viernes, 26 de abril de 2019

El disco de la semana 124: System of a Down - Toxicity

Toxicity, System of a Down



     System Of A Down es la proposición que os traemos para esta semana. Serj Tankian (voz, teclado y guitarra), Daron Malakian (voz y guitarra), Shavo Odadjian (bajo) John Dolmayan (batería), todos ellos de origen armenio, se juntan en  Los Ángeles, California (Estados Unidos) en 1994  y fundan System Of A Down, un grupo que tiene presente en su sonido varios sonidos como el hard rock, heavy metal, rock progresivo, metal alternativo ó hardcore. Un grupo que se caracteriza también por realizar unas letras con una fuerte carga social y de protesta donde han tocado multitud de temas cómo la violencia, la guerra, el maltrato infantil, la pornografía ó el machismo entre otros.

     Antes de que el grupo lo conociéramos como tal, Serj y Daron (los dos llevan la parte compositora del grupo) asistían al mismo colegio, el Rose & Alex Pilibos Armenian School, y los dos asistían al mismo estudio de grabación donde realizaban sus trabajos en solitario, hasta que en 1992 por cosas del destino se conocen en dichos estudios y deciden juntarse y formar su primera banda llamada Soil, siendo el manager de la misma Shavo Odadjian, si bien en 1994 los otros dos integrantes de la formación, pues eran 4, abandonan la formación. Después de la ruptura de Soil, Sedrj y Daron lejos de darse por vencidos y junto con Shavo deciden reclutar a un amigo común de Shavo y Daron, Ontronik Khachaturian, y los 4 se embarcan en un nuevo proyecto, de nombre Victims Of A Down, nombre que cogen de un poema que Daron había escrito, si bien acaban cambiando el nombre quedando como nombre final de la formación System Of A Down

     De 1994 a 1997 el grupo se embarca en varios proyectos y graba varias demos, las cuáles obtienen muy pocos resultados  y escasa repercusión. Ontronik decide en 1997 abandJohn Dolmayan, al cuál Serj ya conocía pues John vendía cómics, y Serj era un asiduo comprador de éstos. Es en ese momento cuando la formación queda conformada tal y como la conocemos hoy día. 
onar el grupo, siendo sustituido por

     Ese mismo año, 1997 durante una actuación el grupo acaba llamando la atención del mítico productor Rick Rubin (Aerosmith, Run DMC, Beastie Boys, Red Hot Chili Peppers) el cuál le pide al grupo que mantenga el contacto con él y le envíe material, un material que el grupo envía a varias discográficas, pero la única que muestra interés es la de Rick, American Recordings la cuál pertenece a Columbia Records, que acaba fichando a System Of  A Down. Menudo ojo clínico el de Rick, pues el grupo edita con él a la producción su primer disco de nombre también System Of A Down, un disco con el que consiguen un buen debut consiguiendo situarlo en el puesto número 124 de la famosa lista estadounidense Billboard.


     Ya en 2001 el grupo edita el que sería su segundo álbum de estudio y el recomendado esta semana, Toxicity, también con Rick Rubin a la producción. y es que las muy buenas maneras del grupo acompañadas del muy buen hacer de Rick han conseguido que de este disco se hayan vendido hasta el momento unas 5 millones de copias en todo el mundo. Como curiosidad comentar que en la semana de los fatídicos ataques del 11 de septiembre en Estados Unidos era este disco el que se encontraba encaramado en el número 1 de las listas de ventas americanas.


     Toxicity, un disco que llama la atención desde el primer segundo, con una entremezcla de ritmos como el metal, el hard rock, el hardcore o el progresivo muy contundentes y con unas letras llenas de fuerza y muy comprometidas con temas de lo más diversos, cómo en el tema Prisong song, donde el grupo aborda el tema de la falta de más prisiones en Estados Unidos, pues desde 1985 hasta el año en que ve la luz el disco, 2001, el número de encarcelados en el país se había duplicado.
También abordan el tema de las drogas y el abuso de las mismas en el tema Niddles, y es que el grupo a asegurado en numerosas ocasiones renegar de ellas.


     Un tema, el de las drogas que vuelven a abordar en el tema de las drogas en el corte Chop Suey!, aunque también se ha especulado sobre la temática de este tema que podría tratar también de la aptitud de la sociedad ante la muerte. Sobre el título de este tema, en un principio se iba a llamar Suicide, pero acabaron cambiándolo, el grupo siempre negó que fuera debido a posibles presiones de la discográfica y el veto de las radios, quién sabe. Curiosamente el título, que no aparece en el tema por ningún lado, hace referencia a un guiso chino compuesto a base de pescado ó carne y brotes de bambú, arroz, verduras variadas y hecho al vapor.


     En el tema ATWA (air, tres, wáter, animals and all the Wall alive - aire, árboles, agua, animales y todas las formas de vida), tocan la temática de la lucha ecológica en el mundo. Tankian y Malakian compusieron este tema haciendo referencia a Chrales Manson y su causa ecológica, y es que cuando Manson falleció Malakian llegó a asegurar que "Las entrevistas y la música de Manson habían tenido una gran influencia en él como artista", y para que no se malinterprete aseguraba que de él siempre le interesaron su forma de pensar y ver la sociedad y no sus crímenes, en absoluto. Malakian defendía que Manson además de asesino, era compositor y ecologista, un hecho que siempre fue pasado por alto, y que algunas de sus ideas para con el medio ambiente eran realmente buenas.


     Hay otros temas que por sus letras se pueden interpretar de varias formas, como es el caso del que da titulo al álbum, Toxicity, del que se ha dicho que podría tratar de la ciudad de Los Ángeles y el estilo de vida de allí y de Hollywood en concreto, pero también podrían estar haciendo alusión a la música, la política, la religión, las drogas....... serviros vosotros mismos.
Durante una actuación en directo en el Download Festival, celebrado en Donington Park (Leicestershire, Reino unido) en 2005 Malakian confesó que este tema trata sobre "El trastorno por déficit de atención con hiperactividad".


     Y es que en sus temáticas tienen hasta para las grupees, si bien otras bandas escriben canciones en honor a ellas, en Psycho ellos dejan muy claro que no tienes que acostarte con nadie del grupo para disfrutar de un concierto de ellos.


     Hay más temas que generan controversia y dudas sobre su temática, como Aerials, un temazo del cuál Malakian llegó a asegurar que hablaba de la belleza de los niños con discapacidad y su forma de ver el mundo, pero también dijo que no trataba ningún tema en concreto, la duda está servida. Hay otra visión sobre este tema, y es la que opina que habla de un artista y cómo su personalidad y forma de hacer las cosas va siendo transformada hasta la degeneración alcanzando la fama, pero teniendo un coste muy alto, pues ya no se reconoce a si mismo.


     Y así hasta completar todos los temas de Toxicity, donde todas las canciones tienen un aroma a protesta y no dejarán indiferentes a nadie. System Of A Down  han sabido mantenerse fieles a sí mismos y a su música y su letras, unas letras donde levantan la voz sobre innumerables temas tanto políticos como sociales. Un grupo muy comprometido donde Toxicity sea quizás su obra maestra, o no, eso os lo dejo a vosotros, lo que esta claro es que éste es un disco con mayúsculas, no os defraudará.   





     

jueves, 25 de abril de 2019

la música en historias: Quieres Playback? Pues toma Playback

Iron Maiden, Wasted Years (1986)


     Año 1986, septiembre, la formación británica Iron Maiden que por entonces estaba compuesta por Steve Harris (bajista), Bruce Dickinson (Vocalista), Dave Murray (guitarrista), Adrian Smith (guitarrista) y Nicko Mcbrain (batería) lanza el que sería su sexto álbum de estudio, Somewhere in Time. Un disco que grabaron a medio camino entre Bahamas y Países Bajos, y que supuso una novedad en el grupo, pues fue la primera vez que incorporaron el uso de sintetizadores para la grabación de dicho disco. Si a mediados de los años ochenta lo que estaba en auge erea el Glam - Rock, Iron Maiden con este disco lo que hizo fue apostar por un sonido y unas composiciones con aires progresivos. Todo ello dió cómo resultado un disco que fue considerado con el paso del tiempo por la crítica como una obra maestra y uno de los mejores trabajos de la formación.

    Entre los temas de Somwhere in Time se encontraba el tema Wasted Years, compuesto por Adrian Smith el cuál tuvo mucha importancia y protagonismo en la creación de este disco y se conviertió en el primer sencillo del disco. En un principio el tema iba a ser titulado Golden Years, pero decidieron ponerle Wasted Years para que no fuera confundido con el famoso Golden Years de David Bowie. El tema en cuestión acabó siendo grabado de forma casual, pues en un principio mientras Adrian se encontraba preparando material con Harris y no tenía intención ninguna de grabarla ni enseñarla pues pensaba que a Harris no le gustaría por ser demasiado comercial, pero en un lance del destino y mientras se encontraban los dos preparando ese material Adrian se vió tocando el tema sin querer, es entonces cuando Harris le preguntó que era eso que acababa de tocar a lo que Adrian contestó que era una composición que no le quería enseñar pues creía que no le gustaría, pero Harris contrariamente a lo que pensaba Adrian insistió en prepararla y grabarla.

     Wasted Years es un tema que tiene una curiosidad más, al ser el primer sencillo de la banda, lógicamente se embarcaron en la promoción del disco y tocaron el tema por varios países. Durante la promoción del sencillo son contratados por un programa de televisión que por entonces había en alemania llamado P.I.T para tocar el tema en cuestión ante la audiencia, pero la formación es informada que tienen que salir a tocar el tema en Playback, ¿Playback? ¿cuándo Iron Maiden había salido a tocar en Playback en ningún sitio?, considerado una ofensa el grupo en un principio se negó a salir a tocar, bueno a actuar, pero al final fueron obligados a salir por contrato. 

     Al final decidieron salir a tocar, y una vez presentados por el presentador de turno los chicos salieron y ocuparon su lugar, comenzaron los primeros acordes y los chicos empezaron a actuar, y de repente Dickinson cogió el bajo de Harris y se puso a hacer que lo tocaba, quedando Harris al mando del micrófono, total que a partir de ahí Bruce, Steve, Adrian, Nicko y Dave empezaron a intercambiar roles e instrumentos durante toda la actuación.

     Cierto que habían sido obligados a tocar y a hacerlo en playback, lo que no les dijeron es cómo tenían que hacerlo, y cómo buenos profesionales que eran salieron y nos regalaron una actuación memorable.

miércoles, 24 de abril de 2019

Rock Nacional Argentino: Los auténtico decadentes



Los Auténticos Decadentes

... Vení Raquel vení con los muchachos... Vení Raquel te vas a divertir.... 

Estas estrofas fueron canto de mi adolescencia, donde debo decir que el Ska me ha acompañado, mientras otros amigos se inclinaban por el rock and roll más duro, pero a mi me resonaban más las canciones de Los Auténticos Decadentes.

No me avergüenza en lo más mínimo admitirlo, porque más de un rockero se habrá beneficiado en el boliche de alguna de estas canciones para ganarse una mina.


Y con la canción Vení Raquel, Los Auténticos Decadentes comenzaron a sonar en mi cabeza, por ello esta historia irá de ellos.

Sus inicios por el año 1986 fue en el barrio de Almagro de la Ciudad de Buenos Aires, un grupo de adolescentes de 5to. años de secundaria organizaron una fiesta de fin de curso, y eso sería para ellos el inicio o lo que se conoce de ellos como su primera aparición, entre su primer repertorios estuvieron canciones como:

Loco (tu forma de ser)
https://youtu.be/YUU9W55KFf8

Primer Álbum
de Estudio 1989
Qué lo incluirían en su primer disco "El milagro argentino", que fuera editado en 1989, junto a otras canciones, comencé diciendo que el Ska me acompañaría como género musical, pero los Auténtico Decadentes fusionarán más estilos musicales, como el Candombe, Cumbia, Cuarteto, géneros populares que incluirán en sus canciones, sin dejar de lado el Ska, rock y el pop.




No me importa el dinero
https://youtu.be/LXFL5mdfP40


Desde esos tiempos a hoy, Los Auténtico Decadentes no han dejado de sacar discos, cuya discografía hoy se compone de 11 discos de estudio y el último de ellos fue en el año 2018.

Álbumes de estudio

1989 — El milagro argentino

1991 — ¡Supersónico!

1993 — Fiesta monstruo

1995 — Mi vida loca

1997 — Cualquiera puede cantar

2000 — Hoy trasnoche

2003 — Sigue tu camino

2006 — Club Atlético Decadente

2010 — Irrompibles

2014 — Y la banda sigue

2018 — Fiesta Nacional


Se podría decir que Los Auténticos Decadentes no se han quedado quietos, como otras bandas salieron al mundo a conquistar nuevos horizontes y se han hecho presentes en toda Latinoamerica con sus canciones.

De hecho en sus 25 aniversario realizaron un show en vivo en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México, donde tocaron con artistas de la talla de Julieta Venegas, Quique Rangel de Café Tacvba y otros artistas del ámbito nacional y bandas nacionales e internacionales como Kapanga, No te va a gustar, entre otros.


Si quieres rememorar ese show te dejo un link para que los puedas disfrutar

Auténtico Decadentes 25 aniversario
https://youtu.be/HSj1-w-xePY

Y te puedas también divertir con su música y volver quizás en mi caso a esos tiempo de Ska, no será por faltar a la historia vivida y recortada con alegría esos tiempos vivido como espectador.

Daniel
Instagram Storyboy

lunes, 22 de abril de 2019

Canciones que nos emocionan: Fight for Your Right, Beastie Boys

Fight for Your Right, Beastie Boys



     En esta ocasión voy a hablar de un tema del famoso grupo neoyorquino Beastie Boys, grupo pionero en la experimentación del rap y el hip hop. Este grupo es fundado en 1981 por Michael Diamond (Mike D), Adam Horovitz (Ad-Rock), Adam Yauch (MCA), Kate Schellenback (batería) y John Berry (guitarrista). En sus inicios el grupo comenzó tocando hardcore y punk, muestra de ello es su primer disco editado, de título Pollywog Stew. Posteriormente Kate y john abandonaron el grupo, quedando al frente del mismo sólo Mike D, Ad-Rock y MCA, quienes en 1983 editan un Ep de corta duración llamado Cooky Puss, un Ep donde empiezan a mostrar interés y coquetean con el hip hop. La compañía aérea British Airways usó uno de los temas de este ep, Beastie Revolution, en un anuncio de la compañía sin permiso de la banda, lo que le supuso  ser demandada y tener que abonar a Beastie Boys unos 40.000$.

     Y llegamos a 1986, año en que el grupo decide editar su segundo disco de larga duración, producido por el famoso productor Rick Rubin y titulado Licensed To Ill, un disco donde deciden apostar por el rap y dejan de coquetear con este sonido para ya sumergirse en él. Éste disco fue el primero del género rap en ganar disco multiplatino gracias a sus ventas. Incluido en este disco podemos encontrar el tema en cuestión, (You Gotta) Fight for Your Right (To Party!), otro de esos temas que me encantan.

Kick it!
You wake up late for school, man you don't want to go

You ask you mom, please? but she still says, no!
You missed two classes, and no homework
But your teacher preaches class like you're some kind of jerk
You gotta fight for your right to party
Your pop caught you smoking, and he said, no way!

That hypocrite smokes two packs a day
Man, living at home is such a drag
Now your mom threw away your best porno mag (bust it!)
You gotta fight for your right to party
You gotta fight
Don't step out of this house if that's the clothes you're gonna wear

I'll kick you out of my home is you don't cut that hair
Your mom busted in and said, what's that noise?
Aw, mom you're just jealous it's the Beastie Boys!
You gotta fight for your right to party

You gotta fight for your right to party
Party
Party

     Fight for Your Right fue escrito por Ad-Rock y un amigo de éste llamado "Tommy Triphammer" Cushman, y fue concebido como una parodia a los temas de rock. También se realizó un videoclip donde dos chicos se quedan solos en casa pues sus padres se van fuera y son avisados por estos para que no se metan en problemas. Lejos de hacer caso a sus padres deciden hacer una pequeña fiesta confiando en que los pocos asistentes que vayan se portaran bien. En la fiesta se presentan Ad-.Rock, Mike D y MCA y provocan todo tipo de problemas en la casa, desde peleas hasta quemar la casa. En el video aparecen realizando cameos artistas cómo LL Cool J, Flea (Red Hot Chili Peppers) ó el productor del disco Rick Rubin. Para la realización del video, el cuál fue dirigido por Ric Menello y Adam Dubin, se basaron en la fiesta que aparece en la película Desayuno con Diamantes dirigida por Blake Edwards en 1961.

sábado, 20 de abril de 2019

La música en historias: El sonido Stax

Estelle Axton y Jim Stewart


     En esta ocasión quiero hacer un guiño a una compañía discográfica que marcó un estilo, un sonido y una forma diferente de hacer las cosas a la hora de grabar, esa discográfica es Stax Records, una discorgáfica que siendo más bien una pequeña fue capaz de codearse con las grandes discográficas. Por su estudios de grabación pasaron artistas de la talla de Willie Dixon, Otis Redding, Albert King, Isaac Hayes y The Emotions entre otros. Una de las claves en el exitoso sonido fue que el sello Stax contaba en sus filas con Booker T & The MG's como ya iremos desvelando posteriormente.

     El sello Stax junto con el sello Motown se convirtió en una de las discográficas más importantes del género R & B y Soul. Un dato curioso, sus fundadores fueron dos hermanos, Jim Stewart y Estelle Axton, y eran de etnia blanca.

     Estelle Stewart nació en 1918 en Middleton, Tennessee (Estados Unidos), se crió en una granja, cuando creció se mudo a Menphis para trabajar como maestra de escuela y allí se casó con Everett Axton. Por otro lado Jim nació también en Middleton en 1930, criándose con su hermana en la granja, pues su padres eran granjeros, y al acabar la secundaria y contando con 18 años se mudó a Memphis donde trabajó en unos grandes almacenes encontrando trabajo después en el First National Bank en Memphis. En 1951 fue reclutado para servir en el ejercito y dos años después de su reclutamiento volvió a Memphis y se reincorporó a su trabajo en el Banco.

     Jim compaginaba su trabajo en el banco con su afición a la música tocando el violín, instrumento que tocaba en un grupo local de música country llamado The Canyon Cowboys. Jim animado por su gran afición a la música decide crear en 1957 su propio sello discográfico, llamado Satellite Records, pero se da cuenta de que necesita ayuda para desarrollar la discográfica, y decide pedir ayuda a su hermana Estelle, que por entonces trabaja en un banco, la cuál hipoteca su casa para comprar una grabadora Ampex 300 y juntos, en la casa de Estelle comienzan realizando grabaciones de artistas locales rockabilly. Poco después Estelle se asociaría con su hermano como socia a partes iguales de Satellite Records, y en 1959 se lían la manta a la cabeza y trasladan la empresa al antiguo Teatro Capitol de Memphis, el cuál estaba situado en un barrio de étnia negra, por lo que a partir de ahí empiezan a relizar grabaciones de artistas predominantemente de esta étnia. El antiguo teatro no tenía el piso nivelado y los hermanos que no andaban muy sobrados económicamente y para ahorrar en gastos decidieron no nivelarlo. Al empezar a grabar allí se dieron cuenta de que aquel desnivel del piso del teatro dotaba a todo el local de una acústica única, dotándo a las grabaciones allí hechas de un sonido más grave.     

     El hijo de Estelle tocaba en un grupo llamado Mar-keys y habían grabado en 1961 un tema instrumental para la discográfica cuando todavía se llamaba Satellite Records. Fue ese año cuando los dos hermanos descubrieron que había un sello discrográfico en Los Ángeles que se llamaba Satellite y se vieron obligados a cambiar el nombre, para ello deciden jugar con las letras de sus apellidos ST de Stewart y Ax de Axton y renombran la compañía pasando a llamarse Stax Records.

     Es en ese año, 1961 cuando un músico llamado Booker T Jones se junta con Mar-Keys y de esa asociación acaba naciendo el grupo Booker T & The MG's, la banda de sesión del sello Stax, un grupo que desarrolló un sonido espectacular, uno de los primeros grupos formado por músicos de varias étnias. Es este grupo el que empezó a desarrollar el llamdo Stax sound o Memphis Soul
La importancia de Booker y los MG's fue vital para la discográfica pues a diferencia de la forma de trabajar de otras compañías, cuando algún artista llegaba para grabar a Stax inmediatamente se le ofrecía la posibilidad de usar la banda de músicos de sesión de la discográfica, Booker y compañía,esto hacía que los músicos y el artista en cuestión tuvieran una relación más estrecha a la hora de trabajar, y creaba una complicidad donde todos se implicaban e incluso muchos temas eran coescritos y coproducidos también por Booker T & The MG's

     Durante esta etapa Stax Records vendió varios millones de discos, pero en 1976 la compañía quiebra y es absorbida por el sello discográfico Fantasy Records, un sello que contó con la Creedence Clearwater Revival hasta su disolución.

     Stax Records, una pequeña compañía discográfica que revolucionó la forma de hacer música en aquellos tiempos y que contó con una banda de sesión, Booker T & The MG's que marcarían las líneas maestras del famoso sonido Stax junto a otros músicos de la talla de  Isacc Hayes ó David Porter.



jueves, 18 de abril de 2019

El detective del rock: Naranja y Negro, Alicante




Los colores han estado siempre asociados a emociones y sentimientos, pero también han estado muy presentes en la música. Podríamos decir que el color musical por excelencia es el azul, el color de la tristeza, que ha bautizado a todo un género musical, el blues.

El negro es el color de la oscuridad del "Back in Black" de AC/DC o el "Black Album" de Prince, tan negro como el mercado clandestino que lo convirtió en el disco más pirateado de la historia. Son negros los cuervos de los Black Crowes, las teclas del piano de los Black Keys y la banda fundadora del heavy metal y viajera del Camino de Santiago de la mano de 7días7notas: Los Black Sabbath.

El blanco, por el contrario, es para los Beatles y su "White Album", el Delgado Duque Blanco en el que se reencarnó David Bowie en una de sus mutaciones estéticas, o las rayas de los White Stripes. Imposible no hacer referencia también al púrpura de Deep Purple, de la niebla de Hendrix o la lluvia de Prince, recientemente reseñada en este blog.


Pensar en grupos y discos relacionados con colores no es la mejor opción para pasar las vacaciones de Semana Santa, pero es que andaba un poco "blue" y sin saber qué hacer en el frío Abril de un Alicante de playas de bandera amarilla e interminables procesiones, hasta que, durante una agradable cena, me comentaron la existencia de una tienda de vinilos en el centro de Alicante.


Semejante revelación me sacó de mi trance, y ya no dejé que la conversación se fuera por otros derroteros. Me transformé en Mike Hammer, brillante detective de bigote, gabardina y sombrero de medio lado en el Nueva York de los años 80, saqué la libreta y comencé el interrogatorio. La tienda estaba en la calle Poeta Quintana, y se llamaba Naranja y Negro. Una de las pocas tiendas de vinilos que quedan en Alicante. Ya en los postres había quedado claro para el resto de comensales y familiares que no podrían contar conmigo a la mañana siguiente.

Y así fué. Tras un frugal desayuno en el que repasé las notas y busqué la dirección en el GPS, subí al coche y me lancé a la aventura de encontrar una tienda de discos en los tiempos que corren. Dejé el coche en un parking a unos 200 metros de la calle, para poder acercarme sin hacer ruido ni levantar sospechas. Subí el cuello de la gabardina y me ajusté el sombrero, y caminé decidido hasta el número 36, en el que según el soplo se encontraba la tienda de discos. Allí estaba, Naranja y Negro, una pequeña joya en mitad de una urbe turística, una aldea de la Galia en mitad del Imperio Romano.


Abrí la puerta despacio, con la cautela del que se ha curtido en mil batallas, en las que comprobó pesaroso que, finalmente, el soplo no era correcto y las supuestas tiendas de discos eran en realidad lugares de compra venta de videojuegos, merchandising sobre música y cine y solo algunos cd's aislados. Un disco sonaba en el ambiente, la música brotaba de un tocadiscos situado al fondo de la estrecha pero larga tienda.


Discos y posters poblaban las paredes, por encima de los estantes repletos de vinilos a ambos lados. Clasificados por décadas y estilos, y alfabéticamente dentro de cada bloque de estilos, allí estaban cientos y cientos de discos originales perfectamente cuidados y protegidos por plásticos. Rebusqué nervioso entre los vinilos, y tras una interesante charla con el encargado de la tienda, salí de allí con varias pruebas del delito: Discos de Steve Ray Vaughan, Triana, Prince, John Lennon y los Rolling Stones, con los que el caso de la tienda de discos de Alicante quedó brillantemente resuelto, por el momento.



Porque a partir de ahora, cada vez que la Semana Santa me sorprenda en Alicante, seguiré durante un rato la procesión, hasta el momento en que, sin que nadie se percate, pueda escapar por una callejuela, subir el cuello de mi gabardina, ajustarme el sombrero y apresurarme hacia el número 36 de la calle Poeta Quintana, allí dónde la música es de color Naranja y Negro.




Más información sobre una de las tiendas que "resiste ahora y siempre al invasor", con la poción mágica de los buenos vinilos:

Página Web:
http://www.naranjaynegro.com

Facebook:
https://www.facebook.com/discosnaranjaynegro

Instagram:
https://www.instagram.com/naranjaynegro
@naranjaynegro

Twitter:
https://twitter.com/naranjaynegro

Youtube
Si queréis verla antes de visitarla, el videoclip de "Chaval Sentimental" de la banda "La Moto de Ferrán" está rodado en la tienda. Claro que con esta opción, aunque más digital, os perdéis la posibilidad de "tocar" los vinilos y rebuscar hasta encontrar el vinilo o vinilos elegidos para completar vuestra colección.

miércoles, 17 de abril de 2019

Rock Nacional Argentino: Canciones en el tocadiscos

Canciones en el tocadiscos

Este post será un poco diferente al resto, donde suelo hablar de una banda de rock y contar como a llegado a mis oídos, o aventurar una historia en una etapa de mi vida como espectador del rock nacional.

Será incluso más extraño aún, porque les compartiré bandas de rock que aún ni hemos hablado, pero de seguro serán parte de una historia futura..... Pero debo decirles por extraño que parezca todas guardan alguien o algo en mi.

Y la primera en la lista, no es que sea mi canción preferida pero es muy buena para comenzar, porque siempre me verás volver.

1. Soda Stereo - La ciudad de la furia
https://youtu.be/nDk7WgigT-w

Soda Stereo siempre es un buen comienzo, pero mi segunda canción es para un amigo de 7dias7notas, lo cual espero que le haga ilusión

2. Andrés Calamaro - El salmón
https://youtu.be/XaOd_Asxphw

Ya que estamos con Calamaro, quiero recordar  las tardes del año 86 donde argentina salió campeón del mundo y que mejor que este tema que a los que vivieron el mundial del 86 les pondrá la piel de gallina.

3. Andrés Calamaro - Estadio Azteca
https://youtu.be/B8uJbE60hhg

El fútbol genera pasiones y el rock también, y como una avalancha incontrolable están ambos presentes y esta canción ha inspirado las cansiones de las hinchadas de fútbol.

4. Fito Páez - Y dale alegría a mi corazón
https://youtu.be/-9f24o5V60k

Las canchas de fútbol, el barrio, los amigos en la esquina, no me dejan pasar por alto este tema.

5. Enanitos Verdes - Amigos
https://youtu.be/GYWk3h11d4U

Y con los amigos a todos lados, y unos más afortunados que otros conseguian presumir que ganadores....

6. Los ladrones sueltos - Con una rubia en el avión
https://youtu.be/p1vpnFj0Nxc

Pero las mentiras tiene patas cortas y siempre se sabe la verdad... Pero el amor no conoce de tintes por eso, el próximo tema se trata del amor.

7. Bersuit Vergarabat - Mi caramelo
https://youtu.be/JO5xgpo-Jqc

Y si de amor se trata no hay como el de una madre y un padre.

8. Ciro y los persas - canción de cuna
https://youtu.be/L8iZ_hGYHcA

Pero vamos que nos quedan dos canciones más en estas lista por descubrir.

9. La Beriso - Como Olvidarme
https://youtu.be/uo8qDCDZhK0

Esta les diría que es muy personal por alguien que me falta, pero de seguro nunca de fue, y vamos que es la última, y no me puedo ir sin poner en la lista algo de Divididos y los sonidos de mi tierra.

10. Divididos - La flor azul
https://youtu.be/0S6TGbZfIjg

Debo decir que el folklore es algo que comencé a admirar más de grande y esta mezcla de rock y folklore realmente me gusta mucho.

Amigos esto solo es una lista, no son ni las mejores ni las peores canciones del rock, solo algo que les he querido compartir, de seguro me deje cientos de canciones, las cual con justa razón me demandarán, pero las dejaré para una próxima lista, y soy todo oídos para los que quieran sumar algún recuerdo hecho canción.

Daniel
Instagram Storyboy

lunes, 15 de abril de 2019

La música en historias: Judas Priest, Top Gun y Julio Iglesias

Turbo, Judas Priest



      ¿Que relación puede tener un grupo de heavy metal con una película y con nuestro queridísimo Julio Iglesias? A bote pronto cualquiera que pensara que tienen alguna relación sería inmediatamente calificado como un loco inconsciente, pero ese loco inconsciente tendría razón, y mucha, he aquí la historia:

     Judas priest es un grupo de heavy metal que se originó en la ciudad inglesa de Birmingham en 1969, y durante la década de los 70 y los 80 consiguió asentarse dentro del panorama heavy cómo una de las bandas más influyentes dentro de este género. 
Corría el año 1985 y la formación atesoraba ya en su haber 9 discos de estudio editados y una gran reputación y popularidad. El grupo que por entonces estaba formado por Rob Halford (vocalista), K. K. Downing (guitarra eléctrica), Glenn Tipton (guitarra eléctrica), Ian Hill (bajo) y Dave Holland (batería), decide meterse en el estudio y preparar y grabar el que sería su décimo álbum de estudio titulado Turbo.

     En un principio la idea original de la formación era la de hacer un álbum doble titulado Twin Turbo, un álbum muy especial para ellos, realizado a modo biográfico, pues a través de sus 19 composiciones se contaba la historia de la banda. El grupo presentó el proyecto finalizado a su discográfica CBS Records que inmediatamente rechazó el proyecto por considerarlo demasiado costoso, dejando a Judas Priest en la difícil situación de tener que descartar varios temas y a sacar un álbum sencillo. Finalmente el grupo desechó en aquél entonces 10 temas, editando los 9 restantes en el álbum que se llamaría Turbo. Algunos de los temas desechados verían la luz en su disco siguiente, otros verían la luz en posteriores remasterizaciones de sus discos.

     En 1984 la formación, que se encontraba en Marbella, ya había estado trabajando y escribiendo las primeras canciones de este disco, sin embargo, ya en 1985 deciden irse a grabar a los Compass Point Studios que se encontraban en Nassau (Bahamas), pues son unos de los únicos estudios que por aquel entonces contaban con la tecnología digital que necesitaban para grabarlo. La novedad que incorporaron en este disco fue el uso de guitarras sintetizadoras, unas guitarras que usaban con pedales y que eran capaces de crear multitud de efectos sonoros similares a los sintetizadores. Judas Priest fue pionera en el uso de estas guitarras sintetizadoras dentro del heavy metal.
En la grabación del álbum colaboró cómo artista invitado Jeff Martin, vocalista del grupo Racer X, que hizo coros en el tema Wild Nights, Hot & Crazy Days, y colaboró en la composición de las letras en Private Property.

     Uno de esos 9 temas incluidos en el disco es Reckless, el cuál llamó la atención a la cinematográfica Warner Bros y solicitó utilizarlo para la banda sonora de la película Top Gun, dirigida por Tony Scott y protagonizada por Tom Cruise y Val Kilmer entre otros. Una petición que fue desestimada por los miembros del grupo, por lo que la Warner acabó incluyendo el tema Take My Breath Away del grupo Berlín. El exitazo de la película ayudó y mucho a que Berlín alcanzara gracias a este tema hasta el quíntuple disco de platino.

     Al salir publicado el disco, salió un rumor que se extendió como la pólvora sobre que Julio Iglesias había colaborado en la grabación de uno de los temas del disco Twin Turbo, no olvidemos que al principio el disco iba a ser doble y se iba a titular así. Lo que pasó (según fuentes del grupo británico) fue que mientras Judas Priest estaban grabando en uno de los estudios de Nassau (Bahamas), Julio Iglesias hacía lo propio en el estudio contiguo al de ellos, y en una de las sesiones, mientas se encontraban grabando el tema Prisioner Of Your Eyes (uno de los temas finalmente descartados), Julio que se encontraba al lado lo escuchó y le encantó, y llegó a comentar a uno de los técnicos de Judas Priest que "Quería cantar en esa canción", algo que al final nunca llegó a concretarse.

domingo, 14 de abril de 2019

El Navegador del Rock: El edificio de Physical Graffiti de Led Zeppelin

¿Quieres visitar los lugares que aparecen en las portadas de los discos del rock?
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EDIFICIO DE PHYSICAL GRAFFITI, ST. MARKS PLACE (NEW YORK)



El edificio de la mítica portada del sexto álbum de Led Zeppelin, "Physical Graffiti", está situado en los números 96 y 98 la calle St. Mark’s Place del barrio neoyorkino de East Village en Manhattan. Estamos de nuevo ante una calle mítica del rock. Fue un enclave relevante tanto para el movimiento hippy en los años 60 como para el punk en los 70, y su influencia ha quedado reseñada en menciones en canciones de Lou Reed o Tom Waits, entre otros. Fué además el escenario elegido para grabar un video de los Rolling Stones (Waiting on a friend, grabado en 1981 en las escaleras del mismo edificio), y acogió los primeros shows de la Velvet Underground bajo el paraguas creativo de Andy Warhol.

Como siempre el paso del tiempo ha hecho que éste icónico lugar haya sufrido transformaciones importantes que la alejan de la bohemia contracultural que le dio fama. Ni rastro de las tiendas de discos de antaño en toda la calle, y particularmente en el lugar de la fachada del disco hay una tienda de ropa y una tetería, ambas llamadas "Physical Graffiti" para reclamo de los turistas.

Entre las curiosidades de la creación de la portada, al visitarlo se puede comprobar que el edificio tiene realmente 4 plantas en lugar de las 3 que aparecen en la portada del disco. El ilustrador Mike Doud eliminó una de las plantas para que la fachada pudiera encajar en la portada del vinilo.

Como buena portada de Led Zeppelin, no escapa a las teorías e interpretaciones misteriosas. En este caso, se ha dicho que las dos puertas hacen referencia a los caminos mencionados en “Stairway to Heaven”. En la contraportada, dónde la foto aparece invertida, el portal iluminado permanece cerrado, mientras el otro muestra la puerta abierta a la oscuridad, en referencia al esoterismo y la brujería mística con la que jugaban los miembros del grupo. El hombre en las escaleras, que podría ser John Bonham según éstas teorías, está sentado junto al camino oscuro.

Para visitar este lugar emblemático del rock, tenéis que llegar a la intersección de St. Marks Place con la Avenida 1. Si entráis a St. Marks Place por ahí, los números 96 y 98 quedarán a vuestra derecha. Solo una advertencia para los que os aventureis a visitarla. Si al llegar veis que alguna de las dos puertas está abierta, tened en cuenta que podría ser la que lleva por el camino oscuro del rock.






sábado, 13 de abril de 2019

Canciones que no soporto: Ready for Love, Gary Moore

After the War (1989), Gary Moore



     En esta ocasión he decidido armarme de valor y coger el toro por los cuernos para hablar en esta sección de un tema de Gary Moore, más que por el propio tema, por todo lo que supuso quizás, siendo un punto de inflexión en la carrera de Gary.

     Pero me va a costar, y mucho, pues al bueno de Gary le tengo un cariño especial, fue el primer artista por el que me interesé de verdad, hasta tal punto de hacerme con toda su discografía en grupos como Skid Row, Colosseum II, Thin Lizzy y en solitario. También tuve la suerte de ver a este animal de escenario (porque era un auténtico animal en directo) en directo en el antiguo Palacio de los Deportes de la Comunidad de Madrid en junio del año 1994 junto con los excomponentes de Cream Ginger Baker y Jack Bruce bajo el nombre de BBM, memorable. Y también es un guiño a mis compañeros de blog Chema y Nevermind, pues además de compartir blog somos amigos desde la infancia y saben lo que significó para mí Gary Moore, y tuvieron que sufrir mi friquismo hacia él en incontables ocasiones.

     En 1989 Gary saca a la luz su octavo disco de estudio, titulado After the War, el cuál sería su último disco dedicado al hard rock.
El disco supuso un éxito de ventas, alcanzando el puesto nº 24 en las listas de ventas en Reino Unido y el puesto nº 114 en las listas de ventas de Estados Unidos.
Pero si analizamos detenidamente el disco enseguida nos damos cuenta de que no es un disco tan redondo como los anteriores  basados en el hard rock, y ni mucho menos cómo el su antecesor Wild Frontier, uno de los mejores discos de Gary, de hecho diría que After the War es el menos redondo de su etapa en el hard rock. Por un lado nos encontramos con temas como Blood of Emeralds, tema donde Gary vuelve a mezclar el rock y la música Celta con una maestría al alcance de pocos, tema que además fue compuesto como tributo a su gran amigo Phil Lynott. También nos encontramos con The Messiah Will Come, un maravilloso instrumental compuesto por Roy Buchanan y que Gary mantuvo posteriormente en su repertorio en directo durante su posterior época blusera. Y nos quedan los demás temas, todos ya de corte hard rock, donde podemos encontrar After the War ó Led Clones (tema en el cuál colabora Ozzy Osbourne), temas que combinan calidad y comercialidad a partes iguales.
 
     Es cierto que este disco rezuma comercialidad por todos los dados, no fue el disco más redondo de Gary en cuanto a calidad, pero sí supuso un éxito de ventas. ¿Había sacrificado Gary la calidad en las composiciones en pos de las ventas?, ¿Había llegado un punto donde Gary ya estaba aburrido de hacer siempre hard rock? Es posible, no olvidemos que Gary durante su vida no tocó sólo los géneros rock y blues, en sus comienzos ya había coqueteado con el blues rock y el rock psicodélico en la banda Skid Row y tocado jazz fusión y jazz rock en Colosseum II y posteriormente a su carrera como bluesman también se volvió a sumerger en la exploración del rock progresivo y el rock psicodélico y también de la música electrónica, culo inquieto.

Hey baby, looking good to me.

hey baby, i like what i see.

i'm ready, i'm ready for love.
what you say, we just forget the drill.

full metal jacket, i'm shooting to kill.

i'm ready, i'm ready for love.
Don't you know that it's cold outside.

come on in, i'll keep you satisfied.

just like that moon up above,

i'm out tonight and i'm ready for love.
I'm getting ready, i'm ready for love, hooh.

i'm ready, i'm ready for love.
aough!
move over baby.

Hey baby, won't you tell me your sign.

what do you know, it's the same one as mine.
i'm ready, i'm ready for love.

you hear me knockin', but you won't let me in.

open the door honey, let the fun begin.
i'm ready, i'm ready for love.

You say you will, then you say you won't.

now you see it, now you don't.

just like that moon up above,
it's out tonight and i'm ready for love.

I'm getting ready, i'm ready for love.
i'm getting ready, i'm ready for love.

Every day in the week,

i'm in a different city.

every day in the week,
somebody tries to hold me down.
Your place or mine, honey?

Don't you know that it's cold outside.

come on in, i'll keep you satisfied.

just like that old moon up above,
i'm out tonight and i'm ready, ready, ready, ready.

(i'm out tonight and i'm ready for love.)

(i'm ready for love.)

(i'm out tonight and i'm ready for love.)
i'm ready for love.

Ready, i'm ready for love.

i'm getting ready, i'm ready for love.

i'm getting ready, i'm ready for love, wooh!
i'm getting ready, i'm ready for love.
just like that moon up above.

(ready)

i'm ready for love.

(i'm getting ready.)
i'm ready for love.
(ready)
i'm getting ready for love.
(i'm getting ready.)
ooh, just like that moon up above.
(ready, i'm getting ready.)
i'm getting ready for love.
(ready, i'm getting ready.)
aough!
hooh.
(ready, i'm getting ready.)
(ready, i'm getting ready.)
(ready, i'm getting ready.)
(ready.)

     ¿Y por qué no soporto Ready for Love? se trata de un tema muy comercial que tiene un riff pegadizo y unas letras más pegadizas todavía donde Gary le canta a una chica que está listo para el amor, y si vemos el vídeo podemos observar a un Gary maqueado con ropa de cuero y tachuelas en un estudio decorado, y él en centro flanqueado a los lados por el teclista Neil Carter y el bajista Bob Daisley, y detrás por el batería Cozy Powell, y durante todo el vídeo no paran de aparecer chicas guapas, más comercial imposible.

     ¿Este era el camino que quería seguir realmente Gary? No creo, de hecho su siguiente trabajo fue Still Got The blues, lo que conllevó  otro cambio más de estilo para el bueno de Gary y toda una declaración de intenciones donde volvió a demostrar su increíble versatilidad.