El disco de la semana 147: Enrique Bunbury - Flamingos

Empiezo dejando las cosas claras, para mi el disco Flamingos es la gran piedra sobre la que hizo dar un giro a la carrera musical de Enrique Bunbury, tras su paso por Héroes de Silencio, alma mater del grupo y sus dos trabajos anteriores en solitario, Radical Sonora y Pequeño, notamos aquí un cambio musical muy trascendente, al artista gira su sonido y explora nuevos ambientes de fusión sin olvidar el rock and roll en cada una de sus extensiones. Es para mí un disco sublime, autentico, lleno de fuerza y sobre todo lleno de emoción que se desparrama en muchas de sus letras y melodías.

El disco comienza fuerte, con un rock and roll con aires de Bowie, nos da la bienvenida con “El club de los imposibles” toda una declaración tanto musicalmente como temáticamente de lo que nos vamos a encontrar… de momento te mete en pelea, la canción empieza con el sonido de una campana de un ring y un homenaje al boxeo. Con “Si”, Enrique nos mete en un cabaret mientras la batería va marcando el ritmo de un tema que no nos deja ni un minuto de respiro, la voz disparada de Enrique con los multiples instrumentos que se enlazan con la batería nos da un tema loco, esquizofrénico, con un frenesí desde el minuto uno, paralizado curiosamente y a contraposición del titulo por un Nooooooo lacónico y con aires de lamento que nos saca del maravilloso atolladero por el que la canción nos ha movido hasta este ese final de canción melodica. Son un poco de más de tres minutos realmente aprovechados, se le ha tildado de comercial, pero para mi gusto es uno de los grandes picos del álbum. Con el siguiente tema “Contar conmigo” nos mete directamente en una mezcla curiosa y arriesgada, empieza con toques de Western y piensas ahí esta un Country, me estoy frotando las manos pero enseguida gira y te encuentras con sonidos árabes totalmente apabullantes mientras la guitarra chirria y desentona con melodía la voz de Enrique amplificada y distorsionada…. “Que pueda contar contigo, como sabes que conmigo siempre. Que no cuente la suerte, no, sólo el destino que nos presentó. Que pese menos el pasado o se recuerde al menos todo. Que no cambien a su modo un episodio de historia.” Ademas encontramos al final de este tema un nuevo homenaje al boxeo, en esta ocasión al campeón del mundo en 1974, con la inclusión de la narración de ese momento… emotivo.

Gira el disco a la transcendencia con el cuarto tema “Sacame de aquí”, maravillosa balada con una letra llena de frases contundentes y lapidarias, una canción desesperada, un grito de lamento y desolación, con una riqueza de instrumentación y de instrumentos abrumadora, otro de los grandes picos del álbum.

“Escribiremos nuevas reglas, Esta es la primera de ellas, Está prohibido prohibir”

“Hubo un momento en que pudimos, Decir que no, que lo sentimos, Nos debimos confundir”

“Nos hemos equivocado, Teniendo toda la razón, Aun podemos ser libres, Dentro de una canción”

“Dicen que si continuas, Algún un lugar llegarás”

“No son mala hierba, Sólo hierba en mal lugar”

Y enlaza con “Enganchado a ti” otra de las grandes joyas del disco, y de nuevo el cabaret y otro alarde de instrumentación, una canción con doble sentido.. ¿esta hablando de drogas? ¿Esta hablando del amor?... yo me quedo con la segunda ya que no deja de ser una variante de la primera… pero yo iria mas lejos, poner imagen a cualquier cosa que sea imprescindible en vuestra vida y será el reflejo de la canción. Genio!. Y cerramos la trilogía con la mistica “Lady Blue” que con un sonido medio futurista cercano al synth pop nos deleita con una canción de amor, de perdida, de dolor, de soledad, con ese grito en el estribillo que demole tus cimiento o frases demoledoras y geniales como esa de “…. No volverás a ver la mirada triste del chico que observaba el infinito….” Que bestialidad, acompáñen la audicion de un buen licor y una oscuridad palpable.

En “San Cosme y San Damián” hace el mismo juego que Contar conmigo, comienzan los sonidos y parece que te encuentras en pleno desierto fronterizo Norteamericano pero rápidamente gira hacia la psicodelia con extraños sonidos que se reparten por la canción, magníficos, brillantes, resaltando el mensaje, mientras Enrique nos relata su relato de misterio y extraña situaciones, no en vano he leído que es un homenaje a un hermano fallecido en 1994, además San Cosme y San Damián es una ermita en la provincia de Huesca que el hermano del cantante solía ir… “un enjambre de estrellas, para que no te pierdas, talismán, contra toda clase de males y un christmas de Navidad, que sepamos donde estas….”. Nuevo giro en el siguiente tema, “Un bastón para mi corazón”, tiempo de swing, de dandy, de canción melódica, en un disco que nos había llevado por tantas emociones nos rebaja un poco la adrenalina, y no le sale nada mal…. 2 minutos de relax para lo que está por venir, y es que “No se fie” es otra rareza en el mundo Bunbury hasta ahora escuchado, y es que rápidamente te recuerda a Joaquín Sabina, si es cierto que el Aragonés le ha metido muchísima más instrumentación a esta historia fatal, y encima jugando con ritmos de tango, aunque tratar de emular al maestro de Ubeda es una tarea inabarcable, no digamos que le salió mal, más bien ha pasado con nota este reto…. Y siguen los retos porque “Ciudad de Bajas Pasiones” se atreve a hacer una especie de ranchera con el toque personal, mucha instrumentación y una historia realmente magnifica, no sabemos si autográfica, pero si que todos quisiéramos vivir. Brillante para cantar en coro con los amigos después de que los efluvios del alcohol nos hayan nublado las neuronas.

Inicia la última parte del disco con la maravillosa “Hermosos y malditos” una canción llena de ritmo y de un estribillo de una calidad extrema, en medio de la canción incluye el sampler de la retransmisión del combate entre Perico Fernández y João Henrique por el título mundial… ”…rumba que tumba al más 'pintao', ¿cómo puedes creer que te hayan olvidado? si una rumba no tumba a un ganador a un peso pesado y campeón no le damos de lao. Deja de acostumbrarte a la inmolación y vuelve a casa ya nadie te desea la humillación todos te extrañan…” escuchando la letra detenidamente no sé si realmente es un homenaje al boxeador Aragonés, que por tan malos momentos paso, si fuera así me parece excelente tributo por parte de Bunbury. El siguiente tema sigue la senda top que nos dejó la anterior canción, y es que en este “One, Two, Three” vuelve la psicodelia bien entendida, con un aire de bolero brillante, el mensaje extraño y encriptado al que nos tiene acostumbrados en una especie de balada magnifica, dolorosa y triste, les invito a que se detengan a escuchar detenidamente la letra y los múltiples instrumentos y curiosidades musicales que nos regala. Magnifica. “Hoy no estoy para nadie” tiene ecos de The Doors, la pausa, los sonidos psicodélicos, ese tono que nos recuerda al grupo americano, incluso su duración que se va mas allá de los 7 minutos, particularmente se me hace un poco pesada. En cambio con “Mundo Feliz” aun llevando el mismo estilo que la anterior, quizás algo más pop, me resulta una absoluta delicia, empezando con esa letra tan crítica, y sobre todo por esa corista que suena desacompasada tras la voz de Enrique, una gran canción. Y terminamos por todo lo alto a ritmo de vals y con un titulo que lo deja todo claro “…y al final” desde el minuto uno, con ese soniquete que adelanta lo que va a ser la canción y que se te mete en la cabeza, roto por el instrumento de viento dando paso a un Vals en toda su extensión…. Un emocionante alegato a la amistad, a la compañía, al amor y a la solidaridad entre los amigos….. un epilogo para recordar

Permite que te invite a la despedida

no importa que no merezca mas tu atención

así se hacen las cosas en mi familia

así me enseñaron a que la hiciera yo.

Permite que te dedique la última línea

no importa que te disguste esta canción

así mi conciencia quedara más tranquila

así en esta banda decimos adiós.

...y al final

te atare con todas mis fuerzas

mis brazos serán cuerdas al bailar este vals

...y al final

quiero verte de nuevo contenta

sigue dando vueltas si aguantas de pie.

Canciones que nos emocionan: Las 5 canciones de Led Zeppelin

Ya tenemos el resultado de las votaciones sobre las mejores canciones de Led Zeppelin, y por alguna extraña razón todos mis compañeros de @7dias7notas estaban de acuerdo en que era yo quién tenía que hacer este artículo. Y no entiendo bien por qué, sólo porque Stairway to heaven o Kashmir me parezcan obras maestras, o porque me encante la escena de "School of Rock" en la que Jack Black escucha Inmigrant Song mientras conduce su furgoneta, no me parecían razones de peso para que me consideraran un fanático de Led Zeppelin.

Reconozco que pueda parecer un dato relevante que, en una visita a Nueva York con la familia, obligara a mi mujer, hijos y suegra a recorrer Manhattan en busca de la calle en la que está el edificio de la portada de Physical Grafitti, que quedó documentada en este blog en "El Navegador del Rock". Pero lo que decantó definitivamente la balanza, y me hizo reconocer abiertamente mi "culpabilidad" en lo referente a los Zeppelin, fue una anécdota contada por el padre de un amigo de mi hijo pequeño, que se lo había llevado en coche junto a varios niños a un cumpleaños.

Mientras conducía, se le ocurrió preguntar a los niños que canción querían escuchar en el equipo de música del coche. Mientras el resto de niños pedían canciones como Despacito y otras aberraciones por el estilo, mi hijo pidió escuchar Stairway to heaven... Este padre alucinó con aquella respuesta, y al contarlo aportó la prueba irrefutable. "Señoría, no hay más preguntas", el veredicto es claro y el caso está visto para sentencia. ¿A quién pretendía engañar? Es el legado que les estoy dejando. Me encanta la música, uno de mis grupos favoritos es Led Zeppelin, y coincido con vuestro acertado criterio en la mayoría de las canciones a las que habéis votado:


Las 5 canciones de Led Zeppelin


En el puesto nº 5, Rock and Roll, del disco sin nombre conocido como Led Zeppelin IV, un tema de estructura clásica de rock and roll, aderezado y acelerado por una capa de guitarras rockeras que lo convierte en un tema muy contundente. El tema tiene la particularidad de ser uno de los pocos temas en los que aparece un músico adicional a la formación en cuarteto de los Zeppelin. Se trata de Ian Stewart, teclista de los Rolling Stones, que participó en la jam-session en la que se gestó la canción, y que además prestó al grupo el estudio de grabación portatil de sus Satánicas Majestades.





Se cuela en el nº 4 una canción del Physical Graffiti, nada más y nada menos que Kashmir, un temazo con arreglos orquestales y aires árabes, en parte porque la letra de la canción se le ocurrió a Robert Plant durante un viaje por del Desierto del Sahara.

Titulada originalmente "Driving to Kashmir", acabó siendo la canción favorita del grupo, la que según ellos mejor reflejaba de lo que eran capaces, y como comentó el propio Robert Plant: "Ojalá se nos recuerde por Kashmir en lugar de por Stairway to heaven"



En el nº 3, de nuevo volvemos a Led Zeppelin IV, su disco más reconocido, con Black Dog, blues progresivo de riffs contundentes que toma su nombre del perro labrador que aparecía frecuentemente en la villa en la que estaban grabando el disco.
Aquel perro, aparentemente sin dueño, acabó dando nombre a una canción que, en realidad, habla de la dureza y la complejidad de una ruptura sentimental, y que se convirtió inmediatemente en uno de los temas imprescindibles de la banda.

En el nº 2, uno de sus temas más conocidos, Whole Lotta Love, tema que abre su disco Led Zeppelin II. Contiene uno de los riffs más famosos de la historia del rock (entre los 50 mejores solos de la historia según una lista elaborada por la marca de guitarras Gibson). La temática es bastante recurrente en las canciones de los Zeppelin, traducido sería algo así cómo "Muy abajo y dentro, voy a darte mi amor, todo y mucho amor".





Y en el nº 1, no hay espacio para la sorpresa, cómo no podía ser de otra manera... Stairway to heaven, obra maestra del grupo que apareció dentro de Led Zeppelin IV. Tema largo e intenso que arranca en acústico con guitarra y voz, y progresivamente va creciendo con la entrada de la batería y el bajo.

El tema sigue subiendo en intensidad y grandeza a lo largo de sus 7 minutos para la historia, hasta desembocar en el intenso y eléctrico tramo final, con los solos de guitarra de Jimmy Page y la desatada voz de Robert Plant.

Poco más se puede decir, para reflejar lo que se siente escuchando la canción. Hablar de ella es querer escucharla, así que eso es lo que voy a hacer. Hasta aquí las 5 canciones de Led Zeppelin, tengo una cita con mi tocadiscos y ya estoy subiendo los primeros peldaños de la escalera hacia el cielo.


6. Inmigrant song 47
7. Since I've been loving you 35
8. Dazed and confused 34
9. Babe, I'm gonna leave you 26
10. Communication breakdown 25
11. Ramble on 23
12. When the leeve breaks 17
13. Good times, bad times 16
14. Trampled underfoot 14
15. Moby Dick 13
16. All my love / No quarter 12
17. Heartbreaker 10
18. Fool in the rain / In my time of dying / The rover 9
19. Aquilles last stand 8
20. Custard pie / How many more times / The ocean 7
21. Tangerine 6
22. Out on the tiles / Rain song / Thank you / What is and what should never be 5
23. Night flight 4
24. Celebration day / Dyer Maker / Tea for one / The song remains the same 3
25. Down by the seaside / I'm gonna crawl / Nobody's fault but mine / Over the hills and far away / Ten years ago / The rain song / Bron-Y-Aur Stomp 2
26. Gallows pole / Going to California / Misty mountain 1

La música en historias: Los Viernes en Canciones

Los días de la semana han sido una gran fuente de inspiración para muchos músicos a lo largo de la historia. Este blog es, de alguna manera, un gran diario de nuestras experiencias en la vida, diseminadas en las historias que os contamos sobre los discos, artistas y canciones que nos han influenciado y acompañado a lo largo de todos estos años. Así que, en esta ocasión, vamos a apuntar en nuestro diario todo lo correspondiente a la página del VIERNES.

VIERNES


Estoy casi totalmente de acuerdo con la frase de la foto, Friday I'm in love de The Cure es probablemente la mejor canción con la temática de Viernes. El tema está incluido en el disco Wish, que continuaba la estética oscura de su antecesor Disintegration en muchos de los temas, pero que también dejaba entrever rendijas de luz y de una vuelta a esquemas más comerciales. En particular este tema, que ensalza los viernes pero que también es un repaso al estado de ánimo durante el resto de días de la semana, fue un auténtico bombazo comercial que ha quedado para la historia del grupo.
 

El "casi" de la anterior afirmación viene motivado por Friday on my mind, un tema de The Easy Beats, que conocí a través de una versión de Gary Moore que, en mi humilde opinión, mejora a la original, y que me hace dudar si el podio de los viernes debe ser sólo para la canción de The Cure, o debería compartirlo con la vitalista y guitarrera canción del genial guitarrista irlandés, que por otra parte tiene una temática muy parecida a la canción de The Cure.
El protagonista, de nuevo, relata la evolución de su estado de ánimo conforme pasan los días de la semana, y el momento más álgido y positivo, tanto a nivel emocional como musical, se produce al llegar el viernes y el estribillo.

El resto de temas que hemos encontrado sobre los viernes no tienen la relevancia y el magnetismo de los dos temas descritos, sin dejar por eso de ser buenas canciones como el One February Friday de Frankie goes to Hollywood, o el Friday Night, Saturday Morning de The Specials, comodín válido tanto para los viernes como para los Sábados que vendrán.

Cerramos este repaso a las canciones de los viernes con un tema de los oscuros y metaleros Megadeth. Su tema Good Mourning / Black Friday (Buen luto, viernes negro) contrasta con la alegría con la que The Cure abría este artículo, pero es la perfecta excepción para confirmar la regla. Salvo para los Megadeth, los viernes son un día enérgico y positivo, el gran portal hacia el fin de semana. Puede que incluso para ellos, ya que la oscuridad y la destrucción es dónde se sienten más cómodos y felices. Para gustos los colores, y los días de la semana.

Historia del rock and roll: 16.- Louis prima, Miles Davis, Neil Sedaka, Ella Fitzgerald

Vamos a tocar ligeramente a una serie de artistas que en los años que estamos tratando tuvieron su cuota de exito, pero que no estan enmarcados en lo que denominamos rock and roll.

Louis Prima

“Tenía una voz de negro, tocaba la trompeta como un negro, se reía como un negro, pero bailaba como un italiano”. Era hijo de inmigrantes sicilianos y nació en 1910, en la Nueva Orleans vivía en un barrio popular y sus vecinos eran judíos, negros y como no italianos y una madre que tenía a gala obligar a sus hijos a tocar un instrumento, el pequeño Louis Prima estudió el violín y luego hizo suya la trompeta de su padre al escuchar por primera vez a Louis Armstrong en la radio.

Ya en los años 20 los clubs musicales eran regentados por italianos que tenían la “cortesía” de dejar tocar a los negros y siendo él Italiano tenia el privilegio de acceder donde quisiera asi pues a los doce años montó su primera formación y con dieciséis empezó a tocar con The Eastonites, banda de su colegio. Un año más tarde, tocaba todas las noches en el Club The Whip, y con dieciocho años, decidió dejar los estudios para dedicarse de pleno a la música. Pero los comienzos no fueron nada fáciles, la paga en esos locales no le daba para vivir asi que se marchó a Florida, donde conoció a su primera mujer, Louise Polizzi, con la que se casó en 1929. Durante dos o tres años más, siguió en la cuerda floja, tocando donde podía, sin rumbo ni futuro. Después de intentarlo en Cleveland y luego Chicago, aterrizó en Nueva York, última oportunidad, allí el dueño del club Leon & Eddie’s no le contrató por confundirle con un negro pero poco después, la fortuna le empezó a sonreir, montó una banda, Louis Prima & His New Orleans Gang, grabaron sus primeras canciones, actuaron en clubs de jazz prestigiosos de la 52ª calle, compusieron sus propios temas, jazz & swing, y viajó por toda la costa oeste, dio representaciones en un teatro de Washington, tocó en la casa blanca para el cumpleaños de Roosevelt, sacó pecho en las fotos con el Presidente, se volvió popular, publicó canciones en italiano, pidió una auténtica fortuna para actuar en Las Vegas, cantó ante Kennedy, se divorció, montó su propio sello, trabajó para Walt Disney. Subido en la cresta de la ola sufrió un infarto, y posteriormente se le descubrió un tumor cerebral, falleciendo en 1978.

Cuatro décadas adaptándose a la evolución de los estilos, desde el sonido Nueva Orleans hasta el rock’n’roll, pasando por el swing, las big bands, y el lounge de las Vegas y tuvo tiempo de crear uno de los grandes estándares de la música popular del siglo XX, mezclando con maestria “I’m Just a Gigolo” –canción austriaca inicialmente adaptada en 1928 por un tal Irving Caesar- y “I Ain’t Got Nobody” –de Spencer Williams, 1915-.

Miles Davis

Miles Davis, trompetista de jazz, compositor y líder de banda pequeña, fue el músico de jazz más importante durante más de dos décadas.Su leyenda siguió creciendo incluso después de que la mala salud y la disminución de la creatividad lo alejaron de la realeza del jazz.

Miles Dewey Davis III nació de Miles Davis Jr. y Cleota Henry en Alton, Illinois, el 25 de mayo de 1926. También había otros dos niños, una hermana mayor y un hermano menor. En 1928 la familia se mudó a East St. Louis, Illinois, donde el padre de Davis se convirtió en un exitoso cirujano oral. Davis disfrutó de una infancia confortable y la familia vivía en un barrio blanco. A la edad de trece años su padre le dio una trompeta y pronto Davis se unió a su banda de la escuela secundaria. En 1944 Davis se mudó a la ciudad de Nueva York donde trabajaría dos semanas en la talentosa Billy Eckstine Band, y luego se matriculó en la Juilliard School of Music.

De día estudió música clásica, y de noche adquirió experiencia en el movimiento más nuevo del jazz, el bebop, con los líderes del movimiento, en particular Charlie Parker (1920-1955), Dizzy Gillespie (1917-1993), Fats Navarro, y Max Roach (1924-).

La etapa de Davis de 1947 a 1948 en un quinteto (grupo de cinco músicos) dirigido por el genio del bebop Charlie Parker le dio fama temprana. Davis, un buen trompetista de bebop, pronto sintió la necesidad de liberar su música del estilo del bebop y de restaurar los elementos más melódicos del jazz. El resultado fue la influyente grabación Birth of the Cool (1949), que dio “nacimiento” a la llamada “cool”, o costa oeste, escuela de jazz. Esta grabación estableció la identidad musical de Davis, separada de Parker y los otros beboppers.

A principios de la década de 1950, Davis se convirtió en un adicto a la heroína. Su carrera estuvo a punto de detenerse durante tres años, pero su exitosa lucha contra el hábito de las drogas en 1954 le llevó a su mayor período: mediados y finales de los años cincuenta. Durante esos seis años realizó una serie de grabaciones de pequeños grupos considerados clásicos del jazz. En 1954, con el saxofonista tenor Sonny Rollins (1930-), grabó memorables grabaciones de tres originales de Rollins -“Airegin”,”Doxy” y”Oleo”- así como dos brillantes versiones del estándar de Tin Pan Alley (un respetado grupo de músicos y compositores)”But Not for Me”.

En 1955 Davis formó su grupo más famoso, un quinteto de notable talento que incluía al saxofonista tenor John Coltrane (1926-1967), al pianista Red Garland, al bajista Paul Chambers y al baterista Philly Joe Jones. Hasta que Coltrane se fue en los años 60, la banda de Davis era el grupo más visible y dominante en todo el jazz. En 1964 formó una nueva banda, y Davis siguió siendo la mayor atracción (y la mayor fuente de ingresos) de todo el jazz.

Durante las dos últimas décadas de la carrera de Davis, se convirtió más en una curiosidad por el jazz que en un músico que debe tomarse en serio. Davis ganó una mala reputación en su actuación por darle la espalda al público, por expresar hostilidad racial hacia los blancos, por vestirse mal al principio de su carrera y salvajemente después, todo lo cual contribuyó a su misteriosa imagen. Pero luego, según cuentan, Davis a menudo se burlaba de él por motivos raciales. Un entusiasta del acondicionamiento físico (con su propio gimnasio privado), sin embargo, tomó grandes cantidades de drogas (a veces, pero no siempre, para el dolor). Murió el 28 de septiembre de 1991 en Santa Mónica, California, de neumonía, insuficiencia respiratoria y un derrame cerebral.

Neil Sedaka

Neil Sedaka nacido en Brooklyn, el 13 de Marzo de 1939 es un cantante, pianista y compositor frecuentemente asociado a The Brill Building  En un comienzo, el timbre de su voz, -un poco chillona para lo que a fines de los 50’s estaba de moda-, no convencía a los editores musicales pero Sedaka aportaba unas canciones de indudable calidad y con un ritmo y arreglos diferentes al estilo du-duá tan en boga en aquellos años. Su primer éxito como compositor lo constituyó el tema “Stupid Cupid” (Estúpido Cupido) que en 1958, grabara Connie Francis quien en su exitosa carrera como cantante grabara luego, otros temas del dúo  Sedaka-Greenfield como fueron los temas “Where the boys are” o “¿Who Sorry Now?” A partir de entonces, Sedaka fue contratado por la RCA Records como intérprete solista posición desde la cual obtuvo sus mayores éxitos y canciones como “Oh Carol”, (dedicada según se dice- a la que fue su novia en el instituto como compañera de clases, la también compositora y cantante Carole King), alcanzó de manera fulminante los primeros puestos del Top 100 del Billboard.

Entre 1958 y 1963 Sedaka ubicó con frecuencia varios de sus temas entre los más taquilleros del Billboard americano: “Oh! Carol”, “La chica del calendario”, “Feliz cumpleaños, dulces dieciséis” y “Es difícil decir adiós”. Entre 1960 y 1962, Sedaka tuvo 8 temas dentro del Top 40 pero pronto se encontró entre los intérpretes que vieron como sus carreras eran asediadas por la «invasión británica» y otros cambios de rumbo en la industria musical. Sus sencillos comenzaron a declinar en las listas de popularidad, antes de desaparecer por completo, hacia fines de 1965.

Ella Fitzgerald

Conocida como la "Primera Dama de la Canción" y "Lady Ella", fue una cantante estadounidense de jazz y canciones que interpretó gran parte del Gran Cancionero Americano.

Nacida el 25 de abril de 1917 en Newport News, Virginia, la cantante Ella Fitzgerald fue el producto de un matrimonio de hecho, Ella experimentó una infancia problemática que comenzó con la separación de sus padres poco después de su nacimiento. Con su madre, Fitzgerald se mudó a Yonkers, Nueva York. Vivían allí con el novio de su madre, Joseph Da Silva. La familia creció en 1923 con la llegada de la media hermana de Fitzgerald, Frances. Luchando economicamente, la joven Fitzgerald ayudó a su familia trabajando como "mensajera" de mensajeros y como vigilante de un burdel. Su primera aspiración profesional fue convertirse en bailarina. Después de la muerte de su madre en 1932, Fitzgerald terminó mudándose con una tía. Ella comenzó a faltar a la escuela. Fitzgerald fue enviada a una escuela de reforma especial, pero no se quedó allí por mucho tiempo. En 1934, Ella estaba tratando de sobrevivir sola y viviendo en las calles aún albergando sueños de convertirse en artista, participó en un concurso de aficionados en el Teatro Apollo de Harlem. En el concurso, cantó la canción de Hoagy Carmichael "Judy", así como "El objeto de mi afecto", sorprendiendo a la audiencia. Fitzgerald ganó el primer premio de $ 25 del concurso. Esa actuación inesperada en el Apollo ayudó a poner en marcha la carrera de Fitzgerald. Pronto conoció al líder de banda y baterista Chick Webb y finalmente se unió a su grupo como cantante.

Fitzgerald grabó "Love and Kisses" con Webb en 1935 y se encontró actuado regularmente en uno de los mejores clubes de Harlem, el Savoy. Fitzgerald también lanzó su primer éxito número 1, "A-Tisket, A-Tasket" de 1938, que ella co-escribió. Más tarde ese año, Ella grabó su segundo éxito, "I Found My Yellow Basket". Tras la muerte de Webb en 1939, Ella se convirtió en la líder de la banda, que pasó a llamarse Ella Fitzgerald y su famosa orquesta. (Algunas fuentes se refieren al grupo como Ella Fitzgerald y Her Famous Band).

A mediados de la década de 1940, Granz había comenzado Jazz at the Philharmonic, una serie de conciertos y discos en vivo con la mayoría de los grandes artistas del género. Las décadas de 1950 y 1960 fueron un momento de gran éxito comercial y de crítica para Fitzgerald, y se ganó el apodo de "Primera Dama de la Canción" por su popularidad y talento vocal sin precedentes. Su capacidad única de imitar sonidos instrumentales ayudó a popularizar la improvisación vocal de scatting, que se convirtió en su técnica característica. En los primeros premios Grammy en 1958, Fitzgerald recogió sus dos primeros Grammys, e hizo historia como la primera mujer afroamericana en ganar el premio, a la mejor interpretación individual de jazz y mejor interpretación vocal femenina para los dos proyectos de cancioneros Ella Fitzgerald Sings la Duke Ellington libro de canciones y Ella Fitzgerald canta el Irving Berlin Song Book , respectivamente .  (Ella trabajó directamente con Ellington en el álbum anterior).

En 1960, Fitzgerald entró en las listas de éxitos con su interpretación de "Mack the Knife". Ella todavía iba bien en los años 70, tocando conciertos en todo el mundo. Una serie de conciertos especialmente memorable de esta época fue un compromiso de dos semanas en la ciudad de Nueva York en 1974 con Sinatra y Basie. En la década de 1980, Fitzgerald experimentó graves problemas de salud. Se sometió a una cirugía cardíaca en 1986 y sufría de diabetes. La enfermedad la dejó ciega y le amputaron ambas piernas en 1994. Ella Fitzgerald murió el 15 de junio de 1996 en su casa en Beverly Hills.

Un motivo, 10 canciones: Heroes

Empezamos fuerte, con la ganadora de la encuesta realizada en Twitter sobre las mejores canciones de David Bowie y de la que publicamos en este blog sucorrespondiente artículo, nos estamos refiriendo a “Heroes”, un tema mítico dentro del repertorio del Ingles. Cuentan que la inspiración para este tema le vino a Bowie mirando por la ventana del estudio, desde la que podía verse el muro de Berlín. Junto al muro vio a una pareja besándose, y aquella poderosa imagen de contraste entre el amor y la guerra le sugirió la idea de los "héroes por un día". Publicada en 1977 y perteneciente al disco que lleva el mismo nombre es una verdadera obra maestra de la que tenéis que disfrutar

En la segunda canción nos volvemos al producto nacional y a un grupo del que ya hablamos de un tema suyo en el artículo sobre comidas, nos estamos refiriendo a Mecano, en esta ocasión hemos elegido un tema del que fuera su disco más exitoso, Aidalai, el tema narra la odisea vivida para ser los primeros en llegar a la Antartida, por parte de la expedición Inglesa y a la que se le adelanto la expedición Noruega, este hecho marcaría el devenir del destino de los integrantes, derrotados en ese objetivo ya solo les quedaba regresar a casa, aunque se sintieran fracasados, pero la vuelta no llego a buen puerto, aun así para muchos serán recordados como los "Héroes de la Antártida". Es tema esta cargado de emotividad, y es casi sinfónico, dándole una transcendencia que casa muy bien con el tema de la canción, es una de mis favoritas de Mecano.

Nos vamos con los Beach Boys, y un tema de 1967 perteneciente al álbum Smiley Smile, publicado después de que decidieran no publicar el album Smile y para cual crearon este tema. La canción está considerada como la primera vez que escribieron juntos Wilson y Parks y se cuenta que cuando Wilson tocó la melodía por primera vez, Parks apareció con la línea de apertura en el acto. Este “Heroes and Villains” contiene mucho de lo bueno que pudieron crear el grupo de California. Más tarde supimos la razón del título y es que cuando Brian Wilson atravesaba un período de crisis nerviosas, se refería a las voces en su cabeza como los "héroes y villanos", lo que creaba un zumbido constante en su cerebro que no podía apagar.

La cuarta propuesta puntúa doble, ya que contiene la palabra tanto en el grupo como en el título de la canción (jejejeje) estamos refiriéndonos a Héroes del Silencio, el mítico grupo maño liderado por Enrique Bunbury y que con esta canción hicieron su debut en la industria discográfica, nos estamos refiriendo a “Héroe de Leyenda” un tema que después incluirían en el disco El mar no cesa y que para mí constituye una de las grandes canciones del grupo.

Ahora nos vamos a poner melancólicos y un poco ñoños, porque no admitirlo, damos paso a uno de los temas que inundaron las emisoras y los corazones de muchos y muchas, nos estamos refiriendo a la canción “Hero” publicada en 1993 y en pleno apogeo de su interprete Mariah Carey, la canción trata de sacar de cada uno de nosotros el héroe que tenemos dentro para poder superar las condiciones más adversas, y aunque es muy molona por el torrente de voz y la instrumentación que tiene, la verdad que es una canción muy, muy mala, pero como ninguno estamos a salvo de los placeres culpables, disfruten un poco de ella

Si os digo M.O.D.A. lo mismo pensáis que se me ha ido la pinza y en vez de escribir de música me voy a dedicar a hablar de vestidos, pero si os lo traduzco y os digo todo seguido y sin parar a respirar La maravillosa Orquesta del Alcohol, si no estáis un poco puesto en el panorama nacional del rock os creéis que os estoy vacilando… pues no, este grupo burgalés que se autodenominan los hijos de Johnny Cash, tiene un himno titulado “Los héroes del Sábado” incluido en su álbum de 2017 y aunque pueda sonar a fiesta la canción trata  según palabras de ellos “…Es una canción que intenta expresar la pérdida de la inocencia, la transición entre la niñez y la vida adulta y el desengaño ante muchos aspectos de esta sociedad. Habla de seguir adelante siempre, de no olvidar de dónde vienes, de no dejarse llevar por la mayoría y de no mirar hacia otro lado. De todas esas personas anónimas que no se rinden. En definitiva, del ser humano y la vida misma”.  la verdad que estos chicos saben lo que se hacen, porque suenan realmente bien.

Ahora nos vamos a detener en uno de los temas míticos de Bonnie Tyler, la mujer de la voz rota, nos referimos a “Holding out of a Hero” y la canción que acompañaba a una de las escenas más míticas y recordadas de la película Footlose, donde vemos a Kevin Bacon al estilo rebelde sin causa una carrera de excavadores, eso si, una escena llena de humor. Además está considerada una de las canciones con las que más se hacen acompañar los corredores. A lo largo de la canción es posible encontrarse con una gran presencia de instrumentos electrónicos como los sintetizadores, la guitarra eléctrica y el bajo. Asimismo, desde la misma introducción figura un elemento fundamental de la musicalización de Holding Out For a Hero: la presencia de coros vocales con cierto toque gospel, algo que refuerza la idea de una búsqueda o un viaje épico que es presentada en la lírica.

A Tina Turner ya la tratamos en una artículo de la música en el cine, y hoy de nuevo la traemos en una canción con la palabra Heroe y para una película de cine, nos estamos refiriendo al tema “We don´t need another hero” cuya presencia la encontramos en la tercera entrega de la saga Mad Max, la que llevaba por titula, “Mas allá de la cúpula del trueno” de la que además era protagonista. Una canción llena de fuerza y con el toque perfecto que le da Tina Turner con esa voz tan poderosa.

Nos está saliendo una lista muy cinéfila, y no era nuestra intención, sino la de los Héroes, pero es el tercer tema que tiene que ver con el cine, en esta ocasión nos referimos a Local Hero, interpretada en solitario por el cantante de Dire Straits, Mark Knopfler, y su primera incursión en el mundo de las bandas sonoras, nos estamos refiriendo a “Local Hero” y el cierre instrumental de este con este maravilloso tema que ha terminado convirtiéndose en el cierre de cada uno de sus conciertos, toca cerrar los ojos y dejarse evocar por el sonido que arranca a su guitarra.

Repetimos título, en este caso el “Local Hero” lo pone el gran Bruce Springsteen, encuadrada en el álbum Lucky Town de 1992, la canción no deja de ser un compendio de lo que muchas veces ha reflejado Springsteen en su discografía, el día a día en un pueblo perdido de Estados Unidos y las pequeñas anécdotas de superación que se producen en ella, en este caso se ha insinuado que está basado en vivencias propias ya que una vez fue a comprar un auto y el vendedor le dijo que era un héroe local.

Terminamos con John Lennon y otra de sus canciones que levantó ampollas, pero más bien hacia él, este “Working class Heroe” (Héroe de la clase trabajadora) le trajo algún que otro problema, ya que hubo algún sector que estaba en contra de la figura del cantante que le recrimino que como osaba llamarse así, cuando él había sido criado por su tía en un estatus medio alto económico, Lennon explicó: "Lo que pasaba con la canción de 'Working Class Hero' que nadie había entendido bien era que se suponía que era un sarcasmo: no tenía nada que ver con el socialismo, tenía que ver con 'Si quieres pasar por ese viaje, llegarás a donde estoy, y esto es lo que serás'. Porque he tenido éxito como artista, y he sido feliz e infeliz, y he sido desconocido como artista en Liverpool o Hamburgo y he sido feliz e infeliz ".

Y como no, las aportaciones de nuestros amigos desde Twitter y Telegram, desde luego nos haceis cada dia mas sabios......

Accept – I wanna be no Hero

Beth Hart – I need a Hero

Black Sabbath – Hero

Blackfoot – Call of a Hero

David Crosby – Hero

Ego Kill Talent – Heroes, kings and gods

Family of the year – Hero

Fletwood Mac – Heroes are hard to find

Foo Fighters – My Hero

Gabinete Caligari – Heroes de la Union Sovietica

Gary Moore – Days of Heroes

Hollywood Vampires – Heroes

Johnny Cash – Heroes in black and White

Marillion – Marquet Square Heroes

M-Clan – Antiheroe

Metallica – Hero of the day

Motorhead – Heroes

Nickelback – Hero

Saxon – Broken Heroes

Shinedown – Heroes

Stranglers – No more Heroes

The Kinks – Celuloid Heroes

The star & the slaughter – The héroes

Thin Lizzy – The Hero and the madman

Tino Casal – No fuimos Heroes

Waylon Jennings – My Heroes have been always a cowboys