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martes, 11 de mayo de 2021

Un país, un artista: Líbano - Mashrou' Leila

 

Mashrou' Leila


     Es en la Universidad Ameriana de Beirut, Líbano, en 2008, donde lo que empieza como una jam session para liberar el estrés provocado por las clases y la inestabilidad política, acaba conviriténdose en una de las mejores bandas de rock indie, rock alternativo y pop del país libanés, Mashrou' Leila.

Son el vioinista Haig Papazian, el guitarrista Andre Chedid, y el pianista Omaya Malaeb, quienes cansados por el panorama político del país y el estrés que suponen las clases, quienes deciden organizar en la facultad una jam session en enero de 2008. A la invitación que realizan los tres músicos respondieron doce personas. De aquella sesión saldrán los siete componentes que conformarán Mashrou' Leila, Hamed Sinno, Haig Papazian, Omaya Malaeb, Andre Chedid, Carl Gerges, Firas Abu-Fakeher e Ibrahim Badr. La primera vez que el grupo toca en directo es precisamente en la facultad, resultando ser el único grupo que toca de los que tocaron en aquella ocasión que interpretaba música compuesta por ellos mismos.

El grupo pasa de tocar en la facultad, a hacerlo en pequeñas salas, con lo que se va asentando dentro del circuito de la música alternativa y empiezan a tener éxito y ganar reputación. El grupo sigue consolidandose y toca por primera vez ese mismo año en el festival de música que celebra cada año el Ayuntamiento de Beirut, la Fête de la musique. Aquel concierto genera cierta polémica, pues Mashrou' Leila resultan ser un grupo rompedor, con unas letras atrevidas y críticas sobre la sociedad libanesa, los amores fallidos, las sexualidad y la política, algo nada frecuente de ver en un país como el Líbano.

Al grupo le gusta la ambigüedad, pues el nombre del grupo en castellano se puede traducir como Proyecto Nocturno o El Proyecto de Leila. En una de sus primeras entrevistas el grupo manifestó, en lo que parecía ser una broma, que el objetivo era recaudar dinero para una niña llamada Layla, nomre muy habitual en el Líbano. Según su página oficial de Facebook, Mashrou' Leila significa Proyecto Nocturno, y se llamaron así porque sus jam sessions solían durar toda la noche.



Con cuatro álbumes publicado hasta la fecha, Mashrou' Leila (2009), El Hal Romancy (20011), Raasük (2013) y Ibn El Leil (2015), el grupo se caracteriza por los temas de sus canciones y las letras satíricas, que reflejan las diversas facetas y los muchos defectos de la sociedad libanesa. También suelen reflejar desde un punto de vista crítico, los problemas de vivir en Beirut y suelen usar sin complejo alguno palabras malsonantes en sus canciones. Ya en su primer álbum se destaparon por el ingenio con el que trataban temas como el desamor, la guerra, la política, la seguridad, los crímenes políticos, el materialismo, la inmigración, y la homosexualiad, una fórmula que a día de hoy siguen explotando y por la que han sido vetados en países como Jordania, donde les vetaron y llegaron a cancelar dos conciertos durante 2016 debido a las presiones de los parlamentarios y clérigos ultraconservadores del país; Egipto, donde se produjeron numerosos arrestos después de que ondeara la bandera del colectivo LGTBI en una de sus actuaciones en 2017; e Incluso en su país, Líbano, donde se han encontrado con cancelaciones de conciertos suyos y se han encontrado con numerosas trabas por parte de ciertos sectores de la sociedad musulmana y también de la cristiana.

En definitiva, Mashrou' Leila, que actualmente está compuesto por Hamed Sinno, Haig Papazian, Carl Gerges y Firas Abu-Fakher, son un más que recomendable grupo que no te dejará indiferente. Como ellos mismos defienden, son simplemente cuatro hombres del Líbano de diferentes religiones a los que unió su amor por la música, y con sus canciones tratan abogan por la libertad de expresión y una sociedad abierta y tolerante frente a quienes quieren criminalizar a todos aquellos que no piensan como ellos.

martes, 4 de mayo de 2021

Un país, un artista: Japon - Babymetal

 



Permitirme salirme un poco de la línea de este blog, a muchos les extrañara que este grupo aparezca en un artículo, pero me he tomado la licencia ya que mi hija (15 años) me tiene un poco martilleado con este grupo y quería dedicarle un pequeño guiño, mas cuando no esta pasando por su mejor momento…. 15 años, brutal ehhh quien los pillara, yo le explico muchas veces que es una pena la época musical que esta viviendo, pero ha sabido adaptarse, y aunque su pasión principal es el Anime y el Manga, es un bicho raro musicalmente en su época, y a la vez ha sabido conjugar las nuevas tendencias con la música de verdad, te das cuenta cuando su profesora te cuenta que flipa cuando Sara habla en clase de Serrat, Michael Jackson o los mismos Queen, creo que tiene buen gusto musical pero no deja de ser un especimen del siglo XXI y para sobrevivir tiene que subirse a alguna ola, una de las que mas le gustan es BABYMETAL.


 

Os voy a hablar de un grupo fundado 2010 como uno de los subgrupos del grupo femenino de idols Sakura Gakuin creado por Amuse. Kobametal, el productor de la banda y entusiasta del heavy metal desde hace mucho tiempo, comenzó a planear el lanzamiento de un grupo para los jóvenes de hoy en dia y se materializo tras ver la actuación de Nakamoto Suzuka con su grupo anterior, Karen Girl's, pensando que ella era adecuada para ser la protagonista. vocalista del nuevo grupo. La banda se formó en 2010 en Tokio, Japón y el nombre de la banda es una combinación de "baby" y "heavy metal". La primera aparición en vivo de Babymetal fue el 28 de noviembre de 2010, en el primer concierto en solitario de Sakura Gakuin. En julio de 2011, Babymetal estrenó la canción, "Ijime, Dame, Zettai", y el primer sencillo de la banda, "Doki Doki Morning", apareció originalmente en el álbum debut de Sakura Gakuin, Sakura Gakuin 2010 Nendo: Message, lanzado el 27 de abril de 2011. El primer CD single de Babymetal fue una colaboración con la banda Kiba de Akiba, titulado "Babymetal / Kiba of Akiba". Lanzado en marzo de 2012 por Juonbu Records, el sencillo se ubicó en el número tres en la lista indie semanal de Oricon y en el número uno en la clasificación indie semanal de Tower Records Shibuya. En agosto de 2012, Babymetal debutó en el Summer Sonic Festival de Japón, convirtiéndose en el acto más joven en actuar en el festival, con una edad promedio de 12 años. El mismo año, Babymetal actuó fuera de Japón por primera vez en el Anime Festival Asia 2012 en Singapur.


 

El 9 de enero de 2013, la banda fue fichada por un sello discográfico importante con "Ijime, Dame, Zettai". Lanzado bajo el sello principal Toy's Factory y Juonbu Records, vendió 19,000 copias en su primera semana y debutó en el número seis en el Oricon Weekly Singles Chart. El 10 y 11 de agosto de 2013, Babymetal participó nuevamente en el Summer Sonic Festival, presentándose en Tokio y Osaka. Más tarde, en octubre, Babymetal también se convirtió en el artista más joven en actuar en el festival de música heavy metal Loud Park. El 26 de febrero de 2014, Babymetal lanzó su primer álbum homónimo. Contenía trece pistas y también estaba disponible en una edición limitada que incluía un DVD con videos musicales y secuencias en vivo. El álbum fue bien recibido por los críticos musicales y el público, vendiendo más de 37.000 copias en Japón en su primera semana, debutando en el número cuatro en la lista de álbumes semanales de Oricon y en el número dos en Billboard Japón. También encabezó las listas de iTunes Metal en Alemania, el Reino Unido y los Estados Unidos, y alcanzó el número 187 en la lista Billboard 200 de los EE. UU. Con este éxito presentaron la Babymetal World Tour 2014, que inicialmente se presentó en París y Cologne. El Sonisphere Festival del Reino Unido se agregó posteriormente a la gira, después de haber sido invitado formalmente a tocar luego de una exitosa campaña impulsada por fanáticos titulada "Babymetal For Sonisphere UK 2014" tocaron en Heavy Montréal 2014 en Canadá el 9 de agosto junto a Metallica y Slayer, y también actuaron en Summer Sonic 2014 en Japón en el Mountain Stage con bandas como Avenged Sevenfold y Megadeth. Babymetal también fue el acto de apertura de cinco de los conciertos de Lady Gaga en su gira ArtRave: The Artpop Ball 2014 en agosto a lo largo del oeste de Estados Unidos. Durante los espectáculos principales de la banda en el Yokohama Arena en diciembre de 2015, anunció un segundo álbum de estudio que se lanzará el 1 de abril de 2016, así como una gira mundial que comenzará en Londres en el Wembley Arena y concluirá en Japón con un debut en el Tokio. El 15 de enero de 2016, se reveló que el título del segundo álbum era Metal Resistance en el que encontramos diferencias con su álbum debut. Yuimetal afirma que "se desafiaron a sí mismos a muchos tipos nuevos y diferentes de géneros musicales, incluso más que antes". Otra diferencia es que hay más uso de letras positivas que nunca. La banda se aseguró de ofrecer una amplia variedad de estilos para atraer a un público más amplio e interpretó una canción completa en inglés. El 2 de abril, un día después del lanzamiento de Metal Resistance, Babymetal se convirtió en el primer grupo japonés en encabezar Wembley Arena, The Guardian le dio a su actuación en Wembley una calificación de cinco de cinco estrellas. Tal era el impacto que el 27 de julio, los lectores de Metal Hammer votaron el álbum debut de Babymetal como el mejor álbum del siglo XXI abriéndoles muchas puertas hasta el punto de que en diciembre de 2016, Babymetal fue banda de apoyo de los Red Hot Chili Peppers durante The Getaway World Tour en el Reino Unido. Durante su último show en la gira, el baterista de Red Hot Chili Peppers, Chad Smith, se unió a Babymetal en el escenario para interpretar sus versiones de "Painkiller" y "Breaking the Law" de Judas Priest. Después de la actuación, Smith agradeció a Babymetal por estar de gira con ellos y guió a la audiencia a cantar "Happy Birthday" con Su-metal.



El 1 de abril de 2019, Babymetal anunció, a través de Twitter, que lanzarían su tercer álbum más tarde ese año. El 10 de mayo de 2019, la banda lanzó el sencillo "Elevator Girl". El 29 de mayo de 2019, se anunció que Babymetal actuará en el Festival de Glastonbury en Inglaterra el 30 de junio, lo que los convierte en la primera banda japonesa en tocar en uno de los escenarios principales del festival. Babymetal también reveló planes para su primer concierto en la arena en los Estados Unidos en The Forum en Los Ángeles, CA, programado para el 11 de octubre de 2019. Esto se reveló más tarde para coincidir con el lanzamiento del tercer álbum de la banda, Metal Galaxy, con su canción destacada "Da Da Dance", que apareció en los" mejores álbumes nuevos de la semana "de NPR la semana de su lanzamiento.

 

Esta carrera merece al menos una pequeña atención y plantearte al menos escucharlo y mas cuando descubres que detrás de las 3 niñas hay una banda de música de gran prestigio y calidad, que tienen unos shows en vivo realmente espectaculares e incluso algún tema que suena realmente bien.

martes, 27 de abril de 2021

Un país, un artista: Italia - Franco Battiato

 Italia es un país donde la canción ha estado presente en toda su historia, pero nos vamos a detener en una de las personalidades más eclécticas y originales en la escena italiana en las últimas décadas, ha pasado por múltiples estilos musicales: inicios románticos, música experimental, vanguardia culta, ópera, música étnica, rock progresivo y música pop siempre logrando plasmar un gran éxito de público, construyendo una carrera inigualable, que también lo ha visto probar suerte en la dirección cinematográfica. 

Nacido el 23 de marzo de 1945 en la provincia de Catania, después de la muerte de su padre decide mudarse a Roma y posteriormente a Milán en 1965, donde publica dos singles para la revista de rompecabezas Nuova Enigmistica Tascabile, que incluía discos de canciones famosas interpretadas por cantantes poco conocidos, que hoy tienen un valor de colección muy alto. En estas dos ocasiones, el artista aparece con el nombre de Francesco Battiato.


Dos años después, en 1967, auspiciado por Giorgio Gaber se incorpora a la línea musical de "protesta" que estaba muy de moda en ese momento. El primer single que grabó oficialmente fue “La torre” seguido de “El mundo va así” y fue presentado en el Festival de San Remo en 1967. En 1968 cambió de compañía discográfica, se mudó a Philips y también abandonó el género de la protesta para grabar discos románticos más inmediatos y fáciles de usar. En 1969 participó con excelentes resultados en la Disco para el verano con la canción "Bella ragazza" (con él también estaba otra cantante destinada a hacerse famosa, Fiorella Mannoia). Será el encuentro con el músico de vanguardia Juri Camisasca para dar un primer giro brusco a su carrera. En 1970 colaboró ​​en uno de los pocos experimentos de rock psicodélico italiano con el grupo Osage Tribe, autor de un solo álbum del mismo nombre, pero legendario, cuya portada (que representa la cabeza de una muñeca con la boca sangrando) hizo historia. Desde 1971 se dedicó a la música experimental con un amplio uso de la electrónica con una serie de álbumes legendarios para el sello Bla-Bla: Fetus (1972), Pollution (1973), On las cuerdas de Aries (1973), Clic (1974) y M.elle le Gladiator (1975).  En 1976 se traslada a Ricordi y se dedica a la vanguardia culta con tres discos muy poco vendidos pero apreciados por la crítica: Battiato (1977), Juke Box (1978) y L'Egitto prima delle sabbie (1978). Con Zâ, un experimento con un solo acorde repetido en el piano, en 1977 ganó el premio Stockhausen de música contemporánea.


Con el paso a EMI en 1979 vuelve a la canción con ecos orientales sin ceder nunca al gusto imperante, y obtiene un extraordinario y merecido éxito de público en álbumes como La era del jabalí (1979 ), Patriots (1980), La voce del padrone (1981, las primeras 33 rpm italianas en superar el millón de copias vendidas), Noah's Ark (1982), Lost Horizons (1983), Mondi faranissimi (1985), Fisiognomica (1988), Giubbe rossa (1989, su primer disco en directo), Like a camel in a gutter (1992), Cafè de la Paix (1993) y El paraguas y la máquina de coser (1994), último disco de EMI, realizado sobre textos de la el filósofo Manlio Sgalambro, quien luego se convertirá en su colaborador más cercano.

 

Varias de sus canciones han entrado de lleno en la historia de la música, no solo la italiana: basta mencionar La era del jabalí, El rey del mundo, Up patriots to arms, Nevskji Prospect, White flag, Permanent center of gravity, Cuccuruccuccu, Radio Varsovia, quiero verte bailar, Los trenes de Tozeur (con el que en 1984 ocupó el quinto lugar en el Eurofestival emparejado con Alice), La temporada del amor, La Cura y muchas otras, incluida la famosa Patria Povera, una acusación muy dura contra poder político y poder en general. En su música hay una búsqueda profunda y constante de la espiritualidad: ser mencionado sobre todo Y vengo a buscarte, El océano del silencio y La sombra de la luz.

A partir de 1985, abrumado y quizás sorprendido por el colosal éxito que llegó de repente (no solo en Italia, sino también en España y en la mayor parte de Europa, mientras que en los países anglosajones no es tan apreciado) se dedicó a la implementación de numerosos proyectos ajenos a la música ligera, acogidos con interés. En 1985 fundó su propia editorial L'Ottava que, en colaboración con Longanesi, publica catorce libros de diversos autores, algunos de los cuales han sido reeditados por la editorial Neri Pozza. En 1989 también fundó un sello discográfico homónimo de su editorial, que publicará seis títulos de música étnica y música culta. También compone tres óperas, Génesis (1987), Gilgamesh (1992) y El caballero del intelecto (1994). Es el primer músico occidental en actuar en Irak, en 1992, bajo el régimen de Saddam Hussein (Concierto de Bagdad, lanzado en 2006 en DVD).


En 1994 comienza a colaborar con el filósofo Manlio Sgalambro y la discográfica Virgin en álbumes de gran éxito como L'amboscata (1996), Gommalacca (1998), Ferro battuto (2000) y Ten stratagemmi (2004). Las canciones de esta época son menos utilizables, quizás con un sonido más difícil para el gran público que, sin embargo, siguen sin abandonarlo, y con razón, partiendo de la extraordinaria La cura (declarada en 1996 mejor canción del año y en 2005 votada como mejor canción de amor de los 90), luego Strange days, Shock in my town, The dance of power, Running contra la corriente (cantada con Jim Kerr de la banda Simple Minds) Hermenutics y Between sex and chastity. Continuando con su investigación sonora en territorios del rock y la electrónica, el artista publicó Gommalacca, estrenada en otoño de 1998, que representa uno de los mayores éxitos del artista y, al mismo tiempo, uno de sus experimentos musicales más atrevidos. Con el fin del milenio, el artista vuelve a huir del formato de canción y por encargo del Teatro del Maggio Musicale Fiorentino graba para Sony los siete movimientos experimentales que componen el disco Magnetic Fields . La obra es un regreso momentáneo a las tendencias de vanguardia de principios de los setenta, ahora filtradas por el uso de la tecnología digital moderna. El disco se alterna con continuos flujos y muestreos electrónicos, ataques de percusión repentinos que dejan espacio para grabaciones líricas y de piano. No faltan las partes recitadas que tratan en particular de la ciencia empírica. 

En el otoño de 1999, el cantautor siciliano lanzó un nuevo álbum titulado Fleurs , totalmente apoyado solo por piano y cuarteto de cuerdas. Es un "álbum de portadas conceptual" compuesto (además de dos canciones inéditas) de otras diez canciones, la mayoría de las cuales datan de los años cincuenta y sesenta, todas arregladas para conjuntos de cámara. Repetiria en 2002 con Fleurs 3 y en 2008 con Fleurs 2 a pesar de no desearlo (si, Battiato decidió nombrar al segundo con el número 3 para evitar sacando discos de esta colección, pero no le sirvió de nada). La segunda década del siglo XXI, Battiato la dedico a la experimentación más agresiva con Open Sesamo y Grupo experimental de Joe Patti para cerrar en 2019 con un disco recopilatorio grabado con la Royal Philharmonic Orchestra de Londres.

martes, 13 de abril de 2021

Un país, un artista: Jamaica - Third World

 

Third World


     El país elegido en esta ocasión por todos nuestros seguidores fue Jamaica. Hablar de Jamaica es hablar de Reggae, un género musical que inunda todos los rincones de un país donde sus habitantes no conciben ya su vida diaria sin él. El reggae es un un género musical que se originó en Jamaica durante los años 60. Si hablamos de reggae en sentido estricto, es la música desarrollada entre 1969 y 1983, época en la que el bajo eléctrico cobró más importancia en el sonido y el movimiento Rasta (Movimiento espiritual jamaiquino influenciado por corrientes de pensamiento locales, de tipo filosófico y espirituales) fue cobrando cada vez más importancia tanto en el sonido como en las letras. Los sonidos que han acompañado desde la década de los 60 hasta ahora al país han ido desde el Ska, pasando por el Rocksteady y el Reggae hasta llegar al Dancehall.

Una vez elegido el país, en 7dias7notas teníamos la patata caliente, había que elegir un artista de dicho país. Podríamos haber escogido al que se convirtió en el máximo referente mundial del género, Bob Marley, o a sus Wailers, la banda formada por el mismo Marley, Peter Tosh y Bunny Wailer. Tabién podíamos haber escogido a pioneros del género, tales como Prince Buster, Desmond Dekker o Jackie Mittoo. Pero al final nos decantamos por una banda formada a principios de los 70 que se atrevió a fusionar el reggae en aquellos tiempos, algo que no fue muy bien visto por parte del sector más purista del género en aquella época. Con todos vosotros Third World, una formación que sigue a día de hoy en activo y que atesora en su extenso currículum más de 20 álbumes de estudio y cinco en directo. 



Third World
nace en Kingston, Jamaica, en 1973 de la mano del tecladista Michael "Ibo" Cooper, y el guitarrista y violonchelista Stephen "Cat" Coore, que había tocado originalmente en The Alley Cats y posteriormente en Inner Circle. Los dos músicos se juntan con el cantante también de Inner Circle, Milton "Prilly" Hamilton para formar su propia banda. Posteriormente reclutan al bajista Richard Daley, al baterista Carl Baroviery al percusionista Irvin "Carrot" Jarrett. Acababa de nacer una formación que todavía esta en activo a día de hoy, y donde Stephen "Cat" Coore y Richard Daley siempre se han mantenido en la banda, la cual ha sufrido a lo largo de su historia multitud de cambios de formación. 

El grupo graba algunas pistas con el reconocido músico, ingeniero de sonido y productor jamaiquino Geoffrey Chung, pero éstas no salen a la luz. La banda, en sus inicios se forja tocando en hoteles y clubes nocturnos de Kingston, llegando a apoyar junto a The Wailers a los mismísimos Jackson Five en el Estadio Nacional de Jamaica

Third World se va haciendo un nombre, siendo además un de las pocas bandas de la época completamente autónomas, pues tienen todo lo necesario para crear su propio sonido y no necesitan depender de ningún sistema de sonido para reproducir su música. Curiosamente este factor juega en su contra a la hora de conseguir un contrato discográfico, ya que la mayoría de los sellos discográficos funcionaban con sistemas de sonido a la hora de grabar. El grupo sabe que en Jamaica tiene difícil firmar por una discográfica, por lo que decide viajar a Inglaterra para realizar una gira.Y es allí donde se les presenta la oportunidad de fichar con Island Records, y no la desaprovechan. Island lanza el sencillo debut del grupo, Railroad Track, en 1974 y los envía a una gira por Europa como teloneros de Bob Marley & The Wailers

En 1976 Third World debuta con su primer álbum de estudio, de título homónimo, el cual contiene una versión del tema Satta Massagana, originalmente interpretado por The Abyssinians. El disco obtiene una buena acogida tanto del público como de la crítica. Su segundo disco, 96° In The Shade, confirma el crecimiento musical del grupo y obtiene un gran éxito en el Reino Unido y en Europa. Es con el lanzamiento de su tercer trabajo, Journey To Addis, con el que el grupo alcanza su mayor éxito comercial con la versión del tema de The O'Jays, Now That We Found Love. La canción se convierte en un éxito a ambos lados del atlántico, alcanzando el Top 10 en las listas del Reino Unido, y el top 10 también en las listas estadounidenses de R&B en 1979. 

El grupo, que se encuentra en el momento más álgido de su carrera, lanza en 1980 el álbum Rise In The Harmony, y la banda sonora de la película Prisoner in the Street. Después de estos lanzamientos, la banda acaba contrato con Island Records y ficha por CBS Records. Con dicha compañía debutan con el álbum Rock the World en 1981, consiguiendo otro éxito en las listas con el tema Dancing on the Floor (Hooked on Love). El grupo, que había conocido a Stevie Wonder en Jamaica en 1976, comparte escenario con él en el Reggae Sunsplash Festival de 1981, para realizar tributo al recientemente fallecido Bob Marley. En 1982 el mismo Stevie Wonder escribe y produce dos sencillos de su siguiente disco, You've Got the Power (1982), lo que le da una mayor repercusión en Estados Unidos a la banda. 

Durante la década de los 80, Third World sigue gozando de un notable éxito, fruto de sus siguientes trabajos, All the Way Strong (1983) y Sense of Purpose (1985). Pero su disco Hold on to Love (1987) no le fue tan bien, lo que hizo que el grupo separe su camino de la discográfica CBS y fiche por Mercury Records. su álbum debut con Mercury, Serious Business (1989), supuso volver a situar a la banda en un lugar de privilegio en las listas de R&B de Estados Unidos. Su siguiente disco, Committed (1992), con aires a dancehall, sería el último lanzado con Mercury, su siguiente trabajo, el directo Live It Up (1994), es lanzado por el propio sello discográfico de la banda. 



La formación, desde su fundación ha ido sufriendo cambios, y unos de los más notables quizás son la marcha en 1997 del miembro fundador Michael "Ibo" Cooper y de Willie Stewart, siendo sustituidos por el tecladista Michael "Baarbe" roman y el baterista Tony "Ruption" Williams. Cuatro años hay que esperar para disfrutar del siguiente trabajo de la formación, Generation Coming (1999), donde cuentan con la colaboración de artistas como Shaggy y Bounty Killer. En 2003 el grupo publica Ain't Givin 'Up, y celebra además su 25º aniversario tocando música regrabando sus clásicos. El grupo sigue muy activo con la publicación de numerosas grabaciones en vivo además de sus trabajos en estudio Black, Gold, Green (2006), Patriots (2011), Under The Magic Sun (2014) y More Work to Be Done (2019), y en todos ellos cuentan con numerosos artistas invitados, tanto consagrados como de la nueva hornada de estrellas emergentes. A lo largo de la larga trayectoria del grupo, ha sido nominado nueve veces a los premios Grammy, siendo la última nominación en 2019 con su último disco, More Work to Be Done

Third World es una banda que además de tocar reggae, ha sabido combinar y fusionar a lo largo e su extensa trayectoria, otros géneros como soul, R&B, folk-pop, hard rock, bossa nova, rap, light pop-jazz, doo-wop y calypso entre otros. Por todo esto, el estilo de la banda ha sido denominado como reggae fusión, algo que ha hecho que cierto sector proveniente del más purista del género, se sienta incómodo por las incorporaciones y fusiones de otros géneros al reggae. Al respecto, Bunny Rugs, componente del grupo, decía que el grupo "no era estrictamente una banda de Reggae, era definitivamente una banda de Reggae"; Stepehen "Cat" Coore defendía que "el híbrido y la mezcla de varios tipos de música era algo natural porque, al crecer en Jamaica, conocían las raíces directas del reggae y el ska, y al mismo tiempo vivían en un país donde se podía escuchar a Chuck Berry, Fats Domino y todos los demás artistas de R&B". En definitiva, Third world es una banda que a principios de la década de los 70 fue capaz de mirar al futuro y atreverse a evolucionar un estilo, el reggae, que al igual que tanto otros, han sufrido y sufrirán la inevitable evolución y modernización con el paso de tiempo.

Miembros actuales:

  • Stephen "Cat" Coore
  • Richard Daley
  • Tony "Ruption" Williams
  • Maurice Gregory
  • Norris "Noreiga" Webb
  • AJ Brown

Ex miembros:

  • Michael "Ibo" Cooper
  • Irvin "Carrot" Jarret
  • Carl Barovier
  • Milton "Prilly" Hamilton
  • Nunny Rugs
  • Willie Stewart
  • Rupert "Gipsy" Bent III
  • Leroy "Baarbe" Romans
  • Mikel Wallace
  • Herbie Harris
  • Robbe Lynn
  • Pablo Stewart

martes, 30 de marzo de 2021

Un país, un artista: Irlanda - Rory Gallagher

 

Rory Gallagher


    Cuando los que hacemos posible 7dias7notas nos enteramos del siguiente país elegido para reseñar al artista de turno, automáticamente todos clavaron la mirada en mí, sabían que sería yo el que se encargaría de la reseña, a no ser que no pudiera, tuviera un esguince en las dos muñecas de ambas manos que me impidieran escribir, o simplemente me encontrara desganado. Ninguna de las circunstancias se había producido, por lo que mi compañeros de andanzas sabían que la reseña de país de Irlanda era para mí, conocedores de la importancia que ha tenido dicho país para mi crecimiento musical. 

Ahora tenía que elegir el artista a reseñar, pues tenía varios candidatos, por un lado Phil Lynott, uno de los mejores compositores que el rock mundial ha dado, o su amada banda Thin Lizzy, los cuales fueron de los primeros en conseguir abrir fronteras y expandir la música irlandesa al resto del mundo. Por otro lado estaba el León de Belfast, Van Morrison, del cual poco podemos decir que no se haya dicho ya, y sus Them, el grupo con el que se dió a conocer y que junto a Thin Lizzy fueron los primeros que lograron expandir la música irlandesa a otros lugares. U2 eran otros de los candidatos, dignos herederos de todos los artistas anteriores, continuando con el legado de seguir expandiendo la música irlandesa por el mundo, alcanzando cotas increíbles. 



Después de darle no pocas vueltas, y de barajar los anteriores candidatos y algunos más, decidí elegir al artista que voy a desvelar a continuación, un artista autodidacta, dotado de un talento innato, capaz de tocar varios instrumentos con gran habilidad, cuyo instrumento fuerte era la guitarra, y todo un maestro en el arte del slide. Si tuviera que definirle con un adjetivo, sería la Humildad por encima de todos los demás, algo muy raro y escaso de ver cuando nos fijamos en artistas de primera línea. Sí amigos, el artista elegido para hablar de Irlanda no podía ser otro que Rory Gallagher. Rory fue un artista para el que siempre prevaleció la música y su público por encima de todo, jamás buscó ocupar las listas de éxitos, la calidad de su música y poder compartirla en vivo con su público estaba por encima de todo. Todo esto quizás ha hecho que  su nombre no suene tanto ni esté en las quinielas cuando se habla de los grandes guitarristas de la historia, pero puedo asegurar que Rory forma parte de ese selecto grupo por derecho propio.

Rory Gallagher nace en Ballyshannon, Irlanda, el 2 de marzo de 1948. Su padre, trabaja para la Junta de Suministro de Electricidad de Irlanda, hecho que hace que cambien a menudo de residencia por motivos de su trabajo. Un año después la familia se muda a la ciudad de Derry, lugar donde nace el hermano de Rory, Dónal. Poco después, la madre de Rory y Dónal se acabará instalando junto a los dos niños en la localidad de Cork, donde Rory acabará viviendo gran parte de su vida. La madre de Rory, Monica, era cantante y llegó a actuar con un grupo llamado The Abbey Players en el Teatro de Ballyshannon, el cual ahora se llama Teatro Rory Gallagher

Los padres de Rory siempre animaron tanto a él como a su hermano a dedicarse a la música. Dónal llegó a tocar el acordeón y cantar con la Tír Chonaill Céilí Band en Donegal, y Rory se decantó por la guitarra, tocando primero el ukelele para perfeccionar su técnica para tocar la guitarra y actuando en pequeñas funciones. La primera guitarra que Rory tiene es la que le regalan sus padres cuando tiene 9 años, aprende a tocarla de forma completamente autodidacta. Más tarde empezará a dominar también con gran habilidad la armónica, el saxofón alto, el banjo, el sitar, la mandolina y el dobro entre otros. 



A los 12 años participa en un concurso de talentos y lo gana, y tres años más tarde compra su primera guitarra eléctrica, una Fender Stratocaster que se convertirá en su gran acompañante durante toda su carrera musical. La guitarra fue comprada de segunda mano con la ayuda de sus padres, según Rory, era una de las primeras Fender Stratocaster que circulaban por el país irlandés, y su precio no fue barato, pero él tranquilizaba a su madre diciéndole que no se preocupara por el dinero, pues con esa guitarra podía hacer las funciones de guitarra solista y guitarra rítmica a la vez, y así no tenía que tener un segundo guitarrista, por lo que ganaría más dinero y amortizaría la guitarra más rápido. Es durante ésta época cuando empieza a experimentar con el blues, el folk y el rock, y como no tiene dinero para comprar discos, se queda despierto hasta altas horas de la nohe escuchando las emisoras de radio Radio Luxembourg y AFN, donde descubre artistas que se convertirán en grande influencias para él, como Lonnie Donegan, uno de los maestros del Skiffle, género con influencias de jazz, blues y música folclórica estadounidense, Eddie Cochran, Buddy Holly y Muddy Waters entre otros. 

Con 15 años debuta como profesional en una formación llamada Fontana, banda que deja en 1966 para crear el power trío The Taste, que después de algún que otro cambio terminará desembocando en Taste, formado por él a la guitarra y voz, Richard "Charlie" McCracken al bajo y John Wilson a la batería. Con este magnífico power trío, y a pesar de su corta vida, acabará marcando una época, llegando a tocar en el mítico Festival de la Isla de Wight en 1970, donde comparte cartel gente de la talla de Jimi Hendrix, Leonard Cohen, The Who, Emerson, Lake & Palmer, The Moody Blues o Sly Stone ente otros. En su etapa en Taste aprenderá muhísimo del negocio, pues tras acabar harto de dar conciertos sin parar y hacer giras usando unos viejos equipos de sonido, casi nunca tiene dinero en el bolsillo mientras ve como otros se están forrando a su costa. Es precisamente después de ese festival, en 1970, con dos magníficos discos de estudio a sus espaldas con la discográfica Polydor, Taste (1969) y On the Boards (1970), cuando el mánager de la banda y los otros dos miembros quieren dar una dirección diferente al grupo, pero Rory se niega y decide disolver el grupo e iniciar así su carrera en solitario. En 1971 Polydor publica dos directos de la formación, Live Taste y Live at the Isle of Wight, y en 1974 la discográfica Emerald publica un disco no autorizado titulado In the Beginning, bajo el apodo Taste and Rory Gallagher.

Tras desmantelar Taste, Rory ficha al bajista Gerry McAvoy, quien le acompañará prácticamente durante toda su carrera, y al baterista Wilgar Campbell, ambos del grupo Deep Joy, a quienes Rory había conocido durante su etapa en Taste. Rory inicia a partir de aquí una carrera en solitario repleta de discos de gran calidad, donde para él siempre prevalecerá la calidad  de su música y poder ofrecérsela a su público en directo, sin importarle las listas de éxitos. De hecho siempre que la discográfica de turno o alguien le alienta a sacar algún tema de éxito para vender más discos, él siempre se negará, la calidad debía primar ante todo. La mayoría de sus discos serán grabados bajo la fórmula del power trío, si bien en algunos añadirá también un tecladista.

rory Gallagher & Gerry McAvoy

En 1971 Rory debuta en solitario con la discográfica que le viene acompañando desde su inicios en Taste, Polydor, y en mayo de 1971 publica su disco debut titulado Rory Gallagher. En noviembre de 1971 publica su segundo trabajo, Deuce. Como podemos comprobar, hasta principios de la década de los 80, la actividad de Roy será frenética, con la publicación de hasta dos discos por año y la celebración de multitud de giras y conciertos, la gran pasión de Rory, ofrecer y disfrutar de su música con el público en directo. En febrero de 1973 publica Blueprint, y en noviembre de 1973 Tattoo, quizás su opera prima, aunque esto es difícil de afirmar si uno ha escuchado toda la discografía de Rory. Después de Tattoo, Polydor publicará el indispensable directo Irish Tour '74, publicado en julio de 1974, y que recoge toda la magia desplegada por el guitarrista durante una gira realizada en enero de 1974 por tierras irlandesas, recogiendo actuaciones en Dublín, Belfast y su Cork natal. Como comentamos anteriormente, Rory ha aprendido muchísimo del negocio, y ejecutará una jugada maestra que le permitirá seguir haciendo lo que más desea en el mundo, música de calidad. En 1975 Rory es ya toda una estrella, lo que le permite firmar un contrato con la compañía Chrysalis Records, y aquí es donde hace una cosa muy interesante al negociar el contrato con la potente compañía, renuncia a una considerable parte de sus emolumentos acambio de tener el control total de sus temas y discos, siendo él quien tenga siempre la última palabra sobre el material que se editará y saldrá a la luz. 


Con un buen contrato con una discográfica potente, y más aún, con la tranquilidad de hacer y deshacer a su gusto, Rory sigue regalando al personal discazos, Against The Grain, publicado en octubre de 1975, y Calling Card, publicado en octubre de 1976. Al año siguiente, 1977, Rory, aprovechando su creciente popularidad en Estados Unidos, decide irse a grabar a la ciudad de San Francisco bajo la dirección del productor Elliot Mazer. Una vez finalizado el proceso de grabación, durante el cual ya habían surgido fricciones entre el guitarrista irlandés y el productor, y una vez mezclado el que sería su nuevo trabajo, Rory muestra su disconformidad con el resultado final, llegando a discutir con el productor, Elliot. Tanto el productor como la dicográfica Chrysalis, quieren publicar el material, pero Rory guarda un as en la manga, es él quien tiene la última palabra sobre el producto, pues tiene el control total de su música. Fruto de ello ha perdido una considerable cantidad de dinero, pero sabe que así nadie podrá adulterar su música. En el más que recomendable documental sobre el guitarrista, Rory Gallagher: Ghost Blues - The Story of rory Gallagher, su hermano Dónal, quien es su mánager y gerente, habla sobre este episodio, cuando Rory le comunica que no va a publicar ese material, y teniendo en cuenta que apenas queda tempo para cumplir con los plazos con la discográfica Chrysalis, el grado de estrés para Dónal en ese momento es brutal. Las grabaciones de San Francisco las guarda en un cajón Rory, y parte de ellas verán la luz en el año 2011 bajo el título Notes from San Francisco.

Nos encontramos en un punto en el que Rory ha decidido no publicar el trabajo hecho, y quien no está muy contenta es su discográfica, Chrysalis, pues apenas queda tiempo y Rory tiene que presentar un disco nuevo. Rory, lejos de ponerse nervioso toma una decisión, despide a toda la banda que viene acompañándole durante lo últimos cinco años, menos a su inseparable bajista, Gerry McAvoy, y ficha al baterista Ted McKenna, volviendo a la típica formación power trío que tanto le gusta. Con esta formación se marcha a los Dierks Studios de Colonia, Alemania, para trabajar con Dietr Dierks, productor de varios discos de Scorpions entre otros, y en un mes graba Photo Phinish, otro gran trabajo, consiguiendo cumplir con los plazos con la discográfica.



En septiembre de 1979 publica Top Priority, y tras dos años de extensas giras por Estados Unidos y Europa, publica en mayo de 1982 Jinx. La gira de presentación de éste disco fue la más extensa y exitosa del artista, llenando durane cuatro meses consecutivos lugares emblemáticos de Estados Unidos como el Madison Square Garden de Nueva York, el Rosemont Horizon de Chicago o el Spectrum de Filadelfia. Habría que esperar cinco años para disfrutar de su siguiente trabjo, Defender, publicado en julio de 1987. Este disco fue lanzado bajo el propio sello discográfico del artista, Capo Records junto al sello discográfico Demons Records. Tres años después, concretamente en mayo de 1990, Rory publicara con su sello, Capo Records, Fresh Evidence, que se convertirá en el último disco de estudio grabado por el artista. 

Durante su carrera musical, Rory había desarrollado una grave aerofobia, miedo a volar, y para superarla le había sido prescrito un fuerte sedante para ayudarle a superarla y así poder volar. El habitual consumo de este medicamento, mezclado con el habitual consumo de alcohol por parte del guitarrista generó graves daños en su hígado, el cual dijo basta en enero de 1995 mientras se encontraba de gira por los Países Bajos. La gira tuvo que ser cancelada. En marzo de 1995 Roy fue ingresado en el hospital King's College de Londres, donde se determinó que ante su grave estado de salud, la única forma de salvarle era practicarle un trasplante de hígado. El 14 de junio de 1995, y después de pasar trece semanas en cuidados intensivos tras serle practicado un trasplante de hígado, Rory Gallagher fallecía por complicaciones debidas a una infección. se marchaba uno de los mejores guitarristas de la historia, dejando su legado e influencia en gran infinidad de artistas. The Edge (U2), Slash, Johnny Marr (The Smiths), Janick Gers (Iron maiden), Glenn Tipton (Judas Priest), Vivian Campbell, Gary Moore, Joe Bonamassa y Brian May, entre otros tantos, han citado a Rory Gallagher como una fuente de inspiración durante sus años de formación musical. 

No se me ocurre mejor manera de despedir este especial dedicado a Rory Gallagher que hacerlo con la afirmación que de él hizo el mismísimo Jimi Hendrix cuando se le preguntó como se sentía al ser el mejor guitarrista del mundo, Jimi simplemente contestó: "No sé, pregúntale a Rory Gallagher", aunque hay quien dice que esto es una leyenda urbana. Lo que está claro es que Rory se ganó por derecho propio el respeto y un lugar entre los más grandes dominadores de las seis cuerdas.

Esquina Rory Gallagher (Dublín)

martes, 23 de marzo de 2021

Un país, un artista: India - Ravi Shankar

 

Ravi Shankar


     Si hablamos del país de la India y su música, inevitablemente no viene a la cabeza el sitar, un instrumento de cuerda tradicional de India y Pakistán, originario del país de la India, cuyo concepto es semejante al de la guitarra, el laúd o el banjo pero con el mástil más grande, y que se caracteriza por su sonido metalizado y sus glisandos (efecto sonoro que consiste en pasar rápidamente de un sonido hasta otro más agudo o más grave haciendo que se escuchen todos los sonidos intermedios posibles). Y no podíamos dejar pasar la oportunidad de hablar de uno de los músicos más virtuosos de la India y del mundo con dicho instrumento, Ravi Shankar.

Discípulo de Allauddin Khan, fundador del Mahiar gharana de música india clásica, Pandit Ravi Shankar (Pandit = Maestro) es probablemente el instrumentista de la India mundialmente más famoso y reconocido, tanto por sus actuaciones por todo el mundo como su papel pionero en la importación de la música clásica tradicional del dicho país en el mundo occidental, que se vieron favorecidas por sus asociación con el famoso violinista y director de orquesta Yehudi Menuhin y con George Harrison de los Beatles. Shankar tiene el honor de haber recibido el honor civil más alto de la India, el Bharat Ratna, en 1999, y de poseer el Record Guinnes a la carrera internacional más larga, la cual abarca más de seis décadas. También es conocido por ser el padre de la cantante estadounidense Norah Jones y de la sitarista y directora de orquesta inglesa Anoushka Shankar.

Ravi nació en 1920 en Benarés, Raj británico,  en el seno de una familia hindúes brahmanes bengalíes en la India, y pasó su infancia y juventud como bailarín recorriendo India y Europa con el grupo de baile de su hermano Uday Shankar. En 1938, cuando Ravi regresó de girar por Europa, sus padres habían muerto, y viajar por occidente se había vuelto peligroso debido a los conflictos políticos que desembocarían en la Segunda Guerra Mundial. Debido a esto, decide dejar el baile para centrarse en estudiar interpretación del sitar con el músico de la corte Allauddin Khan, uno de los profesores más notables del siglo XX dentro de la música clásica india. 

Ravi shankar & George Harrison

En 1944, al finalizar sus estudios se trasladó a Mumbai y se unió a la Asociación de Teatro del Pueblo Indio, para quien compuso música para ballets en 1945 y 1946. a los 25 años ya había compuesto la música de la famosa canción popular Sare Jahan Se Achcha. Comenzó a grabar música con la casa de grabción india HMV y trabajó como director musical de All India Radio de Nueva Delhi, la emisora de radio pública nacional del país, de 1949 a 1956. En ese periodo fundó la Indian National Orchestra y compuso para ella, composiciones donde combinaba la música india clásica con la música clásica occidental. A mediados de la década de los años 50 compuso la música para la Trilogía de Apu de Satyajit Ray, cuya trilógía de películas y director llegaron a ser reconocidos internacionalmente. También fue director musical de varias películas en hindi, uno de los idiomas oficiales de la India. 

Ravi Shankar conoció al violinista Yehudi Menuhin durante una visita de este al país de la India en 1952. en 1954 Shankar actuó en la Unión Soviética como parte de una delegación cultural de la India. a raíz de aquella actuación Menuhin invitó a Shankar a actuar en la ciudad de Nueva York para una demostración de música clásica india, patrocinada por la Fundación Ford. En 1956 realizó una gira por el Reino Unido, alemania y Estados Unidos, y grabó su primer álbum de larga duración, Three Ragas. En 1958 participó en las celebraciones del décimo aniversario de las Naciones Unidas y de la UNESCO en París. En 1961 realizó una gira por Europa, Estados Unidos y Australia, y se convirtió en el primer artista de la India en componer música para películas fuera del país. En 1962 fundó la Escuela de Música Kinnara en Mumbai.




Ravi shankar & Paco de Lucía
Durante su primera gira por Estados Unidos, Shankar hizo amistad con Richard Bock, fundador de World Pacific Records, compañía con la que Shankar grabó la mayoría de sus álbumes entre las décadas de los 50 y 60. En aquellos mismos estudios grababa el grupo The Byrds, que al escuchar la música de Shankar quedaron prendados y decidieron incorporar elementos de su música en sus grabaciones. Roger McGuinn y David Crosby, de The Byrds, se habían convertido en grades admiradores de la música de Shankar y se lo presentaron a George Harrison. Harrison ya se había empezado a interesar por la música clásica india, comprando un sitar y usándolo para grabar la canción Norwegian Wood (This Bird Has Flyn) en 1965. En 1968 Harrison se marchó a la India para recibir lecciones de Shankar. De aquella visita de Harrison a la India se filmaron imágenes de las que se editó posteriormente un documental. Todo esto llevó a que otros músicos empezaran a interesarse por la música india y popularizó el crecimiento del raga rock, música pop y rock influenciada por la música india. Además de The Byrds y George Harrison, otros artistas empiezan a usar el sitar en algunas de sus canciones, como The Rolling Stones, The Animals, e incluso hasta músicos de blues como Michael Bloomfield. En 1967 Shankar fue invitado a tocar en el Festival Pop de Monterrey, y su actuación fue muy bien recibida por el público. Si bien acabó encantado por tocar al lado de tantos artistas de rock, declaró sentirse horrorizado al ver a un joven Jimi Hendrix prendiendo fuego a su guitarra eléctrica, pues en la cultura de su país tenían un gran respeto por los instrumentos musicales, a los que consderaban como parte de Dios. 

Shankar también fue invitado a tocar en el mítico festival de Woodstock en 1969, y fue allí donde descubrió que no le gustaba lo que aquello movía, por lo que decidió distanciarse del movimiento hippie y la cultura de las drogas. En 1974 el músico hindú participó abriendo lo conciertos de la gira que George Harrison celebró en Estados Unidos. Durante las siguientes décadas, Shankar siguió teniendo una gran actividad, componiendo música, dando conciertos y realizando actuaciones como invitado, como por ejemplo la invitación a finales de la década de los 70 de Orquesta Sinfónica de Londres para que compusiera un concierto con sitar; la invitación por parte de John Gardner Ford, hijo del presidente estadounidense Gerald Ford, para que visitara la Casa Blanca; el lanzamiento de su segundo concierto en 1981, Raga Mala, dirigido nada menos que por Zubin Mehta; o su nominación a un premio de la Academia de los Oscar por su trabajo en la banda sonora original de la película Gandhi de 1982.

Durante la segunda parte de la década de los 90 siguió teniendo gran actividad musical, celebrando entre 25 y 40 conciertos anuales. En 1997 actuó con su hija Anoushka Shankar para la BBC en el Symphony Hall de Birmingham. En 1998 recibió el Polar Music Prize, concedido por la Real Academia de suecia de Música, y en 1999 ganó el premio Bharat Ratna, el honor civil más alto que se puede recibir en la India. En la década de los 2000 ganó un premio Grammy al Mejor Álbum de Músicas del Mundo por su disco Full Circle: Carnegie Hall 2000. Tras la muerte de George Harrison en 2001, actuó en el concierto en su honor celebrado en el Royal Albert Hall de Londres en 2002. 

Shankar, durante su carrera musical, que abarca más de seis décadas, desarrolló un estilo propio y distinto al de sus contemporáneos, incorporando influencias de la música carnática, uno de los subgéneros principales de la música clásica india. Ha sido considerado uno de los mejores intérpretes de sitar de la segunda mitad del siglo XX, y ayudó enormemente a que tanto dicho instrumento como su música se conociera y extendiera por todo el mundo, realizando infinidad de conciertos en solitario y colaboraciones con grandes Orquestas, filarmónicas, músicos y artistas tan grandes y diferentes como George Harrison, Yehudi Menuhin o Paco de Lucía entre otros tantos, llegando a influir incluso en la música rock. Vaya nuestro reconocimiento a un gran artista que ayudó al reconocimento mundial de la musica de la India y del instrumento del sitar, y que en diciembre de 2012 nos dejaba a la edad de 92 años. 

Ravi Shankar & Anoushka Shankar

martes, 16 de marzo de 2021

Un país, un artista: Haití - Emeline Michel




Las condiciones actuales de Haití en el mundo no son ideales, una tierra sacudida por múltiples catástrofes, tanto naturales y humanas, donde su población es golpeada una y otra vez, pero aún tiene energías, ganas y valor de poner la música en el foco y regalarnos su música. La encargada en esta ocasión es la llamada "Joni Mitchell de Haití", Emeline Michel que se ha convertido en la reina de la canción haitiana. Sus canciones fusionan a la perfección los ritmos de su nativa Haití con jazz, pop, bossa nova y samba. Añadamos a esa mezcla que nos encontramos ante una intérprete cautivadora, una excepcional bailarina, además de componer y producir su música. Emeline se basa en las raíces y la historia de Haití de muchas maneras. Los ritmos entrelazados del manman tanbou, boula y katabou (tambores haitianos) proporcionan la base para letras originales salpicadas de proverbios haitianos y mensajes positivos.

 

Nacida en 1966 en Gonaives, una ciudad en el norte de Haití, al igual que muchos cantantes antes de su consagración, Emeline Michel solía cantar en el coro de la iglesia de su tío en Gonaives. Tras el golpe de 1986 y la posterior salida del país del dictador represivo Jean-Claude Duvalier, Haití fue testigo de una explosión de producción creativa, particularmente en forma de música tradicional haitiana. Durante este tiempo, Michel se inspiró en artistas pioneros como Boukman Eksperyans, un grupo nominado al Grammy cuyo estilo, conocido como mizik rasin (o “música de raíces”), combina instrumentos vudú con rock n 'roll. En ese momento dejó su ciudad natal para continuar su educación secundaria en Puerto Príncipe, casi inmediatamente después de mudarse a la capital, Emeline Michel fue descubierta y en un par de meses lanzó su primer sencillo, Akai Kao; las melodías pegadizas de la canción la convirtieron en un éxito internacional instantáneo mientras aún estaba en la escuela secundaria. Después de terminar la escuela secundaria, Emeline recibió una beca para estudiar música en el Detroit Jazz Center en los Estados Unidos al ganar un concurso de talentos. Recibió su licenciatura en estudios musicales, luego regresó a Haití como músico profesional y se estableció como una de las mejores artistas de Haití, recorriendo gran parte del Caribe.


Emeline sigue siendo una de las pocas mujeres líderes en la música caribeña. "Al vivir fuera de tu propio país, sientes que has defraudado a tu país, especialmente mientras el país se hunde políticamente. Llevas tanto amor y tantas cosas hermosas de tu país que quieres publicar en el mundo, Todo el mundo sabe que Haití está en problemas", dice. "¡A veces siento que debería estar allí ayudando! Este álbum es mi manera de estar allí. Es mi oportunidad de mostrar un lado positivo de la cultura haitiana". Y es que Emeline ha vivido en Francia y Canadá, aunque actualmente reside en Nueva York, ha realizado giras por los cinco continentes (incluidas apariciones en New Carnegie Hall de York, Naciones Unidas, Ontario Festival Luminato, Festival Internacional de Jazz de Montreal, Festival de Jazz de Nueva Orleans, Diez días en Tasmania Island, Festival Internacional de Arte de Harare e Zimbabwe), y se ha convertido en una de las artistas haitianas más vendidas en todo el mundo. Michel ha utilizado su reconocimiento internacional para llamar la atención sobre problemas sociales como la pobreza, el abuso doméstico y los abusos de los derechos de las mujeres dentro y fuera de su Haití natal. Estos temas aparecen en canciones como "Viejo", la inquietante historia de dos trabajadores de la caña de azúcar haitianos que viven en la República Dominicana, y "Djonnie", una canción que aborda directamente a las víctimas de abuso doméstico con líneas como "Lanmou se lonè, se respè ”: el amor es honor, respeto. Como cantante y activista, Michel ha actuado en el teletón “Hope for Haiti Now: A Global Benefit for Earthquake Relief” de las Naciones Unidas y MTV, y ha hablado en paneles como “Voices from Haití: Artists as Activists” de Brooklyn College. Continúa inspirando a las nuevas generaciones de músicos de la diáspora haitiana y haitiana, así como a artistas y oyentes de todo el mundo.


La discografía de Emeline es bastante amplia, pronto lanzó su primer álbum Douvanjou ka leve (Puede que amanezca) que incluía el éxito "Plezi Mize" (museo de la diversion) escrito por Beethova Obas. Al que le siguió Flanm Cobalt (Llama de cobalto). Pa Gen Manti Nan Sa (No hay mentira en eso) donde destaca “akiko”, uno de los primeros éxitos de Michel en forma de pop caribeño. Temas como "Tankou melodi" (Como melodias) y "Flanm" (Fuego) donde encontramos ritmos muy pegadizos, la establecieron como una de las mejores artistas en Haití y las Antillas francesas (las islas cercanas de Martinica y Guadalupe) y pronto fue aclamada como la "nueva diosa de la música criolla”. En el álbum Rasin Kreyol, encontramos una música arraigada, espiritual, cadenciosa y con la percusión katabou de Haití a destacar los temas “Beni-yo”, otra joya en un ritmo y ritmo similar; “La Karidad”, hermosa melodía y el más dulce de los acompañamientos instrumentales. O la espléndida “Vente signature” de su último disco de estudio Quintessence (Quinta esencia).


martes, 9 de marzo de 2021

Un país, un artista: Granada - Mighty Sparrow

 

Mighty Sparrow

     El calipso o calypso es un género musical que se originó entre principios y mediados del siglo XIX en Trinidad y Tobago y que se hizo muy popular también en las Antillas, en las islas de San Andrés y Providencia, colombia, Panamá, Venezuela y gran parte de la costa caribeña centroamericana. La lengua de interpretación del calipso puede ser tanto el ingles como el francés, y en los países donde se habla mayoritariamente español, sus letras también incluyen letras en este idioma. La peculiaridad de este género es la utilización como instrumento principal de tambores metálicos fabricados a partir de barriles de petróleo reciclados, llamados Steel drums o tambores metálicos de trinidad

Slinger Francisco, más conocido como Mighty Sparrow, es un compositor, vocalista y guitarrista de calipso, conocido por el apodo de "Calipso King of the World" (Rey de calipso del mundo), un apodo que se ha ganado por ser unos de los músicos de calipso más conocidos y exitosos del mundo. De hecho se ha alzado con dos de los galardones de música calipso más importante del mundo varias veces, el Trinidad's Carnival Road March ocho veces y el Calypso King/Monarch otras ocho veces.

Mighty Sparrow nace el 9 de julio de 1935 en un pueblo pesquero de la isla caribeña de Granada llamado Grand Roy. Con un año de edad se muda con su madre a Trinidad y Tobago, donde se uniría su padre un año después, en 1937. Mighty crece y se cría en Puerto España, donde empieza cantar ya desde pequeño y se une al coro de la Newton Boys Catholic School. Con 14 años se une a un grupo de Steelpan (banda de acero, como se conocen a las bandas cuyo instrumento musical son los tambores metálicos ) de su barrio con la que actúa en los carnavales. 

En sus comienzos musicales es apodado Little Sparrow por sus enérgicas actuaciones teatrales, normalmente los cantantes de las bandas de calipso solían permanecer firmes cuando cantaban, y Sparrow cuando cantaba se emocionaba y se movía como el mismo dice, como James Brown, por lo que los cantantes veteranos le solían decir que se dedicara a cantar en vez de moverse como un gorrión pequeño (little sparrow). Pasados un par de años se cambiara el apodo por Mighty Sparrow. Al salir de la escuela alterna su trabajo para la Junta de Control del Gobierno con sus actuaciones cantando calipso, convirtiéndose en una estrella local gracias a sus actuaciones en el famoso Lotus Club



Su primera actuación como cantante de carnaval llega en 1954 con "The Parrot and the Monkey", y en 1955 realiza sus primeras grabaciones, las cuales son incluidas más tarde en un recopilatorio llamado Royalties Calypo Kyngdom. Entre 1955 y 1956 realiza también numerosas grabaciones para los sellos discográficos GEMS y Veejay Special. En 1956 se alza con sus primeros galardones de los carnavales Road March y Calypso King de Trinidad con la interpretación de su tema más famoso, Jean and Dinah. Sin embargo, su premio por ganar, $ 40, comparado con los $ 7.500 que obtiene la ganadora del concurso de belleza del llamado Carnival Queen, hace que Mighty escriba a modo de protesta la canción Carnival Boycott y organice y lidere todo un boicot, siendo seguido por la mitad de los cantantes de calipso. Mighty se niega a participar de forma oficial durante los tres siguientes años a modo de protesta, haciéndolo de forma no oficial. Gracias a esto se consiguen considerables mejoras para los musicos de calipso y las Steelpan, creándose además un Comité de Dearrollo del Carnaval.

Es en 1959 cuando Migthy consigue un contrato discográfico con RCA Records y graba con el sello discográfico entre 1960 y 1964 nada menos que once álbumes. Durante la década de los 50 Mighty había tenido algo de popularidad en otras partes del mundo, como Inglaterra o Estados Unidos. Entre la década de los 60 y 70 graba más de cuarenta álbumes, y sus mayores éxitos internacionales llegarán durante la década de los 70.

Pero Mighty no es ajeno al cambio que se está produciedo afinales de la década de los 70 y principios de los 80, cuando la música soca empiezar a ganar en popularidad en Trinidad al calipso. La soca es un género muical que se nutre y entremezcla la música calipso, ritmos africanos y tembién rtimos de las Indias Occidentales. Mighty se adentra en la soca y además empieza fusionar calipso, soul y chutney, un género musical indo-caribeño que se desarrolló al sur del caribe y que goza de gran popularidad en Trinidad y Tobago, Guyana, Surinam, Jamaica, Fiji, Islas Maurcio y Sudáfrica.

Las letras de las canciones de Mighty son conocidas por ser ingeniosas, irónicas y obscenas, si bien también suele tocar temáticas sociales y políticos, no en vano, uno de sus mayores éxitos internacionales, Dead or Alive (1979), abordaba la tiranía de gobernantes como el Sha de Irán Idi Amin, y otros líderes de la época. 

Mighty Sparrow es sin duda uno de los mayores artistas del país de Granada, con una carrera que abarca más de 60 años popularizando el calipso y la soca además de tocar otros géneros musicales. Una carrera que a día de hoy, y a sus 86 años todavía continúa, y fruto de ello fue la publicación de su álbum Fyaah and Fury en 2018.

jueves, 4 de marzo de 2021

Un país, un artista: Francia - Phoenix

 

El cuarteto francés, Phoenix se ha ganado un espacio muy importante dentro de la escena alternativa mundial. Vamos a hablar de sus primeros cuatro albums de estudio, donde encotnramos un sonido elegante y bailable a la vez, la banda envuelve a los melómanos de todo el mundo en una fantasía pop, con melodías electrónicas. Los guitarristas Laurent Brancowitz y Christian Malazzai, el bajista Deck D’Arcy y el vocalista Thomas Mars componen Phoenix. La banda se formó en 1999 en el barrio parisino de Versalles, dentro del mismo movimiento que vio nacer a Air y Daft Punk a finales de los 90, con el tiempo, y cada uno en su estilo, estos tres nombres han ido conformado la Santísima Trinidad de la música francesa de los últimos quince años. La relación entre Phoenix y Daft Punk son muy cercanas ya que Laurent Brancowitz, guitarrista de Phoenix, tuvo un grupo con Guy-Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter , llamado Darlin. La relación entre estas dos grandes bandas es tan estrecha que durante una presentación de Phoenix en el Madison Square Garden en 2010, Daft Punk hizo su aparición en el escenario haciendo un mash up entre algunos de sus éxitos y la canción 1901 de Phoenix. 

 

Phoenix empezó haciendo un remix del sencillo "Kelly Watch the Stars" de Air. Se volvieron rápidamente un éxito "underground" gracias al sonido loungy/mellow y sin pretensiones que implementaron en su álbum del 2000 United. Potentes líneas de bajo, elegantes guitarras rítmicas y teclados que, junto a la personal voz de Thomas Mars deslizándose entre los instrumentos, convencían a la primera escucha. La aparición del tema “Too Young” en la película Lost in Translation, (En 2011, el vocalista de Phoenix, Thomas Mars, se casó con la prestigiosa directora de cine Sofia Coppola) contribuyó a propulsar su álbum debut con la suficiente fuerza para lograr un contrato para un segundo disco en 2004. De título "Alphabetical", el álbum trajo a la banda un éxito comercial moderado, con sencillos como "Everything Is Everything" y "Run Run Run" en buenas posiciones en las listas de popularidad. Para presentar "Alphabetical", Phoenix se embarcaron en una larga gira mundial, que quedó plasmada en el álbum "Live! Thirty Days Ago".

“It's Never Been Like That” (2006) constituyó la tercera entrega de estudio de los parisinos, un trabajo autoproducido con el que Mars y compañía se acercaron a sonidos más directos y contundentes, logrando con ello el aplauso de la crítica. Al disco siguió de nuevo una gira masiva a lo largo de Estados Unidos y Europa. La música y la moda convergen en este disco ya que en esta ocasión con el exitoso diseñador de Dior, Hedi Slimane, diseño la portada del álbum «Alphabetical» y utilizó la canción «Victim of crime» para mostrar una de sus colecciones para la casa de moda.


La banda celebró sus diez años de trayectoria con la edición de “Wolfgang Amadeus Phoenix” (2009), cuarto disco de estudio en el que contaron con la acertada producción de Philippe Zdar (Cassius). Con esta nueva obra llegan de nuevo las melodías inspiradas y los ritmos bailables que recuerdan a las grandes canciones incluidas en su ópera prima “United”. Con motivo de gira la banda estrenó un documental de 52 minutos, dirigido por Antoine Wagner, (quien dirigió también el video de «Lisztomania») llamado From the mess to the masses, en el que se narra la historia de la banda y su ascenso al éxito. En el documental se ven imágenes que Wagner capturó durante más de un año de gira en la que Phoenix, presentó su cuarta producción, llamada Wolfgang Amadeus Phoenix. El tour que grabó el director por Berlín, Estados Unidos y otras ciudades de Europa, comenzó el 20 de mayo del 2009.




Conocer su discografía es algo que les invitamos a hacer de manera personal y sin presiones, basta con escuchar alguna canción y deleitarse con estos sonidos, analizarlos y concluir lo que cada uno produce en el cuerpo y en la mente, porque al fin y al cabo eso es lo que la música de estos franceses consigue: tocar los sentidos, otorgarles emociones y hacerlos explotar en reacciones.