David Bowie - Low (Mes David Bowie)

 "Hoy voy a empezar a construir la casa dónde estaré para toda la vida..."

No, no me he despistado, creyendo que estoy de nuevo en el #MesCoqueMalla en lugar del #MesDavidBowie. Es que creo que Berlín, la canción de Coque, refleja perfectamente el momento vital en el que se encontraba David Bowie, en el momento de crear y publicar Low (1977), el disco con el que abrió algo más que lo que todos conocemos como su "Trilogía de Berlín" (Completada con los posteriores Heroes y Lodger). Con este disco, y más concretamente con la decisión previa de alejarse del "star system" y buscar el anonimato en Berlín, David Bowie buscaba un nuevo comienzo, una búsqueda de sentido y de dirección para su vida, inmerso como estaba en una lucha por salir del infierno de las drogas. No es de extrañar que un cambio de este tipo no acabara también manifestándose en un cambio relevante en su enfoque artístico. Low nace de ese estado vital y de ese momento personal concreto, además de la fascinación de Bowie por la escena musical alemana.

Tampoco estoy construyéndome una casa, aunque acabo de comprarme una nueva, y espero que sea para toda la vida. Cambiarse de casa es un cambio muy relevante, y una apuesta por un nuevo comienzo. En un pequeño cuarto de esa casa, montaré mi rincón para la música. Será un lugar presidido por estanterías llenas de vinilos y compactos, recopilados durante toda una vida. En ese lugar, habrá un espacio reservado para The Man Who Fell to Earth (1976), la película en la que Bowie encarnó a un extraterrestre llegado a La Tierra. Para la banda sonora del film, le propusieron que trabajara en varios temas, que finalmente no fueron utilizados. Ahí surgió el germen de lo que un año después sería Low, y quizá para reconocer ese nexo con la película, la portada del disco es una imagen de Bowie caracterizado como el personaje que interpretó en el film.

En Berlín, Bowie rompe con el pasado, y mira directamente hacia el futuro, aunque aún no sabe bien que dirección seguirá para encontrarlo. En algún momento, descubrió hacia dónde apuntaba ese Norte, y quizá mirándose en el espejo en alguna de las habitaciones del piso de la Hauptstrasse, se dijo algo parecido a "Voy a saltar, voy a nadar hasta otro lugar, para toda la vida", y tuvo claro que no seguiría el camino de discos anteriores como Young Americans, como le hubiera gustado a los directivos de la discográfica, sino que daría un paso más allá en el enfoque experimental iniciado en Station to Station. Con la inestimable ayuda de Brian Eno y del productor Toni Visconti, empezó a dar forma al que probablemente sea el disco más experimental de su carrera, un disco de culto y situado en las antípodas de lo que pueda considerarse un disco convencional.

UN RECORRIDO POR LAS HABITACIONES DE "LOW"

Veo la pared donde colgué, las fotos que acumulé, durante toda la vida. No reconozco a nadie, y sin embargo, cuando pienso que eran rostros que ayer eran toda mi vida, sé que ya no estoy, y que no quiero mirar la pared nunca más en la vida"

El disco comienza con Speed Of Life, corte instrumental en el que destacan los efectos electrónicos en los teclados, y la áspera guitarra de Ricky Gardiner, primer ejemplo del sonido oxidado y sin depurar que será la gran seña de identidad de toda la primera parte del disco. Con Breaking Glass el disco empieza a contagiarse del tono triste, oscuro y críptico de las letras, que aquí parecen reflejar aspectos de su pasado de los que se arrepiente ("No mires a la alfombra, dibujé algo desagradable en ella". Menos personal es el enfoque de What in the world, con la colaboración de Iggy Pop en los coros. Iggy fue uno de los pocos "rostros de la pared" de los que Bowie no quiso separarse, y aunque su participación en el disco se reduce a este tema, el retiro en Berlín del Duque Blanco no se entiende sin su presencia como compañero de piso y de aventuras en la capital alemana.

Low alcanza su momento más alto en Sound And Vision, tema muy por encima del resto de canciones, y que no por eso puede ser etiquetado como el más convencional. Al contrario, el desamparo que embargaba a Bowie se cuela en la aparentemente inofensiva y colorida letra. El "azul de la habitación en la que viviré" hace referencia a la tristeza,  y las "persianas pálidas todo el día" nos hablan de la depresión que no le permite ver la luz. Es Bowie aislado en su retiro voluntario, sin "nada que hacer, nada que decir", sólo esperar que la inspiración le llegue ("Me sentaré, esperando el regalo del sonido y la visión"). Todo un hit agridulce, que sin duda sonará insistentemente en la terraza de mi nueva casa, dónde pienso "preguntarme a veces sobre el sonido y la visión" con una buena cerveza en la mano.

Always crashing in the same car profundiza en el difícil momento vital que atravesaba. En todo propósito de cambio, hay momentos en los que las cosas parecen no estar saliendo de acuerdo a lo planeado. En una genial metáfora, inspirada en un accidente de coche real, Bowie describe esa sensación de estar dando "vueltas y vueltas en círculo" sin encontrar una salida, y resignado a acabar "estrellándose siempre contra el mismo coche". El tratamiento instrumental, con las guitarras y los teclados distorsionados, y la dejadez con la que la voz de Bowie transmite esa rendición ante el insalvable destino, la convierten en un tema tan irónico como brillante.

Be My Wife tiene un peso bastante marcado de los teclados, tanto en el ritmo como en las secciones de transición melódica, y podríamos decir que es, además de Sound and Vision, el otro hit radiable del disco, dentro de un álbum con pocas balas que disparar en radios convencionales. La primera cara termina con el tema más positivo, A New Career in a New Town ("Una nueva carrera en una nueva ciudad"), que reafirma con su título el proyecto de vida que se escondía tras la experimentación musical de Low. Un tema instrumental que cierra una primera parte que tiene, en sí misma, entidad de obra redonda y terminada, y muy diferente a lo que encontraremos al girar el disco.

Influido por la música vanguardista del emergente estilo Krautrock de grupos como Neu! o Kraftwerk, los temas del segundo tramo de Low son auténticos experimentos de música ambient. Temas como Art Decade o Weeping Wall pierden, con su ambiental minimalismo, el carácter áspero y urbano de los temas anteriores. A cambio, ganan en vanguardismo atmosférico y marcadamente instrumental, salvo por los puntuales gritos tribales de Bowie en Warszawa, o la breve letra de Subterraneans (el mejor tema de esta parte del disco). Son estancias de la futura casa muy marcadas por la influencia de Brian Eno, y que me generan menor entusiasmo. Algo así como el trastero, el tendedero o la plaza de parking, estancias menos cálidas de esa casa que Bowie empezó a construir, y de ese Berlín en el que no sabemos si llegó a pensar quedarse "para toda la vida".

David Bowie - Station to Station (Mes David Bowie)

La música en historias: Station to Station - #MesDavidBowie

Un disco que ni se acuerda el propio David Bowie, según sus dichos por el mismo musico, porque fue una época muy compleja para el músico por su adicción a las drogas, pero este disco de apenas seis canciones.

Pero David Bowie hace una transición del funk y el soul, haciendo un salto hacia sintetizadores y ritmos motorik influenciados por bandas electrónicas alemanas. Una curiosidad del disco, todas las canciones de Station to Station, excepto la que da el título al álbum, eventualmente fueron publicados como sencillos.

Pero vamos con la producción del disco Station to Station fue grabado en 1975 en Cherokee Studios, Los Ángeles, la grabación fue realizada en 10 días de actividad frenética, pero no solo eso fue lo frenético de este disco, el propio David Bowie no recuerda casi nada de la producción del álbum, ni siquiera del estudio, admitiendo el propio artista en declaraciones que "Supe que estaba en L.A porque lo leí".​ El cantante no era el único que abusaba de la cocaína durante las sesiones, Carlos Alomar (Guitarrista) comentó, "Si había una raya de coca que te mantuviera despierto hasta las 8 de la mañana, entonces podías hacer tu parte en la guitarra, y seguías con la raya [...] el uso de coca es impulsado por la inspiración". 

Al igual que Bowie, Earl Slick tiene pobres recuerdos de la grabación "El álbum es un poco borroso ¡por razones obvias! Estábamos en el estudio y fue genial, pasábamos ahí un montón de horas, un montón de noches".

Lo cierto es que pese al olvido de sus artistas Station to Station esta entre los mejores álbumes de Bowie y así lo afirmaron los especialistas, Station to Station fue lanzado en enero de 1976, y Billboard consideró que Bowie "había encontrado su hueco en la música", a raíz de temas como "Fame" y "Golden Years", aunque la "canción de diez minutos aburre" (en referencia a la canción "Station to Station"). Y NME lo llamó "uno de los álbumes más significativos de los últimos cinco años". 

Daniel
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David Bowie - Diamond Dogs (Mes David Bowie)

Diamond Dogs - #MesDavidBowie

Estamos ante el sexto disco de David Bowie, es el disco donde David Bowie se encuentra entre el Glam de Ziggy y las nuevas vías de expresión del Bowie pre-soul/funk. 

De entrada sorprendió que, a pesar de estar disueltos los Spiders From Mars, no contara con las habilidades de Mick Ronson en la guitarra. David Bowie asumió el trabajo de guitarrista en casi todos los temas del disco y podemos decir que salió airoso. 

El primer disco de David Bowie sin los Spiders desde 1969 se esperaba con una mezcla de expectativa y escepticismo y el cantante era consciente de ello. Hablamos de los días en que David Bowie se encontraba dentro del círculo Stones; colaboró en los coros y creativamente en el single It’s Only Rock & Roll y se le veía mucho en compañía del andrógino Mick Jagger versión 1973. Por todo esto no es de extrañar ese sonido tan Stones en el tema Diamond Dogs. 

David Bowie se instaló con su equipo en los Olympic Studios. estamos hablando de octubre de 1973. pero no finalizaria aquí posteriormente continuará las sesiones en los Island Studios y en los Ludolf Studios de Hilversum (Holanda). Los músicos elegidos para darle forma al disco fueron, Herbie Flowers (un habitual en las grabaciones de Lou Reed). Otra novedad fue que Tony Visconti volvió junto a David Bowie, aportando arreglos de cuerda y mezclando el disco. 

Las sesiones se alargaron hasta febrero de 1974. El arte de portada, creado por Guy Peellaert, muestra un híbrido David Bowie/Canino que causó revuelo porque mostraba los genitales del perro de ojos bicolor. El retoque fue inevitable y eso elevó a precios prohibitivos los discos con la portada original. 

Finalmente Diamond Dogs fue lanzado el 24 de mayo de 1974. Cuando le preguntaron a David Bowie su opinión sobre el nuevo disco no dudó en valorarlo "un álbum muy político. Mi protesta … más ‘yo’ que nada de lo que he hecho anteriormente". Con este disco se consumó su abandono del Glam para adentrarse en otros estilos. 

Fue número uno en el Reino Unido y quinto en Estados Unidos, aunque no le faltaron detractores (por ejemplo Rolling Stone le dio apenas dos estrellas y media sobre cinco). Diamond Dogs es un álbum de suma importancia en la carrera de David Bowie, sus guitarras ásperas y empíricas se consideran como protopunks. Diamond Dogs es, a su manera controversial y poco complaciente, un clásico por derecho propio.

Daniel 

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David Bowie - Aladdin Sane (Mes David Bowie)

¿Quién va a querer a Aladdin Sane?

El alter ego que sustituyó a "Ziggy Stardust" en el siguiente disco triunfal de David Bowie, después de que "matara" al mítico personaje de "The Rise and fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars" era un reflejo de las preocupaciones del artista por lo que él interpretaba como una tendencia hereditaria en su familia a sufrir problemas mentales. El miedo que sentía a que los problemas que sufría su hermano fueran hereditarios, y que por tanto pudieran afectarle a él en algún momento, tuvo su personificación e en la figura del icónico "Aladdin Sane", en realidad un juego de palabras para definir a "un muchacho demente" ("A lad insane").

El cambio de personaje trajo consigo, también, una evolución en el sonido de Bowie, que aunque siguió inmerso en el explosivo glam rock que había caracterizado su anterior obra, las canciones de Aladdin Sane dejaron entrever claros tintes stonianos y una innovadora tendencia a la teatralidad y el vodevil, en una combinación que resultó de lo más fresca y efectiva. La mayor luminosidad de la música no afectó a unas letras que volvieron a ser tan sexuales, ambiguas y decadentes como en entregas anteriores.Buena prueba de ese nuevo enfoque "stoniano" es el arranque del disco con Watch that man, pieza marcadamente rockera y revestida con potentes coros, en la que la guitarra de Mick Ronson dibuja brillantes trazos, acompañada del efectivo colchón rítmico que forman la batería, el bajo y, sobre todo, el piano de Mike Garson, que brilla omnipresente a lo largo y ancho de todo el disco, y que tiene su punto de máximo esplendor en Aladdin Sane, tanto en la manera en que da vigor al tema en su parte más ortodoxa, como en la brillante parte de improvisación final, en la que sus dedos vuelan sobre las teclas para dibujar, en clave de jazz experimental, la locura que atormenta al personaje, que en el estribillo se pregunta: ¿Quién va a querer a un muchacho demente?.

Tras el vigoroso arranque de los dos temas anteriores, Bowie se permite en Drive-in Saturday el lujo de homenajear a la música doo wop y el cine de los años 50, en concreto las películas sobre amores adolescentes en los auto-cines al aire libre. Es uno de los temas del disco que más ha perdurado en la memoria de sus fans, estando presente en la mayor parte de recopilatorios de sus mejores temas. Es sólo un brillante alto en el camino de rock vigoroso y de efectivos estribillos, retomado inmediatamente después en temas como Panic In Detroit y Cracked Actor.

El disco entra entonces en el tramo más teatral y cabaretero con Time, pieza clave por su brillante estructura dramática y sus grandilocuentes coros. Una joya oculta e infravalorada de su extensa e interesante discografía, como lo es también The Prettiest Star, más sencilla y menos pretenciosa, y dotada de una melodía dulce y elegante y unos coros que retoman el guiño doo wop que ya había introducido en Drive-in Saturday.

Prueba de su aparente homenaje o acercamiento a la música de los Rolling Stones, es la versión que incluye del Let's spend the night together de "sus satánicas majestades", en la que de nuevo intenta transmitir cierta locura en la interpretación, dotándola de mayor velocidad. Pese al esfuerzo, el tema palidece comparado con el original, y da la sensación de transitar por un camino que podría haberse evitado, para haber tirado directamente por un atajo hacia las dos obras maestras con las que David Bowie despide uno de los mejores discos de su carrera.

La primera de ellas es The Jean Genie, el auténtico hit atemporal del álbum, con un icónico riff de guitarra y un rotundo estribillo, y Lady Grinning Soul es la excelsa rubrica final de unos músicos en estado de gracia y explorando terrenos musicales en el límite entre el rock y esquemas más clásicos, encabezados por el sublime piano de Mike Garson, acompañando a la perfecta ejecución vocal de un Bowie que logra hacer de la demencia un arte, y que sea fácil rebatir la pregunta que Aladdin Sane se hacía a sí mismo: ¿Quién no va a querer a un muchacho demente si es capaz de hacer discos como éste?

David Bowie - Hunky Dory (Mes David Bowie)

 

El primero de los monumentales clásicos de Bowie. Hunky Dory es claramente el intento de Bowie de hacer un álbum de "cantautor", repleto de pintorescas canciones cargada con bastante piano y con música un poco más variada tanto en sonido como en calidad que el glam rock consistentemente sublime de Ziggy Stardust. Hunky Dory se inspiró parcialmente en una gira por Estados Unidos, de ahí que contenga canciones de tributo a Bob Dylan, Andy Warhol y Velvet Underground, fue algo así como un cambio para Bowie en ese momento y esta considerado un buen golpe en la mesa de Bowie y para su tiempo una verdadera revelación entre las grandes obras míticas de otros músicos (en 1971 estaba el volumen IV de Led Zeppelin, Master of Reality de Black Sabbath, Who´s Next de The Who, y el Stick Fingers de los Rolling Stones) que consiguió situarle en un lugar mucho más alto, permitiéndole desenvoltura a nivel compositivo y preparándolo para lo que sería su momento de fama mundial.

 

Abre el álbum con Changes con ese famoso coro tartamudo que encarna gran parte de lo que Bowie iba a ser, cambiando y evolucionando a lo largo de su carrera musical ya que él nunca tuvo miedo de enfrentar a lo extraño. La canción es muy pegadiza y se te clava en el cerebro entre otras cosas por ese coro que sobresale del resto de la canción. Bowie haciendo "ch-ch-ch-changes", imitando el ritmo del piano sobre el funk deliberado de Trevor Bolder. Oh! You Pretty Things una canción divertida y pegadiza con un sonido muy optimista que logra ser sobresaliente, una vez más, se escuda principalmente en el encanto y la melodía increíble que Bowie es capaz de crear con tanta eficacia, una canción increíble sin pretensiones, que rezuma amor paternal y felicidad difusa. Eight Line Poem la podemos categorizar de curiosidad, más que una canción propiamente dicha. Aunque posiblemente sea la canción más débil del álbum, no está mal, ya que está impregnada de melancolía y sirve para prepararnos para otra de las joyas. Si la escucháramos aparte no pasaría del minuto, ensamblada en el álbum puede resultar hasta apropiada, ya que después de esta vamos a descubrir Life on Mars?, inmensa y atemporal canción de, adopta un enfoque mucho más grandioso, en el que cada momento de la canción conduce al imponente coro culminante. Si bien la melodía y la letra es algo repetitiva, los cambios de tono dan una sensación constante de escalada que hace que la canción sea tan memorable como es. Bowie se ha referido a este tema como "la reacción de una joven sensible a los medios de comunicación" y explicó despues que ella "Creo que se siente decepcionada con la realidad ... que aunque está viviendo en la triste realidad, le dicen que hay una vida mucho mejor en alguna parte, y está amargamente decepcionada de no tener acceso a él ". Bowie se le ocurrió escribir este tema después de que le pidieran que pusiera la letra en inglés de una canción francesa llamada "Comme d'habitude", Paul Anka finalmente compró los derechos de la canción francesa original y la reescribió en inglés como " My Way ", que más tarde se hizo famosa por Frank Sinatra. Life on Mars? utiliza prácticamente los mismos acordes que "My Way" y las notas escritas en el vinilo de Hunky Dory afirman que la canción está "inspirada en Frankie". Aunque es la canción más famosa del álbum no fue lanzada en single hasta pasados dos años de la publicación del álbum.

Kooks está escrita para el hijo recién nacido de David, y espera que él esté feliz de quedarse con 'la pareja de locos' que son sus padres. Es otro número pegadizo, con la voz cautivadora de Bowie y la producción que hace que su marco melódico simple sea aún más interesante convirtiéndose en un buen tributo a The Kinks acompañado de un piano que suena muy a Elton John. Quicksand es una sutil epopeya que se acerca lentamente a ti, llevándote de un lado a otro, desde el juguetón piano de Rick Wakeman a los acordes de guitarra característicos de Mick Ronson, mientras escuchas como Bowie lamenta con tristeza la naturaleza inhibidora de la religión. Esta es una canción tristemente triste, una sátira del ateísmo (en cuyo caso me ofende) o un retrato genuinamente pesimista y desgarrador del cansancio y el cansancio del mundo (¡y este fue solo su cuarto álbum!). Fill Your Heart es extraña, pero encaja perfectamente, un pequeño número deliciosamente juguetón y optimista, que le permite a Wakeman correr arriba y abajo del teclado con una destreza envidiable, después de lo escuchado es quizás una de las más flojas del álbum. Andy Warhol se disfruta con esa guitarra acústica que sube y baja sobre acordes furtivos, convirtiéndose en un tributo al artista, que no pudo vivir para escucharlo, como no se transforma en un paseo en alfombra mágica psicodélica. La guitarra conductora y las letras extrañas ("Andy caminando Andy cansado, Andy duerme un poco") horrorizaron a muchos de los compañeros del artista, pero para el oyente, la canción es una maravilla psicodélica gloriosamente tonta.

En Song for Bob Dylan Bowie se las arregla para sonar un poco como Dylan. La canción es un hermoso tributo a Dylan, pero también queda corta para otras canciones que hemos escuchado. Queen Bitch está bien, una buena imitación de "Sweet Jane" de la Velvet Underground solo que es mucho más energética, utiliza un tono de guitarra más abrasivo, que cuando se combina con la entrega vocal más sarcástica que Bowie proporciona en esta pista, hace que suene muy parecida a una canción de Velvet Underground. No solo aporta algo de frescura al álbum, por ser una pista divertida y contagiosa con un sonido muy optimista que logra ser sobresaliente una vez más, basado principalmente en el encanto y la melodía asombrosa que Bowie es capaz de crear de manera tan efectiva. Cerramos con The Bewlay Brothers, una de las canciones más débiles del álbum, con el mismo tono que "Quicksand" pero no tan conmovedora. Es una bella canción, con aliteraciones y letras que cuentan una historia real, pero que termina este brillante álbum con una nota negativa

David Bowie - The Man Who Sold The World (Mes David Bowie)

 

The Man Whoo Shold The World

Para la gestación del tercer álbum de estudio de David Bowie, The Man Who Sold The World, vamos a retroceder unos meses, concretamente a abril de 1969, fecha en la que contrae matrimonio con Angela Barnett, modelo, actriz y periodista que tuvo en el artista un gran impacto. Después de contraer matrimonio, Bowie da un golpe de timón y deja a su manager Ken Pitt, con el que tendrá un largo litigio, y contrata a Tony Defries. También es consciente de que una de las carencias de los discos anteriores era la de no disponer de una banda permanente, y reúne para la ocasión a un grupo de músicos a tiempo completo: Hablamos del baterista John Cambridge, Tony Visconti al bajo y Mick Ronson a la guitarra. 

La banda finalmente decide autodenominarse Hype, y al igual que Bowie, que suele disfrazarse en el escenario y crear personajes, también ellos crean su estética y sus propios personajes,  diseñando los glamourosos trajes de las pretenciosas Arañas de Marte. Sin embargo, después de un concierto francamente desastroso, la banda vuelve al segundo plano de toda banda de acompañamiento, aunque las arañas ya habían llegado para quedarse y, poco después, el 17 de abril de 1970, Bowie y los demás comienzan, a caballo entre los estudios Trident y los estudios Advision de Londres, a trabajar en el tercer álbum de estudio del artista. Durante la grabación, surjen problemas entre el cantante y el baterista Cambridge, cuyo estilo no es del agrado de un Bowie exigente, que le acusa de estar estropeando su trabajo. Cambridge acabará dejando la banda, siendo sustituido por Mick Woodmansey.

Finalmente, el 22 de mayo Bowie, acompañado de Ronson, Visconti y Woodmasey, con la colaboración de Ralph Mace con los sintetizadores, y bajo la producción de Tony Visconti, finaliza la grabación de The Man Who Sold The World, publicado por la discográfica Mercury Records en noviembre de 1970 en Estados Unidos, y en abril de 1971 en Reino Unido. El resultado es un disco que, si bien sigue la línea de sonido folk y acústico de sus anteriores discos, empieza a sumergirse en el blues rock y el hard rock. En cuanto a las letras, son más oscuras y explora temáticas como la esquizofrenia, la paranoia, la locura, la religión, la tecnología o la guerra.

 

El disco empleó dos portadas diferentes en Estados Unidos y en Reino Unido. La original fue lanzada en Estados Unidos y era obra de Michael J. Weller, y se basaba en una imagen de John Wayne, pero a Bowie no le gustó demasiado y reclutó al dibujante Keith MacMillan, quien diseñó una portada donde David Bowie posa con un vestido azul diseñado por el diseñador de moda Michael Fish. En cuanto a la recepción del disco, aunque recibe mejores críticas en Estados Unidos que en Reino Unido, resulta ser un fracaso comercial en ambos países. Posteriormente el disco ha sido reconocido por la crítica tanto por el sonido de la banda como por la naturaleza de la música y las letras, considerando éste disco como el comienzo del periodo clásico de Bowie.

El primer tema del álbum, The Width of a Circle, es una epopeya de ocho minutos, que se adentra en el rock progresivo, y donde Mick Ronson se luce con sus improvisaciones. El tema está dividido en dos partes, una primera en la que la letra hace referencia al poeta libanés Khalil Gibran, y en la segunda parte el narrador tiene un encuentro sexual con Dios (otras fuentes interpretan que es el Diablo) en la profundidades del infierno. All The Madmen, tema inspirado y escrito por Bowie para su hermanastro Terry Burns, diagnosticado de esquizofrenia e internado en el Hospital Cane Hill de Londres. El tema habla de la locura y hace referencias a la lobotomía, a los tranquilizantes y a la terapia del electro-shock. El trabajo de Ralph Mace con los sintetizadores le acaba dando un toque desgarrador al tema.

Le sigue Black Country Rock, que se mueve entre la delgada línea que hay entre el blues rock y el hard rock, y que es todo un soplo de aire fresco para un disco que se mueve en una línea muy pesada y oscura. Al final del tema, Bowie se hace pasar por Marc Bolan, y es que al final de la grabación se quedaba sin letras y a Bowie le salió espontáneamente. Todos pensaron que había quedado genial y decidieron dejarlo así. Cierra la primera cara del disco el tema After All, uno de los más subestimados de su carrera, pese a su particular toque folk rock, y donde el artista refleja la influencia que tuvieron en él tanto el poeta, pintor, ocultista y novelista Aleister Crowley como el filósofo Friedich Nietzsche. La canción describe a un grupo de niños que todavía no han tenido tiempo de experimentar las corrupciones y los vicios que llegan con la edad adulta.

Comienza la cara B con Running Gun Blues, tema donde vuelve el sonido hard rock que Bowie había introducido por primera vez en su trabajo, y donde la letra hace referencia a la masacre de My Lai durante la guerra de Vietnam, en la que las tropas estadounidenses asesinaron a muchos civiles desarmados. Savior Machine sigue la línea de sonido del tema anterior, y en ella Bowie trata la temática de las computadoras, que finalmente acaban superando a la raza humana. She Shook Me Cold, aunque está atribuida únicamente a Bowie, surge a raíz de una improvisación de todos los músicos. La letra nos habla de un encuentro sexual de un hombre con una mujer, con continúas referencias al sexo oral. The Man Who Sold The World, tema que da título al ábum, y que ha sido descrito por muchos críticos como "inquietante" y "enigmático" por sus crípticas letras inspiradas en numerosos poemas, y que hacen referencia a un hombre que ya no se reconoce a sí mismo y se siente mal por ello. Bowie comentaría más tarde que el tema trata de los ángeles y demonios de su interior, llegando a decir también que era una secuela de Space Oddity. Es sabido que el artista luchó durante mucho tiempo con su identidad y se expresaba a través de sus canciones, creando a menudo personajes para interpretarlas. Cierra la cara B y por tanto el disco The Supermen, tema donde el hard rock vuelve a estar presente, y vuelve a inspirarse en Friedrich Nietzsche y HP Lovecraft. Bowie hace referencia a las visiones apocalípticas de Nietzstche en su teoría de Übermensch. Según Bowie el tema surgió cuando él creía entender a Nietzsche, y era un intento por traducirlo a sus propios términos.

The Man Who Sold The World es quizás uno de los álbumes menos conocidos de Bowie, pero con el tiempo, tanto crítica como público han acabado reconociéndolo y apreciándolo. La versión que Nirvana hizo del tema titular de este disco ayudó mucho al renacer de esta obra y su reconocimiento, pero son muchos los grupos y artistas que han versionado otros de los temas de éste disco. Por algo será...

David Bowie - Space oddity (Mes David Bowie)

 

Después de su primer disco, que llevaba por título David Bowie y que pasó desapercibido, Bowie publica este encantador disco de pop-rock psicodélico: Space Oddity que supuso el espaldarazo absoluto para esas ideas que desde su adolescencia tenia y que cuando te sumerges en ellas, te sorprendes de lo maravilloso que es. Tiene de todo, desde balada pop puro hasta rock psicodélico y pop progresivo hasta folk y ... bueno, todo. Un álbum que es más un disco de cantautor tradicional que de un Dios del glam rock; sin embargo, se ha convertido en un álbum clásico con gran estilo y arrogancia para satisfacer a la audiencia actual, el álbum muestra una madurez impropia de Bowie que después de tres años intentándolo, finalmente llega a las listas de éxitos.

 

Abrimos con la enormemente famosa "Space Oddity" que sin duda es la mejor manera de comenzar y la mejor canción del álbum, no es que sea una composición excelente, sino que también fue una estratagema muy inteligente al aprovechar un acontecimiento mundial tan importante: los viajes espaciales. "Space Oddity" es tan descriptivo en este tema como "Heroin" de Lou Reed sobre la experiencia de consumir drogas. Comenzando con el diálogo de “Major Tom” con "Ground Control", la canción empieza con la cuenta regresiva de 10 a 1 hasta el clímax del despegue y concluye con un "circuito muerto" que avería la nave y el personaje principal se da cuenta de que probablemente nunca regresará a la tierra. Sin embargo, este desastre se encuentra con una respuesta bastante optimista, de ahí la frase "El planeta tierra es azul y no hay nada que pueda hacer". El acompañamiento orquestal también le da un verdadero sentido dramático a este clásico. "Unwashed And Somewhat Slightly Dazed" es un número de folk / blues crudo y desigual. Probablemente es lo más cercano que ha estado Bowie de imitar el estilo Bob Dylan, el sexo y los conflictos de clases toman el protagonismo ya que Bowie describe a una chica bonita pero esnob que lo espia desde la casa de su padre rico. “Letter to Hermione” es una canción muy melódica que parece que podría desentonar en el álbum, aunque se vislumbra un sonido progresivo y psicodélico, se queda más en el lado de lo comercial que en el vanguardista. Una balada de ensueño que nunca logra explotar y hubiera necesitado algún tipo de variación musical. Hermione encuentra a Bowie en un extraño estado de ánimo confesional suspirando por una amante que lo ha despreciado. La canción es confesional cuanto que Hermione es un personaje muy real del que se enamoró el joven David Jones, pero por quien se sintió o fue rechazado.

“Cygnet Committee” es nerviosa, el bajo es fuerte, la batería retumba, el tempo es lento y David Bowie está cantando con una voz lenta operística, tiene una introducción que me gusta mucho, pero eso es todo, se hace muy, muy larga quizá la peor canción de todo el álbum. La canción narra su participación y ambivalencia sobre un colectivo de artistas contraculturales a finales de los 60 donde el artista no oculta su decepción con este colectivo y lo trata como un microcosmos de la cultura hippie utópica de esa época, Bowie destroza las promesas huecas de los hippies de los 60. “Janine” es una canción alegre y pegadiza de ritmo rápido. Llega en un gran momento después de toda la música de tempo lento que acabamos de escuchar. ¡Y maldita sea, ¡es pegadiza! Convirtiéndose en un número agradable y familiar, ideal si quieres mover un poco tus caderas. “An Occasional Dream” es una canción melódica donde la flauta juega un papel clave con la excelente voz de David Bowe. Una bella canción, pero que no llega a trasmitir demasiado. “Wild Eyed Boy of Freecloud” es otra canción de flauta, quizas más melódica y con sintetizadores adicionales. “God Knows I'm Good” es una canción similar a Janine , también muy bailable y folclórica. Además, me gusta mucho la letra, donde nos cuenta los pensamientos de una insignificante ladrona que espera la intervención divina cuando es sorprendida in fraganti.

 

El cierre del álbum está casi a la altura del comienzo ya que los más de 7 minutos de Memory of a Free Festival dan para mucho, comienza inquietante y lento, pero expresa una emoción indescriptible, trasmite felicidad y realmente da una sensación cálida y difusa en el interior. Por eso me encanta tanto. El 16 de agosto de 1969, un joven músico de rock psicodélico llamado David Bowie subió al escenario en el Free Festival, que se celebró en Croydon Road Recreational Ground en Beckenham, Inglaterra. Bowie había ayudado a organizar el festival en su ciudad natal, con la esperanza de recaudar fondos para el Beckenham Arts Lab, la canción puede haber sido un romanticismo versión de cómo se sintió realmente ese día ya que solo unos días antes, Bowie había sufrido la muerte de su padre, y su estado de ánimo, comprensiblemente, fue todo menos feliz durante el festival. Al escuchar la canción se puede imaginar la canción siguiendo la línea temporal de su vida hasta ese momento: su voz al principio es casi infantil, una cualidad potenciada por el hecho de que el único acompañamiento musical es el órgano de un niño. A medida que la canción se acerca al final, escuchamos una progresión hacia el sonido característico de Bowie, las poderosas voces y los arreglos casi caóticos, pero cuidadosamente cuidados.

 

En general, este es un álbum difícil de "calificar" porque funciona más como una muestra de varios estilos que como un álbum con un arco estético. Bowie continuaría explorando diferentes estilos con resultados mixtos hasta que aprendió a comunicarse a través de personajes (Ziggy Stardust, A Lad Insane, Halloween Jack, Thin White Duke,) Pero en 1969, todo eso era historia futura. Lo que me llama la atención aquí es que (el Mayor Tom no obstante) Bowie no está ocupando ningún papel teatral aquí. El álbum está lleno de reflexiones sobre sus experiencias y sentimientos reales de la vida. En resumen, un registro interesante, y por momentos gratificante, de este artista de joven.

La música en historias: El Mes David Bowie

Decíamos en la despedida del #MesJohnLennon que nuestro siguiente monográfico en 7días7notas sería sobre otro genio indiscutible de la música, con curiosas conexiones con el último Lennon y su trágico final. En concreto, nos referíamos a la leyenda de que el asesino de Lennon manejaba como alternativa, si el plan inicial fallaba, asesinar a David Bowie, ya que se encontraba precisamente en Nueva York en aquellas fatídicas fechas, protagonizando una obra teatral sobre la desdichada vida del conocido como "Hombre Elefante", uno de los papeles más reconocidos por la crítica dentro de lo que fue la faceta paralela del Bowie actor.

Las conexiones con Lennon eran recientes y evidentes, y partían de la colaboración del de Liverpool en el álbum Young Americans, el disco "americano" de Bowie, dónde habían firmado juntos el tema "Fame". En ese mismo disco, y quien sabe si a cambio de esa colaboración o como reconocimiento a la figura del ex-beatle, David Bowie incluyó una versión de Across the Universe, y lanzó además un guiño a la canción "A day in the life" en los coros gospel del tema que daba título al disco, que hacia el final del tema cantan "I read the news today, oh boy".

Todo esto no son, en realidad, más que curiosidades y coincidencias, interesantes en este tránsito del #MesJohnLennon al #MesDavidBowie, pero no han sido los motivos por los que hemos elegido al Duque Blanco y a Ziggy Stardust para llenar de colorido el mes de enero. Nos ha movido más la relevancia de una obra de calidad, tan extensa y cambiante, que le llevó a ganarse el sobrenombre de "El Camaleón", y un deseo irrefrenable de mostrar a toda una generación (la que le conoció a través de sus prescindibles discos de los ochenta) lo que este músico dio al mundo durante la década de los setenta, sin olvidar algunos interesantes discos de su última etapa de madurez.

Dicho de otro modo, era cuestión de tiempo, y el #MesDavidBowie tenía que llegar tarde o temprano, y ha llegado finalmente en el mes en el que nos dejó, hace ahora cinco años (como en el título de esa mítica canción con la que empezaba el que probablemente sea su mejor disco, "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars"). Otra coincidencia más, de esas que no son necesarias para justificar la elección de alguien con una carrera musical de la relevancia y el nivel de la de David Bowie. Como dijo otro grande, que no es de Liverpool ni de Londres, sino de Úbeda, y que ya tuvo un mes dedicado al repaso de su también extensa y aclamada obra, para elegir enero como el #MesDavidBowie "Nos sobran los motivos".

John Lennon - Milk and Honey (Mes John Lennon)

 

Estamos ante un álbum muy interesante, más si te gustan las canciones de Yoko Ono, ya que las que hizo para éste álbum están un escalón por encima de las que publicó en Double Fantasy, ya que en sus apariciones poco a poco vas sintiendo ese dolor que proviene de lo más profundo de su alma, haciendo hincapié en la muerte de John, su voz frágil y defectuosa y sus composiciones retorcidas en este álbum realmente te atrae, ya que refleja con precisión el abandono total y el dolor que debe haber sentido después de la desgarradora experiencia de la muerte de John. Uno de los ejemplos es "You are the one", una vez que has superado los extraños efectos vocales y las densas capas de sonido, se convierte en una de las canciones de amor perdido más emotivas que he escuchado. El resto de canciones de Yoko Ono fueron escritas mientras John aún estaba vivo, así que, aunque no tratan de su fallecimiento, adquieren una extraña sensación agridulce en lo que respecta al tema. "Let Me Count the Ways" es una cancioncita de amor perfecta en cuanto a melodía, pero la calidad del sonido no es demasiado buena, como en el resto del álbum. “Your Hands”, es otra de las grandes, una canción con un sentimiento y letra japoneses muy especial, realza su figura y demuestra sin duda alguna, que estamos en los picos más altos de su talento. "Sleepless Night" demuestra que realmente la voz de Yoko Ono tenía un gran potencial y haciendo ostentación de esa voz temblorosa que se te clava. "Don't Be Scared" es una canción donde se ve claramente la influencia de su estancia en las Bermudas dentro, con un acompañamiento que recuerda levemente el trabajo de Bob Marley. El mensaje de Yoko de no "tener miedo de amar" es saludable, pero las voces susurrantes amortiguan el atractivo de la canción.

Las canciones de John también son divertidas y lo bueno es que se complementan perfectamente con las de Yoko Ono. Ahí tenemos a "Grow Old With Me” (que puede hacer un duo perfecto con "Let Me Count The Ways") donde encontramos una melodía muy bella que se trasforma en angustiosa al escucharla hoy, dado que sabemos cómo nos lo arrebataron. "Nobody Told Me" es una canción clásica, animada, divertida y muy agradable donde podemos comprobar como John se estaba divirtiendo haciendo aquello que amaba. "I Don't Want To Face It" y "Borrowed Time" reflejan sus miedos (comprensibles) de enfrentarse al mundo exterior, la idea de que todos "vivamos en un tiempo prestado" junto con la gran narración de John hace de está una canción muy interesante, los toques tropicales de calipso y los ritmos del reggae se sumaron al atractivo de esta pista. "I'm Stepping Out" es realmente una de mis favoritas él, las inflexiones vocales durante la canción son realmente pegadizas, el rango agudo que alcanza en el coro (y en algunas otras canciones también) es bastante impresionante, está entre las mejores canciones del álbum. Además de la maravillosa línea de bajo (que honestamente me recordó a "Silly Love Songs" de McCartney), disfrutas de la energía despreocupada de John en las voces. "(Forgive Me) My Little Flower Princess" es altamente conmovedora.

Lo más impresionante de los temas que componen el disco es que la mayoría son demos inacabadas grabadas unas semanas después de Double Fantasy. El hecho de que la banda y la voz de John suenen tan bien es un verdadero testimonio del talento del hombre. Este álbum muestra que John estaba en un período muy creativo antes de morir y que estaba listo para ofrecer buena música, una nueva era en su carrera había comenzado tras su ausencia de cinco años ¡que lástima! Uno esperaría que este disco hubiera solo los descartes de Double fantasy, pero no, no lo son, las canciones son realmente buenas para ser descartes, estoy seguro de que si estuviera vivo haría pronto un nuevo álbum genial.

Para finalizar y como conclusión quería comentar que tras su audición veo que uno de los platos fuertes del álbum es que retrata a una pareja de clase media ordinaria proyectando su vida, un disco sencillo que muestra sus pensamientos, su amor, sus dificultades, la experiencia que vivieron al envejecer. En pocas palabras están diciendo que no sabemos qué está mal o qué está bien, simplemente vivimos una vida normal y tratamos de estar bien, algo que los separa de la actitud de finales de los 60 y principios de los 70.

El disco de la semana 205: INXS - Kick

 

INXS se había movido hasta entonces con álbumes que tenían dos o tres canciones que arrasaban, pero una vez que te metías dentro descubrías que el resto estaba muy por debajo del nivel deseado hasta que llegó Kick, por única vez, lograron conformar un disco que incluía una serie de canciones indiscutiblemente poderosas que le dieron la vuelta a la tierra, convirtiendo a estos Australianos durante un brevísimo periodo en su carrera en la banda más grande del mundo. Kick fue el álbum que le dio a INXS la atención que merecían. Va más allá del pop de los 80, combinando los atractivos ritmos del pop con líneas de bajo y guitarras de rock y la sensual voz de Hutchence, vamos a desgranarlo

 

El álbum comienza con “Guns in the sky” es atrevida e incluso pesada para los estándares de la banda del ahora ausente Michael Hutchence, suena como The Rolling Stones alrededor de 1978 cuando el punk estaba influyendo en su sonido, pero mucho más valiente. La canción habla de un programa militar nacido en 1983 en Estados Unidos con la idea era instalar armas en el espacio que pudieran interceptar misiles nucleares rusos. Estas son las "armas en el cielo" que canta el cantante principal de INXS, Michael Hutchence, en esta canción, lo que señala que es una idea estúpida que minaría los recursos de los programas que realmente podrían ayudar a la gente. “New Sensation” es una canción icónica, esa mezcla de guitarra y música de baile dio la vuelta al mundo, escrita por el cantante principal Michael Hutchence junto con Andrew Farriss, quien tocaba varios instrumentos en el grupo. A Farriss se le ocurrió un riff de guitarra que lleva la canción musicalmente; Hutchence añadió la letra de "aprovechar el día", animándonos a vivir con valentía, buscando nuevas sensaciones. Este fue el tercer sencillo del álbum Kick, que llevó a la banda a un nuevo nivel, fuera de su país de origen, Australia, tenían solo un modesto seguimiento, tras este álbum la INXSmania se extendió por todo el planeta. La oscura "Devil Inside" es una de mis favoritas, tal vez sea el sentimiento de angustia en la voz de Michael Hutchence o tal vez el riff de guitarra suave pero pesado, pero es una de las que más me apasionan. Hay un demonio dentro de todos nosotros, pero algunos lo llevan por fuera, como la mujer de la canción "criada en cuero con carne en la mente". También nos encontramos con un hombre "alimentado de nada más que lleno de orgullo", uno de los siete pecados capitales. “Need You Tonight" es sexy hasta decir basta, donde la fuerza de la guitarra es la reina de la canción, y la voz de Hutchence se desarrolla oscilante y seductora. Es una canción peculiar que con razón se convirtió en un gran éxito para la banda y está llena de ganchos irresistibles, entre ellos su atmósfera similar y el trabajo de batería. Esta fue la canción que lanzó a INXS al estrellato mundial.

 

“Mediate” es como un epílogo de “Need You Tonight” y que nos da una cátedra de rima poética con un altísimo grado de ingenio, es suave y sutil, pero se nota que ha pasado a algo nuevo. Adoro absolutamente la voz de Hutchence en este tema y la batería de Jon Farriss hace que sea la canción más pegadiza del álbum. Aunque puede ser una canción bastante corta, no deja de ser una gran canción, ya que enfrenta un ritmo funk constante con sonidos de teclado etéreos al estilo de Brian Eno. Combinado con el casi rapeo de Michael Hutchence. “The Loved One” es un blues con un riff sucio pero efectivo y con un coro para desmayarse de lo simple pero extremadamente pegadizo, pero el coro puede llegar a cansar como una canción de amor pop y la pista no es de lo mejor del álbum. "Wild Life" tiene la típica personalidad de la música de INXS: un estribillo sencillo, unas guitarras prominentes pero limpias, algunos adornos suaves pero ocurrentes y una alta dosis de sensualidad. Una canción con la que no puedes parar de bailar. "Never Tear Us Apart" es el prototipo de balada que hace que en los conciertos todos los encendedores de los presentes se enciendan automáticamente y sin chistar y que se derramen más lágrimas al escucharla que al leer las historias del holocausto, una balada poderosa con una buena orquestación que respalda a Michael Hutchence con gran acierto. Michael Hutchence, escribió la letra, que describe una conexión instantánea entre dos personas que forman un vínculo que durará para siempre. Hutchence tuvo muchas relaciones apasionadas en su vida, muchas con celebridades como Kylie Minogue y Helena Christensen, pero nunca se casó. Michael Hutchence murió en 1997 a los 37 años. En su funeral, los miembros restantes de INXS y su hermano menor Rhett sacaron su ataúd de la catedral de St. Andrews mientras sonaba "Never Tear Us Apart" de fondo.

“Mystify” me gusta bastante esta canción por su piano y solo el piano. El eco detrás de la voz de Hutchence es un buen toque, pero es muy fácil pasarlo por alto si no estás escuchando la canción con atención, es una buena canción y vale la pena escucharla. “Kick” es quizás una de las canciones más pesadas y con menos gancho del álbum, quizás porque venimos de la delicadeza del piano de Mystify y aquí no emborrachamos de ritmo acelerado y saxofón. "Calling All Nations" se basa en el ritmo de la música de baile, pero en realidad no transmite la misma energía, creo que es fallida. “Tiny Daggers” es otra de mis favoritas del disco, la cual probablemente es infravalorada por haber sido relegada hasta el no siempre afortunado última pista, suena como melodía pop de los 80 y después de toda la caña que nos ha dado, viene bien volver a respirar y mover el cuerpo

 

John Lennon - Double Fantasy (Mes John Lennon)

 

Hace 40 años, John Lennon y Yoko Ono lanzaron su álbum de regreso, Double Fantasy. Esta publicación marcó el primer lanzamiento de Lennon desde su retiro autoimpuesto de cinco años del negocio de la música en 1975, tiempo durante el cual se describió como un "marido de casa" y paso eso años en Manhattan criando al hijo de la pareja, Sean, mientras Yoko administraba las finanzas de la pareja. Tras el lanzamiento del álbum, Lennon hizo una entrevista en la que dijo que sus canciones en Double Fantasy salieron solas. Contrariamente a lo que Lennon le dijo a la revista, la mayoría de la música de Double Fantasy en realidad data de varios años atrás, y no fue la única música que compuso durante su "retiro". Lennon había comenzado a grabar demos en 1976 para un par de proyectos que nunca vieron la luz del día: un séptimo álbum de estudio no realizado llamado Between The Lines, y un musical basado en su vida con Yoko, llamado The Ballad Of John And Yoko. La música y las letras de ambos proyectos inconclusos se abrieron camino en las canciones firmadas por Lennon en este disco

Cuando Lennon viajo a las Bermudas en junio de 1980, trajo consigo una guitarra acústica y docenas de cintas de casete grabadas, que contenían fragmentos de canciones, que finalmente se convirtieron en "(Just Like) Starting Over" y "Beautiful Boy (Darling Boy)", allí fue también donde compuso "Woman", una canción a la que en broma se refirió como "la pista de los Beatles" debido a sus armonías intrincadas y relajantes. Estas canciones, junto con "Watching The Wheels" ya terminada, se convirtieron en la base de Double Fantasy.Después de varios días de preproducción con los músicos en el apartamento de la pareja en el Upper West Side, el Dakota, y en los estudios SIR, John y Yoko comenzaron oficialmente a grabar Double Fantasy el 7 de agosto de 1980 en Hit Factory en West 54th Street entre las avenidas Ninth y 10th. .

 

Durante esas sesiones, grabaron material suficiente para dos álbumes, uno que se lanzaría en otoño y otro llamado Milk And Honey, que se lanzaría en la primavera de 1981. Para garantizar su libertad artística, los Lennon's decidió financiar el álbum ellos mismos y luego firmar con la compañía discográfica con la oferta más alta. Finalmente firmaron con Geffen Records distribuido por Warner Brothers, por millones menos de lo que ofrecían los sellos principales, únicamente porque el suyo era el único sello que no exigía escuchar primero las cintas completas y Geffen se acercó a Yoko personalmente.

 

Cuando Double Fantasy finalmente se lanzó el 17 de noviembre de 1980, las críticas fueron variadas. Algunos críticos criticaron a Lennon porque creían que las canciones de Double Fantasy mostraban que había perdido su personalidad porque muchas de las canciones trataban sobre las alegrías de la paternidad y la felicidad doméstica. Y, en un extraño cambio, las pistas de Yoko, que en realidad fueron arregladas por Lennon, recibieron muchas críticas favorables por lo que algunos críticos llamaron su uso innovador de ritmos de baile orientados al funk. El 8 de diciembre de 1980, el día en que Lennon fue asesinado, el primer sencillo del álbum, "(Just Like) Starting Over", había alcanzado el número seis en la lista de sencillos y Double Fantasy acababa de llegar a las listas de álbumes. Menos de tres semanas después de la tragedia, el 27 de diciembre de 1980, "(Just Like) Starting Over" encabezó el Billboard Hot 100 durante la primera de cinco semanas, mientras que Double Fantasy llegó a la cima de las listas de álbumes durante ocho semanas.  Después de la muerte de Lennon, se lanzaron otros dos sencillos de Double Fantasy : "Woman", que pasó al número dos, y "Watching The Wheels", que alcanzó el puesto número diez. El 24 de febrero de 1982, Double Fantasy recibió el premio Grammy de 1981 por Álbum del año. La ceremonia marcó la primera aparición pública de Sean Lennon, de seis años, cuando acompañó a su madre al podio para recoger el premio.

 

El primer sencillo, "(Just Like) Starting Over", es una buena canción, pero lejos de lo que Lennon nos había entregado, demasiado contenido lírico. Para compensar encontramos “Watching the Wheels" y "Woman", sin duda dos de sus mejores canciones tras sus trabajos en The Beatles. "Watching the Wheels" es una canción sobre el artista reflexionando sobre la mediana edad (Lennon tenía 40 años cuando se lanzó el álbum y en el momento de su muerte). Y si alguna vez has estado enamorado, me refiero al amor real, entonces conoces el sentimiento que está incrustado en "Mujer". Lennon ha admitido que la canción no era solo para Ono, sino que estaba destinada a todas las mujeres.

40 años después, Double Fantasy es un buen álbum, tiene un par de canciones realmente geniales. Pero el asesinato de John Lennon y Double Fantasy están indisolublemente vinculados. Evaluar el álbum independientemente del asesinato, incluso 40 años después, es imposible.

John Lennon - Walls And Bridges (Mes John Lennon)

La música en historias: Walls And Bridges #MesJohnLennon

En Inglaterra el álbum Walls And Bridges sale a la luz en el año 1974, será el noveno álbum en la carrera en solitario de John Lennon.

El álbum ingreso al ranking el 19 de octubre y llego solo al numero 6, permaneciendo en total durante 10 semanas en las listas de éxitos de Inglaterra.

En Estados Unidos se publico el 26 de setiembre de 1974. Fue número uno en la Billboard y disco de oro, permaneciendo durante 35 semanas en las listas.

John Lennon se inspiró en un encuentro futbolístico entre Arsenal y Newcastle para diseñar
la portada del álbum, la portada es un dibujo hecho por John Lennon en 1952 cuando era un niño. El dibujo es una recreación de la final de la FA Cup de 1952 entre los clubes Newcastle United y Arsenal, cuando el chileno Jorge Robledo anota el gol del partido, cerca del galés Walley Barnes y los ingleses George Swindin y Jackie Milburn.

El álbum fue grabado en los estudios Record Plant de Nueva York entre junio y julio de 1974 durante el periodo en que Lennon estuvo separado de Yoko Ono. A excepción de Nobody Loves You que se grabó en Los Ángeles. Versiones alternativas de varias de estas pistas se publicaron en Menlove Avenue en 1986.

Otras canciones que también se grabaron durante estas sesiones, Goodnight Vienna un demo, escrita especialmente para Ringo Starr. Only You, otro demo para Ringo. Move Over Mrs. L. una canción escrita originalmente para Keith Moon.

En principio la idea de John Lennon era darle un sonido acústico a las canciones de este disco, y aunque Elton John influyo en la inclusión de más instrumentos, el concepto original prevaleció en algunas canciones.

En el disco participaron varios músicos, entre los cuales se destacan Elton John, Arthur Jenkins entre otros.

Las canciones que contiene el álbum son, Lado A: Going Down On Love, Whatever Gets You Thru The Night, Old Dirt Road, What You Got, Bless You, Scared. Lado B: #9 Dream, Surprise, Surprise (Sweet Bird Of Paradox), Steel And Glass, Beef Jerky, Nobody Loves You (When You’re Down And Out), Ya Ya.

John Lennon no sabia cual canción debería ser el sencillo principal del álbum, y solicitó la ayuda de Al Coury, el vicepresidente de marketing de Capitol Records. Lennon quedó impresionado con la actuación de Al Coury que hizo que el álbum tenga un éxito comercial tremendo. Y fue el mismo Al Coury quien eligió Whatever Gets You Thru the Night como primer sencillo.

En la canción Ya – Ya, donde Julian Lennon toca la batería. John sorprendió a Julian al incluir su nombre en los créditos del álbum. Y según recordó May Pang, Julian le dijo a John: ¡Si lo hubiera sabido, lo iba tocar mejor!

La primera edición en CD se publico el 20 de julio de 1987 sin ningún bonus track. El 4 de octubre de 2010, en conmemoración del 70 aniversario del nacimiento de John Lennon, fue reeditado como parte de Signature Box.

Cuando se le preguntó su opinión sobre Walls And Bridges durante la conferencia de prensa de su gira norteamericana de 1974, George Harrison lo describió como un álbum “encantador“. Ringo Starr dijo que admiraba todo el trabajo de Lennon, excepto Some Time in New York City, y elogió a Walls and Bridges como “el mejor álbum de los últimos cinco años“. Paul McCartney dijo que era un “gran disco“, pero agregó: “Sé que puede hacerlo mejor“.

Daniel

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John Lennon - Rock 'n' Roll (Mes John Lennon)

La música en historias: Rock 'n' Roll #MesJohnLennon

Rock and Roll, quizás uno de los ritmos que más me gustan, y porque no llamar a un álbum de música de esa forma, así que en la discografía de John Lennon no tuvo mejor idea que ponerle Rock and Roll, a su sexto álbum de estudio del artista. 

Pero la historia de esta disco esta envuelta en un acuerdo extrajudicial con el empresario de la música Morris Levy, que había denunciado a Lennon por una supuesta infracción de derecho de autor, como parte del acuerdo que John Lennon hace con Morris Levy, debía incluir tres canciones de propiedad de Morris Levy en sus siguiente disco. 

Pero los problemas no se terminan acá, la conducta errática del productor del disco Phil Spector, que llego a disparar en los estudios de grabación del disco, como también abandonar el proyecto y llevarse consigo todas las cintas. 

Con todas estas complicaciones John Lennon grabó y publicó otro álbum, Walls and Bridges, que solo incluyó una canción de la editorial de Morris Levy.

John Lennon logra recuperar las cintas que se había llevado Phil Spector, pero tras su publicación, Rock 'n' Roll obtuvo mayormente reseñas negativas de la prensa especializada, Lennon no acababa de tener suerte con Rock and Roll.​​ 

Sin embargo, consiguió buenos resultados comerciales al llegar a la sexta posición de las listas de discos más vendidos de los Estados Unidos y del Reino Unido y al ser certificado disco de oro en ambos países, el sencillo Stand by Me entró también en el puesto 20 de la lista estadounidense Billboard Hot 100 y en el treinta de la británica UK Singles Chart.​ Con su lanzamiento, Lennon finiquitó su contrato con Apple, regresó con Yoko Ono y abandonó temporalmente la música para ver crecer a su hijo Sean.​ 

Pero Lennon tendría una segunda oportunidad tras su muerte, Rock and Roll fue re editado junto con otros discos del autor, que salio a la venta en el año 1987. 

Los años fueron pasando y lejos de quedar en el olvido en el año 2004, Yoko Ono superviso una nueva edición del disco de Lennon agregando 4 nuevos temas extras al disco original, y finalmente en el año 2010 con motivo del 70 aniversario del nacimiento de John Lennon, Rock and Roll fue nuevamente re editado en un especial John Lennon Signature Box. 

Por ser un disco que en su nacimiento tuvo más de un traspié, y una mala prensa, fue lanzado y re editado al menos en tres ocasiones, esto demuestra el espíritu vivo de John Lennon en cada una de sus canciones. 

Daniel 

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