lunes, 25 de octubre de 2021

La música en historias: On Every Street #MesDireStraits


"Tiene que haber un registro tuyo en algún lugar. Tienes que estar en los libros de alguien. La verdad, una foto de tu rostro, tu mirada herida. Lo sagrado y lo profano, el placer y el dolor. En algún lugar, tus huellas dactilares siguen siendo concretas. Y es tu cara la que busco en cada calle"

Analizando la letra de On every street, la canción que daba título al que sería último disco de la banda liderada por Mark Knopfler, es imposible preguntarse por lo que verdaderamente andaba buscando el genial guitarrista de la cinta en el pelo. ¿Era una mujer o, por el contrario, era su propio rostro el que estaba buscando, en una crisis de identidad que le llevó a plantearse buscar otros caminos en solitario?  

Knopfler ya había dado inquietantes muestras de andar explorando otros caminos por separado, como su disco con The Notting Hillbillies, o el trabajo a dúo con Chet Atkins, o su cada vez más habitual firma en bandas sonoras como La princesa prometida o Last exit to Brooklyn, pero todo se desencadenó cuando, tras una extenuante gira mundial y con el alto listón de reconocimiento y ventas de discos anteriores, la apuesta por el entonces nuevo disco de Dire Straits no terminó de convencer a los críticos especializados y a sus seguidores más fieles.

Y eso que hablamos de un gran disco, que vendió también lo suyo, y fue nº 1 en varios países europeos (incluyendo España) y que contiene piezas tan exultantes en instrumentación y oficio como Calling Elvis, todo un curso avanzado del mejor rock en el arranque del álbum, y el primer single con el que intentaron llegar a cada calle y oídos del mundo. Todo un homenaje a Elvis Presley, que en directo alargaban hasta los diez minutos con toda la banda luciéndose en largos solos. 

El disco continúa con On every street, la canción titular, que habría lucido más como portentoso cierre del disco. Un tema portentoso que va creciendo desde una primera parte de balada lenta de piano y voz, con arreglos de clarinete y guitarra, hasta llegar al desarrollo final en el que la banda coge ritmo y la guitarra de Knopfler despega hacia el cielo cual dron recorriendo todas las calles de la ciudad. La paleta de colores y estilos del disco refleja también la inquietud existencial y musical en la que Knopfler se estaba moviendo, y el sofisticado y elegante country rock de When it comes to you es el siguiente ejemplo, con tramos que recuerdan a grandes momentos de sus primeros discos.

La cosa no queda ahí, porque en Fade to black la banda pisa el freno y se adentra en terrenos jazzísticos, y hasta el registro vocal de Knopfler cambia de manera tan brillante como sorprendente. A continuación, llega el ritmo alegre y juguetón de The Bug, inevitable single por su ritmo rockabilly y su poderoso estribillo. Un tema 100% Dire Straits y a la altura de sus mejores temas de antaño, que habría merecido un lugar más destacado dentro de la secuenciación del álbum, en lugar de quedar algo perdido en el final de la primera cara, como antesala de You and your friend, una balada correcta con la que cierran la primera parte del disco, y que tiene como parte más destacable un buen duelo de guitarras entrelazadas.

La cara B abre con Heavy fuel, de intensidad rockera y, de nuevo, certero estribillo marca de la casa, y un ritmo que recuerda al Money for nothing del aclamado Brothers in Arms. Le sigue la sombría Iron hand, con su ritmo de dobro y sus reflexiones sobre lo absurdo de las guerras y los enfrentamientos en los que siempre acaba cayendo el ser humano. El disco cambia, una vez más, de estilo en Ticket to heaven, una sorprendente canción con ritmo de baile de salón, en la que vuelve a destacar la elaborada instrumentación, a base de brillantes partes de piano y arreglos de cuerda a cargo de, ni más ni menos, George Martin.

La última parte del disco la completan la satírica My parties, sobre el lujo y el vacío de las fiestas de la jet set, que a punto estuvo de convertirse en un descarte; Planet of New Orleans, un viejo tema sobre la mítica Bourbon Street que fue regrabado para el álbum) y How long, un alegre tema country cuya ligereza me reafirma en que el mejor cierre habría sido simple y llanamente, On every street. Si Knopfler ya barruntaba el final de la aventura con Dire Straits, que mejor final para su nave nodriza que el que hacía referencia a "Una sinfonía de tres acordes que se estrella en el espacio".

La letra va aún más allá, anticipando la sensación de abandono y sin sentido que nos dejó la marcha al limbo de Dire Straits: "La luna esta colgando boca abajo, no sé por qué sigo en el caso". Así nos quedamos desde entonces, patidifusos, colgando boca abajo. El mundo al revés, Knopfler sin Dire Straits. "Me parece un desperdicio, y cada victoria tiene un sabor agridulce. Y es tu cara la que busco en cada calle". Yo aún la sigo buscando, desde aquel ya lejano On Every Street.

domingo, 24 de octubre de 2021

0297: Reach Out I'll Be There - Four Tops

0297: Reach Out I'll Be There - Four Tops

Reach Out I'll Be There, también conocida como Reach Out, está es una canción grabada por el grupo Four Tops y está canción fue incluida en su cuarto álbum de estudio Reach Out el cual fue lanzado en el año 1966. 

La canción fue escrita y producida por  Holland-Dozier-Holland, Reach Out I'll Be There es una de las canciones más conocidas de la década de 1960, y hoy se considera una de las canciones mejor rankeadas de Four Tops.

Todo ese éxito se muestra en los logros que alcanzó la banda, comenzando con el número uno en la lista Rhythm & Blues durante dos semanas, y en la lista Billboard Hot 100 también estuvo durante dos semanas, del 15 al 22 de octubre de 1966. 

La canción también alcanzó los números uno de otras listas importantes, como la lista UK Singles Chart, convirtiéndose en el segundo ganador de éxitos de Motown en el Reino Unido después del lanzamiento de Baby Love de The Supremes en 1964, la canción de Four Tops desplazó del podio a Distant Drums de Jim Reeves en el número uno en octubre de 1966, y se quedó allí durante tres semanas antes de ser reemplazado por Good Vibrations de The Beach Boys en noviembre, Reach Out I'll Be There se metió en los mejores rankings de música de la historia 

El éxito de esta canción está reconocida también por la revista Rolling Stone quiénes incluyeron esta versión en el número 206 en su lista de "Las 500 mejores canciones de todos los tiempos. Billboard" y es clasificada como la canción número cuatro del año 1966.

Esta versión también está actualmente clasificada como la número 56 de mejores canciones de todos los tiempos en una lista de críticos en Acclaimed Music.

Daniel
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sábado, 23 de octubre de 2021

0296.- Sunshine Superman - Donovan



El tercer álbum de Donovan se llamó Sunshine Superman, título que también llevaba la canción estrella y quizás estemos el mejor disco del cantautor Escoces. Nacido en Glasgow en 1946, Donovan se enamoró rápidamente de la música folclórica, siempre contracorriente decidió no montarse en el carro de las tendencias beatnik e intentar abrir nuevos caminos, siempre lo ha tenido en su naturaleza y personalidad. Cuando apenas tenía la mayoría de edad a finales de 1964, Donovan tenía un estilo musical muy similar a Bob Dylan en ese momento, lo que sin duda fue perjudicial para él, no vamos a engañarnos, no contaba con el talento del cantautor de Minnessotta. Es entonces cuando va a tomar la decisión de cambiar de productores y gestores, y tomar la nueva ola emergente del psicodelismo cultural, publica el álbum que solo se lanza en los Estados Unidos por razones contractuales, compuesto por solo 10 canciones, Sunshine Superman no solo es una evolución personal y artística masiva, sino también uno de los primeros álbumes de Psychedelic Pop y Psychedelic Folk. Por primera vez, Donovan se arremanga para entregar un álbum compuesto íntegramente por canciones originales que él mismo escribió, mientras que los anteriores solo ofrecían versiones, su estilo de interpretación, a veces cercano al pop barroco, le permite florecer por completo en las historias y el paisaje alucinantes que crea.

 

El sencillo "Sunshine Superman" que abre el álbum te prepara para lo que vas escuchar y establece un tempo que es casi imposible de seguir, ya que la canción fue tan inesperada como "Monday Monday" de Mama's y The Papa's, donde los oyentes casi se detuvieron en seco, perdidos en la música y las letras fascinantes ... sonidos que contrastaban sólidamente con todo lo que escuchábamos en las emisoras en esos días. Si bien es cierto que Donovan todavía estaba perdido en sus suaves manuscritos medievales y visiones temáticas, mezclados con clavecines barrocos y guitarras acústicas de capas ligeras, ofrece una calidad vivaz de encanto, melodías pero queda demasiado rudo y suena como la canción que debería haber explotado pero que nunca lo hizo, y se quedó en el tipo de canción que la gente baila en el espejo en ropa interior y con gafas de sol oscuras. El bajo se desliza mientras Sitar gira detrás de él envolviendo la pista en psicodelia. El tema es una respuesta a su entonces novia Linda Lawrence quien se recuperaba de su ruptura amorosa con Brian Jones, fundador de The Rolling Stones, extraña canción de amor que inicialmente nos dice: “Hoy el resplandor del sol entró por mi ventana / pude hacerlo fácil pero cambié mis maneras / me tomaré el tiempo, lo sé pero pronto / tú serás mía. Para finalizar mencionaremos que se pueden escuchar las notas de Jimmy Page y John Paul Jones, que se vuelven psicodélicos.


viernes, 22 de octubre de 2021

Disco de la semana 246: Come On In - R. L. Burnside

 

Come On In, R. L. Burnside


     Para la recomendación semanal de turno traemos una propuesta diferente, blues del Delta entremezclado con música electrónica y trip hop (fusión de hip hop con músia electrónica). El artifice: R. L. Burnside, uno de los grandes precursores del blues del Delta, y más concretamente de un estilo conocido como Trance Blues.

R. L. Burnside nace en 1926 en Harmontown, Mississippi (Estados Unidos), si bien pasa la mayor parte de su vida en Holy Spings, también en Mississippi. Su padre abandona a la familia desde que R. L. es pequeño, por lo que éste crece con su madre, sus abuelos y sus hermanos. De pequeño empezó a tocar la armónica y la guitarra, siendo una de sus principales influencias Mississippi Fred Mcdowell, quien era vecino suyo. Otras influencias para él fueron John Lee Hooker y Muddy Waters

A finales de la década de los 40 se muda a Chicago en busca de más oportunidades económicas, encontrando trabajo en varias fábricas dedicadas al vidrio y el metal. En menos de un año de su estancia en Chicago, un hermano suyo, su padre, quien vive allí, y un tío suyo son asesinados, por lo que Bunside, destrozado, regresa a Mississippi. En 1959 R. L. mata a un hombre debido a una disputa originada por el dinero que se juega jugando a los dados, aunque únicamente pasa 6 meses en la carcel gracias a la intermediación de su patrón, quien necesita al músico para que conduzca el tractor de donde trabaja.

Durante las décadas de los 60 hasta lo 90, R. L. Burnside pasó los siguientes años en Mississippi ejerciendo como músico a tiempo parcial, mientras trabajaba como aparcero, como pescador y como conductor de camión. Alternaba su trabajo tocando en locales de música, bares, picnics, fiestas, y en algún festival ocasionalmente. Durante esas décadas Burnside grabó varios discos, tanto en solitario como con una banda formada por él junto a dos de sus hijos y un nuero, llegando incluso a grabar en Holanda. Hasta entonces, en toda su obra predomina la guitarra acústica. Lo que no sabía R. L. es que su vida daría un giro inesperado en la década de los 90 que le permitría vivir completamente de la música, algo que no había logrado hasta entonces. 

A principios de los 90 R.L. consigue que Matthew Johnson se fije en él y le fiche para su sello recién salido sello discográfico Fat Possum Records. Así publica Bad Luck City en 1992, y Too Bad for Jim en 1994, los cuales le empiezan a prpoporcionar cierto éxito. En 1996, la banda de punk-rock-blues John Spencer Blues Explotion se fija en él gracias a estos últimos discos y graba con él el álbum A Ass Pocket of Whiskey, realizando además una posterior gira con él. Si bien este disco con un toque muy duro y crudo, no fue muy bien visto por por el sector más purista del blues, pero le abrió las puertas de otro sector, el de un público que se movía en una escena más undergorund del rock. 



En 1997 los dirigentes de su sello discográfico, Fat Possum Records, son conscientes que uno de sus artistas más punteros, R. L. Burnside, se está devaluando, debido en parte a la mala recepción por parte de la crítica de su último diso hasta entonces, Mr Wizzard. Deciden proponerle entonces un disco donde el blues se encuentre con la música electrónica. En un Principio Burnside, quien tiene ya 71 años, se muestra escéptico sobre esta idea, si bien al final decide apostar por el inusual proyecto. El álbum fue producido casi en su totalidad por el músico, compositor y productor de discos estadounidense Tom Rothrock, a excepción de una versión en vivo del tema Come On In, el cual fue producido por músico y productor, presentador de programas de radio y propietario de un local de música en Phoenix, Arizona, Bob Corritore

Así se gesta el álbum Come On In, publicado en 1998 por el sello discográfico Fat Possum Records, donde se mezcla y fusiona el blues y la guitarra de R. L Burnside con la musica dance y la música eléctrónica, incorporando además técnicas de muestreo y de bucle. Una fusión que en un principio fue considerada inusual por la crítica, y que acabó recibiendo ellogios por parte de ésta, consiguiendo además unas buenas cifras en ventas. 

Come On In remezcla la música de Burnside con ritmos electrónicos, dando como resultado una ruidosa fusión de blues con música dance. Más raro es aún encontrarse en un disco de blues del delta con música programada y remezclada, pero Burnside hace que ésta fusión fluya como algo natural, dejando que a lo largo del disco el blues se vaya entremezclando y cortando con ritmos eléctrónicos y de hip hop.

Se esperaba que Come In On alejara a los más puristas del blues, pero este se vendió con fuerza llegando a alcanzar el puesto número 20 en el Core Chart Radio, y parte de la crítica vio este álbum como la próxima evolución del blues. Un disco donde podemos disfrutar, por ejemplo, de temas con fuertes riffs como Let My Baby Ride, o temas más remezclados como Don't Stop Honey y It's Bad You Know. Come On In y Just Like a Woman son por el contrario los temas menos tecnificados del disco, más naturales. Un disco que no te dejará indiferente en absoluto.

0295: Trouble Everyday - Frank Zappa & The Mothers of Invention


Trouble Every Day
, o Trouble Comin' Every day (como aparecía en las primeras copias que se prensaron de Freak Out! ("¡Alucina!"), el disco de debut de The Mothers of Invention) fue escrita por Frank Zappa después de ver en televisión un reportaje sobre los disturbios que en 1965 se estaban produciendo en el vecindario de Watts en Los Angeles, tras el arresto de un motorista afromericano de 21 años. La familia se resistió al arresto, y la fuerte tensión entre la población negra y la policía desencadenó que todo el vecindario se sumara a la protesta, provocando saqueos y enfrentamientos con la policía durante seis largos y tensos días. El resultado fueron 34 muertes y más de 1.000 heridos, en el que sería el peor episodio de disturbios hasta los posteriores de Los Ángeles en 1992.

La canción se titulaba originalmente The Watts Riot Song ("la canción del disturbio de Watts"), y su letra es una denuncia tanto de la violencia racial como de las desigualdades sociales de la época, en clave de blues rock de guitarras y armónica. Su enfoque blues era tan marcado, que fue gracias a esta canción que The Mothers of Invention consiguieron el contrato discográfico para grabar su primer disco, porque fue el único tema que escuchó el productor Tom Wilson, que creyó que estaba descubriendo una genuina banda blanca de blues. Seguramente debió "alucinar" con la propuesta del disco completo, la primera muesca en el revólver de un músico que nos regalaría una larga carrera de imprevisibles genialidades, para las que no todos los oídos estaban preparados.

jueves, 21 de octubre de 2021

0294 Who Are The Brain Police? - Frank Zappa

 


Who Are The Brain Police?, Frank Zappa


     En 1966 irrumpe en la banda de rock estadounidense Mothers of Invention con su primer álbum de estudio, titulado Freak Out!. El disco es grabado en marzo de ese año en los Sunset-Highland Studios of TTG Inc. de Hollywood, bajo la producción del productor estadounidense Tom Wilson, conocido por su trabajo en esa década con artistas de la talla de Bob Dylan, Simon & Garfunkel, Velvet Undergorund o Eric Burdon & The Animals entre otros muchos. El disco es publicado el 27 de junio e 1966 bajo el sello discográfico Verve Records

El disco presenta a Frank Zappa en la voz, junto con el vocalista principal Ray Collins, el bajista Roy Estrada, el baterista Jimmy Carl Black, y el guitarrista Elliot Ingber. Este disco está considerado como uno de los primeros discos conceptuales de la música rock, donde su líder Frank Zappa, todo genio y figura, realiza desde su percepción y punto de vista, una sátira sobre la cultura pop estadounidense y la incipiente irrupción de la llamada escena freak, que en aquel momento había surgido como un componente de la subcultura bohemia, que había comenzado en California a mediados de la década de los 60, y que estaba asociada al movimiento hippie. De hecho, Freak Out! era un disco doble, y según Zappa todas las canciones tenían un contenido y un sentido, no había ninguna de relleno. Cada canción cumplía una función dentro de un concepto satírico general.

Incluida en este álbum debut de los estadounidenses con Zappa a la cabeza, se encuentra el tema Who Are The Brain Police?. Al parecer, Tom Wilson había firmado un contrato discgráfico a Mothers of Invention pensando que esta era una banda de blues blanco. Wilson había vuelto para asistir a la grabación del disco, y cuando el grupo se disponía a grabar su segundo tema, Who are The Brain Police?, el productor, consciente del error, ya estaba descolgando el teléfono para llamar a su jefe y decirle algo así como: "bueno, no es exactamente una banda de blues blanca, sino...bueno, algo parecido". sin embargo, cuanto más avanzaba el grupo en la grabación, más le gustaba lo que el grupo hacía. 

Who Are The Brain Police? está reconocida por el propio Zappa como un de las canciones más aterradoras del álbum, de hecho, la idea de la canción surgió un día a las cinco de la mañana, el tema no hacía más que resonar en su mente, algo o alguien dentro de él no hacía más que cantarlo, y decidió escribirla. Reconoció que se asustó finalmente cuando la tocó en voz alta y la cantó por  primera vez. No es para menos, un tema extraño donde un coro de voces de muertos vivientes apoya un ritmo de vals lento y descuidado. Mientras, las letras hacen referencia a la fusión del plástico y el cromo mientras preguntan repetidamente "Who Are The Brain Police?" (¿Quienes son la policía del cerebro?).

En una entrevista hecha en 1988, Zappa comentaba al respecto: "Mucha gente controla su propio cerebro, son como ciudadanos soldados, por así decirlo. He visto personas que voluntariamente arrestan, intentan castigar sus propios cerebros. Eso es realmente triste, es policismo cerebral vigilante. Ni siquiera es oficial, es autoimpuesto... Quiero decir, las personas que quieren convertirse en policías cerebrales aficionados, cuyo número crece todos los días, son personas que se dicen a sí mismas: 'No podría considerar eso', y luego se azotan por haber llegado tan lejos. Entonces, ni siquiera necesitan culpar a una agencia central de policía del cerebro. Hay muchas personas que voluntariamente se someten a esta mutilación."

La crítica llegó a decir de Who Are The Brain Police? cosas como que era "una de las canciones más aterradoras que jamás haya surgido de la psiqué del rock" o "una visión de la América contemporánea donde se borraba la identidad personal y la individualidad".

Un país, un artista: Oliver Mtukudzi - Zimbabwe


Tuku" Mtukudzi nació el 22 de septiembre de 1952 en Zimbabwe, creció como el mayor de siete hijos en una familia musical. Sus padres se conocieron en un concurso de coro y, según una entrevista de Músico Contemporáneo con Mtukudzi, "nunca dejaron de competir entre ellos Solían actuar y hacer que los niños decidiéramos quién era el ganador". Aunque no había radio en su casa, afirma estar familiarizado con la música de artistas como Otis Redding (con quien se lo compara con frecuencia), Wilson Pickett, The Who y Deep Purple. Los amigos de su padre pasaban por allí con frecuencia, aumentando la exposición del impresionable Mtukudzi a la mbira y la música jit.

Mtukudzi ha sido un pilar en la escena pop de su país natal desde mediados de la década de 1970. Después de lanzar su primer sencillo, "Stop before Go" (también traducido como "Stop after Orange"), en 1975, se unió a Wagon Wheels, un grupo que también incluía a la superestrella de Zimbabwe Thomas Mapfumo. De Mapfumo, tomó prestado chimurenga, que se traduce aproximadamente como "lucha por la liberación", un término que describe el tema de la música en lugar de un estilo musical. Los músicos tocaban chimurenga durante las reuniones nocturnas de los luchadores por la liberación de Zimbabwe, en los idiomas shona y ndeble que rara vez entendían los oyentes blancos. Tanto Tuku como Mapfumo construyen su música en torno a los complejos patrones de sonido rítmico que llevan el nombre de la mbira, un instrumento nativo de Zimbabwe que se toca con los pulgares. Después de dejar Wagon Wheels, Mtukudzi formó Black Spirits y comenzó a escribir canciones. Muchas de estas composiciones expresaban los "problemas que nos enfrentamos cuando eramos jóvenes, como no conseguir trabajo debido a nuestro color", dijo en una entrevista con Contemporary Musicians. El primer sencillo de The Black Spirits, "Dzandimomotera" de 1979, se convirtió en disco de oro.

 

Mtukudzi ha escrito canciones socialmente relevantes porque cree que "las canciones deben hablar de algo. Tienes que expresar un sentimiento". Combinando estilos musicales tradicionales y modernos con letras significativas, Mtukudzi se convirtió en el cantante más vendido en Zimbabwe y una fuerza musical a tener en cuenta en todo el continente africano, Europa y en los Estados Unidos. El creciente interés occidental en las músicas del mundo llevó a Mtukudzi a realizar muchas giras fuera de Zimbabue a finales de la década de 1990 y principios de la de 2000. Mientras la música de Nhavasigue siendo optimista y bailable, también habla de la lucha provocada por la epidemia del sida en el continente africano. La epidemia tuvo un efecto grande en la composición de canciones de Mtukudzi, ya que él personalmente fue testigo de cómo tres miembros de los Espíritus Negros sucumbían a la enfermedad, incluido su hermano menor.

Mtukudzi también ha podido realizar una carrera cinematográfica, coprotagonizando producciones cinematográficas de Zimbabwe como Jit. La comedia romántica es reconocida como la primera película comercial producida íntegramente con un elenco de Zimbabwe. La película también contó con una banda sonora de Mtukudzi que incluía la canción "What's Going On?". El ritmo contagioso de la canción llamó la atención de Bonnie Raitt, quien utilizó la composición como base para su colaboración de 1998 con Mtukudzi, "One Belief Away".

Un autor muy a tener en cuenta y bucear en el legado que nos ha dejado, su música muy bailable con letras de conciencia social que promueven la responsabilidad individual, la humildad y la sensibilidad hacia el medio ambiente, además de documentar sus experiencias personales con la epidemia africana del SIDA. Musicalmente, Mtukudzi combina formas musicales africanas como los estilos chimurenga, jit y mbira. La mezcla resultante ha sido apodada música Tuku, que Mtukudzi interpreta con un estilo vocal profundo y gutural. 

miércoles, 20 de octubre de 2021

0293 Wild Thing - The Troggs

 

Wid Thing, The Troggs


     From Nowhere es el álbum debut de la banda inglesa The Troggs. El álbum es grabado y publicado en 1966 bajo el sello discográfico Fontana Records en Reino Unido y Atco Records y Fontana Records en Estados Unidos. Incluido en este disco encontramos el tema Wild Thing.

Wild Thing fue escrita por el compositor estadounidense Chip Taylor, conocido por escribir numerosos éxitos que han interpetado artistas como PP Arnold, Janis Joplin, Anne Murray, Juice Newton, Jimi Hendrix, Chrissie Hynde, Linda Ronstadt y Emmylou Harris entre otros. 

La primera versión de este tema fue grabada en 1965 por el grupo The Wild Ones. Esta banda de Nueva York se había puesto en contacto con Chip Taylor para que escribiera una canción que pudieran lanzar como sencillo. Al aceptar, Taylor en apenas unos minutos tenía escrita una canción con connotaciones sexuales, Wild Thing. En aquella versión, el sólo del medio de la canción fue intepretado por el ingeniero de grabación usando sus manos a modo de silbato. sin embargo aquella grabación de The Wild Ones y el disco lanzado por ellos apenas se vendió y el tema fue un fracaso comercial.

The Troggs graban Wild Thing y el tema es publicado en el 22 de abril de 1966. El tema fue enseñado al grupo por su mánager Larry Page, y al grupo le pareció tan extraño e inusual que decidieron grabarla. Para el sonido del sólo del medio de la canción el grupo tomó la idea el silbato, pero utilizó para reproduciro una ocarina, que es un tipo de flauta con forma de vasija. La típica ocarina suele tener entre cuatro y doce agujeros y una boquilla que se proyecta desde el cuerpo, y suele estar hecha de arcilla o cerámica. El estilo de música y sonido de esta canción fue conocido como "Caverman Rock",  y el nombre del grupo, The Troggs, que significa "habitante de las cavernas", ayudó a reforzar esta imagen del grupo como exponente de este sonido, aunque posteriormente se fueron alejando de este sonido. Debido a una disputa de distribución, Wild Thing fue lanzado por dos sellos discográficos rivales: Atco Records y Fontana Records, convirtiéndose en el único sencillo que alcanzó simultáneamente el puesto número uno para dos compañías al mismo tiempo en las listas de ventas.

La música en historias: Love over gold -Dire Straits #MesDireStraits

 



Cuando Dire Straits publica su cuarto álbum, había experimentado ese raro lujo de ahora de tener tiempo para crecer y desarrollarse, las cinco pistas de Love Over Gold son largas pero que no os asuste, son brutalmente atractivas, son un acto lleno de calor, centrado en la forma asombrosamente fluida de tocar la guitarra de Mark Knopfler (y una habilidad colectiva asombrosamente apretada y comprensiva como grupo), a veces tenían la tendencia en sus primeros tres álbumes a volcarse en lo efímero, pero había señales de la grandeza que estaba por venir, sobre todo en la floreciente capacidad de escribir canciones de Knopfler (Romeo y Julieta de Making Movies fueron su primer éxito rotundo, una creación ligera y danzante templada por una combinación de street suss y cínica alegría digna de Paul Simon). Love Over Gold supuso un cambio de sonido (abandonaron al productor y permitieron que Knopfler produjera por su cuenta) y un salto hacia la madurez. Si bien hay un olor inquebrantable de los ochenta en todo el proyecto, las raíces de Love Over Gold en realidad se encuentran en esos tropos de rock gemelo que dominó las dos décadas precedentes: la expansividad floydiana y el mordisco lírico dylanesco. De hecho, seamos directos: Love Over Gold es Wish You Were Here y Highway 61 Revisited. Los cinco cortes siguen el plano de Wish You Were Here casi a la perfección, con dos pistas largas cargadas de fatalidad llenando el lado uno, y el lado dos que comprende un rockero, una balada y más doom para cerrar.


Telegraph Road es muy ambiciosa y realmente brilla a una gran altura, creo que se podría comparar con Bruce Springsteen ya que personalmente encuentro muchas similitudes con Thunder Road y Born to Run en esta pista, para empezaren una canción donde se percibe cierto enfado e inquietud que se ira reflejando durante todo el álbum, y aunque la canción es casi un cuarto de hora, de ninguna manera se hace larga. Private Investigation es más una canción íntima, y ​​aunque también es larga, hace un buen uso del silencio y de los sonidos más pequeños una canción muy cinematográfica. La mayor parte de la canción pasa como una balada acústica bastante extraña y con una parte de marimba de jazz que agrega textura y suena genial, pero luego, poco después de que Knopfler lanza un solo de guitarra acústica de primer nivel, la parte principal de la canción rompe y como surgida de la anda la canción despega en una dirección completamente diferente pero aún interesante. ¡Excelente canción! 

El tercer corte, Industrial Disease, corta un poco el buen rollo, es raro que la eligieran como single, la canción viene con una melodía pop, y con un órgano fuerte, que imprime un ritmo rápido con el que realmente te da ganas de bailar, aunque la canción hable de la opresión y la alienación causadas por lo que Knopfler llama 'enfermedad industrial' y se ocupa de las luchas de la clase trabajadora que conducen, bueno, a la locura, la privación. Tiene cierto aire a Bowie, pero no importa, es una melodía muy divertida. Love Over Gold, se parece mucho a Private Investigations sin la parte rockera, suave, muy pegadiza, con unas grandes guitarras eléctrica y acústica suave con el acompañamiento de un piano, también introduce un suave xilófono de fondo que pone fin a la canción, cuando la guitarra se detiene y el sonido de los teclados se desvanece. It Never Rains es una gran canción que, sí, contiene ecos líricos directos de Dylan (no de 'Mobile', sino de la canción 'I Want You', y quizás también de 'Wild Billy' de Springsteen), termina con un solo pirotécnico extendido de Knopfler. Comienzo suave, y retoma el mismo sonido de piano tintineante de la pista anterior, pero pronto se hace evidente una intención más profunda, la deuda con Like a Rolling Stone es obvia (el narrador le da un sermón a una protagonista central, probablemente femenina, que ha atravesado tiempos difíciles, con la vaga sugerencia de recurrir a la prostitución), pero el jubiloso sentido de redención y renacimiento de Dylan (Cuando no tienes nada, no tienes nada que perder ) se transforma en un absoluto infierno en la visión más sombría del mundo de Knopfler (Te lleva a Vaudeville Valley con la mano en alto sofocando tus gritos, y te fo*** en Tin Pan Alley en el ciudad de los mil millones de sueños). Es desesperante que esta sea la última pista de este álbum


martes, 19 de octubre de 2021

0292: With a girl like you - The Troggs


The Troggs
gozaron de su máximo nivel de popularidad en la década de los sesenta, y han llegado hasta nuestros días con la etiqueta de "one hit wonder". Esta errónea percepción del grupo de Andover (Reino Unido) viene provocada por la enorme popularidad de su canción Wild Thing (1966) que eclipsó el recuerdo de otras canciones del grupo como, por ejemplo, With a girl like you, un tema que grabaron y publicaron ese mismo año 1966.

With a girl like you, con sus pegadizos y poco sesudos coros ("Pa Ra Pa Pa Pa..."), tenía una estructura más comercial y menos garajera que Wild Thing, y a la vez más encorsetada y circunscrita a una época y un estilo de música determinados. Su marcado carácter "sesentero" quizá fue uno de los motivos por los que no llegara a trascender tanto como la mítica "Cosa Salvaje", que se beneficiaría además del empuje de una electrizante versión de Jimi Hendrix para romper todas las barreras y convertirse en uno de los temas míticos de la música.

Solo tres años después, en 1969, y ante la falta de éxitos, los Troggs echaron el cierre a su aventura musical, dejando para la historia algunas (pocas) canciones memorables. No sólo fue Wild thing, también debemos recordarles por Love Is All Around (así es, la canción original es de The Troggs y la de Wet Wet Wet era una edulcorada versión), Night of the Long Grass, o éste With a girl like you, la canción sobre la chica con la que querían pasar toda su vida, para evitar así la soledad, y no sentirse nunca más un "one hit wonder".

lunes, 18 de octubre de 2021

0291: God only knows - The Beach Boys

0291: God only knows - The Beach Boys

Según Brian Wilson, la canción God only knows incluida en el disco Pet Sounds fue una de las más rápidas que compuso en su carrera como artista, esta fue escrita junto al compositor Tony Asher, en tan sólo cuarenta y cinco minutos.

Cuarenta y cinco minutos según Brian Wilson ese fue el tiempo que le tomó para la creación de la canción God Only Knows, una de las canciones más populares de la banda The Beach Boys es de hecho una de las más reproducida en Spotify, y como hemos dicho incluida en el álbum Pet Sounds de 1966, uno de los álbumes los más influyentes en la carrera del grupo.

God Only Knows es la octava canción del álbum Pet Sounds y una de las canciones más célebres del grupo musical estadounidense The Beach Boys y Pet Sounds es el undécimo álbum de estudio de la banda de rock estadounidense The Beach Boys, que lanzó el 16 de mayo de 1966.

Es una de las primeras canciones pop en las que se usa la palabra Dios (God) en su título pero no sólo eso, la canción representa también una novedad técnica y sofisticada en relación con lo que vendría de The Beach Boys, y de cualquier otro grupo pop de la época, en particular por su estructura melódica y por la armonización vocal de los coros. En la introducción es posible escuchar instrumentos más bien inusuales para el género, como el clavicémbalo y la trompa.

Según el músico Brian Wilson, el cual diría en su autobiografía Wouldn't It Be Nice: My Own Story que la melodía de la canción God only knows surgiría gracias a cierta pieza musical de Johann Sebastian Bach que el artista había escuchado. Y sostiene en sus comentarios que la canción "fue una visión que tanto Tony como yo tuvimos, Es como quedarse ciego pero en esa ceguera poder ver más. Cierras los ojos y eres capaz de ver un lugar o algo que sucede". 

Una curiosidad God Only Knows fue traducida al español como Solo Dios sabe por los músicos argentinos Charly García y Pedro Aznar en 1991 e incluida en su álbum de estudio Tango 4 el cual tuvo buena difusión, así que esta es una de las pocas versiones de una canción de The Beach Boys traducida al español. 

Daniel 
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domingo, 17 de octubre de 2021

0290.- Wouldn't It Be Nice - The Beach boys

 


Hablamos del primer capítulo de la gran obra del grupo americano The Beach Boys, nos referimos a Pet Sounds, a la que alguien definió como la capilla sixtina del pop ya que en este disco se encuentra algunas de las creaciones más importantes y maravillosas de esa música que irrumpió en los años cincuenta con ánimo de volverlo todo patas arriba. Aunque muy subversiva no parece que sea, en Wouldn't It Be Nice, Brian Wilson habla de lo maravilloso que sería ser mayor y poderse casar con su novia, podrían después de pasar el día juntos abrazarse toda la noche. Por ello dice que si los dos los desean, tienen esperanza y rezan quizá lo conseguirían. Fue compuesta y producida por Brian Wilson y la letra corrió a cargo de Tony Asher. La canción también se lanzó como un single dos meses después del lanzamiento del álbum con “God Only Knows“como su lado B.

 

Y el hecho de que sea la primera canción que escuchamos nada más poner el disco dice mucho, por un lado posiblemente es la canción más representativa del álbum, la que todos conocemos pero por otro lado resulta engañosa porque esta aparente "alegría" que nos dan los primeros acordes de la canción y el tono eufórico en el que esta cantada, difícilmente se repite durante el disco, quizás sea el espíritu surf de los primeros años de The Beach Boys que continúa pero evolucionando al estilo armónico en que terminaros. La canción fue compuesta por la dupla Wilson-Asher, Mike Love añade algunas palabras a la letra, concretamente en la parte final de la canción. Y es que el tema empieza con el guitarrista Jerry Cole tocando una guitarra de 12 cuerdas y la reverberación hace brillar la progresión de acordes introductorios con una textura similar a la de un arpa, a lo que sigue un golpe de batería seco a lo Phil Spector, es de las que inyectan euforia en el oyente y al cantante que rápidamente escuchamos cantando y todo se convierte en una euforia maravillosa, cortesía de la voz principal compartida de Wilson y Love (Wilson en los versos, Love en el puente) y un ritmo constante. Tiene tanto sentimiento, tanta luz y tanta melodía mágica que arrolla, resulta como una bocanada de aire que se te mete dentro y te hace sentir feliz, pensar que todo se va lograr y que el mundo será un lugar feliz en el que esos dos jóvenes desamparados podrán vivir juntos toda la vida, las guitarras evocan con fuerza la nostalgia veraniega feliz que vivirán esa pareja, donde nada de lo que ocurra puede salir mal. Este estilo musical, sonido "feliz" y el sentimiento de "anhelo" que encierra la letra, tendría una gran influencia en el desarrollo del género power pop. Lo consiguieron, si querían llamar la atención con este álbum, no pudieron elegir mejor, es un tema que te golpea de entrada y te deja sin aliento.


Nota del autor: si realmente quieren descubrir el espiritu de la cancion y lo que provoca busquen el capitulo 24 de la serie Aquellos Maravillosos años... no lo podrian representar mejor.

La música en historias: Alchemy: Dire Straits Live #MesDireStraits

 

Alchemy, Dire Straits


     Hace tiempo ya, en uno de los espacios dedicados a Deep Purple, contaba como cayó en mis manos por primera vez el directo Made in Japan en mi adolescencia. Era el primer disco que escuchaba en mi vida del grupo británico, y aquella primera escucha me pareció insufrible. Además de Deep Purple, por aquella época cayó en mis manos otro directo, un tal Alchemy: Dire Straits Live. Está claro que por aquel entonces no había química alguna entre los discos en directo y yo, pues tampoco supe apreciar lo que había caído en mis manos. Rectificar es de sabios y con el tiempo, el que aquí escribe, pudo redimirse y apreciar, saborear y valorar esta obra como se merece.

En enero de 1983, Dire Straits había lanzado un EP de cuatro canciones titulado ExtendancEPlay mientras el álbum anterior, Love Over Gold, se batía el cobre en las listas de éxitos. Uno de los sencillos del EP, Twisting By the Pool, alcanza el Top 20 en las listas del Reino Unido y Canadá. El grupo se embarca en una gira llamada Love Over Gold que dura unos ocho meses, la cual termina con dos conciertos que agotan las entradas en Londres, en el Hammersmith Odeon, los días 22 y 23 de julio de 1983. Se acababa de plantar el embrión que daría lugar al mítico Alchemy: Dire Straits Live.

Alchemy: Dire Straits Live es un doble álbum y el primero en vivo editado de la banda británica. El material del disco está extraído de los conciertos en el Hammersmith Odeon de Londres, los días 22 y 23 de julio de 1983, bajo la producción de Mark Knopfler, y publicado el 16 de marzo de 1984 bajo el sello discográfico Vertigo Records internacionalmente y el sello Warner Bros. Records en Estados Unidos. El disco contiene material de sus primeros cuatro álbumes de estudio, el EP ExtendedcEPLay y la banda sonora de la película Local Hero, realizada por Mark Knopfler. La portada del disco fue una adaptación de una pintura realizada por el artista australiano Brett Whitley, titulada Alchemy 1974

El disco, al parecer fue lanzado sin sobregrabaciones, lo que otorga más mérito al mismo. Un discazo que abre Once Upon a Time in the West, unas de las joyas del álbum Communiqué, alargada hasta los 13 minutos, y que además de mostrarnos ya de primeras el potencial del grupo en directo, contiene uno de esos grandes solos de Mark Knopfler para ir abriendo boca y que nos deja con ganas de más. Romeo and Juliet, otra de sus grandes joyas, basada en el romance que Mark tuvo con la líder del grupo Holly And The Italians, Holly Vincent. En la canción, una pareja, la cual está enamorada, se acaba separando porque no es el momento adecuado para esa relación, y el hombre nunca dejara de querer a la mujer. 



La cara B del primer disco es abierta por Expresso Love, otro tema de amor incluido en Making Movies. Es uno de los temas más pesados del directo, con un potente riff de Mark Knopfler y un excelente trabajo a los teclados de Alan Clark. Private Investigations, tiempo para una excelente balada donde los teclados siguen cobrando protagonismo. Mark se basó para escribir el tema en algo que leyó sobre el personaje de Philip Marlowe. Marlowe fue un personaje, un detective privado creado por el novelista estadounidense Raymond Chandler. Cierra esta cara B y el primer disco Sultans of Swing, un tema que si ya de por sí es brutal, en directo pasa a ser una obra maestra con unos solos increíbles de Mark Knopfler. Un tema que trata sobre un grupo de chicos que después del trabajo salen a divertirse y escuchar música, y no les importa en absoluto la imagen que pueda tener la banda, lo que puede valer perfectamente para Dire Straits, lo que importa es la calidad, y de eso estos chicos van sobrados.  

Abre el disco 2 y su cara A Two Young Lovers, un tema donde podemos disfrutar del pedazo de saxofonista que es Mel Collins, y que nos sirve de antesala para otra de las joyas de la banda, Tunnel of Love, tema que cierra  esta cara A. Una gozada de más de 14 minutos que cuenta con una introducción que es un extracto del tema The Carousel Waltz, de los compositores estadounidenses Richard Rogerds y Oscar Hammerstein II. El tema, con unas excelentes improvisaciones, vuelve a mejorar la versión de estudio, algo difícil de conseguir. 

Abre la cara B Telegraph Road, si no nos hemos repuesto todavía de lo que acabamos de escuchar, llega esta otra joya con una duración que sobrepasa los 13 minutos, y que hace referencia a una importante vía que recorre de norte a sur Michigan. Mark se había inspirado para escribir esta joya en un viaje turístico que hizo en autobús y que recorrió la famosa vía Telegraph Road. turno para Solid Rock, tema incluido en el genial Making Movies. Otro gran tema, pero que tiene la mala suerte de ir justo después de Telegraph Road, y que es la antesala del tema que cierra esta cara y por tanto este brillante directo, Going Home, tema incluido en una de la mejores bandas sonoras que han salido de la mano de Mark Knopfler, Local Hero

Alchemy: Dire Straits Live además de convetirse por derecho propio en el disco definitivo del grupo, también se convirtió en uno de esos directos imprescindibles en la era del rock.

sábado, 16 de octubre de 2021

0289 Stuck Inside of Mobile - Bob Dylan


0289 Stuck Inside of Mobile - Bob Dylan

Una de las mejores canciones de Bob Dylan sin duda es Stuck Inside of Mobile with the Memphis Blues Again que fue incluida en el disco Blonde on Blonde.

Bob Dylan lo ha vuelto hacer, marca un estilo de narrativa único de Dylan donde los versos sólo están conectados por el tema, y no por ningún sentido de narración lineal. 

La temática de la canción cuenta la historia de un forastero que intenta escapar una sociedad cuadrada, es la historia de un hombre que busca desesperadamente una forma de salir de Mobile's Grand Street y entrar en algún tipo de mundo cuerdo, como el que se puede encontrar, aparentemente, en Memphis.

En primer lugar, el sonido es mucho más estridente y explosivo que cualquier otra canción de Blonde on Blonde, aparte de One of Us Must Know. El estilo de las letras recuerda definitivamente a Desolation Row y Just Like Tom Thumb's Blues. 

La influencia de los poetas Beat es evidente. Una frase como "locos de neón" podría haber sido sacada directamente de un poema de Allen Ginsberg. 

Al igual que muchas canciones de Highway 61 Revisited, la canción presenta una gran cantidad de nombres propios y personajes: el Hombre de Trapo, Mamá, Shakespeare, la Chica Francesa, Mona, los Hombres del Ferrocarril, el Abuelo, el Senador, el Predicador, el Hombre de la Lluvia, Ruthie, la Debutante y el Loco de Neón. La canción tiene más personajes que algunas películas.

Probablemente, Dylan eligió los dos nombres de ciudades que contrastan, Mobile y Memphis, no sólo porque los nombres suenan bien juntos, sino también por el contraste de la historia de las dos ciudades. Mobile es una ciudad de Alabama, uno de los estados con mayor segregación racial del país. Fue escenario de algunas de las infames protestas por los derechos civiles y de la violencia que se produjo en la época en que se grabó Blonde on Blonde. Memphis, en cambio, era la cuna de la "música soul", y se la conocía como una ciudad de moda y de moda.

En la grabación, Dylan canta una línea diferente a la publicada en el libro de letras. En la letra publicada la línea está escrita "Now the preacher looked so baffled". En la grabación, Dylan añade claramente una palabra adicional antes de "preacher", pero no está claro cuál es. Podría ser "tea preacher". 

Stuck Inside sólo aparece en un álbum oficial en directo, Hard Rain. Es una buena versión.

Dylan la interpretó en directo muchas veces a finales de los ochenta y en los noventa. En las versiones en directo, a veces omite varios de los versos centrales, no siempre los mismos.

La mayoría de las versiones piratas no aportan mucho al original. Sin embargo, G.E. Smith, el antiguo líder de la banda de Saturday Night Live, aporta algunos solos de guitarra muy enérgicos a la canción durante los espectáculos de principios de los 90. Las interpretaciones más recientes se realizan de forma muy diferente, muy lentas y tranquilas. Todas son interesantes, pero ninguna se acerca a superar la original.

Daniel 
Instagram storyboy 

viernes, 15 de octubre de 2021

0288: I want you - Bob Dylan

 


Grabada en las primeras horas de la mañana del 10 de marzo de 1966, la canción fue la última que se grabó para el doble álbum de Dylan, Blonde on Blonde . Fue publicado como single en junio, poco antes del lanzamiento del álbum obteniendo un relativo éxito para el tipo de música del cantautor al conquistar el puesto 20 en Billboard.

 

I Want You cuenta con Al Kooper en el órgano, y los músicos de Nashville reunidos por el productor de discos Bob Johnston, la parte de Al Kooper es quizás la mas interesante y destacada de toda la canción, al mando de un órgano Lowrey, el mismo tipo utilizado por Garth Hudson en muchas grabaciones de The Band y Dylan / The Band. Uno de los aspectos más llamativos de la canción es que es la típica canción de amor sobre "he decidido nacer para estar con alguien y amarle" pero Dylan le da la vuelta, Dylan no canta sobre 'Nací para estar contigo' , sino más bien canta sobre “No nací para perderte” . En otras palabras, el cantante no cree en un destino mágico de cuento de hadas, pero ahora que se ha convertido en algo grandioso, no lo va a dejar pasar fácilmente. Como muchas canciones de Dylan, no hay un flujo narrativo claro, y como no podía ser de otra manera contiene una letra/mensaje bastante complicado, donde encontramos hasta tres mujeres diferentes a lo largo de la canción. Está el objeto del afecto, por supuesto, pero también está la Reina de Picas a la que "regresa" , y la Sirvienta de cámara a quien el narrador "no tiene miedo de mirar" (La Reina de Espadas y la Sirvienta de Cámara podrían ser la misma persona, no está claro). Dylan a menudo se refiere a las mujeres como "reinas" . Lo hace en Just Like a Woman ("Queen Mary"), Need a Woman ("Bueno, necesito una mujer para ser mi reina") y Gates of Eden ("Reina gitana de dos ruedas").

 

Pero bueno, como siempre encontramos una letra complicada donde enredarse como un loco (Un enterrador culpable, saxofones que hablan, madres lloronas, una taza rota y, sobre todo, ¡la misteriosa Reina de Picas! ¿Una pesadilla surrealista? el aparente anhelo del narrador por el amor es de hecho un anhelo de algo más espiritual), en esta ocasión Dylan nos brinda un tema casi Pop, pocas veces vamos a encontrar a un Dylan tan eufórico, con el cual incluso podemos mover un rato la cadera y menear la cabeza mientras repetimos una y otra vez I want you (Dylan), dentro de sus canciones pesimistas y trascendentales nos está regalando un poco de alegría, de su estilo eso sí, pero alegría

Disco de la semana 245: Ten Summoner's Tales , Sting

 


Cuando escucho "Ten Summoner's Tales", mi vida mejora, y si a eso añadimos que en el momento de su publicación, mi vida iba a sufrir uno de los trances más duros que se pueden tener y que lamentablemente casi todos pasamos por ello, la única explicación posible para que ocurra esto es sencilla,  es una jodida obra de arte, realizada con el corazón y con notas musicales que bailan a tu alrededor y te hace caminar con otra ilusión en el cerebro, y aunque su anterior álbum, The soul cages, fue un disco enorme, de una inusitada personalidad y de esos álbums que se te meten en el interior y le dan una vuelta al alma, (de hecho antes de la publicación de ese disco, él mismo pasó por el trance que me tocaría vivir a mi meses mas tarde) este tiene la misma capacidad pero brilla más, brilla mucho más y sumidos en la desolación aun tienes un espasmo de felicidad. Ya lo adelantó el propio Sting hablando acerca del juego de palabras de su título, Summoner (invocador) / Sumner (apellido de Sting) y señalaba que el disco iba a ser una colección divertida de cuentos e historias.


 

 

El álbum se abre con un irresistible y palpitante R&B titulado “If I Ever Lose My Faith In You”, una canción cuya fuerte batería rítmica es casi hipnótica arropada por unas guitarras en capas y densos sintetizadores que le dan a esta melodía una gran cantidad de carácter y se contagia, el uso inteligente de la armónica y la pandereta proporciona textura en la mezcla y son regalos adicionales que marcan una gran diferencia en el producto final, si además se reviste con una letra como "Se podría decir que perdí mi fe en la ciencia y el progreso / se podría decir que perdí mi fe en la santa iglesia / se podría decir que perdí el sentido de la orientación / se podría decir todo esto y cosas peores… ” Toda una declaración de intenciones, se puede sobrevivir a la muerte de casi cualquier cosa, salvo a la creencia y confianza de un amor incondicional. Este tema fue el primer sencillo del álbum. Continuamos con algo asi como un spaghetti western “Love is Stronger Than Justice (The Munificent Seven)” podría haber quedado ridícula pero el compás de 7/8 que consigue le da a la canción un delicioso toque de jazz, atentos a la batería porque aquí se hace la dueña de todo y ese final con piano le da otra dimensión a la canción. “El amor es más fuerte que la justicia / El amor es más espeso que la sangre / El amor es más fuerte que la justicia / El amor es un gran gordo río en sangre” “Fields of Gold” admito que tengo una debilidad en mi corazón por la nostalgia romántica y ese tema es sin duda de los que más me han tocado, es cálida y poéticamente romántica, la canción es ideal para un alma que todavía tiene por delante largas y oscuras noches, un órgano y un tambor lento se suman al poder de la canción y Sting expone un corazón herido mientras canta: "Me recordarás cuando el viento del oeste se mueva / Sobre los campos de cebada / Olvidarás el sol en sus celos cielo / Mientras caminamos en campos de oro ".

Ojo a la sensación de jazz / funk que él y su banda hicieron para “Heavy Cloud No Rain”, una divertida observación de la frustración humana en sus diversas formas, la guitarra de Miller se desliza como una víbora en una misión de malas intenciones y tanto el órgano como la armónica contribuyen en gran medida a la atmósfera fresca y turbia de la cancion. "She's Too Good For Me" solo dos minutos y medio para una canción que empieza con un ritmo estruendoso y endiablado como si no pudiéramos permanecer en paz ni un solo segundo, pero justo cuando crees que Sting se está volviendo loco, lanza un cuarteto de cuerdas de jazz a mitad de camino que resalta su sentido inteligente y uso del humor. Se trata de una pareja que no tiene nada en común más que una vida sexual excepcional juntos, pero eso es suficiente para que él aguante sus quejas, es sin duda una de las canciones mas extrañas del principio de su discografía. "Seven Days", es una canción con una percusión esbelta y ajustada, el ingenio de Sting se muestra una vez más, mientras el protagonista de la historia debe luchar contra un rival por la mano de la chica que ama. “El hecho de que mida un metro ochenta / podría infundir miedo en otros hombres / pero no en mí, la pulga poderosa / pregunta si soy un ratón o un hombre / el espejo chirrió / huí corriendo”, otra canción que juega con complicados e inesperados cambios de ritmo.

 

"Saint Augustine in Hell" es una barbaridad de tema, una excursión más al complicado 7/8 y esta vez sostenida agresivamente por la sección rítmica de Vinnie y Sting, el resultado es una pista desenfrenada que es imposible de ignorar. La disonancia de jazz dentro de los acordes del teclado de Sancious le da un toque exquisito a las palabras sobre la debilidad condenatoria de un sacerdote piadoso cuando se trata de su insaciable deseo por la carne. "Cuanto menos necesito, más me vuelvo casto, pero no todavía / es una promesa o una mentira / Me arrepentiré antes de morir", le suplica a Dios. El interludio de la palabra hablada es como escuchar a escondidas en el salón de cócteles de Lucifer mientras Wormwood le asegura a nuestro chico que no estará solo en el Hades. "Tenemos cardenales, arzobispos, abogados, contadores titulados, críticos musicales ... ¡Están todos aquí!" se ríe. " It's Probably Me” son más de cinco minutazos de sensibilidad canción compuesta mano a mano con Eric Clapton. Sobre la canción pesa que fue parte de la banda sonora de un divertimento como Arma Letal 3, y el tema trata sobre la amistad y la soledad que se muestra rica y sincera, está más cerca de una pieza de jazz que cualquier cosa que hiciera Sting cuando supuestamente tocaba con una banda de jazz. El ritmo latino fluye con gracia y la trompeta silenciada le otorga un tono cosmopolita, junto a una divertida letra sobre un hombre egoísta que, cuando se le acaba la suerte, descubre que es el único amigo que tiene encaja bien con su estado de ánimo, pero sigue siendo una decepción. “Shape of My Heart” es una barbaridad de tema, con sus guitarras españolas y la entrada de la armónica estridente en el momento perfecto. Las líneas poéticas que usan los palos de una baraja de cartas para ilustrar el voluble juego del amor son admirables. El tema estuvo presente en la excelente película, Leon, el profesional. “Something The Boy Said” es ilusionante al principio, pero la canción nunca termina de dar lo que esperábamos de ella con ese comienzo tan ilusionante. Sting termina muy arriba con "Epilogue (Nothing 'Bout Me)" un repunte un feroz impulsado por jazzy shuffle, grandes trompetas que brindan un fuerte contraste y un solo de piano de Sancious brillante, una denuncia clara y directa a los paparazzi entrometidos que lo acosan sin piedad, pero en vano. "Registra mi casa con un peine de dientes finos / dale la vuelta a todo / porque no estaré en casa / configura tu microscopio / y dime lo que ves / todavía no sabrás nada de mí ...", canta con seguridad.


jueves, 14 de octubre de 2021

0287: Visions of Johanna - Bob Dylan


Visions of Johanna
fue escrita por Bob Dylan para su álbum de 1966 Blonde on Blonde. La crítica especializada la considera una de las letras más inspiradas del músico estadounidense, una canción de amor compleja y un poema extremadamente inspirado, hasta el punto de que poetas ingleses de la talla de Sir Andrew Motion la cataloguen como la mejor letra de canción jamás escrita.

Antes de que la versión final quedara registrada en el disco. Dylan la interpretó en directo por primera vez en diciembre de 1965 en el Berkeley Community Theatre con Joan Baez entre el público asistente. Tras la actuación, Baez declaró estar segura de que la letra de aquella canción nueva se refería a ella. Sin embargo, Dylan vivía por entonces con su novia Sara en el Chelsea Hotel de Nueva York, y los versos hablan de dos mujeres diferentes, una carnal (Louise) y otra espiritual y por tanto inalcanzable (Johanna). Ambas son el objeto de deseo de un Dylan cabizbajo y solitario.

Dylan grabó una versión primeriza de la canción, titulada provisionalmente "Freeze out", a finales de 1965 en el estudio de CBS en Nueva York, y con la ayuda de la banda de acompañamiento The Hawks. Con la llegada del nuevo año, las sesiones de grabación del disco se trasladaron a Nashville, y allí decidió intentar de nuevo pulir una canción con la que no terminaba de sentirse satisfecho, hasta conseguir la versión que finalmente acabaría formando parte de Blonde on Blonde, uno de sus discos más celebrados. Gran parte de la culpa de su éxito la tuvo Visions of Johanna, una de las cimas creativas del genial trovador de Minnesotta.

miércoles, 13 de octubre de 2021

0286 Rainy Day Women # 12 & 35 - Bob Dylan

 

Rainy Day Women #12 & 35, Bob Dylan


     El 16 de mayo de 1966, Bob Dylan bajo el sello discográfico Columbia Records, publica su séptimo disco de estudio, Blonde on Blonde. Las sesiones de grabación, realizadas entre el Studio A de los Columbia Recording Studios de Nueva York y los columbia Music Row Studios de Nashville, se prolongan desde el 5 de octubre de 1965 hasta el 10 de marzo de 1966, y cuentan con el respaldo de un gran número de músicos, entre los que se encuentran los miembros de la banda The Hawks, la cual se convertirá en The Band cuatro años después.

Este disco, uno de los primeros dobles de la historia de la música moderna, completó la trilogía que Dylan había comenzado con Bringing It All Back Home (1965) y Highway 61 Revisited (1965). Gran parte de la crítica catalogó Blonde On Blonde como uno de los mejore álbumes de rock de todos los tiempos, y consiguió además buenas cifras en las listas de ventas, alcanzado el puesto número 9 en la lista estadounidense Billboard 200, donde consiguió la doblecertificación de platino, y el puesto número 3 en la lista UK Abums Chart del Reino Unido. 

El tema que abre este disco es Rainy Day Women # 12 & 35, compuesta por Dylan y lanzada inicialmente como sencillo en abril de 1966. La canción alcanzó el puesto número 2 en Estados Unidos y el 7 en Reino Unido. Curiosamente el título de la canción no aparece en la letra, es la única del álbum que incluye una banda de instrumentos de viento, y generó debate por su controvertido estribillo "Everyboy must get stoned! ("Todo el mundo debe estar colocado"). 

La canción fue prohibida en muchas emisoras de radio de Gran Bretaña y Estados Unidos debido al boom de las llamadas "canciones sobre drogas", aunque hay otras interpretaciones sobre la canción. Unas dicen que trata sobre las turbulentas relaciones de Dylan con las mujeres, otros mantienen que resalta lo absurdo de las críticas sobre las referencias a las drogas en la música rock de la época, incluso hay quien dice que es un tema en pro del Movimiento por los derechos Civiles.  

En cualquier caso, Dylan siempre insistió en que nunca escribió ni escribiría una canción sobre drogas. En una entrevista hecha al artista por la revista Rolling Stone en 2012, se le preguntó sobre las personas que interpretaban esta canción sobre como drogarse, y Dylan contestó que esas eran personas que no estaban familiarizadas con el "Libro de los Hechos". Dicho libro pertenece al Evangelio de Lucas y contiene un relato de lapidación donde una persona recibe la sentencia tras dar un discurso que nada va a importar a las autoridades diga lo que diga. Esto se ha relacionado a menudo con lo que Dylan sentía por sus críticos, quienes le iban a criticar siempre sin importar lo que hiciera.

martes, 12 de octubre de 2021

Un país, un artista: Días de Blues - Uruguay

 

Días de Blues


     En esta ocasión nuestros amigos y seguidores, a través de sus votos, han querido que sea un artista del país de Uruguay el que sea reseñado. El escogido por 7dias7notas en esta ocasión es uno de los primeros, y gran precursor del hard rock en el país sudamericano, aunque también tocaban estilos como el blues y el rock. Con todos vosotros Días de Blues.

Días de Blues es una banda de blues, rock y hard rock que nace en Montevideo, Uruguay en 1972. Sus tres integrantes, Jorge Barral (bajo, guitarra y voz), Daniel Bertolone (guitarra y voz) y jorge Graf (batería), provenían del grupo Opus Alfa, banda de blues y blues rock surgida en 1970, y que incialmente se dedicaba a realizar versiones en inglés de artistas sajones como Jimi hendrix o Keef Hartley Band entre otros, aunque posteriormente se concentraron en crear sus propio sonido con letras en castellano. 

Días de blues se presenta por primera vez ante el público el 18 de junio de 1972 en el Teatro Solís de Montevideo, compartiendo escenario con el cantante, músico y compositor argentino Litto Nebbia, considerado uno de los fundadores del rock argentino. Los más de mil espectadores presentes despiden al grupo de Montevideo entre ovaciones y aplausos. Un mes después, concretamente el 4 de julio de 1972 el grupo debuta con un concierto propio, en el Teatro Nuevo Stella de Montevideo. Dicho concierto es crucial para la historia de la música en Uruguay, pues está considerado como uno de los primeros recitales de hard rock llevados a cabo en Uruguay, suponiendo un gran avance en cuanto a la innovación musical, y también en cuanto a la amplificación del sonido. En aquel memorable concierto además de otros temas, algunos inéditos hasta la fecha, y todos propios, tocan las ocho canciones que formarán parte posteriormente de su primer álbum de estudio.

La innovadora propuesta de Días de Blues, hacen que el grupo se asiente y gane popularidad rápidamente, tocando en la Biblioteca Nacional y en un gran festival en el Velódromo de Montevideo, llegando a tocar incluso, con gran éxito, en el Festival BAROCK de Argentina el 27 de octubre de 1972. Gracias a su éxito en argentina, su primer disco de estudio será grabado allí a través del sello discográfico Trova

El disco debut de Días de Blues,de título homónimo, se graba en noviembre de 1972 en los estudios ION de Buenos Aires bajo la producción de Carlos Píriz, y es editado a principios de 1973. La excelente ilustración de la carátula de la edición uruguaya fue realizada por el dibujante, caricaturista y viñetista uruguayo Celmar Poumé, la cual no fue tenida en cuenta en la edición argentina. El grupo sufrirá cambios debido al deterioro de la situación política de Uruguay en 1973, la cual desembocaría en un golpe de Estado. Jorge Barral emigra a España y Daniel Bertolone hace lo mismo pero con destino a Australia. Jorge Graf asume el mando y decide seguir adelante con el proyecto con diferentes músicos. En esa época pasan por el puesto de bajista Angel Armagno y Gustavo "Mamut" Muñoz, mientras que por el puesto de la guitarrista pasan Freddy Ramos y Daniel Henestrosa.

A mediados de los 70, Jorge Graf emigra a Italia, regresando a Urguay en la década de los años 80. En 1987 decide formar con un gran conglomerado de músicos un proyecto al que llama Rómulo Bogalle y la Banda de Días de Blues. Esta llamada big band se basa en un estilo con raíces de blues pero más orientada hacia el candombe, ya que contaba a además de la batería de Graf, con una sección completa de tambores. El candombe es una manifestación cultural de origen afrouruguayo, basada en la fusión de rasgos musicales, religiosos y de danza de las diversas tribus africanas presentes en el Río de la Plata en la época colonial. La última reencarnación de Días de Blues se produce entre 1991 y 1992 y cuenta con los guitarristas "Palito" Elissalde, Luis Firpo y Lulo Higgs, Jorge Graf a la batería, Gerardo Babuglia al bajo y Heber Píriz a los mandos vocales. Dicha formación realiza una grabación en vivo en el Teatro Stella de Montevideo los días 13 y 14 de noviembre de 1991, la cual será editada por el sello dsicográfico Sondor bajo el título "En vivo-Grabación Digital".

Días de Blues además de constituirse en sus inicios como el power trío más importante del país en aquel momento, se ha convertido con el tiempo en un grupo de culto, y su primer disco, Días de Blues, ha sido reeditado en multitud de ocasiones en países como Italia y Alemania. Además, a lo largo de los años, el grupo ha influenciado a multitud de bandas de rock de Uruguay.

0285.- Sweet bitter love - Aretha Franklin

 


Sea bueno, sea excelente, nos vemos en la obligación moral, cultural y casi natural de detenernos en cada uno de los albums de estudio de Aretha Franklin, en este caso llega a nuestras páginas el momento de Soul Sister. Lo primero que advertimos que es un disco más para Columbia, discográfica que la maltrato y que quiso hacer de ella lo que no era y que no supo explotar todo el potencial que tenía… afortunadamente este sería el penúltimo álbum que grabaría para ellos, y como el proyecto estaba agotado este álbum es en cierta manera hasta incomprensible para el fan que sin ser de la generación de Aretha bucea y bucea en su discografía, no entendemos que pretendían hacer, ¿quizás reproducir el éxito de Ray Charles con Georgia on My Mind?, pero que sentido tiene ¿Ol 'Man Rivero Swanee? El hecho de que la voz de Franklin sea fresca y poderosa solo hace que todo el ejercicio sea extraño: ¿no notaron que aquello no pegaba nada?


Dentro de los temas incluidos hay uno que particularmente destaco y del que vamos a hablar, es Sweet Bitter Love, una canción escrita por Van McCoy que la cantante ha grabado en nada menos que tres ocasiones distintas, seguramente la mas espectacular sea la de 1985 que publicó en el álbum Who's Zoomin 'Who y donde la voz de Aretha está más calmada, más lenta y suave y el piano toma aún más protagonismo, la versión de 1966 quizás sea demasiado rápida y, aunque la voz de Aretha es sublime, tengo la sensación que parte de la emoción que la canción tiene, se perdía de alguna manera en el tempo rápido que le habían impuesto, por favor, que torpeza de los responsables de Columbia, ya que 2007 salió a la luz otra grabación en el álbum Rare & Unreleased Recordings, una demo donde batería, bajo y desde luego piano acompañan a la voz, que es todo en esa versión, el dolor se puede cortar escuchando su voz, dolor y tristeza como esta canción que habla del final del amor, de la despedida cuando aún quedan muchos rescoldos de la persona amada dentro de ti mismo y que pasa a convertirse en un dulce amargo amor.