La música en historias: Los Viernes en Canciones

Los días de la semana han sido una gran fuente de inspiración para muchos músicos a lo largo de la historia. Este blog es, de alguna manera, un gran diario de nuestras experiencias en la vida, diseminadas en las historias que os contamos sobre los discos, artistas y canciones que nos han influenciado y acompañado a lo largo de todos estos años. Así que, en esta ocasión, vamos a apuntar en nuestro diario todo lo correspondiente a la página del VIERNES.

VIERNES


Estoy casi totalmente de acuerdo con la frase de la foto, Friday I'm in love de The Cure es probablemente la mejor canción con la temática de Viernes. El tema está incluido en el disco Wish, que continuaba la estética oscura de su antecesor Disintegration en muchos de los temas, pero que también dejaba entrever rendijas de luz y de una vuelta a esquemas más comerciales. En particular este tema, que ensalza los viernes pero que también es un repaso al estado de ánimo durante el resto de días de la semana, fue un auténtico bombazo comercial que ha quedado para la historia del grupo.
 

El "casi" de la anterior afirmación viene motivado por Friday on my mind, un tema de The Easy Beats, que conocí a través de una versión de Gary Moore que, en mi humilde opinión, mejora a la original, y que me hace dudar si el podio de los viernes debe ser sólo para la canción de The Cure, o debería compartirlo con la vitalista y guitarrera canción del genial guitarrista irlandés, que por otra parte tiene una temática muy parecida a la canción de The Cure.
El protagonista, de nuevo, relata la evolución de su estado de ánimo conforme pasan los días de la semana, y el momento más álgido y positivo, tanto a nivel emocional como musical, se produce al llegar el viernes y el estribillo.

El resto de temas que hemos encontrado sobre los viernes no tienen la relevancia y el magnetismo de los dos temas descritos, sin dejar por eso de ser buenas canciones como el One February Friday de Frankie goes to Hollywood, o el Friday Night, Saturday Morning de The Specials, comodín válido tanto para los viernes como para los Sábados que vendrán.

Cerramos este repaso a las canciones de los viernes con un tema de los oscuros y metaleros Megadeth. Su tema Good Mourning / Black Friday (Buen luto, viernes negro) contrasta con la alegría con la que The Cure abría este artículo, pero es la perfecta excepción para confirmar la regla. Salvo para los Megadeth, los viernes son un día enérgico y positivo, el gran portal hacia el fin de semana. Puede que incluso para ellos, ya que la oscuridad y la destrucción es dónde se sienten más cómodos y felices. Para gustos los colores, y los días de la semana.

Historia del rock and roll: 16.- Louis prima, Miles Davis, Neil Sedaka, Ella Fitzgerald

Vamos a tocar ligeramente a una serie de artistas que en los años que estamos tratando tuvieron su cuota de exito, pero que no estan enmarcados en lo que denominamos rock and roll.

Louis Prima

“Tenía una voz de negro, tocaba la trompeta como un negro, se reía como un negro, pero bailaba como un italiano”. Era hijo de inmigrantes sicilianos y nació en 1910, en la Nueva Orleans vivía en un barrio popular y sus vecinos eran judíos, negros y como no italianos y una madre que tenía a gala obligar a sus hijos a tocar un instrumento, el pequeño Louis Prima estudió el violín y luego hizo suya la trompeta de su padre al escuchar por primera vez a Louis Armstrong en la radio.

Ya en los años 20 los clubs musicales eran regentados por italianos que tenían la “cortesía” de dejar tocar a los negros y siendo él Italiano tenia el privilegio de acceder donde quisiera asi pues a los doce años montó su primera formación y con dieciséis empezó a tocar con The Eastonites, banda de su colegio. Un año más tarde, tocaba todas las noches en el Club The Whip, y con dieciocho años, decidió dejar los estudios para dedicarse de pleno a la música. Pero los comienzos no fueron nada fáciles, la paga en esos locales no le daba para vivir asi que se marchó a Florida, donde conoció a su primera mujer, Louise Polizzi, con la que se casó en 1929. Durante dos o tres años más, siguió en la cuerda floja, tocando donde podía, sin rumbo ni futuro. Después de intentarlo en Cleveland y luego Chicago, aterrizó en Nueva York, última oportunidad, allí el dueño del club Leon & Eddie’s no le contrató por confundirle con un negro pero poco después, la fortuna le empezó a sonreir, montó una banda, Louis Prima & His New Orleans Gang, grabaron sus primeras canciones, actuaron en clubs de jazz prestigiosos de la 52ª calle, compusieron sus propios temas, jazz & swing, y viajó por toda la costa oeste, dio representaciones en un teatro de Washington, tocó en la casa blanca para el cumpleaños de Roosevelt, sacó pecho en las fotos con el Presidente, se volvió popular, publicó canciones en italiano, pidió una auténtica fortuna para actuar en Las Vegas, cantó ante Kennedy, se divorció, montó su propio sello, trabajó para Walt Disney. Subido en la cresta de la ola sufrió un infarto, y posteriormente se le descubrió un tumor cerebral, falleciendo en 1978.

Cuatro décadas adaptándose a la evolución de los estilos, desde el sonido Nueva Orleans hasta el rock’n’roll, pasando por el swing, las big bands, y el lounge de las Vegas y tuvo tiempo de crear uno de los grandes estándares de la música popular del siglo XX, mezclando con maestria “I’m Just a Gigolo” –canción austriaca inicialmente adaptada en 1928 por un tal Irving Caesar- y “I Ain’t Got Nobody” –de Spencer Williams, 1915-.

Miles Davis

Miles Davis, trompetista de jazz, compositor y líder de banda pequeña, fue el músico de jazz más importante durante más de dos décadas.Su leyenda siguió creciendo incluso después de que la mala salud y la disminución de la creatividad lo alejaron de la realeza del jazz.

Miles Dewey Davis III nació de Miles Davis Jr. y Cleota Henry en Alton, Illinois, el 25 de mayo de 1926. También había otros dos niños, una hermana mayor y un hermano menor. En 1928 la familia se mudó a East St. Louis, Illinois, donde el padre de Davis se convirtió en un exitoso cirujano oral. Davis disfrutó de una infancia confortable y la familia vivía en un barrio blanco. A la edad de trece años su padre le dio una trompeta y pronto Davis se unió a su banda de la escuela secundaria. En 1944 Davis se mudó a la ciudad de Nueva York donde trabajaría dos semanas en la talentosa Billy Eckstine Band, y luego se matriculó en la Juilliard School of Music.

De día estudió música clásica, y de noche adquirió experiencia en el movimiento más nuevo del jazz, el bebop, con los líderes del movimiento, en particular Charlie Parker (1920-1955), Dizzy Gillespie (1917-1993), Fats Navarro, y Max Roach (1924-).

La etapa de Davis de 1947 a 1948 en un quinteto (grupo de cinco músicos) dirigido por el genio del bebop Charlie Parker le dio fama temprana. Davis, un buen trompetista de bebop, pronto sintió la necesidad de liberar su música del estilo del bebop y de restaurar los elementos más melódicos del jazz. El resultado fue la influyente grabación Birth of the Cool (1949), que dio “nacimiento” a la llamada “cool”, o costa oeste, escuela de jazz. Esta grabación estableció la identidad musical de Davis, separada de Parker y los otros beboppers.

A principios de la década de 1950, Davis se convirtió en un adicto a la heroína. Su carrera estuvo a punto de detenerse durante tres años, pero su exitosa lucha contra el hábito de las drogas en 1954 le llevó a su mayor período: mediados y finales de los años cincuenta. Durante esos seis años realizó una serie de grabaciones de pequeños grupos considerados clásicos del jazz. En 1954, con el saxofonista tenor Sonny Rollins (1930-), grabó memorables grabaciones de tres originales de Rollins -“Airegin”,”Doxy” y”Oleo”- así como dos brillantes versiones del estándar de Tin Pan Alley (un respetado grupo de músicos y compositores)”But Not for Me”.

En 1955 Davis formó su grupo más famoso, un quinteto de notable talento que incluía al saxofonista tenor John Coltrane (1926-1967), al pianista Red Garland, al bajista Paul Chambers y al baterista Philly Joe Jones. Hasta que Coltrane se fue en los años 60, la banda de Davis era el grupo más visible y dominante en todo el jazz. En 1964 formó una nueva banda, y Davis siguió siendo la mayor atracción (y la mayor fuente de ingresos) de todo el jazz.

Durante las dos últimas décadas de la carrera de Davis, se convirtió más en una curiosidad por el jazz que en un músico que debe tomarse en serio. Davis ganó una mala reputación en su actuación por darle la espalda al público, por expresar hostilidad racial hacia los blancos, por vestirse mal al principio de su carrera y salvajemente después, todo lo cual contribuyó a su misteriosa imagen. Pero luego, según cuentan, Davis a menudo se burlaba de él por motivos raciales. Un entusiasta del acondicionamiento físico (con su propio gimnasio privado), sin embargo, tomó grandes cantidades de drogas (a veces, pero no siempre, para el dolor). Murió el 28 de septiembre de 1991 en Santa Mónica, California, de neumonía, insuficiencia respiratoria y un derrame cerebral.

Neil Sedaka

Neil Sedaka nacido en Brooklyn, el 13 de Marzo de 1939 es un cantante, pianista y compositor frecuentemente asociado a The Brill Building  En un comienzo, el timbre de su voz, -un poco chillona para lo que a fines de los 50’s estaba de moda-, no convencía a los editores musicales pero Sedaka aportaba unas canciones de indudable calidad y con un ritmo y arreglos diferentes al estilo du-duá tan en boga en aquellos años. Su primer éxito como compositor lo constituyó el tema “Stupid Cupid” (Estúpido Cupido) que en 1958, grabara Connie Francis quien en su exitosa carrera como cantante grabara luego, otros temas del dúo  Sedaka-Greenfield como fueron los temas “Where the boys are” o “¿Who Sorry Now?” A partir de entonces, Sedaka fue contratado por la RCA Records como intérprete solista posición desde la cual obtuvo sus mayores éxitos y canciones como “Oh Carol”, (dedicada según se dice- a la que fue su novia en el instituto como compañera de clases, la también compositora y cantante Carole King), alcanzó de manera fulminante los primeros puestos del Top 100 del Billboard.

Entre 1958 y 1963 Sedaka ubicó con frecuencia varios de sus temas entre los más taquilleros del Billboard americano: “Oh! Carol”, “La chica del calendario”, “Feliz cumpleaños, dulces dieciséis” y “Es difícil decir adiós”. Entre 1960 y 1962, Sedaka tuvo 8 temas dentro del Top 40 pero pronto se encontró entre los intérpretes que vieron como sus carreras eran asediadas por la «invasión británica» y otros cambios de rumbo en la industria musical. Sus sencillos comenzaron a declinar en las listas de popularidad, antes de desaparecer por completo, hacia fines de 1965.

Ella Fitzgerald

Conocida como la "Primera Dama de la Canción" y "Lady Ella", fue una cantante estadounidense de jazz y canciones que interpretó gran parte del Gran Cancionero Americano.

Nacida el 25 de abril de 1917 en Newport News, Virginia, la cantante Ella Fitzgerald fue el producto de un matrimonio de hecho, Ella experimentó una infancia problemática que comenzó con la separación de sus padres poco después de su nacimiento. Con su madre, Fitzgerald se mudó a Yonkers, Nueva York. Vivían allí con el novio de su madre, Joseph Da Silva. La familia creció en 1923 con la llegada de la media hermana de Fitzgerald, Frances. Luchando economicamente, la joven Fitzgerald ayudó a su familia trabajando como "mensajera" de mensajeros y como vigilante de un burdel. Su primera aspiración profesional fue convertirse en bailarina. Después de la muerte de su madre en 1932, Fitzgerald terminó mudándose con una tía. Ella comenzó a faltar a la escuela. Fitzgerald fue enviada a una escuela de reforma especial, pero no se quedó allí por mucho tiempo. En 1934, Ella estaba tratando de sobrevivir sola y viviendo en las calles aún albergando sueños de convertirse en artista, participó en un concurso de aficionados en el Teatro Apollo de Harlem. En el concurso, cantó la canción de Hoagy Carmichael "Judy", así como "El objeto de mi afecto", sorprendiendo a la audiencia. Fitzgerald ganó el primer premio de $ 25 del concurso. Esa actuación inesperada en el Apollo ayudó a poner en marcha la carrera de Fitzgerald. Pronto conoció al líder de banda y baterista Chick Webb y finalmente se unió a su grupo como cantante.

Fitzgerald grabó "Love and Kisses" con Webb en 1935 y se encontró actuado regularmente en uno de los mejores clubes de Harlem, el Savoy. Fitzgerald también lanzó su primer éxito número 1, "A-Tisket, A-Tasket" de 1938, que ella co-escribió. Más tarde ese año, Ella grabó su segundo éxito, "I Found My Yellow Basket". Tras la muerte de Webb en 1939, Ella se convirtió en la líder de la banda, que pasó a llamarse Ella Fitzgerald y su famosa orquesta. (Algunas fuentes se refieren al grupo como Ella Fitzgerald y Her Famous Band).

A mediados de la década de 1940, Granz había comenzado Jazz at the Philharmonic, una serie de conciertos y discos en vivo con la mayoría de los grandes artistas del género. Las décadas de 1950 y 1960 fueron un momento de gran éxito comercial y de crítica para Fitzgerald, y se ganó el apodo de "Primera Dama de la Canción" por su popularidad y talento vocal sin precedentes. Su capacidad única de imitar sonidos instrumentales ayudó a popularizar la improvisación vocal de scatting, que se convirtió en su técnica característica. En los primeros premios Grammy en 1958, Fitzgerald recogió sus dos primeros Grammys, e hizo historia como la primera mujer afroamericana en ganar el premio, a la mejor interpretación individual de jazz y mejor interpretación vocal femenina para los dos proyectos de cancioneros Ella Fitzgerald Sings la Duke Ellington libro de canciones y Ella Fitzgerald canta el Irving Berlin Song Book , respectivamente .  (Ella trabajó directamente con Ellington en el álbum anterior).

En 1960, Fitzgerald entró en las listas de éxitos con su interpretación de "Mack the Knife". Ella todavía iba bien en los años 70, tocando conciertos en todo el mundo. Una serie de conciertos especialmente memorable de esta época fue un compromiso de dos semanas en la ciudad de Nueva York en 1974 con Sinatra y Basie. En la década de 1980, Fitzgerald experimentó graves problemas de salud. Se sometió a una cirugía cardíaca en 1986 y sufría de diabetes. La enfermedad la dejó ciega y le amputaron ambas piernas en 1994. Ella Fitzgerald murió el 15 de junio de 1996 en su casa en Beverly Hills.

Un motivo, 10 canciones: Heroes

Empezamos fuerte, con la ganadora de la encuesta realizada en Twitter sobre las mejores canciones de David Bowie y de la que publicamos en este blog sucorrespondiente artículo, nos estamos refiriendo a “Heroes”, un tema mítico dentro del repertorio del Ingles. Cuentan que la inspiración para este tema le vino a Bowie mirando por la ventana del estudio, desde la que podía verse el muro de Berlín. Junto al muro vio a una pareja besándose, y aquella poderosa imagen de contraste entre el amor y la guerra le sugirió la idea de los "héroes por un día". Publicada en 1977 y perteneciente al disco que lleva el mismo nombre es una verdadera obra maestra de la que tenéis que disfrutar

En la segunda canción nos volvemos al producto nacional y a un grupo del que ya hablamos de un tema suyo en el artículo sobre comidas, nos estamos refiriendo a Mecano, en esta ocasión hemos elegido un tema del que fuera su disco más exitoso, Aidalai, el tema narra la odisea vivida para ser los primeros en llegar a la Antartida, por parte de la expedición Inglesa y a la que se le adelanto la expedición Noruega, este hecho marcaría el devenir del destino de los integrantes, derrotados en ese objetivo ya solo les quedaba regresar a casa, aunque se sintieran fracasados, pero la vuelta no llego a buen puerto, aun así para muchos serán recordados como los "Héroes de la Antártida". Es tema esta cargado de emotividad, y es casi sinfónico, dándole una transcendencia que casa muy bien con el tema de la canción, es una de mis favoritas de Mecano.

Nos vamos con los Beach Boys, y un tema de 1967 perteneciente al álbum Smiley Smile, publicado después de que decidieran no publicar el album Smile y para cual crearon este tema. La canción está considerada como la primera vez que escribieron juntos Wilson y Parks y se cuenta que cuando Wilson tocó la melodía por primera vez, Parks apareció con la línea de apertura en el acto. Este “Heroes and Villains” contiene mucho de lo bueno que pudieron crear el grupo de California. Más tarde supimos la razón del título y es que cuando Brian Wilson atravesaba un período de crisis nerviosas, se refería a las voces en su cabeza como los "héroes y villanos", lo que creaba un zumbido constante en su cerebro que no podía apagar.

La cuarta propuesta puntúa doble, ya que contiene la palabra tanto en el grupo como en el título de la canción (jejejeje) estamos refiriéndonos a Héroes del Silencio, el mítico grupo maño liderado por Enrique Bunbury y que con esta canción hicieron su debut en la industria discográfica, nos estamos refiriendo a “Héroe de Leyenda” un tema que después incluirían en el disco El mar no cesa y que para mí constituye una de las grandes canciones del grupo.

Ahora nos vamos a poner melancólicos y un poco ñoños, porque no admitirlo, damos paso a uno de los temas que inundaron las emisoras y los corazones de muchos y muchas, nos estamos refiriendo a la canción “Hero” publicada en 1993 y en pleno apogeo de su interprete Mariah Carey, la canción trata de sacar de cada uno de nosotros el héroe que tenemos dentro para poder superar las condiciones más adversas, y aunque es muy molona por el torrente de voz y la instrumentación que tiene, la verdad que es una canción muy, muy mala, pero como ninguno estamos a salvo de los placeres culpables, disfruten un poco de ella

Si os digo M.O.D.A. lo mismo pensáis que se me ha ido la pinza y en vez de escribir de música me voy a dedicar a hablar de vestidos, pero si os lo traduzco y os digo todo seguido y sin parar a respirar La maravillosa Orquesta del Alcohol, si no estáis un poco puesto en el panorama nacional del rock os creéis que os estoy vacilando… pues no, este grupo burgalés que se autodenominan los hijos de Johnny Cash, tiene un himno titulado “Los héroes del Sábado” incluido en su álbum de 2017 y aunque pueda sonar a fiesta la canción trata  según palabras de ellos “…Es una canción que intenta expresar la pérdida de la inocencia, la transición entre la niñez y la vida adulta y el desengaño ante muchos aspectos de esta sociedad. Habla de seguir adelante siempre, de no olvidar de dónde vienes, de no dejarse llevar por la mayoría y de no mirar hacia otro lado. De todas esas personas anónimas que no se rinden. En definitiva, del ser humano y la vida misma”.  la verdad que estos chicos saben lo que se hacen, porque suenan realmente bien.

Ahora nos vamos a detener en uno de los temas míticos de Bonnie Tyler, la mujer de la voz rota, nos referimos a “Holding out of a Hero” y la canción que acompañaba a una de las escenas más míticas y recordadas de la película Footlose, donde vemos a Kevin Bacon al estilo rebelde sin causa una carrera de excavadores, eso si, una escena llena de humor. Además está considerada una de las canciones con las que más se hacen acompañar los corredores. A lo largo de la canción es posible encontrarse con una gran presencia de instrumentos electrónicos como los sintetizadores, la guitarra eléctrica y el bajo. Asimismo, desde la misma introducción figura un elemento fundamental de la musicalización de Holding Out For a Hero: la presencia de coros vocales con cierto toque gospel, algo que refuerza la idea de una búsqueda o un viaje épico que es presentada en la lírica.

A Tina Turner ya la tratamos en una artículo de la música en el cine, y hoy de nuevo la traemos en una canción con la palabra Heroe y para una película de cine, nos estamos refiriendo al tema “We don´t need another hero” cuya presencia la encontramos en la tercera entrega de la saga Mad Max, la que llevaba por titula, “Mas allá de la cúpula del trueno” de la que además era protagonista. Una canción llena de fuerza y con el toque perfecto que le da Tina Turner con esa voz tan poderosa.

Nos está saliendo una lista muy cinéfila, y no era nuestra intención, sino la de los Héroes, pero es el tercer tema que tiene que ver con el cine, en esta ocasión nos referimos a Local Hero, interpretada en solitario por el cantante de Dire Straits, Mark Knopfler, y su primera incursión en el mundo de las bandas sonoras, nos estamos refiriendo a “Local Hero” y el cierre instrumental de este con este maravilloso tema que ha terminado convirtiéndose en el cierre de cada uno de sus conciertos, toca cerrar los ojos y dejarse evocar por el sonido que arranca a su guitarra.

Repetimos título, en este caso el “Local Hero” lo pone el gran Bruce Springsteen, encuadrada en el álbum Lucky Town de 1992, la canción no deja de ser un compendio de lo que muchas veces ha reflejado Springsteen en su discografía, el día a día en un pueblo perdido de Estados Unidos y las pequeñas anécdotas de superación que se producen en ella, en este caso se ha insinuado que está basado en vivencias propias ya que una vez fue a comprar un auto y el vendedor le dijo que era un héroe local.

Terminamos con John Lennon y otra de sus canciones que levantó ampollas, pero más bien hacia él, este “Working class Heroe” (Héroe de la clase trabajadora) le trajo algún que otro problema, ya que hubo algún sector que estaba en contra de la figura del cantante que le recrimino que como osaba llamarse así, cuando él había sido criado por su tía en un estatus medio alto económico, Lennon explicó: "Lo que pasaba con la canción de 'Working Class Hero' que nadie había entendido bien era que se suponía que era un sarcasmo: no tenía nada que ver con el socialismo, tenía que ver con 'Si quieres pasar por ese viaje, llegarás a donde estoy, y esto es lo que serás'. Porque he tenido éxito como artista, y he sido feliz e infeliz, y he sido desconocido como artista en Liverpool o Hamburgo y he sido feliz e infeliz ".

Y como no, las aportaciones de nuestros amigos desde Twitter y Telegram, desde luego nos haceis cada dia mas sabios......

Accept – I wanna be no Hero

Beth Hart – I need a Hero

Black Sabbath – Hero

Blackfoot – Call of a Hero

David Crosby – Hero

Ego Kill Talent – Heroes, kings and gods

Family of the year – Hero

Fletwood Mac – Heroes are hard to find

Foo Fighters – My Hero

Gabinete Caligari – Heroes de la Union Sovietica

Gary Moore – Days of Heroes

Hollywood Vampires – Heroes

Johnny Cash – Heroes in black and White

Marillion – Marquet Square Heroes

M-Clan – Antiheroe

Metallica – Hero of the day

Motorhead – Heroes

Nickelback – Hero

Saxon – Broken Heroes

Shinedown – Heroes

Stranglers – No more Heroes

The Kinks – Celuloid Heroes

The star & the slaughter – The héroes

Thin Lizzy – The Hero and the madman

Tino Casal – No fuimos Heroes

Waylon Jennings – My Heroes have been always a cowboys

Canciones que nos emocionan: Fear of the Dark, Iron Maiden

Fear of the Dark (1992)

     Corría el año 1992, Iron Maiden que por entonces estaba formado por Steve Harris (bajista), Bruce Dickinson (vocalista), Dave Murray (guitarrista), Janick Gers (guitarrista) y Nicko McBrain (batería), se metían en el estudio para preparar el que sería noveno álbum de la formación, Fear of the Dark, un trabajo que supondría el último de Bruce Dickinson con la banda británica hasta su vuelta en el año 2000, fecha en la que volvería también el guitarrista Adrian Smith.

     Fear of the Dark estaría marcado por ser un trabajo donde el famoso diseñador de la mascota del grupo Eddie the Head (Eddie el cabezón), Derek Riggs no paticiparía en el diseño de la ilustración de la portada. En este caso tal diseño correspondería a Melvyn Grant, otro famoso diseñador e ilustrador inglés que ha sido el único junto a Derek que ha tenido el privilegio de dibujar a Eddie the Head para algunas portadas de discos de Iron Maiden. La portada del disco representa a un Dríade del que sale Eddie en vez de una ninfa. Los Dríades en la antigua mitología griega representaban a las ninfas de los árboles. Otra de las curiosidades que tiene éste disco, supuso el último trabajo del mítico productor e ingeniero de sonido Martin Birch que se retiraría poco después.

     Como he comentado anteriormente éste álbum significó la marcha de Dickinson de la formación por problemas internos con la misma. Steve Harris en su momento llegó a declarar que Bruce Dickinson se esforzó e hizo muy poco por la banda durante la gira de Fear of the Dark. Sobre ésto Bruce Dickinson tenía su propio punto de vista, consideraba que Iron Maiden era la cosa más importante en el mundo para Harris mientras que para él había cosas más importantes que la propia banda. Harris y Dickinson por cuestión de personalidad siempre solían chocar pero aprendieron a convivir juntos pues sin esa personalidad de Harris, Dickinson opinaba que Iron Maiden nunca hubiera existido. Bruce cuando dejó Iron Maiden se hizo una promesa a sí mismo, no volvería a hacer nada ni enrolarse en ningún proyecto en el que no creyera de verdad. Su vuelta a la Doncella de Hierro lo dice todo, y es que Iron Maiden es mucho Iron Maiden.

I am a man who walks alone

And when I'm walking a dark road

At night or strolling through the park

When the light begins to change

I sometimes feel a little strange

A little anxious when it's dark

Fear of the dark

Fear of the dark

I have a constant fear that something's always near

Fear of the dark

Fear of the dark

I have a phobia that someone's always there

Have you run your fingers down the wall

And have you felt your neck skin crawl

When you're searching for the light?

Sometimes when you're scared to take a look

At the corner of the room

You've sensed that something's watching you

Fear of the dark

Fear of the dark

I have a constant fear that something's always near

Fear of the dark

Fear of the dark

I have a phobia that someone's always there

Have you ever been alone at night

Thought you heard footsteps behind

And turned around and no one's there?

And as you quicken up your pace

You find it hard to look again

Because you're sure there's someone there

Fear of the dark

Fear of the dark

I have a constant fear that something's always near

Fear of the dark

Fear of the dark

I have a phobia that someone's always there

Fear of the dark

Fear of the dark

Fear of the dark

Fear of the dark

Fear of the dark

Fear of the dark

Fear of the dark

Fear of the dark

Watching horror films the night before

Debating witches and folklore

The unknown troubles on your mind

Maybe your mind is playing tricks

You sense and suddenly eyes fix

On dancing shadows from behind

Fear of the dark

Fear of the dark

I have a constant fear that something's always near

Fear of the dark

Fear of the dark

I have a phobia that someone's always there

Fear of the dark

Fear of the dark

I have a constant fear that something's always near

Fear of the dark

Fear of the dark

I have a phobia that someone's always there

When I'm walking a dark road

I am a man who walks alone

     Esto nos da una idea de las dificultades del grupo para sacar adelante Fear of the Dark, pero este grupo es muy grande y su profesionalidad más, y el resultado fue el que es para mí uno de sus mejores discos, el cuál contiene el tema que da título al álbum, Fear of the Dark, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan y con el que he convivido desde mi adolescencia.
 Compuesto por Steve Harris, éste tema de poco de más de siete minutos habla de un hombre obsesionado con las películas de terror y el ocultismo, que se encuentra en estado paranoico y  tiene terror a que de repente brote algo o alguien de la oscuridad. Harris al parecer se basó para componer este tema en el miedo infantil a la oscuridad que el bajista sufrió cuando era niño. Hay gente que considera que este tema es una secuela de los temas Murders in the Rue Morgue e Innocent Exile, los cuales también tratan de un hombre en estado paranoico.

Grupos emergentes: Pleyel

Malasaña centro de Madrid, un sala “El perro de la parte de atrás del coche” todos están a la espera de que salgan a escena Pleyel, para mi una sorpresa por descubrir, pero para sus fans una larga espera, porque ellos quieren volver a verlos, se nota en las ansias de muchos de ellos.

Y de repente ahí los tenemos, sobre el escenario, seis jóvenes provenientes de Murcia, preparados para darlo todo, nos demostrarán la pasión por la música, imponiendo un estimo muy personal, y esto nos llamó mucho la atención y se nos ocurrió hacerles esta entrevista para que nuestros amigos de 7D7N los conozcan, así que compartamos lo que nos han contado. 

7D7N: ¿Por qué Pleyel?

Pleyel: El nombre de Pleyel viene una empresa de fabricantes de pianos del SXIX (F. Chopin usaba pianos Pleyel) y el tataratataratatarabuelo de Jaime y Chechu (baterista y guitarrista/vocalista) compró uno de esos con el dinero de una lotería que le tocó. 

Ese piano está en su casa a día de hoy y se ha usado en la composición de muchas de nuestras canciones. Nos parecía un homenaje bonito llamarnos así.

7D7N: Realmente es algo muy bonito poder homenajear a vuestros tataratataraabuelos, espero no haberme comido alguna generación, por ello desde vuestros inicios hasta la consolidación del grupo habéis sufrido diversos cambios en vuestra formación, ¿las incorporaciones posteriores como han ido surgiendo? ¿Ya os conocíais, por audición, boca a boca……?

Pleyel: Si, desgraciadamente hemos tenido muchos cambios en la formación. Tras la reciente salida de Álex Ferrán (saxo y voz) y Pablo García (guitarra y coros), miembros fundadores de Pleyel sólo quedamos Jaime Cano (batería), Chechu Díez (guitarra y voz). En el último año, un amigo común nos presentó a Edu Meseguer (bajo), y Omali García (teclados) respondió a un anuncio que pusimos en el tablón del Conservatorio de Murcia.

7D7N: Vaya si que han tenido cambios, por ellos sabemos que los comienzos suelen ser duros pero a la vez se suelen recordar con mucho cariño, ¿Alguna anécdota divertida de vuestros comienzos que se pueda contar?

Pleyel: Realmente, pese a que llevemos casi 5 años, sentimos que seguimos en nuestros comienzos. Una anécdota graciosa que se nos viene a la cabeza fue hace 2 años, en mayo del 2017, que hicimos un concierto en Cartagena donde a mitad del mismo, Jaime, nuestro batería, se hizo un esguince y siguió tocando. Así salió ese concierto, jajajaja. También recordamos que Iván Gombau, el bajista que teníamos entonces, tenía miedo escénico o algo y cada vez que teníamos actuación se agobiaba y le daba por vomitar, jajajajaj. Un abrazo a Iván!!

7D7N: En vuestras influencias habláis de Bruce Springsteen, algo que nos quedo claro al ver vuestro concierto. También pudimos apreciar un toque a rock americano. Además del Boss y la E Street Band, cuyas influencias están más que claras, contarnos alguna mas de vuestras influencias.

Pleyel: Bueno, a nivel grupal partimos de la base de Bruce Springsteen, como decís, y digamos que le que vamos añadiendo especias de bandas modernas que nos gustan, por ejemplo Foo Fighters, Queens of the Stone Age y nuestros amadísimos Triggerfinger, unos belgas que no conoce nadie pero que son geniales y nos han marcado una barbaridad. Y nivel armónico, muchas veces nos basamos en música orquestal, aunque luego eso no se note. 

De hecho, The Host, una de las canciones del primer disco, tiene un giro armónico que aparece en el primer movimiento de la 5ª sinfonía de Beethoven.

7D7N: Todos los integrantes del grupo tenéis los mismos gustos musicales o hay alguno que se sale de la norma?

Pleyel: Aquí no hay normas. Jaime es un aficionado al rock progresivo y al jazz fusión (Rush, Dave Weckl, Billy Cobham…). A Edu le tira más el stoner, el punk, progresivo y música negra (Mastodon, Tool, Siniestro Total, Wu-Tang Clan). Chechu, como compositor principal del grupo, suele marcar la influencia a nivel grupal (además de los antes mencionados, escucha a Jack White, en solitario y con The Racounteurs, Them Crooked Vultures y Muse, mucho Muse).

7D7N: En el concierto en el que tuvimos el gusto de escucharos pudimos apreciar que ciertos temas eran mas bien largos y contenían mucha instrumentación, ¿ Os gustan las Jam Sessions?

Pleyel: Sí, nos gustan. Aunque no diríamos que la duración de nuestras canciones viene de ahí. De hecho, las canciones en sí no son muy largas pero sí que es cierto que en conciertos se añaden introducciones, interludios y demás secciones que suman en el tiempo, claro.

7D7N: ¿La faceta compositora del grupo a cargo de quién corre? Y si sois varios ¿Os ponéis fácilmente de acuerdo ó por el contrario tenéis tensos debates hasta poneros de acuerdo?

Pleyel: Normalmente, las canciones las hace Chechu, bien con ayuda de algún otro miembro o solo. Aunque sobre esa base de estructura y acordes, cada uno suele aportar sus arreglos y hace suya la canción.

7D7N: Contarnos que tal fue esa experiencia de hacer vuestro primer Ep en el que incluisteis cinco temas y que vosotros mismos editasteis.

Pleyel: Fue una experiencia muy enriquecedora. Grabamos en Totana, Murcia con el productor Pepe Ludeña y fue un shock total. Nunca antes habíamos entrado a un estudio a grabar y no conocíamos lo meticuloso que era el proceso. A día de hoy cambiaríamos infinidad de cosas del disco pero, a fin de cuentas, es un primer trabajo y estamos orgullosos de él.

7D7N: Tenemos una sección, que se llama canciones que nos emocionan, ¿Nos podéis citar alguno de esos temas que os ponen los pelos de punta?

Jaime: Release - Pearl Jam

Chechu: Knights of Cydonia - Muse

Edu: Yoni el Robot – Narco

7D7N: Y también tenemos otra, Canciones que no soporto, os mojáis y no decís alguna de esas que no aguantáis?

Jaime: Black Betty - Ram Jam

Chechu: El Límite del Bien - La Frontera

Edu: Fiesta Pagana - El Mago de Oz

7D7N: Habéis decidido dar el salto y pasar de tocar a nivel nacional, ¿Se está notando ese cambio a nivel de trabajo? Imaginamos que está siendo más duro.

Pleyel: Bueno, no pensamos que hayamos dado ningún salto a ningún sitio. Sencillamente, todos conocíamos suficiente gente en Madrid como para hacer un concierto allí y que no fuera lamentable y pensamos que antes de tirarnos verdaderamente a la piscina, lo más inteligente sería probarse con una sola fecha fuera y ya vendrían las demás en función del éxito.

7D7N: ¿Cómo lleváis el trabajo de sacar nuevo material y a la vez andar tocando por todo el territorio nacional para ese salto que habéis decidido dar para llegar a todo el territorio nacional?

Pleyel: Durante este verano hemos estado terminando de componer lo que será el segundo trabajo de Pleyel, el primer disco de larga duración. Unas 9 canciones bastante chulas, jejeje, pero queremos ser prudentes y no presionarnos por sacarlas cuanto antes. De hecho, el primer disco que hicimos, prácticamente, no lo pudimos presentar en directo y queremos exprimirlo un poco más. No os preocupéis que os informaremos de cuando haya material nuevo.

7D7N: ¿Planes a corto-medio plazo?

Pleyel: Este trimestre que tenemos por delante nos gustaría tomárnoslo con calma en cuanto a conciertos se refiere. Alguna cosa haremos, pero la idea es encerrarse en el local y ensayar las nuevas canciones que, esperemos que para navidades podamos grabar.

Gracias chicos, ahora los conocemos un poco más, y esperamos que este pequeño impas, los ayude a sacar nuevas canciones y prepararse para los nuevos desafíos que seguro vendrán, así que esperamos volver a verlos pronto nuevamente en algún escenario de Madrid u otros escenarios. 

Para nuestros amigos de 7D7N recomendarles y decirles que estén atentos a lo que este por venir de esta banda de Murcia que tiene mucho de darnos. Y no queremos despedirnos sin dar la gracias a Lola López por las magníficas fotos del grupo y que son las que dan luz y color a esta reseña.

Daniel 

Instagram Storyboy 

El disco de la semana 146: Lou Reed - Rock and Roll Animal

Grabado el 21 de diciembre de 1973 en el Howard Stein’s Academy of Music de Nueva York, fue el primer disco en directo editado por Lou Reed, y se convirtió casi de inmediato en un disco de culto, tanto por la energía con la que revitalizó los temas en directo, interpretados por la que posiblemente sea la mejor banda de acompañamiento que tuvo el poeta de Nueva York y mejorando en muchos casos a las versiones originales, como por la polémica que trajo consigo desde su publicación en 1974, que lejos de perjudicarle, le permitió alargar su vida comercial a lo largo de varios años.

La principal polémica vino por la corta duración del disco, que puso en pie de guerra a los fans del ex de la Velvet. Hasta tal punto llegaron las protestas, que años después se publicó una reedición que incluía dos temas adicionales (How do you think it feels y Caroline Says I). Esta reedición impulsó las ventas del disco en una segunda oleada, aunque seguían siendo pocas canciones y las dos nuevas no aportaban más quilates al conjunto.

En España eran aún tiempos de dictadura, y la férrea censura que, años antes, había eliminado hasta el cigarrillo que Paul McCartney llevaba entre los dedos mientras cruzaba el paso de cebra de la portada de Abbey Road, decidió sustituir en la edición española la canción "Heroin" por otra canción llamada "I Can’t Stand It". La famosa pieza de la Velvet Underground, prolongada en directo hasta los 13 minutos de duración, era tan explícita describiendo la adicción a la heroína del propio Reed, que dificilmente habría podido escapar a la tijera del censor. Posteriores ediciones españolas "post dictadura" retomaron la lista de canciones original, incluyendo de nuevo Heroin e impulsando de nuevo las ventas del disco.

Rock and Roll Animal forma parte del grupo de discos que no vivimos directamente por razones cronológicas, pero que descubrimos en la colección de discos de nuestros hermanos. Y así como David Bowie o Iggy Pop dejaron de ser suyos porque pasaron a ser nuestros, a Lou Reed siempre le dejamos en esa categoría, admirada pero distante, de "disco de nuestro hermano mayor". Y creo que es precisamente por el influjo de Heroin. La intención de ser "Héroes", o la tentación de hacer de la lujuria nuestro modo de vida ("Lust for life") eran atemporales, pero los problemas de la heroína en España eran de una generación anterior, la generación perdida previa a nuestra infancia en los 80. Un temporal de muerte del que, por suerte, solo llegaron a nuestra orilla algunos restos, como las jeringuillas que a veces encontrábamos en los parques, en los que los supervivientes de aquella plaga, ya cerca de la treintena, compartían litronas mientras un grupo de preadolescentes jugábamos al fútbol, y les molestábamos con algún balonazo inoportuno.

El disco comienza de manera impecable con el despliegue de las guitarras de Steve Hunter y Dick Wagner, entrecruzándose en brillantes ráfagas y solos en la intro de la canción, hasta enganchar con el vigoroso riff de Sweet Jane, que levanta los aplausos del público y nos muestra el camino que el disco ya no abandonará hasta el final. Le sigue la mencionada Heroin, cruda y explícita exaltación del sórdido mundo de la heroina, y pieza central que ocupa la mayor parte de la cara A del disco. Las partes recitadas son toda una sobredosis de oscuridad, avivadas únicamente por los ácidos ramalazos de las guitarras en las partes más aceleradas de la canción, que te golpean varias veces en el transcurso de la canción.

La cara B arranca con White light, White heat, otro gran tema de la Velvet Underground, en una vigorosa versión en la que de nuevo el potente juego de guitarras, omnipresente en todo el disco, la elevan hasta lo más alto. Por poner algún pero, dónde probablemente no los haya, yo echo de menos los coros "ohh, ohh" presentes en otras versiones de la canción, como la que interpretaron a dúo Lou Reed y David Bowie en el concierto por el 50 cumpleaños de Bowie en el Madison Square Garden.


Le sigue la única concesión de Lou Reed a su cancionero en solitario, la melancólica y oscura Lady Day, que aunque gana en ritmo y luz con la vestimenta rockera con la que la presenta en este álbum, sigue siendo un gran contraste con Sweet Jane, la otra canción del disco dedicada a una mujer, y que presenta una vitalidad y un colorido de la que la canción del disco Berlín se aleja bastante.

Aún queda espacio en los surcos del vinilo para una generosa versión de 10 minutos de la canción Rock and Roll, que bien podría haber rebautizado para la ocasión, añadiéndole el apellido "Animal" para que diera nombre al disco, y porque de nuevo la banda aborda el tema como si se tratara de describir a un animal salvaje, a una bestia oscura que arrasara con todo lo que encontrara a su paso, un auténtico Animal del Rock and Roll. 

Historia del rock and roll: 15.- Año 1959

Termina la primera etapa del rock, Elvis esta en Alemania cumpliendo el servicio militar, Little Richard ha decidido dejar la música para predicar la palabra, el escándalo de su relación con su prima de Jerry Lee Lewis le acaba de estallar en la cara y su carrera esta terminada, Chuck Berry tiene bastantes problemas con la justicia y su fama ha decaído mucho y la desaparicion en un accidente de avión de Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Bopper mientras se encontraban en una gira hace que los cimientos del rock and roll se tambaleen y tenga que recurrir a nuevos talentos. Por el contrario no todo iban a ser malas noticias, este año la venta de discos se dispara dándole fuerza a la industria y dentro de esa misma industria aparece un nuevo sello que creara historia en el mundo de la música, nos estamos refiriendo a la Motown.

Como he comentado en la presentación el 3 de febrero de 1959 hubo un accidente de avión en el que murieron tres grandes estrellas del rock, aquel día será recordado como el día que murió la música, falleciendo Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Bopper cuando su avión cayo en un campo de maíz mientras realizaban una gira, la mala organización hizo que los horarios para tocar y descansar, muchas veces chocasen entre sí, lo cual repercutió en un caos inmediato. Adicional, la mala gestión logística, el invierno y los autobuses sin calefacción causaron que varios de los músicos se enfermaran. En la búsqueda de una solución eficaz que les permitiese cumplir con la agenda y no perjudicar la salud de sus músicos, Buddy Holly contrató una avioneta para trasladar a su equipo. Holly viajaba con dos músicos de su banda personal: Waylon Jennings (bajista) y Tommy Allsup (guitarrista). No obstante, dado a que The Big Bopper había empeorado gravemente en su gripe, Jennings le cedió su puesto; situación similar a la de Allsup con Ritchie Valens, quienes dejarían su vida al azar de una moneda. Al ser Valens el ganador de esta apuesta, conseguiría viajar en la avioneta contratada por Holly.

En 1959, “Elvis Presley”  seguía realizando su servicio militar, pero gozo de un permiso que aprovecho para viajar a Estados Unidos y grabar algún tema, es el caso de (Now and Then There's) A Fool Such as I que se convirtió en un éxito atronador. “Chuck Berry”en diciembre de 1959 se enfrentó a una de las acusaciones más graves de su carrera, ese año conoció a una joven apache llamada Janice, la muchacha, le dijo al músico que tenía 21 años de edad, cuando en realidad tenía 14. Berry le ofreció un trabajo de camarera en su club Bandstand, así que la llevó a Saint Louis con él.  Algunas semanas después, la joven fue arrestada por ejercer la prostitución en un hotel de la ciudad. Este hecho llevó a que Berry fuese arrestado por infringir la ley Mann, por "transportar a una menor de edad a través de la frontera del estado para fines inmorales".​ El guitarrista fue condenado a tres años de prisión y al pago de una multa de 5000 dólares. Aun así ese año publico Almost Grown que posteriormente fue versionada por The Animals. Y dos superéxitos que pasaron a la posteridad Back in the USA, canción en la que se inspiro McCartney para componer Back in U.R.S.S y Let it rock la canción trata sobre trabajar en una vía de tren mientras un tren se dirige hacia los trabajadores. Su riff de guitarra de apertura, estructura de acordes y melodía en verso recuerdan el mega hit de 1958 de Berry, " Johnny B. Goode ", que también menciona trenes. “Little Richard”, se había retirado del negocio de la música, pero las discográficas tenían varias canciones grabadas, es el caso de Kansas City que posteriormente fue versionada por The Beatles. “Fats domino” publica I’m ready una de las legendarias canciones del pianista.

Una vez repasada la carrera en ese año de los más grandes tenemos que hacer mención a nuevos talentos o grupos que desarrollaban su carrera con más o menos éxito. “Eddie Cochran” estaba labrándose una carrera musical que estaba dando sus primeros frutos, uno de sus grandes éxitos fue Something Else, canción donde cuenta como quiere un descapotable que no puede pagar y a una chica que no quiere salir con él, aunque al final consigue ahorrar dinero para comprar un coche más modesto y logra la confianza suficiente para pedirle salir a la chica. “The coaster” tenía una carrera que transcurría ya durante varios años, pero el éxito no había le había llevado aun a la cresta de la ola, lo más cerca que estuvieron fue en este 1959 con la canción Poison lvy, la canción trata sobre una mujer fatal que es hermosa pero peligrosa, y al igual que la hiedra venenosa, puede meterse debajo de tu piel y enfermarte.  Es una metáfora de una enfermedad de transmisión sexual, o el aplauso. Otros temas publicados ese año fueron Charlie Brown y Three cool Cats que sonaron mucho en las emisoras de rock and roll.

El malogrado “Buddy Holly” falleció a primeros de este año, pero encontraron en su apartamento 6 canciones que se publicaron póstumamente, una de ellas fue Peggy sue got marry de la misma manera se lanzó Crying, waiting, hoping, fueron dos grandes éxitos para despedir al autor. "Ricky Nelson" fue una artista fue un artista que con su imagen rompía corazones allá por donde iba, una especie de Elvis Presley pero sin la calidad de este, su gran éxito fue It´s Late. De igual manera es el caso de "Frankie Ford", que publicaba ese año el único gran éxito de su carrera, Sea Cruise. Pero dentro de los grupos emergentes tenemos que hacer referencia de forma especial a "The Isley Brothers", creadores del clasicazo titulado Shout, una canción imprescindible en la historia del rock and roll.

Inglaterra estaba despuntado en Rock and Roll, “Cliff Richard” no dejaba de encadenar éxitos en su país en este año le llegaría el turno a Mean Streak o de Living doll perteneciente a la banda sonora de la película Serious Charge , que fue el debut cinematográfico de Cliff Richard.

Una de las apariciones de ese año fue "Johnny Kids & The Pirates", que lucían una estética vestidos con trajes de pirata y parches en el ojo, fueron algo así como los precursores de lo que años más tarde se conoció como el glam rock, su éxito Please don´t touch les hizo conocidos en todo el país. "Vince Taylor", es uno de los primeros artistas con un éxito a sus espaldas, hablamos de Brand new Cadillac que hizo furor entre las jóvenes.

Como comentamos en la presentación, este 1959 nació en Detroit la discográfica Motown y llegaría en los años 70 a la cúspide, pero para eso tenían que recorrer un camino que empezaron con el primer lanzamiento titulado Come to Me de "Marv Johnson". La canción fue distribuida por United Artists y llegó a tener un éxito aceptable.  Despues vendria "Barrett Strong" y su canción Money (That´s what I want) que posteriormente se hizo archiconocida por la versión de The Beatles y "The miracles" con Bad Girl los dos primeros grandes éxitos de la discográfica.

En otros estilos musicales y centrándonos en el blues me gustaría destacar a "Jimmy Reed" y su canción Baby, what you want me to do, también a "Lloyd Price" y su tema Personality. En otros ambitos "Ray Charles" publicaba uno de sus grandes éxitos What’d I say, una canción totalmente improvisada en una actuación que se convirtió en un absoluto éxito y un sello del autor. "Sam Cooke", considerado el creador de Swing, seguía publicando éxitos y en 1959 el turno seria para Only Sixteen, estaban por llegar sus mejores años.

En España seguía siendo un secarral en rock and roll, la juventud se entretenía con Monabelle y El telegrama, para los más románticos estaba Gloria Lasso, que nos prometía una fantástica Luna de miel