viernes, 3 de abril de 2020

La música en historias: Hablemos de Soda Stereo (Mes Soda Stereo)





Hablemos de Soda Stereo

Ya hablamos de la cronología del rock nacional, de que pasó y cuando, con la exactitud apenas de lo vivido, y el sentimiento del rock.
Por ello, me gustaría ahora revivir ese mismo sentimiento desde cada uno de los protagonistas del rock, no les prometo hablar todas las semanas, porque para eso están mis amigos de 7dias7notas, a quienes les vuelvo a agradecer la oportunidad de contar mi historia.
Pero sin más les quiero contar sobre uno de los protagonistas de ese rock que, con su música, conquistó mi adolescencia, y diría que con su "cuando pase el temblor" los conocí y hasta ahora ese temblor hace que sigan resonando sus canciones, porque no ha parado y sigue ahí sonando aún más fuerte. Sí amigos, voy hablar de Soda Stereo.
 
Cuando pase el temblor
No pretendo ser una Wikipedia, por ello solo diré seguramente lo que todos ya sabemos, para mi lo importante acá es mostrar su música. Soda Stereo es de esas bandas que se formaron en la década de los 80, más presisamente en el año 82. Sus integrantes fueron Gustavo Cerati (guitarra y voz) , Zeta Bosio (bajo) y Charly Alberti (batería).

Sus comienzos me hacen pensar en el dark y en la "música divertida" (*), género que para ser honesto no conocía, pero no hay como leer y aprender, y como contábamos en mi anterior historia, el ADN del rock nacional se formó en una sociedad gobernada por militares y la rebeldía del rock fue su medio de expresión. El mundo iba a cambiar de una forma abrupta por esos tiempos, por una guerra de Malvinas sin sentido, pero no quiero detenerme en la historia como tal. La historia es apasionante pero vinimos para hablar de rock, y en esos tiempos Soda Stereo invade el panorama con su música y conquista Latinoamerica en todas sus latitudes.

Su segundo disco de estudio, "Nada Personal" (1985) encierra canciones como la ya mencionada "Cuando pase el temblor" o la propia "Nada personal" que da nombre al disco. Me detengo especialmente en "Juego de seducción" brillante tema de apertura del lado B del disco. Amigos de la música, los lados B han encerrado casi siempre cosas maravillosas, quizás pocos sabrán de qué hablo.
Juego de seducción
Ya con esto Soda Stereo conquista el festival Viña del Mar en Chile, y comienza a estar presente en México, Colombia o Perú. Argentina sale al mundo de la mano de Soda Stereo.
Y ahora sí, vendrán nuevos discos de estudio, cada vez más fuertes y más marcados, y también el cambio de ese Dark de sus comienzos a un rock electrónico de sus finales, aunque quiero pensar que no hay finales, que la música es eterna.

Discos de Estudio sacados por la banda
Soda Stereo (1984)
Nada Personal (1985)
Signos (1986)
Doble Vida (1988)
Canción Animal (1990)
Dynamo (1992)
Sueño Stereo (1995)
Y como he dicho, los cambios vendrían y para mi ese mayor cambio se dió en su álbum "Canción Animal".

Séptimo Día
Canción Animal rompe todos los moldes, consagra ese estilo que hace que Soda Stereo sea una de las mejores bandas de rock nacional. Y lo que vendrá será mejor aún incluso en la carrera de solista de Gustavo Cerati.




Como verán les he venido incluyendo links a algunos videos en medio de mi historia, para que se viva esta experiencia con casi todos los sentidos. Espero que estén presentes el oído, la vista y hasta el tacto, y dejo a la imaginación del lector el gusto y el olfato, seguramente algún lector apasionado se deleitará con un buen vino mientas lee 7días7notas.
Y una tarea más para mis queridos amigos, los invito a buscar y escuchar canciones de Soda Stereo como:
De Música Ligera
Corazón Delator
La ciudad de la Furia
Persiana Americana
Canción Animal
Té para tres
Hombre al agua

Quiero destacar también algunas rarezas que merecen la pena ser escuchadas, como una versión que se hizo con la intención de conquistar el mercado estadounidense, que vale la pena ser escuchada.
Cuando pase el temblor versión en inglés
Pocos artistas han tenido la fuerza de Soda Stereo y su reconocimiento en versiones como Sinfónico, llegando a escenarios del Teatro Colón de Buenos Aires.
Un millón de años luz
En incluso el Cirque Du Soleil, a través de su espectáculo "Séptimo Día", han mostrado que Soda Stereo es y será ETERNO!!!
Séptimo Día


Para el final decir que Soda Stereo para mi es de esas bandas de rock nacional que marcan una esencia, un tiempo con la satisfacción de haberlo vivido, y vuelvo a no ser exacto en mis palabras porque me baso en mi historia y mi tiempo como espectador.

La lista de canciones a mencionar sería también eterna, pero los dejo que ustedes mismos sean los dueños de su destino.

Nota (*) "La música divertida", es el nombre con el que se identifica a un movimiento dentro del rock argentino de primeros de los 80, marcado por un sonido bailable con influencias de la música ska y el twist de los locos años 60. Se caracteriza por las letras de corte picaresco e irreverente, que disparan sus críticas contra la sociedad, la política y los militares.

jueves, 2 de abril de 2020

La música en historias: Los Muscle Shoals Sound Studio

Muscle Shoals Sound studios


     En esta ocasión vamos a dedicar espacio a unos estudios con mucha solera, los Muscle Shoals Sound Studios de Sheffield, Alabama (Estados Unidos). En 1969, cuatro musicos de sesión, Barry Beckett (teclados), Roger Hawkins (batería), Jimmy Johnson (guitarra) y David Hood (bajo), popularmente conocidos por The Swampers ó la sección de ritmo de Muscle Shoals, deciden crear un estudio de grabación. Unos estudios que abrieron para competir con los FAME (Florence Alabama Music Enterprises) Studios. Los FAME Studios fueron fundados en la década de los 50 por Rick Hall, y en la década de los 60 se habían convertido en lugar habitual de grabación de artistas de la talla de los Rolling Stones, Wilson Pickett, Otis Reding ó Aretha Franklin entre otros. En los FAME Studios estuvo trabajando como músico de sesión Duane Allman, y allí sería donde grabaría junto a Wilson Pickett la maravillosa Hey Jude de los Beatles.

     Pero volvamos a los Muscle Shoals Sound Studios, y a sus cuatro fundadores, que anteriormente habían trabajdo como músicos de sesión en los FAME Studios de Rick Hall. Para iniciar su propio proyecto se asociaron inicialmente con Jerry Wexler, un reputado periodista y productor musical que fue el primero en acuñar el término rythm and blues. Jerry fue el que aportó el dinero para que los Swampers pudieran iniciar su aventura con sus nuevos estudios.

     Estos cuatro músicos fueron los primeros músicos de sesión que tuvieron sus propios estudios de grabación, lo que les permitió dirigir sus propias campañas de grabación y producción, además de proporcionar acompañamiento musical como músicos de sesión. Los estudios fueron ganando reputación, y por sus instalaciones, a lo largo de sus historia han grabado artistas de la talla de The Rolling Stones, Aretha Franklin, George Michael, Wilson Pickett, Willie Nelson, Lynyrd Skynyrd, Joe Cocker, Bob Seger, Rod Stewart, Cat Stevens ó Cher entre otros.

     Los estudios, se encontraban ubicados en el 3614 Jackson Highway de Sheffield. En 1969, Cher publica su sexto álbum de estudio y lo titula 3614 Jackson Highway, a partir de entonces este se convirtió en el nombre informal de los estudios. El 2 de noviembre de 1973 Lynyrd Skynyrd graba en los estudios su mítica Sweet Home Alabama, que además de ser una respuesta a dos canciones de Neil Young donde criticaba al sur de Estados Unidos, también fue un tema dedicado a los músicos de sesión de los estudios, The Swampers.

"Now Muscle Shoals has got the Swampers / Ahora Muscle Shoals tiene a los Swampers"
"And they've been know to pick a song or two (yes they do) / y se sabe que escogen una o dos canciones (sí, lo hacen)"
"Lord they get me off so much / señor, me sacan tanto", "They pick me up when i'm feelin' blue / me recogen cuando me siento triste"

        En abril de 1979 los estudios, que estaban ubicado en 3614 de Jackson Highway cerraron y se trasladaron a 1000 Alabama Avenue de Sheffield, donde actualizaron los estudios y pasaron a ser más grandes.
El local del 3614 Jackson Higway pasó a desempeñar otras funciones, siendo la última la de una tienda de electrodomésticos, hasta que en 1999 se realizaron algunas reformas, y como se habían conservado el antiguo estudio de grabación se empezaron a realizar visitas turísticas por el local. 

miércoles, 1 de abril de 2020

Gracias Totales (Mes Soda Stereo)


Gracias Totales
#MesSodaStereo

“Sin agradecimiento diría que no hay forma de alcanzar la gloria, y sin gloria no hay reconocimiento, creo que es lo que quiso decir Gustavo Cerati en su ya famoso GRACIAS TOTALES”.

Lo dicho, lo grande de un artista no solo está en su música, o un su arte, sino lo grande de un artista esta en reconocer al publico que lo ha seguido incansablemente, porque ese publico que ha acompañado a una banda de rock, y todos nosotros sabemos muy bien lo que ellos significa, desde las incansables colas en los conciertos, el estar a la espera de ese nuevo disco por salir, y todas las locuras que hemos podido hacer, se agradece mucho cuando esos artistas, nos dedican un GRACIAS TOTALES, eso quiere decir que todo nuestro esfuerzo a valido la pena.

Para esos artistas que nos han hecho sentir cada momento un gran momento, desde 7dias7notas, nos hemos propuesto hacerle un tributo a su trayectoria, eligiendo una banda o artista diferente por mes, para que podamos disfrutar de ellos, así que, en este mes de abril, nos dedicaremos a rememorar una banda Argentina que ha hecho de su música, un culto entre sus fans, fans de todas las latitudes, por todo ello en el #MesSodaStereo, queremos recorrer su trayectoria.

Desde los comienzos, a principio de los años 80, en la ciudad de Buenos Aires, donde la banda se identifica con estereotipos marcados por la banda The Cure, un look de pelos desordenados y piel blanca y ojos marcados con rímel, más una vestimenta carente de color, salvo el negro, esos comienzos de Soda Stereo que les permitirán hacerse conocidos.

Hemos hablado en este blog, de su historia, y también hemos ofrecido un poco de su música, esa música que permitió a Soda Stereo llegar donde incluso sus integrantes nunca habrían imaginado llegar, desde un eterno Gustavo Cerati () - voz y guitarra - quien no ha dejado un legado enorme a través de su música, y como así también Zeta Bosio - bajo -, y por último Charly Alberti - batería – una de las primeras banda de Rock en Español en conquistar el mercado Latinoamericano, abriendo las puertas a Rock en Español y en particular al Rock iberoamericano.

Por todo ello hoy en pleno 2020, su fama permitió no solo estar en los Top Ten de todos los ranking de las radios en Argentina y en Latinoamerica, en incluso en las portadas de las principales revistas de música como Rolling Stones, un grupo consagrado en una Gira Mundial de su álbum Canción Animal, en una gira realmente animal por toda Latinoamérica y llegando también al mercado Estadounidense.

Con la perdida de su vocalista Gustavo Cerati, tras un accidente cerebrovascular (ACV), mientras realizaba una gira como solista por Venezuela, no permitió que la banda sea olvidada por sus fans, la eternidad de estos artistas, han motivado a convertir su música en espectáculos que sobrepasan la mera presencia, en puestas en escena juntos al Circo du Solei en un show llamado el Séptimo Día donde la música de Soda Stereo se mescla con el arte de la imaginación.


Pero hoy en pleno año 2020, vuelve a los escenarios por toda Latinoamérica y Estados Unidos con un show único, donde sus sobrevivientes (Zeta Bosio / Charly Alberti), vuelven al escenario juntos a otros artistas a rememorar gran parte de su discografía.

Una muestra de ellos es el pasado 29 de febrero en la ciudad de Bogotá, donde realizaron su primer show de la Gira, esperemos que este parate del mundo, permita llegar a completar esta gira que promete, llegar a cada uno de los rincones de Latinoamérica que extraña volver a verlos.

Lista de Canciones y artistas que participaron de ese show

«Sobredosis de TV»
«Hombre al agua» (con Richard Coleman)
«Disco eterno» (con León Larregui de Zoé)
«El Rito» (con Álvaro Henríquez de Los Tres)
«Lo que sangra (La cúpula)» (con Rubén Albarrán de Café Tacvba)
«Signos» (con Julieta Venegas)
«Juego de seducción» (con Walas de Massacre)
«Zoom» (con Benito Cerati)
«Trátame suavemente» (con Adrián Dárgelos de Babasónicos)
«En la ciudad de la furia»
«En remolinos» (con Draco Rosa)
«Pasos» (con Andrea Echeverri de Aterciopelados)
«Cuando pase el temblor» (con Gustavo Santaolalla)
«Fue»
«Un millón de años luz» (con Mon Laferte)
«Persiana americana» (con Fernando Ruiz Díaz de Catupecu Machu)
«Prófugos» (con Juanes)
Bis:
«Primavera 0»
«De música ligera» (con Chris Martin de Coldplay)



Por todo ello, nosotros en #7dias7notas declaramos el mes de Abril un mes tributo a una banda Argentina que ha hecho historia, y la seguirá haciendo historia, así que con el hashtag #MesSodaStereo comenzamos este mes a puro Rock Argentino.

Daniel
Intagram Storyboy

lunes, 30 de marzo de 2020

La música en historias: la carretera al infierno (Mes AC/DC)





     El mes de marzo llega a su fín y con él nuestro mes dedicado a los australianos AC/DC. Y que mejor forma de cerrar este mes que hacerlo con el homenaje que el 1 de marzo de 2020 se hizo a la banda en Perth (Australia), y que sirvió para homenajear la figura de Bon Scott al lado de su casa. Y no sólo fue un homenaje a Bon, pues también sirvió como homenaje a Malcolm Young y a toda la formación, que lleva en la brecha y al pie del cañon más de 45 años. ¡Se dice pronto!.

     El 19 de febrero de 2020 se cumplían 40 años del fallecimiento del que fuera vocalista de AC/DC Bon Scott. Apenas 11 días después del 40 aniversario de su pérdida, concretamente el 1 de marzo de 2020 tuvo lugar en la localidad de Perth un multitudinario homenaje a su figura.
Alrededor de 150.000 se congregaron en la carretera que une las localidades de Fremantle y Perth, conocida como Canning Highway, cuya carretera fue en la que se inspiraron Bon Scott y los hermanos Young para escribir el mítico tema Highway To Hell, la peligrosa ruta  que Bon solía hacer desde su residencia en Fremantle hasta el pub the Raffles que había situado en aquella carretera.



     Para tal homenaje, quedaron cortados unos 10 kilómetros de la famosa Canning Highway, y los asistentes pudieron disfrutar de un recorrido de una caravana que recorrió los 10 kilómetros. En la caravana, ocho bandas subidas en semirremolques preparados al efecto, amenizaron con su música la jornada. Bandas entre las que se encontraban Steve 'N' Seagulls, Shonen Knife ó WA Police Band entre otras.

     Antes de que la gigantesca caravana iniciara el festivo homenaje por los 10 kilómetros del tramo de carretera cortada para tal efecto, asistentes al evento establecieron un nuevo record, consistente en el mayor número de personas haciendo air guitar de manera simultánea, ya que unas 3.500 personas hicieron sonar sus imaginarias guitarras a la vez en honor a Bon Scott. Evidentemente, el tema escogido para tal hazaña no podía ser otro que Highway To Hell. Seguro que Bon Scott y Malcolm Young disfrutaron de lo lindo desde allí arriba y se sumaron al reto del air guitar de sus fans.

domingo, 29 de marzo de 2020

AC/DC: The Razors Edge (Mes AC/DC)



Hoy en el #MesACDC llega el momento de pasearnos por el filo de la navaja, The Razors Edge, que pasa por ser el segundo de los grandes discos entregados por los "AC/DC de la época Brian Johnson". Creo que los defensores de la época Bon Scott superan ampliamente a los de Brian, y con el tiempo y la escucha casi completa de la obra de los australianos (en gran parte gracias a la insistencia de Jorky en nuestra época adolescente) me sume convencido a esa corriente. Pero antes de eso, ¿cómo no ser esclavo de mi propia época y no decantarme por los AC/DC del disco del momento en el que los descubrí? ¿Y cómo no afianzarme en esa errónea percepción si, tras escuchar The Razors Edge, la recomendación de Jorky fue continuar con Back in Black.

Como buen "vendedor" de un grupo al que admiraba y admirará por siempre, y con alguna puntual excepción, Jorky obvió en sus recomendaciones el resto de los discos de los ochenta comprendidos entre la "vuelta al negro" y el paseo por el "filo de la navaja". No atravesaban su mejor momento los australianos en aquella época, facturando discos simplemente correctos sin llegar a poder repetir la "magia negra" de los temas del debút de Johnson. Y cuando ya casi no se les esperaba, facturaron un disco con uno de los arranques más impactantes que recuerdo. Con las primeras notas de Thunderstruck es imposible no notar ese cosquilleo de emoción que se despierta cuando notas que estás escuchando uno de esos temas que llaman a las puertas del Olimpo de los top para quedarse allí definitivamente.


Puedes entonces caer en la paradoja de pensar que ese es el gran tema del disco, y que lo demás será el irritante relleno que, en dosis variables, habías encontrado en discos anteriores. Y he dicho paradoja, y no error, porque en realidad esto es a la vez cierto y totalmente falso, porque siendo cierto que al final de la escucha, y cómo ha demostrado el tiempo al convertirla en una canción fija de todos sus conciertos, es de largo la mejor canción del disco. Pero es completamente falso que las demás actúen solo como meros comparsas de relleno. La energía y la electricidad siguen engordando la factura de la luz con Fire your guns, y la cadencia y el gancho del estribillo de Money Talks la sitúan como prima hermana de Shook me all night long.

Se nota el cuidado que dedicaron a facturar el tema The Razors Edge, no en vano es la canción que da título al disco, y sin embargo todo el atrezzo no consigue esconder que la canción tiene menos potencia que los tres torpedos de propulsión del arranque. Y quizá esa sea la tónica general del resto del disco, canciones correctas y efectivas como Mistress for Christmas o Rock your heart out, que agotan su batería un poco antes y se quedan alojadas en un segundo escalón, sin llegar a tocar la gloria con los dedos.


De nuevo dejo adrede el "quizá", porque la segunda parte del disco aún tiene petardazos de amplia onda expansiva en la pegadiza Are you Ready o en la rotunda Got you by the balls (Te tiene cogido por las pelotas), y el buen tono general no decae excesivamente en los posteriores Shot of love o Let's make it, aunque la fórmula elegida para la producción, basada en cierta sofisticación y limpieza del característico sonido de la banda, y una orientación más comercial de lo habitual en los temas, empiece a dar ya síntomas de agotamiento.

Y es entonces cuando, cual brigada de rescate que aparece derrapando y haciendo sonar las siernas, el oficio (Goodbye and good riddance to bad luck) y la fuerza bruta (If you dare) llegan a tiempo de cerrar el disco en un punto alto, haciendo que los australianos sobrevivan una vez más, y con nota, a uno de sus peligrosos paseos por el filo de la navaja.

sábado, 28 de marzo de 2020

Canciones que nos emocionan: Sabbath Bloody Sabbath, Black Sabbath

Sabbath Bloody Sabbath


     En 1973, después de su gira mundial, Ozzy Osbourne (voz), Tony Iommi (guitarra), Geezer Butler (bajo) y Bill Ward (batería), o lo que es lo mismo, Black Sabbath se marchan a Los Ángeles para trabajar en su siguiente álbum, el quinto de estudio de la formación británica. La formación decidió regresa a los Record Plant estudios, ya que habían quedado muy satisfechos con los resultados de su cuarto álbum el Vol. 4, que habían grabado allí.

     Alquilaron una casa en la zona residencial de Bel Air en verano de 1973, pero el cansancio acumulado y el abuso de las drogas les impidió sacar ningún tema. Al respecto Tony Iommi comentaba que todo el mundo estaba esperando a que a él se le ocurriera algo, ya que si a él no se le ocurría nada, nadie haría nada, y el en aquel momento se encontraba realmente atascado. La banda estaba literalmente agotada.
Después de un mes en Los Ángeles sin resultado alguno producto del agotamiento y las drogas, la banda decide regresar al Reino Unido, concretamente a la localidad de Forest of Dean, en Gloucestershire, donde se encuentra famoso castillo Clearwell Castle, lugar donde ya habían grabado bandas como Led Zeppelin, Mott The Hople ó Deep Purple. Los alrededores, más tranquilos y de estilo medieval parece que sentaron bien a la banda. La banda solía ensayar en las mazmorras del castillo, y fue allí donde a Tony se le ocurrió el riff principal del tema Sabbath Bloody Sabbath, que marcaría la pauta y la dirección del nuevo disco.

     El álbum Sabbath Bloody Sabbath sería grabado en los Morgan Studios de Londres, producido por la misma banda y publicado en diciembre de 1973. Un álbum que tendría una gran recepción tanto de la crítica cómo del público. Incluido en el disco, encontramos el primer tema que además da título al álbum, Sabbath Bloody Sabbath, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan. La composición del tema está acreditado a los cuatro componentes de la banda, y hace referencia al lado más comercial del negocio discográfico, donde todo el mundo, agentes discográficos, gerentes, contables, abogados, etc, intentaba sacar provecho de la banda. Durante el bloqueo a la hora de componer de la banda, ésta había sentido muy de cerca todos los enredos legales y presiones por parte gerentes, abogados, etc, para que sacaran material que les proporcionara sus suculentas ganancias. El título es una referencia al conocido Sunday Bloody Sunday, donde los soldados británicos mataron a 13 manifestantes en Derry, Irlanda del norte, el 30 de enero de 1972. La zona, conocida como el Ulster fue el escenario de un larguísimo conflicto entre los irlandeses protestantes que querían ser británicos, y los irlandeses católicos que querían separarse del gobierno británico.

You've seen life through distorted eyes

You know you had to learn
The execution of your mind
You really had to turn
The race is run the book is read
The end begins to show
The truth is out, the lies are old
But you don't want to know
Nobody will ever let you know

When you ask the reasons why
They just tell you that you're on your own
Fill your head all full of lies
The people who have crippled you

You want to see them burn
The gates of life have closed on you
And now there's just no return
You're wishing that the hands of doom
Could take your mind away
And you don't care if you don't see again
The light of day
Nobody will ever let you know

When you ask the reasons why
They just tell you that you're on your own
Fill your head all full of lies
You bastards
Where can you run to

What more can you do
No more tomorrow
Life is killing you
Dreams turn to nightmares
Heaven turns to hell
Burned out confusion
Nothing more to tell, yeah
Everything around you

What's it coming to
God knows as your dog knows
Bog blast all of you
Sabbath bloody Sabbath
Nothing more to do
Living just for dying
Dying just for you, yeah

viernes, 27 de marzo de 2020

El disco de la semana 170: Los Toreros Muertos - Por Biafra



Para el disco de la semana 170 hemos pensado que, en estos tiempos de confinamiento en casa, era necesario recomendar un disco que, además de ofrecer un buen rato de entretenimiento a través de la música, aportara además una necesaria dosis de buen humor. Después de mucho reflexionar, nos hemos decidido por el segundo trabajo de la irreverente y transgresora banda española de "Los Toreros Muertos", llamados así en un claro guiño españolizado hacia el grupo punk "The Dead Kennedys".

Esta singular banda, formada en 1984 en plena movida madrileña, con influencias reconocidas y reconocibles de La Orquesta Mondragón, Javier Krahe, Madness, Talking Heads y Police, estaba formada por el polifacético actor, presentador, showman, dibujante, escritor y, en este caso, cantante Pablo Carbonell, el teclista argentino Guillermo Piccolini y el bajista Many Moure. En 1985, lanzaron su primer sencillo "Yo no me llamo Javier" y en 1986 llegó su debut de larga duración, con el irreverentemente título de "30 años de éxitos", más propio de una recopilación de los temas de una banda consolidada que del debut de un grupo nuevo. Tras este aclamado disco de debut, en el que además de la citada "Yo no me llamo Javier"  incluía el imprescindible megahit de "Mi agüita amarilla", llegó en 1987 la esperada continuación con "Por Biafra", el segundo disco de la banda.


POR BIAFRA

Aunque 9 de cada 10 críticos entrevistados estarían de acuerdo en que el primer disco es más brillante en su conjunto, el azúcar que hizo que el décimo dentista cayera en la tentación está muy presente en este "Por Biafra" aunque no lograra el éxito mediático de su antecesor. El disco arranca con el estilo efectivo y socarrón de "Mama" y sus coros de estilo "bestiapardista", canción que continúa la senda musical marcada en el disco anterior, genial el momento en que se para la música y Pablo clama: "¡Mamá, creí que era mejor, en lugar de un telegrama, cantarte esta canción!".


"El cielo es azul" descarrila musicalmente hacia ritmos étnicos sin tomarse demasiado en serio su propia propuesta ecléctica, quedando a medio camino en todos los sentidos y marcando uno delos puntos más flojos del disco, mientras que el hit "On the desk" es la genial visión de una clase de inglés desde la perspectiva del joven alumno y su rudimentaria pronunciación y su limitado conocimiento. En las actuaciones, Pablo Carbonell aparecía vestido con el característico "baby" que muchos hemos llevado durante el período de educación infantil, antes conocido como "parvulitos". Apoyado en un tono cabaretero y una efectiva sección de viento, y con el toque justo de actitud punky en la forma de cantar de Pablo y los coros de brutotes. Imprescindible.




Con la llegada de "Los niños de colores" se les fastidia la fiesta a los protagonistas de la canción, pero al mismo tiempo al oyente del disco le ocurre exactamente lo contrario. Los brillantes cambios de ritmo van de la balada insulsa y tontorrona bajo una capa de teclados y guitarras pseudo trascendentales, al desatado punk de la batería, las guitarras y el desatado estribillo de "Los niños de colores me tocan los c...", como parte central de la divertida y transgresora letra. todo el conjunto hace que, por primera vez desde que comenzó la escucha, te levantes del asiento para pegar botes.



En una línea parecida de actitud punky estaría "En mi portal", con un toque más reivindicativo y de crítica social (enorme la carga cínica del estribillo "Por favor no te mueras en mi portal") y un envoltorio musical decididamente ska. Gran cierre para lo que antaño era la cara A, y efectiva antesala de la socarrona "Para ti"la brillante sátira sobre las melosas canciones de amor en las que el cantante recita, con voz seductora, tiernos mensajes de amor en las estrofas, para despegar después con un estribillo cantado. Sólo que aquí, los mensajes son absolutamente irreverentes, incluyendo ingeniosas rimas en las que piden a la chica que trate el regalo de su canción con cariño ("Dale la papilla, acuéstala a tu lado, hazle un francés, y recuerda que es... ¡Para ti!") a rezos infantiles ("Jesusito de mi vida... ¡Jesús, que vida llevo!") y referencias a rezos infantiles ("Jesusito de mi vida... ¡Jesús, que vida llevo!"). Simplemente genial.


Le sigue otro de los momentos álgidos con "Pilar", que recuerda en temática a ese otro gran éxito de la irreverencia hecha música que fue "La Ramona" de Fernando Esteso. Descarada y rockabilly,  fue un tema de enorme éxito en Espña y, sobre todo, en varios países de Sudamérica, gracias a su socarrona y efectiva letra ("Pilar no tiene bicicleta, pero tiene un buen par de...)


Descansamos de tanta irreverencia básica e inmediata con "En un cuarto de baño", un tema más pop que sus predecesores en el disco, probablemente el segundo momento bajo del disco, en el que parecen parodiar a los Hombres G en el modo de cantar. En su tramo final contiene el estribillo del siguiente tema, uno de los grandes petardazos del disco y de la carrera de este grupo. De nuevo a través de la ingenua y a la vez ácida visión de un niño sobre lo que le gusta hacer en compañía de sus amigos. Este genial tema lleva el nombre de uno de esos amigos y cuenta con uno de los estribillos más emblemáticos y atemporales del pop español. Alguna de las bromas de "Manolito" no se entendería bien hoy en día y hasta podría ser tildada de machista, pero eso equivaldría a tomarse en serio a un grupo que, básicamente, pretendía reírse del sistema, del prójimo, y hasta de ellos mismos.

"Vámonos al campo" es poco más de un minuto y medio en clave de punk socarrón y una temática que esta semana sería imposible de reproducir ("En está ciudad no aguanto, vámonos al campo, esto es un espanto"). Efectiva pero anecdótica comparada con algunas de las grandes canciones anteriores.

El disco cierra a buen nivel con la romántica "Dime Guau", en la que el protagonista se levanta resacoso una mañana y, aparentemente, echa de menos a su pareja o su ligue de noche. Pero como buena canción de Los Toreros Muertos, no podía moverse en terrenos tan convencionales sin soltar un estacazo, y al llegar al estribillo nos genera la sospecha de que pudiera estar hablando realmente de un caso de zoofilia con su mascota. Bromas aparte, es también la canción en la que aprovechan para demostrar que, instrumentalmente, son además unos músicos más que solventes.

Conforme el volumen de este último tema va bajando y se atisba el final, el cuerpo nos pide volver a escuchar los buques insignias del disco, y volver a reír con las tontorronas peripecias de "Pilar" y "Manolito", y sonrojarnos con sus bobalicones acercamientos amorosos ("Para ti"), sus simpáticos avances con el inglés ("On the desk") y sus alocadas fiestas de instituto, disfrutando de ese fugaz instante que nació ya condenado a no poder durar, porque en cualquier momento, para fastidiarlo todo, entrarán por la puerta los malditos "niños de colores".

jueves, 26 de marzo de 2020

Canciones que nos emocionan: Strange Brew, Cream

Disraeli Gears, Cream


     En 1967 Jack Bruce, Ginger Baker y Eric Clapton, o lo que es lo mismo, la formación británica Cream publica su segundo álbum de estudio, Disraeli Gears. Un álbum donde la banda mezcla el blues con un sonido más psicodélico. La portada del álbum fue creada por Martin Sharp, un conocido artista, dibujante, compositor y cineasta australiano. Sharp además crearía posteriormente también la portada del álbum de la banda Wheels Of Fire, y co-escribió Tales Of Brave Ulysses junto con Eric Clapton. La portada del disco consiste en un collage psicodélico con el título centrado y el nombre del grupo a continuación, rodeado de un arreglo floral. Lo que Martin Sharp intentó fue captar el sonido de la música de la banda en la portada del disco, un sonido que definió como "sonido fluorescente clásico".

     El álbum fue grabado en los Atlantic Studios deNueva York en el mes de mayo de 1967, ya que el sello discográfico de Cream, ATCO, no era más que una subsidiaria que pertenecía al poderoso sello Atlantic Records. De la producción del disco se encargaría Felix Pappalardi, quien luego se forjaría una brillante carrera como miembro del grupo Mountain junto con Leslie West. En cuanto al título del álbum, este fue concebido a partir de que el roadie de la banda Mike Turner pronunciara mal una palabra. El roadie, al parecer, cuando se encontraba hablando de bicicletas, para referirse al cambio de las mismas, el cual se pronunciaba Di-rail-yer (un cambio que se usaba frecuentemente en las bicicletas de 10 velocidades que había por entonces), pronunció la palabra de la siguiente manera, Disraeli, y curiosamente Disraeli hacía referencia a un primer ministro británico del siglo XIX, Benjamin Disraeli. El grupo en ese instante tuvo claro cuál debía ser el título del álbum.

     Incluido en este disco, siendo además el primer corte, se encuentra Strange Brew, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan. En abril de 1967 la banda había grabado para este disco una canción llamda Lawdy Mama, de la cuál hicieron dos versiones, una más blues y otra con un estilo más rock & roll. Felix Pappalardi, el productor tomó la versión mas rock & roll del tema, escribió nuevas letras junto a su esposa Gail Collins y Eric clapton se hizo cargo de los arreglos y de interpretar la parte vocal en vez de jack Bruce. La letra del tema podría hacer referencia a las drogas o a una mujer debido al sentido de la letra, que contiene frases del tipo "Strange brew, kill what's inside of you / Extraña cerveza, mata lo que hay dentro de tí", "She's some kind of demon messing in the glue / ella es una especie de demonio jugando con el pegamento". La composición del tema está atribuida a Felix Pappalardi, su mujer Gail CollinsEric Clapton. sobre Strange BrewClapton consideraba que Pappalardi había conseguido a partir de Lawdy Mama un tema más pop sin destruir el ritmo original. El álbum fue publicado en noviembre de 1967, pero Strange Brew fue publicado en junio de 1967 como sencillo y adelanto del disco.

Strange brew, kill what's inside of you.
She's a witch of trouble in electric blue,

In her own mad mind she's in love with you.

With you.
Now what you gonna do?
Strange brew, kill what's inside of you.
She's some kind of demon messing in the glue.

If you don't watch out it'll stick to you.

To you.
What kind of fool are you?
Strange brew, kill what's inside of you.
On a boat in the middle of a raging sea,

She would make a scene for it all to be

Ignored.
And wouldn't you be bored?
Strange brew, kill what's inside of you.
Strange brew, strange brew, strange brew, strange brew.

Strange brew, kill what's inside of you

miércoles, 25 de marzo de 2020

AC/DC Live At River Plate, December 2009 (Mes AC/DC)


AC/DC Live At River Plate, December 2009

Si hablamos de conciertos, debemos hablar de uno en particular, y como estamos en el #MesDeAC/DC en #7dias7notas, que mejor momento que hablemos del show que ha dado la banda Australiana AC/DC, en el estadio River Plate de la ciudad de buenos aires.    

Un show de 200.000 almas de argentinos que al escuchar la voz de Brian Johnson decir “No hablamos muy bien español”, y luego agrego “¡pero hablamos rock and roll bastante bien!!”, así que esa noche del 2 de diciembre de 2009 en Buenos Aires, a más de 20 años de ese show se escucho un solo sonido que incluía distorsión intensa, voces agudas, cuernos de diablos y sí, un Angus Young en gran forma y fondo, el escolar más viejo de la historia siendo sin duda uno de los protagonistas de la noche.


El show comienza con un montaje en video de un avatar de la banda que llega con “Rock N’ Roll Train” y que nos atrapa a través de su gratificante estridencia característica para varias canciones emblemáticas de la banda, incluida la favorita de todos “Back in Black”.

Esa noche tiene un descanso con “Big Jack” ofrecen un descanso refrescante de la sección del ritmo del más puro Rock N' Roll proporcionada por Angus y Malcolm Young, Cliff Williams y Phil Rudd. 

Pero verlo a Johnson y al strip tease de Angus, quienes no dejan de tener su marca registrada ambos en el escenario que pese a pasar el medio siglo de vida en aquel entonces.

Fueron 3 noches de puro rock lo que vivieron los 200.000 espectadores en el estadio de River Plate, 
Clásicos tan populares como “Dirty Deeds” y “Thunderstruck” animan a los rockeros recuerdan a un juego de fútbol, en este estadio muchos de los argentinos ahí presentes ya han vivido grandes épicas con la pasión de multitudes como es el fútbol, pero esa noche las canciones de AC/DC elevan como un himno el rock n' roll, todo el estado es testigo de esa pasión.


La banda presentan las nuevas canciones, y estas son de un nivel aplastante Johnson no deja de sacar sus caracteristicos chillidos, junto a letras de sexo, alcohol y esta de más decirlo, porque te lo imaginaras, SI!, puro Rock 'n Roll. 

Y llega el momento en que Johnson canta “Hells Bells”, y Angus se ve que no para. Los Fans metaleros llevan la sonrisa en sus caras reviviendo una gran variedad de himnos de la banda, la noche se había convertido en única y especial.  

En escena Angus (a sus increíbles 56 años) atraviesa el escenario desfila alegremente con su famoso paso de pato heredado del gran Chuck Berry. Su hermano, Malcolm, lo mismo pero muy en su interior, mientras que un “He has the devil in his fingers and blues in his soul!” (“¡Tiene al diablo en sus dedos y blues en su alma!”), suena en la proclama de Johnson mientras se pavonean juntos en el frente. Los ánimos y escenario literalmente se incendian durante “For a Those About to Rock” y los fuegos artificiales señalan el final de una noche llena de poder.


Pero este show no solo ha quedado esa noche junto a esas fans, sino como una gran producción fílmica que fue dirigida por David Mallet, el concierto fue filmado completamente en HD por 32 cámaras, la impresionante fiesta de guitarras en distorsión continua durante 110 minutos muestra el histórico regreso de la banda australiana a Buenos Aires luego de 13 años de ausencia de Argentina, donde atacaron su catálogo de cuatro décadas frente a casi 200,000 fanáticos.

Aquí tienes una muestra de aquel maravilloso show. 



AC/DC - Rock N Roll Train (Live At River Plate, December 2009)



AC/DC - Highway to Hell (Live At River Plate, December 2009)


Daniel 
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