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martes, 16 de abril de 2024

1202.- On the Beach - Neil Young

On the Beach fue la primera grabación de estudio que Neil Young lanzó después de su gran éxito Harvest, a pesar de haber grabado las canciones que luego aparecerían en Tonight's the Night mientras tanto, también había publicado una banda sonora que no tuvo éxito, Journey Through the Past, y el ahora bien considerado álbum en vivo Time Fades Away. Distinguido por su producción flexible, On the Beach representó una especie de enigma para muchos oyentes que compraron Harvest. Las canciones eran meditaciones sobre la fama, la política y los ideales desvanecidos de los años 60. Pero, en última instancia, Young demostró tener esperanzas a su manera. “Ellos hacen lo suyo/yo haré lo mío”, canta en “Walk On”. También reclutó a músicos que tocaron en sus álbumes anteriores, creando un conjunto que se erige como una de sus declaraciones más fuertes y sentidas. Tras el éxito de “Harvest”, el mundo parecía necesitar más sonidos suaves del vaquero solitario, continuadores de ese corazón de oro tan melancólico que nos acompañaba a todas horas en la radio, y que dio lugar a una serie ininterrumpida de hits en la misma onda como “A Horse Without a Name”, “Rose of Cimarron”, o “Take It Easy”. Pero Neil ya había acumulado decepciones, sinsabores y había conocido el daño de la aguja a su alrededor. Y el todavía peor del triunfo y la adulación en medio de unos años negros en la política norteamericana. Vietnam + Nixon, era una combinación destructiva insuperable, incluso para un país tan inmenso, por muchos recursos y poder que se tengan.


La hermosa y triste canción que da título al quinto álbum de estudio es la canción con la comienza las tres últimas pistas del álbum que forman la cara b y que juntas que componen uno de los mejores momentos musicales en la carrera de Young. “On The Beach” es una grabación lenta y confusa que describe la alienación que siente Young debido a su fama, sus fans y los medios musicales. Young repite este estribillo con líneas como: "Necesito una multitud de personas, pero no puedo enfrentarme a ellas día a día". Young también agrega la advertencia de que estos problemas de alienación y ansiedad social que tiene son básicamente nulos y sin valor en comparación a los problemas del mundo, pero incluso con ese conocimiento, “eso no los hace desaparecer”. Esta canción es la definición de belleza en la tristeza y es una de mis canciones favoritas en toda su discografía, la guitarra de Neil es un puro lamento, parece que llorara, un excepcional Molina en la percusión ayuda a crear un tema hipnótico en su no escasa duración, que no te importaría en absoluto que se alargase el doble o el triple, tal es la tela de araña tejida a tu alrededor. Comienza con una secuencia de acordes desolados respaldados por un djembé, ambientando el escenario de una playa abandonada. Al comienzo de la canción, murmura la esperanza de que el mundo "no se dé la vuelta". Al final de la canción, acepta que así será, pero solo espera no verlo y, en cambio, elige concentrarse en sus propios problemas. La letra y la música de la canción pintan perfectamente la atmósfera sombría de un hombre en conflicto.


viernes, 4 de noviembre de 2022

0673.- The Wizard - Black Sabbath

 

The Wizard, Black Sabbath


     El 13 de febrero de 1970 se producía el debut discográfico de Tony Iommi (guitarra), Geezer Butler (bajo), Bill Ward (batería) y Ozzy Osbourne (voz), o lo que es lo mismo, Black Sabbath. El título del álbum sería publicado bajo el mismo nombre de la banda, Black Sabbath. Este disco está considerado por muchos como el primero de la historia del metal, y además punto de partida para la creación y desarrollo de dicho género. El álbum fue grabado en una única sesión el 16 de octubre de 1969 en los estudios Regent Sound de Londres. El grupo tardó unas ocho horas en grabarlo y tuvo un coste de unos 1200 dólares. El disco, producido por Rodger Bain, fue publicado bajo el sello discográfico Vertigo Records, y tras su lanzamiento llegó a alcanzar el puesto número 8 en las listas de ventas del Reino Unido y el puesto número 23 en la lista estadonidense Billboard 200.

Incluido en este aĺbum debut se encuentra The Wizard, tema acreditado a toda la banda. Para su composición el grupo se inspiró en el personaje de Gandalf de El Hobbith y El Señor de los Anillos, las famosas obras de J. J. R. Tolkien. La canción trata de un mago que usa su arte, la magia, para animar a todo el que se encuentra a su paso. También se rumoreaba que la canción tenía un doble sentido y trataba de un vendedor de drogas que abastecía a la gente para hacerla "felíz". Toni Iommi aclararía el sentido de esta canción en su libro "Iron Man: My Journey Through Heaven and Hell with Black Sabbath", donde explicaba que Ozzy Osbourne y Geezer Butler iban un día contentos a causa de las drogas y vieron a un hombre haciendo el tonto fuera de un club, parecía una especie de elfo para ellos. Así nació la canción The Wizard. La canción fue utilizada como cara B del primer sencillo de Black Sabbath, Paranoid, que fue lanzado antes de su segundo álbum. The Wizard es un sensacional tema marcado por unos imponentes cambios de ritmo y la presencia de una armónica, la cual fue grabada por Ozzy Osbourne. Al igual que el tema Iron Man, The Wizard acabó conviriténdose en una especie de personaje y apelativo para el cantante de la banda Ozzy Osbourne, a quien llamaban The Wizard (El Mago).

viernes, 11 de marzo de 2022

0435.- Summertime Blues - Blue Cheer


0435 - Summertime Blues - Blue Cheer

Estamos en el año 1958, en las radios de Estados Unidos suena Summertime Blues es una canción escrita por Eddie Cochran y Jerry Cape Hart, que cuenta las experiencias y tribulaciones de vida de un adolescente en los Estados Unidos. 

Summertime Blues fue el lado B de un sencillo, pero su popularidad hizo que llegara al puesto n.º 8 en Billboard el 29 de septiembre de 1958. Las palmas fueron realizados por Sharon Sheeley, y la voz de bajo profundo al final de cada verso es la del propio Eddie Cochran. La canción se utilizó en 1980 en la película Caddyshack. En marzo de 2005, la revista Q la colocó en el puesto n.º 77 de su lista de los 100 Mayores Canciones de Guitarra de la historia.

En el año 1968 la banda Blue Cheer graba está canción en el álbum Vincebus Eruptum. Su versión, que omite toda las réplicas líricas de la versión original de Cochran, en favor de respuestas instrumentales por cada miembro de la banda, fue destacada como uno de los primeros registros de heavy metal y se incluyó una grabación de 2005 en el documental Metal A Headbanger's Journey.

Durante los años 1980 la MTV presentó un vídeo en blanco y negro de la canción, tomada del programa de TV Beat-Club, en sus Vh1 Closet Classics. La canción también se destaca en la película Arrastra de 1986, y en la película Night on Earth de 1991 así como en la película I Shot Andy Warhol de 1996.

Otra de las versiones famosas es la de The Who, donde aparece una versión en su álbum Live at Leeds de 1970. Resulta más agresiva y de mayor volumen sonoro también que en la forma original.

Daniel
Instagram Storyboy

martes, 13 de abril de 2021

Un país, un artista: Jamaica - Third World

 

Third World


     El país elegido en esta ocasión por todos nuestros seguidores fue Jamaica. Hablar de Jamaica es hablar de Reggae, un género musical que inunda todos los rincones de un país donde sus habitantes no conciben ya su vida diaria sin él. El reggae es un un género musical que se originó en Jamaica durante los años 60. Si hablamos de reggae en sentido estricto, es la música desarrollada entre 1969 y 1983, época en la que el bajo eléctrico cobró más importancia en el sonido y el movimiento Rasta (Movimiento espiritual jamaiquino influenciado por corrientes de pensamiento locales, de tipo filosófico y espirituales) fue cobrando cada vez más importancia tanto en el sonido como en las letras. Los sonidos que han acompañado desde la década de los 60 hasta ahora al país han ido desde el Ska, pasando por el Rocksteady y el Reggae hasta llegar al Dancehall.

Una vez elegido el país, en 7dias7notas teníamos la patata caliente, había que elegir un artista de dicho país. Podríamos haber escogido al que se convirtió en el máximo referente mundial del género, Bob Marley, o a sus Wailers, la banda formada por el mismo Marley, Peter Tosh y Bunny Wailer. Tabién podíamos haber escogido a pioneros del género, tales como Prince Buster, Desmond Dekker o Jackie Mittoo. Pero al final nos decantamos por una banda formada a principios de los 70 que se atrevió a fusionar el reggae en aquellos tiempos, algo que no fue muy bien visto por parte del sector más purista del género en aquella época. Con todos vosotros Third World, una formación que sigue a día de hoy en activo y que atesora en su extenso currículum más de 20 álbumes de estudio y cinco en directo. 



Third World
nace en Kingston, Jamaica, en 1973 de la mano del tecladista Michael "Ibo" Cooper, y el guitarrista y violonchelista Stephen "Cat" Coore, que había tocado originalmente en The Alley Cats y posteriormente en Inner Circle. Los dos músicos se juntan con el cantante también de Inner Circle, Milton "Prilly" Hamilton para formar su propia banda. Posteriormente reclutan al bajista Richard Daley, al baterista Carl Baroviery al percusionista Irvin "Carrot" Jarrett. Acababa de nacer una formación que todavía esta en activo a día de hoy, y donde Stephen "Cat" Coore y Richard Daley siempre se han mantenido en la banda, la cual ha sufrido a lo largo de su historia multitud de cambios de formación. 

El grupo graba algunas pistas con el reconocido músico, ingeniero de sonido y productor jamaiquino Geoffrey Chung, pero éstas no salen a la luz. La banda, en sus inicios se forja tocando en hoteles y clubes nocturnos de Kingston, llegando a apoyar junto a The Wailers a los mismísimos Jackson Five en el Estadio Nacional de Jamaica

Third World se va haciendo un nombre, siendo además un de las pocas bandas de la época completamente autónomas, pues tienen todo lo necesario para crear su propio sonido y no necesitan depender de ningún sistema de sonido para reproducir su música. Curiosamente este factor juega en su contra a la hora de conseguir un contrato discográfico, ya que la mayoría de los sellos discográficos funcionaban con sistemas de sonido a la hora de grabar. El grupo sabe que en Jamaica tiene difícil firmar por una discográfica, por lo que decide viajar a Inglaterra para realizar una gira.Y es allí donde se les presenta la oportunidad de fichar con Island Records, y no la desaprovechan. Island lanza el sencillo debut del grupo, Railroad Track, en 1974 y los envía a una gira por Europa como teloneros de Bob Marley & The Wailers

En 1976 Third World debuta con su primer álbum de estudio, de título homónimo, el cual contiene una versión del tema Satta Massagana, originalmente interpretado por The Abyssinians. El disco obtiene una buena acogida tanto del público como de la crítica. Su segundo disco, 96° In The Shade, confirma el crecimiento musical del grupo y obtiene un gran éxito en el Reino Unido y en Europa. Es con el lanzamiento de su tercer trabajo, Journey To Addis, con el que el grupo alcanza su mayor éxito comercial con la versión del tema de The O'Jays, Now That We Found Love. La canción se convierte en un éxito a ambos lados del atlántico, alcanzando el Top 10 en las listas del Reino Unido, y el top 10 también en las listas estadounidenses de R&B en 1979. 

El grupo, que se encuentra en el momento más álgido de su carrera, lanza en 1980 el álbum Rise In The Harmony, y la banda sonora de la película Prisoner in the Street. Después de estos lanzamientos, la banda acaba contrato con Island Records y ficha por CBS Records. Con dicha compañía debutan con el álbum Rock the World en 1981, consiguiendo otro éxito en las listas con el tema Dancing on the Floor (Hooked on Love). El grupo, que había conocido a Stevie Wonder en Jamaica en 1976, comparte escenario con él en el Reggae Sunsplash Festival de 1981, para realizar tributo al recientemente fallecido Bob Marley. En 1982 el mismo Stevie Wonder escribe y produce dos sencillos de su siguiente disco, You've Got the Power (1982), lo que le da una mayor repercusión en Estados Unidos a la banda. 

Durante la década de los 80, Third World sigue gozando de un notable éxito, fruto de sus siguientes trabajos, All the Way Strong (1983) y Sense of Purpose (1985). Pero su disco Hold on to Love (1987) no le fue tan bien, lo que hizo que el grupo separe su camino de la discográfica CBS y fiche por Mercury Records. su álbum debut con Mercury, Serious Business (1989), supuso volver a situar a la banda en un lugar de privilegio en las listas de R&B de Estados Unidos. Su siguiente disco, Committed (1992), con aires a dancehall, sería el último lanzado con Mercury, su siguiente trabajo, el directo Live It Up (1994), es lanzado por el propio sello discográfico de la banda. 



La formación, desde su fundación ha ido sufriendo cambios, y unos de los más notables quizás son la marcha en 1997 del miembro fundador Michael "Ibo" Cooper y de Willie Stewart, siendo sustituidos por el tecladista Michael "Baarbe" roman y el baterista Tony "Ruption" Williams. Cuatro años hay que esperar para disfrutar del siguiente trabajo de la formación, Generation Coming (1999), donde cuentan con la colaboración de artistas como Shaggy y Bounty Killer. En 2003 el grupo publica Ain't Givin 'Up, y celebra además su 25º aniversario tocando música regrabando sus clásicos. El grupo sigue muy activo con la publicación de numerosas grabaciones en vivo además de sus trabajos en estudio Black, Gold, Green (2006), Patriots (2011), Under The Magic Sun (2014) y More Work to Be Done (2019), y en todos ellos cuentan con numerosos artistas invitados, tanto consagrados como de la nueva hornada de estrellas emergentes. A lo largo de la larga trayectoria del grupo, ha sido nominado nueve veces a los premios Grammy, siendo la última nominación en 2019 con su último disco, More Work to Be Done

Third World es una banda que además de tocar reggae, ha sabido combinar y fusionar a lo largo e su extensa trayectoria, otros géneros como soul, R&B, folk-pop, hard rock, bossa nova, rap, light pop-jazz, doo-wop y calypso entre otros. Por todo esto, el estilo de la banda ha sido denominado como reggae fusión, algo que ha hecho que cierto sector proveniente del más purista del género, se sienta incómodo por las incorporaciones y fusiones de otros géneros al reggae. Al respecto, Bunny Rugs, componente del grupo, decía que el grupo "no era estrictamente una banda de Reggae, era definitivamente una banda de Reggae"; Stepehen "Cat" Coore defendía que "el híbrido y la mezcla de varios tipos de música era algo natural porque, al crecer en Jamaica, conocían las raíces directas del reggae y el ska, y al mismo tiempo vivían en un país donde se podía escuchar a Chuck Berry, Fats Domino y todos los demás artistas de R&B". En definitiva, Third world es una banda que a principios de la década de los 70 fue capaz de mirar al futuro y atreverse a evolucionar un estilo, el reggae, que al igual que tanto otros, han sufrido y sufrirán la inevitable evolución y modernización con el paso de tiempo.

Miembros actuales:

  • Stephen "Cat" Coore
  • Richard Daley
  • Tony "Ruption" Williams
  • Maurice Gregory
  • Norris "Noreiga" Webb
  • AJ Brown

Ex miembros:

  • Michael "Ibo" Cooper
  • Irvin "Carrot" Jarret
  • Carl Barovier
  • Milton "Prilly" Hamilton
  • Nunny Rugs
  • Willie Stewart
  • Rupert "Gipsy" Bent III
  • Leroy "Baarbe" Romans
  • Mikel Wallace
  • Herbie Harris
  • Robbe Lynn
  • Pablo Stewart

sábado, 13 de febrero de 2021

La música en historias: Los músicos de sesión XX

 



     Los músicos y cantantes fuera del escenario son artistas que tocan instrumentos y / o cantan entre bastidores fuera de la vista del público, durante un concierto. Esto es muy utilizado en la música popular, si bien se extiende también a otros ámbitos. En muchas ocasiones, a estos artistas se les pide que firmen un acuerdo de no divulgación, y en otras como el caso de Ozzy Osbourne por ejemplo, siempre reconocen y acreditan a los músicos fuera del escenario. Vamos con la vigésimo entrega de dedicada a los músicos de sesión. 



Adam Wakeman,
teclista y guitarrista rítmico inglés, nacido en Windsor, Berkshire, en 1974. Adam se cría en un ambiente de lo más musical, pues su padre es Rick Wakeman, tecladista del grupo yes, y su hermano mayor Oliver, también es tecladista, y ocupó el puesto de su padre en Yes. Comienza a tocar a los 8 años el piano, y sus grandes influencias provienen de Dr. John, Monty Alexander, Jordan Rudess (Dream Theater) y Mark kelly (Marillion). A los 17 años ya ha obtenido el octavo grado de de la ABRSM ( Junta Asociada de Escuelas Reales de Música) británica grabado su primer álbum junto a su padre. A mediados de la década de los 90 forma la banda Jeronimo Road con la que publica un disco, y en 2000 y 2001 realiza una gira con la antigua banda de su padre The Strawbs. En 2006 forma la banda de rock progresivo Headspace junto  Damian Wilson, Lee Pomeroy y Richard Brook. A través de la empresa WWW.Theperfectmusiclibray, con la que empieza en 2010, ha creado más de 200 piezas musicales para varias bibliotecas de música de reproducción, cine, televisión y otros medios. Además de todo esto, ha tenido tiempo de colaborar con artistas de la talla de Rick Wakeman, Yes, Snakecharmer, Ozzy Osbourne, o Black Sabbath, banda en la que realiza el rol de músico fuera del escenario. 



El bajista estadounidense Matt Bissonette, nacido en 1961. Matt asiste y estudia en el programa de música jazz de la Universidad del Norte de Texas. Durante la primera mitad de los años 80 graba y realiza una gira con el trompetista de jazz Maynard Ferguson, coincidiendo además en esa formación con su hermano, el baterista Gregg Bissonette. Durante esa época también toca y realiza una gira con el músico Caspard McCloud, colaborando en su álbum Self Portrait (1982). En 1987 se reemplaza a Billy Sheenan en la banda de David Lee Roth, coincidiendo allí con Steve Vai, Brett Tuggle y con su hermano Greg. Con Lee Roth permanece hasta 1991, año que abandona la formación  de éste y se une a Joe Satriani, tocando en esa época además con artistas de la talla de Brian Wilson (The Beach Boys), Don Henley (The Eagles), Steve Perry (Journey), Peter Framptom y Julian lennon entre otros. Durante la década de los 2000  ha tocado con Ringo Starr, Bozz Scaggs, Rick Springfield y Globus entre otros. Actualmente es el bajista de Elton John, puesto en el que sustituyó al fallecido Bob Birch.



El baterista estadounidense de jazz y rock Gregg Bissonette, hermano de Matt, nacido en 1959 en Detroit, Michigan. Una de sus primeras grabciones, al igual que su hermano fue con el legendario trompetista de jazz Maynard Ferguson en 1983. A mediados de la década de los 80 se une a la banda de David Lee Roth, donde coincide con Billy Sheenan Y Steve Vai, y con su hermano posteriormente. con Lee Roth y sus discos consigue aparecer en la famosa lista Billboard 200 de Estados Unidos y realizar importantes giras mundiales. De 1994 a 2004 participa en los interludios musicales de cada episodio de la serie de televisión Friends, y a finales de 2005 sustituye a Simon Phillips en la gira Tambu de Toto, debido a los problemas de espalda de éste. Durante su carrera ha participado con multitud de artistas, entre los que se encuentran Keiko Matsui, Frank Gambale, Joe Satriani, Steve Bailey, Tab Benoit, Robin Zander, Brandon Fields, Gary Hoey, Richie Kotzen, Jason Becker, Larry Carlton, Steve Vai, Steve Lukather, Andy Summers, Paul Anka, Santana, Matt Bissonette, Richard Marx, Ozzy Osbourne, Brian Setzer, Ray Charles, Spinal Tap, Y Barry Manilow entre otros muchos. 



Jimmy Bond,
contrabajista, arreglista y compositor estadounidense nacido en 1933 en Filadelfia, Pensilvania, y fallecido en 2012. Grabó con muchos de los principales músicos de la escena de jazz, blues, folk y rock entre las décadas de los 50 y los 80. Jimmy aprende a tocar el contrabajo y la tuba además de estudiar orquestación y composición. Además del contrabajo también se prodigó tocando el bajo en los clubs de Filadelfia con artistas como Charlie Parker, Thelonious Monk Y Gene Ammons. Al finalizar sus estudios comienza a tocar regularmente con los principales artistas de jazz de la época, incluidos Chet Baker, Ella Fitzgerald Y Sonny Rollins, y en 1958 ya está girando con George Shearing. En 1959 se muda a Los Ángeles, donde se convierte en bajista residente del club nocturno Renaissance, ubicado en Sunset Boulevard, donde toca habitualmente con Ben Webster, Art Pepper, Jim Hall y Jimmy Giuffre. En 1962 se convierte en músico de sesión en Los Ángeles, pasando a formar parte del famoso grupo de músicos de sesión Wrecking Crew, y toca con infinidad artistas de jazz, blues, rock, gospel, folk y rock, entre los que se encuentran Randy Newman, Frank Zappa, Tim Buckley, Nina Simone, Lightnin 'Hopkins, Linda Ronstadt, Henry Mancini, Tony Bennett y BB King.



Alan Rubin,
también conocido como "Mr. Fabulous", instrumentista americano nacido en Brooklyn, Nueva York en 1943, y fallecido en 2011. Alan dominaba trompeta, fliscorno y trompeta flautín. Con 17 años asiste a la Juilliard School of Music de Nueva York, donde estudia con William Vacchiano, quien era trompeta principal en la Filarmónica de Nueva York. Mientras cursa sus estudios es invitado a tocar con Paul Hindemith en su última gira de conciertos por el país, pero declina la oferta y elige tocar con Peggy Lee en el Village Vanguard. A los 20 años abandona la escuela Juilliard para irse de gira como trompetista principal del cantante Robert Goulet. Fue miembro de la Saturday Night Live Band, con la que tocó en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de 1996, y también de los Blues Brothers, con los que rodó aemás las películas de 1980 y la secuela de 1998. El actor John Belushi sería el que pone a Alan el apodo de Mr. Fabulous. Durante su carrera tocó con gran variedad de artistas, como Frank Sinatra, Frank Zappa, Duke Ellington, Sting, Aerosmith, The Rolling Stones, Paul Simon, James Taylor, Eric Clapton, Billy Joel, BB King, Miles Davis, Yoko Ono, Peggy Lee, Aretha Franklin, James Brown y Ray Charles.

sábado, 10 de octubre de 2020

La música en historias: Los músicos de sesión V

 



     En 7dias7notas no nos cansaremos de repetir la importancia vital para el noble arte de la música que tienen los músicos de sesión, y por ello decidimos iniciar una serie de capítulos dedicados a éstos. Vamos con la quinta entrega:



Bob Loyce Moore
, más conocido como Bob Moore, nace en Nashville, Tennessee (Estados Unidos), fue director de orquesta, músico de sesión y bajista. Bob a los 15 años ya tocaba el contrabajo y a los 18 ya estuvo de gira con el conocido compositor y cantante de música country Little Jimmy Dickens. Con 23 años es fichado para tocar en la banda de música del famoso programa de televisión de la cadena ABC  "Ozark Jubilee", programa dedicado a la música country. Fue miembro del famoso Nashville A-Team, apodo de un nutrido grupo de músicos de sesión de Nashville  que durante las década de los 50, 60 y principios de los 70 respaldaron a infinidad de cantantes famosos. Bob Moore tiene acreditadas más de 17.000 sesiones de grabación registradas y en 1994 la revista Life le nombró como el mejor bajista de country de todos los tiempos. Durante su carrera ha colaborado con artistas tales como Elvis Presley, Roy Orbison, Bob Dylan, Jerry Lee Lewis, Sammy Davis Jr, Julie Andrews, Quincy Jones, Roger Miller ó Johnny Hallyday entre otros.



Russell Kunkel
, baterista y productor estadounidense nacido en 1948 en Pittsburgh, Pennsylvania. A los 9 años se muda al sur de California siendo allí donde comienza sus andanzas con la música al incorporarse a la orquesta de la escuela primaria donde estudia. Durante sus últimos años en la escuela secundaria fue batrista de jazz llegando a trabajar para Kingston Trio, la banda del compositor y cantante John Stewart, conocido por sus contribuciones a la música folclórica estadounidense. En 1968 comienza a trabajar para The Band, la banda de apoyo de Bob Dylan. Es Russel uno de los músicos que trabajan con Bob Dylan cuando éste graba la banda sonora de la famosa película Patt Garret & Billy The Kid. En esa época también formó parte del grupo de BB King. Es conocido por sus trabajos con Carole King, Bill Szymczyk, Leon Russell, Joe Walsh, Joni Mitchell, Jackson Browne, Bee Gees, Linda Ronstadt, Eric Clapton, John Sebastian, Simon & Garfunkel, Phil Collins y Stevie Nicks entre otros.



Omar Hakim
, baterista, productor, arreglista y compositor estadounidense nacido en Nueva York en 1959. Su padre tocaba el trombón y el empieza a tocar la batería con 5 años y unos cinco años después tiene su primera actuación con la banda de su padre. En 1983 toca la batería en el álbum Let's Dance de David Bowie, y en 1985 toca la batería en el álbum Brothers in Arms de Dire Straits sustituyendo temporalmente a Terry Williams. Terry había grabado la mayoría de las pistas del álbum pero su trabajo no fue del agrado de la banda considerando que el resultado no era el adecuado para el sonido que deseaban. Ese mismo año, 1985, participa en la grabación de The Dream of the Blue Turtles de Sting. Hakim además explora otros sonidos aprendiendo de forma autodidacta a programar cajas de ritmos y desarrollandose dentro de la percusión electrónica lo que le abre muchas más puertas y empieza a ser demandado como músico de sesión de pop, rock y R&B pero sin dejar de lado una de sus especialidades, el jazz fusión, lo que le ha permitido trabajar con artistas tan dispares como Madonna, Roy Ayes, George Benson, Miles Davis, Mariah Carey, Celine Dion, Jewel, Journey, Michael Jackson, Kate Bush ó Chic.



Eric Gale
, guitarrista de sesión de jazz estadounidense nacido en 1938 en brooklyn, Nueva York. Eric comienza a tocar la guitarra con 12 años de edad, y aunque se gradua en química en la Universidad de Niágara tiene claro cual es su futuro, ser músico, por lo que comienza acompañando a artistas como la cantante de soul Maxine Brown, The Drifters o el artista de R&R Jesse Belbin. Su trabajo llama la atención del saxofonista King Curtis y Jimmy Smith, ambos reputados músicos de la escena del jazz quienes empiezan a recomendar a Eric para trabajos de estudio. Llegó a grabar en más de 500 álbumes de artistas entre los que se encuentran Aretha Franklin, Bob James, Paul Simon, Quincy Jones, Bob Marley, Joe Cocker, Carly Simon, Van Morrison, Al Jarreau y Billy Joel.



Cerramos el quinto capítulo con el baterista estadounidense Bernard Lee "Pretty" Purdie, cuyo fuerte es el R&B, soul y funk. Bernard es conocido por ser creador y maestro en el arte del "Purdie Shuffle", un medio tiempo donde las notas tocadas con la mano izquierda son las que crean el ritmo. Bernard nace en 1939 en Elkton, Maryland y desde muy pequeño se siente atraido por la percusión comenzando a golpear latas con palos. Posteriormente empieza a estudiar las técnicas de percusión de Leonard Heywood de la mano de éste mismo, llegando a tocar en la banda de éste. En 1961 se muda a Nueva York donde comienza su carrera como músico de sesión. En 1965 es contratado como músico de sesión para James Brown y en 1970 empieza a trabajar con Aretha Franklin, un desempeño que dura cinco años. Purdie consta acreditado en el álbum de la banda sonora de Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band de los Beatles (1978). algunas de sus inumerables colaboraciones han sido con artistas tales como King Curtis, Jeff Beck, Steely Dan, Aretha Franklin, Gil Scott-Heron, The Rolling Stones, Miles Davis, Dizzy Gillespie, Quincy Jones, Isaac hayes, Cat Stevens, Wilson Pickett, Louis Armstrong, BB King, Robert Palmer, Joe Cocker, Felix Pappalardi, Laura Nyro y Mick Taylor entre otros.

miércoles, 26 de agosto de 2020

La música en historias: Kevin Shirley

Kevin Shirley



     Como ya suele ser habitual en 7dias7notas, nos vamos a centrar en la figura del productor Kevin Shirley, otro de esos personajes que han contibuido y aportado su granito de arena en engrandecer el noble arte de la música.

Kevin Shirley, también conocido como The Caveman nace en 1960 en la ciudad sudarfricana de Johannesburgo. Sus pirmeros contactos con un estudio de sus ciudad natal son a través de la empresa para la que trabaja, pues es contratada para pintar dicho estudio y Kevin trabaja pintando el lugar. Posteriormente parece que Kevin lo tiene claro y continúa frecuentando el lugar hasta que consigue trabajo allí. Es en aquel estudio donde se inicia y comienza aprendiendo todo lo básico sobre la grabación, realizando grabaciones de todo lo que cae en el estudio. Sus inicios en la producción son grabando a artistas locales sudafricanos a la vez que toca en su propia banda de múscia llamada The Council.

Cuando tiene 20 años, la familia de Kevin se muda a Australia, ya que está en contra del regimen del apartheid. El único problema es que a él no le dejan entrar por lo que tiene que permanecer en Sudáfrica, pero no pierde el tiempo pues sigue trabajando con artistas locales consiguiendo éxito y reputación hasta que consigue entrar en Australia con 26 años de edad.

En Australia trabaja con mucho éxito con grupos de allí, entre los que se encuentran Tony Johns, The Hoodoo Gurus, The Angels, Tina Arena ó The Screaming Jets entre otros. La banda australiana Baby Animals le invita a trabajar en uno de sus discos con ellos  en Nueva York, allí trabaja con el productor Mike Chapman, quién le invita a trabajar en otros proyectos por lo que permanece allí una temporada.
No obstante Kevin aún considerando su estapa en Estados Unidos muy positiva decide volver a Australia e instalar allí su base de trabajo, pues allí es más conocido y tiene más posibilidades de progresar laboralmente.

Para finalizar y comprender la importancia y contribución de Kevin Shirley en el complicado mundo de la industria musical destacar sólo algunos de los trabajos durante su productiva y extensa carrera:

The Black Crowes, Shake Your Money Maker (1990)
                              
The Black Crowes, The Southern Harmony And Musical Companion (1992)

Rush, Contreparts (1993)

Olivia Newton-John, Gaia: One Woman's Journey

Silverchair, Frogstomp (1995)

Hoodoo Gurus, Blue Cave (1996)

Journey, Trial By Fire (1996)

Aerosmith, Nine Lives (1997)

Journey, Greatest Hits Live (1998)

Dream Theater, Once In A LIVEtime (1998)

The Black Crowes, By Your Side (1999)

Silverchair, Neon Ballroom (1999)

Jimmy Page & The Black Crowes, Live At The Greek (2000)

Joe Satriani, Engines Of Creation (2000)

Iron Maiden, Brave New World (2000)

Journey, Arrival (2001)

HIM, Deep Shadows And Brilliant Highlights (2001)

Dream Theater, Live Scenes From New York (2001)

Iron Maiden, Rock In Rio (2002)

Dream Theater (Six Degrees Of Inner Turbulence (2002)

Led Zeppelin, How The West Was Won (2003)

Iron Maiden, Dance Of Death (2003)

Dream Theater, Train Of Trought (2003)

New Yok Dolls, The Return Of New York Dolls: Live From Royal Festival Hall 2004 (2004)

Iron Maiden, Death On The Road (2005)

Joe Bonamassa, You & Me (2006)

Black Stone Cherry, Black Stone Cherry (2006)

Iron Maiden, A Matter Of Life And Death (2006)

Joe Bonamassa, Sloe Gin (2007)

Journey, Revelation (2008)

Dream Theater, Chaos In Motion 2007-2008 (2008)

Joe Bonamasa, The Ballad Of John Henry (2009)

Iron Maiden, Fligh 666 - The Original Soundtrack (2009)

Black Country Communion, Black Country (2010)

Mr Big, What If... (2010)

Beth Hart & Joe Bonamassa, Don't explain (2011)

Joe Bonamassa, Dust bowl (2011)

Robert Cray Band, Nothin But Love (2012)

Steve harris, British Lion (2012)

Beth Hart, Bang Bang Boom Boom (2012)

Black Country Communion, Afterglow (2012)

Black Star Riders, All Hell Breaks Loose (2013)

Beth Hart & Joe Bonamassa, Seesaw (2013)

Iron Maiden, The Book Of Souls (2015)

viernes, 14 de agosto de 2020

El disco de la semana 188: Jorge Salán - Graffire

Graffire


     Para la semana 188 de la aventura de 7dias7notas decidimos apostar por producto nacional, concretamente por uno de los mejores guitarristas de nuestro país, Jorge Salán, y su disco Graffire (2016), grabado junto con The Majestic Jaywalkers. Jorge se ha forjado durante su carrera una excelente reputación dentro del hard rock y heavy metal y en 2015 decide dar un giro a su sonido introduciéndose y explorando dentro del blues rock con su disco Madrid/Texas. Con su disco Graffire Jorge mantiene esa línea continuista dentro del blues rock, dando cabida también a sonidos como el jazz o el rock.


Jorge Salán nace en Madrid en 1982, y pronto se interesa por la guitarra comenzando a estudiar solfeo y guitarra clásica a los 8 años de edad. Contando 15 años de edad graba su primera maqueta Alien Guitar y forma su primera banda llamada Fahrenheit, con la que se mueve dentro de la escena madrileña, pero el proyecto dura poco.
Su dedicación y talento hacen que contando con 17 años reciba una beca de la prestigiosa universidad Berklee College Of Music (Boston), la universidad privada de música más grande del mundo. Los alumnos de esta universidad han ganado 294 premios Grammy y 95 premios Grammy Latinos. En la prueba de acceso a la prestigiosa universidad Jorge presenta el tema compuesto por él Running Free, tema que supone además su segunda maqueta y empieza a sonar por todo el territorio nacional.

Después de pasar un año estudiando en Berklee regresa a España y consigue firmar un contrato discográfico con el sello Dro East West, el cual pertene a la todopoderosa Warner Bros. Bajo este sello discográfico publica en 2002, contando sólo 19 años de edad, su primer álbum de estudio, The Utopian Sea Of Clouds. Con este primer disco recibe excelentes críticas de la prensa especializada, también una gran aceptación del público y realiza su primera gira por todo el país.

En 2003 jorge colabora en el disco Gaia de Mago de Oz, concretamente en el tema La Venganza De Gaia. A partir de aquí empieza a colaborar asiduamente con la banda hasta que en 2004 es fichado como miembro de la misma como tercer guitarrista. Jorge permanece en la banda hasta el año 2008 alternando su trabajo en la banda con la publicación de 2 discos más en solitario, From Now On (2004) y Chronicles Of An Evolution (2007).


Jorge ya en solitario, alterna innumerables colaboraciones con renombrados artistas entre los que se encuentran Dee Snider (Twisted Sister), Jeff Scott Soto, Joe Lynn Turner, Miguel Ríos, Bob Daisley, Eric Martin (Mr.Big), Carlos Tarque, Robin Beck, Fiona Flanagan, Sherpa, Javier Vargas, Obús y Asafalto entre otros, con la publicación de sus trabajos Subsuelo (2009), Estatuas En La Calle (2010), Sexto Asfalto (2011), Directo A San Javier (2012) y No Looking Back (2014). A finales de 2014 ficha por el sello discográfico Rock Estatal Records y junto con The Majestic Jaywalkers inicia lo que el llama un proyecto de vuelta a las raíces, introduciéndose en el blues rock y publicando Madrid/Texas (2015). En 2016 continúa explorando el género blues rock sigue con el proyecto The Majestic Jaywalkers y  publica Graffire, el álbum recomendado para la ocasión por 7dias7notas, álbum donde además se acerca a sonidos como el jazz ó el rock.


El disco comienza con un potente blues lleno de fuerza, Born Under A Bad Sign, tema compuesto para la ocasión y cantado por el gran Jeff Spinoza, del magnífico grupo Red House. Le llega el turno a Victim Of Desire, tema que comienza con una apertura de piano que nos traslada a un Saloon Bar cualquiera, la sección de viento, el hammond y la armónica están magníficas y dotan al tema de un ambiente festivo y los riffs y sólos de Jorge dotan al tema de la garra necesaria para hacer de éste un buen tema. Nos encontramos ahora con la primera versión del álbum, Take Me To The River, tema compuesto por Al Green en 1974 y publicado ese mismo años en su disco Al Green Explores Your Mind. Tema donde Jorge es capaz de captar ese soul sureño que tan bien sabía hacer Al Green. Le llega el turno al único tema compuesto e interpretado en castellano, Para Paco de Lucía, tema escrito y compuesto por Jorge. Como el mismo dice quería rendir un humilde tributo al mejor guitarrista de todos los tiempos, un tema del que se siente especialmente orgulloso pues le hizo gran ilusión que el tema le gustara mucho a la familia del maestro Paco de Lucía. Ojo a la mezcla de la guitarra eléctrica con la guitarra española, magnífica.


Llegamos a uno de los temas más cañeros del disco, On My Own, música compuesta por Jorge y la letra por su amigo Jeff Scott Soto, el que fuera vocalista de Journey ó yngwie Malmsteem y que ahora tiene su propia banda en solitario y de la cual Jorge es el guitarrista. Tema con unos potentes riffs y donde las guitarras distorsionadas harán las delicias de nuestro oídos acercándonos por momentos a ese sonido de los años 70. One More Empty Feeling, tema interpretado por su amigo y genial cantante y bluesman irlandés afincado en Madrid Garret Wall. Jorge se atreve hasta con una versión de Rory Gallagher, concretamente They Don't Make Them Like You Animore, compuesto por el genio irlandés y publicado en 1973 en su disco Tattoo. En este tema Jorge con su guitarra y acompañado del piano hace un guiño y se adentra en el jazz. Rory es mucho Rory pero Jorge no desmerece y hace una buena versión del tema. Turno para No Turning Back, otro de los temas más cañeros del disco con unos más que contundentes riffs de guitarra y donde la sección de viento va creciendo durante todo el tema hasta llegar al magnífico sólo de saxofón que contiene el tema. Sin duda unos de los mejores temas del álbum. El disco se despide con otra magnífica versión, en esta ocasión del tema Leave My Girl Alone, blues compuesto por Buddy Guy y publicado por primera vez bajo el sello discográfico Chess Records en 1967.


viernes, 24 de julio de 2020

El disco de la semana 185: Beth Hart & Joe Bonamassa - Don't Explain

Don't Explain


     Para la recomendación de esta semana en 7dias7notas vamos a hablar de dos artistas que cuando se conocieron lo tuvieron claro, tenían que grabar algo juntos, y no se equivocaban porque cuando se juntan son capaces de regalarnos temas maravillosos para nuestros oídos, con todos vosotros Beth Hart y Joe Bonamassa y su primer trabajo juntos, Don't Explain.

Beth Hart es una cantante y compositora estadounidense que goza de una gran popularidad ahora gracias a su calidad, pero hasta llegar ahí no lo tuvo nada fácil. Nace en Los Ángeles, California (Estados Unidos), y desde bien pequeñita se siente atraida por el piano, de hecho al ver en la televisión la pieza Sonata para piano nº 14 de Beethoven, más conocida como Claro de Luna, esa misma noche se sienta en un piano que sus padres tenían y es capaz de reproducirla, sólo tenía 4 años. Sus padres lógicamente le apuntan a clases de piano, pero Beth no se molesta en aprender a leer partituras, finge que las lee y las toca de oído.

En su jueventud se dedica a participar en concursos de canto y televisión al mismo tiempo que toca en locales en Los Ángeles. Consigue ganar un concurso en 1993, lo que le vale dar el salto y consigue publicar su primer álbum de estudio, Hart And The Ocean Of Souls en 1993. Beth iniciaba una brillante carrera como intérprete de blues, rock, soul y jazz. Pero no lo tiene fácil, pues padece problemas con las drogas desde los once años de edad, sumado al hecho de que de pequeña es diagnosticada de trastorno bipolar. Su madre consideraba ridículo que una niña pequeña tuviera que medicarse y no seguía tratamiento alguno.


Cuando Beth tiene 20 años su hermana Sharon, con quien Beth consumía drogas, fallece a causa del VIH por compartir jeringuillas. Beth se encuentra sumergidsa en una espiral de alcohol y drogas. el punto de inflexión llega en 1999, pierde su contrato discográfico con la discográfica Atlantic Records e ingresa en un hospital debido al abuso continuado de alcohol y drogas. Es allí cuando se entera que sus adicciones son debidas a su trastorno bipolar. Es en ese momento cuando deja de consumir dichas sustancias y se pone en tratamiento. Parte de culpa que Beth consiga centrarse la tiene su representante, Scott Guetzkow, con quien se acabará casando en el año 2000, pues le ayuda a poner los pies en la tierra. En 2003, y después de tres discos publicados e infinidad de problemas debidos a su enfermedad y adicciones, Beth regresa centrada y en forma y publica Leave The Light On. Beth Hart en forma y libre de adicciones es una artista maravillosa, y nada la detendrá, labrándose una excelente carrera de aquí en adelante.

Joe Bonamassa nace en 1977 en la localidad de Utica, Nueva York (Estados Unidos). Al igual que Beth, Joe empieza a tocar la guitarra a edad muy temprana, a los cuatro años animado por su padre, quien además de melómano empedernido es también representante de guitarras. A los once años ya recibía clases de guitarra de Danny Gatton, famoso guitarrista que fusionó los estilos blues, rockabilly, jazz y country. A los doce años Joe ya tiene su propia banda, Smokin' Joe Bonamassa, pero sólo toca los fines de semana pues durante el resto de la semana tiene que asistir a clase como los demás niños.

Es con doce años cuando abre en aproximadamente una veintena de conciertos de BB King, siendo apadrinado por el mismísimo BB. Antes de cumplir los 18 años tocaba en una formación llamada Bloodline, compuesta además de por el mísmo, por los hijos de Miles Davis, Robbie Krieger y Berry Oakley. En el año 2000 publica su primer álbum de estudio, A New Day Yesterday, donde presenta composiciones propias y covers de Rory Gallagher, Jethro Tull y Warren Haynes, además de contar con la colaboración del mismísimo Gregg Allman en el tema If Heartaches Were Nickels. El álbum supone todo un éxito, alcanzando el puesto número 9 en la famosa lista americana Billboard Blues. Se daba el pistoletazo de salida a la fulgurante carrera de Joe Bonamassa.


El destino obrará su magia y hará que Beth y Joe coincidan. Joe Bonamassa había visto varias actuaciones de Beth Hart en televisión, además los dos se habían cruzado en Europa durante los espectáculos que ambos daban por separado. Definitivamente Joe queda muy impresionado al ver el espectáculo in situ de Beth en el Festival Blue Balls de Lucerna, Suiza. La idea de trabajar juntos se gesta cuando ambos coinciden en el bar de un hotel en Dublín y Bonamassa le plantea la idea a Beth de hacer algo juntos, algo que ella acepta de inmediato. En un principio Beth se pensaba que lo que Bonamassa le había pedido es que le hiciera las voces de respaldo, pero no, Joe le había propuesto hacer un disco juntos, al 50%.

Para la grabación de su primer álbum juntos recurren al productor Kevin Shirley, más conocido como The Caveman, quien ha trabajado con artistas de la talla de Journey, Iron Maiden, Led Zeppelin, Dream Theater, Mr. Big, HIM ó Europe entre otros. El álbum que Joe Y Beth quieren sacar adelante son covers de temas que siempre habían querido grabar, y en un principio escogen escogido 12 temas, si bien al final sólo serán grabados 10. La selección de los temas se hace de la siguiente forma, Beth escoge cinco de los temas que serán grabados y Joe los otros cinco.


El resultado es Don't Explain, su primer álbum juntos grabado en 2011, un compendio de versiones que están hechas con un cuidado y una calidad exquisitas.
La selección de Beth y Joe para éste álbum es la siguiente: Sinner's Prayer, una de las elecciones de Beth. Tema compuesto por Lowell Fulson y Lloyd Glenn y grabado por Ray Charles en 1957. Chocolate jesus, compuesta por Tom Waits y Kathleen Brenann y grabada por el mismo Tom Waits en su disco Mule Variations en 1999. Llegamos a Your Heart Is A Black As Night, para mí una de las joyas del disco, compuesta y grabada por la magnífica cantante y compositora de jazz Melody Gardot en 2009 para su álbum My One And Only Thrill. For My friend, otra de las elegidas por Beth, compuesta y grabada por el famoso compositor y cantautor estadounidense Bill Withers en 1973 en su álbum en directo Live At Carnegie Hall. Cierra la cara A el tema que da título a esta selecta recopilación, Don't Explain, compuesta por la cantante de jazz y swing Billie Holiday y el compositor Arthur Herzog Jr. (famosos ambos por sus composicionesde temas de jazz juntos), y grabada por Billie Holiday en 1946.

La cara B llega con otro de las grandes joyas de este disco, I'd Rather Go Blind, compuesta por Etta james, Ellington Jordan y Billy Foster, y grabada y publicada por Etta James en 1968 en los famosos estudios FAME, en Muscle Shoals, Alabama. Cerrad los ojos y dejaros llevar porque Joe con la guitarra y Beth con la voz están sublimes. Something's Got A Hold On Me, compuesta por Etta James, Leroy Kirkland y Pearl Woods, y al igual que la anterior, grabada por Etta james en 1962. Turno para la que es para mí la tercera joya absoluta del disco, I'll Take Care Of You, una de las escogidas por Bonamassa, compuesta por el famoso compositor estadounidense de los años 50 y 60 Brook Benton y grabada por el bluesman Bobby Bland en 1959. Turno para otra de las elecciones de Joe, Well, Well, compuesta por el compositor y productor Delaney Bramlett y grabada por el mísmo y por su mujer Bonnie Bramlett en 1972 e incluida en el álbum de ambos D&B Together. El álbum cierra con el tema Ain't No Way, tema que para mí no sólo cierra el álbum, también cierra el poker de joyas del disco junto con Your Heart Is As Black As Night, I'd Rather Go Blind y I'll Take Care Of You (todos los temas del disco son muy buenos, pero estos cuatro son maravillosos). Compuesto por Carolyn Franklin (hermana de Aretha Franklin), y grabada por Aretha Franklin en 1968.

Don't Explain es un maravilloso álbum de versiones realizado por Beth Hart y Joe Bonamassa, un trabajo realizado con un gran cuidado, exquisitez y respeto hacia los temas originales. Para la escucha de este disco nada mejor que hacerlo escuchando primero los temas originales y seguidamente los covers de Beth y Joe, así sacáis vosotros conclusiones, os garantizo que no os van a defraudar...


sábado, 14 de marzo de 2020

Canciones que nos emocionan: Storytime, Nightwish

Storytime, Nightwish



     Dentro de esta sección, en esta ocasión, voy a hablar de un tema de Nightwish. Hace ya algo más de un año reseñamos en 7dias7notas un tema atribuido a la formación finlandesa, While Your Lips Are Still Red, compuesta por el lider de Nightwish y teclista Tuomas Holopainen, y el bajista del grupo Marco Hietala, y que fue incluida en la banda sonora de la película finlandesa Lieksa!. El tema, por deseo expreso de Tuomas, fue atribuido a la banda, pues comentaba que no se sentía cómodo atribuyéndose él la autoría personal del tema.

     En 2011 la formación, compuesta entonces por Anette Olzon (vocalista), Tuomas Holopainen (teclados), Emppu Vuorinen (guitarra), Marco Hietala (bajo y voz) y Jukka Nevalainen (batería y percusión), publica en noviembre para el mercado finés y en diciembre para el resto del mercado europeo, su séptimo álbum de estudio, Imagenaerum. Para la grabación del disco la banda contó con la colaboración de gran parte de los músicos de la Orquesta Filarmónica de Londres, que grabaron 53 piezas orquestales en los Ángel Studios de Londres. El disco desbancó al disco Century Child (2002), también del grupo, teniendo el honor de ser el disco más vendido en menos tiempo en la historia de Finlandia, alcanzando también excelentes registros de ventas en Alemania, Suecia, suiza, Reino unido, Japón y Canada. En estados Unidos fue en esa época el segundo disco más vendido de rock, sólo superado por los canadienses Nickelback. No sólo registro grandes ventas, también las alabanzas de prácticamente toda la crítica especializada, que lo llegó a definir como un álbum increible e inimaginable.

     El grupo hizo vídeos cortos para todos los temas del disco, unos vídeos que mantenían la conexión entre sí, de forma que juntos formaban una historia. Los vídeos al final acabaron convirtiéndose en una película. Todo el proyecto fue dirigido por el director Stobe Harju, producido por Markus Selin, patrocinado por Solar Films, y además recibieron el apoyo del Ministerio de Cultura finés.

     Imagenaerum fue concebido cómo un álbum conceptual, y narra la historia de un viejo compositor que en su lecho de muerte recuerda su juventud. Incluido en el álbum se encuentra otro de esos temas que a mí tanto me emcoionan, Storytime, que fue además el primer sencillo que el grupo publicó del disco. Tema compuesto por el líder de la formación, Tuomas Holopainen. El tema en cuestión se inspiró en la película animada The Snowman (1982). Tuomas Holopainen comentaba que el tema de dicha película, Walking In The Air, de la cual ya hicieron un cover en su momento, era la mejor pieza musical jamás compuesta, y con Storytime quería hacer algo así como una nueva versión - continuación de dicha pieza.

It was the night before,

When all through the world

No words, no dreams
Then one day
A writer by a fire
Imagined all of Gaia
Took a journey into a child-man's heart
A painter on the shore

Imagined all the world

Within a snowflake on his palm
Unframed by poetry
A canvas of awe
Planet Earth falling back into the stars
I am the voice of never, never land

The innocence, the dreams of every man

I am the empty crib of Peter Pan,
A soaring kite against the blue, blue sky
Every chimney, every moonlit sight
I am the story that will read you real
Every memory that you hold dear
I am the journey,

I am the destination

I am the home
The tale that reads you
A way to taste the night
The elusive high
Follow the madness
Alice, you know once did
Imaginarium, a dream emporium

Caress the tales and

They will dream you real
A storyteller's game,
Lips that intoxicate
The core of all life is a limitless chest of tales
I am the voice of never, never land

The innocence, the dreams of every man

I am the empty crib of Peter Pan
A soaring kite against the blue, blue sky
Every chimney, every moonlit sight
I am the story that will read you real
Every memory that you hold dear
I am the voice of never, never land

The innocence, the dreams of every man

Searching heavens for another earth
Innocence, innocence, dreams of every man, ah-ah

Every man innocent, every man, Peter Pan

Innocence, innocence, dreams of every man
Every man innocent, every man, Peter Pan
I am the voice of never, never land

The innocence, the dreams of every man

I am the empty crib of Peter Pan,
A soaring kite against the blue, blue sky
Every chimney, every moonlit sight
I am the story that will read you real
Every memory that you hold dear
I am the voice of never, never land

The innocence, the dreams of every man

I am the empty crib of Peter Pan,
A soaring kite against the blue, blue sky
Every chimney, every moonlit sight
I am the story that will read you real
Every memory that you hold dear