Canciones que nos emocionan: Black Lung Heartache

Dust Bowl (2011), Joe Bonamassa

   

      El Blues Rock es un género musical que combina elementos del blues y el rock y que normalmente utiliza como elemento transmisor una guitarra eléctrica. Uno de los máximos referentes, exponentes y precursores del blues rock en la actualidad es sin duda Joe Bonamassa, el magnífico guitarrista de Nueva York que creció rodeado entre guitarras. En 7dias7notas ya hicimos en su momento una reseña para recomendar su noveno álbum de estudio, The Ballad of  John Henry, un magnífico disco que publicó allá por el año 2009.

     En 2011, dos años después Joe Bonamassa publica Dust Bowl, considerado por la crítica y también por el que les escribe otro de sus mejores trabajos. El disco en cuestión fue producido por Kevin Shirley más conocido por The Caveman. Journey, Iron Maiden, The Black Crowes, Rush, Led Zeppelin, Beth Hart, Dream Theater ó Mr. Big son sólo algunos de los artistas con los que este prolífico productor ha trabajado. Para la grabación del disco Bonamassa utilizó hasta cuatro estudios de grabación diferentes, los Black Rock Studios en Santorini (Grecia), el Ben's Studio en Nashville (Tennessee), The Cave en Malibú (California) y The village en Los Ángeles (California).

     Para la portada del álbum Joe utilizó la famosa fotografía que el famoso fotógrafo estadounidense Arthur Rothstein tomó en 1936. Dicha fotografía muestra a un granjero y a sus dos hijos durante una tormenta de polvo en el condado de Cimarrón, Oklahoma (Estados Unidos). Dicha fotografía rápidamente se convirtió en un icono del famoso fenómeno conocido como Dust Bowl, y que además es el título de éste álbum de Joe.

     El fenómeno Dust Bowl fue uno de los peores desastres ecológicos que se dieron a principios del siglo XX y que consistió en una fuerte sequía que afectó a las llanuras y praderas americanas desde el Golfo de México hasta Canadá y que se prolongó desde 1932 hasta 1939. Esta sequía provocaba que el suelo, el cuál se encontraba completamente seco, sin humedad alguna, fuera levantado por las fuertes ventiscas que convertían el suelo en inmensas y espesas nubes de polvo que escondían hasta el sol. Este fenómeno sumado al de la Gran Depresión del 29 hizo que se produjera el mayor desplazamiento población de la región que ha habido en un corto periodo de tiempo en la historia de Estados Unidos.

     Pues bien, dentro de éste más que recomendable disco de Joe Bonamassa se encuentra otro de esos temas que a mí tanto me emocionan, Black Lung Heartache, tema compuesto por el mismo joe Bonamassa y donde quiso abordar la situación de los mineros de carbón de la zona del Oeste de virginia, los cuáles tienen que tomar la decisión de realizar todos los días un trabajo que saben que los matará lentamente pero con el cuál podrán alimentar a su familia, ó por el contrario no hacerlo mirando por su salud pero no poder pagar las facturas ni alimentar a su familia. Un tema con un sonido country blues americano que le da al tema un toque magnífico.

Well I'm a man of the mountain

I'm just made of dirt

Of this Earth I traveled

Like a shepherd and his herd

And I said hang on, hang on

Black lung heartache

I sleep in a modest house

These green hills I mind

And if I plow tend my children

Who will be by the side?

And I said hang on, hang on

Black Lung Heartache

I've shed many tears

Seems I can't shed no more

You can see them on the table

You can see 'em on the floor

Now I said hang on, hang on

Black lung heartache

I've seen many men

They become hard as nails

Carrying the hammers like keys to a jail

Now I said hang on, hang on

Black lung heartache

Now I said so long, so long

Black lung heartache

     Black Lung Heartache es un temazo, la excusa perfecta para volver a hablaros de Joe Bonamassa y recomendar otro de sus magníficos discos, Dust Bowl, donde al contrario que en su anterior trabajo The Ballad of John Henry, se aleja un poco si cabe de su característico sonido blues rock para acercarse y ahondar más en el género country blues.

El disco de la semana 117: Orianthi - Heaven In This Hell

Heaven in this HellH- Orianthi

     Hace algunos años ya (sin poder especificar mucho más pues para las fechas soy bastante malo) andaba yo enfrascado e inmerso en la plataforma digital Youtube viendo videos musicales de artistas de aquí y allá cuando por casualidad acabé viendo uno grabado  durante la celebración del Festival Summer Sonic de Japón en el año 2010. Dicho festival tiene la peculiaridad de celebrarse de forma simultanea en varias ciudades de Japón. Pues bien, el video en cuestión era una versión del famoso tema Voodoo Child de Jimi Hendrix interpretado por una tal Orianthi, y la cuestión es que aluciné con aquel video, ¿Quién era Orianthi?, ¿Cómo podía ser que no hubiera tenido noticias de su existencia antes?, ¿Podía esa guitarrista haber aparecido de repente como cual éxito de verano? Pues no, porque a esas alturas el currículum de orianthi era poco menos que impresionante.

      Orianthi Panagaris, de ascendencia griega, nace en Adelaida (Australia) en 1985, Su padre tocaba en una banda de música griega, por lo que era habitual que hubiera instrumentos musicales en casa, hecho que no pasa desapercibido para Orianthi y a los tres años ya es capaz de tocar el piano, la guitarra acústica a los seis  y la guitarra eléctrica a los 11. Es cuando tenía once años que ve a  Carlos Santana tocando en Adelaida y Orianthi queda maravillada con el espectáculo por lo que le pide a su padre que le compre una guitarra eléctrica pues ella quiere ser como Santana, y su padre accede, después se compra montón de videos de Carlos Santana y a base de rebobinar y rebobinar se aprende todos sus solos de guitarra. 

Influenciada por los discos de su padre entre los que se encuentran guitarristas de la talla de Jimi Hendrix, Eric Clapton, Stevie Ray Vaughan o Carlos Santana entre otros, pero también influenciada por guitarristas de la talla de Steve Vai, Joe Satriani y Aldi Meola entre otros, se da cuenta de una peculiaridad que tienen todos ellos en común, todos ellos también son compositores, por lo que desde ese momento ella  decide que también debe componer. 

     Orianthi que tiene claro que su futuro pasa por ser guitarrista, se centra en la música y ya con 14 años toca en varios grupos tanto en Francia como en Inglaterra, y ya con 15 años consigue telonear a Steve Vai, el cuál a partir de ese momento siempre ha estado ahí apoyando a la genial guitarrista australiana. 

Carlos santana vuelve a Adelaida para dar un concierto cuando Orianthi tiene 18 años, y el hermano de Carlos que había escuchado algunas cosas de Orianthi organiza una pequeña jam session entre ella y Carlos, y como consecuencia de aquello Carlos acaba invitando a Orianthi a tocar con el en ese concierto, compartiendo escenario con el durante unos 35 minutos.

     En 2006 sale su primer disco, Violent Journey, donde da muestras de su gran calidad como guitarrista y cantante y de sus dotes para la composición. En 2009 edita su segundo trabajo llamado Believe, el cuál tiene bastante éxito. Ese año  y paralelamente a ese trabajo con su segundo álbum Orianthi realiza una audición para ser guitarrista de Michael jackson en los conciertos que se iban a celebrar en el O2 arena en Londres de su espectáculo This is It, siendo fichada por el mismísimo Michael para esos conciertos que lamentablemente jamás se llegaron a celebrar, si bien se pueden ver videos en las diferentes plataformas digitales de los ensayos. De hecho uno de los temas de su disco Believe, God Only Knows está compuesto a la memoria de Michael jackson y de

una amiga de Orianthi fallecida con apenas 25 años de edad.
En 2010 edita su tercer disco, Believe II, y un año después es contratada por Alice Cooper como guitarrista principal para su gira de conciertos. Sobre este hecho hay una anécdota, pues mientras Orianthi era la guitarrista de gira de Alice, Prince, el genio de Minneapolis estuvo mucho tiempo detrás de ella intentado ficharla, de lo que Alice se quejaba amargamente pues decía que para que quería Prince, el cuál es ya un guitarrista excepcional una guitarrista como Orianthi, pues no le hacía falta.
En 2014 realiza varias actuaciones con Richie Sambora, con el que repite en el año 2017 y saca un disco bajo el nombre de RSO llamado Rise. En 2018 volvió a tocar para Alice cooper. Además de todo esto ha tenido tiempo para colaborar asiduamente con gente cómo Z Z Top, Steve Vay, Eric Clapton, Carlos Santana ó Prince entre otros.
     A la vista está de que a estas alturas el curriculum de Orianthi Panagaris es impresionante para la edad que tiene.

     Después de esta extensa introducción nos vamos a centrar en el disco elegido para esta semana el cuál me he saltado a propósito, Violent in This Hell, publicado en el año 2013, se trata del cuarto disco editado en solitario por Orianthi, producido por Dave A. Stewart (Cofundador del mítico grupo Euritmiths)al que conoció cuando coincidieron en una gala benéfica y  que además aporta su guitarra rítmica para la grabación de este álbum. Un disco que se mueve entre el pop y el rock, con un buen equilibrio entre calidad y comercialidad, con algunas temas en una línea más pop-rock y otros más rockeros con tintes bluseros. Once temas donde Orianthi se involucra en la composición en todos ellos.

     Heaven in This Hell, es el tema que da título al disco, compuesto por Orianthi, Dave, John Feldman (cantante grupo Ska-punk Goldfinger) y el productor canadiense Gavin Brown, es un tema en una línea muy rockera, muy interesante la parte final donde acaba el tema con una guitarra acústica a la que pusieron unas cuerdas de nylon, pues Orianthi quería que el final del tema "flotara" cómo si estuvieran en el cielo.

     You Don't Wanna Know, escrita en Nashville entre Orianthi, Zac Maloy y Clint Lagerberg, tema que trata de un chico que no juega limpio con su chica, pero resulta que ella está haciendo lo mismo. Tema basado en un riff de guitarra que va creciendo cada vez hasta hacerse más potente, adornado magistralmente con un banjo que le da color al tema. Es otro de los temas más rockeros y una de las joyas de este disco

     Fire, seguimos en la línea más rockera del disco, compuesto por Orianthi y Dave, se trata de un blues con raíces muy sureñas, un tema del que Orianthi recuerda que aunque muchos de sus temas van en una línea más pop siempre acaba volviendo al blues, y tratar de escapar del blues es como "tratar de escapar del diablo". La colaboración al violín corre a cargo de la excepcional violinista Ann marie Calhoun la cuál ha colaborado también con Steve Vay y Dave Matthews.


     If U Think That U Know Me, es el primer tema donde viramos hacia una línea más pop, pero no por ellos menos interesante. Compuesta entre Orianthi y Dave, es una canción dedicada a los fans, que siempre están ahí, son los que van a verte, los que te escriben, los que nunca fallan.

     How do You Sleep?, compuesta también por orianthi y Dave, magnífica balada con tintes bluseros. La música es como una terapia para Orianthi, y una de las cosas que más le llenan es recibir mensajes de gente que dice que su música le ha ayudado en los momentos dificiles, lo que le da mucha más fuerza y ganas para seguir escribiendo y tocando. Es sin duda otra de las joyas del disco, Sentaros y disfrutar.

     Frozen, tema que fue un gran éxito como single, tema que cuenta con la armónica de Jimmy 'Z' Zavala, el cuál tocó durante varios años con Euritmiths. En un principio el tema era acústico, pero Orianthi creía que le faltaba algo y decidió meterle un sonido más pesado y eléctrico, todo un acierto.

     Rock, es un tema con un sonido más Country, y como Orianthi confesaba, decidió escribir este tema así pues pensaba que era lo correcto en ese momento, ya que sus inclinaciones musicales son muy variadas y no se cierra a nada.

     Another You, compuesta por Orianthi junto a Blair Daily y Bobbie Huff, es un tema en una líena más pop con toques country, una agradable canción que habla sobre el amor.

     How Does That Feel?, tema compuesto entre Orianthi y Dave, comienza como un blues - jazz para ir virando según coge velocidad y acabar siendo una pieza muy rock. Muy interesante la evolución del tema, empezando de una forma para acabar de otra completamente diferente.

     Filthy Blues, compuesta entre orianthi y Dave, es un blues sucio donde Orianthi a pesar de tener relaciones que no funcionan y siempre acaba con todas ellas siempre le queda su relación con el Blues, el Blues siempre vuelve a ella.

     If You Were Here With Me, tema que compuso Orianthi al observar a una pareja de ancianos que andaban por la calle cogidos de la mano mientras había niños pequeños a su alrededor, tema que da esperanzas, porque el amor aunque  puede ser temporal también puede ser para siempre como en el caso de los dos ancianos. Canto a la esperanza del amor.

     Heaven in This Hell es en definitiva un disco muy bueno, con una guitarrista excepcional, pero que también es capaz de hacer una composiciones muy buenas y sin olvidar que tiene una gran voz, elemento que cuida tanto como la guitarra. Orianthi es por derecho
propio una guitarrista que incluyo dentro del selecto grupo de guitarristas que además de ser magistrales son capaz de llegarnos al corazón y transmitirnos sentimientos y remover nuestro alma.

El disco de la semana 20: Damon Albarn - Everyday Robots

 

Los "robots del día a día" o "Robots cotidianos". Esa podría ser la traducción del título del ¿primer? disco en solitario de Damon Albarn. Dudo en llamarlo su "primer disco en solitario" porque ya había firmado previamente discos con su nombre, como es el caso de "Mali Music" para Oxfam o sus óperas "Monkey journey to the West" y "Dr. Dee".

Y a la vez es su primer disco, sin discusión, de una manera tan genuina como no lo ha sido ningún otro primer disco de un ex-cantante de grupo famoso, porque Damon interpretó que hacer un disco en solitario implicaba hacer un disco personal, el primero en el que Damon desnuda su vida ante los micrófonos de una manera brillante, sencilla y sincera. Quizá no sea el primer disco de Damon Albarn, pero es el primer disco sobre Damon Albarn.

La propia yuxtaposición de dos temáticas contrapuestas es la base de esta entrega de canciones. La idea de un mundo actual, lleno de tristes personajes alienados por la tecnología, contrasta con las continuas referencias autobiográficas a su infancia y juventud, a un mundo pasado y diferente rescatado desde una mirada nostálgica.

Recomiendo encarecidamente que aquellos que no lo hayáis escuchado, veáis antes el documental que hizo para la BBC explicando el por qué de este disco, su génesis y elaboración a partir de un viaje nostálgico a los lugares que marcaron su infancia y adolescencia. El documental es como la sal previa al tequila, degustaréis el disco mucho mejor si la habéis tomado antes.

Damon Albarn "The Culture Show"
https://www.youtube.com/watch?v=ep6kjvu_HCQ

¿Ya lo vistéis? Vamos entonces a infiltrarnos ya en el mundo de los "Robots Cotidianos".

Es precisamente "Everyday Robots" la encargada de abrir el disco. Comienza con un extracto de lo que parece un monólogo y unas risas enlatadas, como si todo fuera una broma o le costara creer que sea cierto que los zombies tecnológicos caminan cada día por la calle como autómatas, mirando al móvil sin percatarse de que la vida está fuera de la pantalla. La canción muestra el tono que tendrá el disco, música minimalista aderezada con violines y extraños efectos de sonido, mientras Damon cuela su guitarra acústica o su teclado como base para la mayoría de los temas.

Más minimalista si cabe es "Hostiles". Damon a la guitarra acústica, con el apoyo de unos coros y unos efectos de ladridos de perro para llevarnos de vuelta a la temática opuesta del disco, a la mirada nostálgica e introspectiva de un músico que gira la cabeza hacia atrás y ve su pasado en el Londres gris de mediados de los 70

La melancolía dura poco, porque de un bandazo nos devuelve al mundo tecnológico en el que vivimos con "Lonely Press Play" uno de los temas más brillantes del disco. "Si te sientes solo, pulsa play". Un mensaje tan descorazonador viene sin embargo acompañado de un tono más alegre en la música, y la ejecución del tema es simplemente brillante apoyada en unos grandes arreglos de cuerda.

El punto disonante del disco lo marca "Mr. Tembo", canción inspirada en un elefante que conoció en Tanzania, la canción más alegre del disco y casi una tonada infantil con toques africanos. Y sin embargo mantiene el toque personal (dedicada a su hija) y nostálgico (ejecutada junto al coro gospel de la iglesia en la que Damon practicaba con el órgano en su adolescencia).

Las referencias en negativo a la tecnología y la deshumanización que provoca seguirán apareciendo, como cuando en "The Selfist Giant" hace referencia a lo complicado que es concentrarse en ser un buen amante cuando la televisión está siempre encendida. Como también continuarán los saltos atrás en "You and Me", larga oda estructurada en dos partes en las que profundiza en los desengaños amorosos y los problemas con las drogas de épocas pasadas. El tema va de lo más oscuro a lo más luminoso, por lo que pese a la temática funciona como rayo de esperanza.

En el cajón de las canciones autobiográficas cae "Hollow Ponds", punto álgido del disco para el propio cantante ya que, según declaró en el documental al que nos hemos referido, toda la idea del disco surgió de una visita a unos lagos a los que iba a bañarse en verano en su infancia y adolescencia.

En la sección de tecnología le toca el turno a las "fotografías que estás haciendo ahora mismo" ("The photograps you're taking now"), salteada con una grabación de audio y jugueteando con la electrónica sin salir del minimalismo reinante, para pasar después a la canción de corte más romántico del disco "The history of a cheating heart".

Y con "la historia del corazón mentiroso" desembocamos y náufragamos inexorablemente en los "fieros mares del amor" ("Heavy seas of love"), dónde el disco vuelve a la senda brillante y animada. Como curiosidad, surgió la posibilidad de una colaboración con Brian Eno, que al llegar al estudio preguntó si querían que produjera el tema o tocara los teclados, a lo que Damon respondió: "Quiero que cantes".

Al ver el resultado comprendes que lo ha vuelto a hacer. No solo ha entregado un disco brillante, sino que la broma del principio, con sus risas enlatadas, era una pista que anticipaba la gran broma final, la colaboración más inesperada, con Brian Eno dando el pintoresco contrapunto a la voz de Albarn, que no podía cerrar solo su "primer disco en solitario". 

El increible viaje del Tiburon Amarillo

 El tiburón amarillo antes de zarpar a la aventura

Bienvenidos al cuaderno de bitácora del increible viaje del Tiburón Amarillo.

El Tiburón Amarillo vino al mundo en 1988 como un regalo del artista Mark Beam para Frank Zappa, que consistía en una tabla de surf con la forma de un Tiburón Amarillo con sangre en las fauces. La tabla estuvo durante mucho tiempo en el sótano de las oficinas de Zappa hasta que en 1991  Andreas Molich-Zebhauser, manager del grupo de música contemporánea "Ensemble Modern" la vio en el sótano mientras discutían sobre la preparación de un concierto con música de Zappa.

El Tiburón Amarillo enamoró a Zebhauser, y Zappa poco después educadamente se lo regaló. Desde entonces el Tiburón Amarillo vive tranquilo en Alemania, pero en lo que a la música se refiere, una anécdota así solo podía acabar en que el concierto de piezas de música clásica de Zappa terminara  llevando el nombre del Tiburón Amarillo ("The Yellow Shark").

En 7días7notas nos propusimos que el Tiburón Amarillo se embarcara en otro increíble viaje, con la ayuda de todos los lectores de este blog y en concreto de este cuaderno de bitácora, y así es como el 20 de Octubre de 2018 el Tiburón Amarillo zarpó desde 7días7notas con rumbo a lo desconocido.

Ese frío pero parcialmente soleado día del 20 de Octubre de 2018 el CD del Tiburón Amarillo de la foto superior comenzó su viaje en el Parque de Castilla La Mancha en el barrio de Getafe Norte, en la Comunidad de Madrid, acompañado de un papel con las siguientes indicaciones:

"Bienvenidos al increíble viaje del Tiburón Amarillo. Si este CD ha llegado a tus manos, te pedimos solamente unos pasos muy sencillos.

1) Entra en http://7días7notas.blogspot.com y comparte con nosotros en el cuaderno de bitácora qué te ha parecido esta iniciativa y el disco si decides escucharlo. Intenta tener el Tiburón Amarillo durante un máximo de 7 días.

2) Elige a la persona a la que se lo entregarás para que continue la cadena y el sitio en el que se lo entregarás. Debes entregarlo tal y como te lo pasaron (con estas instrucciones visibles)

3) Haz una foto del Tiburón Amarillo en el sitio en el que lo entregas y envíanosla a 7dias7notas@gmail.com, especificando la ciudad en la que estás para que podamos seguirle el rastro en su emocionante viaje, en el que esperamos recorra el mundo entero del uno al otro confín".

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"Welcome to the amazing journey of the Yellow Shark. If this CD has been delivered to you, we kindly ask you to follow some simple steps.

1) Go to http://7días7notas.blogspot.com and share with us what you think about this initiative and the album. Try to have the Yellow Shark for up to 7 days and share it again.
2) Choose the person to whom you will give it to continue the initiative and the place where you will give the Yellow Shark to him/her. You must deliver it as it was handed to you (with these instructions visible)

3) Take a picture of the Yellow Shark in the place where you deliver it and send it to 7dias7notas@gmail.com, specifying the city where you are so that we can follow the trail of this amazing trip, in which we hope the Yellow Shark will travel the whole world"

20 DE OCTUBRE DE 2018

El Tiburón Amarillo llega al Parque de Castilla La Mancha en Getafe Norte, para dejar constancia fotográfica de su partida en largo viaje hacia lo desconocido, con la esperanza de recorrer el mundo entero con la ayuda de aquellos que sean agraciados con tener este CD y ayudar a que el viaje no se interrumpa.
En la parte trasera lleva incorporadas las instrucciones para todo aquel que lo tenga en sus manos durante el viaje:

Dentro del parque el lugar elegido para las primeras fotos es la estatua de Don Quijote de La Mancha y su fiel escudero Sancho Panza, antaño protagonistas de otra gran aventura y largo viaje para cumplir sus sueños, y ahora ilustres primeros compañeros del Tiburón Amarillo.

 El Tiburón Amarillo, con Don Quijote y Sancho Panza

(esquina inferior izquierda)

Una vez lista la sesión de fotos, realizamos la primera entrega de este viaje.

Seguiremos informando sobre el destino y los nuevos acompañantes del Tiburón Amarillo, con la esperanza de que la cadena no se rompa y podamos ir contando paso a paso su apasionante viaje, llevando la música por todos los sitios a los que el destino quiera llevarle.

Y así es como el Tiburón Amarillo comenzó su viaje hacia lo desconocido el 20 de Octubre de 2018.

 Foto izquierda: El Tiburón Amarillo, con sus primeros acompañantes. El gesto de Zappa no se aprecia bien. Seguro que si pudiera estaría sonriendo, nunca le dijo que no a una aventura musical.