miércoles, 27 de octubre de 2021
La música en historias: On the Night - #MesDireStraits
martes, 26 de octubre de 2021
0299 Hideaway - John Mayall and the Bluesbreakers
Grandes éxitos y tropiezos: Billy Idol
Con Grandes éxitos y tropiezos iniciamos una nueva sección en 7días7notas, en las que os ayudaremos a elegir los mejores discos de los grupos y artistas más relevantes de la historia de la música, casi como si os estuviéramos acompañando en una de esas viejas tiendas de discos de segunda mano, esas pequeñas y escondidas anomalías que aún pueden encontrarse dentro del Matrix en el que se está convirtiendo este mundo en el que vivimos. Para esta primera visita a nuestra imaginaria tienda virtual, hemos pensado en buscar discos de una figura clave de la MTV y el punk rock comercial de los 80. Hablamos de William Michael Albert Broad, más conocido como Billy Idol ¿Qué discos suyos deberíamos comprar? ¿Cuáles deberíamos evitar? En esta sección te haremos siempre estas recomendaciones:
Estás tardando en comprarlo:
Si te queda pasta, llévate también:
Vuelve a dejarlo en el expositor:
Si tenéis Cyberpunk (1993) entre las manos, os aconsejamos que volváis a dejarlo donde estaba, y os dirijáis al mostrador de la tienda a pagar los otros discos, antes de caer en la tentación de llevároslo. El disco con el que Idol pretendía abanderar la llegada de un nuevo estilo de "punk cibernético" se quedó en un puñado de flojas canciones con pretenciosos arreglos disco, techno y new age con el que se pegó el mayor resbalón de su carrera. El potente single Shock to the system prometía algo mucho mejor que lo que el disco después ofrecía, y junto a, quizá, Wasteland o Love labours on, es de lo poco que se salva de la quema.
Si lo que buscas son canciones sueltas:
Estas son las cinco canciones top que no pueden faltar en tu colección o en tu playlist:
1- Rebel Yell
2- White Wedding
3- Dancing with myself
4- Speed
5- Shock to the System
lunes, 25 de octubre de 2021
0298 All Your Love - John Mayall and the Bluesbreakers
All Your Love, John Mayall |
En 1966 aparece en escena el cantante, guitarrista, organista y compositor de blues inglés John Mayall. En julio de 1966, el británico, junto a su banda John Mayall & the Bluesbreakers, publica bajo el sello discográfio Decca Records en Inglaterra y el sello London Records en Estados Unidos, el disco llamado Blues Breakers With Eric Clapton, también conocido como The Beano Album. El álbum es conocido como The beano Album debido a la fotografía de la portada, donde aparece Eric Clapton leyendo The Beano, un conocido cómic infantil británico.
Después del lanzamiento del primer álbum de Mayall, el directo John Mayall Plays With John Mayall, Eric Clapton se une al grupo como guitarrista principal, de ahí el título del disco. Mayall originalmente tenía la intención de que éste, su segundo álbum, fuera también en vivo para poder capturar los solos de guitarra de Clapton. Una parte fue grabada en el Flamingo Club, ubicado en el Soho, Londres, con Jack Bruce al bajo, pero éstas eran de mala calidad y no se llegaron a utilizar, si bien una de los temas grabados allí, la canción Stormy Monday fue utilizado en el disco de John Mayall en 1969.
Blues Breakers With Eric Clapton contine versiones de conocidos artistas como Otis Rish, Freddie King o Robert Johnson, y temas escritos y compuestos por Mayall y Clapton. El disco supuso un éxito comercial y obtuvo muy buenas reseñas por parte de la crítica especializada. Incluido en este álbum se encuentra el tema All Your Love, todo un cásico, también conocido como All Your Love (I Miss Loving), un estándar de blues de doce compases con influencias rítimicas afrocubanas compuesto por Otis Rush en 1958. Para componer este tema, el cual influirá en el futuro multitud de temas poteriores, Otis Rush se basó en Lucky Lou, un tema instrumetal de 1957 del guitarrista de blues Jody Williams, del cual tomó prestadas arreglos y líneas de guitarra.
La música en historias: On Every Street #MesDireStraits
"Tiene que haber un registro tuyo en algún lugar. Tienes que estar en los libros de alguien. La verdad, una foto de tu rostro, tu mirada herida. Lo sagrado y lo profano, el placer y el dolor. En algún lugar, tus huellas dactilares siguen siendo concretas. Y es tu cara la que busco en cada calle"
Analizando la letra de On every street, la canción que daba título al que sería último disco de la banda liderada por Mark Knopfler, es imposible preguntarse por lo que verdaderamente andaba buscando el genial guitarrista de la cinta en el pelo. ¿Era una mujer o, por el contrario, era su propio rostro el que estaba buscando, en una crisis de identidad que le llevó a plantearse buscar otros caminos en solitario?
Knopfler ya había dado inquietantes muestras de andar explorando otros caminos por separado, como su disco con The Notting Hillbillies, o el trabajo a dúo con Chet Atkins, o su cada vez más habitual firma en bandas sonoras como La princesa prometida o Last exit to Brooklyn, pero todo se desencadenó cuando, tras una extenuante gira mundial y con el alto listón de reconocimiento y ventas de discos anteriores, la apuesta por el entonces nuevo disco de Dire Straits no terminó de convencer a los críticos especializados y a sus seguidores más fieles.
Y eso que hablamos de un gran disco, que vendió también lo suyo, y fue nº 1 en varios países europeos (incluyendo España) y que contiene piezas tan exultantes en instrumentación y oficio como Calling Elvis, todo un curso avanzado del mejor rock en el arranque del álbum, y el primer single con el que intentaron llegar a cada calle y oídos del mundo. Todo un homenaje a Elvis Presley, que en directo alargaban hasta los diez minutos con toda la banda luciéndose en largos solos.El disco continúa con On every street, la canción titular, que habría lucido más como portentoso cierre del disco. Un tema portentoso que va creciendo desde una primera parte de balada lenta de piano y voz, con arreglos de clarinete y guitarra, hasta llegar al desarrollo final en el que la banda coge ritmo y la guitarra de Knopfler despega hacia el cielo cual dron recorriendo todas las calles de la ciudad. La paleta de colores y estilos del disco refleja también la inquietud existencial y musical en la que Knopfler se estaba moviendo, y el sofisticado y elegante country rock de When it comes to you es el siguiente ejemplo, con tramos que recuerdan a grandes momentos de sus primeros discos.
La cosa no queda ahí, porque en Fade to black la banda pisa el freno y se adentra en terrenos jazzísticos, y hasta el registro vocal de Knopfler cambia de manera tan brillante como sorprendente. A continuación, llega el ritmo alegre y juguetón de The Bug, inevitable single por su ritmo rockabilly y su poderoso estribillo. Un tema 100% Dire Straits y a la altura de sus mejores temas de antaño, que habría merecido un lugar más destacado dentro de la secuenciación del álbum, en lugar de quedar algo perdido en el final de la primera cara, como antesala de You and your friend, una balada correcta con la que cierran la primera parte del disco, y que tiene como parte más destacable un buen duelo de guitarras entrelazadas.
La cara B abre con Heavy fuel, de intensidad rockera y, de nuevo, certero estribillo marca de la casa, y un ritmo que recuerda al Money for nothing del aclamado Brothers in Arms. Le sigue la sombría Iron hand, con su ritmo de dobro y sus reflexiones sobre lo absurdo de las guerras y los enfrentamientos en los que siempre acaba cayendo el ser humano. El disco cambia, una vez más, de estilo en Ticket to heaven, una sorprendente canción con ritmo de baile de salón, en la que vuelve a destacar la elaborada instrumentación, a base de brillantes partes de piano y arreglos de cuerda a cargo de, ni más ni menos, George Martin.
La última parte del disco la completan la satírica My parties, sobre el lujo y el vacío de las fiestas de la jet set, que a punto estuvo de convertirse en un descarte; Planet of New Orleans, un viejo tema sobre la mítica Bourbon Street que fue regrabado para el álbum) y How long, un alegre tema country cuya ligereza me reafirma en que el mejor cierre habría sido simple y llanamente, On every street. Si Knopfler ya barruntaba el final de la aventura con Dire Straits, que mejor final para su nave nodriza que el que hacía referencia a "Una sinfonía de tres acordes que se estrella en el espacio".La letra va aún más allá, anticipando la sensación de abandono y sin sentido que nos dejó la marcha al limbo de Dire Straits: "La luna esta colgando boca abajo, no sé por qué sigo en el caso". Así nos quedamos desde entonces, patidifusos, colgando boca abajo. El mundo al revés, Knopfler sin Dire Straits. "Me parece un desperdicio, y cada victoria tiene un sabor agridulce.
Y es tu cara la que busco en cada calle". Yo aún la sigo buscando, desde aquel ya lejano On Every Street.
domingo, 24 de octubre de 2021
0297: Reach Out I'll Be There - Four Tops
El éxito de esta canción está reconocida también por la revista Rolling Stone quiénes incluyeron esta versión en el número 206 en su lista de "Las 500 mejores canciones de todos los tiempos. Billboard" y es clasificada como la canción número cuatro del año 1966.
Esta versión también está actualmente clasificada como la número 56 de mejores canciones de todos los tiempos en una lista de críticos en Acclaimed Music.
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sábado, 23 de octubre de 2021
0296.- Sunshine Superman - Donovan
El tercer álbum de Donovan se llamó Sunshine Superman, título que también llevaba la canción estrella y quizás estemos el mejor disco del cantautor Escoces. Nacido en Glasgow en 1946, Donovan se enamoró rápidamente de la música folclórica, siempre contracorriente decidió no montarse en el carro de las tendencias beatnik e intentar abrir nuevos caminos, siempre lo ha tenido en su naturaleza y personalidad. Cuando apenas tenía la mayoría de edad a finales de 1964, Donovan tenía un estilo musical muy similar a Bob Dylan en ese momento, lo que sin duda fue perjudicial para él, no vamos a engañarnos, no contaba con el talento del cantautor de Minnessotta. Es entonces cuando va a tomar la decisión de cambiar de productores y gestores, y tomar la nueva ola emergente del psicodelismo cultural, publica el álbum que solo se lanza en los Estados Unidos por razones contractuales, compuesto por solo 10 canciones, Sunshine Superman no solo es una evolución personal y artística masiva, sino también uno de los primeros álbumes de Psychedelic Pop y Psychedelic Folk. Por primera vez, Donovan se arremanga para entregar un álbum compuesto íntegramente por canciones originales que él mismo escribió, mientras que los anteriores solo ofrecían versiones, su estilo de interpretación, a veces cercano al pop barroco, le permite florecer por completo en las historias y el paisaje alucinantes que crea.
El sencillo "Sunshine
Superman" que abre el álbum te prepara para lo que vas escuchar y
establece un tempo que es casi imposible de seguir, ya que la canción fue tan
inesperada como "Monday Monday" de Mama's y The Papa's, donde los
oyentes casi se detuvieron en seco, perdidos en la música y las letras
fascinantes ... sonidos que contrastaban sólidamente con todo lo que
escuchábamos en las emisoras en esos días. Si bien es cierto que Donovan
todavía estaba perdido en sus suaves manuscritos medievales y visiones
temáticas, mezclados con clavecines barrocos y guitarras acústicas de capas
ligeras, ofrece una calidad vivaz de encanto, melodías pero queda demasiado
rudo y suena como la canción que debería haber explotado pero que nunca lo
hizo, y se quedó en el tipo de canción que la gente baila en el espejo en ropa
interior y con gafas de sol oscuras. El bajo se desliza mientras Sitar gira
detrás de él envolviendo la pista en psicodelia. El tema es una respuesta a su
entonces novia Linda Lawrence quien se recuperaba de su ruptura amorosa con
Brian Jones, fundador de The Rolling Stones, extraña canción de amor que
inicialmente nos dice: “Hoy el resplandor del sol entró por mi ventana / pude
hacerlo fácil pero cambié mis maneras / me tomaré el tiempo, lo sé pero pronto
/ tú serás mía. Para finalizar mencionaremos que se pueden escuchar las notas
de Jimmy Page y John Paul Jones, que se vuelven psicodélicos.
viernes, 22 de octubre de 2021
Disco de la semana 246: Come On In - R. L. Burnside
Come On In, R. L. Burnside |
Para la recomendación semanal de turno traemos una propuesta diferente, blues del Delta entremezclado con música electrónica y trip hop (fusión de hip hop con músia electrónica). El artifice: R. L. Burnside, uno de los grandes precursores del blues del Delta, y más concretamente de un estilo conocido como Trance Blues.
R. L. Burnside nace en 1926 en Harmontown, Mississippi (Estados Unidos), si bien pasa la mayor parte de su vida en Holy Spings, también en Mississippi. Su padre abandona a la familia desde que R. L. es pequeño, por lo que éste crece con su madre, sus abuelos y sus hermanos. De pequeño empezó a tocar la armónica y la guitarra, siendo una de sus principales influencias Mississippi Fred Mcdowell, quien era vecino suyo. Otras influencias para él fueron John Lee Hooker y Muddy Waters.
A finales de la década de los 40 se muda a Chicago en busca de más oportunidades económicas, encontrando trabajo en varias fábricas dedicadas al vidrio y el metal. En menos de un año de su estancia en Chicago, un hermano suyo, su padre, quien vive allí, y un tío suyo son asesinados, por lo que Bunside, destrozado, regresa a Mississippi. En 1959 R. L. mata a un hombre debido a una disputa originada por el dinero que se juega jugando a los dados, aunque únicamente pasa 6 meses en la carcel gracias a la intermediación de su patrón, quien necesita al músico para que conduzca el tractor de donde trabaja.
Durante las décadas de los 60 hasta lo 90, R. L. Burnside pasó los siguientes años en Mississippi ejerciendo como músico a tiempo parcial, mientras trabajaba como aparcero, como pescador y como conductor de camión. Alternaba su trabajo tocando en locales de música, bares, picnics, fiestas, y en algún festival ocasionalmente. Durante esas décadas Burnside grabó varios discos, tanto en solitario como con una banda formada por él junto a dos de sus hijos y un nuero, llegando incluso a grabar en Holanda. Hasta entonces, en toda su obra predomina la guitarra acústica. Lo que no sabía R. L. es que su vida daría un giro inesperado en la década de los 90 que le permitría vivir completamente de la música, algo que no había logrado hasta entonces.
A principios de los 90 R.L. consigue que Matthew Johnson se fije en él y le fiche para su sello recién salido sello discográfico Fat Possum Records. Así publica Bad Luck City en 1992, y Too Bad for Jim en 1994, los cuales le empiezan a prpoporcionar cierto éxito. En 1996, la banda de punk-rock-blues John Spencer Blues Explotion se fija en él gracias a estos últimos discos y graba con él el álbum A Ass Pocket of Whiskey, realizando además una posterior gira con él. Si bien este disco con un toque muy duro y crudo, no fue muy bien visto por por el sector más purista del blues, pero le abrió las puertas de otro sector, el de un público que se movía en una escena más undergorund del rock.
En 1997 los dirigentes de su sello discográfico, Fat Possum Records, son conscientes que uno de sus artistas más punteros, R. L. Burnside, se está devaluando, debido en parte a la mala recepción por parte de la crítica de su último diso hasta entonces, Mr Wizzard. Deciden proponerle entonces un disco donde el blues se encuentre con la música electrónica. En un Principio Burnside, quien tiene ya 71 años, se muestra escéptico sobre esta idea, si bien al final decide apostar por el inusual proyecto. El álbum fue producido casi en su totalidad por el músico, compositor y productor de discos estadounidense Tom Rothrock, a excepción de una versión en vivo del tema Come On In, el cual fue producido por músico y productor, presentador de programas de radio y propietario de un local de música en Phoenix, Arizona, Bob Corritore.
Así se gesta el álbum Come On In, publicado en 1998 por el sello discográfico Fat Possum Records, donde se mezcla y fusiona el blues y la guitarra de R. L Burnside con la musica dance y la música eléctrónica, incorporando además técnicas de muestreo y de bucle. Una fusión que en un principio fue considerada inusual por la crítica, y que acabó recibiendo ellogios por parte de ésta, consiguiendo además unas buenas cifras en ventas.
Come On In remezcla la música de Burnside con ritmos electrónicos, dando como resultado una ruidosa fusión de blues con música dance. Más raro es aún encontrarse en un disco de blues del delta con música programada y remezclada, pero Burnside hace que ésta fusión fluya como algo natural, dejando que a lo largo del disco el blues se vaya entremezclando y cortando con ritmos eléctrónicos y de hip hop.
Se esperaba que Come In On alejara a los más puristas del blues, pero este se vendió con fuerza llegando a alcanzar el puesto número 20 en el Core Chart Radio, y parte de la crítica vio este álbum como la próxima evolución del blues. Un disco donde podemos disfrutar, por ejemplo, de temas con fuertes riffs como Let My Baby Ride, o temas más remezclados como Don't Stop Honey y It's Bad You Know. Come On In y Just Like a Woman son por el contrario los temas menos tecnificados del disco, más naturales. Un disco que no te dejará indiferente en absoluto.
0295: Trouble Everyday - Frank Zappa & The Mothers of Invention
Trouble Every Day, o Trouble Comin' Every day (como aparecía en las primeras copias que se prensaron de Freak Out! ("¡Alucina!"), el disco de debut de The Mothers of Invention) fue escrita por Frank Zappa después de ver en televisión un reportaje sobre los disturbios que en 1965 se estaban produciendo en el vecindario de Watts en Los Angeles, tras el arresto de un motorista afromericano de 21 años. La familia se resistió al arresto, y la fuerte tensión entre la población negra y la policía desencadenó que todo el vecindario se sumara a la protesta, provocando saqueos y enfrentamientos con la policía durante seis largos y tensos días. El resultado fueron 34 muertes y más de 1.000 heridos, en el que sería el peor episodio de disturbios hasta los posteriores de Los Ángeles en 1992.
La canción se titulaba originalmente The Watts Riot Song ("la canción del disturbio de Watts"), y su letra es una denuncia tanto de la violencia racial como de las desigualdades sociales de la época, en clave de blues rock de guitarras y armónica. Su enfoque blues era tan marcado, que fue gracias a esta canción que The Mothers of Invention consiguieron el contrato discográfico para grabar su primer disco, porque fue el único tema que escuchó el productor Tom Wilson, que creyó que estaba descubriendo una genuina banda blanca de blues. Seguramente debió "alucinar" con la propuesta del disco completo, la primera muesca en el revólver de un músico que nos regalaría una larga carrera de imprevisibles genialidades, para las que no todos los oídos estaban preparados.
jueves, 21 de octubre de 2021
0294 Who Are The Brain Police? - Frank Zappa
Who Are The Brain Police?, Frank Zappa |
En 1966 irrumpe en la banda de rock estadounidense Mothers of Invention con su primer álbum de estudio, titulado Freak Out!. El disco es grabado en marzo de ese año en los Sunset-Highland Studios of TTG Inc. de Hollywood, bajo la producción del productor estadounidense Tom Wilson, conocido por su trabajo en esa década con artistas de la talla de Bob Dylan, Simon & Garfunkel, Velvet Undergorund o Eric Burdon & The Animals entre otros muchos. El disco es publicado el 27 de junio e 1966 bajo el sello discográfico Verve Records.
El disco presenta a Frank Zappa en la voz, junto con el vocalista principal Ray Collins, el bajista Roy Estrada, el baterista Jimmy Carl Black, y el guitarrista Elliot Ingber. Este disco está considerado como uno de los primeros discos conceptuales de la música rock, donde su líder Frank Zappa, todo genio y figura, realiza desde su percepción y punto de vista, una sátira sobre la cultura pop estadounidense y la incipiente irrupción de la llamada escena freak, que en aquel momento había surgido como un componente de la subcultura bohemia, que había comenzado en California a mediados de la década de los 60, y que estaba asociada al movimiento hippie. De hecho, Freak Out! era un disco doble, y según Zappa todas las canciones tenían un contenido y un sentido, no había ninguna de relleno. Cada canción cumplía una función dentro de un concepto satírico general.
Incluida en este álbum debut de los estadounidenses con Zappa a la cabeza, se encuentra el tema Who Are The Brain Police?. Al parecer, Tom Wilson había firmado un contrato discgráfico a Mothers of Invention pensando que esta era una banda de blues blanco. Wilson había vuelto para asistir a la grabación del disco, y cuando el grupo se disponía a grabar su segundo tema, Who are The Brain Police?, el productor, consciente del error, ya estaba descolgando el teléfono para llamar a su jefe y decirle algo así como: "bueno, no es exactamente una banda de blues blanca, sino...bueno, algo parecido". sin embargo, cuanto más avanzaba el grupo en la grabación, más le gustaba lo que el grupo hacía.
Who Are The Brain Police? está reconocida por el propio Zappa como un de las canciones más aterradoras del álbum, de hecho, la idea de la canción surgió un día a las cinco de la mañana, el tema no hacía más que resonar en su mente, algo o alguien dentro de él no hacía más que cantarlo, y decidió escribirla. Reconoció que se asustó finalmente cuando la tocó en voz alta y la cantó por primera vez. No es para menos, un tema extraño donde un coro de voces de muertos vivientes apoya un ritmo de vals lento y descuidado. Mientras, las letras hacen referencia a la fusión del plástico y el cromo mientras preguntan repetidamente "Who Are The Brain Police?" (¿Quienes son la policía del cerebro?).
En una entrevista hecha en 1988, Zappa comentaba al respecto: "Mucha gente controla su propio cerebro, son como ciudadanos soldados, por así decirlo. He visto personas que voluntariamente arrestan, intentan castigar sus propios cerebros. Eso es realmente triste, es policismo cerebral vigilante. Ni siquiera es oficial, es autoimpuesto... Quiero decir, las personas que quieren convertirse en policías cerebrales aficionados, cuyo número crece todos los días, son personas que se dicen a sí mismas: 'No podría considerar eso', y luego se azotan por haber llegado tan lejos. Entonces, ni siquiera necesitan culpar a una agencia central de policía del cerebro. Hay muchas personas que voluntariamente se someten a esta mutilación."
La crítica llegó a decir de Who Are The Brain Police? cosas como que era "una de las canciones más aterradoras que jamás haya surgido de la psiqué del rock" o "una visión de la América contemporánea donde se borraba la identidad personal y la individualidad".
Un país, un artista: Oliver Mtukudzi - Zimbabwe
Tuku" Mtukudzi nació el 22 de septiembre de 1952 en Zimbabwe, creció como el mayor de siete hijos en una familia musical. Sus padres se conocieron en un concurso de coro y, según una entrevista de Músico Contemporáneo con Mtukudzi, "nunca dejaron de competir entre ellos Solían actuar y hacer que los niños decidiéramos quién era el ganador". Aunque no había radio en su casa, afirma estar familiarizado con la música de artistas como Otis Redding (con quien se lo compara con frecuencia), Wilson Pickett, The Who y Deep Purple. Los amigos de su padre pasaban por allí con frecuencia, aumentando la exposición del impresionable Mtukudzi a la mbira y la música jit.
Mtukudzi ha sido un pilar en la escena pop de su país natal desde mediados de la década de 1970. Después de lanzar su primer sencillo, "Stop before Go" (también traducido como "Stop after Orange"), en 1975, se unió a Wagon Wheels, un grupo que también incluía a la superestrella de Zimbabwe Thomas Mapfumo. De Mapfumo, tomó prestado chimurenga, que se traduce aproximadamente como "lucha por la liberación", un término que describe el tema de la música en lugar de un estilo musical. Los músicos tocaban chimurenga durante las reuniones nocturnas de los luchadores por la liberación de Zimbabwe, en los idiomas shona y ndeble que rara vez entendían los oyentes blancos. Tanto Tuku como Mapfumo construyen su música en torno a los complejos patrones de sonido rítmico que llevan el nombre de la mbira, un instrumento nativo de Zimbabwe que se toca con los pulgares. Después de dejar Wagon Wheels, Mtukudzi formó Black Spirits y comenzó a escribir canciones. Muchas de estas composiciones expresaban los "problemas que nos enfrentamos cuando eramos jóvenes, como no conseguir trabajo debido a nuestro color", dijo en una entrevista con Contemporary Musicians. El primer sencillo de The Black Spirits, "Dzandimomotera" de 1979, se convirtió en disco de oro.
Mtukudzi ha escrito canciones
socialmente relevantes porque cree que "las canciones deben hablar de
algo. Tienes que expresar un sentimiento". Combinando estilos musicales
tradicionales y modernos con letras significativas, Mtukudzi se convirtió en el
cantante más vendido en Zimbabwe y una fuerza musical a tener en cuenta en todo
el continente africano, Europa y en los Estados Unidos. El creciente interés
occidental en las músicas del mundo llevó a Mtukudzi a realizar muchas giras
fuera de Zimbabue a finales de la década de 1990 y principios de la de 2000. Mientras
la música de Nhavasigue siendo optimista y bailable, también habla de la lucha
provocada por la epidemia del sida en el continente africano. La epidemia tuvo
un efecto grande en la composición de canciones de Mtukudzi, ya que él
personalmente fue testigo de cómo tres miembros de los Espíritus Negros
sucumbían a la enfermedad, incluido su hermano menor.
Un autor muy a tener en cuenta y bucear en el legado que nos ha dejado, su música muy bailable con letras de conciencia social que promueven la responsabilidad individual, la humildad y la sensibilidad hacia el medio ambiente, además de documentar sus experiencias personales con la epidemia africana del SIDA. Musicalmente, Mtukudzi combina formas musicales africanas como los estilos chimurenga, jit y mbira. La mezcla resultante ha sido apodada música Tuku, que Mtukudzi interpreta con un estilo vocal profundo y gutural.
miércoles, 20 de octubre de 2021
0293 Wild Thing - The Troggs
Wid Thing, The Troggs |
From Nowhere es el álbum debut de la banda inglesa The Troggs. El álbum es grabado y publicado en 1966 bajo el sello discográfico Fontana Records en Reino Unido y Atco Records y Fontana Records en Estados Unidos. Incluido en este disco encontramos el tema Wild Thing.
Wild Thing fue escrita por el compositor estadounidense Chip Taylor, conocido por escribir numerosos éxitos que han interpetado artistas como PP Arnold, Janis Joplin, Anne Murray, Juice Newton, Jimi Hendrix, Chrissie Hynde, Linda Ronstadt y Emmylou Harris entre otros.
La primera versión de este tema fue grabada en 1965 por el grupo The Wild Ones. Esta banda de Nueva York se había puesto en contacto con Chip Taylor para que escribiera una canción que pudieran lanzar como sencillo. Al aceptar, Taylor en apenas unos minutos tenía escrita una canción con connotaciones sexuales, Wild Thing. En aquella versión, el sólo del medio de la canción fue intepretado por el ingeniero de grabación usando sus manos a modo de silbato. sin embargo aquella grabación de The Wild Ones y el disco lanzado por ellos apenas se vendió y el tema fue un fracaso comercial.
The Troggs graban Wild Thing y el tema es publicado en el 22 de abril de 1966. El tema fue enseñado al grupo por su mánager Larry Page, y al grupo le pareció tan extraño e inusual que decidieron grabarla. Para el sonido del sólo del medio de la canción el grupo tomó la idea el silbato, pero utilizó para reproduciro una ocarina, que es un tipo de flauta con forma de vasija. La típica ocarina suele tener entre cuatro y doce agujeros y una boquilla que se proyecta desde el cuerpo, y suele estar hecha de arcilla o cerámica. El estilo de música y sonido de esta canción fue conocido como "Caverman Rock", y el nombre del grupo, The Troggs, que significa "habitante de las cavernas", ayudó a reforzar esta imagen del grupo como exponente de este sonido, aunque posteriormente se fueron alejando de este sonido. Debido a una disputa de distribución, Wild Thing fue lanzado por dos sellos discográficos rivales: Atco Records y Fontana Records, convirtiéndose en el único sencillo que alcanzó simultáneamente el puesto número uno para dos compañías al mismo tiempo en las listas de ventas.
La música en historias: Love over gold -Dire Straits #MesDireStraits
Cuando Dire Straits publica su cuarto álbum, había experimentado ese raro lujo de ahora de tener tiempo para crecer y desarrollarse, las cinco pistas de Love Over Gold son largas pero que no os asuste, son brutalmente atractivas, son un acto lleno de calor, centrado en la forma asombrosamente fluida de tocar la guitarra de Mark Knopfler (y una habilidad colectiva asombrosamente apretada y comprensiva como grupo), a veces tenían la tendencia en sus primeros tres álbumes a volcarse en lo efímero, pero había señales de la grandeza que estaba por venir, sobre todo en la floreciente capacidad de escribir canciones de Knopfler (Romeo y Julieta de Making Movies fueron su primer éxito rotundo, una creación ligera y danzante templada por una combinación de street suss y cínica alegría digna de Paul Simon). Love Over Gold supuso un cambio de sonido (abandonaron al productor y permitieron que Knopfler produjera por su cuenta) y un salto hacia la madurez. Si bien hay un olor inquebrantable de los ochenta en todo el proyecto, las raíces de Love Over Gold en realidad se encuentran en esos tropos de rock gemelo que dominó las dos décadas precedentes: la expansividad floydiana y el mordisco lírico dylanesco. De hecho, seamos directos: Love Over Gold es Wish You Were Here y Highway 61 Revisited. Los cinco cortes siguen el plano de Wish You Were Here casi a la perfección, con dos pistas largas cargadas de fatalidad llenando el lado uno, y el lado dos que comprende un rockero, una balada y más doom para cerrar.
Telegraph Road es muy ambiciosa y realmente brilla a una gran altura, creo que se podría comparar con Bruce Springsteen ya que personalmente encuentro muchas similitudes con Thunder Road y Born to Run en esta pista, para empezaren una canción donde se percibe cierto enfado e inquietud que se ira reflejando durante todo el álbum, y aunque la canción es casi un cuarto de hora, de ninguna manera se hace larga. Private Investigation es más una canción íntima, y aunque también es larga, hace un buen uso del silencio y de los sonidos más pequeños una canción muy cinematográfica. La mayor parte de la canción pasa como una balada acústica bastante extraña y con una parte de marimba de jazz que agrega textura y suena genial, pero luego, poco después de que Knopfler lanza un solo de guitarra acústica de primer nivel, la parte principal de la canción rompe y como surgida de la anda la canción despega en una dirección completamente diferente pero aún interesante. ¡Excelente canción!
El tercer corte, Industrial Disease, corta un poco el buen rollo, es raro que la
eligieran como single, la canción viene con una melodía pop, y con un órgano fuerte,
que imprime un ritmo rápido con el que realmente te da ganas de bailar, aunque
la canción hable de la opresión y la alienación causadas por lo que Knopfler
llama 'enfermedad industrial' y se ocupa de las luchas de la clase trabajadora
que conducen, bueno, a la locura, la privación. Tiene cierto aire a Bowie, pero
no importa, es una melodía muy divertida. Love
Over Gold, se parece mucho a Private Investigations sin la parte rockera,
suave, muy pegadiza, con unas grandes guitarras eléctrica y acústica suave con
el acompañamiento de un piano, también introduce un suave xilófono de fondo que
pone fin a la canción, cuando la guitarra se detiene y el sonido de los
teclados se desvanece. It Never Rains
es una gran canción que, sí, contiene ecos líricos directos de Dylan (no de
'Mobile', sino de la canción 'I Want You', y quizás también de 'Wild Billy' de
Springsteen), termina con un solo pirotécnico extendido de Knopfler. Comienzo suave,
y retoma el mismo sonido de piano tintineante de la pista anterior, pero pronto
se hace evidente una intención más profunda, la deuda con Like a Rolling Stone
es obvia (el narrador le da un sermón a una protagonista central, probablemente
femenina, que ha atravesado tiempos difíciles, con la vaga sugerencia de
recurrir a la prostitución), pero el jubiloso sentido de redención y renacimiento
de Dylan (Cuando no tienes nada, no tienes nada que perder ) se transforma en
un absoluto infierno en la visión más sombría del mundo de Knopfler (Te lleva a
Vaudeville Valley con la mano en alto sofocando tus gritos, y te fo*** en Tin
Pan Alley en el ciudad de los mil millones de sueños). Es desesperante que esta
sea la última pista de este álbum
martes, 19 de octubre de 2021
0292: With a girl like you - The Troggs
The Troggs gozaron de su máximo nivel de popularidad en la década de los sesenta, y han llegado hasta nuestros días con la etiqueta de "one hit wonder". Esta errónea percepción del grupo de Andover (Reino Unido) viene provocada por la enorme popularidad de su canción Wild Thing (1966) que eclipsó el recuerdo de otras canciones del grupo como, por ejemplo, With a girl like you, un tema que grabaron y publicaron ese mismo año 1966.
With a girl like you, con sus pegadizos y poco sesudos coros ("Pa Ra Pa Pa Pa..."), tenía una estructura más comercial y menos garajera que Wild Thing, y a la vez más encorsetada y circunscrita a una época y un estilo de música determinados. Su marcado carácter "sesentero" quizá fue uno de los motivos por los que no llegara a trascender tanto como la mítica "Cosa Salvaje", que se beneficiaría además del empuje de una electrizante versión de Jimi Hendrix para romper todas las barreras y convertirse en uno de los temas míticos de la música.
lunes, 18 de octubre de 2021
0291: God only knows - The Beach Boys
domingo, 17 de octubre de 2021
0290.- Wouldn't It Be Nice - The Beach boys
Hablamos del primer capítulo de
la gran obra del grupo americano The Beach Boys, nos referimos a Pet Sounds, a
la que alguien definió como la capilla sixtina del pop ya que en este disco se
encuentra algunas de las creaciones más importantes y maravillosas de esa
música que irrumpió en los años cincuenta con ánimo de volverlo todo patas
arriba. Aunque muy subversiva no parece que sea, en Wouldn't It Be Nice, Brian
Wilson habla de lo maravilloso que sería ser mayor y poderse casar con su
novia, podrían después de pasar el día juntos abrazarse toda la noche. Por ello
dice que si los dos los desean, tienen esperanza y rezan quizá lo conseguirían.
Fue compuesta y producida por Brian Wilson y la letra corrió a cargo de Tony
Asher. La canción también se lanzó como un single dos meses después del
lanzamiento del álbum con “God Only Knows“como su lado B.
Y el hecho de que sea la primera canción
que escuchamos nada más poner el disco dice mucho, por un lado posiblemente es
la canción más representativa del álbum, la que todos conocemos pero por otro
lado resulta engañosa porque esta aparente "alegría" que nos dan los
primeros acordes de la canción y el tono eufórico en el que esta cantada, difícilmente
se repite durante el disco, quizás sea el espíritu surf de los primeros años de
The Beach Boys que continúa pero evolucionando al estilo armónico en que
terminaros. La canción fue compuesta por la dupla Wilson-Asher, Mike Love añade
algunas palabras a la letra, concretamente en la parte final de la canción. Y
es que el tema empieza con el guitarrista Jerry Cole tocando una guitarra de 12
cuerdas y la reverberación hace brillar la progresión de acordes introductorios
con una textura similar a la de un arpa, a lo que sigue un golpe de batería
seco a lo Phil Spector, es de las que inyectan euforia en el oyente y al
cantante que rápidamente escuchamos cantando y todo se convierte en una euforia
maravillosa, cortesía de la voz principal compartida de Wilson y Love (Wilson
en los versos, Love en el puente) y un ritmo constante. Tiene tanto
sentimiento, tanta luz y tanta melodía mágica que arrolla, resulta como una
bocanada de aire que se te mete dentro y te hace sentir feliz, pensar que todo
se va lograr y que el mundo será un lugar feliz en el que esos dos jóvenes
desamparados podrán vivir juntos toda la vida, las guitarras evocan con fuerza
la nostalgia veraniega feliz que vivirán esa pareja, donde nada de lo que
ocurra puede salir mal. Este estilo musical, sonido "feliz" y el
sentimiento de "anhelo" que encierra la letra, tendría una gran
influencia en el desarrollo del género power pop. Lo consiguieron, si querían llamar
la atención con este álbum, no pudieron elegir mejor, es un tema que te golpea
de entrada y te deja sin aliento.
Nota del autor: si realmente quieren descubrir el espiritu de la cancion y lo que provoca busquen el capitulo 24 de la serie Aquellos Maravillosos años... no lo podrian representar mejor.
La música en historias: Alchemy: Dire Straits Live #MesDireStraits
Alchemy, Dire Straits |
Hace tiempo ya, en uno de los espacios dedicados a Deep Purple, contaba como cayó en mis manos por primera vez el directo Made in Japan en mi adolescencia. Era el primer disco que escuchaba en mi vida del grupo británico, y aquella primera escucha me pareció insufrible. Además de Deep Purple, por aquella época cayó en mis manos otro directo, un tal Alchemy: Dire Straits Live. Está claro que por aquel entonces no había química alguna entre los discos en directo y yo, pues tampoco supe apreciar lo que había caído en mis manos. Rectificar es de sabios y con el tiempo, el que aquí escribe, pudo redimirse y apreciar, saborear y valorar esta obra como se merece.
La cara B del primer disco es abierta por Expresso Love, otro tema de amor incluido en Making Movies. Es uno de los temas más pesados del directo, con un potente riff de Mark Knopfler y un excelente trabajo a los teclados de Alan Clark. Private Investigations, tiempo para una excelente balada donde los teclados siguen cobrando protagonismo. Mark se basó para escribir el tema en algo que leyó sobre el personaje de Philip Marlowe. Marlowe fue un personaje, un detective privado creado por el novelista estadounidense Raymond Chandler. Cierra esta cara B y el primer disco Sultans of Swing, un tema que si ya de por sí es brutal, en directo pasa a ser una obra maestra con unos solos increíbles de Mark Knopfler. Un tema que trata sobre un grupo de chicos que después del trabajo salen a divertirse y escuchar música, y no les importa en absoluto la imagen que pueda tener la banda, lo que puede valer perfectamente para Dire Straits, lo que importa es la calidad, y de eso estos chicos van sobrados.
sábado, 16 de octubre de 2021
0289 Stuck Inside of Mobile - Bob Dylan
0289 Stuck Inside of Mobile - Bob Dylan
viernes, 15 de octubre de 2021
0288: I want you - Bob Dylan
Grabada en las primeras horas de
la mañana del 10 de marzo de 1966, la canción fue la última que se grabó para
el doble álbum de Dylan, Blonde on Blonde . Fue publicado como single en junio,
poco antes del lanzamiento del álbum obteniendo un relativo éxito para el tipo
de música del cantautor al conquistar el puesto 20 en Billboard.
I Want You cuenta con Al
Kooper en el órgano, y los músicos de Nashville reunidos por el productor de
discos Bob Johnston, la parte de Al Kooper es quizás la mas interesante y
destacada de toda la canción, al mando de un órgano Lowrey, el mismo tipo
utilizado por Garth Hudson en muchas grabaciones de The Band y Dylan / The Band.
Uno de los aspectos más llamativos de la canción es que es la típica canción de
amor sobre "he decidido nacer para estar con alguien y amarle" pero
Dylan le da la vuelta, Dylan no canta sobre 'Nací para estar contigo' , sino
más bien canta sobre “No nací para perderte” . En otras palabras, el cantante
no cree en un destino mágico de cuento de hadas, pero ahora que se ha
convertido en algo grandioso, no lo va a dejar pasar fácilmente. Como muchas
canciones de Dylan, no hay un flujo narrativo claro, y como no podía ser de
otra manera contiene una letra/mensaje bastante complicado, donde encontramos hasta
tres mujeres diferentes a lo largo de la canción. Está el objeto del afecto,
por supuesto, pero también está la Reina de Picas a la que "regresa"
, y la Sirvienta de cámara a quien el narrador "no tiene miedo de
mirar" (La Reina de Espadas y la Sirvienta de Cámara podrían ser la misma
persona, no está claro). Dylan a menudo se refiere a las mujeres como
"reinas" . Lo hace en Just Like a Woman ("Queen Mary"),
Need a Woman ("Bueno, necesito una mujer para ser mi reina") y Gates
of Eden ("Reina gitana de dos ruedas").
Pero bueno, como siempre
encontramos una letra complicada donde enredarse como un loco (Un enterrador
culpable, saxofones que hablan, madres lloronas, una taza rota y, sobre todo,
¡la misteriosa Reina de Picas! ¿Una pesadilla surrealista? el aparente anhelo
del narrador por el amor es de hecho un anhelo de algo más espiritual), en esta ocasión Dylan nos brinda un tema casi Pop, pocas veces vamos a
encontrar a un Dylan tan eufórico, con el cual incluso podemos mover un rato la
cadera y menear la cabeza mientras repetimos una y otra vez I want you (Dylan),
dentro de sus canciones pesimistas y trascendentales nos está regalando un poco
de alegría, de su estilo eso sí, pero alegría
Disco de la semana 245: Ten Summoner's Tales , Sting
Cuando escucho "Ten Summoner's Tales", mi vida mejora, y si a eso añadimos que en el momento de su publicación, mi vida iba a sufrir uno de los trances más duros que se pueden tener y que lamentablemente casi todos pasamos por ello, la única explicación posible para que ocurra esto es sencilla, es una jodida obra de arte, realizada con el corazón y con notas musicales que bailan a tu alrededor y te hace caminar con otra ilusión en el cerebro, y aunque su anterior álbum, The soul cages, fue un disco enorme, de una inusitada personalidad y de esos álbums que se te meten en el interior y le dan una vuelta al alma, (de hecho antes de la publicación de ese disco, él mismo pasó por el trance que me tocaría vivir a mi meses mas tarde) este tiene la misma capacidad pero brilla más, brilla mucho más y sumidos en la desolación aun tienes un espasmo de felicidad. Ya lo adelantó el propio Sting hablando acerca del juego de palabras de su título, Summoner (invocador) / Sumner (apellido de Sting) y señalaba que el disco iba a ser una colección divertida de cuentos e historias.
El álbum se abre con un irresistible y palpitante R&B titulado “If I Ever Lose My Faith In You”, una canción cuya fuerte batería rítmica es casi hipnótica arropada por unas guitarras en capas y densos sintetizadores que le dan a esta melodía una gran cantidad de carácter y se contagia, el uso inteligente de la armónica y la pandereta proporciona textura en la mezcla y son regalos adicionales que marcan una gran diferencia en el producto final, si además se reviste con una letra como "Se podría decir que perdí mi fe en la ciencia y el progreso / se podría decir que perdí mi fe en la santa iglesia / se podría decir que perdí el sentido de la orientación / se podría decir todo esto y cosas peores… ” Toda una declaración de intenciones, se puede sobrevivir a la muerte de casi cualquier cosa, salvo a la creencia y confianza de un amor incondicional. Este tema fue el primer sencillo del álbum. Continuamos con algo asi como un spaghetti western “Love is Stronger Than Justice (The Munificent Seven)” podría haber quedado ridícula pero el compás de 7/8 que consigue le da a la canción un delicioso toque de jazz, atentos a la batería porque aquí se hace la dueña de todo y ese final con piano le da otra dimensión a la canción. “El amor es más fuerte que la justicia / El amor es más espeso que la sangre / El amor es más fuerte que la justicia / El amor es un gran gordo río en sangre” “Fields of Gold” admito que tengo una debilidad en mi corazón por la nostalgia romántica y ese tema es sin duda de los que más me han tocado, es cálida y poéticamente romántica, la canción es ideal para un alma que todavía tiene por delante largas y oscuras noches, un órgano y un tambor lento se suman al poder de la canción y Sting expone un corazón herido mientras canta: "Me recordarás cuando el viento del oeste se mueva / Sobre los campos de cebada / Olvidarás el sol en sus celos cielo / Mientras caminamos en campos de oro ".
Ojo a la sensación de
jazz / funk que él y su banda hicieron para “Heavy Cloud No Rain”, una divertida observación de la frustración
humana en sus diversas formas, la guitarra de Miller se desliza como una víbora
en una misión de malas intenciones y tanto el órgano como la armónica
contribuyen en gran medida a la atmósfera fresca y turbia de la cancion. "She's Too Good For Me" solo
dos minutos y medio para una canción que empieza con un ritmo estruendoso y
endiablado como si no pudiéramos permanecer en paz ni un solo segundo, pero
justo cuando crees que Sting se está volviendo loco, lanza un cuarteto de
cuerdas de jazz a mitad de camino que resalta su sentido inteligente y uso del
humor. Se trata de una pareja que no tiene nada en común más que una vida
sexual excepcional juntos, pero eso es suficiente para que él aguante sus quejas,
es sin duda una de las canciones mas extrañas del principio de su discografía. "Seven Days", es una canción con
una percusión esbelta y ajustada, el ingenio de Sting se muestra una vez más,
mientras el protagonista de la historia debe luchar contra un rival por la mano
de la chica que ama. “El hecho de que
mida un metro ochenta / podría infundir miedo en otros hombres / pero no en mí,
la pulga poderosa / pregunta si soy un ratón o un hombre / el espejo chirrió /
huí corriendo”, otra canción que juega con complicados e inesperados
cambios de ritmo.