El disco de la semana 182: Scorpions - World Wide Live

World Wide Live, Scorpions

     Tras 9 discos de estudio a sus espaldas y un álbum en directo publicado 7 años atrás Klaus Meine (voz), Rudolph Schenker (guitarra rítmica), Mathias Jabs (guitarra solista), Francis Buchholz (bajo) y Herman Rarebell (batería) ó lo que es lo mismo, Scorpions, deciden que ha llegado el momento de publicar otro álbum de estudio. En 1985 y bajo el sello Mercury Records en Estados Unidos y el sello Harvest/ EMI en Europa el grupo publica World Wide Live bajo la producción de su productor habitual Dieter Dierks. El álbum es grabado durante la gira mundial llamada Love And First Sting Tour que el grupo da entre 1984 y 1985.

La primera cosa que nos llama la atención del doble directo recomendado para lo ocasión: todos los temas publicados son temas grabados con el guitarrista Mathias Jabs, obviando todo tema grabado con anterioridad por el guitarrista Uli Jon Roth. Los temas son extraidos de cinco conciertos que el grupo da durante 1984, concretamente en el Bercy de París (29 de febrero), The Forum de Los ángeles (24 y 25 de abril), el Sports Arena de San Diego (26 de abril), en el Pacific Amphitheatre de Costa Mesa de California (28 de abril) y en el Sporthalle de Colonia en Alemania (17 de noviembre).

Comercialmente el disco supuso un gran éxito para Scorpions, consiguiendo alcanzar el puesto número 17 en la famosa lista Billboard 200 de Estados Unidos, el puesto número 4 en Alemania y Austria, y muy buenas cifras en países como Reino Unido, Suecia, Francia, Canadá, Japón y España entre otros.

World Wide Live es un doble directo que explota la enorme calidad del grupo en su época dorada, con temas cañeros y elctrizantes meclados con esas power ballads que tan bien saben hacer Meine y compañía. Abre la traca de los 19 temas incluidos en el doble directo la anecdótica Contdown, sus pocos más de 40 segundos sirven de introducción y apertura para la poderosa Comming Home, compuesta
por Schenker y Meine e incluido en Love At first Sting (1984) con esos contundentes riffs y los sólos encadenados de jabs. Sin dejarnos respirar prosiguen el fulgurante comienzo encadenando Blackout, de su álbum homónimo Blackout (1982), uno de los temas buque insignia de la banda y que fue compuesto por el grupo tras una fiesta en la que estuvieron con los guitarristas KK Downing y Glenn Tripton de Judas Priest y los chicos de Deff leppard y en el que tras la misma Schenker sufrió un apagón (blackout en inglés) al no recordar nada a partir de cierto momento de la noche. Tras el apagón llega el turno de los chicos malos, Bad Boys Running Wild, otro buen tema del disco Love At First Sting, si bien es algo más pausado que su antecesor Jabs se encarga de desatar la locura con el sólo de guitarra. Le sigue Loving You sunday Morning, tema de su disco Lovedrive (1979) y que fue el primer disco que grabaría Mathias Jabs con Scorpions. Se encarga de cerrar la cara A del primer disco Make It Real, incluido en su disco Animal Magnetism (1980).

Llegamos al primer tema de la cara B, y lo hacemos con otro de los trallazos del grupo, Big City Nights, de su álbum Love First And Sting, tema donde nos hablan de la vida nocturna de las grandes ciudades.
Coast To Coast, otro de sus buenísimos temas extraído de su Lovedrive (1979), y donde las guitarras de Schenker y Jabs nos dejan en trance y a punto de caramelo para su siguiente tema, Holiday, también de su exitoso Lovedrive, la pedazo de balada donde Meine trata de llevarse a otra persona de vaciones consigo, si bien hay quien considera que la letra es una metáfora y en realidad trata de la muerte cuando viene a invitarnos para acompañarle al más allá. Nos encontramos completamente entregados a los "escorpiones" cuando llega el tema que cierra el primer disco y con el alcanzamos el zénit, Still Loving You, que decir de este tema, el cuál habían grabado para su Love First And Sting y que presentaban durante su gira mundial. Tema que rápidamente se convirtió en uno de los iconos de las llamadas power ballads. El tema fue compuesto por Schenker y Meine. Schenker comentaba que le llevó cerca de seis años componer el tema, quería escribir algo especial, una emotiva historia de amor y dolor, y a fé que lo consiguió junto con Meine. De hecho el tema creó el llamado baby boom en países como Francia.

Hemos pasado el ecuador del doble directo y tenemos cierto temor porque el ritmo y el nivel decaiga tras lo que llevamos escuchado, pero ni mucho menos, estos chicos tienen material para dar y tomar y abren la segunda parte con la maravillosa Rock You Like A Hurricane, también de su álbum Love First And Sting, no olvidemos que la presentación de dicho disco era el motivo de la extensa gira mudial, y que disco se marcaron nuestros amigos. El tema en concreto se convirtió por derecho propio en todo un himno de la banda y del rock y donde nos hablan de la actitud y la sexualidad. Y como si de una locomotora que va apisonando todo lo que encuentra a su paso llega el ritmo de Can't Live Withoutn You (Blackout) ante los gritos enfervorecidos del público que se escuchan en la grabación, y no es para menos pues la apertura con ese ritmo y el riff de guitarra es brutal. No hay descando pues ahora llega elcañero Another Piece Of Metal de su álbum Lovedrive, tema donde nos dan la visión de una groupie que ve a las estrellas de rock como meros trozos de carne. Y cerramos la cara A del segundo disco con el cañero Dynamite (Blackout).

Si estabamos con el miedo y la incertidumbre de que un doble se nos pudiera hacer algo largo y pesado éste no es el caso y nos encontramos preparado para la traca final del cuarto bloque que se encarga de abrir The Zoo, de su álbum Animal Magnetism (1980), tema compuesto por Schenker y Meine. Schenker compuso el riff y a Meine le recordó la visita que el grupo había hecho por entonces a la ciudad de Nueva York, más concretamente a la famosa calle 42, famosa por su agitada vida nocturna. Dejamos la calle 42 y nos sumergimos en No One Like You (Blackout), otro de los grandes iconos y éxitos de la banda que logró alcanzar el puesto número 1 en la famosa lista Mainstream de Estados Unidos. Curiosamente el tema originalmente fue compuesto primero en alemán y modificado y traducido posteriormente. Vamos cerrando el directo con una primera parte del espídico tema Can't Get Enough (Lovedrive)  que es seguido inmediatamente después por Six String Sting, que no es sino un sólo donde Jabs se explaya y nos deleita con un sólo marca de la casa, y que no es mas que un impass para el cierre del disco, que lo hace con la segunda parte de Can't Get Enough, dónde la banda se encarga de decirnos hasta la próxima, y nunca mejor dicho pues tras este doble directo nos han dejado con ganas de más...

Canciones que nos emocionan: Kozmic Blues, Janis Joplin

Janis Joplin

     Janis Joplin graba en 1968 con la Big Brother And The Holding Company el álbum Cheap Trills. Aquella combinación de música psicodélica, acid rock y la imponente voz de Janis Joplin había causado furor y rápidamente lanzó hacia el estrellato a Janis. El disco en tres días alcanzó el disco de oro y el primer mes ya había vendido más de un millón de copias. A la prensa especializada también le encanta esa explosión de sonido, tanto que se empiezan a centrar más en la figura de Janis Joplin. El hecho de que la prensa se centrara más en en la cantante afirmando que estaba muy por encima del resto del grupo sumado al hecho de que Janis quería hacer una música de un estilo más blues y soul acaba generando una tensión en el seno del grupo. Una tensión que acaba propiciando que Janis abandone la Big Brother And The Holding Company.

Después de marcharse, Janis Joplin junto con su mánager Albert Grossman deciden lanzarse a la búsqueda de los mejores músicos del país para formar una nueva banda. Así es como nace a principios de 1969 la Kozmic Blues Band, una formación que irá sufriendo cambios constantes en la formación a lo largo del año aproximado que dura.

Con la Kozmic Blues Band Janis Joplin publica su tercer disco de estudio, I Got Dem OI Kozmic Blues Again Mama!. El disco es lanzado al mercado el 11 de septiembre de 1969 bajo el sello discográfico Columbia Records y a los dos meses ya había alcanzado la certificación de disco de oro. Sin embargo ese cambio de estilo de Janis, dejando de un lado el Acid-Rock para centrarse en sonidos más blues, rock y soul no gusta a gran parte de la crítica y de sus seguidores, quienes piensan que ha traicionado su propio estilo y sonido y que tan brillantemente ha reflejado en Cheap Trills. Con el tiempo se acabará demostrando cuán injustas fueron todas aquellas críticas a su trabajo. Unas críticas que agudizaron más la presión sobre una Janis que acaba enganchándose a la heroina y al consumo desmedido de alcohol.

Sin embargo I Got Dem OI Kozmic Blues Again Mama! fue el resultado de la constante inquietud, incoformismo y ganas de Janis Joplin por evolucionar, abranzo sonidos como el rock, el blues ó el llamado southern soul de de Memphis. Un álbum con una producción muy buena donde cobran mucha importancia los instrumentos de viento y los temas interpretados con mucho ritmo.

Incluido en I Got Dem OI Kozmic Blues Again Mama! se encuentra otro de esos temas que amí tanto me emocionan y que además da nombre a la banda, Kozmic Blues, un tema de los pocos que escribió durante su carrera Janis, compartiendo composición con el productor Gabriel Mekler. Kozmic Blues es un tema donde Janis nos habla que no importa la esperanza que tengas y lo positivo que seas ante las adversidades pues al final éstas te acabarán derribando. Curiosamente Janis comentaba que no solía escribir canciones porque para hacerlo necesitaba estar en una estado profundamente traumático y emocinalmente depresivo para hacerlo, y Kozmic Blues es un tema que describía como se sentía Janis en aquel momento, un canto al desamor y la desesperanza...

Time keeps moving on,

Friends they turn away, Lordy Lord.

Well, I keep moving on

But I never found out why

I keep pushing so hard a dream,

I keep trying to make it right

Through another lonely day.

Whoa don't discover it lasts

Honey, time keeps a-moving on, hey yeah, yeah yeah.

Well, I'm twenty-five years older now

So I know it can't be right

And I'm no better baby and I can't help you no more

Than I did when I was just a girl. Yeah!

But it don't make no difference baby, no, no,

Cause I know that I could always try.

There's a fire inside of everyone of us, huh-uh,

I'm gonna need it now,

I'm gonna hold it yeah,

I'm gonna use it till the day I die.

Don't, honey, don't you expect any answers, dear,

Ah, I know they don't come with ease, no, no, no, no.

Hey, I ain't never gonna love you any better baby

Cause I'm never gonna love you right

So you better take it now, I said right yes now, yeah.

But it don't make no difference baby, no, no,

Cause I know that I could always try.

There's a fire inside of everyone of us, huh-uh,

I'm gonna need it now,

I'm gonna use it yeah,

I'm gonna hold it till the day I die.

Don't make no difference babe, no, no, no,

Honey, I hate to be the one.

I said you're gonna live your life

And you're gonna love, love, love your life.

I'm gonna need it now,

I'm gonna hold it yeah,

I'm gonna use it, say, whoa

Don't make no difference, baby, no, no, no,

Honey, I hate, I hate to be the one.

I said every time you're gonna want to love somebody,

Every time you're gonna want to need somebody,

You're gonna want to turn around, I'm gonna be there.

No no no no no, no no no no no, no no no no.

When you're gonna put out your hand,

All your want is some kind of lovin' man,

He ain't gonna be there, I said, not here.

No no no no, no no no no, no no no no,

No no no, no no no, no no no no,

No no no no, whoa, whoa, whoa, whoa, whoa, whoa

Whoa, wah wah, whoa,

Whoa, whoa, whoa, whoa, whoa, whoa

Honey when I want to reach out my hand

I said darling all I ever wanted

Was for you to understand me now, whoa

Ah baby, I want to sing about me Lord, honey, every day yeah

La música en historias: El Mes Joaquin Sabina

 

Llega Julio, y sus calores, y tras correr hacia las colinas con los magistrales Iron Maiden, ahora nos iremos por los cerros de Úbeda para homenajear a uno de los más grandes letristas que ha dado el panorama patrio. Llega el #MesJoaquinSabina, y hablar de este artista es hablar de más de cuatro décadas derrochando lírica y ojo clínico en ponerle banda sonora a la evolución social, cultural y musical desde la España de la transición hasta el momento actual.

Recuerdo una frase que me dijo mi madre, cuando le pregunté por qué estaba tan enganchada a "Cuéntame". Más o menos lo que dijo fue: "Es como ver tu vida contada en televisión, son los setenta y los ochenta que nosotros hemos vivido". Al escuchar aquello, entendí que a ella y a mi padre les gustara aquella serie, pero también entendí que mi "Cuéntame" particular iba por otros derroteros. Descubrí que las malas compañías de los caballeros y las princesas de barrio, los Tolitos, las Barbies Superstar y las fulanitas de tal eran imágenes más auténticas e interesantes que las aventuras de los Alcántara, que ofrecían una recreación del mundo en la que el desolado paisaje de antenas y de cables tornaba en algo demasiado colorista y artificial, dónde nunca vi a Eva tomando el sol como Dios la trajo al mundo, ni al Jero decir "Qué demasiao" al encontrarse con la muerte en una esquina.

Hoy, más que nunca, la muerte sigue pasando en ambulancias blancas y, literalmente, nos robaron el mes de Abril, así que combatiremos el calor de julio con agüita del mar andaluz, y también del Río de la Plata. Decía la canción del Rey León que "hay un amigo en tí", y no voy a entrar a valorarlo, pero sí que creo que la música de Sabina es tan universal que "hay un Sabina para cada uno de nosotros". Por poner un ejemplo cercano, dentro del equipo de 7días7notas, a Jorky le encajaría el Sabina más rockanrollero y canalla, ese que, como ya hiciera Bob Dylan en su momento, no consintió en quedarse encorsetado en el perfil clásico de cantautor de transición, atado a la soledad de una guitarra acústica y un mensaje melancólico y de velada denuncia. Pero existe también, y cohabita en perfecta armonía, un Sabina culto y poeta, el Sabina de José María Hernández, cómo también existe el flaco cosmopolita, enamorado de otros ritmos y otras ciudades, como el Buenos Aires querido de Storyboy.

Y en mi caso, bebo un poco de todas esas fuentes, a la hora de degustar la música del gran Joaquín Sabina. Y coincido mucho con una frase suya, en la que dijo que "yo los discos no los termino, a mí me los quitan de las manos". Salvando las abismales diferencias, para mí es inevitable no pensar en ese único paralelismo entre su obra y mis artículos para 7días7notas, a los que seguiría dando vueltas "sine díe" para cambiar una última frase, o añadir un detalle de última hora. Pero ya está, es 1 de Julio y me lo quitan de las manos, tiene que comenzar este sincero homenaje de 30 días y otras tantas noches a nuestro querido Joaquín, y lo hace con este artículo y con una frase de Javier Gurruchaga al público de ese gran concierto que quedó grabado para la posteridad en el disco "Joaquín Sabina y Viceversa":

"¡¡¡Sabina, Ladies and Gentlemen, Sabina!!!"

Iron Maiden - The Book Of Souls (Mes Iron Maiden)

The Book Of Souls

     El 4 de septiembre de 2015 se publicaba y veía la luz The Book Of Souls, este supondría el decimosexto álbum de estudio de Iron Maiden y último hasta la fecha. Pero este doble álbum se había gestado mucho antes...

Dos años antes, en septiembre de 2013 Bruce Dickinson ya había dejado caer que la banda tenía la intención de sacar un nuevo trabajo. Sería justo un años después, concretamente en septiembre de 2014 cuando Iron Maiden se marchan a grabar a los Guillaume Tell Studios de París, poniéndose en manos del productor Kevin Shirley. El grupo acaba las grabaciones de su nuevo trabajo en diciembre de 2014. La intención de la banda era publicar el disco a principios de 2015, pero deciden retrasar su publicación hasta que Bruce Dickinson se encuentre recuperado ya que le había sido detectado un tumor canceroso en la garganta y  estaba siendo tratado.

     El doble álbum salía publicado en Estados Unidos con el sello Sanctuary Copyrights / BMG y en el resto del mundo con el sello discográfico Parlophone el 4 de septiembre de 2015, justo dos años después de la predicción de Dickinson. Los componentes de la banda en el momento de la grabación son los mismos desde que volvieran a sus filas allá por el año 1999 Bruce Dickinson y Adrian Smith, quedando conformada por los nombrados Adrian Smith (guitarra) y Bruce Dickinson (voz), y Steve Harris (bajo), Dave Murray (guitarra), Janick Gers (guitarra) y Nicko McBrain (batería).

La portada de The Book Of Souls fue diseñada por Mark Wilkinson quien ya había trabajado anteriormente en varias portadas de Iron Maiden. Este sería el primer disco desde The X Factor (1995) en el que el grupo utiliza en la portada su logotipo original. La portada, con la mascota Eddie está vinculada al tema principal del disco The Book Of Souls, pues según Harris "Las almas viven después de la muerte".

 
El disco se desarrolla básicamente bajo la misma temática, trata mucho la cultura maya, y para ello la banda contrato al erudito en la materia Simon Martin, pues el grupo quería que el trabajo fuera lo más preciso y fiel preciso. Simon Martin también se encargó de transcribir las canciones del álbum a jeroglíficos. Según Simon, aunque los mayas no tenían Libros de almas (The book of souls), sí eran muy grandes con las almas, por lo que el título era muy apropiado. Harris defendía que el álbum no era conceptual aunque estuviera repleto de referencias a las almas y reflexiones sobre la muerte, pues según vas haciéndote mayor cada vez piensas más en tu propia muerte. Cabe destacar que durante el proceso de creación del álbum Steve Harris sufrió dos importantes pérdidas personales, por aquellas fechas fallecen un familiar y un viejo amigo de la escuela lo que hace que Harris, que suele llevar casi todo el peso a nivel de composición no lo tenga aquí tanto, y que el resto de la banda asuma más participación a la hora de la gestación del álbum.

 Al contrario que en otros discos donde la banda se pasaba tiempo escribiendo y ensayando, esta vez se meten en el estudio con esquemas de canciones, y una vez allí las acaban dando forma y graban rápidamente, lo que le dota al disco de la sensación de haberlo
grabado en vivo. El resultado es un buen trabajo, 92 minutos de duración en once temas editados en un doble álbum y que se encarga de abrir como si de la banda sonora de una película se tratase If Eternity Should Fail, tema que fue escrito por Bruce Dickinson y que había sido pensado para su álbum en solitario, pero al final fue rescatado para este disco. Tema de más de 8 minutos donde el tema va cogiendo fuerza como una apisonadora hasta que la percusión corta el tema y empieza a evocar ritmos tribales. Es el primer tema y ya tienen toda nuestra atención.
Speed Of Light, compuesta por Smith y Dickinson. Este fue el primer sencillo del álbum, publicado antes del mismo en agosto de 2015, y el video musical del tema es un homenaje a cuatro décadas de videojuegos mientras Eddie viaja a través de la historia. Según admitiría Dickinson el tema tiene influencias de Deep Purple, y cuando Adrian Smith creó el riff del tema lo tuvieron claro, ellos son grandes admiradores de Deep Purple y en este tema iban a hacer un homenaje a los mismos, incluyendo hasta un grito a lo Ian Gillan al principio del tema.
The Great Unknown, compuesta por Smith y Harris. Tema con un comienzo lento y pausado donde toda la banda empieza a sumarse poco a poco hasta llegar al momento álgido con toda la banda a pleno rendimiento, diversos cambios de ritmo y solos encadenados que desatan la locura.
The Red And The Black, compuesta por Harris. Tema en el que destaca la complejidad de las letras escritas por Steve Harris, que comentaba que Dickinson se quejaba de que no podría cantar todo aquello que había escrito dada su complejidad, y que él a no ser cantante no es consciente de la dificultad de cantar ciertas cosas. Pero Harris sabía que Dickinson es un cantante excepcional y que podría con aquello. Sobre este tema Harris también admitía que en ocasiones Dickinson se enfadaba con él cuando le presentaba este tipo de retos y lo entiende perfectamente, y también sabe que al final Dickinson siempre consigue hacerlo. Es este tema una de las joyas del disco, que además nos recuerda a temas del estilo de Rime Of The Ancient Mariner.
When The River Runs Deep , compuesta por Smith y Harris. Otro tema con una velocidad vertiginosa y donde los sólos de guitarra tienen todo el protagonismo.

El tema que se encarga de cerrar la primera parte del doble álbum es precisamente el que le da título, The Book Of Souls, compuesto por Gers y Harris. Empieza el tema con una preciosa intro acústica de guitarra que da paso a un riff de estilo oriental, Dickinson raya a gran altura, McBrain con las baquetas se encarga de marcar los tiempos de este tema de más de 10 minutos y Murray, Gers y Smith están sensacionales a las guitarras. Tema basado en la civilización maya que creía que las almas vivían después de la muerte. Harris se interesó por la cultura maya al igual que lo hizo por la egipcia cuando crearon Powerslave (1984). Los mayas tenían miedo al inframundo y tenían miedo a perder sus almas, y ese elemento místico es la clave de la canción.

Abre la segunda parte del doble Death Or Glory, compuesta por Smith y Dickinson. Tema más sencillo entre comillas y menos elaborado musicalmente, pero no desentona y mantiene el tipo.
Shadows Of The Valley, compuesta por Gers y Harris. El comienzo es un claro guiño a Wasted Years, y con los riffs del tema el grupo nos vuelve a recordar que Deep Purple es una de sus claras influencias.
Tears Of A Clown, compuesta por Smith y Harris. Es conocido que los chicos de Iron Maiden son fans de humoristas como los Monty Phyton, Mr. Bean o al que dedican esta canción, Robin Williams. Aquí nos muestra el grupo la amarga realidad y el drama de muchos cómicos, que están obligados a reír siempre por fuera cuando por dentro están en realidad verdaderamente mal, y que en el caso de Robin williams le condujo primero a la depresión y posteriormente al suicidio.
The Man Of Sorrows, compuesta por Murray y Harris. Tema cantado por Dickinson en un tono dramático donde destacan el intercambio de solos y punteos que se marcan Gers, Murray y Smith.

Llegamos al cierre del disco, Empire Of The Clouds, compuesta por Dickinson. Sus 18 minutos la convierten en el tema más largo de la banda desbancando a Rime Of The Ancient Mariner (Powerslave, 1984). La canción trata sobre la tragedia de la aeronave británica R101; esta fue en su momento la aeronave más grande del mundo jamás construida. Esta nave se estrelló en Francia en su primer viaje al extranjero el 5 de octubre de 1930, y perdieron la vida 48 de sus 54 pasajeros. Originalmente Dickinson quería escribir el tema sobre aviones de combate de la Primera Guerra Mundial, pero lo descartó al componer junto a Smith Death Or Glory donde ya tocaba esa temática. Dickinson quería que quedara reflejado con la batería el momento en el que el avión se estrella, y McBrain lo clava.

     Este disco no es comparable a otros trabajos míticos de la banda pues a lo largo de los años ha experimentado una evolución y hay quien dirá que para bien y quien dirá que para mal, pero lo que si está claro es que The Book Of Souls, su último trabajo hasta la fecha es de largo su mejor disco de los últimos 20 años.

Canciones que nos emocionan: Fast Car, Tracy Chapman

Fast Car, Tracy Chapman

     11 de junio de 1988, estadio de Wembley, Londres (Reino Unido), concierto tributo celebrando el 70 cumpleaños de Nelson Mandela. Una joven de 24 que en abril de ese año había publicado bajo el sello discográfico Elektra Records su primer álbum de estudio formaba parte del amplio elenco de artistas que ese día iban a actuar, tales como Sting, George Michael, Eurythmics, Al Green, Joe Cocker, Wet Wet Wet, Bryan Adams, Bee Gees, UB40, Sly, Peter Gabriel, Stevie Wonder ó Whitney Houston entre otros muchos.

Llegado el turno, Tracy acompañada de su guitarra interpretó tres temas de su repertorio, Why?, Behinf The Wall y Talkin' Bout A Revolution, todos pertenecientes a su primer álbum y que había publicado apenas un par de meses antes. Después de su actuación Tracy pensó que ya podía relajarse y disfrutar del resto del concierto, un concierto al que todavía le quedaba mucha tela por delante. Sin embargo entrada la noche y avanzado el concierto Tracy no se esperaba que debido a un retraso con la preparación de la actuación de Stevie Wonder iba a ser llamada ella y subida de nuevo al escenario para cubrir aquella pequeña demora. Y allí ataviada de nuevo con su guitarra acústica interpretó Fast Car, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan.

Rápidamente aquél tema se convirtió en un rotundo éxito y catapultó la carrera de la genial artista, alcanzando con este tema el puesto número 6 en la famosa lista americana Billboard Hot 100. La revista Rolling Stone en 2010 situaría este tema en el puesto número 167 de de Las 500 mejores canciones de todos los tiempos. El álbum debut de Tracy, tiulado Tracy Chapman consiguió varios discos de platino a ambos lados del Altántico y fue premiado con tres premios Grammy. Tracy se convertiría en uno de los artistas más destacados de las giras de Amnistía Internacional en pro de los Derechos Humanos.

Fast Car se encuentra incluido en el álbum debut de la artista estadounidense, publicado el 5 de abril de 1988, y aunque pueda parecer que el tema habla de coches, en realidad trata de una relación que no funciona pues ha comenzado desde el lugar equivocado, a la vez que nos relata la la historia de una mujer trabajadora que intenta escapar de la pobreza con su música.

You got a fast car

I want a ticket to anywhere

Maybe we make a deal

Maybe together we can get somewhere

Anyplace is better

Starting from zero got nothing to lose

Maybe we'll make something

Me, myself I got nothing to prove

You got a fast car

I got a plan to get us out of here

I been working at the convenience store

Managed to save just a little bit of money

Won't have to drive too far

Just 'cross the border and into the city

You and I can both get jobs

And finally see what it means to be living

You see my old man's got a problem

He live with the bottle that's the way it is

He says his body's too old for working

His body's too young to look like his

My mama went off and left him

She wanted more from life than he could give

I said somebody's got to take care of him

So I quit school and that's what I did

You got a fast car

Is it fast enough so we can fly away

We gotta make a decision

Leave tonight or live and die this way

So remember we were driving, driving in your car

Speed so fast I felt like I was drunk

City lights lay out before us

And your arm felt nice wrapped 'round my shoulder

I had a feeling that I belonged

I had a feeling I could be someone, be someone, be someone

You got a fast car

We go cruising to entertain ourselves

You still ain't got a job

I work in a market as a checkout girl

I know things will get better

You'll find work and I'll get promoted

We'll move out of the shelter

Buy a bigger house and live in the suburbs

I remember we were driving, driving in your car

Speed so fast I felt like I was drunk

City lights lay out before us

And your arm felt nice wrapped 'round my shoulder

I had a feeling that I belonged

I had a feeling I could be someone, be someone, be someone

You got a fast car

I got a job that pays all our bills

You stay out drinking late at the bar

See more of your friends than you do of your kids

I'd always hoped for better

Thought maybe together you and me would find it

I got no plans I ain't going nowhere

So take your fast car and keep on driving

I remember we were driving, driving in your car

Speed so fast I felt like I was drunk

City lights lay out before us

And your arm felt nice wrapped 'round my shoulder

I had a feeling that I belonged

I had a feeling I could be someone, be someone, be someone

You got a fast car

But is it fast enough so you can fly away

You gotta make a decision

Leave tonight or live and die this way

La música en historias: El día que Dios falló a James Hetfield

James Hetfield

     James Hetfield nace en 1963 en Downey, California (Estados Unidos), y tiene una infancia bastante complicada, pues sus padres eran miembros de un grupo religioso de ciencia cristiana, lo que hace que la infancia de James se desarrolle en torno a la fe y a numerosas actividades religiosas. Por otra parte su padre sufría de alcoholismo.

James empieza a tocar su primer instrumento a la edad de 9 años, concretamente el piano, para luego más tarde pasar a tocar la batería de su hermano David. A la edad de 14 años decide centrarse en el instrumento con el que hoy le conocemos, la guitarra eléctrica. Es entonces, en la adolescencia, cuando James forma su primera banda, Obsession, influenciada en grupos de la talla de The Beatles, Black Sabbath, Thin Lizzy, Aerosmith ó Motörhead entre otras.
Más tarde, James se muda a Brea, California, y mientras cursa sus estudios en el Brea Olinda High School, conoce al baterista Jim Mulligan. Estos dos forman junto al también estudiante Hugh Tanner la banda Phantom Lord. Esta banda dura hasta la graduación de James, pues después de graduarse james vuelve a su Downey natal.

Ya en Downey James sigue con sus proyectos musicales, esta vez con al formación de un grupo llamado Leather Charm, compuesto por sus dos compañeros de anterior grupo Tanner y Mulligan, un amigo de James, Ron McGobney y el propio James. Con esta banda James consigue grabar incluso una demo, pero el grupo finalmente acaba separándose.

En 1981 James ve publicado un anuncio en la revista Recycler, el anuncio estaba puesto por el baterista Lars Ulrich, y en el mismo estaba buscando un guitarrista para formar una banda con influencias de bandas de la NWOBHM (Nueva ola del heavy metal británico). Con la respuesta a aquel anuncio nacía Metallica, banda que hasta la fecha ha publicado 10 álbumes de estudio, vendido más de 120 millones de copias de sus discos y es una de las grandes bandas de thrash metal de la historia.

Me voy a centrar en un hecho que marca la historia y la vida de james y que ha reflejado en varias composiciones con Metallica. Anteriormente he comentado que James se crió en un entorno muy religioso. Durante la adolescencia de James su madre enferma de cáncer, y resulta que la doctrina religiosa a la que pertenece su familia prohibía el uso de medicinas para la curación. Su madre, fiel a los dictámenes de su doctrina rehúsa tomar medicina alguna confiando únicamente en la fe como remedio para su enfermedad. La madre de James fallece debido a su enfermedad cuando éste tiene 16 años.

Este hecho influirá en en el músico, produciéndose en el interior de James un conflicto entre éste y las enseñanzas y doctrinas practicadas por su familia, las cuales le habían enseñado desde pequeño. El conflicto entre la doctrina religiosa y si la gente se apoya demasiado en ésta buscando la solución a sus problemas quedará reflejado por James en futuras composiciones con Metallica, tales como Dyers Eye (...And Justice For All, 1988), The God That Failed (The black Álbum, 1991), Mama Said y Until It Sleeps (Load,1996).

The God That Failed

Pride you took

Pride you feel

Pride that you felt when you'd kneel

Not the word, not the love

Not what you thought from above

It feeds it grows

It clouds all that you will know

Deceit deceive

Decide just what you believe

I see faith in your eyes

Never your hear the discouraging lies

I hear faith in your cries

Broken is the promise, betrayal

The healing hand held back by the deepened nail

Follow the god that failed

Find your peace

Find your say

Find the smooth road in your way

Trust you gave

A child to save

Left you cold and him in grave

It feeds it grows

It clouds all that you will know

Deceit deceive

Decide just what you believe

I see faith in your eyes

Never you hear the discouraging lies

I hear faith in your cries

Broken is the promise, betrayal

The healing hand held back by the deepened nail

Follow the god that failed

I see faith in your eyes

Broken is the promise, betrayal

The healing hand held back by the deepened nail

Follow the god that failed

Pride you took pride you feel

Pride that you felt when you'd kneel

Trust you gave a child to save

Left you cold and him in grave

I see faith in your eyes

Never you hear the discouraging lies

I hear faith in your cries

Broken is the promise, betrayal

The healing hand held back by deepened nail

Follow the god that failed

Follow the god that failed

Broken is the promise, betrayal, betrayal yea

La música en historias: Las portadas de Iron Maiden (Mes Iron Maiden)

Iron Maiden

     Aparte del gran legado musical de Iron Maiden, hay otro aspecto que le diferencia de muchas otras bandas, sus portadas y las historias y polémicas que traen estas consigo. Portadas que a a lo largo de su extensa discografía y através de su mascota Eddie The Head nos han contado historias y situaciones no exentas de polémica muchas veces. Vamos a contar algunos detalles de alguna de ellas.

     Empezamos con una de sus primeras y más polémicas portadas. Año 1980 y el grupo había publicado su primer álbum de estudio, titulado también Iron Maiden. En la edición del álbum no aparecía originalmente el tema Sanctuary, un tema que sí incluyeron en la edición americana del disco. Pues bien, en mayo de 1980 la banda publica el tema como sencillo. Hasta aquí todo bien, sólo había un pequeño problema, el diseño de la carátula del sencillo, un diseño donde Derek Riggs su creador, mostraba a Eddie  arrodillado con un cuchillo en la mano sobre el cuerpo de la por entonces primera ministra británica Margaret Thatcher. El motivo, al parecer la ministra había arrancado un poster de Iron Maiden de la pared, y esto no hizo ninguna gracia a la banda. Sin duda este hecho reportó una suculenta publicidad en la prensa británica al grupo. La portada fue censurada en el Reino Unido pero no en el resto de Europa.

     El grupo se tomaría cumplida venganza por la censura de aquella portada y volvería a la carga en octubre de 1980 con la publicación del sencillo Women in Uniform, una versión del tema de la banda australiana Skyhooks. En esta ocasión aparece en la portada otra vez Margaret Thatcher, pero esta vez es ella la que se encuentra armada con una ametralladora, y espera tras una esquina la llegada de nuestro amigo Eddie que pasea acompañado de dos mujeres. En esta ocasión la portada no fue censurada pero fue criticada por asociaciones de feministas que tachaban aquella portada de machista.

     Otro polémico momento protagonizado por la banda en forma de portada  fue el famoso concierto donde Ozzy Osbourne arrancaba la cabeza de un murcielago de un mordisco. A nuestros amigos se les ocurrió entonces sacar un cartel donde aparecía Eddie arrancando la cabeza del mismísimo Ozzy. Evidentenemente Ozzy no acabó muy contento y Iron Maiden tuvo que retirar el cartel.

     Pero quizás una de las mayores controversias fue la que provocó la portada del tercer álbum de la banda The Number Of The Beast (1982). La portada, como todas las que fueron creadas hasta justo antes de Fear of The Dark, fue creada por Derek Riggs, y en un principio fue concebida para la canción Purgatory, del disco Killers, pero esta era tan buena que el manager del quiso aprovecharla mejor y convenció a la banda para que la guardaran para su siguiente disco. En esta portada parece Eddie controlando a Satán como una marioneta, y a su vez Satán controla a un pequeño Eddie. El concepto de la portada era preguntar quien era el verdadero diablo y quién controlaba a quién. La portada original del álbum incluye el cielo de color azul de fondo, ésto fue un error de impresión pues el cielo era negro, ésto se corregiría posteriormente para la portada de la reedición de 1998.
La portada del disco ayudó en gran medida a que el grupo fuera criticado sobre todo en Estados Unidos por grupos conservadores que acusaban a la banda de ser satánica. Estos grupos organizaron quemas masivas de vinilos del grupo que luego sustituirían por destrozarlos a martillazos. De hecho la gira de promoción del disco The Beast on the Road fue objeto de numerosos boicots y manifestaciones.

     Con ó sin polémicas lo que está claro es que las portadas de Iron Maiden son pequeñas obras de arte llenas de matices y detalles, como por ejemplo la portada de Powerslave (1984), donde Eddie aparece transformado en una estatua en la entrada de una pirámide, donde se encuentra escoltado a ambos lados por dos grandes chacales y dos esfinges que reposan majestuosas a sus pies.

     Otra de las portadas memorables de la banda es Somewhere In Time (1986), una de las mas recargadas pero lleno de menciones y guiños a la propia banda y a motivos de la cultura pop de la época: En el pecho de Eddie podemos observar la firma de Derek Riggs; Junto a Eddie hay una señal donde pone "Acacia", seguramente en alusión al tema 22 Acacia Avenue; También hay expuesto junto a Eddie un póster del álbum de la banda de 1980; Detrás de Eddie, en la parte superior hay un rascacielos, y en ese edificio hay ubicado un Ojo de Horus,antiguo símbolo de protección egipcio que se menciona en la canción Powerslave, que da títuloo también a ese disco; En la entrepierna de Eddie hay un símbolo de peligro biológico (Biohazard). Al lado de la pierna izquierda de Eddie hay un recipiente de plástico amarillo que hace referencia a la portada del álbum del grupo Iron Maiden (1980); Debajo de Eddie podemos observar un gato negro sentado, el cuál aparece también en la portada del álbum en directo Live After Death (1985). Detrás de Eddie, en una pasarela elvada aparece el texto "Webster", Charlie Webster fue director artístico de la compañía discográfica EMI.

     Fear Of The Dark (1992), fue el noveno álbum de la banda y el primero en el que no se encargaría del diseño de la portada Derek Riggs, encargándose de la misma Melvyn Grant. En la portada aparece Eddie como una especie de figura de árbol Nosferatu mirando a la luna. Según palabras del propio Melvyn, "se inspiró para la portada en el enfoque del miedo a la oscuridad pero desde un aspecto más psicológico. Por eso creó a Eddie como parte de un árbol situado en  algún agradable campo por el que la gente pasearía mientras hace una hermosa noche de luna, y sin saberlo se dirigen directamente a la guarida de Eddie."

     Por último y para finalizar no quiero dejar de mencionar Dance Of Death (2003). Si es probablemente el disco más controvertido de la banda, también lo es su portada. Esta portada fue polémica por no gustar demasiado a los fans de la banda considerada como la más fea e indigna del grupo. Esta portada fue diseñada por David Patchett y en ella se muestra un Eddie  casi testimonial que representa a la muerte, el cuál se encuentra rodeado de personajes generados por computadoras.