados. Estas grabciones verían la luz justo después del accidente aéreo que costó la vida a varios de sus componentes en 1977, ya que la discográfica aprovecharía para editarlas en 1978 bajo el nombre de Skynyrd's First And... Last.

El grupo se encuentra sin dinero y sin la aceptación de las compañías discográficas, y decide mudarse a Atlanta, cerca de casa, donde los clubes de música daban más oportunidades a los grupos. Y es ahí donde entra en escena Al Kooper, reputado músico de sesión que había grabado con gente como The rolling Stones, Jimi Hendrix, Alice Cooper, The Who o Cream. Kooper ve una actuación de ellos en Atlanta y decide apostar por ellos. 

Al Kooper tenía muy buen oído y una gran visión de negocio, por lo que decide fundar el sello discográfico Sound of the South con el apoyo de MCA Records. Dicho sello pretendía competir con la potente discográfica Capricorn Records, que era la compañía referente en la región. Así nace el álbum debut del grupo Pronunced Leh - Nérd 'Skin - 'Nerd, compuesto por ocho temas. Dicho trabjo se convertirá en una de las obras maestras y referentes del género southern rock. 

Compuesto por ocho temas que reflejan unas brillantes letras donde la banda muestra las inquietudes existenciales de su líder Ronnie Van Zant. Como es el caso de Tuesday's Gone, una canción con un tono melancólico y reflexivo que nos habla sobre la partida y el cambio. La canción captura con un suave sonido, de forma genial, una sensación de nostalgia y pérdida. La canción, al igual que Ruby Tuesday, de The Rolling Stones, hace referencia a una chica llamada Tuesday. Escrita por Ronnie Van Zant y el guitarrista Allen Collins, nos hablan de dejar marchar y olvidar a Tuesday. En el lugar donde ensayaba la banda había una vía de tren, y el sonido de los trenes inspiró a Ronnie Van Zant para escribir la primera línea de la canción, "Train roll on, on down the line". 

Tuesda's Gone se convertirá en una de las canciones más emblemáticas de la banda y a día de hoy perdura como un clásico del rock sureño.

1093.- Jessica - The Allman Brothers Band

 

Jessica, The Allman Brothers Band

     Jessica es un tema instrumental del grupo estadounidense The Allman Brothers Band, lanzado en diciembre de 1973 como segundo sencillo del cuarto álbum de estudio del grupo, Brothers and Sisters (1973). Fu escrita por el guitarrista Dickey Betts como homenaje al guitarrista de jazz gitano Django Reinhardt, ya que fue diseñada para tocarse usando solo dos dedos de la mano izquierda.

Después de la muerte del guitarrista Duane Allman en 1971, el grupo continuó, fichando al tecladista Chuck Leavell, y un año después, cuando el bajista Berry Oakley falleció, Lamar Williams fue contratado para sustituirle, acabando este disco que Oakley dejó incompleto. La incorporación de Leavell a la banda supuso un cambio en el sonido y la dirección del grupo, algo que se hace muy evidente en esta canción en concreto. 

Betts escribió la mayor parte del tema en la granja del grupo en Juliette, Georgia, y es un tributo a la hija del guitarrista, reflejando en el tema una sensación de alegría y libertad. Le puso el nombre de su hija, Jessica, que era por entonces bebé y tenía un año, cuando entró a la habitación gateando y empezó a retozar al ritmo de la canción, quería capturar la actitud de la pequeña con la melodía. Betts invitó al guitarrista Les Dudek, quien reemplezaba a Duane Allman, a colaborar con él, y Dudek interpretó el puente de la canción. Los arreglos fueron hechos antes de grabar la canción en los Capricorn Sound Studios en Macon, Geoorgia. La canción tuvo poco éxito en las listas de ventas, sin embargo ha perdurado como una pieza básica en el rock clásico y una de las favoritas entre los fans del grupo. Su contagiosa energía y su distintivo riff de guitarra se han vuelto icónicos en la música rock. Su estructura musical es una fusión única de rock sureño, jazz y elementos de música country, quedando patente la habilidad de Betts para mezclar y combinar estilos.

1092.- Ramblin' Man - The Allman Brothers Band

 

Ramblin' Man, The Allman Brothers Band

     Ramblin' Man fue el sencillo principal del cuarto álbum de estudio de la banda estadounidense The Allman Brothers Band, llamado Brothers and Sisters (1973). La canción fue escrita e interpretada vocalmente por el guitarrista del grupo Dickey Betts. El guitarrista se inspiró en una canción de 1951 del mismo nombre de Hank Williams. Este tema tiene un toque muy country, lo que hizo que en un principio el grupo tuviera muchas dudas a la hora de grabarlo. El guitarrista Les Dudek, quien susituyó al fallecido Duane Allman, proporcionó junto a Betts las armonías de guitarra. La canción fue también una de las últimas contribuciones del bajista Berry Oakley a la banda.

La canción se creó por primera vez durante las sesiones de composición y grabación del anterior disco del grupo, Eat a Peach (1972). La canción hacía referencia a un campesino errante. Betts continuó trabajando en la canción durante una año, si bien la letra se realizó e apenas veinte minutos. Según Betts: "Escribí la letra en la cocina de Berry Oakley alrededor de las cuatro de la mañana. Todos se habían ido a la cama pero yo estaba sentado despierto". El grupo reconoció que era una buena canción pero se mostró reticente a grabarla porque sonaba demasiado country para ellos. Sobre la composición Betts decía: "Cuando era niño, mi padre trabajaba en la construcción y solía trasladar a la familia entre las costas este y oeste del centro de Florida"... "Iba a un escuela durante un año y luego a la siguiente. Tenía dos grupos de amigos y pasaba mucho tiempo en el asiento trasero de un autobús. Ramblin' estaba en mi sangre".

La banda fue al estudio para grabar una demostración de la canción y enviarla a un amigo, que es donde se creó la improvisación de guitarra del final del tema. Como todavía no estaba en proyecto de incluirla en el álbum, sintieron que los solos encajaban muy bien, decidieron incluir la canción en el álbum. Según el guitarrista Les Dudek, Betts le pidió que fuera a grabar la canción con él. "La tocamos en vivo. Yo estaba parado donde Duane habría estado, y Berry me miraba fijamente, eso fue muy intenso". Cuando se completó al canción, el equipo directivo y el equipo de gira se reunieron para escucharla, y según Dudek, la sala se quedó en silencio después de que terminara se sonar y el roadie Red Dog comentó: "Esto es lo mejor que escuché desde Duane".

1087.- Personality Crisis - New York Dolls

 

Personality Crisis, New York Dolls

     New York Dolls es el álbum debut de la banda estadounidense del mismo nombre. En los año previos al disco debut el grupo habían conseguido una buena base de fans locales tocando regularmente en la parte baja de Manhattan. El problema radicaba en que la mayoría de los productores musicales y compañías discográficas se negaban a trabajar con ellos debido, según ellos, a su vulgaridad. Fue grabado en los Record Plant Studios de Nueva York bajo la producción de Todd Rundgren, y publicado el 27 de julio de 1927 bajo el sello discográfico Mercury Records.

Para el álbum debut del grupo, la compañía discográfica quería encontrar un productor que aprovechara al máximo el sonido y la publicidad que habían conseguido en el área de Nueva York. En la primera reunión de la junta directiva de la compañía con el grupo, el cantante David Johansen se que quedó dormido justo hasta el momento en el que alguien menciono el nombre de Todd Rundgren, músico y compositor que había alcanzado un inesperado estrellato en 1972 gracias a su doble album Something/Anything?. Rundgren sería el elegido.

El disco fue aclamado por la crítica pero se vendió mal y acabó polarizando a los oyentes. El hecho de que el grupo era difícil de comercializar tampoco ayudó, debido, en parte, a sus excesos. A pesar de su fracaso comercial, el grupo acabó convirtiéndose en un influyente precursor del punk rock, y su álbum debut está considerado como uno de los mejores álbumes de la historia del género de finales de la década de los 70. Su influencia ha sido fundamental para grupos que posteriormente le siguieron, tales como Ramones, Kiss, Sex Pistols, Damned o Guns N' Roses entre otro muchos.

Incluido en este disco se encuentra la canción Personality Crisis, escrita por el cantante del grupo David Johansen y el guitarrista Johnny Thunders. La compañía discográfica, Mercury Records, lanzó originalmente la canción como un sencillo doble en la cara A, acompañando al tema Trash. La canción destaca por su cruda energía, combinando elementos de glam rock y proto-punk, y su letra aborda la idea de la identidad y la lucha por mantener una personalidad auténtica en medio de las presiones sociales y las expectativas externas que interfieren. La canción está considerada todo un clásico y una de las piezas más destacadas de la era del género proto-punk de la década de los 70.

1081.- Woman From Tokyo - Deep Purple

 

Woman From Tokyo, Deep Purple

     Who Do We Think We Are es el séptimo álbum de estudio de la banda inglesa Deep Purple. Este disco fue el último de la denominada formación Mark II, ya que Ian Gillan y Roger Glover causarían baja de la misma después de este trabajo debido a las tensiones internas con Ritchie Blackmore. Este trabajo fue grabado durante el mes de julio de 1972 en Roma y posteriormente en octubre del mismo año en Alemania utilizando el Mobile Studio de los Rolling Stones. Fue producido por el mismo grupo y publicado en enero de 1973 en Estados Unidos el sello discográfico Warner Bros. Records, y por lo sellos EMI y Purple Records en Gran Bretaña en febrero de 1973. 

Musicalmente, el disco mostró un movimiento hacia un sonido más blues, y en el seno de la formación se percibía una profunda crisis fruto de la fatiga y las tensiones internas. Aunque el sencillo Woman From Tokyo tuvo un gran éxito, el grupo no consiguió alcanzar las cotas de calidad que habían conseguido en sus anteriores discos, y todo a causa de las continuas discusiones en sus seno, que acabarían con la marcha de Gillan y Glover. El disco fue duramente criticado por la crítica a pesar de haber alcanzado e cuarto puesto en las listas de ventas de Gran Bretaña y el puesto decimoquinto en las listas de Estados Unidos.  

Incluido en este álbum se encuentra el citado Woman From Tokyo, un tema que tiene tras de sí una curiosa historia. Deep Purple fue una de las primeras bandas que actuó en Japón a principios de los años 70, y como tributo a este hecho, la banda escribió la canción. La canción tiene referencias al "Sol naciente" y al "Sueño oriental", y la letra trata sobre una mujer japonesa cuyos encantos fascinan al narrador de la historia. Deep Purple comenzó a grabar Who Do We Think We Are en Roma en julio de 1972. En ese momento, la banda aún no había realizado giras, y tenían programados tres espectáculos en Japón: dos en Osaka seguidos de otro en el estadio Budokan de Tokio.  La canción se convirtió en una de las más populares de la banda y consiguió una gran difusión en la radio. Curiosamente el grupo no incluyó en su set en vivo la canción en aquel momento, haciéndolo posteriormente en 1984 coincidiendo con la reformación de la banda. La admiración de Deep Purple por el rock progresivo queda reflejado por la larga pausa que encontramos a mitad de la canción. Una pausa que está incluida en la versión del disco y no en la del sencillo, lo que explica la marcada diferencia de duración durante las versiones. Roma era soleada e ideal para relajarse, por lo que la banda se dedicó a pasar más tiempo en la piscina que en trabajar, lo que unido al hecho de que hubiera un problema en el estudio, dio como resultado que únicamente sacaran de todas aquellas sesiones Woman From Tokyo. El resto del disco sería grabado en Alemania.

1075.- Cosmic Slop - Funkadelic

 

Cosmic Slop, Funkadelic 

     Cosmic Slop es el quinto álbum de estudio de Funkadelic, la banda liderada por George Clinton, la cual se dedicaba a la rama más psicodélica del funk, ya que de la parte más tradicional siempre corría a cargo de su banda hermanada Parliament, también liderada por George Clinton. Ambas bandas daban forma al llamado sonido P-Funk. Dicho disco es grabado entre 1972 y 1973 entre el United Sound Studio de Detroit y el Manta Sound Studio de Toronto, bajo la producción del omnipresente George Clinton, y publicado en julio de 1973 por el sello discográfico Westbound Records. 

El disco fue un fracaso comercial, llegando a alcanzar únicamente el puesto 112 en la lista de ventas Billboard Pop Chart de Estados Unidos, y el puesto 21 en la lista también estadounidense R&B Chart. Sin embargo, con el tiempo el disco ha sido reevaluado muy faborablemente por la crítica especializada. Para este álbum George Clinton, al contrario que con su antecesor álbum, America Eats its Young (1972), contó con una formación más pequeña para su grabación, limitada a dos guitarristas, Garry Shider y Ron Bykowsky, el percusionista Tyrone Lampkin, el teclista Bernard Worrell, y el bajista "Boogie" Mosson. Contó también con la colaboración en las voces de Mallia Franklin y Debbie Wright, ambos miembros de Parliament, y del baterista Tiki Fulwood en el tema Nappy Dogout.

Incluido en este álbum encontramos la canción que da nombre al mismo, Cosmic Slop, la cual tiene un potente ritmo y una letra muy incisiva que nos cuenta la historia de un mujer con cinco hijos que trabaja como prostituta para alimentar a su familia. Ella es una mujer temerosa de Dios que reza justificando sus pecados y que ruega por sus hijos, pero el diablo también le está escuchando y le responde: "Would you llike dance with me ? We're doing the cosmic slop" (¿Quieres bailar conmigo? Estamos haciendo el desastre cósmico). En una entrevista, el líder de la banda George Clinton afirmaba haberse inspirado en "mujeres que tienen que prostituirse para cuidar a sus hijos y se sienten avergonzadas de sí mismas, o sienten que no están haciendo lo que deben hacer". También afirmaba que "El instinto de tener que cuidar a tus hijos es un instinto fuerte, así que es un asunto mental. Crees que estás bailando con el diablo y tienes que hacer algo así para mantener a tu familia... Eso es lo que es Cosmic Slop". Clinton escribió esta canción con Bernie Worrell, el teclista del grupo. De las voces en esta canción se encargó el guitarrista Garry Shider, que solía llevar un pañal en las actuaciones en vivo.