miércoles, 12 de diciembre de 2018

La música en historias: Slash "El Guapo"

Slash





     Corría el año 1985, y "Slash" forma parte de la banda "Hollywood Rose" (antesala de la mítica formación Guns & roses). Pero Slash que no esta muy contento con la formación, decide realizar numerosos castings buscando una banda donde tocar. Es entonces cuando se le presenta una oportunidad de audicionar para el famoso grupo de Glam-Metal "Poison" que por entonces estaba teniendo mucho tirón. La cuestión era que el guitarrista de la formación original, Matt Smith dejaba Poison, pues su novia se había quedado embarazada y quería disponer de más tiempo para dedicarlo a su familia.

     Según versión del propio Slash, éste coincide con Matt, el cuál le sugiere que pruebe con el grupo Poison ya que él va a dejar el grupo, a lo que Slash accede pues quiere mantenerse en el panorama rockero. Una vez realizada la audición queda claro que es el favorito para entrar en la banda. Durante una de estas audiciones se le pregunta que tipo de vestimenta iba a usar, y si estaría dispuesto a maquillarse, lo cuál a Slash no le hace ni pizca de gracia. Posteriormente en otra de esa audiciones Slash se cruzó con el que a la postre sería el elegido para cubrir el puesto de guitarrista de la banda, C. C. Deville, el cuál iba todo maquillado y con el pelo todo lacado.

    Según fuentes de miembros del grupo Poison, reconocen que Slash era un músico increíble, pero no querían a un supervirtuoso, y consideraron que C. C. Deville encajaba mejor para el grupo.

    Quizás se decantaron por C. C. Deville porque sabían de las reticencias de Slash a maquillarse y cambiar su look, quizás simplemente porque es cierto que C. C. encajaba mejor con el grupo como ellos afirmaban. Eso solo lo saben los protagonistas de la historia, pero yo me alegro de que Slash no acabase en Poison, porque nos lo hubiéramos perdido con el grupo "Guns & roses", y ahí si que encajaba, y como encajaba....................





La musica en el cine: Vangelis - Carros de fuego

En la entrega de hoy nos vamos a Grecia a hablar del que es sin duda uno de sus compositores mas reconocidos a nivel internacional, nos estamos refiriendo a Vangelis, el autor de varias bandas sonoras muy conocidas por el publico en general como son Blade Runner, 1942 la conquista del paraíso, la serie Cosmos de Carl Sagan y sobre todo de la que hablaremos, Carros de fuego.



Vangelis a principio de los años ochenta ya se había hecho un hueco como compositor en el cine, si bien había compuesto la música para mas de diez películas, todas del circuito independiente, y fue a principio de esa década cuando Carl Sagan decidió incluir varios de sus temas en su archiconocido documental, Cosmos, un viaje personal. El éxito de esa serie le catapultó a la fama y el director británico Hugh Hudson que por aquel entonces estaba preparando una película sobre los atletas británicos que estaban preparando los juegos Olímpicos de París 1924 y después de escuchar la música realizada en 1977 por Vangelis en "Ópera sauvage", un documental sobre animales del realizador Frédéric Rossif, pensó que su estilo particular le vendría muy bien a su film, a pesar de que le advirtieron que el sonido de sintetizadores tan particular y tan presente en la obra del compositor, no podría casar muy bien con la época en la que se desarrolla el film, los años 20 del siglo pasado, pero finalmente se impuso el criterio del director y Vangelis compuso con sintetizadores el célebre tema que suena en los primeros minutos de la película donde se muestran a los atletas, en cámara lenta, entrenándose descalzos en la playa. Dicha escena fue filmada en la costa este de Escocia, en una pequeña pero importante ciudad de ese país, St. Andrews, ubicada en el condado de Fife. El tema alcanzó tal popularidad que logró llegar al puesto número 1 en el listado de sencillos de las 100 calientes de Billboard, la semana del 8 de mayo de 1982. Ademas obtuvo el premio Oscar a la mejor Banda Sonora en 1981, derrotando al mismísimo John Williams que estaba nominado por su trabajo realizado para Spielberg para la película "En busca del arca perdida".



Vangelis, nacido el 29 de marzo de 1943 y cuyo nombre real es Evangelos Odysseas Papathanassiou, empezó su carrera en bandas de rock progresivo de su país en los años 60 que tuvieron cierto exito, pero discrepancias provoco su disolución. Ya en los 70 se dio a conocer por su carrera en solitario, especialmente gracias a sus álbumes de música electrónica llegando a construir sus propios estudios de grabación, a los que bautiza como Nemo Studios.20​. Los años 80 fue su época dorada en el cine, pero temiendo la posibilidad de quedar encasillado como músico de bandas sonoras, Vangelis decide no publicar comercialmente todos sus trabajos para el séptimo arte. Ya en los noventa, el músico explora la combinación de ambientes urbanos con el minimalismo electrónico, de su carácter da testimonio la pieza Good to See You que en sus primeros 23 segundos sólo consiste en ruidos de ciudad, pero rápidamente gira y tiene un mayor acercamiento a los esquemas compositivos y la gravedad de la tradición clásica, sin insistir tanto en la creación de música experimental como hiciese previamente. Ya entrado el siglo XXI fue protagonista de la composición de un tema que sirviera de himno para la misión no tripulada a Marte en 2001: Mars Odyssey. En 2002 se publica el single con el himno oficial de la Copa Mundial de Fútbol de 2002 celebrada en Corea y Japón.
Ha desarrollado una carrera paralela como pintor,​ y ha realizado varias exposiciones internacionales.​ Su aporte a diversos proyectos de interés cultural le han afianzado como una personalidad de considerable peso mediático especialmente en su Grecia natal. En su honor la Unión Astronómica Internacional dio su nombre a un asteroide: el (6354) Vangelis.



lunes, 10 de diciembre de 2018

Canciones que no soporto: Layla (Unplugged), Eric Clapton

Eric Clapton, Unplugged


     Corría el año 1970, y Eric Clapton decide formar una nueva banda de Rock. Para tal aventura además de él a la voz y la guitarra, decide contar con Bobby Whitlock a los teclados, Carl Radle al bajo, y jim Gordon a la batería. Por cosas del destino Clapton conoce poco después  a Duane Allman y acaba fichandolo para este proyecto (pero eso es otra historia), quedando conformado el grupo con estos cinco músicos. 

     El grupo se acaba llamando "Derek and The Dominos",  y ese año edita el único disco que cuenta en su haber , "Layla and Other Assorted Love Songs", que si bien no obtuvo unas ventas muy buenas, si fue muy bien recibido y valorado por la crítica. 

     En ese disco podemos encontrar el tema llamado "Layla", compuesta por Clapton y el batería Gordon, está basado en la historia de un poeta clásico persa llamado Nezami, que cuenta la historia de una princesa que es obligada por su padre a casarse con una persona diferente al joven que realmente ama. Clapton junto con Gordon, compuso este tema para referirse a Pattie Boyd, quien por aquel entonces era la mujer de George Harrison, de la cuál estaba enamorado y con la que se casaría posteriormente. Un tema con mucha historia, interpretado por dos guitarristas geniales, Clapton y Allman.

     El tema original es para mí una auténtica Delicatessen, una obra maestra. Es un tema que a lo largo de su historia ha sido versionado en multitud de ocasiones. En 1992, Eric Clapton rodeado de un pequeño grupo de público, en los Bray Studios de Windsor (Inglaterra), graba y despues edita un directo totalmente acustico titulado "Unplugged", un buen disco que además tengo en vinilo, y que tiene piezas muy buenas como por ejemplo una versión del "Walkin' Blues de Robert Johnson, la versión de San Francisco Bye Blues, o la delicada Tears in Heaven, compuesta en honor a su hijo fallecido.

     En este disco también se encuentra una versión acústica de "Layla", versión que nunca me ha acabado de entrar. En la versión original las guitarras de Clapton y Allman se salen, y  la historia es contada con una desgarradora fuerza, lo que lo convierten en un tema brutal, magistral,  mientras que para mí, a la versión del Unplugged de Clapton le falta todo, el tema me resulta insípido, se carga la magia de un tema espectacular...........

viernes, 7 de diciembre de 2018

La música en historias: Coque Malla "Irrepetible" 6-12-2018


Ayer la noche estaba fría en Madrid, y aún más a la orilla del Manzanares, mientras esperábamos la cola para entrar a la Riviera para el concierto de despedida de la gira "Irrepetible" de Coque Malla. 

Un guardia de seguridad de nacionalidad cubana se ganó a todos los que esperábamos con su buen humor y amabilidad durante la espera, haciendo de ese rato previo algo más cálido y amigable.

Daba constantemente instrucciones a las filas para un correcto acceso, con buen humor y gracejo como cuando pidió el DNI a una chica, y al comprobar que era menor de edad, le puso un sello para que no le sirvieran bebidas alcohólicas en el interior mientras bromeaba cantando: "Se acabó la fiesta, lo siento porque tenemos una colección de rones muy buena dentro, pero tengo que ponerte este sello".

La chica iba con su familia y todos bromearon sobre aquello. Ese era el ambiente que se respiraba en los aledaños de la Riviera, gente que ha crecido al calor de las canciones de Coque Malla, y que se las han puesto a sus hijos adolescentes hasta conseguir ese momento mágico en el que un hijo te acompaña a un concierto.


Gente en parejas, en grupos, tomando cervezas en los bares de los alrededores, sin malas caras cuando les dijeron que no podían entrar bocadillos al recinto, nada podía estropear un momento que tenía que ser "Irrepetible".

Y lo fue. Pocos minutos pasaban de las 21,30h cuando la banda entró decidida al escenario, entre la euforia y los aplausos del público que llenaba la Riviera. Los músicos fueron ocupando su lugar, Coque el último para lograr el subidón máximo en el arranque del primer tema. Escenario austero, el telón clásico de la Riviera y tres grandes lámparas de pié como único atrezzo. No hacía falta más, la música y las canciones eran las protagonistas.

La sección de viento ocupaba el centro del escenario en segunda línea, desplazando a la batería a la parte derecha del escenario. Esa segunda línea la completaban los teclados en la parte izquierda. En primera línea, guitarra eléctrica y bajo a los dos lados del escenario, con Coque Malla liderando en el centro y cambiando de guitarra en función de cada tema.

Arrancaron con un instrumental muy marcado por la sección de viento, que dió paso a un tema que no esperábamos en el repertorio, "Este es el momento", de la genial película Campeones. Enlazada con ésta, atacaron la que esperábamos como inicio, "Escúchame", en la que Coque fue presentando uno a uno a los músicos para acabar con un "Yo soy Coque Malla, bienvenidos!!!!", mientras el tema explotaba en su parte instrumental.

Arranque de Big Band al que siguió una revisión del "She's my baby" de La hora de los gigantes, disco de la semana 103 en 7 días, 7 notas (ver reseña en "Disco de la semana").


Cambio a guitarra acústica para uno de los grandes momentos de la noche, con todo el público cantando esa maravilla de estribillo de "La señal", a la que siguió la única canción que rescató de su disco de debut en solitario, "La mujer sin llave", convertida en pieza relevante del repertorio desde que la puso como apertura del proyecto "Mujeres".

La temperatura volvió a subir con el tema que da título a su "Último hombre en la tierra", una de las canciones que dan fe de la madurez que Coque ha alcanzado en las letras y la música. La falta de una orquesta para acompañarla no mermó las fuerzas de una canción grande, que sabe a circo y a titiriteros y al mismo tiempo es una declaración de amor y añoranza de los buenos momentos.

Las canciones se iban sucediendo, la banda en forma, Coque mostrando sus dotes escenográficas en los gestos y la intensidad del recitado de "La Carta", mostrando su lado más cercano y simpático en la explicación del origen de "Berlín", y regalándonos la segunda sorpresa de la noche repescando "El sombrero", del disco "Sueños" que como el buen vino se ha hecho cada vez mejor con los años.

La banda y Coque mostraron después su gusto por el blues en "Todo el mundo arde", antes de disparar la tercera sorpresa, una tremenda versión de "El equilibrio es imposible" de Los Piratas de su gran amigo Iván Ferreiro. Aquí comentó Coque que las canciones estaban ahí fuera, solo había que poner empeño en escucharlas y atraparlas, pero esa se le había escapado y se la había llevado antes "el gallego".

Llegó entonces el turno de recordar a los Ronaldos, con una inesperada e intensa "Quiero que estemos pegados" y con la esperada "Guárdalo" de nuevo a dúo con la única colaboración de la noche, Dani Martin.

Vuelta al último disco con "Cachorro de León", y sobre todo con esa joya absoluta que es "Pétalos, sonrisas y desastres". Esta si que la atrapaste en el sitio en el que se ocultan las canciones, Coque!!!!


Momento de coger aire, sentarse en una banqueta, y atacar temas más tranquilos como "Una moneda" o "Hace tiempo", con el público entregado a esa rareza ranchera de su repertorio. Un espejismo de tranquilidad, porque después sonaron las primeras notas de "No puedo vivir sin ti" y la Riviera se volvió loca.

Con un sorprendente "Despierto" Coque se despidió del público antes de los bises, un trío formado por la increíble "Hasta el final", la pegadiza "Lo hago por tí" y ese monumento en el que se ha convertido "Me dejó marchar" con su constante crecer en cada escucha.


Y con eso Coque nos dejó marchar. Volvimos a la fría noche madrileña, extasiados de música pero con ganas de más, con la sensación de haber vivido efectivamente un momento irrepetible, que ojalá volvamos a repetir.
Comentó que el siguiente paso sería encerrarse a componer, esperaremos atentos pero hasta entonces, como dijo el guardia de seguridad de la entrada: "Se acabó la fiesta". No hay más rones que tomar ni canciones que escuchar, nos vamos con el sello de la música que Coque nos dejó grabado.

El disco de la semana 105: Desakato - Miseria Sangre y Plomo

Miseria, sangre y plomo (2010)





     El Punk-Rock acapara el disco propuesto para esta semana, que nos ha traído al territorio nacional, concretamente Asturias, de donde procede Desakato, grupo que nació en la localidad de Llanera allá por el año 2003.
   
     En el año 2004 consiguen editar su primera maqueta, "Agujero social". En el año 2005 editan su segunda maqueta, "Gritando en silencio". Dos años más tarde por fín logran grabar su primer disco, "Con el viento de cara", lo que les abre definitivamente las puertas del panorama nacional.

     En 2010 editan su segundo álbum,  "Miseria,  sangre y plomo", que es el disco en el que nos vamos a centrar.


      Este disco no es un disco de Punk-Rock clásico al uso, pues este grupo mezcla el punk, el rock y la musica folk, y lo hacen con mucha clase, con un sonido muy contundente, con unas guitarras muy cuidadas y bien empacadas, utilizando además  gaitas y secciones de viento para las partes más folklóricas del disco.



     Comienza el disco con el tema "África", un tema de corte Punk-Rock al estilo clásico, donde al final meten sección de viento, dejando entrever lo que se avecina. África es toda una crítica donde dejan entrever que hay cosas que nunca cambian.



     En el segundo tema, "En el ojo ajeno" meten unos cambios metaleros buenisimos, apoyados siempre en las guitarras. Unas guitarras que cuidan muchísimo.



     Y llega "Cada vez", una de las joyas del disco, tema que empieza en plan balada,  para ir cogiendo velocidad, donde las guitarras se acaban desmelenando, y entonces entra el sonido de gaitas, creando una mezcla de Punk-Rock con folk de la tierra  buenísima.



     Y así, uno tras otro, voy escuchando los temas totalmente enganchado (pues ya me han ganado), y van haciendo gala de ese potente de sonido, el mensaje de sus letras, esos cambios de ritmo constantes que no sabes por donde va a salir, y todo aderezado por una exquisita mezcla de folk asturiano.



     En "Bajo la piel" por ejemplo, comienzan unos cambios metaleros muy buenos, metiendo muchos matices folk. Según avanza el tema, este se va acelerando hasta acabar en una potente descarga y te vuelven a sorprender ensartando una sección de viento, con un resultado brutal.



     "El mio camin", es uno de los dos temas que realizan cantando en astur, otro guiño más a su tierra. El otro es "Frío de Xineru", otra de las joyas del disco, una balada donde el vocalista esta acompañado prácticamente todo el tema solo con un piano, con una letra que te llega (los sueños pocas veces se corresponden a la realidad). Demostrando que además de desenvolverse con maestría con las potentes descargas, también saben hacer temas lentos, y además emocionar.


     Desakato, que este año han editado su último trabajo, "Antártida", cuentan ya en su haber con 6 álbumes a lo largo de su larga trayectoria musical. Buen grupo que merece la pena detenerse a escuchar si no los conoces ya......




Desakato (2017)



Miseria, sangre y plomo (2010)
  • África
  • En el ojo ajeno
  • Cada vez
  • Contra la pared
  • Otro gramo
  • Bajo la piel
  • Mundo virtual
  • El mío camin
  • Frio de xineru
  • nuestra oportunidad


   

   

miércoles, 5 de diciembre de 2018

La música en historias: El disgusto de Rory

Rory Gallagher 






     Rory Gallagher nació en Ballyshannon, Irlanda el 2 de marzo de 1948. a la edad de dos años sus padres se mudaron a Derry, y tras una corta estancia en dicha localidad, por motivos laborales de su padre, acabaron viviendo toda su vida en la localidad de Cork, donde Rory acabó viviendo gran parte de su vida.

      En 1966, con apenas 18 años, funda el grupo Taste, con el que edita dos discos de estudio, y rompe barreras realizando una gira por Estados Unidos como teloneros del grupo Blind Faith. En 1970 tras formar parte del mítico elenco del Festival de la Isla de Wight, en 1970, Rory que no está contento con la dirección que quieren dar al grupo tanto la discográfica, como su manager y los otros dos componentes del grupo, disuelve la banda para iniciar su carrera en solitario. De esta etapa Rory aprendería mucho, como podréis comprobar después.


Taste, Isla de Wight (1970)

     En el año 1974  Rory ya atesoraba 4 discos en estudio (todos absolutamente recomendables) y dos en directo (Mítico el directo Irish tour 74) todos publicados con la compañía Polydor. En 1975 Rory ya es toda una estrella, y firma un contrato con la compañía Chrysalis, y aquí hace una cosa muy interesante al negociar el contrato con dicha compañía, renuncia a una considerable parte de sus emolumentos a cambio de tener el control total de sus temas y discos, siendo el siempre el que tendría la última palabra sobre que material se editaría y vería la luz.


     En 1977, y después de haber editado otros dos discos más, muy recomendables también por cierto, y aprovechando su creciente popularidad en Estados Unidos, decide irse a grabar a la ciudad de San Francisco de la mano del productor Elliot Mazer. Una vez finalizado el proceso de grabación, durante el cuál ya habían surgido problemas, y una vez mezclado el que sería su nuevo trabajo, Rory muestra su disconformidad con el resultado final, llegando a discutir con el productor, Elliot. Tanto el productor como la compañía querían sacar ese trabajo adelante, pero Rory tenía un as en la manga. Como comenté anteriormente, con Taste aprendió mucho, y desde entonces decidiría que su música era suya y tenía claro el tipo de música que quería hacer, por eso en su momento renuncia a ganar más dinero a cambio de tener él el control de su música. Y eso es precisamente lo que haría. Esas grabaciones decide no sacarlas  adelante, guardándoselas, grabaciones que por cierto, parte de ellas verían la luz en el año 2011, con el título de Notes from San Francisco.


     Y nos encontramos en el punto en el que Rory había decidido no publicar ese trabajo, hasta ahí bien. Quién no estaba muy contenta era su compañía, Chrysalis, pues tenía firmado por contrato que Rory debía publicar un disco nuevo, y apenas le quedaba tiempo. Entonces Rory toma una decisión, despide a toda la banda que venía acompañándole durante los últimos cinco años, menos a su inseparable bajista, Gerry Mcavoy, y ficha al batería Ted McKenna, volviendo a la típica formación Power Trío que tanto le gustaba.


Photo Finish (1978)

     Una vez realizados los cambios en la formación, se marcha a los Dierks Estudios de Colonia, Alemania, para trabajar con Dietr Dierks, productor que trabajo en varios discos de Scorpions, y en un mes escaso graba Photo Finish, otro gran trabajo, que contiene temas poderosos y llenos de fuerza cómo Brute Force & Ignorance o Shadow Play, blues como Fuel to the Fire, o la maravillosa Overnight Bag, una oda que hace referencia a su continua vida en la carretera. En definitiva el resultado es otro memorable disco, hecho a su gusto, y es que Rory tenía gusto, mucho gusto, todo lo que hizo a lo largo de su carrera lo hizo bien, que digo, muy bien.


     Cómo él decía, su música era suya y sólo se debía a su público, pues donde realmente disfrutaba era en directo, junto a su amado público.

lunes, 3 de diciembre de 2018

La música en historias: La extraña pareja


Alice Cooper y Salvador Dalí 



    Año 1973, y Salvador Dalí se encontraba por asuntos profesionales en la ciudad de Nueva York, Estados Unidos. Encontrándose allí, Dalí es invitado a ver un concierto de Alice Cooper, que por aquel entonces ya había despegado hacia el estrellato. Dalí fue a ese concierto, y quedo maravillado por el mismo. Le había impresionado aquel show,  aquella puesta en escena con serpientes, sangre, todo muy tétrico. Al acabar el concierto, y ante lo maravillado que quedó Dalí, insistió en conocer a tal artista que había tenido los arrestos de llevar a cabo semejante espectáculo. Alice Cooper, nada más saber que el mismísimo Dalí quería conocerle accedió encantado.




Alice Cooper y Salvador Dalí




     De ese encuentro nació una solida amistad entre el artista y el cantante, que se vería reforzada poco después cuando Dalí invitó a Alice a visitar su casa en Figueres, donde los dos pasaron uno días.
Durante esa visita, Dalí tuvo a bien hacer una obra basada en el arte de Alice Cooper llamado "Alice's Cooper Brain" (El Cerebro de Alice Cooper).

     Dicha obra consiste en un holograma tridimensional que proyecta la figura de Alice Cooper sentado, sosteniendo una estatuilla seccionada de la Venus de Milo, portando joyas por valor de unos cuatro millones de dólares. Detrás se encuentra Dalí sosteniendo el cerebro de Alice cubierto de un relámpago de chocolate y hormigas.




Alice's Cooper Brain




     Esta admiración fue mutua, pues en 1983, Alice homenajea a Dalí, y en la portada de su disco "Da-Da", aparece parte de la obra de Dalí "Mercado de esclavos con busto invisible de Voltaire"





Da-Da, Alice Cooper






     Una amistad que perduraría para siempre, hasta la muerte de Dalí en 1989, y que el propio Alice se encargaría de recordar y alimentar posteriormente, pues siguió haciendo menciones de Dalí en sus conciertos y recitando versos suyos..


sábado, 1 de diciembre de 2018

El disco de la semana 104: Pedro Guerra - Golosinas





Pedro Guerra es uno de mis cantautores favoritos, me acompaño una época un poco oscura entre la desaparición de mi madre y la aparición de la que es ahora mi mujer, Golosinas fue un disco que me acompaño durante esos años, golosinas me sigue acompañando, el 16 de enero estaré viéndole en Madrid y disfrutandolo, pero quiero contaros lo que es para mi este disco




Biografia: Ambiente festivo para una autobiografía de ese cantautor, que por aquel entonces contaba con 29 años, que nos recita de forma entre seria con toques de comedia lo que hasta entonces había sido su existencia, desde su niñez, plagada de sentimientos, relaciones humanas, amores, deseos, sus inicios en el mundo de la música, como poco a poco va haciéndose un hueco en la profesión que le gustaba sin cambiar un ápice lo que es. me encanto y mas de uno nos podemos ver representados en esa frase que borda.... "muy poco nocturno y bastante pa' dentro". Magnifico primer tema para abrir el disco, directa, el cantautor es mensaje, transcendencia pero se puede vestir de mil maneras....

Dibujos animados: Vuelve en la segunda canción a hablar de si mismo, de sus circunstancias y aunque el tono es quizás mas sombrío, si lo rellena de algo tan infantil pero que a personas de todas las edades le gusta, los dibujos animados, que le sirve para hacer comparaciones con su yo actual y su relación amorosa.... desfilan entre sus notas, Bugs Bunny, Dumbo, Disney y su fantasia musical,  hay espacio para Bart Simpson y como no, para los que tenemos cierta edad y pasamos tantas tardes viendo cosas imposibles con Warner Bros... brillante canción de amor y admiración, no perdamos la inocencia infantil ni siquiera cuando nos enfrentamos y disfrutamos en el amor, hagamoslo como un niño y con espacio suficiente para la fantasía...

Me aplasto el crujir de una locomotora
Me quede como una linea en el espacio
Me barriste sin querer con una escoba
Me salvaste con un beso y un abrazo



Hay mil maneras de derrotar a un hombre: No nos apartamos del sentimiento con el tercer tema y vuelve el tono festivo para una cancion mas grave que sus notas musicales nos puedan parecer, la importancia que tiene el dolor sentimental sobre el dolor fisico. Revolucionada, que no es poco.

Golosinas: el tema que da titulo al disco es un tema que aboga por la añoranza, por no olvidar aquellas cosas que en algún momento fueron lo mas importante pero que nunca dejaran de pertenecer a la esencia de uno mismo. Referencias a uno de sus cantautores favoritos, Silvio Rodriguez, y a uno de los actores mas carismáticos del panorama cinematografico en Francia de aquel momento, Gerard Depardieu y su mítica actuación en Cyrano de Bergerac, otro de los personajes imprescindible en la mitomania de un romántico.

El marido de la peluquera: Personalmente un tema TOP de Golosinas. La base de la canción ( y el titulo) es la película de Patrice Leconte, El marido de la peluquera, que cuenta la historia de un anciano obsesionado desde niño con las peluqueras, con sus olores, colonias, y sobre todo sus pechos... A una edad tardía encuentra a Matilde, "su estrella", su peluquera, inician una relacion donde el cenit llega durante un baile y un abrazo y nace el miedo a "que ya no quiera bailar nunca mas".... y no te voy a contar mas, busca la pelicula o escucha atentamente la cancion. Sirviendo como base esta película, la canción logra trasmitirte el amor, el dolor, el desamparo, la ausencia que esa relación que se representa en la película......., tan bien contada y cantada que por si sola se convierte en una película. Bravo

Mejor buenos recuerdos que un pasado perdido
por eso Matilde un buen día
acabó por tirarse en el río
lo que fue tan hermoso que no caiga al olvido
te estaré recordando por siempre Matilde que tú no te has ido
Abrázame fuerte que no pueda respirar
tengo miedo de que un día ya no quiera bailar conmigo nunca más


RapADurasPenas: Cambio de registro, ¿un rap? pues si un rap cantautor con una inestimable colaboración del publico..... una curiosidad dentro de tanta trascendencia que nos ha entregado en los primeros 5 temas, un descanso agradable.

Dos mil recuerdos: Me pongo en pie para escuchar esta canción y dejo volar mi imaginación con este viaje a la infancia que Pedro Guerra nos sirve con un brillantisimo acompañamiento musical, si eres un poco sentimental es imposible no terminar con los pelos de punta después de escucharla

tengo en un baúl dos mil recuerdos que quedaron
de aquel tiempo de ese olor tan infantil
las bolas de los flipper el gesto de sentir
la calma como norma enero como abril
un sol de plastina veranos por vivir
los mis
tos que hacen ruido petardo y regaliz
Y la Patrulla X ganando para mí
y estampas en los quioscos y tanto que pedir
la plaza como escusa el verbo sin abrir
un chicle del bazoka y un cuento de Tintín

Lloro....

Todo es desorden: Vuelta al amor, pero en este caso a un amor sin condiciones y sobre todo sin barreras impuestas uno a otro, una canción de amor loco pero que la locura no llegue a dañar a la pareja, un canto al amor con respeto que siempre debe estar por encima .... "No pondré candados a la puerta de tu puerta, no tendré la llave del deseo y el rencor, pero si amanece y no estás conmigo todo es desorden". Magnifica.

Rayas: De nuevo el tema infantil que esta tan presente en el disco (golosinas, dibujos animados, dos mil recuerdos) y en esta ocasion los dibujos de los niños y la imaginación al poder, una canción de cantautor que te hace mover los pies.... genio.

Mujer que no tendré: ¿Es posible amar a alguien al que nunca has amado?  Para Pedro Guerra según esta canción si, y es que quien no ha amado a alguien y aunque no lo hayas conseguido tengas una etapa de añoranza y desamor por ella..... una vuelta de tuerca muy interesante..... Mujer que no tendré, que no adivinaras mis buenas luces, mujer que no tendré que nunca sufrirá.... mis malos ratos.

Las gafas de Lennon: Y viva la Utopia, y viva su máximo representante y que por siempre este con nosotros como se merece, esta canción es un puro homenaje y reivindicación a uno de los mas grandes músicos que ha dado y no olvidéis.... Imagine all the people y aun esta por ver que no sera posible Imagine all the people.... y habrá que responder que no sera posible. La armónica juega en esta canción un papel principal...

Hechos de gente: Para mi una de las menos redondas, pero cierto que encuentras en esta letra una critica a la juventud, o mas bien una representacion de la forma que tienen de actuar en esa epoca tan rara y de tanto cambio que les ha tocado vivir, todos en el fondo fuimos alguna vez Silvia, Pedro, Rita o Marcos... todos tenemos unos hechos que nos han marcado.

Greta: Para mi la masterpiece del disco, todos hemos sido Greta alguna vez, todos hemos tenido que sufrir un desengaño amoroso, todos hemos tenido unas heridas que cuidar, y esta Greta somos tu y yo y es mi vecina del quinto y es mi hermano pequeño y es nuestro propio padre. Greta camina como caminamos todos, tratando de encontrar un hueco en esta vida donde podamos cobijarnos y nos haga feliz, queremos amar y ser amados y en esa búsqueda podremos encontrar miles de personas que actúan a nuestro alrededor y con toda probabilidad muchos de ellos hacer te pueden hacer volar el corazón, es parte del juego del amor, no te preocupes, maldice, quéjate, llora y no olvides, pero sobre todo hay que saber levantarse y volver a mirar a tu alrededor y llegar a entender que seguramente detrás de los actores personajes principales hay un especialista que puede estar hecho para nosotros, te vas a dejar deslumbrar como le paso a Greta, pero una vez deslumbrado aprende a mirar detrás de cualquier persona puede existir un rinconcito y no los mas grandes y apetecibles son los mejores...... todos somos Greta, yo sufro con Greta cada vez que Pedro Guerra me cuenta su historia.... amo también como Greta.



Se marchó el ladrón con su bicicleta y sin flores para Greta que esperaba en el balcón pero ya no hay más ya no siente nada ya olvidó aquella jugada ya pasó lo que pasó
Se llamaba Greta y era joven y aprendiz le quedaron cicatrices de los días infelices engreído malnacido consentido ya no piensa más en tí
Ahora espera el tren o quizá la bicicleta o los ojos de otro atleta como no se encuentran dos y vendrá tal vez y será un especialista y sabrá como un artista consolarle el corazón



Peter Pan: Seguimos con los dibujos animados, en esta ocasión una versión sobre el personaje de Peter Pan, mas trascendente y quizás mas madura y con otras preocupaciones... buen tema, pero no es de mis favoritos, me llega poco

Hazlos reír: Vuelve el optimismo, el buen rollo, la alegría al disco después de tanta trascendencia en el disco, una canción que podría ser una forma de vivir, un manual para poder pasar por aquí de la mejor manera..... bailen sin parar.



Deseo: Y aquí ante ustedes la mejor obra del disco, una canción perfecta en 3 minutos para dejar volar la imaginación, en esta ocasión y como el titulo dice el tema principal es el Deseo y la importancia que le damos y lo insignificante que muchas veces resulta, por aquel 1995 era sin duda la canción que mas me heria el alma, ha pasado el tiempo y las circunstancias cambian, pero sigue rasgandome el corazón, ahora toca personalizar..... iba escuchando el disco en el coche con la familia y empezaron los acordes, y solté, "Sara, una de las canciones de mi juventud, estate atenta", la mente iba entre aquella época y la actual y las circunstancias que me rodean con mi hija de 13 años, la miraba por el retrovisor y observaba como prestaba atención, poco a poco la canción se iba colando entre nosotros hasta que llego el momento cumbre que Pedro Guerra repite varias veces, el leitmotiv de la canción.....

Y con las luces del alba, 
antes que tú te despiertes 
se hará ceniza el deseo 
me marcharé para siempre 
y cuando todo se acabe 
y se hagan polvo las alas 
no habré sabido por qué 
me he vuelto loco por nada

Acaba y le pregunto.....¿Te ha gustado Sara?, ella contesta - Mucho, papa, y yo sonrio y quiero ir un paso mas alla, rebobino y le pongo de nuevo la frase, mi hija sufre un tipo de Trastorno de la Alimentación muy común, antes de ponerla, le comento, escucha de nuevo esta frase y reflexiona sobre lo que te ocurre actualmente y lo que al final sera....... y cuando todo se acabe, y se hagan polvo las alas, no habré sabido por qué, me he vuelto loco por nada....  Sara sonríe, mira por la ventana y dice..... "no se, Papa", lacónicamente digo.. "es pronto hija y aun no puede, en unos años escucharas de nuevo la canción y veras que bien lo ha contado Pedro Guerra, acuérdate"  Otra canción para mi vida.


Contaminame: Su obra mas conocida, quizás porque Victor Manuel y Ana Belen la promocionaron y la llevaban en su repertorio, pero el toque de Pedro Guerra es maravilloso y es una oda perfecta a la diferencia .... estoy vacio despues de Deseo, no me pidan mas.



Yo si os pido, disfruten de esta obra maestra






miércoles, 28 de noviembre de 2018

Canciones que no soporto: It's My Life, Bon Jovi



Crush, Bon Jovi







     Bon Jovi fue creada en 1983 en la ciudad de New Jersey, Estados unidos, por Jon Bon Jovi . La componen actualmente además de Jon Bon Jovi (Vocalista), David Bryan (Teclista), Tico Torres (Batería), Hugh McDonald (Bajista), y Phil X (Guitarrista). En su momento también formaron parte de la misma Alec John Such, que fue bajista de la banda hasta el año 1994, y el mítico Richie Sambora (guitarrista) que abandonó la formación en 2013.


Bon Jovi (1987)

     En el año 2000, Bon Jovi lanza su séptimo álbum de estudio, Crush, vendiendo la nada despreciable cantidad de 8 millones de copias en todo el mundo, ocupando el nº 9 en la lista Billborad de Estados Unidos. En este disco se encuentra el tema It's My Life, que fue el single más exitoso de la banda.









Bon Jovi (2016)


     Y me voy a centrar en este tema, It's My Life, por lo que para mí representa. Bon Jovi es una banda a la que tengo un respeto absoluto, pues sus primeros cuatro trabajos, Bon Jovi, 7800º Fahrenheit, Slippery When Wet y New Jersey, son muy buenos. Con Crush entremezclan ese sonido rockero que les caracterizaba con un sonido más pop, con lo que su estilo lo catalogaría de Pop-Rock, confirmándose lo que ya se intuía en su anterior disco These Days (1995), en el cuál ya dejaban constancia de ese sonido más pop en el disco. Aunque en discos posteriores han hecho cosas muy interesantes, siempre ha estado rodeado en mayor o menor medida por ese aire Pop-Rock.


     No es por el tema en sí, es por lo que significa el mismo, ese cambio de sonido, donde ese sonido rockero de ellos que tanto me gusta perdió protagonismo por un sonido más Pop.


     Bon Jovi es una buena banda, pero a mí me gustaban más Rockeros. Llamarme sentimental.........
















martes, 27 de noviembre de 2018

El disco de la semana 103: Coque Malla - La hora de los gigantes






Para el disco de esta semana me toca recomendar a un artista madrileño al que el destino me hizo descubrir hace 30 años. Quizá a estas alturas debería estar cansado de sus manos, de su pelo, de sus rarezas, pero quiero más, yo quiero más. Y así espero cada nueva publicación suya con la esperanza de que vuelva a sorprenderme como en muchas ocasiones lo ha hecho.

Mi primer contacto con su música fue “fortuito”, tendría unos 14 años cuando yendo en el Landrover de mi padre se quedó averiado en mitad de uno de aquellos “scalextric” que tenía Madrid y que posteriormente eliminaron para bien del medio ambiente y la fisonomía de la ciudad.

La grúa nos trasladó al taller más cercano y en el taller había una pequeña tele en blanco y negro en la que un grupo de adolescentes actuaba. El cantante no tendría más de 18, pero se manejaba por el escenario con la soltura de un músico experimentado. No recuerdo la canción que estaban tocando, pero esa imagen se me quedó grabada en el subconsciente.

Y así fue como descubrí a Coque Malla en Los Ronaldos. A partir de ahí fui descubriendo los discos de Los Ronaldos y sus conciertos, hasta su disco de despedida en directo “Quiero que estemos cerca” (entonces no sabíamos que habría “bola extra”)

Allá por el 1998 le había perdido un poco la pista, el grupo se había disuelto y durante un tiempo no hubo noticias. Luego descubrí que esa ausencia se debía a que había hecho un viaje muy lejos, más allá de la Cuenca mítica de “Todo es Mentira”, quizá hasta la Luna, porque regresó reivindicando que era “un astronauta más” que viajaba sin nave.

Puede que fuera verdad que viajara sin nave, pero eso no le impidió volver con un puñado de grandes canciones que me acompañaron en el año en que acabé la Universidad. Canciones más maduras, más alejadas de la línea seguida con su grupo. De alguna manera lo viví como un paralelismo entre lo que para mí era el paso de la Universidad al mundo laboral y el salto de madurez que él daba en su primer disco en solitario.

A ese debut le siguió un disco más difícil e introspectivo, influenciado por los sueños y a medio camino entre la poesía y el disco de autor, con letras más crípticas y un tono más apagado e intimista. De nuevo grandes canciones y el momento más brillante llega al final, o mejor dicho en el momento que se parecía mucho al final, con un rayo de esperanza en los coros que cantaban “Y ahora vamos a empezar…”

Y ahí es dónde empezamos, porque después de aquello sacó el disco de esta semana y que fue el comienzo de una serie de discos a cada cual mejor, a cada cual más maduro tanto en las letras como en la instrumentación. El astronauta que soñaba con espejos, vestidos y puñales mostró sus mejores cartas en “La hora de los gigantes”.

LA HORA DE LOS GIGANTES



El disco arranca con “Hasta el final”, comienzo de corte más acústico con rastros del mejor Dylan en el estribillo y reivindicando su salida de ese pozo de negatividad que se intuía en su anterior disco. “Y ahora enciendo un cigarrillo y aspiro hasta el final, no me importa si está bien, no me importa si está mal”. Declaración de intenciones y temazo para empezar.

“She’s my baby” es tan Rolling Stones como los temas clásicos de su “Saca la lengua” con Los Ronaldos. Single rotundo de rock and roll sobre una chica de armas tomar, que “ha nacido ardiendo pero no se quemará”. Otro tema con influencias muy visibles, en este caso Mick y Keith están claramente presentes.

“Abróchate” arranca con un pegadizo teclado, el ritmo de guitarra de nuevo rememora a los Stones más abrasivos, pero la letra es lo más cercano a la socarronería Ronaldiana que podemos encontrar en este disco de canciones gigantes.

Rebajamos el ritmo, que no la calidad, con un tema más pausado en “Quiero volverte a ver”, con estribillo redondo para emocionarse en directo, una de las mejores canciones del disco, y decir eso no es poco hablando de un disco que prácticamente no tiene fisuras. Aquí aparecen los revestimientos orquestales que tanto exploraría en discos posteriores, como el reciente y brillante “último hombre en la tierra”.

La sigue “Berlín”, que retoma la vena más minimalista y acústica con la que se abrió el disco, y además esta canción tiene en eso sus principales armas. Una de esas canciones tocadas por la varita mágica de la genialidad. Esas canciones que sabes que tienen algo, no sabes bien qué, pero brillan en dorado y se te cuelan en el corazón y en la cabeza

“Cada vez es mejor” tiene la misma línea positiva y rock del disco, de nuevo el estribillo es muy inspirado y pegadizo, y el ambiente que le dan las guitarras y teclados la elevan más alto. Estamos ante el disco más rockero de su trayectoria en solitario y eso se nota en cada tema.

“Me olvido de ti”. Parece más sencilla por su repetitivo esquema, pero al mismo tiempo es una de las más inspiradas y pegadizas. El estribillo y la guitarra te llevan al mejor rock setentero estadounidense. Un personaje cansado de una relación que desgasta, decidido a pasar página a ritmo de rock and roll. Un temazo.

“Hace tiempo” marca el primer cambio radical de estilo en el disco, con su toque a ranchera y su espíritu bohemio y taciturno. Si en la anterior quería marcharse y si hubiera alguna relación entre la temática de las dos canciones, entonces dejarla no fue finalmente una buena idea porque la echa de menos. La imagen visual que transmite es muy potente, cuando canta en clave de ranchera mexicana que, “ya se apagan las farolas, ya hace tiempo que quisiera estar contigo”. Canción importante de su cancionero porque recurre a ella muy habitualmente en sus conciertos.

Le sigue “Los hombres grises tienen traje nuevo”, en un nuevo y curioso giro. Estos hombres grises todavía no han llegado a la ciudad”, parece una referencia literaria a MOMO, y de nuevo una canción que rompe el estilo rockero del disco para adentrarse en un toque más indie, al que contribuye la voz femenina que pone el contrapunto a la voz de Coque en la canción.

“Cuidate” es prima hermana de “Me olvido de ti” en la temática, pero en lo musical es otro gran hallazgo por la cuidada instrumentación, con mucho swing y un toque cabaretero y casi de Big Band. Auténtica joya entre los grandes temas del disco. Tiene el aderezo de una batería que recuerda mucho al “Lust for Life” de Iggy Pop en las transiciones del tema, no sé si es casualidad o una de sus influencias.

Y este gran despliegue musical cierra de manera épica con la canción que le da título, llega “la hora de los gigantes”. Vuelta a lo acústico para dar el broche final. Cuando la canción y el disco se están ya despidiendo, todavía queda tiempo para una coda final inesperada, una vuelta de tuerca a la canción, que retoma el tema de atreverse y rebelarse con el que empezó el disco: “No pidas permiso, agárralo, sal a la calle y cógelo, es tuyo…”

La edición especial incluye una canción mítica de la última etapa "No puedo vivir sin ti". La versión con banda surgió en un amago de vuelta con Los Ronaldos en forma de EP, mientras la versión acústica brilla incandescente desde la sencillez de su propuesta, tan solo Coque con su voz y su guitarra acústica. Buena manera de dar hueco a un tema grande que necesitaba su espacio en un disco, y que mejor sitio que aquí entre el resto de gigantes. 

Termino con un párrafo que “Se parece mucho al final” de esta reseña, pero de nuevo “ahora vamos a empezar”. No pedí permiso y agarré las entradas en cuanto salieron, así que 7dias7notas estará presente el 6 de Diciembre en Madrid en la despedida de una gira que seguro será “Irrepetible” como su nombre.

Gracias Coque por la música. Y si "últimamente solo ves tres paredes y un cristal, si quieres salir del agujero y salir a respirar" aquí encontrarás historias de música, reseñas de discos, lugares míticos del rock que visitar y hasta un Tiburón Amarillo que anda por ahí perdido sin rumbo fijo.
Aquel viejo Landrover ya no llegó muy lejos, pero quizá nuestro mensaje si que llegue hasta “el último hombre en la tierra”.