0977 - Big Star - Thirteen

0977 - Big Star - Thirteen

"Thirteen" de la banda Big Star es una joya atemporal que captura la esencia de la adolescencia y la nostalgia en una dulce y melancólica melodía. Lanzada en su álbum debut "No. 1 Record" en 1972, la canción destila la sensación de inocencia y los sentimientos incipientes del primer amor de una manera que resuena con oyentes de todas las edades.

Con una simple instrumentación que incluye guitarras acústicas y una voz suave y emotiva, "Thirteen" transporta a los oyentes a través del tiempo, evocando recuerdos y emociones universales. La canción está imbuida de una pureza y sinceridad que refleja la juventud y la ingenuidad. Sus letras pintan una imagen vívida de la transición hacia la madurez, capturando momentos íntimos compartidos entre dos jóvenes enamorados.

A medida que la voz principal canta versos como "Won't you let me walk you home from school? / Won't you let me meet you at the pool?" ("¿No me dejarás acompañarte a casa desde la escuela? / ¿No me dejarás encontrarte en la piscina?"), se crea una sensación de vulnerabilidad y un deseo inocente de la cercanía. La canción captura la intensidad de las emociones adolescentes con una simplicidad lírica que resuena profundamente.

La producción minimalista y la ejecución sincera de "Thirteen" permiten que las letras y la melodía brillen con claridad. La canción ha sido versionada y reinterpretada por numerosos artistas a lo largo de los años, lo que demuestra su impacto perdurable en la música popular. Su influencia se extiende a través de generaciones, conectando a oyentes jóvenes y adultos en su aprecio por la experiencia humana compartida.

En resumen, "Thirteen" de Big Star es una canción intemporal que captura la belleza y la complejidad de la juventud y el amor incipiente. Su simplicidad y sinceridad la convierten en un tesoro musical que sigue siendo conmovedor incluso después de décadas de su lanzamiento. A través de sus letras y melodía, la canción nos invita a reflexionar sobre nuestras propias experiencias y recuerdos, creando un lazo emocional que perdura mucho después de que termine la última nota.

Daniel 

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Funkadelic - Funkadelic (Mes Funkadelic)

 

Funkadelic

     Mommy, What's a Funkadelic? (Mama, qué es Funkadelic?). Con esta pregunta que servía de título para la primera canción de su primer álbum, arrancaba la andadura de Funkadelic. Esta banda, junto con su banda hermana Parliament, serán de uno de los grupos que marcarán una nueva era dentro del Funk, Rock y música psicodélica al mezclar estos estilos con absoluta brillantez y marcar la era del llamado sonido P-Funk, cuyo padre no es otro que Geroge Clinton, el creador de ambas bandas. Parliament se movía en un sonido funk más tradicional mientras que Funkadelic era la encargada de experimentar con sonidos como el rock o la música psicodélica y mezclarlos con gran maestría con el funk. Y este mes de septiembre nos vamos a centrar en la rama más experimental del sonido P-Funk, e intentar durante este mes, a través de una selección de sus discos, explicar que es Funkadelic y que significa el sonido P-Funk.

Para hablar de Funkadelic inevitablemente tenemos que hablar de su fundador, George Clinton. George nace en 1941 en Kannapolis, Carolina del Norte (Estados Unidos). A finales de los años 50 George que era copropietario de una barbería en New Jersey, decide fundar en la parte de atrás de la misma un grupo de música para entretener a los clientes, en la parte de atrás de esa barbería nacería The Parliaments. Al principio hacían un sonido doo-woop (género que nació mezclando básicamente los géneros R&B y góspel), pero durante la década de los 60 van evolucionando en su forma de enender y hacer música hasta acabar desarrollando un sonido único basado en el soul y el funk. Además de hacer un sonido único, también se empiezan a inclinar por unas letras más ocuras.

Durante los 60, George encuentra empleo en la potente discográfica Motown records, empleo que compatibiliza con el grupo The parliaments. En 1967, con el sello discográfico Revilot Records graba su primer éxito con The parliaments, llamado (I Wanna) Testify, tema con el que consiguen una gran acogida en las listas de ventas. Con motivo del éxito del single George decide iniciar una gira, para la cuál se lleva a The Parliaments y además crea una banda de acompañamiento para que respalde al grupo durante dichas gira. Sin embargo justo en ese momento, cuando empieza a despegar George, se ve envuelto en una batalla contractual con Revilot Records y pierde los derechos del grupo. Lejos de desanimarse y para poder seguir en la brecha George cambia el nombre a toda aquella formación (The parliaments y la formación de apoyo) que había fichado para la gira y la llama Funkadelic.

Y así nace Funkadelic, una banda que además se aleja del sonido doo-woop, que se inspira en Jimi Hendrix y Sly & the Family Stone entre otros, y mezclan en sus composiciones soul, funk, rock psicodélico e incluso hard rock. Posteriormente refundaría a los extintos The parliaments llamándolos Parliament, y así George grabaría y haría innumerables giras cons sus grupos parliament y su banda hermana Funkadelic. Todo esto daría lugar al denominado sonido P-funk, un sonido bailable a la vez que psicodélico y con tintes rockeros. 

En este contexto nace Funkadelic, el álbum debut de la banda estadounidense. El disco es grabado entre 1968 y 1969 en los Tera Shirma Sound Studios de Detroit, Michigan, bajo la producción de George Clinton y publicado el 24 de febrero de 1970 por el sello discográfico Westbound Records. En los créditos del disco figuran como Funkadelic el propio George Clinton junto a Mickey Akins (órgano hammond), Tiki Fulwood (batería), Eddie Hazel (guitarra), Billy "Bass" Nelson (bajo) y Tawl Ross (guitarra rítmica). También se incluyó en los créditos al resto de vocalistas que habían formado parte de The Parliaments, Clarence "Fuzzy" Haskins, Calvin Simon, Ray Davis y Grady Thomas, así como varios músicos de sesión que por entonces eran empleados del sello Motown. 

Este disco debut es para mí uno de los mejores álbumes del grupo de principios de la década de los 70. En aquel momento  había muchos grupos que habían apostado por sonidos soul y funk más psicodélicos, sin embargo ningún grupo había sido capaz de conseguir un equilibrio entre los sonidos más suaves y melódicos del soul y los potentes riff de guitarras rockeras hasta que llegó Funkadelic con esos ritmos y densos arreglos de coros y voces, pero con unas guitarras ruidosas y saturadas. En este disco la banda conseguirá sentar las bases de sus sonido marcado por sus raíces del soul de los 60 entremezclándolo con el funk de los 70 y todo aderezado con altas dosis de rock y psicodelia a partes iguales.  

La edición original de Funkadelic contiene 7 canciones, Mommy, What's a Funkadelic?, uno de sus temas más icónicos. La canción comienza con una cómica introducción para irse transformando en todo un trallazo lleno de un potente ritmo funk. I'll Bet You es otra de las canciones más brillantes del álbum. Bajo una prominente línea de bajo y un ritmo pegajoso, mezcla con gran destreza elementos del rock y el funk. Music My Mother es otra rítmica y animada pieza con una mezcla de voces y coros que resaltan el sonido funk. En I Got a Thing, You Got a Thing, Everybody's Got a Thing  las guitarras con el efecto wah wah y el órgano Hammond marcan el paso mientras suenan unos grandes coros que por momentos tienen toques de gospel. En Good Old Music George Clinton vuelve a capturar con maestría la esencia del soul y el funk. La sensación rítmica con el groove que se marcan aquí es espectacular. Qualify and Satisfy es una de las canciones más tranquilas del disco, una mezcla entre elementos R&B y funk donde destacan las excelentes voces y armonías. What Is Soul cierra este brillante álbum, una introspectiva canción donde George Clinton explora en la esencia, el alma y el significado de las letras de la música soul.

Funkadelic, a través de su particular enfoque a la hora de experimentar y fusionar géneros en este primer disco, sentó las bases para la evolución de su sonido en sus trabajos posteriores. George Clinton y Funkadelic en este álbum son capaces de plasmar su capacidad y visión única para crear música innovadora y llena de ritmo y energía.

0976.- Ballrooms of Mars - T.Rex

Ballrooms of Mars ("Salones de baile de Marte") es una canción escrita por Marc Bolan para The Slider (1972), el séptimo álbum de estudio de su banda T. Rex. Escondida en el cuarto lugar de la segunda cara de aquel disco, esta joya oculta del glam rock tiene una estructura musical que combina el estilo de los años cincuenta con un rompedor enfoque glam y unos intermitentes y rockeros solos de guitarra, todo ello conducido de la mano del que fuera productor de los mejores discos de David Bowie, el gran Tony Visconti.

Si no conocéis la versión original de Marc Bolan (el auténtico precursor del glam rock en los sesenta, incluso antes de que Bowie se llevara todos los focos con su personaje de Ziggy Stardust) o la aún menos conocida versión que de este tema hicieron los estadounidenses The Bongos, sin duda sí que os sonará la versión en castellano que nuestros Radio Futura publicaron como segundo sencillo de su disco "Música Moderna" (1980), con el título de "Divina (Los Bailes de Marte)", dedicada a Alaska y con una letra adaptada a las circunstancias de la "movida madrileña", un período de libertad e inquietud artística muy influenciado por la música glam de Bolan y Bowie en los sesenta.

0975 - Metal Guru - T-Rex

"Metal Guru": El Resplandeciente Himno del Glam Rock de T-Rex

En la efervescente época del glam rock de los años 70, una canción brilló con una luz propia y dejó una huella imborrable en la historia de la música: "Metal Guru" de la icónica banda T-Rex, liderada por el inimitable Marc Bolan. Lanzada en 1972 como parte del álbum "The Slider", esta canción capturó la esencia misma del género, llevándolo a nuevas alturas de extravagancia y magnetismo.

Con su apertura instantáneamente reconocible, "Metal Guru" inmediatamente se apodera de los sentidos. Los acordes de guitarra contundentes y el ritmo contagioso establecen el tono para una experiencia musical única. Bolan, con su voz distintiva y ligeramente melancólica, guía al oyente a través de un viaje musical lleno de pasión y vitalidad. La letra, en su simplicidad aparente, agrega un toque de enigma, permitiendo que cada oyente cree su propia interpretación de la canción.

Uno de los aspectos más fascinantes de "Metal Guru" es su capacidad para transmitir una sensación de euforia y celebración. Los coros resonantes y el estribillo repetitivo se convierten en un mantra adictivo que invita a unirse en una comunión musical. La canción encarna la actitud desafiante y el espíritu de autenticidad que caracterizaban al glam rock. Bolan y su banda nos invitan a un mundo donde la individualidad es celebrada y la autoexpresión es una forma de arte.

A medida que la canción avanza, la instrumentación adquiere mayor profundidad y complejidad, revelando la maestría musical de T-Rex. Los riffs de guitarra enredados y las capas de sonido agregan dinamismo y emoción a la pista. La producción pulida pero no excesiva permite que la energía cruda del grupo brille, capturando la esencia de sus actuaciones en vivo.

"Metal Guru" no solo fue un éxito en las listas de éxitos, sino que también se convirtió en un himno para una generación que buscaba escapar de la monotonía y la normatividad. Su legado perdura a lo largo de los años, con su influencia palpable en artistas contemporáneos y futuros. La canción sigue siendo una entrada obligada en cualquier recorrido por la historia del glam rock y una puerta de entrada a la extravagancia y la autenticidad de la era.

"Metal Guru" de T-Rex trasciende el tiempo como un himno atemporal del glam rock. A través de su combinación distintiva de letras enigmáticas, melodías infecciosas y actitud audaz, la canción sigue siendo un faro luminoso en la constelación musical, recordándonos la importancia de abrazar nuestra individualidad y celebrar la música en su forma más exuberante.

Daniel 

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0974.- Love me like a man - Bonnie Raitt

 

Bonnie Riatt es conocida hoy particularmente por el trabajo que creó a finales de los 80 y principios de los 90. Álbumes como Nick Of Time y Luck of the Draw , además de canciones como “Something To Talk About” y “I Can't Make You Love Me”, dieron lugar a un montón de Grammys. También revelan el gran dominio de Raitt en cuanto a tono emocional y arreglos, incluso si fueron creados con un sonido pulido y contemporáneo para adultos. Pero su carrera comenzó mucho antes de que se creara ese trabajo, sobre una sólida base de blues.

Love me like a man es una melodía de blues tosca tocada y cantada durante una época en la que los roles de género todavía estaban arraigados en la tradición de "papá es el cabeza de familia" y cuando la comprensión generalizada sobre las dinámicas saludables entre hombres y mujeres tal como los entendemos hoy estaban sólo en sus etapas de formación. Por supuesto, esas dinámicas todavía están evolucionando hoy en día. Pero a principios de los años 70, incluso el lenguaje de la igualdad entre sexos era todavía bastante nuevo. Entonces, bajo la superficie sexy de esta canción, y hay mucho sensual aquí, también se está haciendo una especie de declaración política.  La parte “blues” de esta ecuación se hace obvia con las increíblemente diestras líneas de guitarra acústica de blues de Raitt, combinadas con la conmovedora liquidez de su voz. En cierto modo, este es otro aspecto de su naturaleza contemporánea, con Raitt poniendo toques de blues y hablando de masculinidad en un género que históricamente ha comercializado una versión bastante diferente de lo que es ser un hombre. La melodía de Raitt ofrece una perspectiva importante con una mujer interpretándola, pero también como una forma de presentarla como una guitarrista y cantante que sabe llorar . Eso es lo que realmente establece su autoridad.

La letra sugiere que Raitt ha experimentado relaciones con hombres que no están emocionalmente disponibles y estan ensimismadoscon Ellis mismos, por eso anhela a alguien que "no se ponga por encima" de ella y que pueda amarla como a un hombre. En otras palabras, Raitt busca a alguien que pueda amarla de una manera fuerte, solidaria y genuina. También es una poderosa llamada a defenderse y exigir el tipo de amor que uno merece. Raitt quiere ser amada por lo que es y no sólo utilizada por sus talentos o sacudida "como si [su] espalda no tuviera huesos". Las últimas líneas de la canción, "Love me like a man", no dejan lugar a la ambigüedad. Raitt quiere que su pareja dé un paso al frente y la ame con la fuerza y la sinceridad que un verdadero hombre puede brindar.

Disco de la semana 342 - Small Change - Tom Waits

Small Change ("Pequeño cambio"), el cuarto álbum de estudio de Tom Waits, es como su nombre indica un "pequeño gran cambio" en su discografía. Publicado en septiembre de 1976 con la discográfica Asylum Records, superó con creces las ventas de cualquiera de sus anteriores tres discos, e impulsó a Waits a la altura de los grandes cantautores estadounidenses del momento, una posición de la que ya no se bajaría, convirtiéndose en una figura de culto para muchas generaciones de músicos y oyentes posteriores. Como resultado del espaldarazo comercial del disco, Waits montó The Nocturnal Emissions, una "big band" de apoyo para que el álbum luciera convenientemente en directo, en la consiguiente gran gira por Europa y Estados Unidos.

Con la gira y las ventas del disco, podría decirse que, efectivamente, los tiempos estaban cambiando, y Waits empezaba a jugar en las grandes ligas. Buena culpa del éxito del álbum la tuvo que fuera grabado y producido a imagen y semejanza de las grandes grabaciones de jazz de los años cincuenta, con Tom Waits cantando y tocando junto a una gran orquesta de jazz en la misma sala de grabación, lo que sin duda se refleja en la cercanía y la autenticidad del sonido. La influencia musical del jazz no se quedó solo en el método, sino que impregnó también el estilo de las canciones, que basadas en su mayor parte en piano, bajo, batería y saxofón (con ocasionales arreglos de cuerda) y acompañando a la áspera y taciturna voz de Waits, beben de las fuentes de artistas de la talla de Louis Armstrong, Dr. John o Howlin' Wolf, distorsionadas y retorcidas tras pasar por el tamiz de unas letras y una atmósfera más propias de un relato de Charles Bukowski.

Otra gran responsable del éxito del disco fue la canción con la que da comienzo, el tema "Tom Traubert's Blues (Four Sheets to the Wind in Copenhagen)", basado en la célebre canción australiana "Waltzing Matilda" (1890), y por la pista que nos da el subtítulo (Cuatro sábanas al viento en Copenhage), la letra parece basarse en los recuerdos de una noche de fiesta en la capital danesa junto a la cantante local Mathilde Bondo, según comentarios del propio Waits durante un concierto en Sidney en 1979: "Conocí a esa chica llamada Matilda, y bebí demasiado aquella noche." La propia "Matilda" confirmó en una entrevista de 1998 que acompañó a Waits durante una noche de alcohol y fiesta por los bares de la ciudad, pero en 2006 Waits dio un giro al significado de la canción, declarando que Tom Traubert era un "amigo de un amigo que había muerto en prisión".

Durante la grabación del disco y la gira, Tom Waits bebía cada vez más, y el pesimismo y la depresión resultantes de ese estado de embriaguez bohemia y casi constante se filtran también a lo largo de las canciones de Small Change, especialmente en la cínica y aguda "The Piano Has Been Drinking (Not me)" (El piano es el que ha estado bebiendo, no yo") o en la honesta y casi humorística confesión alcohólica de "Bad Liver and a Broken Heart" (Mal hígado y un corazón roto"). Son dos canciones en las que la broma alcohólica prevalece, pero Waits era consciente de que el camino de la botella no iba a llevarle a un buen destino, y con Small Change buscó en realidad todo lo contrario a la broma fácil, describiendo el oscuro y desolado mundo de privación que iba asociado con la adicción al alcohol, contando las penurias de sórdidos y desafortunados perdedores, prostitutas y strippers. En sus propias palabras: "No hay nada gracioso en un borracho (...) Terminé diciéndome a mí mismo que cortara esa mierda".

Quizá con ese objetivo, y tras "Small Change (Got rained on with his own)", la pieza que da título al disco, la última de las canciones del álbum puede ser vista como un rayo de esperanza. En "I Can't Wait to Get Off Work (And See My Baby on Montgomery Avenue)", minimalista pieza de voz, bajo y piano inspirada en el primer trabajo de Waits en una pizzería de San Diego, el sentimiento y el mensaje son, por una vez, positivos, y el protagonista simplemente está como loco por terminar su jornada, para poder reunirse con su novia y salir por ahí, como si solo fuera necesario un pequeño cambio para que un mal día se convirtiera en uno mágico, o para que la oscuridad le diera al fin paso a la luz. Solo es un pequeño cambio en un gran disco, firmado por uno de los compositores más grandes y más malditos de la historia de la música estadounidense.

0973.- Love's enought - David Ackles

David Ackles sólo hizo un total de cuatro álbumes, entre 1968 y 1973. Sus compañeros compositores Elton John y Elvis Costello se preguntan por qué su música no es más conocida. Costello describió una vez la falta de reconocimiento como un “misterio”. También se aseguró de reconocer a Ackles como una de sus principales influencias en su discurso de incorporación al Salón de la Fama del Rock and Roll en 2003. Quizás la música de Ackles, producto de la influencia combinada de las melodías de los espectáculos de Broadway, Jacques Brel, Brecht y Weill, el music hall inglés y el naciente movimiento de cantautores del sur de California no estaban lo suficientemente de moda. Ackles comenzó su carrera como compositor como compositor de Elektra Records, pero sus canciones eran tan únicas e idiosincrásicas que simplemente no funcionaban para otros artistas. El legendario jefe de Elektra, Jac Holzman, sugirió que Ackles hiciera sus propios álbumes, y el sello lanzó su debut homónimo en 1968. El lanzamiento tuvo un éxito de crítica, pero poco reconocimiento público, y se publicó un segundo álbum, Subway to the Country de 1970 . , corrió la misma suerte.

American Gothic fue su tercer trabajo un album de 11 piezas organizado en torno al tema "buscar América", en este caso, el redescubrimiento de uno mismo a través de la contemplación de la América rural en desaparición. Los sonidos musicales del álbum son brillantemente eclécticos y están ordenados con total precisión formal. Las principales influencias de la música de Ackles son Kurt Weill y Aaron Copeland, quienes para Ackles representan, respectivamente, la actualidad descarada y la búsqueda mítica. Como cantante, Ackles se sitúa a medio camino entre el folk y la comedia musical, dado que su fuerza vocal es modesta y su estilo de canto muy sencillo, a menudo emplea un discurso modificado para dramatizar sus letras. Para algunos puede sonar cursi, pero para mí funciona ya que el impulso hacia el melodrama está prácticamente controlado, aun así estamos ante una obra de un genio y que en gran medida no esta reconocida, uno de los álbumes estadounidenses más pasados ​​de moda e intransigentes de todos los tiempos. Ackles pinta un retrato colorido y poético de Estados Unidos, una obra de teatro inquietantemente oscura filtrada a través de la sensibilidad melódica de un compositor, elaborado capa tras capa, se revela más como una obra dramática que como un lanzamiento de rock o pop convencional, basándose en compositores clásicos estadounidenses modernos como Charles Ives y Aaron Copland, y con apariciones determinates de gospel, rock, blues y soul. Imagine un álbum de arte folk que une la apasionada narración de Woody Guthrie y las orquestaciones de Kurt Weill, ademas hay una tensión extraña entre las letras dolorosamente reminiscentes, las vidas tranquilas y desesperadas de la masa media y las melodías llamativas y vibrantes, salpicadas de algo de disonancia al estilo de Scott Walker. Ackles parece empatizar profundamente con la situación y denigrarla (y, sí, es una situación difícil; la pobreza rural es profundamente entristecedora y, desafortunadamente, de alguna manera no cumplió con la agenda de corrección política) de los habitantes de tierras agrícolas desperdiciadas y dependientes. Ackles tiene una agenda y la logra, la pregunta es si el oyente está de acuerdo. En mi caso, no siempre, pero a veces esto es profundo y es fenomenal cuando lo hace.

Love's Enough es quizas su cancion más sobria, la que menos os va a costar y luego podeis seguir dando pasos, es un tema que podría haber sido editado por cualquier artista de cualquier época con sólo cambios mínimos en los arreglos y la producción para hacerlo adecuado a su época. En los años ochenta, sus tambores cepillados casi inaudibles habrían sido reemplazados por tambores enormes-súper-mega-gigantes-que-golpean-en-una-cueva. En los años cincuenta podría haber contado con la atención de Gordon Jenkins o Nelson Riddle, aun asi esta cancion te hubiera tocado la fibra la escuches como la escuches...

0972.- Pusherman - Curtis Mayfield

 

Pusherman, Curtis Mayfield

     Super Fly es el tercer álbum de estudio del músico de soul y funk estadounidense Curtis Mayfield. Dicho trabajo fue grabado entre diciembre de 1971 y mayo de 1972 en los estudios RCA de Chicago y los Bell Bell Sound de Nueva York, bajo la producción del propio músico, y publicado el 11 de julio de 1972 por el propio sello discográfico de Curtis Mayfield, Curtom Records. Este disco fue lanzado como banda sonora de la película del género Blaxplotation del mismo nombre, Super Fly. El disco se convirtió rápidamente en un absoluto éxito, siendo considerado como un clásico de la música soul y funk de los años 70.

Super Fly fue junto a What's Going On (1971) de Marvin Gaye, uno de los discos conceptuales de soul pioneros, con unas letras socialmente comprometidas que nos hablas de temas como la pobreza o el problema del abuso de las drogas. Gracias al éxito de este disco como banda sonora, Curtis fuel elegido para realizar varias bandas sonoras más a lo largo de la década. Mayfield había contribuido anteriormente con dos canciones en la película de 1968 Krakatoa, East of Java, la cual fue todo un fracaso comercial. Más tarde, sería el director de cine Gordon Park Jr., quien estaba trabajando en una película llamada Super Fly, quien pide a Curtis y su banda que realicen un cameo en una escena en una discoteca, y que para ello tienen que tocar una canción completa. Este cameo es lo que lleva al director a pedir a Curtis que se encargue de la banda sonora completa. Esta banda sonora es una de las pocas que fue capaz de superar a la película a la que iba ligada.

Incluido en este disco se encuentra Pusherman, escrita por Curtis y grabada en las sesiones en los estudios Bell Sound de Nueva York. Esta canción y prácticamente todo el álbum fue escrita desde en un sótano en Chicago donde Curtis vivía mientras atravesaba un proceso de separación matrimonial de su esposa. El músico uso cada canción del disco para abordar diferentes problemas, y con Pusherman abordó el problema del tráfico de drogas. Normalmente se solía ver al traficante de drogas callejero como un hombre de negocios tratando de ganarse la vida y mejorar su situación, y en Pusherman Curtis nos da a entender que Pusherman es tanto héroe como villano, una extraña víctima más devorada por las demandas y circunstancias del gueto. 

0971 - King Harvest - Dancing in the moonlight

0972 - King Harvest - Dancing in the moonlight

Algunas canciones destacan por su capacidad de perdurar a lo largo del tiempo, atrapando los corazones de generaciones sucesivas. "Dancing in the Moonlight" de King Harvest es uno de esos éxitos que ha dejado una huella indeleble en el mundo de la música. Con su ritmo contagioso y letras alegres, esta canción ha resonado con oyentes de todas las edades desde su lanzamiento en la década de 1970. En esta reseña, exploraremos los aspectos más destacados de esta joya musical que sigue iluminando las noches de fiesta.

"Dancing in the Moonlight" es una canción del género pop rock, lanzada por primera vez en 1970 por la banda de Nueva York, King Harvest. Escrita por Sherman Kelly, el tema destaca por su optimismo y ritmo contagioso que invita a mover los pies al compás de la música.

Desde los primeros acordes, "Dancing in the Moonlight" captura la esencia del verano, evocando imágenes de cálidas noches estivales y romances efímeros. El gancho distintivo de su pegajoso estribillo es el elemento que atrapa a los oyentes y los invita a cantar junto con la banda. La combinación de guitarras suaves y ritmos de piano animados crea una fusión musical inolvidable, que se complementa con una sección de vientos alegre y enérgica.

La voz principal, llena de encanto y emotividad, es el vehículo perfecto para transmitir la sensación de despreocupación y alegría que caracteriza a la canción. A medida que avanza, "Dancing in the Moonlight" construye una atmósfera festiva que se mantiene hasta el último acorde, dejando a los oyentes con una sonrisa en el rostro y las ganas de bailar bajo la luz de la luna.

La letra, sencilla pero efectiva, refleja la libertad y la felicidad de vivir el momento presente. Con versos como "Todos estamos encendidos y no hay lugar para estar / Y no te preocupa mucho si no tienes dinero", la canción resalta la importancia de disfrutar de la vida sin preocuparse por el mañana. Esta actitud positiva y desenfadada ha hecho que "Dancing in the Moonlight" se convierta en un himno para escapar de las preocupaciones diarias y dejarse llevar por la música y la compañía de buenos amigos.

"Dancing in the Moonlight" de King Harvest es una canción atemporal que ha trascendido las barreras del tiempo y del género musical. Su ritmo pegadizo y letras esperanzadoras han hecho que perdure en la memoria de varias generaciones. Esta pieza musical, llena de vitalidad y positividad, es un recordatorio de que en la simplicidad de los placeres cotidianos podemos encontrar momentos mágicos.

Sin lugar a dudas, "Dancing in the Moonlight" es una adición esencial a cualquier lista de reproducción veraniega o fiesta, ya que enciende la alegría en el corazón de quienes la escuchan. Es una canción que nos recuerda que la música puede ser un poderoso catalizador para la creación de recuerdos inolvidables. ¡Así que no dudes en darle al play y sumergirte en esta cautivadora y encantadora melodía mientras bailas bajo la luz de la luna!

Daniel
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0970 - Van Morrison - Saint Dominic's Preview

0970 - Van Morrison - Saint Dominic's Preview

"Saint Dominic's Preview" es una cautivadora y enigmática canción del cantante y compositor norirlandés Van Morrison. Lanzada en 1972 como la pista principal de su álbum homónimo, la canción se ha convertido en un ícono del género del rock y ha dejado una huella significativa en la música contemporánea.

La canción se distingue por su intrincada mezcla de estilos musicales, fusionando elementos del rock, blues y jazz, todo ello respaldado por la distintiva voz de Van Morrison. La interpretación apasionada y emotiva del artista agrega una capa adicional de profundidad a la pista, logrando transmitir una amplia gama de emociones a lo largo de sus más de seis minutos de duración.

La lírica de "Saint Dominic's Preview" es notablemente poética y evocadora, característica típica de las composiciones de Van Morrison. El tema de la canción parece girar en torno a una exploración introspectiva y mística, con referencias crípticas a diversos aspectos de la vida y la espiritualidad. La narrativa se desarrolla con un sentido elusivo, lo que permite a los oyentes interpretar y conectar con la canción de manera personal, a medida que se sumergen en sus enigmas líricos.

Musicalmente, la canción se despliega en una serie de cambios de tempo y dinámicas, lo que aporta una sensación de viaje sonoro a lo largo de su ejecución. Los músicos acompañantes de Van Morrison aportan su destreza en la instrumentación, contribuyendo a la atmósfera enigmática y atractiva de la pista.

"Saint Dominic's Preview" ha sido aclamada por la crítica y es considerada como una de las obras maestras de la carrera de Van Morrison. Su capacidad para fusionar géneros y su profundidad lírica han dejado una impresión duradera en la música contemporánea y en la audiencia que sigue descubriendo su obra.

En conclusión, "Saint Dominic's Preview" es una canción fascinante que encapsula la destreza artística de Van Morrison y su habilidad para trascender géneros musicales. Su lírica enigmática y emotiva interpretación hacen que esta pista siga siendo relevante y disfrutable incluso décadas después de su lanzamiento, lo que demuestra el impacto perdurable de la obra de este legendario músico.

Daniel
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0969 - Van Morrison - Jackie Wilson Said (I'm in Heaven When You Smile)

0969 - Van Morrison - Jackie Wilson Said (I'm in Heaven When You Smile)

En la historia de la música, hay canciones que perduran en el tiempo y siguen deleitando a generaciones. "Jackie Wilson Said (I'm in Heaven When You Smile)" es una joya atemporal del legendario cantante y compositor norirlandés Van Morrison. Lanzada en 1972 como parte de su álbum "Saint Dominic's Preview", esta canción ha dejado una huella indeleble en el mundo musical gracias a su mezcla distintiva de ritmos, suavidad vocal y letras encantadoras. En esta reseña, exploraremos los aspectos destacados de este himno musical y su influencia duradera en la industria.

"Jackie Wilson Said" se inicia con una melodía contagiosa y alegre que, desde el primer acorde, invita al oyente a unirse a este viaje musical. La habilidad de Van Morrison para fusionar elementos del jazz, R&B y rock and roll se hace evidente en esta canción, creando una fusión única y atractiva de estilos. El ritmo animado y el ritmo pegajoso invitan a la gente a moverse y cantar al unísono, haciendo de esta pieza un clásico inolvidable en el repertorio de Van Morrison.

La voz distintiva de Van Morrison es el ingrediente clave que hace que esta canción sea tan especial. Su entrega suave y emotiva transmite una sensación de calidez y felicidad, lo que concuerda perfectamente con el título de la canción. La manera en que Van Morrison expresa la lírica es encantadora, transmitiendo un sentimiento genuino de amor y alegría. Su estilo vocal único ha sido una influencia significativa para muchos artistas posteriores, y es un aspecto que ha dejado un impacto duradero en la música popular.

La composición lírica de "Jackie Wilson Said" también merece mención. La canción está inspirada en el famoso cantante de soul Jackie Wilson, y en sus letras, Van Morrison celebra el poder del amor verdadero para elevar el espíritu humano y ofrecer un estado de felicidad divina. La analogía de estar en el cielo cuando el ser amado sonríe crea una imagen emotiva y romántica, lo que la convierte en una canción atemporal para enamorados y soñadores por igual.

El legado de "Jackie Wilson Said" es innegable. A lo largo de los años, esta canción ha sido versionada por numerosos artistas de diferentes géneros, lo que demuestra su relevancia continua en el panorama musical. Además, ha sido incluida en diversas bandas sonoras de películas y programas de televisión, reafirmando su estatus como un clásico imperecedero.

"Jackie Wilson Said (I'm in Heaven When You Smile)" de Van Morrison es una obra maestra musical que ha resistido el paso del tiempo. Su encantadora combinación de ritmos, la voz distintiva de Van Morrison y su emotiva lírica hacen de esta canción un tesoro para la música en general. Con su poder para levantar el ánimo y transmitir un mensaje de amor y felicidad, esta pieza continúa resonando con oyentes de todas las generaciones. Van Morrison ha dejado un legado imborrable con "Jackie Wilson Said", y su influencia en la música sigue siendo admirada por artistas y seguidores en todo el mundo.

Daniel
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0968.- I Won't Last A Day Without You - The Carpenters

 

I Won't Last A Day Without You, The Carpesnters

     A Song For You es el cuarto álbum de la banda estadounidense The Carpenters. Dicho álbum fue grabado en los A&M Studios de Hollywood, bajo la producción de Jack Daugherty, y publicado el 13 de junio de 1972 por el sello discográfico A&M Records. Según Richard Carpenter, este disco estaba destinado a ser algo así como un álbum conceptual con la melodía del título abriendo y cerrando el mismo. De A Song For You se lanzaron seis sencillos: Hurting Each Other, Its Going to Take Some Time, Goodbye to Love, Top of the World, Bless the Beast and Children y I Won't Last a Day Without You. Todos los sencillos menos Bless the Beast and Children ocuparon los primeros puestos en la lista estadounidense Adult Contemporary.

Nos vamos a centrar en I Won't Last a Day Witthout You, cuya música fue compuesta por el multi instrumentista y compositor estadounidense Roger Nichols, mientras que la letra fue escrita por el compositor, cantante y actor estadounidense Paul Williams. Dicho tema fue lanzado bastante tarde como sencillo, concretamente en 1974, y llegó a alcanzar el puesto número uno en las listas de Estados Unidos. En 1972 Richard Carpenter tiene conocimiento de que Nichols y Williams, quienes ya habían escrito anteriormente para The Carpenters los temas We've Only Just Begin y Rainy Days and Mondays, están trabajando en una nueva canción, por lo que deciden utilizarla e introducirla en el álbum Song For You. El grupo se encontraba con un apretado calendario de giras, lo que le impedía trabajar y dedicar el tiempo suficiente en componer material nuevo, por lo que deciden utilizar varios temas de otros compositores, entre los que se encuentra este bello y delicado tema.

0967.- Top of the world - The Carpenters

El dúo The Carpenters compuesto por dos hermanos fue uno de los grupos que mas vendieron en la década de 1970. Diez de sus sencillos vendieron un millón de copias o más y la voz de la cantante principal, Karen Carpenter, fue de las mas escuchadas en las ondas de radio durante toda la década. La voz de Karen inspiró a legiones de cantantes que vinieron después de ella, desde Kd Lang hasta Madonna, quien incluyó un homenaje a ella con la canción " Rain " en el álbum de 1992 Erótica . Sin embargo, el hermano de Karen, Richard, pianista y compositor, dijo que Karen realmente se consideraba una baterista que cantaba. The Carpenters ficharon por A&M Records en 1969 y se convirtieron en una sensación musical. Durante una época en la que el rock and roll dominaba la radio, seguido más tarde por la música disco, The Carpenters ofrecían un sonido distintivo y más suave que muchos descartaban por ser cursi o demasiado dulce. Éxitos como "There's a Kind of Hush" y " Rainy Days And Mondays " contrastaban marcadamente con otras canciones de la época de artistas como los Rolling Stones o Guess Who. Richard abordó este tema en una entrevista con NPR en 2009, cuando incluso el entrevistador Terry Gross dijo que solía pensar que su música era "cursi". Richard respondió diciendo que las personas que piensan eso son "ignorantes". La carrera discográfica de Carpenters tuvo un final abrupto y trágico en 1983. Karen luchó contra la anorexia nerviosa durante muchos años, en una época en la que se sabía relativamente poco sobre esta enfermedad. Estaba visiblemente bajo de peso y comenzó a sufrir los efectos de su enfermedad a finales de los años 1970. Los intentos de tratamiento fracasaron y el 4 de febrero de 1983 fue encontrada desplomada en su casa. Murió por insuficiencia cardíaca y complicaciones de la anorexia, en su honor fue bautizada como RA Oh42m57 una estrella recién descubierta en la constelación de Andrómeda. Atrás quedaron catorce años de carrera, once LP’s y mas de cien millones de discos vendidos.

“Top of the World” fue escrita por Richard Carpenter y John Bettis, dos colaboradores de toda la vida que se inspiraron para escribir la canción después de un viaje a un jardín en Beverly Hills. Como Richard recordó más tarde: “Cuando John y yo nos íbamos, nos subimos a su auto y, cuando encendió el motor, escuché a alguien decir: 'Estamos en la cima del mundo'. … Y esa frase se me quedó grabada en la cabeza”. La canción fue grabada por primera vez por Lynn Anderson en 1973, pero no fue hasta que se lanzó la versión de The Carpenters en 1973 que se convirtió en un éxito número uno. La exuberante voz de Karen Carpenter y la vertiginosa orquestación de la canción dieron vida a la canción, y rápidamente se convirtió en una de las melodías distintivas del dúo. En esencia, “Top of the World” es una canción sobre superar obstáculos y alcanzar tus sueños. Las primeras líneas, “Tal sentimiento me invade / Hay asombro en casi todo lo que veo”, marcan el tono para el resto de la melodía. El narrador se encuentra en un lugar de asombro y asombro, y el mundo se siente lleno de posibilidades. El estribillo de la canción: “Estoy en la cima del mundo mirando hacia abajo a la creación / Y la única explicación que puedo encontrar / Es el amor que he encontrado desde que estás aquí / Tu amor me puso en la cima del mundo” – habla de la idea de que el amor puede elevarnos más alto y ayudarnos a lograr grandes cosas. Pero la canción no se refiere sólo al amor romántico. También se trata del amor y el apoyo de amigos, familiares y comunidad. La letra también aborda la idea de ser derribado y volver a levantarse. En el segundo verso, el narrador canta sobre "las nubes oscuras que me tenían ciego, será un día brillante, brillante y soleado". Esta es una clara referencia a tiempos difíciles y desafíos, pero el uso de la palabra “voy a” da la impresión de que el narrador está decidido a superar estos obstáculos y salir del otro lado. Euforia desmedida derrama de esta obra positiva que nos invita a soñar que el amor es perfecto, al menos el que vive el protagonista de ‘Top of the world’. Porque está cargado de buenos sentimientos, de cariño correspondido y de alguien que simplemente está ahí para estar contigo y te lo demuestra día tras día. Por eso está en la cima del mundo. Es que no hay mejor sensación que la que vivimos cuando estamos enamorados. Todo es luz y alegría, todo es rosa y somos impermeables a los problemas gracias a la coraza de nuestras sonrisas perennes. Nos sentimos en la cima del mundo, centrados sólo en disfrutar de la vida.

Disco de la semana 341: Metallica - Metallica

 

Metallica, Metallica

     En San Francisco, Estados Unidos, establecerá su base y crecerá y forjará su leyenda una banda que lleva hasta la fecha alrededor de unos 120 millones de copias de sus discos, habiéndose ganado a pulso la consideración de una de las grandes bandas del trash metal, sino la mejor. Metallica nos ha deleitado con su gran calidad no sólo con sonidos trash metal, también con otras vertientes del género, como el heavy metal, speed metal o el hard rock.

Para esta semana vamos a recomendar su álbum Metallica (1991), disco que apostó por un cambio de sonido más contundente, perdiendo parte de esas raíces que provenían del trash metal. Con un cuidado extremo en la producción, el disco contó con varas innovaciones técnicas para aportar un sonido que se acercara lo máximo posible al directo. En un principio este disco recibió malas críticas de un sector que no entendió el cambio de estilo de la banda, más cercano al hard rock, pero con el tiempo se ha convertido en un disco que suele figurar en los puestos más altos en todas las listas que circulan por ahí de los mejores trabajos del grupo. Temas como Enter Sandman, Nothing Else Matters o The Unforgiven han pasado a ser parte imprescindible en la historia de la banda e hicieron que una nueva legión de adeptos se fijaran en la banda y pasaran a seguirla de forma incondicional.

Metallica, también conocido omo The Black album, es el quinto disco de estudio de la banda de San francisco. Grabado ente octubre de 1990 y junio de 1991 en los One on One Studios de Los Angeles, fue producido por  los miembros del grupo James Hetfield y Lars Ulrich, y por Bob Rock, y publicado el 12 de agosto de 1991 por el sello discográfico Elektra Records. Las sesiones de grabación no fueron especialmente fáciles, pues el grupo durante los ocho meses que duraron las sesiones, se encontraron frecuentemente con el desacuerdo el productor Bob Rock. El resultado fue un álbum que marcó un cambio en el sonido de la banda, la cual en sus cuatro discos anteriores había apostado por un estilo hacia el trash metal, por un sonido más lento, pesado y refinado. 

De este disco se lanzaron cinco sencillos para promocionarlo: Enter Sandman, The Unforgiven, Nothing Else Matters, Wherever I May Roam y Sad But True. La canción Don't Tread on Me, a pesar de haberse emitido en las cadenas de radio no fue lanzada como sencillo. A pesar de recibir en un principio algunos detractores por el cambio de sonido, en general recibio buenas críticas, convirtiéndose en el álbum más vendido de la banda hasta la fecha. Fue el rpimer disco del grupo en encabezar las listas de éxitos de Estados Unidos, situándose durante cuatro semanas consecutivas en el primer puesto de la lista Billboard Hot 200. Con más de 30 millones de copias vendidas. A día de hoy es uno de los disco más vendidos en todo el mundo.

Las canciones de la banda fueron escritas principalmente por James Hetfield y Lars Ulrich, con Hetfield como letrista. El dúo solía componer juntos en casa de Ulrich en Berkeley, California. A pesar de llevar el gran peso de la composición, otros miembros de la banda contribuyeron ideas y conceptos en algunos temas. El grupo tuvo muchos debates sobre el título del álbum, en un principio ibn a llamarlo Five o usar el título de una de las canciones, pero finalmente eligieron Metallica porque era el nombre del grupo y porque querían algo simple. La portada del disco muestra el logo del grupo en ángulo en una esquina y una serpiente enroscada en la esquina contraria.

Entramos en materia y el disco abre con uno de sus grandes éxitos de siempre, Enter Sandman, escrita por Hetfield y Ulrich. La canción trata sobre pesadillas y cosas que acechan en la noche. Es, con diferencia, la canción más reproducida del grupo en la radio. La letra originalmente trataba sobre el síndrome de la muerte súbita del lactante, cuando un bebé muere inexplicablemente en su cuna. El productor Bob Rock consiguió convencer a Hetfield para que o cambiara e hiciera la letra algo más accesible. El grupo tenía la política de no comentar las contribuciones individuales de los demás, pero el productor no era miembro y se sentía libre de hablar y opinar. Sad But True es una canción que trata sobre la relgión y hasta donde es capaz de llegar la gente para practicar su fe. Hetfield tuvo la idea de la letra al ver la película Magic de Anthony Hopkins de 1978, donde un ventrilocuo es controlado por su títere malvado. El productor Bob Rock llegó a pensar que Holier Tahan Thou trataba sobre él, de hecho aborda la irritación de Hetfield con aquellos que trabajan en la industria musical y se apresuran a señalar con el dedo los errores de los demás. El mismo Hetfield admitiría más tarde en una entrevista en 2001 que esta fue "una de las canciones más tontas que había escrito". The Unforgiven es otro de los grandes temasde siempre de la banda. Acreditada a Hetifel, Ulrich y Kirk Hammett. La banda se sumergió en un nuevo estilo con esta canción, querían probar un tema con un verso pesado y un estribillo suave, algo que rara vez se escucha en el hard rock o el metal. La introducción se basó en una partitura de una película occidental y se invirtió para que no se pudiera identificar. El grupo, obviamente nunca reveló la película para evitar problemas legales, aunque se especula que fue La muerte tenía un precio (1965) interpretada por Clint Eastwood. Kirk Hammett había compuesto dos riffs de guitarra basados en el sonido del gran guitarrista Gary Moore, los cuales acabó utilizándo en esta canción. Wherever I May Roam, lanzado como sencillo, nos habla sobre la vida en la carretera, y todo lo que conlleva, el cansancio y el agotamiento. El instrumento que suena al principio en un sitar eléctrico tocado por kirk Hammett, y el extraño sonido, como un crujido, que se escucha a lo largo del tema proviene de un bajo de 12 cuerdas tocado por el bajista Jason Newsted. Cierra la cara A Don't Tread On Me (No me pises) proviene de un lema muy popular en la América colonial. Dicha frase se combinó con la imagen de una serpiente de cascabel de madera estadounidense y se imprimió en una famosa bandera conocida como "Gadsden Flag" (Bandera de Gadsden). El uso de esta bandera y sus variaciones por parte de de soldados, marineros e infantes de marina creció rápidamente y se generalizó durante la Revolución estadounidense. El riff de guitarra de apertura del tema fue tomado de la canción America del musical de 1957 West Side Story.

Trough The Never se encarga de abrir la cara B. Sobre esta canción el productor Bob Rock llegaría a admitir que le costó bastante tiempo darse cuenta de lo bueno que era este tema. Otro ejemplo de los contínuos encontronazos que surgieron entre el productor y la banda durante las sesiones de grabación del disco. Nothing Else Matters se ha convertido por derecho propio en otro de los grande temas de siempre del grupo. Compuesta entre Hetfield y Ulrich, Hetfield afirmó que escribió la letra de esta canción sobre una novia que tuvo una vez. La orquestación de la canción contó con los arreglos hechos por Michael Kamen, quien también dirigió la Orquesta Sinfónica de San Francisco que tocaría en vivo junto al grupo en su álbum en vivo S&M (1999). También contó como fuente de inspiración de la canción las constantes giras y las innumerables horas de autobús y hotel que el grupo pasaba. Es uno de los únicos temas donde el solo de guitarra es tocado por Hetfield en lugar de Kirk Hammett. A Hetfield al principio le preocupaba escribir una canción de amor, pues luego tendría que tocarla para el resto del grupo. Sobre esto afirmaba: "Al principio ni siquiera quería tocarla para los muchachos. Pensé que Metallica solo podíamos ser nosotros cuatro. Estas son canciones sobre destruir cosas, golpear la cabeza, sangrar para la multitud, lo que sea, siempre y cuando no se tratara de chicas y coches rápidos, aunque eso es lo que nos gustaba. La canción era sobre una novia en ese momento. Resultó ser una canción bastante importante". Le sigue Of Wolf and Man es una canción sobre la que el productor Bob Rock en un principio tenía dudas por la letra que Hetfield había escrito, le parecía una  tontería escribir sobre un lobo. Más adelante se fue dando cuenta de que la canción no era en absoluta tonta, pues tenía más trasfondo del que en principio parecía. The God That Failed nos habla sobre la fe. Durante la adolescencia de James su madre enferma de cáncer, y resulta que la doctrina religiosa a la que pertenece su familia prohibía el uso de medicinas para la curación. Su madre, fiel a los dictámenes de su doctrina, rehúsa tomar medicina alguna confiando únicamente en la fe como remedio para su enfermedad. La madre de James fallece debido a su enfermedad cuando éste tiene 16 años. Este hecho influirá en en el músico, produciéndose en su interior un conflicto entre la perdida de fe y las enseñanzas y doctrinas practicadas por su familia, las cuales le habían enseñado desde pequeño. El conflicto entre la doctrina religiosa y si la gente se apoya demasiado en ésta buscando la solución a sus problemas ha quedado reflejado por James en otras composiciones con Metallica, tales como Dyers Eye (...And Justice For All, 1988), The God That Failed (The black Álbum, 1991), Mama Said y Until It Sleeps (Load,1996). My Friend of Misery es una canción que tiene que ver con el estado de ánimo. El origen de la canción se encuentra en un riff que el bajista Jason Newsted había compuesto. A partir de ahí el productor y la banda se dedicó a desarrollar ese gran riff. The Struggle Within se encarga de cerrar este magnífico álbum. La canción surge en un momento en que Hetfield admitía haberse quedado sin energía, en un momento en el que sentía ira por este hecho, y la lucha interna que tenía, pues estaba lidiando con ello. Pues no se le dio nada mal tanto a él como al resto de la banda ni esta canción ni las otras 11 que componen este brillante "Álbum negro".

0966.- Suffragette City - David Bowie

Grabada en los estudios Trident de Londres como el resto de las canciones que acabarían formando The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972), Suffragette City fue inicialmente ofrecida a la banda inglesa Mott the Hoople, que prefirió grabar "All the Young Dudes" en su lugar. De vuelta al regazo de Bowie, fue incluida como cara B del single de Starman (1972), y en el magistral disco The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, como parte de la historia del auge y la caída del extraterrestre Ziggy Stardust como estrella de rock y profeta de una catástrofe mundial en la Tierra.

Dentro de la historia conceptual del disco, Ziggy Stardust ha dejado ya a los Spiders from Mars, y se ha abandonado a los placeres mundanos del planeta Tierra. En un momento determinado, intenta romper con las malas compañías y los proveedores de sustancias que abarrotan esta particular Suffragette City, pero está tan metido en esa espiral de auto destrucción que, por más que intenta nadar hacia la orilla, las olas le arrastran cada vez más hacia el oscuro interior.

Musicalmente, destacan como en casi todo el disco las abrasivas guitarras de Mick Ronson en un tema de base de rock and roll acelerada con un piano frenético que recuerda a Little Richard pero con el toque oscuro de The Velvet Underground. Bowie incluyó aquí de nuevo un saxofón interpretado por él mismo, con el que terminó de darle el toque mágico a la potente mezcla de esta canción, que con los años llegó a obtener la relevancia que, sin duda, merecía, y acabó siendo publicada en 1976 como cara A de single, con una versión reducida de "Stay" en la cara B, para promocionar el disco recopilatorio ChangesBowie.

0965.- Moonage Daydream - David Bowie

"Moonage Daydream" fue grabada originalmente en febrero de 1971 en los estudios Radio Luxembourg en Londres, y llegó a ser publicada junto a la efímera banda "Arnold Corns" creada por Bowie en homenaje a la canción "Arnold Layne" de Pink Floyd. Bowie la regrabó en noviembre de 1971 en los Trident Studios, para incluirla en The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972), como carta de presentación en primera persona del personaje de Ziggy Stardust, describiéndose a sí mismo como un "invasor espacial" y una "perra del rock and roll", un personaje bisexual ha llegado a la Tierra para salvarla del inminente desastre que se anticipa y describe en "Five Years", la canción de apertura del disco.

Musicalmente es un rotundo tema rock influenciado por la psicodelia de los primeros Pink Floyd, con uno de los mejores solos de guitarra del disco, llevado por Mick Ronson hasta el límite en el apoteósico final del tema. Incluye un saxofón tocado por el propio David Bowie y unos apocalípticos arreglos orquestales, como acompañamiento a la música de los Spiders form Mars (Mick Ronson a la guitarra, Trevor Bolder al bajo y Mick Woodmansey a la batería).

En el estudio, el grupo grabó esta segunda versión de la canción en tan solo dos tomas, en una sesión en la que también grabaron los temas "Soul Love" y "Lady Stardust". Con su transgresor mensaje, sus apocalípticos arreglos y el salvaje solo de guitarra de Mick Ronson, se convirtió al instante en una canción mítica de la discografía de David Bowie, considerada por Classic Rock como la tercera de las 10 mejores canciones de la carrera del artista londinense.

0964.- Ziggy Stardust - David Bowie

David Bowie mutó en el primero y más famoso de sus alter egos en The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972), creando el que posiblemente sea el mejor disco de su carrera, un disco conceptual sobre la llegada, auge y caída del extraterrestre Ziggy Stardust y su grupo de acompañamiento, Las Arañas de Marte. Hablamos de uno de los discos más relevantes e influyentes de la historia de la música, y entre las canciones culpables de ese éxito y reconocimiento, está la canción que describe al personaje protagonista y sus aventuras con la banda.

Ziggy Stardust tiene la particularidad de estar cantada íntegramente por David Bowie, pero la letra narra la historia desde la perspectiva de los músicos, que describen como era la vida dentro de la banda y como llegó el momento en que su líder disolvió el grup, y Bowie cambia de tonalidad de voz entre la primera y segunda estrofas, como si realmente fueran distintas personas las que están narrando la historia.

Comienza con un legendario riff de guitarra, de la mano de Mick Ronson, y toda la canción es una efectiva mezcla de guitarras acústicas y eléctricas, sobre una base de bajo y batería, y culmina con todos los instrumentos parando al unísono, para dejar desnuda la voz de Bowie y su nostálgica frase final: "Ziggy tocaba la guitarra", como epitafio de un personaje que llegó a ser tan grande, que le persiguió durante toda su carrera, por más que se empeñara en esquivarle bajo otros disfraces posteriores.

0963.- Virginia Plain - Roxy Music

Sin duda una de las bandas más influyentes de los setenta, el encanto de Roxy Music a menudo se atribuye a su dinámico cantante principal, Bryan Ferry. Y si bien eso es cierto, el espíritu aventurero de la banda provino del otro Brian. El líder de Roxy Music, Bryan Ferry, se ganó a los fans con un destello de sus ojos incandescentes, pero fue el genio musical de su banda de apoyo, y más notablemente, Brian Eno, lo que consolidaría al grupo como las potencias influyentes que son. 

El momento para la banda que pasará a la historia de la música fue la interpretación de su primer sencillo, 'Virginia Plain', en el prestigioso programa Top of the Pops de la BBC en 1972. Sería el momento en que Brian Eno introdujo la música electrónica como una música que podía ser popular. La canción fue escrita por Ferry y fue grabada en el verano de 1972, el cantante dijo sobre la inspiración de la canción algunos años después: “Era una acuarela o una pintura sobre papel. Era como un dibujo surrealista de un paquete de cigarrillos gigante, con una chica pin-up en él. Me gustó esa frase Virginia Plain... así que más tarde se convirtió en el título del primer sencillo que lancé con Roxy Music, con una letra un poco imponderable". La pista sigue siendo uno de los momentos más importantes en el movimiento glam rock, estuvo imbuida de la energía sexual de Ferry y quizás, más importante, la destreza técnica de Brian Eno . Gran parte del encanto de la canción fluye de la mente de Ferry y a través de los cables conectados a una caja de madera. Virginia Plain es el equivalente auditivo de un viaje en avión supersónico de tres minutos, saliendo de la pista, metiéndose en un autobua destartalado que te lleva a Acapulco, al asalto de amantes y los casinos azul medianoche donde bailas el cha-cha hasta el amanecer. Pero  también tiene flamencos, con una línea de Moog de tres notas gorgoteante y la memorable pregunta auto respondida que actúa como su fabuloso final, "¿Cuál es su nombre?"  ¡Virginia Plain!

 

0962 - King Heroin - James Brown

"King Heroin" (1972) es un poema musicado, escrito originalmente por Manny Rosen, que intenta concienciar sobre los devastadores efectos de las drogas. Fue el propio James Brown, junto con su arreglista habitual David Matthews y su manager Charles Bobbit, el que se encargó de componer la música que convirtiera el poema de Rosen en el quinto single que lanzó con Polydor Records, y en una de las canciones incluidas en su álbum There it is (1972).

Mencionada por muchos como una de las primeras precursoras de lo que después sería el rap en Estados Unidos, "King Heroin" tiene la particularidad de contar con una letra escrita desde el punto de vista de la droga en sí misma, explicando en primera persona, y con todo lujo de detalles, los nocivos efectos que produce y la fuerte adicción que es capaz de generar en quien la consume, jactándose de arruinar las carreras y las vidas de hombres y mujeres de todo tipo y condición, y convirtiéndoles en marionetas destrozadas por el "mono", siendo incluso capaces de cometer un crimen para poder tener su dosis.

Brown complementó el poema con una intro en la que se refería a la heroína como "uno de los mayores asesinos del momento", y en la portada del single incluyó una etiqueta con la leyenda "Pon esta canción. Son 3 minutos y 58 segundos. Para algunos oyentes puede suponer toda una vida". Fueron, sin duda, sabios consejos del "Padrino del funk", dentro de lo que fue una gran canción de concienciación social, que logró alcanzar el sexto puesto del U.S. Hot Soul Singles chart, pero que solo llegó al 40 del Billboard Hot 100 estadounidense.