0512.- Blackbird - The Beatles

Blackbird, The Beatles

 

     En muy pocos años John Lennon, Paul McCartney, Ringo Starr y George Harrison habían pasado por muchas cosas, habían tocado la cima con Revolver y Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, pero también habían sufrido los sinsabores de la crítica tras el fallido proyecto de Magical Mystery Tour. Según relata el ingeniero de sonido Geoff Emerick en sus memorias sobre el grupo, a su vuelta del viaje de la India, donde habían estado realizando meditación trascendental con el Masharishi Mahesh Yogi en Rishikesh, India, parecían personas diferentes, si antes eran modernos y exigentes, ahora iban desaliñados y descuidados, donde antes había ingenio y buen humor, ahora había irritación y enfado, si antes era divertido estar con ellos, ahora era un sufrimiento ya que siempre estaban enfadados.

Las sesiones de grabación fueron extremadamente difíciles, siempre estaban discutiendo y nunca se ponían de acuerdo, un álbum muy tenso en todos los sentidos. John, Paul, Ringo y George habían ido en busca de la paz interior, pero a su vuelta no se sabe si la encontraron. Un indicador fue cuando empezaron a llegar de su retiro en la India por separado, si antes hacían todo juntos, ahora no iba a ser el caso. A los problemas personales entre el grupo, entre los que también se encontraba la gran pérdida de Brian Eipstein, se le juntaron los problemas en los negocios. El grupo había decidido representarse a sí mismo y además habían creado una empresa llamada Apple Corps, para dar oportunidades a artistas desconocidos. En definitiva, los cuatro chicos de Liverpool, quizás acuciados por la presión, empezaron a llevarse los problemas al estudio. A todo esto hay que sumar que Ringo Starr abandona la banda brevemente en agosto de 1968, que Yoko Ono empieza a irrumpir y asistir a las sesiones de grabación del álbum, algo que molesta a Paul, George y Ringo, que George Martin decide bajarse del barco pidiendo un permiso vacacional, y que Geoff Emerick, el mago de la ingeniería de sonido, harto de tanta presión y ante la dificultad de trabajar en ese tumultuoso ambiente, el 16 de julio de 1968 renuncia y abandona el trabajo de grabación del álbum. Todo se desmoronaba. 

En ese ambiente fue creado The Beatles, también conocido como White Album (Álbum Blanco), publicado el 22 de noviembre de 1968 por la propia discográfica del grupo, Apple Records, y grabado entre el 30 de mayo y el 14 de octubre de 1968 en los EMI Studios y los Trident Studios de Londres. La mayoría de las canciones fueron escritas entre marzo y abril de 1968, durante el curso de meditación trascendental que el grupo había realizado en Rishikeshi, India. El álbum consiguió el puesto número uno tanto en las listas del Reino Unido como las de Estados Unidos, y si en un principio recibió críticas mixtas por parte de los críticos musicales, con el tiempo ha sido considerado como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. La revista Rolling Stone colocó en el años 2003 este álbum en el puesto número 10 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Irónico que en un clima de tanta tensión externa como interna del grupo, fueran capaces de sacarse una de sus mejores álbumes. The Beatles fue concebido como un doble álbum con 30 temas. Más adelante surgiría la duda en el grupo sobe si quizás hubiera sido mejor  haber sacado un LP normal en vez de doble. 

Incluido en el este álbum se encuentra la canción llamada Blackbird, escrita por McCartney mientras se encontraba en Escocia. Lo hizo como una reacción a las tensiones que se estaban intensificando en Estados Unidos en la  primavera de 1968. La canción es interpretada por Paul en solitario, acompañado únicamente de una guitarra acústica. También se puede oír de fondo un sonido que fue confundido en un principio con un metrónomo. En realidad es el sonido de los zapatos de Paul, que fueron capturados al poner Geoff Emerick un micrófono al lado de estos. El canto de los pájaros fue grabado con una de las primeras grabadoras portátiles de la discográfica EMI.

0511 - Ob-La-Di, Ob-La-Da - The Beatles

0511 - Ob-La-Di, Ob-La-Da -  The Beatles

Ob-La-Di, Ob-La-Da es una canción de la banda de rock inglesa The Beatles de su álbum doble de 1968 The Beatles, también conocido como "el Álbum Blanco". 

Fue escrita por Paul McCartney y acreditada a la pareja Lennon-McCartney. Tras el lanzamiento del álbum, la canción se publicó como sencillo en muchos países, aunque no en el Reino Unido ni en Estados Unidos, y ocupó los primeros puestos en las listas de singles de Australia, Japón, Nueva Zelanda, Suiza y Alemania Occidental. 

Cuando se publicó tardíamente como sencillo en Estados Unidos en 1976, alcanzó el número 49 en el Billboard Hot 100.

Paul McCartney comenzó a escribir Ob-La-Di, Ob-La-Da durante la estancia de los Beatles en Rishikesh, India, a principios de 1968.

McCartney escribió la canción cuando el reggae se estaba haciendo popular en Gran Bretaña; el autor Ian MacDonald la describe como "el tributo bastante aproximado de McCartney al lenguaje del ska jamaicano". 

El personaje de Desmond en la letra, desde la línea de apertura "Desmond has a barrow in the market-place", era una referencia al cantante de reggae Desmond Dekker, que había realizado recientemente una gira por el Reino Unido. La frase "Ob-la-di, ob-la-da, life goes on, brah" era una expresión utilizada por el conguero nigeriano Jimmy Scott-Emuakpor, un conocido de McCartney. 

Según la viuda de Scott, como parte de su actuación en el escenario con su banda Ob-La-Di Ob-La-Da, Scott gritaba "Ob la di", a lo que el público respondía "Ob la da", y él concluía: "La vida sigue". McCartney tuvo algunos problemas legales con la frase, pero finalmente se resolvió el litigio. 

Daniel 

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0510.- While my guitar gently weeps - The Beatles

While My Guitar Gently Weeps ("Mientras mi guitarra llora suavemente") es una de las mejores composiciones de George Harrison para The Beatles, y fue publicada en 1968 dentro del álbum "The Beatles", más conocido como el "Álbum Blanco". Es una de las pocas canciones en las que la banda de Liverpool se abre a colaboradores externos, ya que Harrison invitó a su amigo Eric Clapton para que se hiciera cargo de la guitarra principal.

Harrison grabó una versión inicial en clave folk con guitarra acústica y armonio, que fue rescatada en el álbum recopilatorio Anthology 3 en 1996, y con el añadido de un arreglo de cuerdas de George Martin en el álbum Love de 2006, pero ninguna de esas versiones alcanza la perfección de la grabación que los cuatro Beatles realizaron en este tema. El folk original fue reemplazado en la versión final por una producción y unos arreglos más rockeros, y la guitarra de Clapton fue la guinda de un pastel ya de por sí antológico. Eric Clapton estuvo a punto de rechazar la propuesta, temeroso de enfrentarse al "registro de los Beatles" que según él solo ellos dominaban.

Y quizá fuera así, pero Clapton salió finalmente airoso de su "atrevimiento", y son muchos los músicos que, a lo largo de los años, han intentado emular las notas de esa guitarra que llora suavemente. McCartney, Ringo, Dhani Harrison, Jeff Lynne y el propio Clapton la interpretaron en el "Concert for George" en homenaje a Harrison, recientemente fallecido. El grupo Toto grabó su propia versión en 2002, y grandes guitarristas como Peter Frampton o Carlos Santana hicieron lo propio, pero la mejor versión hasta el momento quizá sea la que Tom Petty, Jeff Lynne, Dhani Harrison y Prince hicieron en la ceremonia de inducción de Harrison en el Rock and Roll Hall of Fame de 2004, en la que el solo de guitarra de Prince dejó a todos boquiabiertos mientras lloraba más suavemente que nunca. 

Led Zeppelin - In Through the Out Door (Mes Led Zeppelin)

En medio de la grandiosa pero problemática gira norteamericana de Led Zeppelin, Robert Plant recibe la horrible noticia de que su pequeño hijo ha fallecido trágica y repentinamente, el resto de la gira se canceló y Zeppelin se retiraron por un tipo, se volvieron a juntar en 1978 para grabar su último álbum, In Through the Out Door. Lo que entregaron fue un disco muy singular en su carrera, quizás es el más flojo de su discografía, los primeros seis álbumes representan una banda poderosa y enérgica, que experimenta un inmenso crecimiento creativo con cada lanzamiento posterior en Through the Out Door, se nota la apatía y las pocas ganas de seguir.

 

'In the Evening' suena como si fuera un esfuerzo para crear un "rock de Zeppelin", pero es en vano, la introducción  con un sonido oriental recuerda un poco a 'In the Light', el sintetizador y la guitarra se fusionan para crear una textura única durante el riff principal, evitando así que suene demasiado obvio, y el puente silencioso en medio del solo de guitarra es increíble, incluso el coro "Oh, necesito tu amor" es terrible, pero el resto de la canción lo compensa. “South Bound Saurez”, es un pequeño funky - shuffle latino, con una guitarra igualmente descuidada y voces y letras poco entusiastas, aunque el piano y la percusión de John Bonham lo redime un poco... pero estas ya son dos de las siete pistas: ¿estaban tan escasos de material completo que tuvieron que incluir tales bichos raros?. "Fool in the Rain" es otra canción extraña de la colaboración Jones/Plant que impulsó este álbum, inspirada en la música de samba que escucharon durante las transmisiones de la Copa del Mundo de 1978 que se había llevado a cabo en Argentina, grande una vez mas el piano de Jones, el riff de Page es por una vez más moderado, la percusión de John Bonham está perfecta durante toda la canción, esta canción el último sencillo de Led Zeppelin, llegando al número 21 en los Estados Unidos en febrero de 1980.

 

“Hot Dog” es un caso particularmente extraño: es una aproximación mayormente inofensiva del country rock con algunas pistas de guitarra irremediablemente pegajosas y algunas letras cursis de último momento, y aunque su existencia está bien, su inclusión en el álbum es alarmante, puede ser literalmente una de las peores canciones que Led Zeppelin haya grabado. Sin embargo, es completamente obvio que no iban en serio, así que realmente no puedo reprocharles nada. Sin embargo, admito que de vez en cuando pongo esta canción porque y me quedo con que es una canción divertida. “Carouselambra” es la epopeya de In Through the Out Door, y aunque sigue los pasos de 'Achilles Last Stand', 'Kashmir', 'In The Light' y similares, es único en la discografía de Zeppelin por estar totalmente dominado por sintetizadores en lugar de guitarras, de hecho, los acordes de sintetizador de fanfarria amenazan con ahogar las voces (una pena, porque la letra es genial) y los acordes mínimos de guitarra. Sin embargo, Carouselambra se revela como una verdadera epopeya de Zeppelin, abriéndose camino a través de varios movimientos diferentes, una canción intrigante y la señal más clara del álbum de que todavía había energía creativa en el campamento de Zeppelin. “All My Love”, que fue la oda de Robert Plant a su hijo de cinco años fallecido, estamos ante una de las letras que ha hecho nunca, y la música se adapta perfectamente al estado de ánimo: la transición al puente y de regreso en particular (y esa guitarra clásica, Dios mío), donde Bonham se retira y Jimmy Page toca esas maravillosas y discretas curvas, es una de las cosas más hermosas que he escuchado en toda mi vida. En el cierre “I'm Gonna Crawl”, tenemos a Zeppelin manteniéndose fiel a sus raíces de blues mientras continúa mirando hacia el futuro (es decir, está tan dominado por sintetizadores como el resto del álbum), esa introducción de sintetizador 'romántica' es bastante hermosa, al igual que la guitarra desgarradora: suena como si tomara cada parte de La energía de Jimmy Page para hacer que su frágil yo evoque esas melodías... y Robert Plant se adapta bastante bien a su nuevo estilo vocal aquí. En ese sentido, cabe mencionar que Plant suena totalmente diferente aquí que cualquier otro álbum de Zeppelin; tal vez algún tiempo lejos del micrófono permitió que su voz se transformara en este tono más suave y 'maduro'.

In Through the Out Door es irregular, pero captura el sonido de una de las bandas más grandes del planeta que tira los dados y evoluciona su sonido para seguir siendo relevante a medida que ingresan a una nueva década. Claro, hay un par de fallas, pero al menos no están produciendo lo mismo perezosamente. Apenas 13 meses después del lanzamiento de In Through the Out Door , John Bonham fallecería, y Plant, Jones y Page posteriormente anunciarían que no podían continuar sin su amado compañero de banda. Y esto fue todo lo que nos dio Led Zeppelin, dejamos a un lado la colección de cosas raras, Coda y un puñado de lanzamientos de archivo / reunión en vivo y cerramos el #MesLedZeppelin con In Through the Out Door sabemos que está lejos de ser perfecto: en mis peores momentos me encuentro cuestionando el sentido de su existencia, pero sus mejores momentos son tan valiosos como cualquier otro momento en el catálogo de Zeppelin. Ciertamente, no es tan horrible como muchos te harán creer: después de todo, Zeppelin estaba entre las bandas menos modernas en 1979, por lo que tal vez todavía quede un poco de residuo elitista en lo que respecta a la opinión popular sobre el álbum.

0509.- Back in URSS - The Beatles

 

Hace más de 50 años, cuando la Guerra Fría corría el riesgo de volverse nuclearmente caliente, los Beatles lanzaron una de sus canciones más controvertidas: "Back in the USSR".  ¿Qué inspiró a los Beatles a escribir la canción? ¿Y qué nos dice la letra sobre su significado original? ¿Estaban los Beatles haciendo una declaración política prosoviética, o simplemente se estaban burlando inocentemente del idealismo occidental expresado por la cultura predominante y sus pares musicales en ese momento? Lo principal es que “Back In The USSR” reflejó el deseo de The Beatles de volver a ser una banda de rock'n'roll después de los complejos experimentos de estudio de los años anteriores. “Chuck Berry una vez hizo una canción llamada “Back In The USA”, que es muy estadounidense, muy Chuck Berry”, ellos hicieron "Back in the USSR", que viene desde la perspectiva de un espía ruso, que después de una estancia prolongada en Estados Unidos, regresa a su hogar en la Unión Soviética y se entrega a las bromas más rusas: el paisaje helado y hermoso, y la calidez y los favores de las mujeres rusas. Para ser justos con la gente de 1968, entendieron la broma “Back in the USSR” era solo una muestra más cruda y contundente de la audacia que se presenta a lo largo del White album. Otros, sin embargo, no estaban tan felices, muchos la interpretaron como propaganda soviética en sí misma, y fueron diana de la ira política santurrona en los EEUU, Y acusaron a la banda de fomentar el comunismo y simpatizar con el enemigo.

Si bien la concepción de la canción puede haber sido relativamente sencilla, su grabación fue menos fácil. Al igual que muchas de las canciones del "Álbum blanco" escritas en la India, el grupo había grabado una demo de "Back In The USSR" en el bungalow Esther de George Harrison  en mayo de 1968, poco después de regresar a Inglaterra. Pero cuando llegaron a grabar la canción en Abbey Road, era a mediados de agosto y las tensiones iban en aumento. Ringo se sentía descontento con la forma en que iban las cosas. “Sentí que no estaba con ellos muy bien, y también sentí que los otros tres estaban muy felices y yo era un extraño”, dijo una tarde. Durante la sesión de "Back In The USSR", el baterista decidió que ya era suficiente y se fue, pasando un par de semanas en el yate de Peter Sellers en el Mediterráneo antes de regresar al redil después de que los demás le aseguraron su importancia.

Grandes éxitos y tropiezos: Lou Reed

Vamos con una nueva entrega de "Grandes éxitos y tropiezos", el manual perfecto para enfrentarse a la primera compra de un disco de ese grupo o artista que, por avatares del destino, acabes de descubrir. Hoy te daremos algunas pautas sobre que disco elegir del "poeta de Nueva York" en solitario. Ladies and Gentleman, estos son los grandes éxitos, y algún que otro tropiezo, de Lewis Allen Reed, más conocido como Lou Reed:

Estás tardando en comprarlo:

Transformer (1972), su segundo disco en solitario, es sin duda su obra maestra, un álbum a la altura de los mejores discos de su etapa anterior con la Velvet Underground. Buena culpa del resultado recae en David Bowie, que produjo el disco y participó en los coros, y de algunos de sus músicos de acompañamiento, como el guitarrista Mick Ronson o el bajista Herbie Flowers, que participaron en la grabación del disco. En Transformer, Lou Reed se aleja del rock oscuro y experimental, acercándose con éxito al glam rock en temas como Vicious, y entregando algunos de sus mayores éxitos como la descomunal Walk on the wild side, la melancólica Perfect Day o la excelsa Satellite of love, en la que los coros de Bowie son simplemente grandiosos.

Si te queda pasta, llévate también:

Berlín (1973), su tercer álbum publicado en solitario, producido por Bob Ezrin, que años más tarde produciría el disco The Wall de Pink Floyd, contó con la colaboración de músicos como Jack Bruce o Steve Winwood, entre otros, y aunque no tiene la fuerza y la inmediatez de Transformer, es una ambiciosa e interesante obra conceptual sobre una pareja de drogadictos. Temas como Lady Day, How Do You Think It Feels, Oh, Jim, Sad Song o Caroline Says II (en la que se encuentra el verso "It's so cold in Alaska" por el que Olvido Gara adoptó su famoso pseudónimo) se cuentan entre las mejores canciones de su discografía y eran habituales en sus conciertos.

Vuelve a dejarlo en el expositor: Vuelve a dejarlo en el expositor: 

Lulú (2011), grabado por Lou Reed junto a los todopoderosos Metallica en el que sería el último trabajo del músico en vida, y basado en la ópera Lulú y en la obra del dramaturgo alemán Frank Wedekind, se resiente por la falta de entendimiento y de química entre dos estilos musicales completamente diferentes. El artista y la banda nunca llegaron a encajar en este trabajo, dando como resultado un batiburrillo sonoro totalmente deslavazado e incoherente, en el que cada uno parece ir por su lado, como en aquella actuación de los Oscar de Hollywood en la que Antonio Banderas y Santana parecían estar interpretando cada uno una canción diferente mientras juntos versionaban "Al otro lado del río" de Jorge Drexler.

Y como "Lulú" podría entenderse como una colaboración con Metallica más que un disco propio, incluimos en esta sección también a Metal Machine Music (1975), su quinto álbum de estudio, considerado uno de los peores discos de la historia, y hay que decir que Reed se trabajó ese apelativo a conciencia, ya que su intención era precisamente entregar por compromiso una auténtica colección de distorsiones y ruidosos acoples de guitarra, una auténtica cacofonía abstracta y carente de toda lógica que para muchos oyentes fue una auténtica burla. A pesar de todo, Reed siempre defendió que no era un disco con el que buscara defraudar a los que lo compraran o burlarse de la compañía discográfica (RCA), que le obligaba por contrato a publicar un disco más,  y que se vio obligada a editarlo, pero lo hizo con solo 1.500 copias. La escasez de ejemplares disponibles lo convirtieron rápidamente en un objeto de culto, por el que a día de hoy se pagan cantidades astronómicas. Pero insistimos, esa es solo una razón más para que vuelvas a dejarlo en el expositor, y no dañes tu bolsillo y, lo que es peor, tus oídos con semejante artefacto sonoro.

Por último, si lo que buscas son canciones sueltas, este es nuestro "top five" de Lou Reed en solitario:

1- Walk on the wild side

2- Sweet Jane (versión en directo de Rock and Roll Animal)

3- Perfect Day

3- Satellite of love

5- Street Hassle (con Bruce Springsteen)

0508.- C'era una volta il west (Hasta que llegó su hora) - Ennio Morricone

 

Algunos lo consideran como el compositor más innovador de la música de cine. Y puede que no les falte razón. Aunque él, un trabajador incansable, reniega del talento. Piensa que el esfuerzo, el trabajo, el tesón y la entrega es la que te convierte en un grande. Tampoco le falta razón en ello, pero hay que reconocerle que a su descomunal filmografía, se le puede sumar una gran popularidad, múltiples premios (eso sí, el Oscar honorífico) y más de 40 millones de discos vendidos, 26 discos de oro, cinco de platino, un Grammy… Lo que avala que Ennio Morricone sea, sin duda, uno de los más grandes de la historia.

Creo un genero musical con el spaguetti-Western y sus trabajos en películas como El bueno, el feo y el malo o La muerte tenia un precio le subieron al cielo, pero aun faltaba la traca final, Sergio Leone iba a grabar otro spaguetti-western y en esta ocasión con el mayor presupuesto que nunca había tenido, con estrellas absolutas como Henry Fonda, Jason Robards, Charles Bronson y Claudia Cardinale, Leone le preparó el terreno a Morricone para que compusiera la mejor partitura posible sobre un western que era casi más que un western, era la muerte del propio género, la modernidad y la vida llegando a un lugar de muerte y de pistoleros vestidos de negro de la mano de una mujer fuerte. Esa muerte y ese nacimiento, y esa mujer en concreto, fue el motor y la inspiración de Morricone para la música de C'era una volta il west, una elegíaca partitura tan hermosa como triste, tan épica e implacable (esa armónica) como tierna, tan reveladora como réquiem. Gracias otra vez a Edda Dell'Orso, el tema principal sobrevuela el metraje y las imágenes en los momentos culminantes como un ángel que anunciara algo, tal vez el propio destino de sus protagonistas. Es posible que sea complicado decirlo y asegurarlo (teniendo en cuenta de donde venían y lo que vendría después), pero aquí, en C'era una volta il west, estuvo y está la cima de Leone y Morricone. Que es como decir una de las cimas de la propia Historia del cine.

 

La partitura de Morricone es probablemente mi partitura musical favorita de todos los tiempos. Morricone nunca deja de capturar a la perfección la trama y el escenario de la película, y convertirlos en algo tan memorable como la propia película. El trabajo innovador de Morricone siempre ha tenido mucho que ver con el atractivo general de las películas en las que ha compuesto la música, proporcionando a cada una su propia banda sonora única. La banda sonora presenta leitmotivs que se relacionan con cada uno de los personajes principales de la película, así como con el espíritu del oeste norteamericano.

Led Zeppelin - Physical Graffiti (Mes Led Zeppelin)

"Ojalá se nos recuerde por Kashmir en lugar de por Stairway to heaven” dijo Robert Plant sobre una de las canciones estrella de Physical Graffiti (1975), el sexto álbum de estudio de la banda y su último gran disco. La revista de heavy metal Kerrang! lo calificó en un ranking de 1989 como el mejor álbum de heavy metal de la historia, pero Physical Graffiti, pese a estar repleto de intensos riffs marca de la casa, va mucho más allá de esa etiqueta estilística y toca una impresionante variedad de estilos musicales, que van del hard rock al rock and roll, y de las baladas orquestales a los intensos blues acústicos o a los sonidos étnicos de la ya mencionada Kashmir.

CARA A

El tremendo banquete que supone la escucha de Physical Graffiti comienza con un "pastel de natillas" (Custard pie), un dulce aperitivo con referencias sexuales implícitas en la letra, para acompañar al primero de los platos fuertes del disco: The Rover es uno de los mejores temas de la discografía de Led Zeppelin, una pieza de intenso hard rock construida sobre un riff monumental. Escrita originalmente en formato acústico, durante las sesiones de Houses of the holy fue tomando cuerpo pero no fue hasta Physical Graffiti cuando tuvieron la canción lista para ser lanzada. Plant se luce con la voz en este tema, como lo hace justo después Jimmy Page con la guitarra en In My Time of Dying, la canción más larga del disco con sus más de 11 minutos de blues eléctrico y hard rock. Basada en una canción tradicional y en la versión que de la misma hizo Bob Dylan, el gran mérito de los Zeppelin fue convertirla en una intensa suite de blues rock con diferentes secciones, y es un colofón brutal para una primera cara tan completa como intensa.

CARA B

Houses of the Holy es, como su nombre indica, la canción que iba a dar título al anterior disco de la banda, pero pese a ser una canción eléctrica y pegadiza, no sintieron que encajara en aquel álbum. Afortunadamente, sí que encontró su sitio dentro de la gran obra que es Physical Graffiti. También recuerda al anterior disco el tema Trampled under foot, con una marcada influencia funk y un gran solo de guitarra de Page, con efectos wah-wah incluidos. Surgió de una improvisación de John Paul Jones, y tanto Plant como Page colaboraron después en darle forma y acabarla. La letra se basa en la de Terraplane Blues de Robert Johnson, pero sustituyendo la temática de la infidelidad por la de la tentación sexual. Tras estas dos grandes canciones, llega el auténtico cataclismo del disco, una canción llamada inicialmente "Driving to Kashmir", y planeada en un primer momento como un instrumental en el que Jones tocaba el mellotron, acompañado por una orquesta de músicos de sesión que interpretaban arreglos orquestales de influencias arábicas. Robert Plant aportó una letra que había escrito durante un viaje por el desierto del Sáhara, y las piezas encajaron al instante en Kashmir, una grandiosa pieza de rock progresivo y sinfónico.

CARA C

Sólo con lo que ofrece el primer disco de Physical Graffiti ya podemos hablar, sin riesgo a caer en la exageración, de uno de los mejores discos de rock de todos los tiempos, pero este gran "grafiti físico" aún esconde en su paleta de colores algunas tonalidades interesantes, como es el caso de In the light, que abre el segundo disco profundizando en la vertiente progresiva y psicodélica del grupo. Comienza con el exótico sonido de un arco de violín rasgando una guitarra acústica, y entremezclándose con el sintetizador de John Paul Jones, para dar paso después a la voz distorsionada de Plant, que a su vez será la antesala de una nueva demostración de hard rock de guitarras afiladas. Tras este tempestuoso arranque, llega la calma de Bron-Yr-Aur y Down by the seaside, temas acústicos que grabaron en una esotérica cabaña de Escocia durante las sesiones para Led Zeppelin III. Cierra esta tanda de manera brillante la compleja balada Ten Years Gone, en la que se llegaron a emplear hasta 14 pistas de guitarra, aunque no consigue alejar la sensación de que en esta cara del disco han bajado algo el listón.

CARA D

En la última cara del disco siguen apareciendo descartes de otros discos como Night Flight, rescatada de las sesiones de Led Zeppelin IV, un buen arranque a ritmo de órgano Hammond. Encontramos después una nueva composición llamada The Wanton song (la canción insensible), surgida de una improvisación en el estudio, a la que se le añadió en tomas posteriores una letra sobre la infidelidad y un solo de guitarra en el que se introdujo un eco que reprodujeron del revés, para que sonara por delante de las propias notas que lo generaban. Tras esta canción, volvieron a buscar en el baúl de las grabaciones para rescatar Boogie with Stu de entre las improvisaciones que realizaron junto a Ian Stewart, teclista de los Rolling Stones, para las sesiones de Led Zeppelin IV en 1971, en la misma sesión en la que grabaron el tema Rock and Roll. No sería la última repesca, porque Black country woman fue grabada por primera vez en 1972 para Houses of the holy, y descartada en ese primer momento porque un avión pasó sobre sus cabezas mientras la grababan. Para terminar, y aterrizar como es debido tras un vuelo musical tan intenso, la banda incluyó como cierre el frenético Sick Again, en el que destaca especialmente la intensa y rotunda batería de John Bonham y una letra que describe las relaciones del grupo con las LA Queens, nombre con el que se referían a las groupies.

LA PORTADA

Un artefacto de la potencia de Physical Graffiti no podía ser presentado en cualquier envoltorio, por lo que para la portada, una vez más, se esforzaron en la creación de algo que perdurara y resultara icónico. Lo encontraron entre el número 96 y el 98 de St. Mark’s Place en el East Village neoyorquino, un enclave relevante del movimiento hippy de los años 60 y del punk en los 70. Fue además el escenario elegido para grabar un video de los Rolling Stones (Waiting on a friend, grabado en 1981 en las escaleras del mismo edificio), y acogió los primeros shows de la Velvet Underground. Para convertir la fachada del edificio en la portada del disco, el ilustrador Mike Doud eliminó una de las cuatro plantas para que la fachada pudiera encajar en las dimensiones de la carpeta del vinilo.

En la funda original había huecos en las ventanas a través de las cuales se podían visualizar las fotos interiores, que aludían a canciones famosas de la banda como Black Dog o Stairway to Heaven. Como buena portada de Led Zeppelin, no escapa a las teorías e interpretaciones misteriosas. En este caso, se ha dicho que las dos puertas hacen referencia a los caminos mencionados en “Stairway to Heaven”. En la contraportada, dónde la foto aparece invertida, el portal iluminado permanece cerrado, mientras el otro muestra la puerta abierta a la oscuridad, en referencia al esoterismo y la brujería mística con la que jugaban los miembros del grupo. El hombre en las escaleras, que podría ser John Bonham, está sentado junto al camino oscuro. O quizá era Robert Plant el que estaba allí sentado, pensando si realmente serían más recordados por Physical Graffiti que por Led Zeppelin IV. En sus grandes momentos, el primero no palidece ante el segundo, aunque aquella escalera llevara al cielo y esta puerta conduzca a la oscuridad del infierno.

0507.- S.F Sorrow was born - The Pretty Things

The Pretty Things no eran más que una banda novel recién contratada por EMI, cuando el destino quiso que Norman Smith, antiguo ingeniero de sonido de The Beatles que había dejado su puesto para producir el disco de debut de una nueva banda llamada Pink Floyd, estuviera disponible y deseoso de abordar su segundo proyecto como productor, y se sintiera atraído por la ambición y las altas miras de una desconocida banda psicodélica que pretendía entregar una ópera rock en la que las canciones siguieran una narrativa conceptual.

El resultado fue el disco S.F. Sorrow, una obra maestra en la que The Pretty Things volcaron toda su creatividad y en la que, de paso, aprovecharon todas las ventajas técnicas y de sonido que Abbey Road destinaba normalmente a las complejas grabaciones de los de Liverpool.

La canción S.F Sorrow was born abría la cara A del disco, marcando desde el principio la pauta sonora de un disco ecléctico y plagado de sonidos de mellotron, trompetas y sonidos orientales. De acuerdo con el orden narrativo y cronológico que querían darle a la historia, era además la encargada de mostrar al mundo el nacimiento del personaje central de esta psicodélica ópera rock: "Durante diez semanas, el número tres de la calle estuvo vacío. Nadie pensó que habría risas familiares detrás de las ventanas. O un árbol de Navidad. Después, una pareja llegó del norte... No mucho tiempo después, en la calle sonó un grito. Del número tres vino un grito. S. F. Sorrow había nacido..."

0506.- Voodoo Chile - Jimi Hendrix

 

Voodoo Chile, Jimi Hendrix 

El 25 de octubre de 1968 se publica el tercer y último álbum de The Jimi Hendrix Experience, titulado Electric Ladyland. Sería el último trabajo donde Jimi hendrix colaboraría con el bajista Noel Redding y el baterista Mitch Mitchell. Concebido como álbum doble, es grabado entre los Olympic Studios de Londres y los Record Plant de Nueva York entre julio y diciembre de 1967, enero de 1968, y abril y agosto de 1968, bajo la producción del mismo Jimi hendrix, y publicado el 25 de octubre de 1968 por el sello discográfico Reprise Records y para Europa por Polydor Records.

La grabación del álbum no estuvo exenta de problemas. Después de una complicada gira por Escandinavia e Inglaterra, Hendrix decidió regresar a Estados Unidos. Frustrado por las limitaciones de las grabciones comerciales, decidió crear un moderno estudio de grabación en Nueva York en el que no tuviera ninguna limitación a la hora de expandir su particular visión musical. La construcción de este estudio, llamado Electric Lady, tuvo numerosos problemas y no fue terminado hasta mediados de 1970, por lo que Hendrix acabó grabando gran parte de Electric Ladyland en The Record Plant estudios. Los disciplinados hábitos de trabajo de Hendrix se habían vuelto erráticos, a los que se sumaban unas sesiones interminables y que los estudios solían estar llenos de gente sin nada que hacer más que adular al genial guitarrista. Todo esto hace que Chas Chandler renuncie como mánager de Jimi Hendrix en mayo de 1968.

Incluido en este álbum se encuentra el mítico Voodoo Chile, considerada como una jam de estudio, escrita por Jimi Hendrix, y cuya duración, con casi 15 minutos, hace que sea la más larga grabada en estudio por el guitarrista. La canción está basada en el tema de blues Rollin' Stone de Muddy Waters, pero con letra y música originales. El tema se grabó en los Record Plant estudios de Nueva York, después de una jam sesión nocturna en la que participaron además de Hendrix, Mitch Mitchell a la batería, Steve Winwood al órgano y Jack Casady al bajo. 

Voodoo Chile puede parecer una simple jam improvisada, nada más lejos de la realidad, y sobre esto Jack Casady comentaba: "No era tan simple, había una estructura completa en la canción, por lo que era una canción extendida en la que podías improvisar. Tomamos instrucciones a través del lenguaje de la interpretación. Jimi pudo experimentar con su habilidad y con efectos para crear una atmósfera. Voodoo Chile tiene un sonido espeluznante que te coloca en un mundo diferente". Voodoo Chile se convirtió en la base de Voodoo Child (Slight Return), tema de unos 3 minutos de duración que fue grabado por el trío The Jimi Hendrix Experience, el cual también aparece en Electric Ladyland, y que a la postre se convertiría en una de las canciones más conocidas de Hendrix.

0505 - All Along the Watchtower - Jimi Hendrix

0505 - All Along the Watchtower - Jimi Hendrix

La Jimi Hendrix comenzó a grabar su versión de "All Along the Watchtower" de Dylan el 21 de enero de 1968 en los estudios Olympic de Londres. 

Según el ingeniero Andy Johns, el publicista Michael Goldstein, que trabajaba para el representante de Dylan, Albert Grossman, le había dado a Jimi Hendrix una cinta con la grabación de Dylan. "(Hendrix) llegó con estas cintas de Dylan y todos las escuchamos por primera vez en el estudio", recordó Johns. Stubbs escribe que ésta fue la segunda canción de Dylan que Hendrix adaptó a su propio estilo, la primera fue "Like a Rolling Stone", tocada antes en Monterey. Una tercera canción que Hendrix adaptó de Dylan es identificada por Zak como "Can You Please Crawl Out Your Window".

Grabada por numerosos artistas de diversos géneros, "All Along the Watchtower" se identifica fuertemente con la interpretación que Jimi Hendrix que grabó para el álbum Electric Ladyland con la Jimi Hendrix, la versión de Hendrix, lanzada seis meses después de la grabación original de Dylan, se convirtió en un sencillo del Top 20 en 1968, recibió un premio del Salón de la Fama de los Grammy en 2001 y fue clasificada en el puesto 48 de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone en 2004, y en el puesto 40 en la versión de 2021 de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone. 

Daniel 

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El disco de la semana 276: Dummy - Portishead

 

Imagínate tu salón convertido en un bar, un salón con una sensual cantante de jazz en un escenario, tenuemente iluminado, con humo de cigarrillo llenando el aire formando una nube brumosa, estamos en los años 50 y seguramente llueve fuera, tus pupilas ven en blanco y negro, andas inclinado sobre tu bebida, porque algo terrible acaba de suceder, nadie sabe porque pero estás triste…. de repente suenan las primeras notas de este álbum, (¿musica electrónica en los años 50? Estas pirado narrador) y te das cuenta que la banda sonora de la desesperación.

Portishead está compuesto por 3 personas: la cantante Beth Gibbons, el programador/sampler/mezclador Geoff Barrow y el guitarrista/bajista Adrian Utley, juntos han creado una oda a la soledad, sombría, deprimente, desesperanzadora, pero eso no impide que sea absolutamente hermoso en todos los aspectos posibles. Este álbum, de 1994, popularizó un género que se conoció como “trip hop”que se caracteriza por ritmos, samples y paisajes sonoros de hip-hop downtempo, no es fácil de explicar, pero Portishead fue pionero, junto con el grupo Massive Attack, cuyos álbumes estelares Blue Lines y Protection utilizan el mismo estilo. Lo que Air hizo por el ambiente modernista de penthouse de los años 60, Portishead lo hizo por el ambiente noir de principios de los 60, ambos grupos actualizando esas sensaciones para los habitantes de los 90, mientras exploraban algunos de los colores de tono posibles dentro del género de la música electrónica. La voz de Beth es una parte sobresaliente del álbum, es enfermizamente dulce a veces, y a menudo te da la impresión de que está de luto, suplica y se lamenta, nunca es agresiva, siempre suave y gentil, algo nuevo surge en cada escucha, pero está claro cómo todo se une para crear hermosos paisajes sonoros arremolinados.

 

Arranca con "Mysterons", se titula apropiadamente porque 'misterioso' es la mejor manera de describir este disco. El tempo lento, las texturas suaves y, en particular, las ondas martenot, parecidas a alienígenas, formaron una atmósfera de otro mundo, Gibbons se presenta como una criatura emocionalmente fracturada tanto en la letra como en su voz directa, en contraste con la percusión de estilo militar, mientras el sintetizador chirriante, agrega una verdadera sensación de espeluznante. "Sour times", es un cambio de ritmo, agregando guitarras tintineantes y pasajes de guitarra al estilo bond, esta canción sobre el desamor, un sentimiento más siniestro que esperarías de una canción de ese tema, con unos estribillos muy desconcertantes, con una percusión traqueteante y gobernando el sample de bajo y guitarra vibrante de Lalo Schifrin. No es una combinación que pensarías que encontrarías en una canción de amor y una canción de asesinato al mismo tiempo, pero ahí lo tienes. Cuando Beth canta ese coro, es como el canto de una mantis religiosa que pronto te devorará la cabeza durante la cópula. ¿Estará triste por eso o es porque siempre está triste?. No es que eso importe en absoluto cuando tu tráquea se ahogue con tu lengua cortada. "Strangers" es la primera canción excelsa, el descenso de ese pungi en los primeros cinco segundos, que en realidad es una muestra de Weather Report, siempre me hace pensar en un extraño pájaro animado mientras se muestra su vida moviéndose de un vuelo feliz a una prisión de zoológico, su rostro y ojos entrecerrándose en una mirada demoníaca como se llenan de furia roja y vengativa, recortando los tambores justo antes de que azote tu garganta, y luego el ritmo real simplemente te engulle por completo, con ese zumbido antiséptico que impulsa la mayor parte de la canción, incluso esas inquietantes partes suaves de guitarra y voz que suenan como si estuvieran siendo grabadas al otro lado de un almacén. 

"It could be sweet" puede ser un cambio de estilo inesperado, no te esperas este cambio de estilo y eso hace mella, pero buen, siempre es maravilloso escuchar esa hermosa y suave voz, acompñada de pasajes de teclado tiernos y cálidos y una batería minimalista. Ella es la estrella, ella hace suya la canción y te puedes recrear en algo mas clásico de lo esperado, un poquito de calma no viene mal. "Wandering star", es probablemente la canción más triste hasta el momento, aunque es triste, lo es de la manera más hermosa posible y no puedo pensar en ninguna canción con una mejor línea de apertura que "Por favor, ¿podrías quedarte un rato para compartir mi dolor?..." El zumbido del bajo, un tono digital plano y muerto, se siente como una pieza de maquinaria que te ha estado manteniendo con vida... en el momento en que te das cuenta de que nunca volverá a funcionar. "It's a Fire" no estaba en la lista de canciones de la versión europea, no es que sea mala ni nada por el estilo, incluso aquí puede brillar mucho mas el sol, pero es demasiado sol para la mitad de este álbum, entiendo que pudieran pensar que necesitaríamos un respiro.

 

"Numb" es una exhibición vocal de Beth, donde presenta una interpretación vocal suave y espeluznante, mezclada con partes de órgano más siniestras y percusión más dura, la canción habla de sentirse perdido dentro de uno mismo, o sentirse distante y frío de todos los que te rodean. Las letra ayuda a crear un estado de ánimo muy triste y malhumorado junto con los ritmos lentos y la voz suave y casi desesperanzada de Beth. "Roads" es una canción tan desgarradora que no puedo ni ponerlo en palabras, una obra maestra absoluta, que debes escucharla incluso si el disco no te estaba gustando, un tono de sintetizador brumoso, una neblina que alcanza su punto máximo en la mezcla para que te sientas verdaderamente rodeado, envuelto en un desánimo que se tambalea suavemente. 'No tengo a nadie de mi lado, y seguro que eso no está bien... seguro que eso no está bien...' Pfuuuu esto nos rompe a cualquiera. "Pedestal" nos trae de vuelta la misma sensación de " Strangers ", no con tanta percusión dura, sino más encaminado al jazz, tambores atenuados en puntos mezclados con voces tratadas que le dan a la voz de Beth un sonido más como un cantante de los años 60 tocando en un viejo disco de vinilo polvoriento. Los primeros 30 segundos de "Biscuit" también son bastante evocadores, esa línea de bocina descolorida ... se corta hacia abajo como la banda de cuerdas, y la muestra distorsionada de Johnnie Ray cantando 'I'll never fall in love...again' es francamente perversa, casi como si se estuviera burlando y derritiendo el concepto del amor. A diferencia de las distorsiones vocales similares que muchas canciones hip-hop pop han utilizado en los últimos 10 años, esta todavía se siente como una voz real, y mientras se derrumba con un último gemido patético. La canción de cierre, "Glory box", es sin duda la canción más conocida de Portishead, y realmente le da a este álbum el cierre que se merece, con cuerdas dulces, con un gran trabajo de guitarra y unas grandes letras.

 Este álbum es un álbum que te sabrás de memorias si eres un ávido entusiasta de este estilo de música, si no lo eres, es un disco que debes escuchar para entender todo lo que te pueden ofrecer.

0504 - In the Heat of the Morning - David Bowie

0504 - In the Heat of the Morning - David Bowie 

In the Heat of the Morning es una canción escrita por el músico británico David Bowie, está canción fue grabada por primera vez en el año 1968, ​pero una de las versiones que se grabó en 2008, tuvo una gran popularidad en 2008, esta versión interpretada por la banda británica the Last Shadow Puppets.

La primera versión de estudio fue grabada en los estudios Decca, en la ciudad de Londres el 12 de marzo de 1968, junto con Tony Visconti como productor. Fue completada con los overdubs grabados el 29 de marzo y el 10 y 18 de abril.

Los estudios Decca ya había rechazado a When I Live My Dream como un lanzamiento de sencillo, y tampoco aceptaron a In the Heat of the Morning.

The Last Shadow Puppets grabó su versión en los estudios RAK en agosto de 2007. La versión de the Last Shadow Puppets fue publicada como lado B del lanzamiento de sencillo de The Age of the Understatement.

Esta canción fue versionada en otras ocasiones, una de esas versiones, es una versión más lenta de la canción grabada en el mes de julio de 2000 para el álbum Toy de David Bowie. 

Como así también una versión demo grabada en su casa a mediados de 1968 fue publicado en la caja recopilatoria de 2019, Spying Through a Keyhole, y más tarde en Conversation Piece.

Daniel 

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Led Zeppelin - Presence - (Mes Led Zeppelin)

 

Presence, Led Zeppelin

     El año 1975 fue un año muy importante para Led Zeppelin, pues con la publicación de Physical Graffiti, pues este trabajo está considerado como uno de los mejores de la banda, y además le sirve para afianzarse y coronarse como una de las mejores bandas de rock de la historia. Sin embargo cuando todo iba sobre ruedas, el grave accidente automovilístico sufrido por Robert Plant en la isla griega de Rodas corta en seco la acelerada dinámica de trabajo del grupo. Desde el accidente el grupo se mantiene en segundo plano hasta la difícil y larga recuperación de Plant, la cual se produce a finales de 1976.

El siguiente álbum de estudio de la banda, Presence, es concebido tras las lesiones sufridas por Plant en el citado accidente automovilístico. Un accidente que obligó a posponer la gira mundial que el grupo tenía planeada para 1975 y 1976. Durante ese periodo de convalecencia Plant lo pasó en Malibú (California), y el cantante y Jimmy Page escribieron material de sobra para poder empezar a trabajar en el siguiente álbum de estudio de la banda, empezado a trabajar con dicho material en el Hollywood's SIR Studio de Los Ángeles, California.

Dicho disco es grabado en los Musicland Studios de Múnich, Alemania durante tres semanas, concretamente entre noviembre y diciembre de 1975, con Plant en una silla de ruedas debido a su convalecencia. Tanto Plant como Page habían planeado que Presence supusiera la vuelta a la simplicidad y la espontaneidad tras los complejos discos anteriores. Es el único disco de la banda que no incluye pistas acusticas ni teclados, a excepción de Candy Store Rock, que contiene una sutil pista audible de guitarra acústica en el canal izqierdo. El disco es producido por Jimmy Page y Peter Grant y publicado el 31 de marzo de 1976 por bajo el sello discográfico Swan song Records, el cual había sido creado por Led Zeppelin en 1974 con la finalidad de poder trabajar sin la presión que ejercían los potentes sellos discográficos. 

La potada y el libreto del álbum son dignos de análisis, pues fueron creados por Hipgnosis, que era un colectivo de diseño gráfico creado en Inglaterra en 1968, y que habían trabajado para otras bandas como Pink Floyd, Genesis o Black Sabbath entre otros. En portada y libreto se muestran imágenes de personas interactuando con una especiede obelisco negro. Dentro del libreto, al artefacto se le conoce simplemene como "El Objeto". El título del álbum, Presence, se encuentra en la carátula frontal del álbum y en relieve, al  igual que el logo de la discográfica del grupo, "Swan song", y se encuentra en la carátula trasera del disco. El llamado "El Objeto" representa la fuerza y la presencia del grupo y sus miembros, John Bonham, John Paul Jones, Jimmy Page y Robert Plant, y como elllos y su música era tan poderosa que no necesitaban estar en la portada. Con ello pretendían hacer reflexionar a la audiencia del significado real de la música. Para el fondo de la portada se elegió un puerto totalmente artifical instalado en el Centro de Exhibiciones Earls Court de Londres, Reino Unido. En el interior del disco hay imágenes, también diseñadas por Hipgnosis, que fueron creadas para parecer algo que aparecía en la revista National Geographic, donde aprecen varios escenarios, y donde siempre está presente "El Objeto". La contraportada muestra otra escena, concretamente una clase donde se encuentran una maestra y aparentemente dos de sus alumnos y donde no pude faltar otra vez la presencia de "El Objeto" que se ecuentra en forma de un dibujo en la pared. La niña alumna aparece también en la portada de House Of The Holy.

Abre la cara A el tema más largo del álbum, Achilles Last stand, con una duración de poco más de 10 minutos y acreditada a Page y Plant. La temática de la canción trata del héroe mitológico Aquiles. Plant tenía un gran interés por la mitología griega. Según cuenta el mito, Aquiles fue sumergido en el río Styx para hacerlo inmortal. Su madre lo sujetó del talón dejando esa parte sin sumergir y por lo tanto vulnerable. París lo mató en la Guerra de Troya al clavarle una flecha en dicho talón. Plant escribió la letra en uno de sus viajes por Marruecos, Grecia y España, y se inspiró también en la poesía de William Blake, autor que estaba leyendo en aquel momento. La música se inspiró en las tradiciones flamenca y marroquí. For Your Life, es unaa canción que se hace notable al tener varios riffs que se siguen unos a otros y se superponen. En este tem Jimmy Page tocó una Fender Stratocaster de 1962 que le había regalado Gene Parsons. Las letras fueron escritas por Plant y expresan su descontento con la vida desenfrenada que rodeaba el mundo del rock. También hacían referencia, como afirmara más adelante, a un amigo suyo que tuvo problemas con las drogas. Royal Orleans es el tema que cierra la cara A, el único tema del álbum escrito por los cuatro miembros del grupo. La canción se basa en un hotel de que había en la ciudad de Nueva Orleans y donde le gustaba mucho pasar el tiempo al grupo, y trata sobre un tipo que recoge a una drag queen, pasa la noche con ella, y descubre a la mañana siguiente que esta persona es un hombre. Los cuatro miembros del grupo solían frecuentar los bares de ambiente gay en Nueva Orleans ya que les resultaban mucho más divertidos y nadie les solía molestar para pedirles autógrafos. 

La cara B comienza con Nobody's Fault But Mine, escrita por Page y Plant y basada en una pieza tradicional de blues que fue grabada por primera vez por Blind Willie Johnson en la década de los años 20. En la versión del grupo le fueron agregados  unos versos adicionales escritos por Plant. Sobre el significado de la canción hay varias teorías, una sostenía que trataba sobre la floreciente adicción a la heroína de Page, otra decía que era comparable a la canción "Hellbound On My trail" de Robert Johnson, en el sentido de que Plant lamentaba un supuesto trato de Led Zeppelin con el diablo, y había una tercera vertiente que sostenía que Plant en esta canción se disculpaba por la canción "In My Time Of Dying", de la cual dijo después de su accidente que nunca volvería a cantar jamás. Candy Store Rock, canción que tiene y combina de forma brillante hard rock, funk y rock and roll. La canción se inspiró en el rock de principios de los años 50 y Plant reunió en las letras partes de canciones de Elvis presley. La banda escribió este tema en apenas una hora en un estudio de Alemania, el motivo, la presión que tenían para terminar el álbum Presence, ya que los Rolling Stones necesitaban grabar en dicho estudio. Hots On For Nowhere salió como una versión alternativa de la canción Custard Pie, incluido en Physical Graffiti (1975). En el tema vuelve a tener inspiración en el funk. Robert plant escribió la letra en Malibú mientras se recuperaba del accidente automovilístico, y la banda escribió el resto en los citados Musicland Studios de Munich y ante la premura por acabar el disco rápidamente para liberar el estudio para que pudiera ser usado por los Rolling Stones. En la letra Plant, aparte de reflejar su situación por el accidente, también se hacía eco de su frustración con Jimmy Page y su mánager Peter Grant, de quienes Plant estaba convencido de que no eran sensibles con su estado en ese momento. Cierra la cara B y por tanto el álbum Tea for One, tema que tiene una duración de algo más de 9 minutos, siendo la segunda más larga del disco. La canción fue compuesta en la línea de "Since I'Ve Been Loving You ", del álbum Led Zeppelin III (1970), canción que era una de las favoritas del grupo para tocarla en los conciertos. Robert Plant escribió la canción mientras se encontraba en un hotel de Nueva York el sólo tomándose un té. Contiene una letra muy reflexiva este blues lento, y en él Plant mostraba la soledad que sentía al estar constantemente en la carretera con motivo de los viajes y las giras. Una de las razones de la banda por las que estaban mucho tiempo fuera de Inglaterra con tanta frecuencia para hacer giras y grabar era la de evitar pagar impuestos allí.

0503.- Village Green - The Kinks

 

En muchos sentidos, The Kinks son un anacronismo, a menudo iban contra la corriente musicalmente, las letras de Ray Davies siempre prestaron atención el estilo de vida británico, pero de una manera casi como la de una niñera, era pintoresco, pero tenía un buen ojo para los detalles, a menudo fantasioso, pero siempre elocuente y rara vez predecible. Combinado con el llamativo estilo de guitarra de su hermano Dave (¿el guitarrista 'punk' original?), The Kinks tenían un sonido único e inconfundible. El álbum The Kinks Are Village Green Preservation Society se presenta como una especie de breves ensoñaciones, cada una de las cuales proporciona los detalles suficientes para transmitir un sentimiento particular, el álbum se abre como un libro emergente de recuerdos del pasado, presente y futuro en un orden desordenado. Hay fantasías infantiles e historias de terror ("Phenomenal Cat" y "Wicked Annabella"), recuerdos de la juventud (Do You Remember Walter?), visiiones sobre el paso de la contemplaciones abstractas sobre la transición de la vida (Last of the Steam Powered Trains) y objetivos ("Big Sky"), todo incluido en una sensación cinematográfica para mejorar cada sensacion.

 

Nos vamos a detener en Village Green, una buena canción en términos de nostalgia, el comienzo es muy pintoresco que recuerda a los palacios antiguos y su aspecto clásico, un aspecto que contrasta teniendo en cuenta el concepto del álbum. Se nota un muy buen dominio de los instrumentos, ya que realmente exhiben un buen sonido de épocas pasadas y ambientes clásicos, la melodía melódica está muy conseguida porque ajustan el tono de voz, dando a la canción su musicalidad y atractivo especial, además en la parte del coro la percusión está perfectamente coordinada para darle un tempo un poco más rápido, brindando un ritmo lo suficientemente interesante como para darle un atractivo musical realmente relevantes. Es la pista orquestal más exuberante presente, con clavicémbalos, trompetas y un oboe que desentrañan la pintoresca belleza de la humilde campiña, Davies narra desde la perspectiva de la desilusión rota después de que la llamada de la gran ciudad resulta insatisfactoria, enfocándose en los elementos que extraña tras su paso por la ciudad: el rocío de la mañana, el aire fresco, una iglesia, un viejo roble. Luego revela su relación con Daisy, la amó y la abandono. Las cosas se ponen crudas cuando se burla de los turistas que se maravillan ante la misma singularidad que recuerda con tanto cariño antes de afirmar con indiferencia que Daisy se casó con un tendero local. Aunque la canción termina con la imagen de que, a su regreso, él y Daisy "tomarán té, se reirán y hablarán sobre el parque del pueblo", la forma melancólica en que se interpreta y canta la canción te da la pista que solo se quedara en eso y que todo lo que ha tenido lo ha perdido por completo.

0502.- Azzurro - Adriano Celentano

La versión de Azzurro ("Azul") de Adriano Celentano es, sin duda, la más famosa y reconocida de todas las que han abordado esta composición de Paolo Conte y Vito Pallavicini. Ambos compositores la escribieron especialmente para el registro de voz y las características de Celentano, por lo que la pieza encajó desde el principio y a la perfección con el genial intérprete italiano.

La música combina el corte clásico y crooner con toques de marcha militar y de himno, y las referencias al color azul lo han convertido en uno de los santos y seña de la hinchada italiana. La letra de la canción describe la melancolía y la soledad del que pasa el verano en la ciudad, cuando todo el mundo está de vacaciones y la urbe queda huérfana de su algarabía y tráfico característicos: Busco el verano todo el año y de repente aquí está. "Ella se fue a las playas y estoy solo en la ciudad, Oigo silbar sobre el techo un avión que se va. Azul, la tarde es demasiado azul y larga para mí. Me doy cuenta de no tener más recursos sin ti..." 

Curiosamente, descubrí esta canción en la situación opuesta, en mitad del insufrible tráfico de la M-30, escuchando en la radio del coche el programa Flor de Pasión de Juan De Pablos en Radio 3 en el camino de regreso a casa desde el trabajo. Siempre volvía con un compañero al que dejaba de camino en su casa, y aunque los dos éramos de gustos más eléctricos, nos enganchó sobremanera aquel programa de viejos temas de rock and roll de los cincuenta y sesenta, y en el como sintonía sonaba siempre Azzurro de Adriano Celentano. Tras un duro día de trabajo, la llegada de esa canción era el anuncio de estar llegando a casa, tras una tarde demasiado azul y larga.

0501.- A Song For Jeffrey - Jethro Tull

 

A Song For Jeffrey, Jethro Tull

     This Was es el álbum de estudio debut de la banda británica liderada por Ian Anderson, Jethro Tull. El material de disco es grabado entre el 13 de junio y el 28 de julio de 1968 bajo la producción de Terry Ellis y el propio grupo, y publicado bajo el sello discográfico Island Records en Reino Unido el 4 de octubre de 1968, y por el sello discográfico Reprise Records en Estados Unidos el 3 de febrero de 1969.

Este disco cuesta grabarlo a la banda unas 1200 libras esterlinas, y es el único disco donde aparece el guitarrista Mick Abrahams, quien resultó ser una influencia para el sonido y el estilo de la banda. Ian Anderson comparte tareas de composición con el citado guitarrista, y se incorporan sonidos e influencias de rhythm and blues, jazz fusión y blues rock. El rock progresivo por el que la banda se hizo conocida aparecerá más adelante en trabajos posteriores. 

Incluido en este álbum debut se encuentra el tema A Song For jeffrey, compuesta por Ian Anderson y publicada como segundo sencillo del disco en Reino Unido el 13 de septiembre de 1968. El tema comienza con un riif de bajo de Glenn Cornick seguido de la flauta de Ian Anderson, luego el tema se convierte en una melodía de blues psicodélico, con el guitarrista Mick Abrahams tocando la guitarra slide. 

Ian Anderson dedicó esta canción a Jeffrey Hammond, a quien conoció en la escuela primaria en Blackpool, donde se hicieron buenos amigos. Jeffrey fue la inspiración para dos de las primeras canciones de Jetrho Tull además de A song For Jeffrey, también Jeffrey Goes to Leicester Square (álbum Stand Up - 1969) y For Michael Collins, Jeffrey and Me (álbum Benefit - 1970). Jeffrey Hammond se convertiría más tarde en el bajista del grupo, en sustitución de Glenn Cornick, entre 1970 y 1975. Curiosamente Jeffrey no sabía tocar el bajo y Anderson tuvo que enseñarle. 

Ian Anderson explicó la historia de la canción: "No tiene una letra inteligente, pero en realidad se trata de Jeffrey, un muchacho un poco descarriado que no estaba muy seguro de que hacer con su vida. Sabía que le enca6ntaba la pintura, pero a veces parecía sin dirección y bastante solo. Así que pensé, bueno, escribiré una canción con su nombre". En 1975 Jeffrey Hammond dejó la banda y decidió dedicarse a la pintura, y sobre A Song For Jeffrey afirmaba: "Siempre pensé que la canción estaba pensada como un regalo o un dedicatoria encantadores, más como algo que tuviera que ver conmigo líricamente".

0500.- Hey Jude - The Beatles

¡Naaa, Naaa Naaa Nanananaaa, Nanananaaa,Hey Jude! ¿Quién no ha tarareado alguna vez el épico final de este histórico tema de The Beatles? El que fuera primer sencillo de la banda en su sello discográfico Apple Records nació inicialmente con el título de "Hey Jules", escrito por Paul McCartney para que Julian Lennon se sintiera mejor tras el divorcio de sus padres. Posteriormente, McCartney le cambió el nombre por el de Hey Jude, simplemente porque le sonaba mejor. Julian no descubrió que aquel tema, que ostentaba el record de ser el que más tiempo había logrado mantener la banda de su padre en el nº1 de las listas estadounidenses (9 semanas), estaba realmente dedicado a él, hasta casi veinte años después de su publicación. El propio Lennon pensó que su compañero la había escrito para él, y que "Jude" era en realidad "John", e incluso se especuló con la posibilidad de que "Jude" fuera en realidad el propio McCartney, dándose ánimos a sí mismo tras su propia ruptura con la actriz Jane Asher.

De los más de siete minutos de duración de este tema, que la convirtieron en su momento en la canción más larga de la historia en el top 10 de las listas británicas, cuatro minutos corresponden a la famosa coda final. Tras el tramo inicial en el que predominan la voz de McCartney y su piano, es en la coda final en la que todo explota, con la ayuda del resto de la banda y de una orquesta de 36 miembros, incluyendo un coro, dirigidos todos ellos por George Martin. Como ensayos previos a la inclusión de la orquesta, entre el 29 y 30 de julio de 1968 se grabaron hasta veinticinco tomas de la canción en los estudios de EMI, pero no fue hasta el 31 de julio de 1968 cuando, en los estudios Trident y con un equipo de ocho pistas (por las cuatro que tenían en EMI), que The Beatles grabaron la pista final. La canción se completó el 1 de agosto, con la inclusión de las partes orquestales y los coros, para los que The Beatles animaron a los miembros de la orquesta a participar. La idea les salió cara, porque solo uno de ellos se negó (enérgicamente) y los demás aceptaron a cambio del doble del salario pactado.

Esa no fue la única anécdota durante la accidentada grabación de la canción. Si prestamos atención, poco antes del tercer minuto se puede escuchar a McCartney decir "¡Maldita sea!" tras equivocarse con una tecla del piano. Lennon insistió en dejarlo, aunque enterrado en el sonido de la mezcla, porque "la mayor parte de la gente no se dará cuenta, pero nosotros sabremos que está ahí". También durante la grabación de la pista final, Ringo Starr estuvo a punto de no llegar a tiempo al momento en el que entraba la batería. Ringo se había ido al baño, y el resto de los Beatles no repararon en su ausencia y comenzaron la grabación. McCartney sintió como Ringo pasaba a su espalda, a toda prisa y de puntillas de camino a su instrumento, justo a tiempo de llegar y comenzar a tocar en el momento exacto.

El sencillo de Hey Jude, con la canción Revolution en la cara B, llegó al primer puesto de las listas inglesas solo una semana después de su publicación. En Estados Unidos hubo emisoras de radio que rechazaron la canción por su excesiva duración, por lo que se llegó a publicar una versión más corta. Entre una y otra versión, las ventas superaron los ocho millones de copias en todo el mundo, así que fuera quién fuera Jude, vino con un pan debajo del brazo. Más esquivos le fueron los premios en su primer año de andadura, ya que pese a estar nominada a varios premios Grammy en 1969, no terminó ganando ninguno. En 2004, la revista Rolling Stone la posicionó en el octavo lugar de su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. Después de tantos años y del enorme reconocimiento que sigue teniendo, parece que Jude siguió a rajatabla el consejo de la letra, y cogió esa canción triste, y la hizo mejor. Y la moraleja de este cuento es... Que no hay moraleja. Quién la necesita, si se puede terminar cantando a voz en grito, con una gran sonrisa y los ojos cerrados: ¡Naaa, Naaa Naaa Nanananaaa, Nanananaaa,Hey Jude!